# data[].attributes.attachment_link.description
Le Coin du Chef Op’ ce sont des conseils pour faire de l’image, des tutos pour apprendre, des guides pour construire son matériel et tout ça dans la bonne humeur ! Ce projet fait partie de la communauté Film Rebellion où on t’aide à faire tes films, rejoins-nous !

# data[].attributes.headline
Le Coudon fait son cinéma#1 - compétition de films d'élèves

# data[].attributes.subject
Le Coudon fait son cinéma#1 - compétition de films d'élèves

# data[].attributes.body
Visionnez les films lauréats de la première édition de la compétition de films d'élèves "Le Coudon fait son cinéma#1"

# data[].attributes.attachment_link.description
Cette instance Peertube est mise à disposition par le Ministère de l’Éducation Nationale, de la Jeunesse et des Sports.

# data[].attributes.body
Rendez-vous au cinéma Le Rocher pour la 1ère édition de la compétition de films d'élèves le vendredi 27 mars!

# data[].attributes.body
Réalisation de Fake News par les élèves d'option 2025-2026

# data[].attributes.attachment_link.description
Cette instance Peertube est mise à disposition par le Ministère de l’Éducation Nationale, de la Jeunesse et des Sports.

# data[].attributes.body
Films entrant 2026

# data[].attributes.attachment_link.title
Deux films de René Clair : Entr’acte + Paris qui dort - René Clair - Pathé - Blu-ray - Potemkine Paris

# data[].attributes.attachment_link.description
Contient : - Entr’acte (1924) : Une suite de scènes “surréalistes”, comme celle de la poursuite folle d’un corbillard ou de la danseuse barbue filmée en contre-plongée. - Paris qui dort (1925) : À son réveil, le gardien de la tour Eiffel découvre un Paris complètement abandonné.

# data[].attributes.body
Film entrant 2025

# data[].attributes.headline
Irma Vep, Série d'O. Assayas (3 premiers épisodes au programme)

# data[].attributes.subject
Irma Vep, Série d'O. Assayas (3 premiers épisodes au programme)

# data[].attributes.body
Films entrant 2024

# data[].attributes.attachment_link.title
Irma Vep, une série d’Olivier Assayas - La Cinémathèque française

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
regelegorila rege "critique à chaud" regele gorila gorille gorilla

# data[].attributes.attachment_link.description
Vidéaste avide de cinéma et séries. Critiques et débats toutes les semaines sur Youtube.

# data[].attributes.body
https://trescourt.com/fr/

# data[].attributes.body
Le règlement du concours à lire et à respecter!

# data[].attributes.body
https://www.festivalmeudon.org/festival-du-court-metrage-dhumour/archives-festival/

# data[].attributes.attachment_link.title
EN BEAUTÉ de Rémi Mardini - CINEMANIA 2025

# data[].attributes.headline
Un ultra-court - 1mn- drôle, intelligent et au catalogue de L'extra-court. Un bon exemple pour vous!

# data[].attributes.subject
Un ultra-court - 1mn- drôle, intelligent et au catalogue de L'extra-court. Un bon exemple pour vous!

# data[].attributes.headline
La bouteille - Xavier Mesme - visible sur France TV (avec un compte gratuit à créer) jusqu'au 01/01/27

# data[].attributes.subject
La bouteille - Xavier Mesme - visible sur France TV (avec un compte gratuit à créer) jusqu'au 01/01/27

# data[].attributes.attachment_link.description
6 min - 2024 - France – Comédie Fantastique Synopsis Un coureur en séance de jogging voit la bouteille d’eau qu’il a jeté dans le champ de blés être (...)

# data[].attributes.headline
Renée de Jezabel Marques Nakache (4’25) 

# data[].attributes.subject
Renée de Jezabel Marques Nakache (4’25) 

# data[].attributes.attachment_link.description
Regardez la vidéo de Renée... (Renée... Film ou épisode complet VF). Renée... de Jézabel Marques.

# data[].attributes.headline
Jeu de la vérité : on regarde un film jusqu'au bout? et en vitesse normale?

# data[].attributes.subject
Jeu de la vérité : on regarde un film jusqu'au bout? et en vitesse normale?

# data[].attributes.attachment_link.title
Même les étudiants en cinéma n’arrivent plus à regarder un film jusqu’au bout

# data[].attributes.attachment_link.description
Aux États-Unis, les enseignants ont de plus en plus de mal à montrer des films à leurs élèves, qui viennent pourtant étudier le cinéma, s’inquiète “The Atlantic…

# data[].attributes.attachment_link.title
L’Extra Court | Avant le film, déjà du cinéma

# data[].attributes.attachment_link.description
OFFREZ À VOS SPECTATEURS LE MEILLEUR DU COURT MÉTRAGE ! L’Extra Court est une offre de L’Agence du court métrage à destination des salles de cinéma qui souhaitent diffuser des courts métrages en avant-séance.

# data[].attributes.headline
Trois jours au Festival Lumière 2025 pour les Terminales Spécialité Cinéma

# data[].attributes.subject
Trois jours au Festival Lumière 2025 pour les Terminales Spécialité Cinéma

# data[].attributes.body
Le Frankenstein de Guillermo del Toro en avant-première (en sa présence), des films de John Woo (en sa présence aussi), des films de patrimoine, des ciné-concerts et des brioches à la praline. C'était du 15 au 17 octobre 2025. Bravo les Term, vous avez été de vrais cinéphiles!

# data[].attributes.headline
Ecrire un film de bac - les 36 situations dramatiques

# data[].attributes.subject
Ecrire un film de bac - les 36 situations dramatiques

# data[].attributes.headline
Ouverture de la saison 2025-2026 du ciné-club : le cinéma coréen à l'honneur!

# data[].attributes.subject
Ouverture de la saison 2025-2026 du ciné-club : le cinéma coréen à l'honneur!

# data[].attributes.attachment_link.title
Le cinéma au bac : une sélection des meilleurs podcasts à écouter | Radio France

# data[].attributes.attachment_link.description
AUDIO. Découvrez cette sélection des meilleurs podcasts à écouter gratuitement. Le cinéma au bac : chroniques, podcasts et émissions de radio du moment, ce qu’il ne fallait pas manquer, extraits de l’actualité et des archives de Radio France.

# data[].attributes.body
Ciné-club Saison 2025-2026

# data[].attributes.headline
Rencontre avec Guillaume BRAC au Royal le mercredi 30 avril 2025

# data[].attributes.subject
Rencontre avec Guillaume BRAC au Royal le mercredi 30 avril 2025

# data[].attributes.headline
Une retake des Oiseaux a donné lieu à un making-of by Jules!

# data[].attributes.subject
Une retake des Oiseaux a donné lieu à un making-of by Jules!

# data[].attributes.attachment_link.title
Retake et making of d'Hitchcock - Surface et Profondeur - Semaine culturelle 2025 - Lycée du Coudon

# data[].attributes.body
Cliquez ici pour voir les films mystérieux

# data[].attributes.headline
Voyage à Lyon du mercredi 15 octobre au vendredi 17 octobre 2025

# data[].attributes.subject
Voyage à Lyon du mercredi 15 octobre au vendredi 17 octobre 2025

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le Marché International du Film Classique (MIFC)

Venir à Lyon

Ce site nécessite l'utilisation d'un navigateur internet plus récent. Merci de mettre à jour votre navigateur Internet Explorer vers une version plus récente ou de télécharger Mozilla Firefox. :
http://www.mozilla.org/fr/firefox

# data[].attributes.attachment_link.description
Grand Lyon Film festival - 17e édition du Festival Lumière - Du samedi 11 au dimanche 19 octobre 2025 - Lyon (69) France

# data[].attributes.attachment_link.description
Tous les mois (ou presque!), VERSUS met en parallèle deux films !

# data[].attributes.headline
Un programme national rédigé par des spécialistes de cinéma

# data[].attributes.subject
Un programme national rédigé par des spécialistes de cinéma

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ressources d'accompagnement

La page consacrée aux ressources d'accompagnement des programmes d'enseignement du cinéma-audiovisuel propose des ressources pour l'enseignement optionnel comme pour celui de spécialité.

Ressources pour les questionnements

Au cours de l'année, l'enseignement s'organise avec souplesse en un parcours théorique et pratique autour de questionnements spécifiques à chaque enseignement, optionnel en seconde, optionnel ou de spécialité en première.

Enseignement optionnel de la classe de seconde

Enseignement optionnel de la classe de première

Enseignement de spécialité de la classe de première

Exemples de progressions annuelles

Les progressions annuelles sont organisées autour d'un fil rouge pour le projet de l'année (les fantômes par exemple). Elles présentent les grandes étapes, les focus et le croisement avec les différents questionnements propres à l'enseignement.

Enseignement optionnel de la classe de seconde

Enseignement de spécialité de la classe de première

Ressources pour les œuvres au programme de l'enseignement de spécialité de la classe terminale

Pour accompagner l'étude des trois œuvres cinématographiques au programme pour l'année 2022-2023.

Ready Player One de Steven Spielberg, fiction, 2018

Secret beyond the door (Le secret derrière la porte) de Fritz Lang, 1947

I Vitelloni (Les Vitelloni) de Federico Fellini, 1953

Les épreuves

Enseignement de spécialité en terminale

# data[].attributes.attachment_link.title
Programmes et ressources en cinéma-audiovisuel - voie GT

# data[].attributes.headline
Programme 1ère Spécialité (à titre indicatif)

# data[].attributes.subject
Programme 1ère Spécialité (à titre indicatif)

# data[].attributes.attachment_link.title
Nuque brisée, chien qui marche : Marie dévoile les coulisses de bruiteuse de cinéma !

# data[].attributes.headline
Pour les futurs lycéens! Bienvenue en option cinéma! Demandez le programme...

# data[].attributes.subject
Pour les futurs lycéens! Bienvenue en option cinéma! Demandez le programme...

# data[].attributes.headline
Cannes, ce n'est qu'à 118 bornes de La Garde ;)

# data[].attributes.subject
Cannes, ce n'est qu'à 118 bornes de La Garde ;)

# data[].attributes.body
Participation des Terminales 2025 : deux jours à Cannes!

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Une scène pour le cinéma mondial

En 2023, pendant les 12 jours de la 76e édition, plus de 38.000 professionnels et festivaliers ont monté les 24 marches du Palais sous le regard de millions de passionnés du cinéma.

# data[].attributes.attachment_link.title
Festival de Cannes - Festival de cinéma international depuis plus de 75 ans

# data[].attributes.attachment_link.description
Le Festival de Cannes est un festival de cinéma au rayonnement international. La 76e édition se tiendra du 16 au 27 mai 2023.

# data[].attributes.headline
Faire peur au cinéma. Tu aimes les monstres? Viens en option Cinéma au Lycée du Coudon!

# data[].attributes.subject
Faire peur au cinéma. Tu aimes les monstres? Viens en option Cinéma au Lycée du Coudon!

# data[].attributes.headline
Rencontre avec une comédienne, Avril 2023

# data[].attributes.subject
Rencontre avec une comédienne, Avril 2023

# data[].attributes.headline
Option Seconde : les débuts du cinéma. Inscrivez-vous en option CAV!

# data[].attributes.subject
Option Seconde : les débuts du cinéma. Inscrivez-vous en option CAV!

# data[].attributes.headline
Les Premières CAV 2023 sur le thème "L'invitation au voyage" (Semaine culturelle)

# data[].attributes.subject
Les Premières CAV 2023 sur le thème "L'invitation au voyage" (Semaine culturelle)

# data[].attributes.headline
Les élèves de l'option CAV 2023 pour la Semaine culturelle

# data[].attributes.subject
Les élèves de l'option CAV 2023 pour la Semaine culturelle

# data[].attributes.body
Création d'affiches de films imaginaires, de synopsis et de story boards! Bientôt en tournage...?!

# data[].attributes.headline
Les Terminales 2023 , jurés du César des lycéens

# data[].attributes.subject
Les Terminales 2023 , jurés du César des lycéens

# data[].attributes.headline
Cours en ligne - à consommer sans modération

# data[].attributes.subject
Cours en ligne - à consommer sans modération

# data[].attributes.attachment_link.title
Upopi présente son cours de cinéma en ligne | Ciclic

# data[].attributes.attachment_link.description
Apprenez et jouez avec les plus grands cinéastes !
Un cours en accès libre à suivre en ligne : chacune des 11 séances comprend un lexique illustré par des extraits de films, des exercices interactifs et des exemples d’analyse filmique.

# data[].attributes.headline
Option Seconde-Émotion - Le suspense : pour tout savoir : inscrivez-vous en Option CAV à la fin de la 3ème ou en début de 2nde!

# data[].attributes.subject
Option Seconde-Émotion - Le suspense : pour tout savoir : inscrivez-vous en Option CAV à la fin de la 3ème ou en début de 2nde!

# data[].attributes.headline
Hollywood et les métiers du cinéma - les scénaristes

# data[].attributes.subject
Hollywood et les métiers du cinéma - les scénaristes

# data[].attributes.body
Hollywood 2008 : 101 jours de grève des scénaristes

# data[].attributes.attachment_link.title
Grève à Hollywood : les scénaristes ont gagné

# data[].attributes.attachment_link.description
Trois mois de conflit s’achèvent mais il faudra au moins six semaines avant la reprise des séries télévisées interrompues.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Machinistes, scénographes, scripts... vont suspendre leur travail dans les studios si les négociations avec Disney, Warner ou Sony n'aboutissent pas. Tous dénoncent des salaires trop bas et des conditions de travail intenables, encore dégradées après la pandémie.

Le scénario de la catastrophe se précise un peu plus chaque jour à Hollywood. Depuis septembre 2021, l'Alliance internationale des employés de scène, de théâtre et de cinéma (IATSE) brandit la possibilité d'un arrêt général du travail si les grands studios restent sourds à certaines de ses revendications. Ce puissant syndicat regroupe l'essentiel des techniciens du secteur (machinistes, chefs décorateurs, scénographes, scripts, etc.). Il pourrait provoquer une paralysie inédite dans l'industrie. Personne ne le souhaite, comme le constate le Los Angeles Times, pourtant les syndiqués s'y préparent.

Lundi 4 octobre, 90 % des 150 000 adhérents de l'IATSE ont pris part au vote et, à la quasi-unanimité, ont autorisé leur président, Matthew Loeb, à déclencher la grève en cas de résultat non satisfaisant à l'issue des négociations avec l'Alliance des producteurs de cinéma et de télévision (AMPTP) qui représente les grands studios comme Disney, Warner ou Sony. " Les membres ont parlé haut et fort, déclarait alors Matthew Loeb. Ce vote concerne la qualité de vie, la santé et la sécurité de ceux qui travaillent dans l'industrie du cinéma et de la télévision. Nos employés ont des besoins humains fondamentaux, comme des pauses repas, un sommeil suffisant et un week-end. Quant à ceux qui se trouvent au bas de l'échelle des salaires, ils ne méritent rien de moins qu'un salaire décent. "

Les conditions de travail sont en effet déplorables pour la plupart des techniciens du secteur aux États-Unis. Les langues se délient peu à peu, qui décrivent des journées harassantes de douze à quatorze heures d'affilée sans pause, même les week-ends, et dénoncent des abus de toutes sortes. Des milliers de témoignages accablants sont postés chaque semaine sur Instagram ou Twitter, par exemple #Fraturdays, comme on surnomme ici ces week-ends qui commencent dès 4 heures du matin le vendredi... pour se terminer à 5 heures du matin le samedi. Contrairement aux acteurs, qui bénéficient d'un minimum obligatoire de douze heures d'arrêt entre deux journées, les techniciens n'ont aucun temps de décompression minimum garanti.

Pour espérer pouvoir bénéficier de la couverture santé retraite de la MPIPHP (Motion Picture International Protection and Health Plan), ils doivent travailler au moins quatre cents heures, pendant six mois d'affilée. Leurs salaires plafonnent souvent au minimum légal de 16,82 dollars (moins de 15 euros), alors que ceux de nombreux cadres ou producteurs se sont envolés pour se chiffrer en millions de dollars grâce aux bénéfices engrangés par les plateformes de vidéo en ligne par abonnement du type Netflix depuis le début de la pandémie. Ces difficultés et ces inégalités se sont même aggravées avec le Covid, estime NBC News, les productions ayant repris l'activité, tirant plus que jamais sur la corde, sous prétexte de rattraper le temps perdu.

Dans les rues de Los Angeles, on peut observer ces derniers jours des voitures arborant des slogans comme " #grève syndicale, votez OUI ! # " ou " Hollywood, arrête de nous exploiter ". Une campagne virale sur les réseaux sociaux a reçu le soutien de personnalités comme Jane Fonda, Seth Rogen, ou encore la jeune élue démocrate Alexandria Ocasio-Cortez, figure emblématique de la nouvelle gauche américaine.

L'IATSE, qui existe depuis cent vingt-huit ans, a plus de soixante antennes locales réparties sur l'ensemble du territoire américain et canadien (voir ici la très hollywoodienne bande-annonce retraçant leur histoire). La dernière grève nationale déclenchée par le syndicat remonte à 1945, ce fameux " Vendredi sanglant de Hollywood " où des affrontements violents avaient éclaté entre forces de l'ordre et manifestants rassemblés devant les portes de la Warner Bros. La grève des scénaristes de la Writers Guild of America (2007-2008) est aussi dans tous les esprits, mais un arrêt brusque de l'activité pourrait se révéler encore plus désastreux qu'il y a treize ans, pour une industrie qui commence à peine à se relever des conséquences de la pandémie.

Alors que les discussions en sont toujours au point mort, les professionnels du secteur envisagent avec de plus en plus d'inquiétude la grève. Certaines productions ne seraient toutefois pas affectées, l'IATSE ayant négocié un accord séparé avec des chaînes comme BET, Cinemax, HBO, Showtime ou encore Starz, de même qu'avec des productions indépendantes et l'ensemble du spectacle vivant.

