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Carlos Enríquez Zulueta, Villa Clara, Cuba, 1900 - La Habana, Cuba, 1957.

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Este artista es reconocido por realizar obras con dibujos escandalosos. Sus viajes y mirada internacional, lograron que este artista fuera reconocido en otros lugares siendo valorado por su arte.

"Hace pinturas murales, entre las que se destaca La Invasión, 1937, en la escuela “José Miguel Gómez” de La Habana. Ilustra numerosos libros, entre ellos El terror en Cuba, Canto del Caribe de Alberto Riera, El son entero y Elegía a Jesús Menéndez de Nicolás Guillén. Escribe tres novelas: Tilín García, La vuelta de Chencho y La Feria de Guaicanama" (Museo Nacional de Bellas Artes, s.f, p.1)

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El modernismo en el contexto latinoamericano

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El modernismo en el contexto latinoamericano

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El modernismo fue utilizado como una forma de reafirmar la identidad y la cultura local, y de luchar contra la influencia dominante de Europa y los Estados Unidos.

La expansión del capitalismo en la región tuvo un impacto en la producción y el consumo de arte y cultura, y en la creciente profesionalización de los artistas y escritores.

En Argentina, por ejemplo, la aparición de la revista "Martín Fierro" en 1924 impulsó una renovación de la cultura y el arte nacional, con el objetivo de crear una estética autóctona y moderna. Esta publicación, dirigida por artistas y escritores vanguardistas como Jorge Luis Borges, Oliverio Girondo y Xul Solar, se convirtió en un punto de encuentro para la discusión y el intercambio de ideas.

Por otro lado, en Uruguay, la creación de la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1908 y la fundación de la Asociación de Arte de Montevideo en 1923 impulsaron la profesionalización del arte y la formación de una comunidad artística en el país.

En Ecuador, el impulso del arte moderno llegó a través de la influencia de artistas europeos que visitaron el país, como el pintor español Joaquín Sorolla en 1906 y el escultor francés Antoine Bourdelle en 1911. Estos artistas no solo dejaron una huella en la producción artística ecuatoriana, sino que también contribuyeron a la formación de una conciencia estética moderna en el país.

En Chile, la creación de la Escuela de Bellas Artes en Santiago en 1849 y la aparición de publicaciones como "Atenea" en 1913 y "Ver y Estimar" en 1924, fomentaron la profesionalización del arte y la creación de una comunidad artística en el país. La obra del artista chileno Roberto Matta, quien participó en los movimientos surrealistas en Europa y luego se estableció en Estados Unidos, también tuvo un impacto significativo en la producción artística chilena y latinoamericana en general.

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Mujeres chilenas en la construcción de la modernidad: Una línea de tiempo desde el hogar al espacio público y artístico

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La crítica feminista al arte modernista y su exclusión de las mujeres artistas

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La crítica feminista al arte modernista y su exclusión de las mujeres artistas

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Siglo XIX: Las mujeres comienzan a buscar acceso a la cultura, la educación, el mundo laboral y la política. Aparecen las primeras sociedades mutualistas y de emancipación femenina.

1877: Se promulga el decreto Amunátegui en Chile, que autoriza el ingreso de las mujeres a la universidad.

1887: Se crea la Escuela de Artes y Oficios para mujeres.

1920-1930: Se producen debates sobre la condición femenina y sus derechos civiles y políticos. Las mujeres comienzan a aparecer en la esfera pública como periodistas, escritoras y artistas.

1922: Se funda el Partido Cívico Femenino.

1924: Se crea el Partido Demócrata Femenino.

A lo largo del siglo XX: Las mujeres se adentran en territorios políticos y artísticos predominantemente masculinos, aunque con acceso restringido o marginal. El mundo de la religión permite a las mujeres participar en el espacio público a través de actividades de beneficencia y educativas. La modernidad femenina se relaciona con el acceso a la formación intelectual, lo que permite a las mujeres ampliar su gama de oportunidades más allá del espacio doméstico. En el mundo del arte, la autolegitimación se facilita gracias a la oposición constante y excluyente del modernismo a la cultura de masas. Las mujeres artistas se reivindican como productoras ante un escenario predominantemente masculino.

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Celia Castro. "Las playeras" (1889). Pintura al óleo sobre madera. 139 * 188 cm. Museo O'Higginiano y de Bellas Artes de Talca.

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Celia Castro fue una pintora chilena nacida en Valparaíso, estudió pintura con Juan Francisco González en su ciudad natal y posteriormente fue alumna de Pedro Lira en Santiago. En 1889, viajó a París con Lira para asistir a la Exposición Universal, donde recibió una medalla de honor y el diploma especial. En 1904, recibió una beca del gobierno para continuar sus estudios en París en la Académie Julian, aunque ya se encontraba estudiando allí en 1901.

