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Artista a cargo: Utagawa Kuniyoshi (1798-1861)

Breve descripción: Fue un artista que se inspiro en el periodo Edo en Japón que consistió en diversas transformaciones sociales, políticas y feudales que le permitieron a este país tener un desarrollo interno debido su aislamiento del mundo. Asimismo, este pintor se especializó en retratar el conflicto bélico, los guerreros y los héroes.

Relación con la obra: Para partir a analizar la dimension trascendente de los personajes de “El guardia, el poeta y el prisionero” se debe hacer una distinción entre cada uno de estos y sus diversas formas de relacionarse con otros personajes de la misma obra que permitieron el desarrollo de la trama destinada para esta obra. En ese sentido, Sugiyama, guardia que sin duda fue afectado por la custodia de los prisioneros de la cárcel de Fukuoka, a tal punto de que las diferentes disputas que este mismo tuvo puede representarse mediante esta obra en su esencia misma, reflejando de esta forma su dimensión en primera persona.

Puesto que, antes de ser guardia Sugiyama, luchó en diversas batallas y se caracterizó por su tenacidad y honor.

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Fecha de publicación: 2024

Autor: Gianmmarco Nocco

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Takiyasha the Witch and the Skeleton Spectre (1844)

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Takiyasha the Witch and the Skeleton Spectre (1844)

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Artista a cargo: Utagawa Kuniyoshi (1798-1861).

Breve descripción: Fue un artista que se inspiro en el periodo Edo en Japón que consistió en diversas transformaciones sociales, políticas y feudales que le permitieron a este país tener un desarrollo interno debido su aislamiento del mundo. Asimismo, este pintor se especializó en retratar el conflicto bélico, los guerreros y los héroes.

Relación con la obra: Está pintura hace alusión a aquel momento en el cual se encontró a Sugiyama muerto sin conocer las circunstancias:

“Lo que vi entonces hizo que quisiera refugiarme en un sueño. Era peor que una pesadilla. El pasillo central estaba salpicado de sangre de un rojo negruzco, y en el suelo había una gran mancha radiada. Aún caía sangre de la barandilla del segundo piso. El cuerpo colgaba, desnudo, de una cuerda atada a una viga del techo. (…) Tenía la cabeza caída sobre el pecho y me miraba fijamente. Era Sugiyama Dozan” (Pág. 9).

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Una obra de la autoria de Dane Khy, artista emergente de Ohio, Estados Unidos.

Técnica: pintura al óleo

Obra y trascendencia: Nocturnal Eyes es una composición que toma en cuenta elementos como las mariposas, atribuibles al cambio y la "metamorfosis de la trascendencia", que exaltan la belleza de aquellos ojos protagonistas del cuadro, que pueden ser interpretados como la visión de la dimensión de forma subjetiva, que al igual que el arte; pueden ser vistos de distintas formas. La realidad que transforma la trascendencia y que hace parte de ella, se enlazan en un conjunto de colores que generan una visión amplia y que relacionado a la fé, supone la luz que acompaña el ser y sentir humano.

"El hombre que antes era prisionero, ahora es libre, no por la ausencia de barrotes, sino por la presencia de Dios en su corazón."

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Artista a cargo: Francisco de Goya

Breve descripción: Goya vivió en múltiples cambios políticos y sociales que se ven reflejadas en sus obras, que lo llevó al expresionismo oscuro y dramático.

Goya creó esta obra de arte con la intención de hacer conciencia de las atrocidades que deja la guerra, teniendo en cuenta la época en la que se desarrolla el libro y la guerra que se explica en el trayecto de este.

"El mundo no es blanco o negro. Es gris, dificil y complicado"

(pag. 258)

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Artista a cargo: Vincent Van Gogh

Breve descripción: Van Gogh pinto este cuadro justo después de la muerte de su padre y fue su propia interpretación de La joie de vivre (La alegría de vivir) de Émile Zola que en su época se consideraba una biblia moderna.

Expresa su punto de vista en el cual la literatura es fundamental y su importancia que se tiene en la historia. En El poeta, el guardia y el prisionero, se refleja la batalla interna de Watanabe en destruir o conservar los libros y poemas censurados por sus superiores por sospechas de que se hacerme un revuelto de prisioneros en la prisión.

"Era terrible

Era terrible ver resistirse a aquel pobre ternerito al que llevaban al matadero, y que intentaba el agua de la lluvia de las paredes grises de la triste aldea.

¡Dios mio! Era tan tierno y tan bueno, el amigo de los caminos bordeados de acebo.

¡Dios mio! Tu que eres tan bueno, dinos que habrá perdon por todos nosotros y que algun día, en el cielo, ya no mataremos preciosos terneritos, y que seremos mejores, y que les pondremos coronas de flores en los cuernecitos.