Aux Etats-Unis, la grève des scénaristes d'Hollywood fait réagir les politiques
Juliette Bénabent

# data[].attributes.attachment_link.title
Hollywood sous la menace d'une grève historique des techniciens

# data[].attributes.attachment_link.description
Le scénario de la catastrophe se précise un peu plus chaque jour à Hollywood. Depuis septembre 2021, l'Alliance internationale des employés de scène, de théâtre et de cinéma (IATSE) brandit la possibilité d'un arrêt général du travail si les grands studios restent sourds à certaines de ses revendications.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Avec les frises interactives d'Upopi, on voyage dans le temps : généalogie du cinéma, dates clés et grandes évolutions des genres et des registres cinématographiques.

Les frises offrent à la fois un aperçu clair et complet (sinon exhaustif !) sur la question dont elles traitent, et de courts textes permettant d'approfondir la réflexion sur chacun des moments abordés.

# data[].attributes.attachment_link.description
Avec les frises interactives d'Upopi, on voyage dans le temps : généalogie du cinéma, dates clés et grandes évolutions des genres et des registres cinématographiques.Les frises offrent à la fois un aperçu clair et complet (sinon exhaustif !) sur la question dont elles traitent, et de courts textes permettant d'approfondir la réflexion sur chacun des moments abordés.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
vous propose des analyses destinées à être lues après avoir vu les films. Le résumé permet de savoir si chacun a été sensible aux mêmes évènements dans l'histoire racontée. L'analyse, proposée dans une seconde partie, s'appuie sur des scènes clés du film. J'y prélève des signes de mise en scène qui, organisés, permettent de trouver le "noyau créateur de l'œuvre" selon l'expression de Jean Douchet. Ce grand critique ainsi qu'Alain Bergala, Jacques Lourcelles, et Gilles Deleuze sont parmi ceux qui m'ont le plus influencé.

De l'analyse du film, il est ensuite tentant de passer à l'exposé du style et des thèmes d'un metteur en scène et, pourquoi pas, à son inscription au sein des grandes écoles de cinéma. C'est à ce chantier en permanente révision que je me suis attaché au cours de mes trente-cinq ans de cinéphilie et onze ans de rédaction sur ce site à vocation encyclopédique (500 réalisateurs, 4 000 films, 400 fiches thématiques).

Les rapports privilégiés que le cinéma entretient avec la peinture ont permis d'enrichir le site d'une partie autonome consacrée à l'histoire de l'art.

Jean-Luc Lacuve (directeur de la publication- ISSN 2429-103X).

Au cinéma le 22 juin:
(sous réserve)

A la télévision cette semaine :

Les plus grands metteurs en scène du cinéma

# data[].attributes.attachment_link.title
Ciné-club de Caen : analyse et critique des films d'art et d'essai. Histoire du cinéma.

# data[].attributes.attachment_link.description
vous propose des analyses destinées à être lues après avoir vu les films. Le résumé permet de savoir si chacun a été sensible aux mêmes évènements dans l'histoire racontée. L'analyse, proposée dans une seconde partie, s'appuie sur des scènes clés du film.

# data[].attributes.attachment_link.title
Quiz Personnages de films | Retrouvez les personnages cultes du cinéma !

# data[].attributes.attachment_link.description
Retrouvez les personnages cultes du cinéma ! Quel est le véritable nom de ce personnage ? Dans quel film John Keating est-il professeur ? Quels sont les noms des deux personnages de ce duo explosif ? Quel acteur se cache sous le masque de V ? Ce personnage du Seigneur des anneaux se nomme....

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il est évident que sans un véritable méchant à opposer au héros du film, il n'y aurait aucune tension scénaristique. Il s'agit donc d'un élément indispensable pour assurer le manichéisme du cinéma hollywoodien, à tel point que le maître du suspense, Alfred Hitchcock, a déclaré:

" Meilleur est le méchant, meilleur est le film "

Le défi de savoir écrire un antagoniste qui sache marquer les esprits tient une place si prépondérante dans la conception des longs métrages modernes que leur caractère interchangeable est l'un des éléments les plus récurrents dans les thrillers et autres films de genre unanimement jugés ratés. À l'inverse, on remarque que, dans les films les plus populaires, le méchant a tendance à être souvent un personnage que les spectateurs préfèrent au héros lui-même. Cet état de fait a d'ailleurs poussé les scénaristes a donner de plus en plus souvent au méchant la place du personnage principal. Un effet de mode qui dépasse depuis longtemps les seuls films consacrés aux gangsters, un genre dans lequel, dès les années 30, ils trouvèrent leurs premières heures de gloire.

Nous nous sommes interrogés au sein de la rédaction sur les méchants que nous avons préférés et sur ce qu'ils incarnent de la part maléfique de l'Humanité. Les résultats de notre réflexion sont ici:

Le Top 10 des meilleurs méchants au cinéma :

1/ Le Joker (plusieurs films de Batman) : Créé en 1940 sous la plume de Bob Kane, Le Joker, par son charisme et sa cruauté, marque les esprits et devient la némésis du super-héros Batman. Plus qu'un simple personnage à travers ses différentes adaptations, le bad guy au maquillage est une icône. N'hésitant pas à faire preuve de cruauté mais toujours au service d'un idéal anarchique, Le Joker agit pour le chaos. Probablement l'un des super-vilains les plus complexes jamais créé, il marque les mémoires à chacune de ses apparitions. On explore alors la folie de ce personnage aussi dérangeant que fascinant par son approche pure du mal. Aucune bonté ne se dégage de cet homme, il n'inspire que crainte et magnétisme, déployant une aura mystique inégalée. À la fois effrayant et hilarant, tragique et passionné, Le Joker est un monument.

2/ Dark Vador (Saga Star Wars) : À première vue, il est difficile de faire plus diabolique qu'un Jedi poussé par la haine du côté obscur. D'autant plus, si ce dernier s'est avéré être au final l'un des plus grands seigneurs Sith. Derrière sa silhouette imposante, sa voix caverneuse et sa lourde respiration, Dark Vador sème la terreur dans une galaxie très très lointaine. Son taux de midichloriens exceptionnel en fait un utilisateur de la Force particulièrement puissant, lui permettant de punir ses subordonnées les moins efficaces ou même d'assassiner son ancien maître Obi-Wan Kenobi. Que cela soit avec un sabre laser d'une couleur rouge sang ou une arme capable de détruire une planète, Anakin Skywalker de son vrai nom, fera tout pour éliminer la menace rebelle au nom de l'empereur Dark Sidious. Cela ne l'empêchera pas de trouver la rédemption auprès de son fils, non sans lui avoir coupé la main au préalable.

3/ John Doe ( Seven) : Derrière son physique frêle et son regard de chien battu se dissimule l'un des tueurs en série les plus machiavéliques de l'histoire du cinéma. En moins de sept meurtres (c'est dur d'en parler sans spoiler !), il a réussi à traumatiser toute une génération de spectateurs. Il faut reconnaitre que sa cruauté n'a d'égal que son ingéniosité à mettre au point des séances de torture aussi cauchemardesques que symboliques. En effet, le véritable moteur de ce psychopathe est sa foi chrétienne qui le pousse à se croire investi de la tâche de purger le monde dégénéré dans lequel il vit en " retournant chaque pêché contre son pêcheur ". Le plaisir qu'il prend à remplir sa mission et la façon qu'il a de se voir en martyr de cette cause divine font de lui l'incarnation même de l'extrémisme religieux au sens le plus redoutable du terme.

4/ Jack Torrence ( Shining) : " Je ne veux pas te faire de mal Wendy ... Je veux juste te défoncer la gueule ! " Qui ne prendrait pas ses jambes à son cou face à cette interpellation d'une rare violence ? Surtout si elle provient de votre propre mari ! Possédé par l'esprit malveillant d'un hôtel dont il assure la garde, Jack Torrance, sous ses airs de mari et père idéal, devient petit à petit psychologiquement instable avant de basculer irrémédiablement dans la folie schizophrénique et devenir le plus terrifiant des meurtriers. C'est armé d'une hache, maniée furieusement, qu'il va commencer à poursuivre sa femme et son garçon à travers les couloirs de l'hôtel dans le seul but de les éliminer. Incarné par un Nicholson en transcendance totale, tout en hurlements, sourires et rires sadiques, Jack Torrance n'est pas qu'une simple représentation du mal : il en est l'incarnation même !

5/ Norman Bates ( Psychose) : Norman Bates est surement un des schizophrènes les plus célèbres du cinéma mondial. Avec son motel, comme partie intégrante du personnage, Norman Bates est redoutable, mais tout de même fondamentalement intriguant. Par une personnalité complexe et réfléchie se dessine une singularité, un profil atypique que seuls les esprits complexes réussiront à cerner dans son entièreté, si cela s'avère possible. De l'homme émane un charme qui ne laisse personne indifférent. Son franc-parler et son discours tantôt incisif, tantôt langoureux, font de lui un méchant parfait, qui réussit les combines pour assouvir ses fantasmes. Magnifiquement interprété par Anthony Perkins, Norman Bates reste gravé dans les mémoires avec un regard qui hantera encore longtemps les spectateurs... De quoi frémir lorsque l'on prend sa douche, ou que l'on va dans sa cave...

5 ex-aequo/ Anton Chigurh ( No Country for Old Men) : Ce qu'il est important de constater à propos d'Anton Chigurh, c'est qu'il ne tue jamais sans raison. Il abat ses victimes pour atteindre son objectif, quel qu'il soit. Et si les causes de ces meurtres brutaux semblent souvent insignifiantes ou même obscures, elles restent des causes. L'arme qu'il utilise, un pistolet à air comprimé tel qu'on entrouve dans les abattoirs, est une extension de cette vision morale : Anton fait juste son travail. Malheur alors à qui croisera sa route, assistera à son œuvre, ou même lui laissera entendre qu'il est fou car le mal qu'il incarne est instoppable. Avec une interprétation parfaite de Javier Bardem, Joel et Ethan Coen nous ont offert l'un des tueurs les plus froids de l'histoire du cinéma. La réalisation des 2 frères nous montre le mal sous sa forme la plus réelle et glaçante : un homme avec une arme et une morale déviante.

6/ Hannibal Lecter (plusieurs films adaptés de l'oeuvre de Thomas Harris): " Ange déchu " selon Thomas Harris, Hannibal Lecter est l'incarnation même d'une forme de divinité supérieure issue des déviances humaines. Il n'est pas régi par les mêmes codes moraux que ses contemporains et n'éprouve aucun remord car il ne conçoit pas la monstruosité de ses actes. Extrêmement intelligent et raffiné, il est un dandy moderne qui consume tout. De la connaissance à l'art ou les hommes eux-mêmes, étant cannibale. Le cinéma n'en a gardé que sa forme la plus carnassière et romantique, sa folie la plus pure. C'est à la télévision qu'il montre toute sa fascinante complexité et s'accorde le mieux avec la vision de Harris. Car ce qui rend ce méchant aussi mémorable, c'est que malgré ses atrocités, il n'en est jamais vraiment un. Sa logique élitiste poussée à l'extrême et son parcours tortueux lui donnent une aura attirante, tel un diable magnifique il séduit et la tragédie derrière l'homme touche.

7/ Jigsaw (saga Saw) : Jigsaw, alias John Kramer est le personnage emblématique de la saga horrifique, Saw. Également nommé le Tueur au Puzzle, il est le créateur d'un jeu empreint de sadisme. Son but ? Piéger ses victimes en les forçant à s'infliger des tortures à la fois physiques et psychologiques : d'une sévère mutilation aux sacrifices de ses membres. Jigsaw est au centre d'une problématique bien plus profonde que la simple thématique de la violence gratuite. Ce personnage est l'auteur de crimes qu'il n'a pourtant jamais commis. Véritable tortionnaire, Jigsaw est un voyeur passif, qui n'agit que par le biais d'une manipulation mentale : au bout de ce jeu, aucune alternative. La victime se retrouve torturée face à ses propres erreurs. Pure allégorie du mal, Jigsaw, c'est l'union du sadisme lié à la réflexion.

8/ Annie Wilkes ( Misery) : Seul antagoniste féminin cité dans notre classement, Annie Wilkes est le personnage principal de Misery, roman à succès de l'auteur Stephen King. Au sein du récit, Misery est également le nom d'une saga littéraire qu'Annie Wilkes affectionne particulièrement. Lorsque son auteur n'hésite pas à de tuer le personnage principal, elle n'hésite pas à s'en prendre au romancier, qu'elle forcera à écrire un nouveau roman pour faire revivre son personnage adoré. Elle ira jusqu'à le torturer psychologiquement et physiquement. Démesurée et déconnectée de toute réalité, Annie Wilkes est un antagoniste fort dans le sens où elle incarne ce qu'il y a de plus machiavélique pour des raisons dérisoires. Plus qu'un grand méchant de cinéma, c'est un personnage fondamentalement ancré dans une société où la réalité et la fiction se confondent. Interprété par Kathy Bates en 1990 dans l'adaptation de Rob Reiner, il lui vaudra l'Oscar de la Meilleure Actrice.

9/ Keyser Söze ( Usual Suspects) : Keyzer Söze est devenu grâce à Usual Suspect de Brian Singer et surtout l'interprétation sans faille de Kevin Spacey une marque déposée en matière de faux-semblant et d'usurpation d'identité. Apposé à la vraisemblable incompétence des autorités (le spectateur n'aurait pas fait mieux et en cela l'ironie n'est que plus bluffante), ce personnage déploie, par un twist de fin, un manichéisme feint et une puissante perversion pour la manipulation. Ce personnage au nom de pâtisserie allemande aux multiples saveurs est un des plus apprécié par son génie sourd noyant le soupçon dans un whisky sans glaçon. Si l'on oublie deux secondes l'interprétation de l'acteur à double niveau, la psychologie de Keyser Söze à la fois tronquée et magnifiée par un instinct de survie primaire laissant place à toute l'empathie nécessaire pour le placer dans notre top.

10 / Paul et Peter ( Funny Games et Funny Games US) : Paul et Peter. Ces deux noms ne vous disent peut-être rien et pourtant c'est le duo de méchants le plus diabolique du cinéma. Qui sont-ils, d'où viennent-ils, que veulent-ils ? C'est peut-être leur absence de passé qui les rend si effrayants. En effet, leur jeu favori est de piéger des familles dans leur maison pour les massacrer, en jouant préalablement avec leurs nerfs (et les nôtres). Méthodiques, flegmatiques, ils ne perdent jamais leur sang-froid même devant les tortures les plus horribles. On suppose que c'est Paul le cerveau des opérations, mais rien n'est moins sûr tant ce monstre à deux têtes semble agir en parfaite harmonie. On ne sait même pas s'ils en sont à leur première attaque ou pas. Le pire, c'est que même les exploser au fusil de chasse ne semble pas avoir d'effets sur eux...

Ils ont failli y être : Harry Powell ( La Nuit du chasseur), Franck ( Il était une fois dans l'ouest), Hans Landa ( Inglorious Basterds), Patrick Bateman ( American Psycho), L'infirmière Ratched ( Vol au-dessus d'un nid de coucou), Le juge Demort ( Qui veut la peau de Roger Rabbit?)...

# data[].attributes.attachment_link.title
Notre top 10 des méchants au cinéma | LeMagduCine

# data[].attributes.attachment_link.description
" Meilleur est le méchant, meilleur est le film " Le défi de savoir écrire un antagoniste qui sache marquer les esprits tient une place si prépondérante dans la conception des longs métrages modernes que leur caractère interchangeable est l'un des éléments les plus récurrents dans les thrillers et autres films de genre unanimement jugés ratés.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Depuis vingt ans, les personnages féminins de séries ont gagné en personnalité, en intelligence, en liberté et en diversité physiques et sexuelles.

Bien sûr, on peut parler de la représentation de la femme dans les séries dèsen 1951, mais il faut bien constater que c'est depuis ce qu'on considère comme le " troisième âge d'or " des années 2000 qu'elle a radicalement évolué. En effet, sous l'impulsion des chaînes de télévision américaines câblées, qui ne dépendent plus de la publicité et des diktats du politiquement correct, l'art sériel a considérablement changé, et cela d'autant plus que, comme le dit le producteur et scénariste Tom Fontana, tous les pouvoirs ont été donnés à celui qui écrit. On ne s'étonne donc pas que la représentation des femmes ait elle aussi été bouleversée.

James Gandolfini et Lorraine Bracco (de dos) dans Les Soprano.

Si, depuis le début du XXI e siècle, les personnages féminins ont gagné en épaisseur, dans le même temps les personnages masculins, pour puissants qu'ils soient, ont été montrés dans leurs fragilités. La force d'une Alicia Florrick, dans la série The Good Wife, est contemporaine des névroses qui affectent le parrain de la mafia italo-américaine Tony Soprano. En effet, on prendra pour point de départ la série Les Soprano, créée en 1999 par David Chase, non parce que les portraits de femme y sont les plus bouleversants, mais parce que cet homme, qui tue à mains nues dans le cinquième épisode de la première saison, se morfondait dès le premier épisode dans le cabinet de sa psychanalyste. David Chase, le showrunner, ouvrait ainsi une brèche narrative : les femmes n'étaient plus seules à êtres faillibles et soumises à leur inconscient. Tony Soprano a littéralement des vapeurs, un malaise, lorsque les canards qu'il tentait de domestiquer quittent sa piscine. Syndrome du nid vide, suggère la psy ? Le tabou est en tout cas rompu. On peut être un redoutable mafieux et ne pas arriver à dominer ses angoisses.

Une des raisons du formidable essor qualitatif des séries vient probablement de cette ouverture partagée : la complexité qui est maintenant aussi constitutive de la représentation des femmes enrichit la teneur narrative des séries. Cela a commencé aux États-Unis où, par exemple, on ose montrer une mère de famille qui gère un commerce de cannabis ( Weeds de Jenji Kohan, 2005-2012), pour s'étendre en Europe du Nord (la ministre danoise dans Borgen d'Adam Price, 2010-2013), en Angleterre et au reste du monde, d'Israël en Amérique latine.

Sidse Babett Knudsen dans Borgen, une femme au pouvoir.

Certes, si l'on s'en félicite, on ne saurait oublier de mentionner que cette évolution coexiste avec les séries lénifiantes, mièvres, aux personnages féminins réduits à des stéréotypes rétrogrades qui font le succès des productions industrielles. Cela ne doit rien au hasard : quand les studios de Shanghaï embauchent des acteurs pour doubler leurs séries en wolof et inonder le continent africain de ces produits bas de gamme, cela a tout à voir avec le soft power de la puissance chinoise.