Castro destacó en la escena artística de su época y fue elogiada por su "vocación apasionada y admirable" y su "talento sobresaliente". Sin embargo, la marginación de las mujeres en el estudio al natural en su época la limitó en su competencia con los artistas masculinos en el desarrollo de géneros pictóricos considerados "modernos". A pesar de esto, Castro experimentó con la figura humana en su obra "Las Playeras" (1889), donde dos jóvenes mujeres caminan a la orilla del mar, incorporando el paisaje en su estilo que se asemeja al naturalismo y el realismo. Esta obra le valió una medalla en el premio de género del Certamen Edwards en 1896.

Castro regresó a Chile en 1927 y estableció su taller de pintura en Valparaíso, donde influyó en la generación de pintores porteños como Jim Mendoza, René Tornero, Chela Lira y Roko Matjasic. Su legado artístico incluye la incorporación de géneros modernos en la pintura, como el interiorismo costumbrista y el paisaje social, lo que la convierte en una representante importante en la modernización del arte chileno. Además, Castro fue la primera mujer en representar oficialmente la incorporación femenina en el arte nacional.

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Pintura al óleo. 67.4 * 77 cm. Museo Nacional de Bellas Artes.

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En el marco del desarrollo del arte modernista latinoamericano durante la primera mitad del siglo XX, se presenta la obra "Coqueta" de Elmina Moisan. La pieza fue exhibida en el Salón Artístico Femenino en 1916 y obtuvo la primera medalla en el Salón de 1919. En ella, se puede observar a una pequeña niña frente al espejo de un tocador, invitando a repensar la identidad de los espacios donde se construyen y afirman los sistemas de representación.

"Coqueta" es un ejemplo de cómo las artistas lograron revertir la mirada masculina sobre los espacios íntimos femeninos. Estas creadoras se sublevaron contra el estereotipo promocionado por los pintores masculinos, cuestionándolo abiertamente al sustituir a la mujer adulta y sensual, la stunner moderna o la femme fatale, por una niña o adolescente en pleno reconocimiento de su sexualidad.

La obra de Moisan representa una crítica feminista al arte modernista y su exclusión de las mujeres artistas, evidenciando cómo estas creadoras abrieron caminos nuevos en el campo artístico al desafiar los estereotipos y construir su propia identidad como mujeres y artistas en una sociedad que no siempre les brindaba los espacios y oportunidades que merecían.

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Laura Rodig. Desnudo de mujer (1937). Óleo sobre lienzo. 80 x 67 cm. Museo Nacional de Bellas Artes

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En esta parte del recorrido virtual por distintos países latinoamericanos, nos adentramos en la obra de Laura Rodig (1896-1972), una artista que en su trabajo reflejó los rasgos de la modernidad femenina a través del auto-reconocimiento. La obra de Rodig se enfoca en la creación de figuras femeninas masculinizadas, gruesas y desprovistas de pechos, con puños cerrados y combativos. Estos rasgos de la modernidad femenina permiten ejercer un centro diferente en la esfera de lo privado, es decir, una deconstrucción de la sexualidad y de su función reproductiva, la recuperación de la autonomía y la denuncia de las relaciones intrincadas en la sociedad moderna.

A través de su trabajo, Rodig propone nuevos modelos femeninos que aparecen en escena ligados a ámbitos de la bohemia, de lo masculino y de identidades sexuales alternas. Su obra se enmarca en un contexto en el que las mujeres artistas se sublevan al estereotipo promocionado por los pintores masculino, proponiendo una figura femenina diferente que busca su autonomía y deconstruye los estereotipos tradicionales.

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Este artista Mexicano conocido por sus obras representativas del arte popular. Tuvo un gran impacto en el arte del siglo XX. Que se encargaba de mostrar por medio de sus obras, su herencia mexicana, desde su escencia. Ayudo a impulsar la visibilidad el arte mexicano internacionalmente
"El curador del Museo Tamayo y especialista en el pintor oaxaqueño, comentó que la calidad de su pintura es de primerísimo nivel, pero además sus obras tienen un mensaje cifrado, un tiempo y un espacio indefinido y atemporal, que son valores que convierten su obra en contemporánea" (Govierno de mexico, 2014,p.1)

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Víctor Manuel (La Habana, 31 de octubre de 1897 - La Habana, 2 de febrero de 1969), es uno de los principales pintores que hacen parte del renovar del arte cubano, este solía romper paradigmas, una evidencia de ello es la utilización de colores fríos en sus obras, que  resultaba oponerse al sentimiento pop con el que se pretendía referenciar a Cuba, “la profundidad romántica de Víctor Manuel continúa ligada a la idiosincrasia natural del cubano, alegre en la desgracia y taciturno en la algarabía” (Fotosdlahabana-2022).

Sin duda alguna este artista se destaca porque comprende el instrumental de las vanguardias europeas postimpresionistas, las adapta y logra expresar aquella propia realidad que acontecía en su país, con la aplicación de la rica herencia africana y de la contribución de la cultura popular campesina.

Su obra la Gitana tropical es de hecho considerada  el primer clásico del Modernismo pictórico cubano, se observa en este oleo el retrato de una jovencita campesina, con rasgos blanconazos  como generalmente se le suele llamar en Cuba a los mulatos de color claro , ojos grandes y facciones indígenas, esta pintura  no  contiene muchos detalles, sin embargo el valor de esta para el arte en la modernidad cubana es significativo, pues representa la realidad cubana, los personajes que la suelen integrar como esta gitana, retratando así la  rica herencia africana y aquellos aportes de la cultura popular campesina.

