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ᴘʀɪɴᴄɪᴘɪᴏꜱ ᴅᴇʟ ᴅɪꜱᴇÑᴏ ɢʀÁꜰɪᴄᴏ

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ᴘʀɪɴᴄɪᴘɪᴏꜱ ᴅᴇʟ ᴅɪꜱᴇÑᴏ ɢʀÁꜰɪᴄᴏ

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Diseño gráfico

Principios del diseño

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El diseño gráfico es una disciplina creativa que combina imágenes, tipografía y elementos visuales para comunicar mensajes de manera efectiva. Se enfoca en la creación de soluciones visuales atractivas y funcionales, utilizadas en medios impresos y digitales, con el objetivo de transmitir información o conceptos de manera visualmente impactante.

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En este apartado he añadido un documento que incluye un resumen de los apuntes sobre el tema del diseño gráfico, donde he proporcionado una explicación más detallada para comprender este campo.

(He añadido la imagen en PNG y el enlace en la palabra "diseño gráfico", dado que, he estado 1 semana intentando añadir el PDF, pero no me deja)

En esta carpeta encontramos:

Vídeo con todos mis apuntes e información buscada por mi cuenta (no me deja insertarlo en PDF)

Documento PDF con esquema de lo que introducí en la presentación

Continente

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Para este apartado, he hecho uso de una presentación donde explico todos los puntos de los principios del diseño gráfico, incluyendo también en el apartado de los "Principios de la Gestalt" todos mis ejercicios y bocetos con su explicación.

Incluyo:

Una carpeta donde incluyo todas las tareas realizadas por mi de los principios de la gestalt, con otra carpeta donde he añadido algunas ideas que no acabé finalmente.

La carpeta "Notas", donde encontramos la presentación en PDF de mis apuntes al completo y un documento a modo de apuntes en sucio.

Continente

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ᴄʀᴇᴀᴛɪᴠɪᴅᴀᴅ ᴘᴜʙʟɪᴄɪᴛᴀʀɪᴀ

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ᴄʀᴇᴀᴛɪᴠɪᴅᴀᴅ ᴘᴜʙʟɪᴄɪᴛᴀʀɪᴀ

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Creatividad

Pensamiento lateral o divergente

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La esencia fundamental de este proceso radica en servir como fuente primordial de inspiración. Proporciona una perspectiva clara de las ideas, facilita la visualización del camino creativo a seguir y, al combinar diversos materiales, contribuye a descubrir un estilo único. La única premisa es que mantenga coherencia con la idea, ya que se trata de plasmar las directrices visuales presentes en el diseño, especialmente antes de iniciar la configuración o creación, es fundamental tener la idea clara.

Una vez que la idea ha cobrado vida, procedemos a su materialización. Nos dirigimos a la herramienta de diseño y comenzamos el proceso, aplicando los principios fundamentales del diseño. Finalmente, la justificación cobra relevancia; es el momento de explicar el significado y la razón detrás del uso de los elementos de diseño, revelando la intención y el mensaje que se busca transmitir.

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Aquí añado una pequeña infografía sobre el tema de la creatividad, he condensado la información clave de mis apuntes en un formato visual y fácil de entender.

Incluyo:

Infografía

Apuntes en sucio

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ɪᴅᴇɴᴛɪᴅᴀᴅ ᴠɪꜱᴜᴀʟ ᴄᴏʀᴘᴏʀᴀᴛɪᴠᴀ

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ɪᴅᴇɴᴛɪᴅᴀᴅ ᴠɪꜱᴜᴀʟ ᴄᴏʀᴘᴏʀᴀᴛɪᴠᴀ

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Cartel II feria de empleo y emprendimiento

Moodboard

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“El diseño gráfico es un proceso creativo que combina el arte y la tecnología para comunicar ideas”

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Striking Minimalist Posters For Designers Each Created In Just 5 Minutes _ Naldz Graphics

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En este apartado he añadido una breve introducción de lo que vimos los primeros días en clase.

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Photoshop es una aplicación de software que permite la edición y manipulación de imágenes. Permite ajustes de color, retoques, composición y creación de gráficos mediante herramientas avanzadas, siendo esencial en diseño gráfico y retoque fotográfico.

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En mi sección del trabajo sobre la aplicación de Photoshop, he compartido mis apuntes detallando los pasos que he seguido para llevar a cabo las prácticas asignadas en clase.

Estos pasos incluyen desde la selección de la imagen base hasta la aplicación de efectos y ajustes para lograr los resultados deseados.