Pour revenir à ce qui nous occupe, les séries de qualité, celles que l'on pourrait dire " d'art et essai ", il est intéressant de repérer quelques-unes des caractéristiques qui marquent les plus beaux personnages féminins des vingt dernières années. On ne saurait prétendre ici à l'exhaustivité, mais quelques points saillants méritent d'être relevés, à commencer par l'évolution de la représentation physique de ces personnages.

Archie Panjabi dans The Good Wife.

Prenons l'une des plus belles séries de ces dernières années, The Good Wife (2009-2016), conçue et écrite par Robert et Michelle King. Aux côtés de la magnifique Juliana Margulies, perchée sur ses talons de douze centimètres, qui interprète Alicia Florrick, une femme humiliée par un mari politicien infidèle qui reprend son ancien travail d'avocate pour nourrir ses enfants, on trouve son mentor plus âgée, Diane Lockhart, et sa détective maison, Kalinda, interprétées respectivement par Christine Barranski et Archie Panjabi. Alicia et Christine sont certes de splendides femmes dont les robes mettent les jambes en valeur, toutes empreintes du chic impeccable de la bourgeoisie surdiplômée américaine. Mais le trouble surgit ailleurs, dans leurs compétences et leur savoir-faire professionnels ou dans le simple fait que, en toutes circonstances, elles ont un point de vue - nous reviendrons sur ce point. À leurs côtés, Kalinda, une détective glamour, à la bisexualité désinvolte, en jupe et bottes à haut talons qui ne la gênent pas quand elle castagne, ce qu'elle n'hésite pas à faire. Surtout, on notera que le filmage n'érotise pas la baston. Robert et Michelle King ont doté Kalinda d'un double inversé qui parfait la démonstration : le détective auquel elle s'affronte régulièrement est à peu près le seul personnage de toute la série à être mal habillé. Il est affublé de deux enfants en bas âge dont il a la charge, poussette à l'appui. CQFD, si les femmes travaillent, il faut que quelqu'un s'occupe des enfants : l'évolution des personnages féminins de ces vingt dernières années coexiste bien avec celle de leurs hommes.

Des gestes plus amples, un usage de la violence alliés à une féminité traditionnelle, autant d'éléments des années 2010 que les séries " girly " des années 2000 ne se permettaient pas : le girl power est nettement plus sucré. Aujourd'hui, si besoin, les héroïnes savent que leur corps peut être une arme autre que dans la séduction.

À gauche : Cynthia Nixon, Kim Catrall, Kristin Davis et Sarah Jessica Parker dans Sex and the City. À droite : Adam Driver et Lena Dunham dans Girls.

Une série avait permis la transition avec les récits antérieurs, où les femmes étaient soit reléguées au second plan, soit nunuches et sans esprit : Sex and the city de Darren Star (1998-2004). Quatre new-yorkaises sophistiquées y bavardaient sans arrêt de leur sexualité. La rupture a été assez marquante pour qu'un poster de cette série soit affiché dans la chambre du personnage de Shoshanna, au tout premier épisode d'une série phare ultérieure : Girls (2012-2017).

Dix ans ont passé depuis Sex and the City, la nouvelle génération de trentenaires connaît la pornographie gratuite mais surtout bénéficie des acquis de décennies de féminisme, comme l'a démontré Iris Brey dans son livre Sex and the Series (Soap éditions, 2016). La showrunneuse qui écrit, réalise et joue dans Girls, Lena Dunham, n'hésite pas à montrer son corps bien dodu, nu dans des scènes de sexe explicites. La liberté d'une femme peut être aussi d'assumer ses formes, même quand elles ne correspondent pas aux standards de la mode.

Celle d'un scénariste peut être de choisir un personnage de " grosse " sans donner à la juger sur ce point. Il en va ainsi en 2014 pour la policière boudinée dans son uniforme interprétée par Sarah Lancashire dans la série britannique Happy Valley (2014-2015), écrite par Sally Wainwright.Malgré quelques exceptions, choisir une actrice dont le physique ne correspond pas aux canons de la presse magazine reste une véritable transgression.

Sarah Lancashire dans Happy Valley.

Doter les personnages féminins de physiques " imparfaits " n'est pas anecdotique, cela compte dans l'évolution de la représentation des femmes : tout comme ils montrent des héroïnes grosses, les scénaristes peuvent se tourner vers des personnages moins stéréotypés, par exemple issus d'une autre origine sociale, à la sexualité minoritaire, voire d'âge mûr. Une autre série importante a joué de cette diversité : Orange Is the New Black conçue par la créatrice de Weeds, Jenji Kohan, encore une femme, on le notera. Commencée en 2013, cette série montre des Américaines en prison, mais il s'agit de quelques très rares femmes blanches pour une majorité de latinos et de noires, à l'image de ce qui se passe dans le système carcéral des États-Unis. N'insistons pas sur le fait que les popotins sont bien présents et mis en valeur par l'uniforme. Ces femmes sont clairement dépeintes sous l'angle de l'intersectionnalité, ce concept établi par la juriste Kimberlé Crenshaw en 1989 qui met en valeur la possible addition de plusieurs discriminations, corpulence, âge, race, religion, sexualité... Pourtant, rien de théorique dans ce récit qui bénéficie des évolutions narratives déjà évoquées : physiques non standard mais aussi mobilité accrue dans les gestes (laquelle donne lieu à des bastons mémorables), sexualités loquaces et variées, mixité des différentes couches de la société américaine, intérêt pour des héroïnes au corps flétri...

Uzo Aduba et Danielle Brooks (au premier plan), Adrienne C. Moore (au second plan à gauche) dans Orange Is the New Black.

Ces changements vont dans le même sens. On délaisse les stéréotypes de " l'éternel féminin " bien ancrés dans la production industrielle : depuis l'orée du XXI e siècle, les séries partent à la conquête de ce qui peut mieux rendre compte des femmes d'aujourd'hui, la banalité, l'ordinaire - alors même que ces personnages sont justement plus complexes que les clichés sur pattes qui leur préexistaient. Cette banalité leur permet de ne pas être confinée aux extrêmes, alors qu'auparavant les personnages féminins restaient cantonnés à l'image vitrifiée de la mère de famille plus ou moins sanctifiée, de la femme fatale ou de la pute qui finalement ne valent pas mieux que la " girl next door " affligée d'une pensée pré-technique... Elles se révèlent alors contradictoires, brillantes ou abattues, intègres et faillibles, etc. Bref, humaines et non pas glacées, figées dans ce que la doxa attend d'elles.

Une des plus belles conquêtes des scénaristes est celle de l'intelligence : certaines des héroïnes de ces dix dernières années sont éblouissantes d'agilité intellectuelle, leur précision dans l'action dépasse la simple compétence professionnelle, et qu'elles soient flics ou avocates, mère de famille dealeuse ou prisonnière de droit commun, elles ont un point de vue sur ce qui leur arrive. Chacune le défend, avec une autonomie intellectuelle variable. Parfois cela fait des étincelles, comme lorsque Patty Hewes (Glenn Close) développe des stratégies juridiques diaboliques dans Damages de Todd et Glenn Kessler (2007-2012), ou lorsque dans le registre opposé, l'intelligence cultivée de Poussey (Samira Wiley) ou la folie intermittente de Suzanne (Uzo Aduba) apportent un peu de douceur dans le monde carcéral d' Orange.

Glenn Close, à droite, dans Damages.

Physiques plus proches des femmes ordinaires, sexualité explicite, compétences affirmées et point de vue assumé, intelligence, autant de traits inhabituels dans la production industrielle audio-visuelle : depuis vingt ans, les séries nous montrent des personnages féminins plus complexes au même moment où elles dotent leurs héros masculins de certaines caractéristiques - faillibilité, sensibilité - dont les hommes font preuve dans la vie réelle mais peu dans leur représentation.C'est probablement dans cette évolution parallèle (quoique non homothétique) que les séries d'aujourd'hui puisent une partie de leur force. C'est peut-être aussi parce que davantage de femmes les conçoivent et les écrivent, les Virginie Brac, Michelle King (et son mari), Jenji Kohan, Anne Landois, Shonda Rhimes, etc, que le regard se déporte des stéréotypes : Anne Landois me confiait souhaiter ne pas apporter certaines informations de manière traditionnelle et me parlait du travail que cela lui demandait. Comment faire comprendre qu'un personnage de flic est enceinte ? Certainement pas par des nausées. Il suffit de regarder le premier épisode de la cinquième saison de la série française Engrenages (créée en 2005), pour apprécier la façon dont l'invention scénaristique, une fois sortie des sentiers battus, peut nous surprendre.

Autrice : Carole Desbarats, directrice de la communication et de la diffusion des savoirs à l'École Normale Supérieure. Ciclic, 2019.

# data[].attributes.attachment_link.title
Nouveaux personnages féminins de séries : complexes

# data[].attributes.attachment_link.description
Analyse cinématographique] Depuis vingt ans, les personnages féminins de séries ont gagné en personnalité, en intelligence, en liberté et en diversité physiques et sexuelles.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Texte d'une intervention à deux colloques - Festival du livre de cabestany le 25 Novembre 2012 et au Forum "Les débats" à Nancy ("Nancy la filoche)
" Les Super-Héros : simples divertissementsou objets d'analyse? "
"L'intérêt pour les super-héros n'est pas nouveau. Il est revenu à intervalles réguliers depuis 1938 avec des personnages à chaque fois porteurs de caractéristiques nouvelles. En cela, les super-héros, comme d'autres personnages de fiction, traduisent des valeurs et des inquiétudes propres à chaque période historique. Pourquoi ont-ils provoqué un tel engouement, notamment à l'orée des années 60 ? Que peut-on tirer aujourd'hui de l'analyse de ces personnages ? ". Il y a quelques mois, un journaliste m'a invité à parler à la radio des super-héros à l'occasion de la sortie du film " Avengers ". J'ai donc commencé à parler de la place de ces personnages dans l'imaginaire populaire et, au bout d'un quart d'heure de conversation, il m'a demandé, mi-figue mi-raisin, s'il était bien sérieux de s'intéresser de cette manière à ces histoires ? Si cela avait si peu d'intérêt, pourquoi alors m'inviter à en parler ? La réponse allait de soit, " Avengers " était en train de battre des records d'entrée pour la première semaine d'exploitation d'un film et se plaçait à la troisième place des recettes cinématographiques dans l'histoire du cinéma (en réalité à la treizième ou quatorzième si on tient compte de l'inflation). Voila un premier révélateur de notre société qu'autorisent les histoires de Super-Héros. Il faut justifier le fait que les récits de super-héros puissent avoir un intérêt sociologique ou culturel;...en revanche, nulle justification à donner si c'est lucratif. Il y a pourtant un autre intérêt à analyser les super -héros. C'est que leur audience ne laisse guère de doutes sur leur importance dans l'imaginaire collectif. Or l'imaginaire est essentiel : une société n'existe pas seulement avec ses structures sociales, sa production ou ses conflits; elle repose aussi sur l'imaginaire et ses rêves. D'ailleurs personne n'est choqué que l'on analyse Don Quichotte, l'oeuvre de Balzac ou celle de Dumas pour mieux comprendre le basculement de la société au 17 ème siècle ou sa structuration au 19 ème siècle. En ce sens, les récits de super-héros nous permettent d'éclairer quelques éléments de notre société à l'instar d'autres éléments de la culture populaire, de séries télévisées aux jeux télévisées.

Cependant, il est devenu difficile de parler des super-héros en général car depuis le premier d'entre eux (le premier attesté en tout cas), le fameux Superman né en 1938, on compte environ 5000 personnages (super héros et super vilains compris) dans l'écurie Marvel (dépendant de Disney) et 3000 chez son concurrent DC (filiale de Warner), soit 8000 personnages au bas mot.

Selon une définition communément acceptée, un super-héros possède au moins deux des trois caractéristiques suivantes : 1) Il a des capacités extraordinaires (force physique surhumaine, rapidité hors du commun, résistance à la douleur...) communément appelées super-pouvoirs . 2) Il possède une double identité : celle d'une personne normale et celle de super-héros. 3) Quand il effectue des actes héroïques, il porte un costume distinctif qu'il abandonne momentanément quand il reprend ses activités d'individu ordinaire.

B) DEUX LIGNEES Pour autant, les super-héros ne relèvent pas tous des mêmes catégories. On peut distinguer deux lignées essentielles.

- Les super-héros disposant de super-pouvoirs. Certains seront proches de figues divines : Superman, Thor,... d'autres s'apparentent à des figures proches des forces naturelles (feu, vent, figures animales,...) pas loin de l'animisme : Spiderman, La torche, .... On peut accorder une place à ceux dont le corps du super-héros a supplanté la figure humaine. C'est la catégorie des monstres (dont on retrouve des traces dès le Golem ou Frankenstein) : La Chose, Hulk, le surfer d'argent...

- La deuxième catégorie est celle des super-héros sans super pouvoirs mais avec une identité secrète. On pense bien sûr à Batman mais aussi à Iron-Man,... Ils appartiennent à la catégorie ancienne des justiciers masqués qu'on a connus précédemment avec " le fantôme du Bengale ", " the Shadow ", Judex ou, tout simplement, Zorro .
II) LES TROIS ÂGES DU SUPER HEROS
1) On peut donc dire sans se tromper que l'Histoire des super-héros a commencé en 1938 avec la première parution de Superman et 1939 avec la parution de Batman, les deux figures tutélaires des super-héros. Mais autant Batman est à relier à la tradition connue des justiciers masqués, autant Superman renvoie à des références mythologiques. Né sur une planète menacée de destruction, ses parents décident de le sauver en l'envoyant dans l'espace dans un vaisseau interplanétaire. On retrouve ici la même trame que l'histoire de Moïse sauvé d'une destruction certaine par sa mère qui l'abandonne dans un panier d'osier et le laisse voguer sur le Nil. Cependant, il ne faut pas se méprendre sur le terme " mythe ". Ces récits peuvent utiliser des personnages ou des structures narratives qui rappellent certains mythes, il ne s'agit pas pour autant de mythes, au sens strict du terme, qui sont des récits prétendant expliquer un aspect ou un autre du monde ; Ces récits n'ayant aucune prétention à la réalité s'apparentent plutôt aux contes (voire aux fables si on tient compte du nombre d'hommes animalisés qui les parcourent).

2) Très vite, dans les années 1940, on verra apparaitre de nombreux super-héros dont certains comme captain Marvel mais qui sera interdit pour plagiat (trop proche de superman). Dès 1940, Jack Kirby, un des grands noms du monde des super héros, et Joe Simon créeront captain America, un super-héros, résultat d'une expérimentation, destiné à être le premier d'une super armée censée combattre les nazis. Nous avons là un certain nombre d'ingrédients permettant de comprendre la genèse des Super-Héros à la fin des années 1930. Chez ces trois SUPER-HÉROS nous trouvons une double identité mais aussi une situation d'orphelins. Chez Batman, l'assassinat de ses parents sous ses yeux sera à l'origine d'un désir de vengeance et de justice et, selon les périodes, d'une certaine fragilité psychologique. Par ailleurs nous trouvons chez Superman et Cap America deux origines possibles des super pouvoirs ; Pour Cap America, il s'agit du résultat d'une expérience scientifique. Chez Superman, l'origine, supposée être scientifique, a plutôt des allures magiques. Enfin, si Batman œuvre plutôt dans un désir de justice, Cap America et Superman sont très clairement des combattants du " monde libre ", Cap America ayant été explicitement créé pour combattre les Nazis.

3) Cela nous renvoie à la thématique du surhomme. Après 1945, et à la suite des délires nazis, le thème du surhomme devient sulfureux mais il ne l'était pas avant guerre. Il faut savoir que loin d'être l'obsession des seuls nazis, la volonté " d'améliorer la population " voire l'espèce était commune à l'ensemble du monde développé. En effet, de 1870 à 1945, deux interprétations dévoyées du Darwinisme fleurissaient. Pour les tenants du " darwinisme social " on ne devait pas aider les plus faibles de façon à ce que la population se renforce grâce aux plus forts (cette thèse est en fait due antérieurement à Darwin, au sociologue Herbert Spencer). Pour d'autres, la sélection ne pouvant plus faire son œuvre dans la société, c'est aux hommes de mettre en place cette sélection à travers des politiques eugénistes. Du côté soviétique, les propagandistes ont la prétention de créer un " homme nouveau ", un " homo sovieticus " par l'endoctrinement et la propagande. L'occident a été profondément marqué par ce désir d'amélioration de l'espèce par la valorisation des plus forts et la sélection des plus faibles d'où, par exemple, les politiques de stérilisation des malades mentaux aux Etats-Unis dès les années 1910-1920. D'où également les tests d'intelligence imposés aux immigrants dans les années 1920 et la recherche de génies par Lewis Terman à la même époque. La représentation d'un surhomme n'est donc pas choquante dans le contexte de l'époque et Superman peut apparaitre alors comme une réponse onirique aux surhommes des régimes totalitaires soviétique et nazi.

Certes, les hommes ont toujours imaginé des individus qui leur seraient supérieurs mais jusqu'à présent il s'agissait de créatures divines ou semi-divines, des dieux, des fées et des sorcières. Il faut attendre le 19 ème siècle, avec le monstre de Frankenstein (Shelley - 1818), et le 20 ème siècle pour voir apparaitre massivement des surhommes issus de la science.

4) Avec les premiers super-héros, on retrouve ces deux origines : Batman et Captain America tirent leur pouvoir de la science et de la technique, Wonderwoman, Green Lantern et, dans une certaine mesure, superman, de la magie.

Pourquoi les américains éprouvèrent ils autant d'intérêt pour les super-héros dans les années 1940 ? Sans doute furent-ils en partie une réponse à l'angoisse de la crise économique et de la guerre. Et ces super-héros sont des héros dans tous les sens du terme : puissants, ils sont valeureux, défendent les valeurs de la libre Amérique et de la démocratie et, même s'ils ont une identité civile parfois modeste, ce sont des individus assez équilibrés. Puis la vogue des super-héros s'essouffla à partir des années 1945 pour deux raisons. La fin de la guerre leur donnait moins d'intérêt et, surtout, il y eut une campagne de dénigrement, notamment sous la conduite du docteur Wertham, accusant les comics d'être responsables de la montée de la violence, du racisme et de la délinquance juvénile.