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¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron Cuba?

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¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron Cuba?

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Durante la primera mitad del siglo XX ya sucedían varios ambientes en donde se pretendía que el arte moderno como tendencia evolucionara en aquella exploración para lograr el encuentro de identidad, lo propio, o una significación nacionalista.

Las Juevinas fue una de las tertulias más célebres de la isla, estas se venían llevando a cabo desde el siglo XIX por Domingo del Monte, escritor venezolano que desde muy joven residió en Cuba, participe también de la creación de la academia cubana de literatura, en los años 30’s esta terulia es liderada por Dulce María Loynaz Muñoz, quien convierte su hogar en el epicentro de estas reuniones en donde se presentaban una gran parte de intelectuales  y artistas del momento como Gabriela Mistral y Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Alejo Carpentier, Emilio Ballagas, Rafael Marquina, Carmen Conde, Gonzalo Aróstegui, María Villar Buceta y Angélica Busquet.

Las Peñas literarias se llevaban a cabo en la Terraza del Teatro Martí, en este espacio se cultivaba el modernismo, se intercambiaban y expresaban ideas, así mismo se llevaba activamente la crítica y el apoyo a ideas nuevas y diversas, en estos encuentros podíamos encontrar dos grupos los “líricos rebeldes” encontrándose en este a escritores como Rubén Martínez Villena y Gustavo Robreño y el segundo grupo eran “los románticos” con Gustavo Sánchez Galarraga, el dibujante el Dalmau, etc.

La Revista de avance fue otro espacio en donde se producían discusiones en torno a las preocupaciones éticas y estéticas que sentían los artistas y escritores de la época, cuyo deseo era el quebranto de las practicas artísticas academicistas, promoviendo así una reforma intelectual. En cuanto a las galerías de arte que fueron lugares de difusión  están la Galerita de la Habana, Galería Estudio Los Oficios, Galería Habana, entre otros.

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(Capivari, 1 de septiembre de 1886-São Paulo, 17 de enero de 1973)

Es considerada como la pintura más importante y representativa de la primera etapa del movimiento modernista de Brasil, y De hecho fue su pintura Abaporu, creará 1928 la que inaugura el movimiento antropofagia, entre los artistas de su país.

Esta artista quién nace de una familia adinerada, encuentra apoyo de sus padres para estudiar e involucrarse en el arte, lo cual constituye en una contradicción desde el punto de vista cultural teniendo en cuenta que en su país y en ese entonces era muy poco habitual que una mujer se involucrara en el arte y sobre todo se le permitiera. hacia 1922 inaugura en compañía de 5 amigos la Organización Semana del Arte Moderno, que da lugar a un hecho histórico fundamental en el desarrollo del Gobierno de Brasil.

El propósito en esta instancia era poder cambiar el arte que ya estaba establecido, qué consideraban conservador, imitador para un país tan complejo y rico culturalmente como lo es Brasil. desde este enfoque comenzaron a adaptar las vanguardias europeas, como el cubismo, el futurismo y el expresionismo. y teniendo en cuenta la particularidad de estos movimientos vanguardistas en cuanto a su interés con los aspectos culturales y primitivos, esto constituyó en una gran oportunidad por parte del artista para mostrar toda la riqueza cultural primitiva de su país.

En este proceso conoce a Oswald de Andrade, quién se inspira en el trabajo de Amaral, y escribe su Manifiesto Antropofágico, que casi de manera literal es una invitación a los brasileños para devorar los estilos europeos, para librarse de su influencia y crear así su propio estilo y cultura.

Es a partir de 1931 cuando en su viaje a la Unión Soviética empieza a conocer una visión más social y política del arte, y es por esta razón que es apresada por el entonces dictador Getúlio Vargas. Esta circunstancia le representó más bien un impulso para empezar una visión del arte desde una perspectiva social.

OBRAS:

ABAPORU (1928): esta obra representa al hombre qué come carne humana, en lengua tupí guaraní. y se trata de una pintura creada como regalo para el escritor Oswald de Andrade, considerada también como un icono del arte brasileño y que se considera como la obra que inaugura el movimiento artístico más importante de Latinoamérica: la antropofagia.

Conceptualmente, sitio para entender la posibilidad de canibalizar el arte extranjero, y de esta manera utilizar las características y elementos culturales locales para crear un tipo de arte más autóctono y original. en esencia se trataba de crear una combinación entre la cultura popular brasileña y las influencias extranjeras, procurando no perder la identidad indígena.