He insertado:

Presentación en PDF

Presentación en vídeo porque no se me subía el PDF

Un documento en PDF pero a modo de apuntes en sucio

Continente

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En esta sección del trabajo es donde he añadido las prácticas finalizadas en Photoshop y presento los resultados de las tareas que realizamos en clase.

Incluyo las imágenes editadas para mostrar cómo aplicamos las técnicas aprendidas.

En esta carpeta encontramos:

De PHOTOSHOP 1 a PHOTOSHOP 8

Prácticas 0: del Día 1 al Día 6 (con los respectivos ejercicios de cada actividad)

Continente

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Illustrator es un programa de diseño gráfico vectorial desarrollado por Adobe. Se utiliza para la creación de ilustraciones, logotipos, gráficos y elementos visuales escalables, empleando herramientas que permiten trabajar con formas y líneas vectoriales.

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En mi sección del trabajo sobre la aplicación de Illustrator, he compartido mis apuntes detallando los pasos que he seguido para llevar a cabo las prácticas asignadas en clase.

Incluyo:

Una presentación PDF

Continente

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En esta sección del trabajo es donde he añadido las prácticas finalizadas en Illustrator y presento los resultados de las tareas que realizamos en clase.

Incluyo las creaciones para mostrar cómo aplicamos las técnicas aprendidas.

En esta carpeta encontramos:

De ILLUSTRATOR 1 a ILLUSTRATOR 5 (con los respectivos ejercicios de cada actividad)

Prácticas 0: del Día 1 al Día 6

Ejercicios extra

Color PANTONE

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InDesign es una aplicación de maquetación y diseño editorial de Adobe. Se utiliza para la creación de documentos como revistas, libros y folletos, permitiendo la disposición de texto, imágenes y elementos gráficos de manera profesional y estructurada.

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En mi sección del trabajo sobre la aplicación de Indesign, he compartido mis apuntes detallando los pasos que he seguido para llevar a cabo las prácticas asignadas en clase.

Incluyo:

Una presentación PDF

Continente

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En esta sección del trabajo es donde he añadido las prácticas finalizadas en Indesign y presento los resultados de las tareas que realizamos en clase.

Incluyo las imágenes finales para mostrar cómo aplicamos las técnicas aprendidas.

En esta carpeta encontramos:

De INDESIGN 1 a INDESIGN 5

Continente

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El elemento recurrente siempre es la idea. Si no trabajas tus ideas, la mayoría se irán. Encuentra tu vocación y pregunta a los demás, te esfuerzas más cuando lo que haces te apasiona.

Existen personas q son relativas de forma innata, pero la creatividad se puede trabajar y desarrollar con una serie de pautas y reglas, una de ellas es aplicar el pensamiento lateral o divergente desarrollado por eduar bono, es partir o tomar cualquier objeto urbano. Cuanto más usos o habilidades seamos capaces de darle a un objeto más creativo seremos.

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La psicología del color es un campo de estudio que examina cómo los colores afectan las emociones, percepciones y comportamientos humanos. Se centra en cómo la elección y combinación de colores pueden influir en el estado de ánimo, la atención y las respuestas psicológicas en diversos contextos, como el diseño, la publicidad y la terapia.

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Las fuentes serif, con su gracia o remate en los caracteres, se dividen en distintas familias, entre las cuales se destacan:

- Romana Antigua y de Transición: Estas tipografías transmiten un clasicismo y tradición significativos. Su diseño las hace altamente legibles, lo que las hace ideales para extensos párrafos. Reflejan la elegancia y refinamiento asociados con estilos antiguos y de transición.

- Romana Moderna o Didonas: Con características más modernas, estas fuentes serif incorporan remates más delgados y formas más estilizadas. Aunque mantienen su legibilidad, estas tipografías a menudo se asocian con un aspecto más contemporáneo y sofisticado.

- Egipcia o Mecana: Las fuentes egipcias presentan un diseño más robusto y formas geométricas. Su apariencia audaz y distintiva las hace adecuadas para proyectos que buscan transmitir fuerza y modernidad, aunque su legibilidad no se ve comprometida.

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Es crucial cultivar diversas cualidades para fomentar la creatividad, como la curiosidad y la disposición a experimentar. La observación y la apertura a distintos puntos de vista, junto con habilidades de escucha y expresión, son fundamentales.