Quelques extraits de Wertham
" LA SEDUCTION DE L'INNOCENT ".
Dès 1948, le psychologue Fredric Wertham entama une campagne contre les comics (notamment ceux mettant en scène des gangsters, des monstres ou des super-héros) et il se fit connaitre en 1954 avec la parution de " Seduction of the Innocent " dans lequel il rend ces comics responsables de comportements délictueux chez les jeunes par les scènes de violence, de crime ou de sexe qu'ils mettraient en scène. En 1955, la revue " Les Temps Modernes " dirigée par Jean-Paul Sartre publia des extraits de cet ouvrage dans un article intitulé "Les crime comic-books et la jeunesse américaine. Quelques échantillons de cet article donnent une idée des critiques de Wertham :
" Dans les comic-books, les blancs sont généralement blonds, athlétiques et élancés; les indigènes, au contraire, sont toujours à mi-chemin entre l'homme et le singe. (...)Un enfant de quatre ans peut fort bien avoir déjà été influencé par le racisme des comic-books ; et l'on voit des gamins de six ou sept ans disposer de tout un arsenal d'arguments racistes. La plupart du temps, leur antipathie pour un groupe déterminé (" Ils sont méchants ", " ils sont vicieux ", " ils sont criminels ", " on.ne peut leur faire confiance ") vient directement des comic-books. Dans les autres cas, où les préjugés ont pu être acquis à la maison, dans la rue, à l'école, les comic-books n'en ont pas moins une influence néfaste, en ce qu'ils amplifient et perpétuent ce qui pourrait n'être qu'une tendance insignifiante. Ce n'est pas là une vue de l'esprit ou une affirmation sans preuve : c'est la conclusion que l'on est obligé de tirer des propos des enfants eux-mêmes. " (...) Les collections de Superman exaltent la force sous toutes ses formes. Le Dr Paul A. Witty, professeur de pédagogie, analysant le contenu des comic-books de ce type, remarque fort justement qu'ils " présentent notre monde sur un fond fasciste de violence, de haine et de destruction ". "Je pense, continue le Dr Witty, qu'il ne peut qu'être mauvais pour les enfants, d'être soumis périodiquement à cette littérature de violence qui leur inculque, en fait, les principes d'une société fasciste. Il ne faudrait pas s'étonner si notre jeunesse perdait jusqu'au souvenir des idéaux démocratiques. "
( Source : - Fredric Wertham : " Les " crime comic-books " et la jeunesse américaine " - " Les Temps Modernes " n° 118 - Octobre 1955).

On peut également rappeler que le docteur Wertham écrivit dans une notice consacrée à Superman : " Cet exemple montre que la confusion entre le rêve et la réalité provoquée par cette bande dessinée [...] est responsable de la cruauté développée dans ses jeux par l'enfant, en particulier à l'endroit des jeunes filles... "[1].

LE HANDICAP ET LE SUPER-HEROS 1) a) Le handicap et le SH LES FAILLES DU SH b) LES IDENTITES MULTIPLES c) LE RAPPORT A L'ACTUALITE
B) Il faut attendre la fin des années 50 et le début des années 1960 pour assister à un renouveau du phénomène, la période marquante allant de 1961 à 1963/64. En effet, durant cette période Stan Lee créa pour l'entreprise Marvel une série de super-héros aux caractéristiques nouvelles : FF, Spiderman, Thor, Iron-Man, Daredevil, Docteur Strange,... On retrouve les archétypes des années1940 : certains ont des pouvoirs d'origine divine ou magique (Thor, Docteur Strange,...) d'autres d'origine scientifique ou technique (Hulk, Iron Man, X-Men,...) mais apparait aussi une forme d'hybridation entre les deux. Le meilleur exemple est celui de Spider-Man : piqué par une araignée radio-active il reçoit des pouvoirs d'araignée ; la référence à la radio activité laisserait entendre que nous sommes dans le domaine scientifique mais en réalité l'idée que le même engendre le même est la caractéristique même de la magie. On peut également voir la même chose pour Angel des X-Men à qui il pousse des ailes d'ange à la suite de radiations atomiques. Mais quelque chose de nouveau parait : alors qu'auparavant les pouvoirs étaient dus à l'action volontaire de la science , soit pour créer des combattants dans le cas de Cap America, soit sous l'action d'un savant fou, on assiste dans les années 1960 au thème de l'accident qui est à l'origine du super héros : Peter Parker est piqué par une araignée qui s'est échappée, Matt Murdock est rendu aveugle par des déchets radio actifs au cours d'un accident de la circulation, Hulk est le produit d'un accident au cours d'une expérience,... La science n'est plus cette science bienveillante du début du 20 ème siècle. Il y aune inquiétude autour de la science qui n'est pas sans rapport avec la crainte du péril atomique. Précédemment, dans les années 50 on a vu fleurir les films où la science inquiète ; pensons par exemple au très beau " Godzilla " de Honda.
D) POURQUOI MAINTENANT ?
Mais l'inquiétude des Super-Héros des années 1960 ne concerne pas que le rôle de la science. Elle concerne aussi le héros qui est dans la presque totalité des cas un handicapé, handicapé physique ou socia l. Et c'est probablement par le handicap qu'on comprend le mieux le super-héros. On avait déjà vu le thème du " talon d'Achille " avec la kryptonite qui remet en cause les pouvoirs de superman mais celle ci n'a été introduite que tardivement dans les aventures de superman (1941 dans un feuilleton radio et 194 dans les comics) probablement pour régler des problèmes narratifs. Ca qui est frappant chez Marvel c'est que les handicaps sont là dès l'origine : Thor est un médecin boiteux, daredevil un avocat aveugle, iron man un industriel cardiaque,... Peter Parker, s'il fut myope à l'origine, est surtout un jeune qui n'arrive pas à s'intégrer aux lycéens de son âge. Il semblerait que la présence de ce handicap ne soit pas seulement le résultat d'une contrainte narrative ; en fait, on retrouve dans la plupart des légendes et des mythologies la présence de handicapés ayant des pouvoirs surnaturels. Dans un ouvrage consacré à la perception du handicap dans différentes parties du monde (" Le handicap au risque des cultures "de Charles Gardou) l'ethnologue Michelle Therrien, spécialiste du monde Inuit, rappelle que dans bien des mythes, le handicap favorise l'exploit qui ne s'explique que par l'intervention d'esprits attentifs aux plus démunis. Elle ajoute même que le chamane incarne probablement le handicapé type. Dans un même ordre de réflexion, le philologue Georges Dumézil s'est particulièrement intéressé à l'existence des Dieux handicapés notamment au borgne et au manchot qu'on retrouve à Rome (Cocles et Scaevola) et en Scandinavie avec Odin (dieu borgne) et Tyr (dieu manchot).

On ne peut être que frappé par la proximité entre le super-héros et le handicapé qu'on a retrouvé récemment au cours des jeux paralympiques de Londres durant lesquels les journalistes ont fréquemment utilisé le qualificatif de " super-héros " pour parler des concurrents. Ainsi Oscar Pistorius est devenu champion olympique des handisports et recordman des 100, 200 et 400 mètres. Il a même eu l'occasion de courir avec des non handicapés durant un meeting. Cependant, étant muni de jambes artificiels, certains non handicapés pensent que ses jambes artificielles lui confèrent un avantage en dépensant 25% d'énergie en moins ce qui fit qu'il n'a pas été admis à concourir aux JO de Pekin chez les valides. Il n'y a pas là qu'une coïncidence.
III) LEUR PLACE DANS LA LITTERATURE POPULAIRE A) LES REFERENCES A LA MYTHOLOGIE
La gestion du handicap va être essentielle dans la vie du super -héros. Pour certains, le handicap et le super pouvoir sont une seule et même chose (cyclope) et interdisent de vivre normalement. Pour d'autres, comme daredevil, il est indispensable de mettre le handicap en avant pour sauvegarder son identité de Super-Héros (Daredevil). En tous les cas, la gestion du handicap dans la vie quotidienne rend celle-ci problématique. C'est ce que d'une autre manière, on retrouve dans le film " Intouchables ". Mais une autre caractéristique va devenir essentielle chez ces super-héros, c'est le fait que l'existence d'une double identité rend leur existence civile problématique. Prenons le cas le plus emblématique, celui de spider-man : c'est l'histoire d'un vrai héros à triple titre : héros parcequ'il est Spider-Man mais également héros parcequ'il se sacrifie entièrement pour sa tante May. Mais dans le même temps, il est pris pour un minable par Flash Thompson, par un pédant par les autres étudiants et pour un goujat par les filles qui l'approchent. Faible dans la vie sociale mais héros dans son identité secrète, n'est ce pas là une parfaite définition de l'adolescent ? Et l'histoire de Peter Parker, n'est ce pas l'histoire d'un adolescent qui tente de sortir de ce statut ? N'est ce pas la ce qui fait toute la puissance et le charme de ces récits ? Doit-on s'étonner du succès croissant de Spider-Man durant les années 1960 qui ont été celles où les Baby-Boomers sont arrivés en masse à l'âge de l'adolescence ? Les super-héros des années 1960 sont donc généralement psychologiquement fragiles et ont du mal à s'insérer dans la vie et c'est bien ce qui a fait leur attrait pour les lecteurs de l'époque.

Les années 1960 c'est aussi des années de contestation et certains super-héros vont se trouver en porte à faux. Difficile pour Iron Man par exemple, de se présenter comme un combattant anti communiste et alter ego d'un marchand d'armes quand se développe les manifestations estudiantines contre la guerre du Vietnam. Les Super-Héros des années 60 vont apparaitre de moins en moins comme des agents de la domination américaine (image par laquelle on les résume encore trop facilement) ; leur objectif principal à l'époque c'est sauvegarder leur identité.

Les récits de super-héros connaitront à nouveau un certain calme durant les années 1970 mais c'est au cours des années 80 qu'interviendront plusieurs nouveautés. En 1986, Alan Moore et Dave Gibbons créent " the watchmen ", un groupe de super-héros vieillissants parmi lesquels " le comédien " qui fut mêlé aux plus basses affaires du gouvernement américain et tenta de violer une super héroïne, membre du même groupe. Un autre, Rorschach, a été si traumatisé par un meurtre sur lesquels il a enquêté qu'il n'hésite plus à torturer et tuer les malfrats, quelle que soit la gravité de l'acte. Enfin, ils ont tendance à plus faire régner l'ordre que défendre la justice. On y voit des super-héros maintenir l'ordre dans la rue pendant une grève de policiers mais un ordre injuste (" Au diable les justiciers ! On veut de vrais flics ! " crie un manifestant). Les watchmen sont des super-héros vieillissants et imparfaits mais le fait majeur est cette dégradation de la légitimité de leur action. On retrouve d'ailleurs la phrase " Who watches the watchmen ? ", traduction de la formule latine signifiant " qui gardera les Gardiens ? ", vieille question de philosophie politique. Si les hommes doivent se soumettre à une puissance tutélaire, qu'est ce qui garantit que cette puissance sera juste ? C'est la légitimité des super-héros à incarner la justice qui est remise en cause.

Mais le véritable nouvel âge datera de la fin des années 90 et du début des années 2000 quand les Super-Héros occuperont vraiment le grand écran. Jusqu'à présent, les adaptations cinématographiques étaient plutôt ratées mais avec les effets spéciaux modernes, cela devient beaucoup plus crédible. Les dates de démarrage de ces succès sont multiples : on peut penser au Superman de 1977 ou aux Batman de Tim Burton mais c'est surtout avec Blade (1998), les X-Men (2000) et surtout Spider-Man de Sam Raimi (2002) que l'engouement se développe. Depuis 2000, les productions cinématographiques ne cessent de se succéder, menées notamment par le groupe Marvel, à raison de deux ou trois films par an. Un stade nouveau semblerait être atteint cette année avec la sortie de Avengers, considéré comme le troisième film de l'histoire du cinéma en termes de recettes. En fait, il faut se méfier de ce critère puisque les calculs sont faits en dollars courants (sans tenir compte de l'inflation et du prix du ticket) ; en réalité, si on tient compte de l'inflation, Avengers est au treizième ou quatorzième rang, le film le plus regardé dan l'histoire étant encore et toujours " Autant en emporte le vent ".

Toutefois, l'engouement actuel pour les super-héros ne laisse pas d'interroger. On peut bien sûr l'expliquer par le fait que l'on a droit à des films plaisants et spectaculaires qui prennent une place occupée auparavant par les Westerns, les Peplum et les Space-Opera. Mais il y a sûrement autre chose. Une première réponse spontanée consiste dire qu'en période de crise, on a plaisir à voir des hommes tout puissants qui nous consolent de notre vie difficile. Il est vrai que le fait que la mode des Super-Héros redémarre avec Spider-Man juste après le 11 septembre 2011, irait dans ce sens. Toutefois, le fait que la grande mode des Super-Héros fut l'âge d'argent de 1961-1973 peut inciter à se méfier d'une réponse fondée uniquement sur la présence d'une crise économique. Il faut remarquer que les films de Super-Héros s'engagent dans trois voies de réflexion. Les uns reprennent l'image du Super-Héros fragile et mal intégré dans la société : spider-man, X-Men,... D'autres s'engagent dans une présentation de surhommes sauveurs de l'Humanité semblables aux Super-Héros de l'âge d'or des années 1940 : c'est le cas par exemple, d'Avengers dans lequel les failles des Super-Héros sont à peine suggérées. Enfin, d'autres films engagent, sur le mode de la comédie ou du drame, une réflexion sur les dangers qu'il y a à être ou se prétendre super-héros. Quatre films sont à retenir : Kick-Ass, Watchmen, Super (de James Gunn) et Chronicle. Dans Kick-Ass et Super, le candidat au super héroïsme n'a aucun super pouvoir. Le jeune qui prend l'identité de Kick-Ass, l'apprend à ses dépends. Franck d'Arbo, le personnage principal de Super va plus loin : n'ayant pas de super-pouvoirs, il décide de s'armer d'une clé à molettes mais, ne faisant pas dans le discernement, décide de punir violemment un malotru qui a commis pour seul crime de resquiller dans une file d'attente de cinéma. Très vite il sera rejoint par la jeune Libby (Ellen Page) qui a tellement hâte de jouer son rôle de super-héroïne qu'elle n'hésite pas à inventer des crimes et à exagérer pour frapper des innocents. On retrouve sous le masque de la comédie le fameux " qui gardera les gardiens ? ", qui est en mesure d'endosser le rôle de super-héros sans sombrer dans l'abus de pouvoir ? Si dans " super ", le héros n'a pas de super pouvoirs ce n'est pas le cas des jeunes étudiants du film " Chronicle" qui acquièrent par hasard des super pouvoirs, commencent à jouer avec puis peu à peu en abusent.
CONCLUSION
Donc au cours des trois âges des super héros, trois thématiques se dégagent : l'existence d'un surhomme sauveur de l'humanité dans les années 1940, la question de la fragilité du surhomme, et enfin les questionnements sur cette puissance dans les années 2000.

Mais la réponse à notre question " pourquoi avons-nous besoin de super-héros " ne se trouve pas seulement dans l'analyse du contexte historique ; il est bon aussi de chercher les invariants de ce type de récits.

Celles-ci n'ont échappé à personne dès la première histoire de Superman qui reprend les grandes lignes de l'histoire de Moïse. De même, le super-héros Thor reprend les personnages de la mythologie scandinave (ce qui énerve profondément de grands spécialistes de la mythologie scandinave comme Régis Boyer). Mais les références sont souvent plus subtiles que cela et ont peut retrouver la dimension quasi mythique de ces récits soit dans les histoires du surfer d'argent confronté à des représentations du mal absolu ou à des demi dieux soit dans le fait que la question du destin qui s'impose à l'individu et notamment de sa nécessaire rédemption est presque systématiquement présente (notamment chez spider man) ce qui, à mon sens les rapproche notamment de la mythologie nordique.

B) AU PAYS DU FEUILLETON

Dans un célèbre essai de 1962 concernant Superman, Umberto Eco écrivit que Superman est un personnage mythologique dans le monde du roman et il fait de superman un descendant du Comte de Monte-Cristo. Monte Cristo serait le premier des super héros ? Personnellement je pencherais plutôt pour Rodolphe des " Mystères de Paris ". Sans chercher à trouver le père de tous les Super-Héros, on peut tout simplement s'apercevoir que le récit de super héros s'inscrit dans une filiation générale des " héros populaires " qui apparaissent au 19 ème siècle. Rodolphe, des " Mystères de Paris ", a tout des caractéristiques du super-héros : d'origine princière, il se déguise afin de se mêler au peuple et de parcourir les bas-fonds de Paris ; comprenant les problèmes que connait le peuple, il use de son grand talent de combattant pour faire régner la justice. Identité secrète, recherche de la justice, pouvoir surhumains (sinon super pouvoirs) on retrouve l'archétype qu'endossera Batman quelques décennies plus tard et on trouve le modèle même du " super vilain " avec le redoutable " maitre d'école " Cependant, Umberto Eco préfère donner la priorité à Edmond Dantès. A la suite d'un complot, Edmond Dantès, est emprisonné pendant 14 ans sur l'ile du diable. Grace à l'abbé Faria, il parvient à s'enfuir et prend possession d'un trésor, ce qui lui permet de se venger de ses dénonciateurs sous le couvert de l'identité du Comte de Monte Cristo. Certes il y a une double identité et des pouvoir exceptionnels (pour s'enfuir à la nage et les pouvoirs accordés par la richesse) mais on y retrouve pus une vengeance qu'une recherche de justice universelle. Pourtant Eco estime que Dumas a cherché à donner à Edmond Dantès une psychologie qui est celle du surhomme " partagé entre le vertige de l'omnipotence et la terreur de son rôle privilégié ". Umberto Eco considère que le " comte de Monte Cristo " est le roman le plus passionnant et le plus mal écrit qu'on ait connu mais il met une part de son succès sur le fait que Dumas était payé à la ligne et va participer à l'invention du feuilleton... C'est bien ces feuilletons et ces histoires sans fin qu'on retrouve de manière exacerbée dans les récits de super héros (spiderman flirte avec les 700 épisodes).