LA LUNA (1928): esta es una de las obras cumbre de la artista y perteneciente también a la fase antropofágica, y comprada recientemente por el Museo de Arte Moderno De Nueva York, por cerca de 20000000 de dólares lo que lo convierte en una de las obras más costosas del arte brasileño hasta el momento. Se considera que en esta obra se nota una importante influencia de Picasso, Magritte o Léger, Holguín dado su influencia de Europa en su obra. En esta obra se hace una representación de la figura humana al mismo tiempo qué de un solitario cactus, como haciendo una mezcla simbólica entre lo vegetal y lo animal, sumergidas en una noche en la que sobresale una luna menguante. Para muchos críticos, representa un paisaje onírico de carácter surrealista, qué combinó perfectamente las vanguardias europeas y la tradición brasileña.

OBREROS (1933): esta obra constituye en una de sus etapas finales que involucra un arte más social, que para muchos significa una conversión hacia el comunismo. Tras su viaje a la Unión Soviética comprende una visión de la realidad del marxismo, y al regresar a Brasil se convierte en Participe activo del Partido Comunista brasilero, de tal manera que sus obras empiezan a trabajar y mostrar una temática política y social. en esta pintura en específico se plantea una muestra de la industrialización por la que estaba viviendo el pueblo de Brasil, qué atrajo trabajadores de todo el planeta y generó como consecuencia un proceso de marginalización y explotación de una nueva clase social, de carácter obrero y que vivió la opresión y el maltrato constante, que al mismo tiempo permitió el crecimiento de grandes ciudades como Sao Paulo y Río de Janeiro.

Es así como se pretende mostrar un retrato colectivo de los trabajadores, en donde se pueden ver claramente personas de todas las razas, sexos y edades, con un rastro común como lo es la tristeza producto de la indiferencia y el cansancio. se constituye en un retrato que ejemplifica la vulnerabilidad en las condiciones de vida de las grandes ciudades.

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a. ¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte en el país? 

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a. ¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte en el país? 

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En el desarrollo del arte en Brasil durante la primera mitad del siglo XX, se pueden identificar diversos elementos modernos que caracterizaron este periodo de innovación y experimentación artística. Algunos de estos elementos modernos incluyen:

1. La influencia del movimiento modernista europeo: El arte moderno en Brasil fue influenciado por los movimientos artísticos europeos del siglo XX, especialmente el cubismo, el futurismo, el expresionismo y el surrealismo. Estos movimientos europeos influyeron en el arte brasileño, pero también se adaptaron a la cultura y la identidad nacional brasileña.

2. La exploración de la identidad brasileña: Los artistas brasileños buscaron expresar la identidad cultural del país a través de su arte, reflejando su diversidad étnica, histórica y social. Esta exploración de la identidad brasileña se reflejó en la obra de artistas como Tarsila do Amaral y Portinari.

3. La experimentación con nuevas técnicas y materiales: Los artistas brasileños experimentaron con nuevas técnicas y materiales, como el collage, la abstracción, la escultura en hierro y la cerámica. Estas innovaciones permitieron a los artistas brasileños crear obras únicas y originales.

4. La fundación de escuelas de arte y la promoción de la educación artística: Durante este periodo, se fundaron diversas escuelas de arte en Brasil que fomentaron el desarrollo de nuevas formas de expresión y estilos. La educación artística se consideraba esencial para el desarrollo del arte en Brasil y para el fomento de nuevas generaciones de artistas.

5. El compromiso social y político: Muchos artistas brasileños se involucraron en cuestiones sociales y políticas a través de su arte, reflejando la realidad de la sociedad brasileña y denunciando la injusticia social y la opresión. Este compromiso social y político se reflejó en la obra de artistas como Portinari y Anita Malfatti.

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Wilfredo Lam (1902-1982):

Este Artista cubano gran amigo de Diego Rivera y Frida Kahlo. Reflejaba por medio de sus obras representaba la situacion politica y cultural de sus raices combinando los colores y las formas para crear un concepto caribeño y africano, lo cual logro aprobacion por su pueblo.  “La combinación del surrealismo y el cubismo le permitieron a Wilfredo Lam, la recreación de la situación del Caribe que, combinada con su extenso conocimiento de la cultura africana, lograron una identificación del pueblo con suobra”. (Celemin Reyes,2009, p.46)

Wilfredo fue un gran representante del arte moderno, ya que por medio de la experimentacion y fuera de lo tradicional, logro crear una identidad e impacto en las personas, por su arte diferente lo cual hace parte del siginificado de arte moderno que es muy diferente al tradicional o academico.

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Santiago de Cuba: 505 años de tradición y modernidad. (2020, 25 julio). Agencia Cubana de noticias. http://www.acn.cu/cuba/67909-santiago-de-cuba-505-anos-de-tr

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¿Cómo se desarrolló la modernidad en Cuba?

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¿Cómo se desarrolló la modernidad en Cuba?

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Al lograr cuba su independencia lo hace de la mano de Estados Unidos, es así cuando en 1902 Cuba se convierte en una república, aquella relación tan estrecha que sostenían estos países en parte era debido a la enmienda Platt, enmienda que le daba el poder a los estados Unidos de intervenir en Cuba si se veían afectados sus bienes dentro del territorio, este vínculo trae consigo la modernidad a Cuba, esto se atribuye a que Estados Unidos llevaba la ventaja en ciertos temas como democracia, economía, industrial ,etc.