Además, es esencial ser mentalmente abierto, superar el miedo al ridículo, ser analítico y crítico tanto con el trabajo propio como el ajeno. Valorar el esfuerzo propio y ajeno, junto con la disposición a cometer errores, es esencial en el trabajo de diseño, donde el proceso implica la prueba y el error. Cada individuo, a lo largo del tiempo y la experiencia, descubre sus propias técnicas creativas y canaliza su inspiración de manera única.

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Según la psicología del color, el rojo es asociado con diversas emociones y significados. Generalmente, se vincula con la energía, la pasión y la intensidad. Este color puede aumentar la frecuencia cardíaca y generar una sensación de urgencia. Además, el rojo también se asocia con el amor, la atracción y la valentía. En contextos culturales, el rojo puede tener connotaciones adicionales, como la buena suerte o la advertencia. En resumen, el rojo en la psicología del color tiende a evocar emociones fuertes y a transmitir mensajes de vitalidad y emoción.

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El color naranja, según la psicología del color, se asocia comúnmente con la energía, la alegría y la creatividad. Al ser una combinación de rojo y amarillo, el naranja puede evocar emociones cálidas y optimistas. Se considera un color estimulante que puede aumentar la vitalidad y generar entusiasmo. Además, el naranja también puede representar la amistad y la sociabilidad. En aplicaciones de diseño y marketing, el naranja a menudo se utiliza para llamar la atención y transmitir una sensación de dinamismo. En general, el naranja es percibido como un color que inspira positividad y energía.

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El amarillo en la psicología del color se asocia con emociones positivas como la felicidad y el optimismo. Este tono cálido evoca la luz, la energía y la claridad mental. Además, está vinculado con la creatividad y la alegría. En contextos culturales, el amarillo a menudo simboliza la celebración y la positividad. Es un color que puede atraer la atención y generar una sensación de vitalidad.

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El verde en la psicología del color representa la naturaleza, la frescura y la tranquilidad. Asociado con la armonía, equilibrio y crecimiento, el verde puede tener efectos relajantes y serenantes. También está relacionado con conceptos como la salud y la renovación. En aplicaciones de diseño, el verde a menudo se utiliza para transmitir mensajes de sostenibilidad y ecología. En resumen, el verde evoca sensaciones de paz y conexión con la naturaleza, promoviendo una sensación de equilibrio y bienestar.

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10 Trending Colors Featured In Pantone’s 2023 Spring_Summer Color Trend Report

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El azul en la psicología del color se asocia comúnmente con la calma, la serenidad y la confianza. Este tono transmite una sensación de estabilidad y seguridad, y se relaciona con el cielo y el océano. El azul también puede tener efectos tranquilizadores y favorecer la concentración. Además, se asocia con la lealtad y la comunicación efectiva. En términos emocionales, el azul tiende a generar sentimientos de paz y claridad mental. En aplicaciones de diseño, se utiliza a menudo para transmitir profesionalismo y fiabilidad.

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El rosa en la psicología del color se relaciona con la ternura, la feminidad y la dulzura. Evoca una sensación de calma, compasión y romance, transmitiendo emociones suaves e inocentes. También puede asociarse con el cuidado y la sensibilidad. En contextos contemporáneos, el rosa a menudo se asocia con la conciencia y la lucha contra el cáncer de mama. En general, el rosa crea una atmósfera cálida y afectuosa.

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El morado en la psicología del color representa la creatividad y la espiritualidad, fusionando la energía del rojo con la calma del azul. Asociado con la realeza y el misterio, transmite sofisticación y originalidad en el diseño. Este tono puede tener efectos relajantes y fomentar la introspección, generando sentimientos de paz y enriquecimiento espiritual. En aplicaciones visuales, el morado a menudo se elige para evocar elegancia y profundidad. En resumen, el morado simboliza una amalgama equilibrada de características, creando una experiencia visual única.

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El marrón en la psicología del color se asocia con la tierra, la estabilidad y la simplicidad. Evoca sensaciones de calidez, seguridad y conexión con la naturaleza. Este tono neutro puede transmitir confianza y resistencia. En términos emocionales, el marrón a menudo sugiere comodidad y fiabilidad. En aplicaciones de diseño, se utiliza para crear ambientes acogedores y para representar elementos naturales. En resumen, el marrón es un color que comunica solidez, simplicidad y una conexión arraigada con la tierra.