¡Dios mio! No dejes que ese ternerito sufra demasiado al sentir el cuchillo."

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Tomado de Hombre de Vitruvio, 1492 - Leonardo da Vinci - WikiArt.org

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Artista: Leonardo da Vinci

El "Hombre de Vitruvio" puede interpretarse como una representación simbólica de la dimensión trascendental del ser humano. El equilibrio entre cuerpo y alma, lo terrenal y lo divino, y la conexión con el cosmos muestran que el ser humano no es solo un ser físico, sino también un ser espiritual con una capacidad innata para trascender y buscar lo eterno.

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Hombre de Vitruvio, 1492 - Leonardo da Vinci - WikiArt.org

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Autor: Michelangelo

Fecha de creación: 1513 y 1534

Serie de esculturas inacabadas muestra figuras humanas que parecen estar luchando por liberarse del mármol que las encierra.

Las esculturas simbolizan la lucha por la libertad y la autoexpresión, temas centrales en el libro. Los personajes del guardia, el poeta y el prisionero luchan por encontrar su identidad y libertad en un entorno opresivo.

“Mis ojos han visto demasiada barbarie. Solo tengo veinte años. […] Soy aún más culpable de otra cosa: el delito de no hacer nada. No impedí la muerte innecesaria de personas inocentes. Guardé silencio ante la locura.” .

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Artista: Edvard Munch

"El grito" refleja un profundo sufrimiento humano, pero este sufrimiento, cuando es comprendido en un contexto más amplio, puede considerarse como una manifestación del deseo de trascendencia. Enfrentar el vacío existencial y la angustia personal puede motivar la búsqueda de algo más allá de la experiencia inmediata: un anhelo de conexión con lo espiritual o con un propósito más profundo, que permita al ser humano encontrar paz y sentido en su existencia.

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Un artista como ningún otro

Grünerløkka, en Oslo, es en la actualidad uno de los barrios más populares para artistas y artesanos. Fue también aquí, en Olaf Ryes Plass, donde Edvard Munch emprendió su largo recorrido de artista en ciernes a ser conocido a nivel internacional.

Hoy en día, prácticamente todo el mundo ha oído hablar de él. Todo el mundo tiene algún tipo de relación con este pintor y su estilo tan característico. Sin embargo, muy pocos saben que era noruego.

"Esto puede deberse a varios motivos. Aparte del hecho de que vivía en Alemania en el momento en que se dio a conocer, su arte poco tiene que ver con lo noruego en el sentido de que la nacionalidad suele estar relacionada con una temática específica. No vemos, al menos de forma inmediata, presencia alguna de un vínculo afectivo con Noruega, como el que, por ejemplo, se observa en las obras de Tiedemann, Gude y otros de los grandes artistas noruegos", comenta Hans Richard Elgheim, especialista en obras de Munch.

Hans Richard explica que Munch tenía algo diferente. "Se centraba en las cuestiones existenciales, como la vida, el amor, la muerte y la ansiedad. Era un expresionista al que le gustaba plasmar sus sentimientos directamente sobre un lienzo. No era el tipo de artista al que le importasen las corrientes o técnicas pictóricas del momento. Era un pionero, y su arte es universal", apunta Hans Richard.

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¿Alguna vez te has preguntado cuál es la historia de esta famosa obra? Adéntrate en el famoso cuadro de Munch.

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Pintada en 1830, esta obra representa a una figura alegórica de la Libertad liderando al pueblo durante la Revolución de Julio en Francia. La Libertad, con una bandera tricolor en una mano y un fusil en la otra, está rodeada de un grupo diverso de personas que luchan por la libertad.

La figura de la Libertad liderando al pueblo en la obra de Delacroix simboliza la lucha por la justicia y la libertad. Los personajes del libro también buscan justicia y libertad en medio de la opresión, reflejando una lucha universal por los derechos humanos.

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Creada en 1937, “Guernica” es una de las obras más famosas de Picasso. La pintura es un mural en blanco y negro que mide 3,5 metros de alto por 7,8 metros de ancho. Representa el bombardeo de la ciudad de Guernica durante la Guerra Civil Española, mostrando el caos y el sufrimiento de las víctimas.

La devastación y el caos representados en “Guernica” reflejan la brutalidad de la guerra que los personajes del libro experimentan. La pintura captura el sufrimiento colectivo, similar a cómo los personajes enfrentan la violencia y la opresión en su entorno.

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Autor: Francisco de Goya

Pintada en 1814, esta obra muestra la ejecución de patriotas españoles por las tropas napoleónicas. La figura central, con los brazos en alto, simboliza la resistencia y el sacrificio.