Frente al tema Siria Varona y Yaima Rodríguez nos dice que Cuba, como parte de América Latina, construyó su modernidad desde la reflexión crítica de los fundamentos teóricos de la modernidad burguesa. Ella fue la toma de conciencia de las contraposiciones esenciales entre el sistema de valores burgueses elaborados por los ilustrados, que expresaban la superioridad de las relaciones económicas de producción capitalistas sobre las feudales, y las desigualdades económico – políticas y sociales que las caracterizaron. (Varona, Rodríguez,2011).

Enrique José Varona hizo parte de quienes representaban la modernidad burguesa cubana y es quien marca un precedente en el comienzo de la degeneración de la burguesía universal, como consecuencia de esto realiza criticas acerca de diferentes interrogantes teóricas relacionadas con la ciencia, filosofía, religión y de la metamorfosis capitalista a una fase imperialista en cuba.

En cuanto a las artes visuales durante la primera mitad del siglo XX más exactamente es en 1927 y 1950,se da una serie de nuevos estilos y tendencias no muy consecuentes unos con otros, produciendo dos momentos relevantes, que son la generación de los iniciadores y la de los más jóvenes ,estos últimos con nuevas  ideas nuevas  contribuyen al evolucionar del arte moderno, Víctor Manuel es quien abre la modernidad este artista en repetidas ocasionas viaja a Europa en donde estudia y empieza a tener contacto con la pintura moderna a través del postimpresionismo.  años más adelante reside y pinta una de sus obras más icónicas que es La Gitana Tropical.

Wifredo Lam es otro artista relevante para el modernismo cubano es quien logra un reconocimiento significativo para la herencia afrocubana, a través de una beca en 1923, logra estudiar en España en donde empieza a tener cercanía con las ideas y los movimientos del arte moderno, luego en 1938 se muda a Paris en donde conoce a Picasso, es en la Galería Pierre en París donde elabora su primera exposición.

Observemos el papel fundamental que juega Europa y Estados Unidos en la influencia del arte, la actividad política y económica en Cuba, generando la apropiación de estilos extranjeros en el país, sin embargo, esto contribuyo a un avance que posteriormente desencadena la busca de lo “propio” que se nutre de tradición afro y  de los guajiros, reconociendo el valor popular,hallando formas  propias de expresión.

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Carlos Enríquez-El rapto de las mulatas.

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¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte en Cuba ?

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¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte en Cuba ?

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A finales de la década de los 20’s América Latina experimenta el “alzarse a la modernidad", este acontecimiento era la exploración de la modernización artística y arquitectónica, en donde se pretendía la representación de una identidad, una significación nacionalista, que rescatara y afirmara las virtudes nacionales.

Cuba hacia parte de este suceso, para ellos “lo propio” o nacional se componía de tradiciones afrocubanas, los guajiros y las manifestaciones de arte popular, con elementos originarios de África o de España, los artistas modernos empiezan a retratar la realidad que ellos perciben en su cotidianidad, estos acentúan su atención en el carácter mestizo, racial, de esta cultura.

En los inicios de esta nueva corriente artística, para ser más exactos entre 1927 y 1950, se dan dos instantes totalmente divergentes, que son la generación de los iniciadores y luego la de los más jóvenes, en donde estos aportan a lo que se venía trabajando, contribuyendo en la labor de manifestación nacional dentro de la modernidad artística occidental.

En este primer periodo de la mitad del siglo XX   se adentra la modernidad a cuba con la influencia de corrientes postimpresionistas europeas cuyo objetivo era interpretar la realidad nacional en sus paisajes tradiciones y personajes. A finales de la década de los 40’s las formas de la pintura figurativa se transforman por un estilo internacional que se venía desarrollando el cual era la abstracción, para la década de los 50’s los artistas empiezan a interesarse mucho más por aquello más novedoso que se venía trabajando en Europa y Estados Unidos.

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a. ¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte en ese país? 

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a. ¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte en ese país? 

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El arte en México comienza a tener importantes cambios que van de los temas indígenas y autóctonos del siglo XIX, hacia un arte más dramático producto de la influencia de la Revolución mexicana de 1910 a 1920. este conflicto dio origen al Partido Revolucionario Nacional, dada su influencia y fin político, comienza un proceso de conciliación hacia los artistas, con el fin de la realización de murales para edificios públicos que les permitieran transmitir mensajes políticos, de tal manera que se diera preferencia a los temas mexicanos más que a los europeos. este tipo de producción artística que estaba relacionada notoriamente con la propaganda política se conoce como la escuela modernista mexicana o el movimiento muralista mexicano. desde la perspectiva de Octavio Paz (1987), el movimiento muralista mexicano tiene su origen en José Vasconcelos, dado que inicia con él la tarea de decoración de las paredes de los edificios públicos por parte de los pintores más conocidos, y que tenían claramente el fin de glorificar la Revolución Mexicana, y de una u otra manera relacionarlo con su pasado indígena y español (Bailey, 2005).