Par contraste, on peut prendre le cas de d'Artagnan qui est aux antipodes du super héros. Il n'a ni super pouvoir, ni double identité (malgré son nom " de scène " de d'Artagnan). Il ya une petite ressemblance avec spider man car ce sont tous les deux des romans d'initiation mais d'Artagnan se situe dans une société d'ancien régime où l'honneur personnel et les relations familiales priment ; aussi d'Artagnan n'hésite pas à se battre pour la moindre peccadille et à exhiber ses liens avec Monseigneur de Tréville, là où Peter Parker acceptera de se laisser humilier moultes fois avant de réagir. Enfin, D'Artagnan combat avant tout au nom des pouvoirs qu'il a choisi de servir et non au nom d'une idée de justice. Toutefois, il n'est pas sans liens avec tous les aventuriers qui fleuriront au 20 ème siècle : Doc Savage, Bob Morane, James Bond,...sans oublier Judex, Fantomas,...et le méconnu Nyctalope qui brigue le titre de " premier des super héros ". Toutefois, s'il fallait chercher un précurseur aux super-héros, je remonterai carrément à 1615 avec la création de Don quichotte qui offre tous les archétypes inversés du super héros. Quand les super-héros sont jeunes, puissants et combattent des ennemis, Don Quichotte est vieux, sans pouvoirs et ne combat que des ennemis imaginaires mais il a en commun avec les super-héros, la volonté de justice et la double identité. Et sa vieillesse et sa folie le rapprochent des Watchmen et Kick-Ass. Il n'y a là rien d'étonnant puisque Don Quichotte est le premier des romans modernes.

C) ROMAN A L'EAU DE ROSE

Les super-héros ayant une double identité, ont aussi une vie amoureuse et un dernier élément, en germe chez Superman, devient essentiel dans les années 1960, c'est celui de la relation amoureuse. C'est particulièrement net pour Spider man/ Peter Parker qui connait la vie d'un adolescent classique américain. Tour à tour amoureux de Betty Brandt, Liz Allan, Gwen Stacy et Mary Jane Watson, il ne sait comment se déclarer ni comment concilier sa condition de super-héros et sa vie amoureuse, problème qu'on va retrouver chez d'autres super héros comme Cyclope, Iron Man,... Au fond, le comic de super-héros permet ici aux garçons d'accéder à la lecture de la littérature féminine, aux fameux romans à l'eau de rose. Peter Parker présente la situation classique de l'adolescent qui ne sait comment aborder les filles (mais il y arrive de mieux en mieux à mesure que les épisodes se succèdent). A l'autre extrême, Red Richards et Jane Storm des fantastiques n'ont guère de problèmes de cet ordre mais on assiste à leurs amours, leurs fiançailles, leur mariage à la manière des magazines People qui s'intéressent aux amours des stars. Ce n'est pas sans rappeler la situation de Tony Stark (Iron Man) qui n'arrive pas à se fixer. Mais la situation la plus fréquente est celle de l'amour non déclaré, en général à cause du handicap. Matt Murdock (Daredevil) ne pouvant se déclarer à Karen Page, Scott Summers (cyclope) n'osant vivre avec Jean Grey à cause de la dangerosité de ses yeux. C'est surtout le surfer d'argent séparé à jamais de sa fiancée Shalla-Ball par une barrière cosmique entourant la terre.

Les récits de super-héros s'appuient à la fois sur des structures mythiques anciennes, sur le roman populaire et sur le roman-photo. Ils reprennent également des éléments de l'actualité : le problème noir dans les années 60, la question de la drogue, la question de l'homosexualité depuis les années 2000,... Mais là où ils sont le plus efficaces c'est quand ils abordent des questions anthropologiques fondamentales. Ainsi, les aventures de Peter Parker entrent en résonnance avec la montée de la question de l'adolescence, la double identité des super-héros questionne la construction identitaire dans les sociétés des années 1960 et la question du super-pouvoir reflète les interrogations de la société à l'égard du pouvoir. Finalement, les super-héros ne donnent aucune réponse à ces questions mais ils permettent de poser ces questions de manière implicite.

# data[].attributes.attachment_link.title
Les Super-Héros : simple divertissement ou objet d'analyse?

# data[].attributes.attachment_link.description
Texte d'une intervention à deux colloques - Festival du livre de cabestany le 25 Novembre 2012 et au Forum "Les débats" à Nancy ("Nancy la filoche) " Les Super-Héros : simples divertissementsou objets d'analyse? " "L'intérêt pour les super-héros n'est pas nouveau.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La figure d'antihéros est, rappelons-le, un personnage central d'une œuvre de fiction qui ne présente pas certaines caractéristiques du héros conventionnel. Il diffère donc de ce dernier sûr de nombreux points, interrogations que nous allons tenter d'éclairer ici. L'antihéros est également nommé 'héros contraire' lorsqu'il ne suit aucune des caractéristiques directives du héros commun et répond toujours en qualité de personnage principal du récit. En effet, il ne peut y avoir un anti héros, en personnage secondaire dans une fiction, que ce soit, en littérature, au théâtre ou même au cinéma. De plus, la notion d'antihéros est née au cinéma bien plus tard que dans la littérature, par exemple. Et cela tombe sous le sens : l'invention du cinéma ayant lieu en 1895, sa démocratisation commencera dans les années 20 : les premiers antihéros reconnaissables à la caméra ne sont pas si vieux. Cependant, il est intéressant de noter que le principe d'antihéros s'est tout de suite injecté sur le grand écran, contrairement à la littérature où les fictions romanesques du XVe siècle font presque disparaître ce principe.

On notera pour commencer, la série télévisée ayant l'honneur d'être française : ' Fantomas ' de Pierre Souvestre et Marcel Alain, crée en 1911 et diffusée en 1920 dont le personnage énigmatique éponyme répond parfaitement aux qualités que l'on prête aux antihéros. Nous sommes face à un personnage mystérieux, qui accapare l'intrigue et nécessaire à sa poursuite. Il incarne des valeurs contraires à celles des héros communs, il vole, pille, tue et usurpe toutes les identités dont il a besoin. Le personnage de Fantomas est tellement inhumain, que les scénaristes ont dû avoir recourt à la déshumanisation du personnage, qui était un véritable humain dans le roman. Si bien que durant toutes la série des épisodes on se demande si Fantomas n'est pas un extraterrestre. Et le dernier épisode nous apporte la réponse : il a un visage vert, ne présente aucune trace de pilosité quelconque et sa mort est complètement surnaturelle. Les scénaristes semblent convaincus que la notion de mal et de fourberie qu'incarne le personnage de Fantomas n'est pas terrestres et que la notion de bien est représentées par des humains. On citera donc les autres protagonistes de la série : les forces de police, la journaliste et son amant, qui feront tout pour mettre la main et arrêter sur le mystérieux Fantomas. La série Fantomas est une des premières fictions à présenter un antihéros et à rencontrer un aussi grand succès à la télévision française, il y aura près de 15 adaptations télévisées différentes dont la plus connue est sans doute la trilogie de film d'André Hunebelle (avec Louis de Funès).

Le nombre de fictions présentent des antihéros ne cessera de croître et cela grâce à l'aide de film comme " Le bon, la brute et le truand " de Sergio Leone en 1966, " Orange Méchanique " de Stanley Kubrick en 1971 , " Taxi Driver " de Martin Scorsese en 1976, " Fight Club " de David Fincher en 1999, les films " Le parrain " en 1974, et la liste est longue et ne cesse de s'agrandir...

Ainsi, pour mieux cibler les caractéristiques des personnages issus du principe du héros contraire, il nous est nécessaire de nous focaliser que sur une série d'exemple réduite et adaptée à tout genre cinématographique, car des antihéros : il y en a partout, et à la télévision aujourd'hui : il n'y a plus que ça. Nous verrons donc en première partie un exemple d'antihéros sur le grand écran : avec " Le Loup de Wall Street " de Scorsese en 2013, et sur le petit écran, avec les séries télévisées : " Breaking Bad ", " House Of Cards " et la très récente " Mr. Robot ".

Exemple d'antihéros, dans " Le Loup de Wall Street " :

Avant d'attaquer le premier exemple lourd qui nous servira à apprendre à reconnaitre un antihéros, il est nécessaire de comprendre qu'il existe quatre types principaux d'antihéros au cinéma :

1) le personnage " sans qualités ", l'être ordinaire vivant une vie ordinaire dans un cadre ordinaire

2) le héros négatif, porteur de valeurs anti-héroïques et en général antisociales, mais sans qualités " héroïques " (en ce sens, Fantomas par exemple est un héros négatif car il est porteur de qualités héroïques, mais au service du mal)

3) le héros déceptif, un personnage ayant potentiellement des qualités héroïques mais qui n'en fait pas usage ou les utilise mal ou à mauvais escient, ou qui tend à perdre ces qualités, ou enfin qui se trouve dans un cadre où ces qualités ne sont plus appréciées ou admises

4) le héros " décalé ", un personnage ordinaire, sans qualités, qui par les circonstances se trouve plongé dans une situation extraordinaire.

Un héros décalé peut également être un héros négatif, et inversement. En effet, plus un héros est complexe, plus il est intéressant aux yeux du spectateur. Il n'est donc pas rare, de voir les genres de héros s'entremêler et c'est le cas de Jordan Belfort, dans " Le loup de Wall Street " de Scorsese.

Vous l'avez donc vu sous toutes ces hautes coutures, Jordan est un multimillionnaire excentrique qui crée sa propre société de courtage, et devient gigantesquement riche. " Le Loup de Wall Street " est une réussite à tout point de vue : les vices qu'il dénonce, la réalisation, la bande originale, les performances des comédiens, le scénario mais il ne serait pas aussi parfait sans la minutieuse conception de son personnage principal. Ce dernier est un mélange entre le héros décalé et le héros déceptif. En effet, Jordan Belfort devient courtier à la suite d'un licenciement : il vit alors une vie banale. Il est marié, peine à mêler les deux bouts, et évolue dans un cadre narratif quotidien, ressemblant aux vies 'monotones' de la plupart d'entre nous. Et ce sont les rencontres qu'il va faire, courtiers pour la plupart, et son intelligence (une caractéristique héroïque qui le fait appartenir aux genre du héros déceptif) qui vont le hisser au plus haut du monde de la finance. Jordan est un personnage avide d'argent, qui dépend d'un certain nombre de substances et il va donc ne plus pouvoir s'arrêter et en vouloir toujours plus. Une visite du FBI dans ces locaux et la chute est immense... Il va avoir le choix entre tout perdre mais rester libre ou tout garder momentanément, au prix de la prison à perpétuité. Il va choisir la seconde option, par pur avidité, et c'est ce qui fait de Jordan Belfort un antihéros à valeur déceptif. Ce personnage, comme tous les antihéros, incarne des valeurs anticonstitutionnelles : il se drogue comme aucun autre personnage dans l'histoire du cinéma et son addiction à l'argent va dépasser l'entendement jusqu'à jouer sur sa propre liberté d'action. Les valeurs qu'il représente et défend, nous sommes peu de spectateurs à partager les mêmes. Mais l'affection que l'on éprouve à son égard se justifie par le fait qu'il est tout créer de ces propres mains : son entreprise, son capital, ses relations mais également par le fait qu'il partage des notions héroïques : son intelligence et son humour principalement.

Exemple d'antihéros dans les séries télévisées :

Et commençons par l'excellente et très primée série " House Of Cards ", Franck Underwood est un membre du congrès américain. Alors qu'on lui avait promis le poste de secrétaire d'état à la défense, Franck se voit finalement refusé le poste. En effet, le président rentrant (Garett Walker) le trouve plus nécessaire au poste où il se trouve déjà et revient sur sa promesse. Franck Underwood, va donc planifier sa vengeance sur 2 saisons, avec l'aide de sa femme Claire. Franck Underwood est un personnage manipulateur, qui ira jusqu'à tuer, faire chanter et jouer de son influence pour détruire ses opposants et obtenir son objectif principal : devenir président des Etats-Unis, rien que cela. Même schéma que pour Jordan Belfort, l'homme est parti de rien, c'est un Self Made Man que les spectateurs affectionnent pour le respect qu'il dégage, pour ces rapports à la caméra (il lui parle directement et endosse le rôle de narrateur de l'histoire) et pour la puissance de son intelligence malgré les dizaines de victimes de cette dernière. Nous sommes encore une fois face à un antihéros, qui lui est déceptif et ne fait donc jamais le 'bon choix' lorsqu'il se retrouve face à un dilemme mais garde l'admiration du spectateur malgré les déceptions et échecs qui se mettent en travers de son objectif de vengeance. Le personnage est interprété par l'excellent acteur Kevin Spacey (oui, oui, d'Usual Suspect) et la série a été récompensée près de 12 fois aux Emmy Awards, qui sont les Oscar adpatés pour les meilleurs séries, ces 5 dernières années. La série est toujours en production et arrive en Aout avec une 5ème saison, je vous conseille fortement, si vous avez le temps, d'aller y jeter un oeil.

La série " Breaking Bad " dirigée par Vince Gilligan et épaulée par Francis Ford Coppola est considérée comme la meilleure série de tous les temps. Avec plus de 100 récompenses, elle s'est achevée en 2014 et a fait décoller les carrières de Bryan Cranston, qui se cantonnait à la série Malcolm avant cela, et celle d'Aaron Paul. Walter White est un professeur de chimie atteint du cancer, mais il se présentera à vous juste ici.

Walter White est la première référence à laquelle on pense lorsque l'on parle d'antihéros à la télévision. Lui aussi vivait une vie ordinaire, jusqu'à ce qu'on lui diagnostique un cancer du poumon et une vie réduite à 2 ans. Il va donc décider pour sa famille, de mettre le maximum d'argent de côté en se lançant dans la fabrication, l'exportation et la vente de Métanphétamine avec l'aide d'un de ces anciens élèves : Jesse Pinkman. Cette série est réservée à un public mature pour plusieurs raisons, mais la principale est celle de la dureté des choix de Walter White, qui va tuer, voler, manipuler, mentir et devenir un 'baron' de la drogue aux Etats-Unis. La qualité de la trame narrative, des rebondissements et le fait que le personnage de Walter soit un personnage attachant nous fait compatir avec lui : et tel est le rôle d'un antihéros. L'objectif est réussi, on ressort du visionnage en se disant que Walter White avait ces raisons et qu'il a fait ce qu'il a fait pour sa famille. Alors que non, cela ne justifie pas des centaines de morts et le nombre de vie détruite par les actions de Walter.

La série " Mr. Robot ", diffusé la première fois en décembre 2014, sur OCS est la plus récente des séries exposées dans notre étude. Elle est également, comme ces prédécesseurs, extrêmement récompensée et notamment aux Emmy Awards de 2016 avec l'Emmy du meilleur comédien décerné à Rami Malek, qui joue Elliot dans la série. Et la série tourne autour de ce personnage qui répond lui aussi au terme d'antihéros. Elliot dispose de caractéristiques qui le rendent héroïque : il a un pouvoir, celui d'être particulièrement doué pour l'informatique et le met à profit pour une cause qu'il défend. Cela ne fait-il pas de lui un héros ? Et bien non, car pour la cause qu'il défend engendre, elle aussi, des morts, des manipulations et des vies détruites. En effet, Elliot fait partie d'un groupe d'hacktiviste, nommé F Society, qui s'attaque au plus gros conglomérat d'informatique du monde (voyez ici Dell, ou Apple). Ici, ce ne sont pas les caractéristiques du personnage qui fond de lui un antihéros, ce sont ces actions, et leurs conséquences qui engendrent des morts et nous permettent d'affirmer qu'Elliot dans la série " Mr Robot " est effectivement un antihéros.

Dans tous ces exemples, on peut observer que la notion de antihéros calqué sur le personnage permet une écriture plus complexe et cela a déjà été dis mais plus une conception de personnage est complexe, plus elle est exploitable et intéressante pour le spectateur. Et les scénaristes d'aujourd'hui l'on bien compris : il n'existe quasiment plus de séries sans antihéros. Faites-vous même le test, lorsqu'on s'adresse au divertissement pour les adultes, les morales ne sont plus mêmes et la manière de les dénoncer non plus. En effet, la contre argumentation autour d'une morale est plus efficace qu'une argumentation directe et cela relève de la psychologie. Si l'on vous dit "Ne fais pas ça, parce que c'est pas bien, et que tu ne dois pas le faire !" cela se révèlera moins efficace que "Voilà ce qui arrive si tu fais cela. Et c'est choquant". Et c'est le principe d'argumentation sur lequel repose toute construction d'intrigue avec un antihéros. De plus, les choix de l'antihéros bien qu'immoraux, nous apparaissent comme fondés car dans tout antihéros est créer à partir d'une destructuration des rapports humains avec son entourage, d'un changement brusque et imprévu et de la folie artistique du scénariste.

Pour conclure, que l'on parle du grand écran ou du petit écran les représentations des antihéros restent les même et sont divisées en 4 genres bien précis. Je vous conseille personnellement d'aller voir chacune des séries citées dans cette étude et je vous donne rendez-vous dans l'onglet 'Allez plus loin', une fois que vous avez vu les antihéros au théâtre et dans le roman, pour la conclusion et deux trois informations supplémentaires sur les métrages où la notion de héros contraire est présente.

# data[].attributes.attachment_link.title
L'antihéros au cinéma - Le principe du héros contraire

# data[].attributes.attachment_link.description
La figure d'antihéros est, rappelons-le, un personnage central d'une œuvre de fiction qui ne présente pas certaines caractéristiques du héros conventionnel. Il diffère donc de ce dernier sûr de nombreux points, interrogations que nous allons tenter d'éclairer ici.