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El negro en la psicología del color representa elegancia, poder y autoridad. Es un tono que transmite sofisticación y misterio. A menudo asociado con la formalidad, el negro también puede evocar un sentido de protección y seguridad. En términos emocionales, puede expresar seriedad y confianza. En aplicaciones de diseño, el negro se utiliza para crear contrastes fuertes y para transmitir un estilo moderno y atemporal. En resumen, el negro es un color versátil que comunica fuerza, autoridad y una estética refinada.

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El blanco en la psicología del color simboliza pureza, simplicidad y claridad. Representa la luz y la inocencia, evocando una sensación de limpieza y frescura. En términos emocionales, el blanco sugiere paz y tranquilidad. Además, este color a menudo se asocia con la apertura y la simplicidad en el diseño. En aplicaciones visuales, el blanco es utilizado para crear espacios luminosos y para resaltar otros colores. En resumen, el blanco transmite una sensación de pureza y simplicidad, generando una atmósfera de claridad y serenidad.

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La creatividad implica la generación de nuevas ideas a partir de conceptos existentes, resultando en respuestas originales. En palabras de Albert Einstein, "si buscas resultados diferentes, no hagas siempre lo mismo".

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A diario, nos enfrentamos a una avalancha de estímulos publicitarios, y la clave para captar nuestra atención radica en destacar entre ellos. Ya sea un cartel, un post o cualquier otro medio, nuestra mirada tiende a desplazarse hasta detenerse solo ante lo que impacta, destila creatividad y originalidad, logrando despertar nuestro interés. Elementos como líneas, texturas y colores son hábilmente manejados por diseñadores gráficos, quienes con maestría transforman y utilizan estas herramientas para lograr un impacto efectivo.

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Gestalt es un concepto que carece de una traducción directa al castellano y se refiere a la estructura del siglo XX, especialmente alrededor de 1920. Este término ha tenido, tiene y tendrá una influencia significativa en la publicidad, el marketing y el diseño.

En el ámbito de la percepción humana, Gestalt aborda no solo los sentidos, sino también la memoria. A través de estudios en este campo, se ha observado que el ojo humano tiene la capacidad de identificar contornos incluso donde aparentemente no existen. Este fenómeno revela la complejidad de la percepción visual y destaca cómo la mente humana tiende a organizar la información de manera coherente y significativa, impactando así en la manera en que percibimos y respondemos a la información visual en diversas disciplinas, desde el diseño hasta la publicidad.

Existen 7 tipos de principios:

- Principio de la semejanza, proximidad y simetría.
- Principio de la continuidad.
- Principio del cierre y clausura.
- Principio de fondo y figura.
- Principio de prestancia o simplicidad.
- Principio de la experiencia.
- Principio del movimiento común.

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Los principios del diseño incluyen el concepto fundamental del contraste, que se basa en la preferencia natural del ojo humano por la diversidad visual. Cuando empleamos dos elementos distintos, buscamos que sean tan diferentes como sea posible, ya que esto captará la atención de manera efectiva.
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El contraste desempeña un papel crucial en diversas aplicaciones del diseño, ya que se utiliza para lograr impacto, generar interés, organizar la información de manera efectiva, facilitar la comprensión y seguir un flujo lógico entre los elementos. Este principio se manifiesta a través de la utilización de diferentes tipologías, formas y otros aspectos visuales. Se puede crear contraste mediante la variación en la escala (tamaño), el entorno y el color de los elementos, lo que contribuye a una presentación visual dinámica y atractiva. En resumen, el contraste se convierte en una herramienta valiosa para comunicar eficazmente a través del diseño, destacando elementos clave y mejorando la legibilidad y la comprensión visual.

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La jerarquía visual desempeña un papel esencial al trazar el recorrido visual en nuestro diseño, proporcionando un punto de inicio claro y guiando al espectador a través de un camino de visualización planeado. Este recorrido se inicia desde un punto específico y se va marcando estratégicamente para dirigir la atención del observador de manera efectiva.🎯

La jerarquía visual se construye principalmente a través del tamaño, donde el mayor impacto recae en elementos de mayor tamaño y relevancia, a la vez que se establece un contraste perceptible. Puede también crearse jerarquía visual mediante el uso de colores, siendo el amarillo y el rojo dos tonalidades que destacan poderosamente y capturan la atención del espectador. Asimismo, la elección de tipografía contribuye a establecer jerarquía, permitiendo resaltar información clave.

Al combinar color y tipografía, se puede crear una jerarquía visual más compleja y estratégica, moldeando la percepción del espectador y enfatizando elementos particulares en el diseño. En resumen, la jerarquía visual se convierte en una herramienta esencial para guiar la experiencia visual del usuario, garantizando que la información sea presentada de manera coherente y efectiva.