Sin embargo, se sabe que el pionero del mural moderno en México fue el Dr. Atl (Gerardo Murillo) y es para la década de 1930 cuando el movimiento muralista alcanza su máximo apogeo a través de los artistas Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Fernando Leal.

Por otro lado, surge otro artista, Rufino Tamayo, contemporáneo de los artistas del movimiento muralista, que decide romper con el estilo nacionalista del movimiento muralista, que se identifica primero con el realismo, y luego con una integración entre la herencia precolombina autóctona y las nuevas técnicas y experimentos artísticos de comienzo de siglo.

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b. ¿Cómo se desarrolló la modernidad en ese país?

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b. ¿Cómo se desarrolló la modernidad en ese país?

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Un aspecto fundamental en la historia moderna de México es el periodo etapa histórica denominada el porfiriato que transcurre desde el ascenso a la presidencia de Porfirio Díaz a finales de 1876 hasta su renuncia en mayo de 1911. Durante este proceso de su presidencia En México se generaron importantes cambios políticos sociales y económicos, se generó una influencia cultural desde fuera del país que lo potencializó, al mismo tiempo que se empezaron a vislumbrar crisis social es producto de la desigualdad social qué caracterizó el llamado “progreso positivista”. Se entiende que en este periodo c favorece la inversión extranjera, qué lejos de permitir un crecimiento social en las poblaciones, significó un crecimiento económico de las grandes empresas, y la permisividad con respecto a la desigualdad y maltrato laboral.

Antes de que finalizara este periodo político sí presenta la Revolución Mexicana que se entiende como un conflicto armado iniciado en noviembre de 1910, a propósito de lo que también fue considerado como una dictadura en cuanto a lo que se refiere al porfiriato. Durante este proceso revolucionario economía de México tenía importantes problemáticas, y una de las fundamentales era la parálisis de la producción agrícola, mientras algunas áreas de producción industrial mantenían un relativo crecimiento. un impacto fundamental era la escasa circulación monetaria la carestía la escasez y la especulación de productos alimenticios.

Desde el punto de vista de la historiografía mexicana, cuando finalizan los procesos de conflicto durante el período de revolución se genera un periodo post revolucionario, que inicia finalizando la Revolución Mexicana y hasta principios del conocido México contemporáneo, este periodo de post revolución transcurre entre 1920 y 1936, y supone un periodo en el que aspectos como la educación el arte y la cultura adquirir importante trascendencia irrelevancia en la sociedad.

La inversión extranjera tuvo un importante impacto a partir de la revolución, teniendo en cuenta que surgen políticas públicas como la ley de expropiación, que le daba prevalencia Propiedad nacional sobre los recursos naturales por encima de las compañías extranjeras que pudieran estar explotando dichos bienes. para mediados de los años 1930, se inicia una serie de esquemas de política internacional, claramente conciliadores y sobresalientes con respecto a los Estados Unidos de América que se encontraba claramente dentro del marco de conflicto bélico hora de la Segunda Guerra mundial.

Surge entonces a partir de la revolución una influencia notoria, de la crítica hacia las injusticias sociales que dan lugar al surgimiento del llamado Sindicato De Obreros, Técnicos, Pintores Y Escultores, qué cuenta con la participación de artistas como David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, José Clemente Orozco entre otros, buscando desde este sindicato procurar un mexicanismo, un sentimiento y una dedicación hacia el sentimiento patriota.

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Esta reconocida artista Mexicana tambien hace parte tanto del desarrollo como represnetacion del arte moderno en Latinoamerica. Con la llegada de las vanguardias, Kahlo representa el surrealismo en latinoamerica. Con temas como los abortos, la muerte y el dolor, creando obras nuevas para la cultura mexicana. El arte moderno se trata de experimentar y romper con la estructura o regla del arte academicoo tradicional.

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c. ¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en cada país? [tertulias, galerías, revistas, asociaciones, etc.)

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c. ¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en cada país? [tertulias, galerías, revistas, asociaciones, etc.)

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Una característica importante desde el punto de vista cultural y artístico del porfiriato es la prevalencia del interés sobre el arte francés, y sobre una estilística basada en el concepto de “el buen gusto”, entonces claramente podía distinguirse una preferencia hacia modelos franceses como el Art Nouveau, qué no tarda en perder sentido en la medida en el que el porfiriato va llegando a su fin, que coincide de alguna manera u otra con el apogeo de las vanguardias artísticas.

Es así como durante las primeras décadas del siglo 20 el arte en México entra en una variedad de tendencias, que confluían hacia el conservadurismo y con una cara de influencia y cauce hacia lo revolucionario, coincidente con el que nos aspectos en La Vanguardia internacional. aspecto importante en esta evolución es amplia opinión coincidente y relacionado con el quehacer de la vista y la función del arte, de una u otra manera una visión introspectiva.

Surgen publicaciones como la Revista Moderna de México, tiene vigencia entre 1903 y 1911 y que se encontraba en el marco de las élites culturales del país. Existían revistas con temáticas con espectros más amplios como El Mundo Ilustrado, con una vigencia entre 1894 1914, qué comprendía necesariamente la difusión de la novedad en el arte y la literatura, al mismo tiempo que su crítica. estas revistas se convirtieron en una manera de ver el arte mexicano como un arte imperfecto qué contradecía el éxito que logró México en la exposición de 1900. Aparentemente, las publicaciones de estas primeras lacras coincidían con una mención del arte mexicano como carente de identidad (De Bosch, 1992).