# data[].attributes.headline
Question : le cinéma français est-il nul?

# data[].attributes.subject
Question : le cinéma français est-il nul?

# data[].attributes.attachment_link.title
LE CINÉMA FRANÇAIS EST NUL ?? - Guim Focus

# data[].attributes.headline
Rencontre avec Loïc Nicoloff, scénariste

# data[].attributes.subject
Rencontre avec Loïc Nicoloff, scénariste

# data[].attributes.body
Loïc intervient dans la section cinéma en encadrant l'écriture des projets de films du bac ou en proposant des MasterClass

# data[].attributes.attachment_link.title
L'ANATOMIE DU SCÉNARIO par John Truby - La structure en 7 étapes - Partie 1

# data[].attributes.headline
Le héros aux mille et un visages ...Joseph Campbell 

# data[].attributes.subject
Le héros aux mille et un visages ...Joseph Campbell 

# data[].attributes.attachment_link.title
LE MONOMYTHE (Joseph Campbell) - Comment devenir un héros ?

# data[].attributes.headline
Le rire au cinéma : inscrivez-vous et on va rire un peu...avec Chaplin, Mel Brooks ou encore Alexandre Astier!

# data[].attributes.subject
Le rire au cinéma : inscrivez-vous et on va rire un peu...avec Chaplin, Mel Brooks ou encore Alexandre Astier!

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
AlloCiné

Gaffes, erreurs, ratés : ils reeeeeefont le film ! Un technicien dans le champ, une perche de micro visible, un figurant mal dirigé, un accessoire en carton, un costume qui change de couleur, un anachronisme flagrant, un générique avec des fautes : RIEN n'échappe à l'œil affuté de Michel & Michel, les spécialistes techniques du cinéma.

Allociné est une excellente émission avec deux présentateurs hors du commun!
Ils arrivent encore à nous faire rire et à nous surprendre après 12 saisons de faux raccords!! On ne s'en lasse pas! C'est un plaisir de retrouver cette émission chaque semaine !

Super cette émission AlloCiné ! "Faux raccord" contient des centaines d'épisodes qui présente les erreurs dans les films, et le tout présenté avec une pincée d'humour ! Michel et Michel, je ne sais pas comment vous faites pour repérer tant de gaffes mais en tout cas vous êtes de vrais surdoués ! Vos talents de détective sont exceptionnels !!!! 👍

J'aimerais bien un faux-raccordage des films destination finale, j'ai repéré quelques faux raccords, mais les Michel feront mieux :)

Votre avis sur Faux Raccord ?

288 critiques spectateurs

# data[].attributes.attachment_link.description
Gaffes, erreurs, ratés : ils reeeeeefont le film ! Un technicien dans le champ, une perche de micro visible, un figurant mal dirigé, un accessoire en carton, un costume qui change de couleur, un anachronisme flagrant, un générique avec des fautes : R

# data[].attributes.body
et en guest stars...les soeurs Wachowski (mais là, on ne comprend pas tout :/)

# data[].attributes.headline
Le Coroner, l'Avocat et bientôt le Prédicateur : culte!

# data[].attributes.subject
Le Coroner, l'Avocat et bientôt le Prédicateur : culte!

# data[].attributes.attachment_link.description
Rejoignez-nous sur nos comptes officiels :
Twitter : https://twitter.com/ChronikFiction
Instagram : https://www.instagram.com/chronik_fiction/
Facebook : https://www.facebook.com/ChronikFiction En résumé :
Des personnages de fiction qui nous parlent de fiction, c’est le concept de la chaîne Chronik…

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
cinéma animation critique analyse ciné-club bobine "james cameron" "steven spielberg" "george miller" "peter jackson" "star wars" avatar

# data[].attributes.attachment_link.description
The cine-club of Mr. Bobine is an animated show about cinema. Mr Bobine gives passionate critics and analysis of the movies who made cinema history.

# data[].attributes.attachment_link.description
Chaque semaine le web-magazine proposé par Luc Lagier pose un regard ludique et décalé sur le cinéma. #543 : Bonnes vacances à toutes et à tous !

# data[].attributes.attachment_link.title
Une fréquentation mondiale des salles de cinéma modérée en 2024, mais plus d’espoirs pour 2025

# data[].attributes.attachment_link.description
Pénalisé par une pénurie de films hollywoodiens, le premier marché mondial, les Etats-Unis, s’est légèrement contracté l’an dernier, alors que la Chine, faute de films nationaux forts, a dévissé. Le continent européen est resté stable.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Avec une Palme et un Lion d'or en 2021 pour Julia Ducournau et Audrey Diwan, avec la parité au jury du festival de Cannes et à l'Académie des Césars, avec 99 nouveaux films agréés par le CNC en 2021 réalisés par des femmes, soit 29% du total, tout semble bien orienté pour la longue marche de la cause des femmes dans le cinéma français.

Mais dans ce concert d'autosatisfaction du milieu, légitime par bien des aspects, où l'on parle surtout de nombre de films, le public et les chiffres de fréquentation sont cependant absents. Or ils dressent un tableau bien différent, et moins réjouissant.
Les nombreux succès de films de réalisatrices, souvent sous-estimés.
Nous avons constitué une base de données de 660 réalisatrices, dont 612 ayant eu au moins un film distribué en salles en France entre 1946 et 2020. L'annexe 2 à la fin de ce texte expose la méthodologie suivie et les limites de l'exercice. La base compile les données de fréquentation et les notes IMdb et Allociné de 1550 films. Nous examinerons plus loin les évolutions dans le temps que révèle l'examen de cette base de données, mais il est utile de commencer par une vue d'ensemble.

Les films réalisés par des femmes ont cumulé en 75 ans au moins 413 millions d'entrées dans les salles françaises. En part relative c'est peu (2,5% du total), mais dans l'absolu c'est beaucoup, en tout cas suffisamment pour qu'on s'y intéresse en laissant provisoirement de côté les valeurs relatives. Une centaine de ces films a dépassé le million de spectateurs. C'est beaucoup également, et en tout cas bien plus que ce qu'on imagine généralement. Il est salutaire de le rappeler quand le discours sur les films de réalisatrices, généralement militant ou revendicatif, certes à bon droit, concourt cependant à donner également à l'ensemble de ces films une image de rareté, voire de marginalité. Or de nombreuses réalisatrices sont au contraire des cinéastes grand public, rassemblant plusieurs millions de spectateurs au cours de leur carrière.

Commençons par relever deux injustices. Jacqueline Audry tout d'abord, qui fait cependant depuis quelques années l'objet d'une défense et illustration notamment par Brigitte Rollet qui lui a consacré un beau livre. Mais si Bertrand Tavernier lui accorde un passage dans sa série Voyages dans le cinéma français, au pluriel, il l'avait négligé dans son premier Voyage, au singulier, sorti en salles. Pourtant Jacqueline Audry a réuni plus de 17 millions de spectateurs au cours d'une carrière qui va de 1946 à 1962 en salles et même 1971 si l'on inclut le Lis de Mer, jamais sorti en France. 17 millions c'est à peu près la même taille de public que Melville ou Tavernier (19 millions), c'est près du double de Jean-Luc Godard. Or, si Audry a souvent tourné avec une distribution prestigieuse (Arletty, Bernard Blier, Edwige Feuillère, Claude Rich, Danièle Delorme, entre autres) elle a su conquérir le grand public tout en adaptant des auteurs tels que Sartre, Colette ou de Mandiargues, et en abordant de front des thèmes comme l'homosexualité féminine, l'orgasme féminin ou la bisexualité. Il est difficile de trouver dans le cinéma français un autre exemple de conciliation de l'inconciliable : des sujets audacieux, surtout pour l'époque, une ambition littéraire et le grand public. Jacqueline Audry mérite beaucoup mieux que de simplement côtoyer Alice Guy et Germaine Dulac au rayon des curiosités oubliées (mais célébrées dans le monde anglo-saxon), elle fait tout simplement partie des plus grands cinéastes français( e)s.

Coline Serreau est également tout-à-fait sous-estimée. Le seul livre qui lui est consacré est écrit par elle-même, #colineserreau, et à l'évocation de son nom on obtient souvent un " Ah oui, " Trois hommes et un couffin... " qui sous-entend que ce coup de chance résumerait sa carrière. Certes ce film est un des plus gros succès de toute l'histoire du cinéma français, au dixième rang avec ses 10,2 millions d'entrées, et reste le film de réalisatrice le plus vu dans les salles françaises, toutes nationalités confondues. Cependant, même si on enlevait ces 10,2 millions au palmarès de Coline Serreau, il lui en resterait encore 8,2 ! D'excellents films comme Romuald et Juliette, La Belle Verte, La Crise ou Chaos étaient non seulement prémonitoires sur des thèmes comme la solidarité ou l'écologie mais ils ont attiré au total 5 millions de spectateurs. Également comédienne, scénariste et documentariste ( Mais qu'est-ce qu'elles veulent ? en 1977, Solutions locales pour un désordre global en 2010), Coline Serreau est sans doute trop intelligente et a trop réussi pour qu'on lui donne tout de suite sa vraie place.

Enfin il existe au firmament des succès féminins au cinéma, en tout cas au box-office, trois stars mondiales dont le nom est autant inconnu en France que leurs films sont célèbres: Vicky Jenson ( Shrek), Jennifer Lee ( La Reine des neiges) et surtout Brenda Chapman (l'ambitieux Prince d'Egypte de 1998, Rebelle, Oscar du meilleur film d'animation en 2013). Cette dernière est aussi la scénariste principale du Roi Lion et une co-scénariste de plusieurs films pour Disney ( Le Bossu de Notre-Dame, La Belle et la Bête, Dreamworks et Pixar ( Cars).

Au moins 100 films de réalisatrices ont dépassé le million d'entrées en France. Voici le tableau des 25 premières :

Ce tableau tend à suggérer qu'il y a donc deux manières d'avoir du succès quand on est réalisatrice : soit être américaine et faire des films d'animation (Jennifer Lee, Vicky Jenson, Brenda Chapman, deux films chacune dans le top 25), soit être française et avoir été comédienne (Coline Serreau, Josiane Balasko, Agnès Jaoui, Lisa Azuelos, Valérie Lemercier, Maiwenn, Emmanuelle Bercot et même Diane Kurys).
L'évolution à long terme sur 75 ans (de 1946 à 2020) : croissance puis essoufflement
Pour lisser les évolutions nous avons regroupé ces 75 années par périodes de cinq ans. On constate aisément la très forte croissance lors des années 90 du nombre de réalisatrices dont au moins un film est distribué en salles. Leur nombre est multiplié par cinq en moins de dix ans, passant de 29 entre 1986 et 1990 à 157 entre 1996 et 2000 !

Cette croissance amorcée à la fin des années 80 va être ensuite continue pendant trente ans, avec cependant une tendance au ralentissement à partir de 2015. Mais si l'on se concentre ensuite sur les réalisatrices ayant obtenu plus de 100.000 entrées (par période de cinq ans, pas forcément sur un seul film), on constate pour la courbe en orange que la croissance est là aussi régulière, mais beaucoup moins forte et cette fois-ci le ralentissement commence non plus en 2015 mais dès 2010.

Dit autrement : à partir de 2010 l'augmentation du nombre de réalisatrices distribuées dans les salles est presque uniquement le fait de celles qui obtiennent moins de 100.000 entrées, encore une fois sur une période de cinq ans.

L'évolution de la part de la fréquentation totale obtenue par les réalisatrices accentue encore le constat :

L'essor spectaculaire du nombre de réalisatrices distribuées dans les salles se traduit en effet dans les entrées. La croissance est quasiment continue pendant quarante ans, de 1965 à 2005 (avec la " bosse " de 1985 due à " Trois hommes et un couffin "). Il est vrai que l'on partait de très bas. Mais un " plafond de verre " un peu au-dessus de 7% des entrées semble avoir été approché dès 2005, avec même une décroissance dans la dernière période.

Au premier trimestre 2022 (13 premières semaines, chiffres au 29 mars) les salles françaises avaient enregistré 35,4 millions de spectateurs pour 174 films distribués. Sur ces 174 films, 42 étaient réalisés par des femmes (24% du total) et avaient obtenu au total 1,523 million d'entrées, soit seulement 4,3% du total. Sur les 42 films de réalisatrices, seuls 7 avaient obtenu plus de 50.000 entrées et un seul, Les jeunes amants de Carine Tardieu, avait dépassé les 200.000 spectateurs avec 389.000 entrées. 19 des 42 films, soit près de la moitié, n'avaient pas dépassé les 10.000 entrées, dont 4 moins de 1000.

Certes, il faut rester prudent pour les deux dernières années, très particulières, pour lesquelles il est trop tôt pour dégager des tendances durables. Mais remarquons que dans le marasme du début de l'année 2022 on retrouve le prolongement de tendances plus anciennes. On dit que le cinéma d'auteur français souffre, mais on va voir que c'est encore plus vrai pour le cinéma d'autrices.
La détérioration de la situation des films de réalisatrices est encore pire pour les Françaises.
Les évolutions décrites précédemment portaient sur l'ensemble des réalisatrices, françaises et étrangères. Elles masquent le fait que depuis une dizaine d'années si la place des réalisatrices dans les entrées se maintient ou presque c'est en grande partie grâce aux films américains, notamment d'animation.

Une comparaison, à dix ans d'écart, du top 10 des réalisatrices ayant connu le plus grand succès dans les salles françaises le montre aisément :

Parmi les dix réalisatrices ayant connu le plus grand succès, on comptait sept réalisatrices de films français entre 2006 et 2010 et seulement trois anglo-saxonnes. Dix ans après la proportion a fait plus que s'inverser car il n'y a plus que deux françaises dans la liste.

Cela se traduit alors par le graphique suivant, qui n'est guère réjouissant :

Ce graphique montre ce que les précédents cachaient. Derrière la stagnation à partir de 2005 de la part des réalisatrices dans la fréquentation, toutes nationalités confondues, se cache une diminution du public des françaises, tant en valeur absolue - les réalisatrices françaises ont cumulé 47 millions d'entrées entre 2006 et 2010 et seulement 29 dix ans plus tard - qu'en valeur relative : leur part dans le total du public du cinéma en salles passe de 4,9 à 3,2% dans le même intervalle.

On doit mettre cette baisse en rapport avec l'évolution générale du cinéma français dans la période, car la part de l'ensemble des films français baisse elle aussi : 40,18% en 2006-2010 et 37,3% dix ans plus tard. Mais cela signifie que la part des films des réalisateurs français a un peu moins baissé que celle des réalisatrices : -1,18% pour les uns et -1,7 pour les autres.

Il faut donc souligner que cette diminution du public des réalisatrices françaises ne s'explique pas non plus par la baisse de la fréquentation générale des cinémas observée depuis la pandémie. D'une part elle commence bien avant et d'autre part les films des réalisatrices étrangères ne connaissent pas le même problème : ils réalisaient en gros 5 millions d'entrées par ans entre 2000 et 2015 et ils en obtiennent désormais plus de 7 par an en moyenne depuis 2016.
Comment expliquer ces évolutions ? Et peut-être y remédier...
Un consensus politique mondial, depuis plusieurs décennies, est que la faible place des femmes réalisatrices dans le cinéma est une anomalie regrettable. Des politiques actives ont été mises en place dans plusieurs pays et notamment en France. Plusieurs rapports officiels, sous l'égide du CNC ou de l'Observatoire Européen de l'Audiovisuel par exemple ont été publiés. D'innombrables colloques, numéros spéciaux de revue, des festivals ont été consacrés à ce sujet. Le Festival International de Films de Femmes de Créteil, créé en 1979, propose sa 44 ème édition en 2022 et donne lieu à de nombreuses contributions sur ce thème.

La bibliographie ce sujet est immense, notamment en langue anglaise (cf annexe). Cependant, pour les rapports officiels, et les groupes de pression corporatifs, le sujet principal n'est pas le public de ces films mais leur nombre. Ainsi pour le CNC dans son rapport de novembre 2020 :

Dans son rapport de 2014, l'Observatoire Européen de l'Audiovisuel avait la même préoccupation centrale :

Or, dès 2016, dans " Bilan 2004-2013 de la production et du financements des films français réalisés ou coréalisés par des femmes " un article publié par l'excellente mais plutôt confidentielle revue " Studies in French cinéma ", l'universitaire Fanny Beuré tirait la sonnette d'alarme :

" En dépit de l'importance croissante du nombre de femmes au sein de l'industrie, l'égalité des moyens n'est pas encore effective. Les réalisatrices sont ainsi cantonnées à des projets aux budgets très modestes et dépendant fortement des financements publics (en particulier des aides sélectives du CNC), même dans le cas de réalisatrices reconnues. "

Fanny Beuré soulignait en outre le problème de la difficile carrière des réalisatrices, même en cas de succès :
" Plus surprenant, néanmoins, est le constat que les écarts de devis entre les films réalisés ou coréalisés par des femmes et l'ensemble des films ne se réduisent pas avec le rang du film, mais au contraire se creusent. En effet, sur l'ensemble de la décennie [2003-2012] , le budget moyen d'un premier film réalisé ou coréalisé par une femme est de 2,37 m€, quand le budget moyen pour l'ensemble des premiers films est de 3,10 m€, soit -30,7 %. Pour le deuxième film, ces budgets moyens s'élèvent respectivement à 3,96 m€ et 5,38 m€ soit une différence de -36,0 %. Enfin, pour le troisième film ou plus, ces devis moyens s'élèvent respectivement à 4,77 m€ et à 7,06 m€, soit -47,9 % ".
Cette analyse prolongeait celles de Françoise Audé, notamment dans Cinéma d'Elles (ed L'Age d'homme 2003). A côté d'une poignée de réalisatrices françaises qui rencontrent le succès, la plupart du temps après ou pendant une carrière de comédienne (Serreau, Balasko, Jaoui, Azuelos, Lemercier, Mergault, Garcia, Bercot, Delpy, Laurent, pour n'en citer que dix) la plupart des autres subissent des carrières courtes, voire très courtes. Dans notre base de données contenant 354 réalisatrices françaises, 46% d'entre elles (164) n'ont eu qu'un seul film sorti en salles au cours des 75 ans étudiés. Un tiers seulement ont atteint le stade du troisième film.