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El equilibrio simétrico se logra al dividir una composición en dos partes idénticas, las cuales no necesariamente tienen que ser verticales. En este tipo de equilibrio, el peso visual en ambos lados de la división es prácticamente igual o totalmente igual. Esta simetría crea una sensación de armonía y orden, ya que cada elemento en un lado tiene un contraparte idéntica en el otro.

En contraste, el equilibrio asimétrico se caracteriza por una división de la composición en dos partes que no comparten igualdad de elementos o colores. En este caso, las dos partes pueden diferir en términos de tamaño, forma, color y otros elementos visuales, generando así un equilibrio basado en la distribución estratégica de elementos visualmente distintos. Aunque puede parecer más dinámico y menos predecible que el equilibrio simétrico, el equilibrio asimétrico aún busca lograr una sensación de equilibrio y armonía a través de la disposición cuidadosa de los elementos visuales en la composición.

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La Proporción Áurea, también conocida como la Divina Proporción o Número de Oro🥇, se encuentra estrechamente vinculada con la regla de los tercios en el diseño, siendo herramientas fundamentales en relación con la percepción visual. Están diseñadas para dirigir la mirada del observador y lograr que el diseño sea visualmente equilibrado y armonioso. Esta proporción, desarrollada por Fibonacci y reconocida por la letra griega PHI, tiene un valor numérico de aproximadamente 1.618034.

La Proporción Áurea surge de la relación entre la base y la altura, proporcionando una guía matemática que se ha utilizado a lo largo de la historia en diversas disciplinas artísticas y de diseño. Al incorporar esta proporción en composiciones visuales, se busca lograr una estética que resuene con la percepción natural y se considere visualmente atractiva. La presencia de la Proporción Áurea en el diseño es un recordatorio de cómo los principios matemáticos pueden complementar la creatividad, contribuyendo a la creación de diseños equilibrados y estéticamente agradables.

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La Psicología de la Forma en el diseño se centra en cómo las formas influyen en las emociones que percibe nuestro cerebro. La elección de tipografías con fuste ancho o formas rectangulares tiende a transmitir orden y solidez, mientras que formas redondeadas sugieren armonía y feminidad.

Además, el patrón del diseño y el uso de líneas descendentes pueden comunicar un sentido de movimiento negativo. En resumen, la selección consciente de formas en el diseño puede impactar significativamente en la percepción emocional que evoca en el espectador.

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El color, junto con los principios de la Gestalt y la tipografía, constituye uno de los elementos fundamentales del diseño gráfico🌈. Es esencial no solo comprender cómo utilizar el color, sino también conocer el significado psicológico de cada tonalidad, un concepto conocido como psicología del color. La combinación de varios colores puede reforzar significados y transmitir emociones específicas.

En el uso del color, aplicamos el contraste utilizando colores complementarios. Los colores análogos, como el rojo, magenta y naranja, se agrupan, mientras que los colores complementarios se utilizan para generar contraste. Esta técnica no solo añade vitalidad visual al diseño, sino que también permite comunicar mensajes de manera más efectiva. En resumen, comprender el color y su aplicación estratégica en el diseño contribuye significativamente a la efectividad y el impacto visual de una composición gráfica.

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Para crear contraste en el diseño, se recurre a la combinación de colores cálidos🌞 y fríos❄️. Los colores cálidos, que tienden a acercarse visualmente, se caracterizan por tener una mayor proporción de rojo en su mezcla. Por otro lado, los colores fríos, que generan una sensación de alejamiento, incorporan una mayor proporción de azul.

Cuando se busca establecer jerarquía visual a través del color, se emplea la llamada triada de colores, compuesta por tres elementos:

- Un color dominante: Este color es el principal en el diseño, captando la mayor atención y predominando en la composición.

- Un color subordinado: Actuando como complemento al color dominante, se utiliza comúnmente un color neutro, como el blanco, para equilibrar la paleta.

- Un color de énfasis: Este color tiene la función de dirigir la atención focal hacia áreas específicas del diseño, realzando su importancia.

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Los diseñadores para crear sus paletas de colores acuden a herramientas digitales.

-       PALETTON.

-       COLOR HUNTER.

-       COLORMIND.

-       ADOBE COLOR.