La pintura de Goya captura la brutalidad de la opresión y la lucha por la libertad, temas que resuenan con la situación de los personajes del libro. La resistencia y el sacrificio del prisionero y el poeta reflejan la lucha por la dignidad y la justicia en tiempos de guerra.

“La guerra me había azotado como una tormenta de arena. De algún modo, a la vez que me gastaba, que me erosionaba, yo crecía poco a poco. […] Para llegar hasta aquí yo perdí mucho. Ya no puedo volver a ser el de antes.”

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Autor: Rembrandt

Esta obra maestra de 1642 muestra a una milicia cívica en movimiento, con un uso dramático de la luz y la sombra para destacar a los personajes principales.

La complejidad y la dinámica de los personajes en “La ronda de noche” pueden compararse con las relaciones y tensiones entre el guardia, el poeta y el prisionero. La obra de Rembrandt destaca la interacción humana y la lucha por el orden y la justicia, temas centrales en la novela.

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“El despacho de inspección era su solitario campo de batalla, y su enemigo eran los presos coreanos: comunistas decididos a sembrar el caos, terroristas cuyo objetivo era asesinar a oficiales de alto rango, anarquistas que intentaban derrocar el gobierno. […] Su mirada detectaba todas las expresiones con un significado ambiguo.”

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Piranesi - Estas imágenes opresivas de arquitecturas imposibles y laberínticas reflejan el encierro físico y emocional que viven los personajes en la prisión de Fukuoka.

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Miguel Ángel - La visión del juicio y la confrontación con uno mismo y con Dios es central en la transformación del protagonista, quien debe enfrentarse a sus actos y a su silencio en la guerra.

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La imagen es una obra de arte ukiyo-e que representa un guerrero samurái en combate. Está vestido con una detallada armadura y sostiene una espada, mostrando una expresión de ferocidad y determinación. La escena capta la intensidad de la batalla y refleja el valor y la tradición guerrera de los samuráis en medio de un conflicto épico.

"Todos abandonan este mundo, sobre todo los inocentes"

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La imagen muestra una escena de guerra caótica y desoladora, en la que los restos de cuerpos y estructuras destruidas cubren un paisaje sombrío. La obra transmite la devastación de la batalla y la pérdida de humanidad, reflejando la opresión y la privación de libertad. Las figuras y formas retorcidas sugieren el sufrimiento extremo y la descomposición de la esperanza en medio de la brutalidad del conflicto. La atmósfera es oscura y apocalíptica, resaltando la desesperanza y el horror que la guerra impone sobre los seres humanos y su entorno.

"-Es increíble que Dong-Ju haya muerto. Una persona tan bella...-Me dí la vuelta enseguida y me alejé avergonzado de mis lágrimas, inapropiadas en comparación con su dolor."

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La pintura muestra manchas de colores vibrantes —rojos, azules, verdes— que se mezclan caóticamente, representando el conflicto interno. Líneas negras, gruesas y delgadas, cruzan el lienzo, atrapando los colores pero también dejándolos expandirse en algunas áreas, simbolizando la lucha por la libertad. En una esquina, un vacío blanco sugiere la esperanza de escape y paz.

"Sabía que el era un preso, pero no sabía porque estaba en la cárcel. Sabía que era un poeta, pero no sabía que escribía. Sabía que leía libros, pero no sabía de que se trataban"

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Artista a cargo: Utagawa Hiroshige (1797–1858)

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El legado de cada uno de los guardianes que debieron primeramente luchar por su patria hace que ellos sean una figura de la fortaleza. Por lo tanto, a pesar de que las leyes de Japón por esa época eran bastante antagónicas de la libertad, quienes eran guerreros demostraban la lealtad por proteger a los ciudadanos de su país y defender sus creencias.

Justamente, esto demuestra una relación con Dios. Claro esta, que no propiamente de una religión eurocentrica, pero en definitiva que llevaban dentro de si una manifestación de fe. Porque existía su vocación por encontrar una salida a la situación que se encontraban viviendo.

Dong-Ju no tenía mucho tiempo para decidirse. ¿Qué era más conveniente, no hacer nada o actuar? Una acción precipitada podía resultar peligrosa, no solo para él, sino también para los demás. El hombre armado con el pincho se acercaba a toda prisa.

—A lo largo de los últimos seis años se me han ocurrido muchas ideas — dijo Choi—. Antes de cavar el túnel, medí el patio y decidí cuál era la mejor dirección. Conté con personas de confianza que me ayudaron.

—¿Qué piensas hacer cuando salgas?