Cette pyramide du succès ou de l'insuccès n'est pas forcément très éloignée de celle des réalisateurs masculins. On la rencontre d'ailleurs dans toutes les industries culturelles. En revanche le problème de la différence des budgets entre les réalisatrices et les réalisateurs est bien réel. Fanny Beuré montre que ce n'est d'ailleurs pas qu'une question de montant mais aussi de structure de financement. Les réalisatrices bénéficient plus des aides publiques que leurs confrères masculins. On peut considérer que c'est la trace du volontarisme du CNC pour mettre en œuvre une politique de développement de l'offre de films de réalisatrices. Mais on peut aussi prendre le problème dans l'autre sens : les réalisatrices bénéficient donc moins que les hommes des financements privés, et comme les budgets de leurs films sont nettement inférieurs à ceux des réalisateurs ont peut même dire qu'elles en bénéficient moins. Or les financements privés, ce sont ceux qu'accordent les " professionnels de la profession ".

Cette situation est sans doute également celle de leurs collègues européennes, mais absolument pas des anglo-saxonnes. Le vieil Hollywood comme le nouveau n'hésitent pas à confier des budgets considérables à Jane Campion, Kathryn Bigelow, Anna Boden ou Patty Jenkins. Dès 2000, Dreamworks confiait la coréalisation de Shrek et ses 66 millions de dollars à Vicky Jenson. On peut alors résumer la situation ainsi : les Américaines attaquent le marché par le haut (des budgets), les Françaises par le bas.

Au total le développement du cinéma des réalisatrices est victime en France d'une contradiction qui pèse sur l'ensemble du secteur mais plus particulièrement sur les réalisatrices : d'un côté la volonté de produire plus, de donner leur chance à un maximum de talents féminins, mais de l'autre une situation générale où les financements ne sont pas infiniment extensibles. Et la contradiction se résout en souplesse par des budgets insuffisants. Il serait alors souhaitable, en théorie, qu'il y ait moins de films de réalisatrices mais avec de meilleurs budgets. Mais par quel mécanisme ? Et comment aller ainsi à rebours de tous les discours tenus depuis des années ? Il serait souhaitable que le système se préoccupe plus de la gestion des carrières de ces autrices, et fasse en sorte qu'elles se prolongent. Mais, là encore, qui pour s'en charger ? La galaxie des agents est plus éclatée que jamais, et ils ne sont efficaces que pour une toute petite minorité des " talents ". Et il n'y a pas de major à la française capable de gérer la carrière à moyen terme des réalisateurs, encore moins pour les réalisatrices.
Conclusion
Le nombre de films de réalisatrices distribués dans les salles françaises a considérablement crû dès le début des années quatre-vingt-dix, en quelque sorte spontanément, c'est-à-dire sans qu'une politique officielle ne se donne un tel objectif. Même si des voix s'élevaient dès les années 70 (cf Cinéma d'Elles de Françoise Audé, chapitre 2) on était encore loin du collectif 50/50 et l'inscription de l'objectif de parité dans l'espace public. Le paradoxe est que c'est dans les années 2000 et surtout 2010, alors que le thème faisait progressivement l'objet de vifs débats et d'objectifs explicites de la part des pouvoirs publics, que le mouvement s'est ralenti plutôt qu'accéléré. Cela pose d'abord le problème de l'efficacité des politiques culturelles quand la bonne volonté des pouvoirs publics (ici du CNC notamment via l'avance sur recettes) n'est pas relayée par les acteurs privés. Aux Etats-Unis, le secteur privé semble être allé plus vite et plus loin vers la parité dans le cinéma.

Plus concrètement, l'accent mis sur le nombre de films réalisés par des femmes n'est pas suffisant si l'on "oublie" la fréquentation de ces films. La situation française est celle d'une relative stagnation de entrées depuis environ quinze ans, malgré un nombre de films croissant. Cette stagnation cache en outre une diminution de la part des réalisatrices françaises, en valeur absolue comme en valeur relative.

Cette baisse de la fréquentation des films de réalisatrices françaises n'est ni conjoncturelle, car elle s'est amorcée depuis plus de dix ans, ni simplement due à la baisse générale de la fréquentation, car ces films perdent leur public plus vite que les autres films. On ne peut plus considérer que les critères quantitatifs habituels (nombre de réalisatrices, proportion parmi les films aidés) sont l'alpha et l'oméga d'une politique de rééquilibrage en faveur de la " parité ". C'est plus facile à dire qu'à mettre en œuvre c'est vrai, car il n'y aura probablement pas de solution, et pas seulement pour les réalisatrices, sans une diminution du nombre de films produits. Or une bonne partie du système du cinéma français, des obligations des chaînes au lobbying des producteurs en passant par les distributeurs et les représentants des artistes, est verrouillé en pilotage automatique vers la production de plus de 200 films, pour ne parler que de ceux qui ont un financement d'au moins une chaîne et une véritable distribution en salles. Jusqu'au crash. Il sera difficile d'éviter longtemps le retour à des niveaux de production plus conformes à ce que le marché peut absorber. Pour éviter que les femmes en soient les premières victimes, se posera probablement alors la question délicate de quotas, explicites ou implicites. Mais quelque soit le niveau de production, la fréquentation des films de réalisatrices françaises ne repartira qu'à deux conditions : une augmentation des budgets qui leur sont consacrés et sans doute, au sein de ces budgets, un renforcement vigoureux des dépenses de marketing. Mais ce dernier point est une autre histoire qui nécessiterait l'examen de données qui ne figurent pas dans l'état actuel de notre base de données.
Annexe 1 : Bibliographie des livres et articles utilisés
. Audé Françoise "Cinéma d'elles: 1981-2001" ed L'Age d'homme 2002

. BEURÉ Fanny, " Bilan 2004-2013 de la production et du financements des films français réalisés ou coréalisés par des femmes ", Studies in French Cinema, 16 : 2, 2016, pp. 134-151

. Brey Iris Le regard féminin - une révolution à l'écran Editions de l'Olivier 2020

. Le Bris Véronique 100 grands films de réalisatrices Arte Editions 2021

. Malone Alicia The Female Gaze. Essential Movies made by women. Mango Publishing 2018

. Tarr Carrie Filmography: Films directed or co-directed by women 2000-2010 in Studies in French Cinema
Volume 12 Number 3. 2012

. Revue French Mania Printemps-été 2022

. Rollet Brigitte Femmes et cinéma, sois belle et tais-toi ! Belin 2017

. Tarr Carrie et Rollet Brigitte Cinema and the second sex. Women's Filmmaking in France in the 1980s and 1990s. Bloomsbury Academic 2016

Annexe 2 : méthode
La base statistique porte actuellement sur 1550 films de 660 réalisatrices différentes, de 52 pays différents, dont 354 Françaises, sortis en salle en France entre 1946 et 2020. Ces films ont obtenu au total 413 millions d'entrées. Il est difficile de mesurer le degré d'exhaustivité de la liste actuelle des réalisatrices, sans doute imparfait, mais qui semble convenable pour la période 1945-2010 et les films ayant obtenu plus de 10.000 entrées. Des oublis sont inévitables, mais le but étant de bâtir un moyen d'évaluer le public des réalisatrices, ces oublis sont probablement sans grandes conséquences sur la portée de l'étude.

Toutefois, si le nombre de films et de réalisatrices dans la base est élevé, il faut souligner qu'il ne s'agit ici que d'un échantillon, sans doute très représentatif des tendances, mais imparfait dans le détail.

Les données de fréquentation sont tirées de la base CBO-Box Office complétée, dans de rares cas où l'information manquait, notamment grâce au site boxoffice story. Les données de CBO- Box Office font autorité dans la profession mais une base d'une telle taille comporte nécessairement des imperfections portant cependant sur des chiffres faibles : ainsi le premier film d'Agnès Varda, la Point courte, pourtant exploité en 1956, n'y figure pas, de même que Le futur aux trousses de Dolorès Grassian (1975), La Barbare de Mireille Darc (1989) ou encore Les Pyramides Bleues d'Arielle Dombasle (1988). Il est donc possible que certains films aient échappé à notre radar si CBO les ignore, mais il est peu vraisemblable que cela porte sur plus de quelques milliers d'entrées.

Il s'agit des données de fréquentation en France, donc ne donnant qu'une indication très partielle de l'accueil global des films des réalisatrices étrangères. Cependant les salles françaises sont non seulement nombreuses mais aussi ouvertes au cinéma du monde entier. Il existe des pays plus ouverts, parce qu'ils sont petits, mais ils ont peu de salles, et il existe un petit nombre de pays plus grands, mais leurs salles sont également très peu ouvertes au monde. La France constitue le moins mauvais des observatoires de la situation mondiale des réalisatrices de long métrages de cinéma.

Les exploitations autres qu'en salle, notamment à la télévision ou sur des plateformes de svod, ne sont pas prises en compte.

Seules les réalisatrices ayant signé au moins un film de fiction de long métrage sont retenues, y compris les films d'animation mais donc non compris celles n'ayant réalisé que des documentaires ou des courts et moyens métrages. Les reprises ne sont pas prises en compte, mais leur fréquentation est de toute façon très faible. Les chiffres de fréquentation sont arrondis au millier le plus proche.

Les films de Lana Wachowski sont compris à partir de son changement de prénom, en 2012. Ceux de Lilly ne figurent pas car aucun n'a eu de première exploitation après 2016, année de son changement de prénom.

Pour un sous-ensemble de la base sont également incorporées les notes sur Imdb et celles des appréciations de la presse sur Allociné.

Je suis naturellement preneur de toutes remarque, critique ou piste d'amélioration sur ce sujet, ce travail n' étant qu'un propos d'étape.

# data[].attributes.attachment_link.title
Evolution du nombre et du public des réalisatrices de cinéma

# data[].attributes.attachment_link.description
Avec une Palme et un Lion d'or en 2021 pour Julia Ducournau et Audrey Diwan, avec la parité au jury du festival de Cannes et à l'Académie des Césars, avec 99 nouveaux films agréés par le CNC en 2021 réalisés par des femmes, soit 29% du total, tout semble bien orienté pour la longue marche de la cause des femmes dans le cinéma français.

# data[].attributes.attachment_link.title
Monomythe : le récit fondateur de tous les récits - BiTS #75

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les scènes spatiales de Star Wars ou celles époustouflantes de milliers de guerriers dans Le seigneur des anneaux... À l'origine de ces prouesses, un homme qui a su conjuguer imagination débridée et technicité.

Depuis Georges Méliès, la réalisation d'effets spéciaux ne se départira plus de ce savant mélange. La Cité des sciences et de l'industrie à Paris ambitionne de le rappeler et propose, jusqu'au 19 août, l'exposition Effets spéciaux, crevez l'écran , une immersion fascinante dans le monde du trucage, prolongée par son catalogue aux savants contributeurs.

Parmi eux, Pascal Pinteau, journaliste, scénariste et concepteur de trucages qui vient de rééditer un livre somme, Effets spéciaux, 2 siècles d'histoires.

Un ouvrage de 840 pages qui explore intrinsèquement l'univers des images truquées, façonnées, avant tout, par l'esprit féerique de leur créateur: "Je pense que dans tous les concepteurs de trucages il y a toujours un magicien qui sommeille", estime l'auteur.

Derrière tout un vocabulaire technique se cache une formidable aventure humaine empreinte de succès et de désillusions. Idées de génie concrétisées grâce au jeu des acteurs, travail magistral des maquilleurs ou logiciels toujours plus performants constituent tout un art auquel l'auteur rend hommage.

"Toutes les étapes des grands films qui ont été des marqueurs dans l'histoire des effets spéciaux ont donné des idées à d'autres. Ils ont chacun à leur manière constitué une marche pour aller toujours plus haut dans la sophistication de la représentation du réel ou de l'imaginaire au cinéma", explique Pascal Pinteau.

Richement illustré, l'ouvrage entremêle entretiens des plus grands superviseurs d'effets spéciaux, articles de fond et commentaires de scènes cultes. Plus qu'un simple livre, Pascal Pinteau a réalisé une bible, décortiquant moult trucages anciens et techniques révolutionnaires.

Du Voyage dans la lune à Avatar, en passant par King Kong ou Star wars, l'expert démêle, pour Le Figaro, les arcanes des films qui ont marqué l'histoire des effets spéciaux.

"Méliès a inventé dès ses premiers films le principe de réalité virtuelle. Il a créé le tout premier studio de cinéma, avec la volonté farouche d'ouvrir une porte au rêve. Il réussit à créer tout un univers de fantasmagorie au moment où le cinéma se contentait de filmer le réel. Ce magicien de music-hall a transposé son savoir-faire dans les techniques cinématographiques qu'il a inventées et utilisé ses talents de dessinateur pour peindre lui-même des décors en trompe l'œil.

Le principe était l'alignement de découpes. Il y avait une toile de fond, puis un plan plus proche fait de découpes de bois peints constituant une première strate, suivie d'autres strates. Parmi tous ces éléments il y avait des passages qui permettaient aux acteurs d'évoluer parmi ces décors. Il a surtout inventé cette technique géniale du cache et du contre-cache qui consistait à filmer les uns après les autres différents éléments d'une image.

Le procédé consistait à masquer par un cache en carton noir placé directement devant l'objectif de la caméra la partie de l'image sur laquelle on voulait ajouter des choses plus tard: ainsi ce morceau de la pellicule restait vierge. Après avoir rembobiné la pellicule, Méliès pouvait tourner dans un second temps ce qui allait apparaître sur l'autre partie de l'image truquée. C'est grâce à ce principe que Méliès pouvait se dédoubler et se créer un jumeau.

En 1902, il crée le premier film de science-fiction, Le voyage dans la lune. Il a un côté iconique grâce à cette image célébrissime de la lune qui reçoit l'obus dans l'œil. Le film met en scène six astronomes propulsés par un canon sur la lune (reprenant l'idée de Jules Verne dans son roman De la Terre à la lune), qui découvrent les Sélénites, peu amènes à leur égard.

Le film recèle un nombre d'effets spéciaux impressionnants faisant appel aux diverses techniques que Méliès a conçues, notamment la substitution. Quand les savants donnent un coup de parapluie aux Sélénites et qu'ils explosent, en est un exemple. Les comédiens font mine de porter le coup, tout le monde se fige, l'acteur qui jouait le Sélénite sort du cadre et au moment ou l'on remet la caméra en route on fait exploser un petit pétard fumigène, et le tour est joué. Les technologies numériques ne sont que le prolongement de ces procédés de fabrication élaborés par Méliès".

" Ce film a été inspiré à Fritz Lang par un voyage effectué à New York avec sa femme scénariste, Thea von Harbou. Sa fascination pour la ville verticale lui a donné l'idée de cette histoire dans laquelle une société est divisée entre les maîtres de la cité vivant dans les hauteurs des gratte-ciel et les ouvriers qui vivent dans une ville souterraine avec des conditions de travail épouvantables. La principale innovation du film est l'utilisation de maquettes sophistiquées, les immenses vues très larges des immeubles gigantesques de la ville avec des avions qui volent entre les tours, des lignes de train, et des échangeurs autoroutiers tels qu'on en verra des décennies plus tard.

Pour la petite histoire, ces maquettes d'immeubles mesuraient de 2 à 4 mètres de haut. Sept animateurs pénétraient dans le décor en même temps pour déplacer sur quelques millimètres, avec des petits outils, toutes les voitures miniatures disposées sur l'autoroute, les wagons de métro, de trains. Il fallait aussi faire glisser les avions sur deux fils de métal très fins.

Quand c'était fait, tout le monde sortait du cadre et on prenait une seule image. On obtenait au maximum une centaine d'images après toute une journée de travail dédiée à l'animation des véhicules, ce qui ne se traduisait que par quelques secondes de vues du trafic aérien et routier de ce paysage Metropolis a été innovant sur l'usage des miniatures.

Fritz Lang souhaitant intégrer des images de ses comédiens dans ces maquettes, le chef opérateur Eugen Schüfftan met alors au point un procédé qui portera son nom, Il gratte le tain à l'arrière d'un miroir afin que l'on puisse voir par transparence des acteurs qui se trouvent loin derrière sur le plateau, tandis que le reste du miroir reflète l'image des maquettes d'immeubles: à l'image, on a l'impression de voir les acteurs se trouver dans des décors géants."

"Dans les années 1910, on a trouvé l'idée tout à fait géniale, dans un film intitulé Missions of California, de redonner à un bâtiment en ruines son aspect d'origine. Cela a consisté à placer une grande plaque de verre sur l'objectif de la caméra et à demander à un peintre de compléter sur cette même plaque de verre les parties manquantes du bâtiment, en trompe l'œil, tout en vérifiant dans le viseur de l'appareil l'alignement de ce qu'il peignait et du vrai bâtiment.

Ce procédé de "Peinture sur verre" a permis de créer vraiment l'illusion que l'édifice avait retrouvé son aspect initial. Très vite on est passé au Matte painting, des peintures qui étaient traitées comme des caches et contre caches. L'une des plus fameuses scènes utilisant cette technique, est la fin de La Planète des singes avec Charlton Heston. Elle a été tournée sur une plage de Californie, avec des rochers, le sable et l'océan, les deux acteurs Charlton Heston et l'actrice Linda Harrison qui jouait sa compagne dans le film, Nova. Le Matte painting a consisté à ajouter la fameuse statue de la Liberté dont un bout de la tête et un bras émergent de la plage."

"C'est un film très important qui regorge d'innovations, notamment dans l'animation du gorille et des dinosaures. C'est le chef-d'œuvre de Willis O'Brien, l'un des pionniers des effets spéciaux. Il a été l'un des inventeurs de l'animation de marionnettes en 3 dimensions, 20 ans plus tôt. La structure en rotules métalliques du squelette remplaçait alors celles en bois et la peau en caoutchouc mousse recouvertes de latex , la pâte à modeler des premiers visages.

Dans King Kong, il a perfectionné ce système en fabriquant des animaux plus réalistes. La marionnette du singe, recouverte de poils de lapin, mesure 80 cm et est filmée en stop motion, image par image. Les décors miniatures sont munis de petits écrans sur lesquels on projette les prises de vue des comédiens, pendant l'animation des monstres en train de s'affronter. Dès qu'il y a contact entre une bête et un humain, ce dernier est alors remplacé par une petite figurine animée.