-  Modo de color RGB, también llamado modo de color luz o colores aditivos porque cuanta más luz usemos más nos aproximamos al blanco. Cuanta menos luz más nos aproximamos al negro. Este modo de color funciona con tres colores R de rojo, G de verde y B de azul.  Es el modo de color utilizado para ser visualizado en formato digital.

-    Modo de color CMYK, también llamado de colores pigmentos o de colores sustractivos es el modo de color utilizado para proyectos de impresión, los trabajos en diseño de impresión se llaman. (OFFSET). Esta formado por cuatro colores la C de cian, M de magenta, Y de amarillo y la K de negro.

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La tipografía, como elemento de diseño, es notablemente compleja, requiriendo consideración de normas ortográficas y gramaticales específicas. Una elección equivocada puede afectar la efectividad del mensaje o incluso contradecir su intención.🔠

Considerada tanto un arte como una disciplina, la palabra "tipografía" proviene del griego, combinando "tipo" (golpe o huella) y "grafo" (escribir). Es el arte y la técnica de manejar y seleccionar fuentes para trabajos de impresión, ya sea en papel o digital.

En la tipografía, la unidad mínima es un carácter o letra. Cada parte de un carácter tiene su nombre, conocido como anatomía tipográfica, asociado con partes del cuerpo humano. Algunos ejemplos incluyen:

1. LIGADURA: Travesaño que une dos o tres caracteres.

2. GRADO DE INCLINACIÓN O MODULACIÓN: Puede ser inclinado u horizontal/vertical.

3. REMATE: Terminación de algunos caracteres, ya sea en forma de ángulo o línea.

La ortotipografía, rama técnica de la tipografía, se ocupa de los principios estéticos, funcionales, de legibilidad y eficacia comunicativa en la escritura de un texto con caracteres tipográficos. Cabe destacar que todo diseñador debe contar con su propio manual de ortotipografía.

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1️⃣ PRINCIPIO DE LA SEMEJANZA, PROXIMIDAD Y SIMETRÍA

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1️⃣ PRINCIPIO DE LA SEMEJANZA, PROXIMIDAD Y SIMETRÍA

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La semejanza, proximidad y simetría son principios fundamentales en el diseño visual.

La semejanza permite percibir objetos como un conjunto, destacando la capacidad de ver el todo más allá de las partes individuales. La repetición, utilizada para crear patrones o grupos, conecta visualmente la información mediante la aplicación consistente de elementos como forma, color, tamaño o textura.

La proximidad también juega un papel esencial, ya que elementos cercanos tienden a agruparse visualmente, facilitando la organización y comprensión de la información.

La simetría, por su parte, proporciona equilibrio visual y armonía.

Es importante señalar que, en ocasiones, se introduce una anomalía dentro de la composición. Esta anomalía, al destacar un elemento de manera diferente, busca enfatizar o llamar la atención sobre aspectos específicos del diseño. En resumen, estos principios son herramientas clave para estructurar la información visual de manera efectiva.

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El principio de la continuidad destaca la atracción visual hacia elementos continuos, incluso si están interrumpidos entre sí. Este concepto subraya la tendencia natural del ojo humano a seguir y conectar elementos visuales que forman una secuencia o línea continua, facilitando la percepción y comprensión de la información.

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Este principio se basa en la tendencia del ojo humano a percibir formas cerradas incluso cuando algunas partes están ausentes o interrumpidas. La mente tiende a completar visualmente patrones y figuras, creando una sensación de cierre y clausura. En el diseño, este principio se emplea estratégicamente para estimular la imaginación del observador y fomentar la percepción de formas completas, a pesar de elementos visuales incompletos o separados.

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Este principio describe la tendencia del ojo humano a percibir un objeto como separado del fondo que lo rodea. La mente tiende a organizar la información visual distinguiendo entre la figura, que es el objeto principal de interés, y el fondo, que es el espacio que lo rodea. Este principio es esencial en el diseño, ya que afecta la legibilidad, la claridad y la jerarquía visual en una composición. La diferenciación efectiva entre figura y fondo contribuye a una comunicación visual clara y definida.

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5️⃣ PRINCIPIO DE PREGNANCIA O SIMPLICIDAD

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5️⃣ PRINCIPIO DE PREGNANCIA O SIMPLICIDAD

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Este principio destaca la tendencia de percibir los elementos de la manera más simple posible, resaltando conjuntamente lo que es verdaderamente importante. La pregnancia implica que, en la percepción visual, la mente tiende a organizar la información de la manera más clara y sencilla, favoreciendo la identificación de patrones y la comprensión rápida de la información esencial. En el diseño, la aplicación de este principio busca la simplicidad y la claridad para lograr una comunicación visual efectiva y de fácil interpretación.