Más adelante se logra que revistas como Arte y Letras, Sabía Moderna, El Diario Ilustrado y la Nueva Era, comenzarán a publicar crónicas con una mejor visión y un mejor concepto acerca del arte mexicano que empieza a claramente a mostrar una influencia del modernismo, y que se ve claramente manifestada a partir de los artículos respecto a Gerardo Murillo y Diego Rivera.

Una de las asociaciones más importantes que se logran consolidar a raíz de la revolución y que involucra el primer manifiesto artístico En México es precisamente el Sindicato De Obreros, Técnicos, Pintores Y Escultores.

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d. ¿Hubo un manifiesto de arte en ese país hecho por artistas o literatos?

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d. ¿Hubo un manifiesto de arte en ese país hecho por artistas o literatos?

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A raíz de los efectos que trajo la revolución, y lo que para algunos se consideraba como una crisis del arte en México, se presenta una oportunidad de establecer un esquema ideológico y de forma de hacer arte. para la década de 1920 David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, regresan hora de Europa, y después de tener una clara influencia por los esquemas del comunismo europeo, de declararse opositores de la pintura académica de España y del art Nouveau, y por el contrario herederos de Cézanne y admiradores de Picasso y Juan Gris, y como fieles seguidores de experimentos cubistas y futuristas, comienzan un trabajo importante, con el fin de manifestar la necesidad de conformar una sociedad de carácter gremial, con estatutos y que a través de un manifiesto lloverá inculcar la conciencia de los pintores y del mundo cultural de su país (Donahue, 2008).

Es así como en 1922, a partir del liderazgo de Siqueiros, se crea el Sindicato De Obreros, Técnicos, Pintores Y Escultores. para 1923 Siqueiros da a conocer el llamado manifiesto programático, qué está específicamente dirigido a la población indígena que se considera humillada y ofendida, a los obreros y campesinos y en general aquellas personas que no estuvieran al servicio de la clase burguesa, en contradicción con lo que yo llamaba la pintura de caballete, de tal manera que querían hacer prevalecer el arte público como lo es el muralismo, bajo una premisa estética inspirada por el socialismo.

En términos generales el manifiesto en sí mismo lo que procura era establecer un discurso de protesta, para establecer una dinámica de arte social, qué estuviese al servicio del pueblo, a partir de la estética y de las formas del arte público.

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b. ¿Cómo se desarrolló la modernidad en ese país? (Inversión extranjera, artistas viajeros de América a Europa o viceversa, acontecimientos políticos, etc.) 

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b. ¿Cómo se desarrolló la modernidad en ese país? (Inversión extranjera, artistas viajeros de América a Europa o viceversa, acontecimientos políticos, etc.) 

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El desarrollo de la modernidad en Brasil fue influenciado por diversos factores, entre ellos la inversión extranjera, el viaje de artistas brasileños a Europa y viceversa, y los acontecimientos políticos del país.

En cuanto a la inversión extranjera, durante la primera mitad del siglo XX, Brasil se convirtió en un destino atractivo para los inversores europeos y estadounidenses. La inversión extranjera trajo consigo nuevos materiales, tecnologías y estilos, lo que permitió a los artistas brasileños experimentar con nuevas formas de arte.

Además, muchos artistas brasileños viajaron a Europa en busca de nuevas influencias y técnicas artísticas. Por ejemplo, en 1923, un grupo de artistas brasileños, entre ellos Tarsila do Amaral, Oswald de Andrade y Mario de Andrade, viajaron a París y entraron en contacto con el movimiento artístico moderno europeo. Estos artistas se inspiraron en el cubismo y el surrealismo europeo, pero también integraron elementos de la cultura brasileña en sus obras.

Por otro lado, los acontecimientos políticos también jugaron un papel importante en el desarrollo de la modernidad en Brasil. En 1930, Getúlio Vargas asumió el poder en Brasil y comenzó una serie de reformas que incluyeron la creación del Ministerio de Educación y Salud Pública y la fundación de la Universidad de São Paulo. Estas reformas fomentaron la educación y la cultura, incluyendo el arte, lo que permitió un mayor desarrollo y experimentación en el campo del arte moderno.

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c. ¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en cada país? [tertulias, galerías, revistas, asociaciones, etc.)

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c. ¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en cada país? [tertulias, galerías, revistas, asociaciones, etc.)

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Durante la primera mitad del siglo XX, Brasil tuvo una serie de espacios de difusión del arte de la modernidad, incluyendo tertulias, galerías, revistas y asociaciones.

Las tertulias eran encuentros informales en los que los artistas y los intelectuales se reunían para discutir sobre arte, literatura y política. En estos espacios, los artistas podían presentar sus obras y recibir comentarios y críticas de sus colegas. Algunas de las tertulias más famosas fueron las organizadas por Oswald de Andrade y Tarsila do Amaral en su casa en São Paulo.