—Marcharme. Irme lejos de esta guerra asquerosa, de este país (Pág.149)

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Este cuadro histórico retrata el asesinato de un revolucionario francés, capturando con dramatismo la violencia política que marcó una época de intensos conflictos. La escena refleja no solo el acto brutal de la muerte, sino también la profunda pérdida de la libertad individual en un contexto de agitación social. Los rostros en la pintura están cargados de tensión y desesperación, representando el sufrimiento tanto de la víctima como de los testigos de la violencia. A través de los colores oscuros y las sombras dramáticas, el cuadro transmite el clima de represión y miedo que prevalecía durante ese periodo. La figura del revolucionario, una vez llena de ideales de libertad y cambio, es ahora reducida a la brutalidad de su final, simbolizando cómo las luchas por la libertad personal y política a menudo terminan en sacrificios dolorosos. Este retrato no solo documenta un asesinato, sino que también es un reflejo de los costos humanos de la revolución y la lucha por el poder.

"Sentí una inmensa desesperanza. La repetición parecía anunciar la aceptación de su destino, pero el ultimo verso subrayaba que el dolorse prolongaría eternamente"

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La escena legendaria del libro “El guardia, el poeta y el prisionero” consiste en esta alusión figurativa de la libertad sobre los prisioneros que hace el escritor.

Sugiyama les permite rebeldía bajo su guardia dándoles la posibilidad de volar comentas en fechas de una celebración y a pesar de que esto no cambia su estadía en la cárcel de Fukuoka los hace sentir vivos. Sin duda, en esta escena se revive la presencia de Dios en su vidas, porque reconocen la esperanza en medio de la adversidad.

Dong-Ju me contó que se había quedado de pie en medio de su celda escuchando las explosiones. A los presos coreanos les había encantado; rezaban para que los B-29 estadounidenses convirtieran la ciudad en un infierno, aunque la carnicería los alcanzase también a ellos.

—Solo quiero asegurarme de que está viva —dijo encogiendo los hombros—. Ojalá pudiera volar una cometa. Si yo pudiese volar la mía, estoy seguro de que ella volaría la suya...

—Está prohibido volar cometas —repliqué angustiado de pronto por su congoja—. Estoy seguro de que hay alguna otra forma de confirmar que a esa niña no le ha pasado nada (pág.184).

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Autor: Haley Josephs

Técnica: lápiz de color y óleo

En la obra de Haley es notorio el cómo explora no solo la inevitabilidad del ciclo vital, sino también la posibilidad de trascender nuestra existencia limitada hacia algo más grande, eterno y significativo. La obra podría estar invitando al espectador o lector a reflexionar sobre su propia experiencia de vida, el sentido de su existencia más allá de lo físico, y la posibilidad de encontrar un propósito o conexión más allá de la muerte.

"El hombre no cambia por completo cuando atraviesa el umbral de la muerte. Lo que cambia es la forma en que el mundo lo ve."

Las transiciones significativas, ya sea físicas o espirituales, juegan un papel importante en la transformación al individuo, sino también su relación con el mundo. En el contexto de la obra de Lee Jung-myung, podría verse como un paralelo a la transformación que atraviesa el prisionero y su visión del mundo, algo similar al concepto de la pintura de Haley.

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Autor: Brook Hsu

Técnica: alfombra y tinta de goma laca

La caminata es, en sí misma, una metáfora poderosa de progreso y movimiento hacia adelante. En el contexto de trascendencia, una caminata no es solo un desplazamiento físico, sino un viaje hacia la superación de los límites, ya sean físicos, emocionales o espirituales. A lo largo de la caminata, el caminante puede encontrarse con obstáculos, desafíos y momentos de reflexión que lo invitan a cuestionar su existencia, a explorar nuevas perspectivas y a crecer. El viaje, en muchas tradiciones filosóficas y artísticas, es una metáfora central para el proceso de trascender las limitaciones humanas y alcanzar un nivel superior de comprensión o conexión con lo divino. En The Journey, el desplazamiento de un punto a otro no es solo físico, sino simbólico: es un tránsito hacia lo desconocido, un proceso de autodescubrimiento, evolución o búsqueda de significado.

"Aunque el camino parece largo y lleno de obstáculos, cada paso nos acerca más a la verdad que buscamos. A veces, el sufrimiento mismo nos revela la ruta hacia la liberación."

Este pensamiento resuena con la experiencia de caminar, tanto en The Journey como en la obra de Lee Jung-myung, donde el sufrimiento y la dificultad no son simplemente puntos de desesperación, sino que se convierten en catalizadores para la trascendencia. En The Journey, el viaje puede verse como un proceso en el que el viajero, al enfrentar las dificultades, va tomando conciencia de su propósito, de su fuerza interior y de su conexión con algo más grande que él mismo. Al igual que en la obra de Lee Jung-myung, el sufrimiento y los obstáculos del camino pueden convertirse en el medio para alcanzar una mayor comprensión y alcanzar una forma de liberación.