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Este principio subraya que la experiencia previa de cada persona desempeña un papel esencial en la construcción de la forma. La mente humana, al procesar información visual, utiliza las experiencias pasadas como marco de referencia para interpretar y dar significado a las formas percibidas. La diversidad de experiencias individuales contribuye a la interpretación única de cada persona, lo que destaca la importancia de considerar la variabilidad de perspectivas al crear diseños.

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Este principio destaca que los elementos adquieren unidad visual cuando se mueven en conjunto en la misma dirección. La percepción de movimiento común crea una sensación de cohesión y armonía entre los elementos, haciendo que se perciban como parte de un conjunto en movimiento.

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Las tipografías palo seco, también conocidas como sans serif, se distinguen por carecer de serifa, y todas sus letras presentan el mismo grosor en sus trazos. Estas fuentes ofrecen una variedad extensa de estilos y variables. Transmiten una sensación de actualidad, modernidad, limpieza y precisión, siendo ideales para cartelería, rótulos y proyectos que buscan un aspecto contemporáneo.

Entre las tipografías sans serif notables se encuentran Verdana, Futura Haas, Univers, entre otras, cada una aportando su estilo único a la comunicación visual y adaptándose a diferentes contextos de diseño.

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Las tipografías rotuladas, también conocidas como script o caligrafías, emulan la caligrafía o la escritura a mano.

Transmiten connotaciones de elegancia, seducción, afecto, entre otras. Estas fuentes se emplean con frecuencia en títulos, firmas o en frases destacadas en invitaciones, aportando un toque personal y distintivo.

Algunas tipografías destacadas en esta categoría son America, Balloon, Mistral, entre otras, cada una aportando su estilo único para comunicar emociones y añadir un elemento de sofisticación al diseño.

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Las tipografías decorativas, también conocidas como display, aportan connotaciones de gran personalidad y se utilizan como elementos decorativos o de diseño. Suelen emplearse de manera esporádica o aislada en proyectos donde se busca transmitir diversión, singularidad y exclusividad.

Ejemplos de tipografías decorativas incluyen LCD Normal, Gallia, Kabel, Neon, entre otras. Estas fuentes añaden un toque distintivo y creativo a los diseños, destacando su singularidad y captando la atención de manera única.

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1. En el diseño, se recomienda limitar el uso de tipografías a un máximo de tres, idealmente combinando una fuente de la familia serif con otra de palo seco.

2. Evitar el uso excesivo de mayúsculas. Estas se reservan para resaltar títulos, después de los puntos y al inicio de un párrafo.

3. Priorizar la legibilidad en todos los elementos del diseño.

4. Para resaltar una palabra dentro de un párrafo, se prefieren las versalitas en lugar de mayúsculas.

5. Utilizar ligaduras en textos cuando sea posible, ya que mejoran la legibilidad.

6. En citas, se recomienda el uso de comillas españolas.

7. En enumeraciones, se prohíbe el uso de guiones, optando por puntos o viñetas.

8. En maquetación, la alineación izquierda se recomienda para párrafos; la justificada requiere edición para evitar ríos o cascadas. La alineación centrada se reserva para títulos.

9. Los diseñadores gráficos deben evitar el uso de fuentes prohibidas en el glosario de tipografía, y específicamente se prohíbe el uso de la fuente Comic Sans.

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En esta sección he añadido mi trabajo acerca de la regla de los tercios, presento una técnica fundamental en composición fotográfica.

He detallado la importancia de la regla de los tercios para lograr una composición visualmente atractiva en fotografías y diseños gráficos.

También he incluido ejemplos con imágenes en los que aplico esta regla para mostrar su impacto en la percepción de una imagen.

En esta carpeta encontramos:

Una carpeta de "Elementos" donde incluyo todas las imágenes y vídeos añadidos

Una presentación de mi trabajo, ya que, cuando se mandó a hacer no estaba y lo he realizado más tarde aunque ya tenga la nota del documento. Está en formato vídeo porque no me deja incluir el pdf.

El documento que entregué en PDF

Apuntes en sucio

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Cuando se diseña, entra en juego una variedad de componentes que permiten crear proyectos asombrosos. Uno de ellos es la retícula, ya que posibilita la distribución de los elementos compositivos con el fin de brindar una impresión visual en el diseño final.