Las galerías también fueron un espacio importante para la difusión del arte de la modernidad en Brasil. Durante los años 30 y 40, se crearon varias galerías de arte moderno en São Paulo y Río de Janeiro, como la Galería Prestes Maia, la Galería Itá y la Galería Jean Boghici. Estas galerías permitieron a los artistas exhibir sus obras y atraer a nuevos públicos interesados en el arte moderno.

Las revistas de arte también jugaron un papel importante en la difusión del arte de la modernidad en Brasil. En 1924, el escritor y crítico de arte Mario de Andrade fundó la revista "Klaxon", que se convirtió en una plataforma importante para los artistas modernos. También surgieron otras revistas, como "Revista de Antropofagia" y "Suplemento Dominical do Jornal do Brasil", que promovieron el arte moderno y publicaron textos y ensayos críticos sobre el tema.

Finalmente, las asociaciones de artistas también fueron importantes para la difusión del arte de la modernidad en Brasil. La "Sociedade Pró-Arte Moderna" (SPAM), fundada en 1932 en São Paulo, fue una de las más influyentes y contribuyó a la organización de exposiciones, conferencias y debates sobre el arte moderno en Brasil. Otras asociaciones, como la "Associação Brasileira de Escultura" y la "Associação Brasileira de Artistas Plásticos", también tuvieron un papel destacado en la promoción del arte moderno en el país.

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d. ¿Hubo un manifiesto de arte en ese país hecho por artistas o literatos?

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d. ¿Hubo un manifiesto de arte en ese país hecho por artistas o literatos?

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Brasil hubo un manifiesto de arte muy importante que fue redactado por el escritor y poeta Oswald de Andrade en 1928, llamado "Manifiesto Antropófago".

El Manifiesto Antropófago fue una propuesta vanguardista que defendía la idea de que la cultura brasileña debía "devorar" la cultura europea y asimilarla de manera crítica y creativa, en vez de simplemente imitarla. Según Oswald de Andrade, la "antropofagia" cultural era una forma de liberación y de construcción de una identidad cultural propia y original para Brasil.

Este manifiesto fue muy influyente en el movimiento modernista brasileño y en el desarrollo del arte de vanguardia en Brasil. Los artistas modernos adoptaron la idea de la antropofagia cultural y buscaron desarrollar una estética brasileña única y original, basada en la fusión de influencias culturales diversas.

Además del Manifiesto Antropófago, otros artistas y literatos brasileños también escribieron manifiestos y textos teóricos que fueron importantes para el desarrollo del arte moderno en Brasil, como el poeta y crítico de arte Mário de Andrade, quien escribió "A Escrava que Não é Isaura" en 1925, y el arquitecto y teórico Lúcio Costa, quien escribió "Manifesto da Arquitetura Moderna" en 1930.

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¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en cuba? [tertulias, galerías, revistas, asociaciones, etc.)

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¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en cuba? [tertulias, galerías, revistas, asociaciones, etc.)

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Durante el siglo XX en Cuba, hubo varios espacios de difusión del arte de la modernidad, incluyendo:

Tertulias: Desde los años 20, se reunían en cafés, bares y casas particulares grupos de artistas e intelectuales para discutir arte y literatura. Entre las tertulias más importantes se encuentran las del poeta Nicolás Guillén y las del escritor José Lezama Lima.

Galerías de arte: En La Habana, surgieron varias galerías de arte moderno en las décadas de 1940 y 1950, como la Galería Cubana de Arte Moderno y la Galería de Arte Color-Luz, que promovieron la obra de artistas como Wifredo Lam y Amelia Peláez.

Revistas: A partir de la década de 1920, surgieron varias revistas literarias y de arte que difundieron las ideas de la vanguardia. Algunas de las revistas más importantes fueron Orígenes, dirigida por Lezama Lima, y Revista de Avance, que contó con la colaboración de escritores como Alejo Carpentier y José Martí.

Asociaciones: En los años 40, se fundaron varias asociaciones de artistas, como la Asociación de Pintores y Escultores de Cuba y la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), que promovieron el arte moderno y la literatura experimental.

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¿Hubo un manifiesto de arte en CUBA hecho por artistas o literatos?

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¿Hubo un manifiesto de arte en CUBA hecho por artistas o literatos?

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En Cuba se han producido varios manifiestos de arte hechos por artistas y literatos a lo largo de la historia. Uno de los más destacados fue el "Manifiesto de la Orientalidad", redactado en 1927 por el poeta y escritor cubano José Lezama Lima y otros artistas, en el que se buscaba crear una identidad artística propia de la región oriental de Cuba, alejada de los modelos culturales europeos y americanos.

Otro importante manifiesto de arte en Cuba fue el "Manifiesto de la plástica abstracta", redactado en 1957 por un grupo de artistas encabezado por Guido Llinás y que buscaba promover la abstracción en la pintura y escultura cubanas, en contraposición al realismo socialista impuesto por el gobierno de la época.