Hay diseñadores que no la usan para ser más libres y creativos en la composición. Sin embargo, los grandes diseñadores gráficos ven su importancia y lo aprovechan con la intención de lograr un diseño más ordenado y elegante.

A veces, la organización y la planificación dejan fluir la creatividad liberándola del caos.

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La retícula, también conocida como grid en inglés, consiste en líneas y guías imaginarias tanto verticales, horizontales y diagonales que facilitan la distribución de los componentes en el espacio de una composición. Estas líneas actúan como directrices para alinear elementos, ofreciendo soluciones visuales en problemas bi o tridimensionales que puedan surgir durante la composición.

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En el diseño, la retícula o grid es una herramienta fundamental para organizar información y proporcionar un marco en la composición.

Características Digitales de la Retícula:

Esta estructura es de naturaleza digital y solo es visible durante el proceso de diseño en programas como InDesign, Illustrator, entre otros.

Las líneas guía o el sistema de retícula se manejan en estos programas para facilitar la creación.

Invisibilidad en la Composición Final:

Cuando se imprime o muestra la composición final, las líneas de la retícula no son visibles, permitiendo que la atención se centre en el diseño sin distracciones visuales.

Funciones de la Retícula:

1. Orden y Claridad: Proporciona una organización visual efectiva.

2. Concreción: Ayuda a definir de manera concreta la disposición de los elementos.

3. Objetividad sobre Subjetividad: Prioriza la objetividad en la disposición de elementos sobre las preferencias subjetivas.

4. Manejo del Espacio y la Superficie: Permite una distribución eficiente de elementos en el espacio disponible.

5. Integración de Elementos: Evita la sobrecarga de información al facilitar la integración equilibrada de los elementos.

6. Jerarquización: A través de la jerarquización de componentes, enfoca la atención en el punto focal de la composición.

7. Balance Asimétrico o Simétrico: Aporta equilibrio visual incluso en grids asimétricos o simétricos.

8. Eficiencia en el Diseño: Ayuda a la eficiencia, ya que una retícula bien definida puede ahorrar tiempo en el proceso de composición.

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Son las secciones verticales que dividen el espacio de la página.

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Son el espacio existente entre los bordes de la página y el área de contenido.

# data[].attributes.body
Son los bloques/áreas creados por la intersección de las columnas verticales y las filas horizontales.

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Estas zonas se crean al juntar varios módulos para producir regiones focales en la composición.

Una zona espacial vertical puede ser una parte donde vaya el texto, si es horizontal, se podría establecer una imagen o foto.

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Son regiones donde se puede colocar información secundaria como números de páginas, título de sección o cualquier contenido parecido.

# data[].attributes.body
Son líneas horizontales que atraviesan el espacio. Su función es separar en forma paralela las diferentes secciones de la retícula.

Además, son una especie de parada, son indicadores para colocar imágenes o textos y proporcionan al espectador una guía a través de la composición.

# data[].attributes.body
Es el espacio existente entre columnas.

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ʀᴇᴛÍᴄᴜʟᴀ ᴅᴇ ᴍᴀɴᴜꜱᴄʀɪᴛᴏ

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ʀᴇᴛÍᴄᴜʟᴀ ᴅᴇ ᴍᴀɴᴜꜱᴄʀɪᴛᴏ

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Es un tipo de retícula muy simple, compuesto de una columna.

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ʀᴇᴛÍᴄᴜʟᴀ ᴅᴇ ᴄᴏʟᴜᴍɴᴀ

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ʀᴇᴛÍᴄᴜʟᴀ ᴅᴇ ᴄᴏʟᴜᴍɴᴀ

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Una retícula de columna es muy útil para dividir un texto que se haría muy largo de leer extendido por toda una página.

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ʀᴇᴛÍᴄᴜʟᴀ ᴍᴏᴅᴜʟᴀʀ

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ʀᴇᴛÍᴄᴜʟᴀ ᴍᴏᴅᴜʟᴀʀ

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Una retícula modular es una retícula compuesta por bloques de contenido.

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ʀᴇᴛÍᴄᴜʟᴀ ᴊᴇʀÁʀQᴜɪᴄᴀ

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ʀᴇᴛÍᴄᴜʟᴀ ᴊᴇʀÁʀQᴜɪᴄᴀ

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Este tipo de retícula se utiliza cuando el contenido se estructura por orden de importancia.

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The Future's So Bright, I Gotta Wear Shades

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The Future's So Bright, I Gotta Wear Shades