Les décors magnifiques du film ne sont pas en reste. La jungle de Skull Island est représentée par de superbes maquettes où on découpe des feuilles de cuivre pour façonner des palmiers et des plantes tropicales. Fervent admirateur de Gustave Doré, O'Brien amplifie la profondeur des paysages en aménageant des zones d'ombre et de lumière. Il a l'idée de faire un avant-plan composé de plantes miniatures, un second avec une plaque de verre peinte qui représentent des arbres ou des palmiers, et tout au fond une grande toile peinte comme au théâtre avec les montagnes et l'horizon. O'Brien s'est montré dans King Kong un virtuose de l'animation, et un esthète remarquable, utilisant l'éclairage pour diriger le regard du spectateur."
de Victor Fleming, (1939): la révolution des prothèses en mousse de latex
"En 1939, les maquillages du lion peureux, de l'homme de fer-blanc et de l'épouvantail sont les premiers réalisés avec des prothèses en mousse de latex. C'est le début d'une révolution technique. Ce matériau utilisé par les industriels pour construire des pneus increvables, était très difficilement maîtrisable. Les prothèses étaient le fruit d'une fabrication laborieuse. Les maquilleurs qui ont travaillé sur le film se sont arraché les cheveux.

Une prothèse se fait sur mesure et la toute première étape consiste à mouler le visage de l'acteur et à obtenir un positif, une réplique de son visage en plâtre. Une fois le positif obtenu, des prothèses en terre glaise sont sculptées dessus, on réalise un moule de ce modelage par-dessus le tout, puis on retire la terre glaise. L'espace vide qui reste entre le positif du visage et le négatif de la prothèse est ensuite rempli avec du latex que l'on a fait mousser avec un fouet, un peu comme les œufs à la neige. On le laisse se figer grâce aux gélifiants intégrés dans le latex, puis on le fait cuire à 100 degrés dans le four 2 à 3 heures. Au démoulage, on obtient une prothèse en caoutchouc mousse souple et légère.

Pour les malheureux maquilleurs il fallait parfois faire 4 ou 5 tirages pour l'obtention d'une prothèse correcte qu'on recouvrait ensuite de maquillage. En plus des difficultés que je vous ai décrites il faut savoir que ces prothèses ne servaient qu'une seule fois. Cela obligeait à en réaliser tout un jeu pour chaque acteur et chaque journée de tournage. Les maquilleurs, tels des forçats en fabriquaient constamment de nouvelles jusqu'à des heures avancées de la nuit."
Le Magicien d'Oz, version colorisée 2001, l'odyssée de l'Espace de Stanley Kubrick, (1968): réalisme photographique
"L'obsession de Kubrick était de bouleverser toutes les règles du cinéma en matière de représentation crédible et réaliste de l'espace. Il a fait tester de nouvelles méthodes de trucages. Il a demandé notamment à ses superviseurs d'effets spéciaux de photographier des maquettes d'engins spatiaux construites pour le film, d'en faire des tirages photographiques, de les découper et de les mettre sur une plaque de verre derrière laquelle étaient projetées par transparence des photos de la Nasa. On déplaçait alors la découpe photographique de la maquette devant l'image de la terre. Grâce à ce dispositif, le vaisseau donnait l'illusion d'être en apesanteur et de voler vraiment dans l'espace. C'étaient les images les plus réalistes, les plus nettes et les plus convaincantes jamais vues du genre."

"marque les débuts d'ILM, le studio de Lucas devenu numéro un des effets spéciaux dans le monde. Lucas était parti de la même idée de Kubrick, se baser sur le réel pour créer des images de combats spatiaux. L'équipe chargée des effets spéciaux a développé des caméras pilotées par ordinateur. Les premiers pas du Motion control. Avant cela, Avant cela, on suspendait les maquettes d'astronefs à des fils qu'on déplaçait. Lucas ne voulait pas de vaisseaux spatiaux qui se meuvent sagement en ligne droite ou de gauche à droite. Il voulait des vaisseaux capables de virevolter ou de faire des loopings, bref davantage de mouvement.

Pour cela l'équipe a fabriqué un support de maquette et de caméras conçu comme une grue dont chaque articulation était motorisée. Elle pouvait pivoter de droite a gauche, se pencher en avant, avancer, reculer, etc... On pouvait aussi changer l'ouverture du diaphragme et la mise au point de la caméra, le défilement de la pellicule, tout contrôler par ordinateur. Le vaisseau était fixé sur un support également motorisé et pouvait tourner sur lui-même pendant que la caméra arrivait vers la maquette. C'est comme cela que Lucas a pu réaliser ces batailles spatiales époustouflantes."
Le Seigneur des Anneaux de Peter Jackson, Volet 1 et 2, (2001/2002): les premières foules de combattants numériques et l'extraordinaire Golum
"présente les premiers plans entièrement réalisés en images de synthèse. À l'époque ils étaient très difficiles à élaborer car on ne disposait pas d'ordinateurs conçus pour calculer et afficher des images de synthèse élaborées. On détournait du matériel médical, notamment des moniteurs vidéo haute résolution qui servaient aux examens médicaux. On y branchait des ordinateurs, des calculateurs comme ceux qui servaient normalement à piloter des automates d'usines ou des systèmes complexes comme des centrales nucléaires. Beaucoup plus tard, et après beaucoup d'autres innovations, le film Jurassic Park présentera en 1993 les premières créatures hyperréalistes créées en images de synthèse."

"En 2001, l'utilisation du logiciel Massive directement issu des jeux vidéo, permet d'enregistrer des animations de personnages enregistrées avec des acteurs grâce à la motion capture. Il servira les scènes de bataille gigantesques de la trilogie, avec des dizaines de milliers de personnes, qui auraient été impossibles à réaliser avec autant de figurants costumés.

Les animateurs ont créé toute une série d'animations type pour les orques, les elfes et les humains en train de marcher, de s'écrouler ou de donner un coup d'épée. Ils ont enregistré une quarantaine de phases de mouvement qui correspondent à toutes les situations des guerriers sur le champ de bataille.

Ces informations étaient enregistrées dans le logiciel qui était alors capable de gérer jusqu'à 20.000 animations de personnages individuels dans un plan d'ensemble cohérent et logique, en donnant à chaque combattant une intelligence artificielle pour piloter ses réactions face à un allié ou un ennemi. Ces scènes sidérantes présentaient au premier plan de vrais acteurs et au second les combattants virtuels.
2012 de Roland Emmerich Effets spéciaux, 2 siècles d'histoires édition révisée et augmentée, Pascal Pinteau, éditions Bragelonne, 55 euros Effets spéciaux, crevez l'écran, catalogue de l'exposition à la Villette, éditions de la Martinière, 32 euros (2009): la fin de l'utilisation des maquettes dans les films catastrophe
Pour le second volet, en 2002, on assiste aux balbutiements de la performance capture, avec Golum joué par Andy Serkis. Lorsqu'on l'a découvert en 2002, on avait vraiment l'impression de voir un être avec un regard vif et de vraies émotions. Une scène demandait trois tournages différents. Une première séquence se jouait pendant les répétitions avec les comédiens dans les vrais décors. Serkis sortait ensuite du cadre et les comédiens jouaient la scène sans lui en faisant semblant de le regarder alors qu'il n'était pas physiquement présent. Serkis rejouait plus tard la scène tout seul avec les capteurs qui permettaient d'enregistrer ses mouvements corporels, ce qu'on appelle la motion capture. Enfin, on filmait son visage en très gros plan pour en capter les expressions. À l'époque, on butait encore sur l'enregistrement des expressions faciales. Les mimiques de l'acteur ont été reproduites sur le personnage grâce au travail des animateurs 3D."

"est un film composé de 70% d'images de synthèse pour 30% de prises de vue réelles. Pendant l'enregistrement du jeu des comédiens en capture de performance, la "caméra" que Cameron tient entre les mains est l'équivalent d'une tablette avec laquelle il dirige ses acteurs dans un monde totalement virtuel. Plus de décor concret. Le réalisateur enregistre leur performance sous tous les angles et en même temps. Les expressions faciales d'un acteur sont enregistrées directement grâce à deux caméras fixées sur les tiges du casque qu'il porte. Enregistrées en direct par l'ordinateur, ces données nécessitaient néanmoins quelques retouches effectuées par les animateurs."

"Avant dans les films catastrophe du type La Tour infernale, on emploie encore des maquettes. En 2009, l'utilisation d'un logiciel permettant de simuler virtuellement un immeuble qui s'écroule, a mis fin au système. Il suffisait d'entrer dans ce logiciel des informations concernant les matériaux de l'immeuble, ciment, béton ou plâtre et la ligne de fracture, c'est-à-dire les endroits où l'immeuble devait commencer à s'écrouler pendant l'animation. Le logiciel qui connaît toutes les caractéristiques du bâtiment ainsi que les lois de la physique, anime alors automatiquement la destruction de l'immeuble."

" Le film présente un mélange d'images réelles et d'images de synthèse. Le petit garçon qui joue Mowgli, est le seul à être filmé en prise de vue réelle. Tout ce qui gravite autour de lui est réalisé en images de synthèse, les décors de jungle comme les animaux.. Le point de sophistication et de réalisme de ces images est époustouflant. Mais pas seulement. La prouesse de ce film est que ces animaux en image de synthèse...jouent la comédie. On en oublie complètement la technique. Le film va encore plus loin que La Planète des singes qui présentaient déjà les singes les plus extraordinaires du cinéma. Devant une telle prouesse, on est en droit de se dire qu'un jour une comédienne de chair et d'os sera confrontée à une actrice en image de synthèse, sans que cela ne choque nullement le spectateur." Mais cela est une autre histoire.

# data[].attributes.attachment_link.title
Des trucages de Méliès à Avatar, les coulisses des effets spéciaux en douze films

# data[].attributes.attachment_link.description
VIDÉOS - Du Voyage dans la lune à Avatar, en passant par King Kong ou Star wars, Pascal Pinteau, auteur d'une bible en la matière, dévoile les dessous des films qui ont constitué les étapes importantes dans l'art de manipuler des images.

# data[].attributes.attachment_link.title
La folle histoire des effets spéciaux au cinéma

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Amusez-vous à mettre en pratique les petits trucages que nous vous proposons. Le résultat est garanti et, avec l'expérience, au fur et à mesure de vos tournages, vous en découvrirez vous-même de nouveaux pour aller encore plus loin.

En vidéo, des effets simples peuvent être réalisés pendant le tournage. Beaucoup sont inspirés de ce qui se fait aujourd'hui au cinéma, voire parfois de ce qui se faisait à ses débuts. Certains sont nés à la suite d'erreurs de manipulations et dont le résultat s'est avéré intéressant. Un exemple historique est l'effet consistant à faire apparaître brusquement un personnage dans un décor. Ce trucage, qui date de Méliès, a été découvert lors de la projection des rushes d'un tournage. Le cadreur avait effectué une prise de vue du décor vide avant de réaliser la prise définitive avec l'acteur. Lors de la projection, l'acteur est apparu brusquement dans le décor. Ces petits trucages sont à la portée de tous les vidéastes . Ils consistent simplement à jouer sur l'utilisation du caméscope. Nous avons joint à cela d'autres petits trucs plus modernes, la plupart du temps basés sur l'orientation de la caméra ou l'écrasement des perspectives. La mise en place de ces effets dans un tournage amateur ne demande pas de matériel particulier. En revanche, certains exigent de la patience lors de leur mise en place. C'est le cas du célèbre mouvement tournant autour du sujet mis à la mode par Matrix et que le vidéaste amateur peut s'amuser à reproduire avec ses petits moyens. S'ils doivent impérativement être préparés au tournage, quelques-uns de ces trucages sont utilisables bruts, d'autres demandent un travail complémentaire au montage pour être finalisés.

Apparaissez ou disparaissez comme par magie

Escaladez ou descendez dangereusement

Animez des objets ou des personnages

De tous les effets que nous vous proposons, c'est certainement le plus difficile à mettre en place. Voici un ersatz du fameux effet Matrix. Dans l'effet original, le personnage est en mouvement et la prise de vue est réalisée par un dispositif circulaire équipé de 250 appareils photo, répartis sur son pourtour. Lorsque le personnage saute en l'air, les 250 appareils, parfaitement synchrones, le prennent sous tous les angles. Nous allons procéder à l'inverse. Le sujet reste fixe et le caméscope fait soixante images fixes en bougeant. La difficulté de cet effet réside dans sa préparation. Il faut délimiter le point où votre personnage va être placé, choisir la position du caméscope en fonction du cadrage que vous désirez, mesurer la distance et tracer un cercle autour de ce point. Ensuite, divisez ce cercle en soixante positions à partir desquelles chaque prise de vue sera effectuée. Pour tracer les soixante points de position, utilisez votre montre, en plaçant son centre sur celui du personnage. À partir de là, commence la prise de vue. Votre personnage doit figer son mouvement, de préférence simple car il doit le tenir long temps. En vous servant des points de repères, tournez trois secondes à chaque point en tournant autour du personnage. Si votre caméscope a un mode Photo avec une carte mémoire d'une capacité suffisante, vous pouvez utiliser la photo. Mieux encore, si votre mode Photo enregistre sur cassette, utilisez-le. Ensuite, au montage, ces soixante photos ou prises de vues doivent être réduites chacune à deux trames ou 1/25 de seconde. Ce qui représentera à la projection, une fois assemblées, deux secondes et quelques poussières de film. Compilez la séquence obtenue par ces soixante images assemblées. Si vous souhaitez que l'effet dure plus long temps, jouez, au moment de l'assemblage dans votre film, sur la vitesse de lecture de ce plan, mais ne dépassez pas les quatre secondes.

Ce type d'effet consiste à faire déplacer un personnage ou un objet dans un cadre, de façon à ce que celui-ci ne fasse aucun mouvement. Il s'agit simplement d'un effet de changement de position. Vous pouvez le réaliser de deux manières différentes : soit le décor est fixe et votre personnage change de place à l'intérieur du cadre, soit vous suivez la progression de l'élément. Dans les deux cas, la méthode est pratiquement similaire. Avec un cadre fixe, positionnez votre caméscope sur trépied, puis vous serrez toutes les vis de blocage. Le personnage ou l'objet placés à un endroit du décor, enregistrez trois secondes d'image, coupez, déplacez le sujet et ainsi de suite, jusqu'à ce qu'il ait parcouru la totalité de son trajet. Dans le cas où vous suivez le personnage, c'est sa position qui va servir au cadrage, et vous le suivez en bougeant l'axe horizontal de votre caméscope de manière à ce qu'il apparaisse dans le cadre en ayant suffisamment d'espace devant lui. Ensuite, au montage, en fonction de la vitesse à laquelle vous souhaitez que le déplacement se fasse, il suffit de couper sur les trois secondes de chaque plan que vous avez réalisés, pour les réduire par exemple à une seconde. En somme, il s'agit d'une succession d'apparitions/disparitions.

Donner l'impression que le personnage de votre film escalade ou descend une paroi abrupte fait aussi partie des grands classiques du cinéma. Pour le mettre en place et donner cette sensation de hauteur de paroi, il suffit de jouer sur l'orientation de la caméra pendant la prise de vue. Votre personnage est allongé sur une surface horizontale, le caméscope de son côté est placé latéralement et parallèlement au personnage, mais orienté à 90 degrés. Là encore, l'utilisation d'un trépied est indispensable pour que l'alignement entre le personnage et le caméscope soit bien stable. Autre précaution à prendre : serrez suffisamment le cadre pour que le spectateur ne puisse pas voir des parties du décor qui vont révéler la supercherie (arbres, herbes, etc.). Dans cette position, vous obtenez un plan latéral serré du personnage qui, une fois projeté normalement, va donner l'impression qu'il est sur une paroi verticale. Ce truc fonctionne dans tous les sens : vous pouvez réaliser de faux plans en contre-plongée en donnant l'impression qu'il est filmé d'en bas, en cours d'escalade. Positionnez votre caméscope cette fois d'une manière classique à partir des pieds du personnage ou, pour obtenir une vue plongeante, à partir de sa tête. Dans tous les cas, prenez garde à ce qu'aucun élément du décor ne vienne donner une idée de l'orientation réelle. De la même façon, vous pouvez faire descendre la paroi à votre personnage en orientant le caméscope dans l'autre sens. Par exemple, pour un plan où le personnage monte, filmé sur le côté gauche, le caméscope doit être incliné à 90 degrés de son axe normal, sur le côté gauche. Pour que le personnage descende, sous le même angle, il faut que le caméscope soit incliné à 90 degrés sur le côté droit. Simple effet d'optique.

C'est certainement le trucage le plus simple à effectuer en tournage. Quelle que soit la qualité de votre caméscope, ce petit truc doit être réalisé avec précision et respecter quelques règles simples. Tout d'abord, votre caméscope doit être parfaitement calé et stable. Pour cela, montez-le sur trépied. Choisissez votre cadre, verrouillez tous les systèmes de blocage du trépied, en particulier la rotule de balayage horizontal, de façon à ce que rien ne puisse modifier l'angle de prise de vue. Enregistrez pendant au moins cinq secondes le décor sans le personnage. Coupez et ne modifiez pas la position de votre caméscope. Faites entrer le personnage dans le champ avec une position proche du centre, lancez à nouveau l'enregistrement. Visualisez l'ensemble des deux plans pour vérifier que rien n'a bougé. Le tour est joué, vous n'aurez plus qu'à monter les deux plans tels quels, sans transition.

# data[].attributes.attachment_link.description
En vidéo, des effets simples peuvent être réalisés pendant le tournage. Beaucoup sont inspirés de ce qui se fait aujourd'hui au cinéma, voire parfois de ce qui se faisait à ses débuts. Certains sont nés à la suite d'erreurs de manipulations et dont le résultat s'est avéré intéressant.

# data[].attributes.attachment_link.title
La magie des effets spéciaux - Monstres à gogo

# data[].attributes.attachment_link.title
Histoire des trucages et effets spéciaux cinématographiques

# data[].attributes.attachment_link.description
Du truc par arrêt de caméra à la caméra virtuelle d'Avatar, mille et une trouvailles pour le plaisir et l'illusion du spectateur

# data[].attributes.attachment_link.title
Alice Guy ,première réalisatrice de fiction au monde | Archive INA - #CulturePrime

# data[].attributes.attachment_link.title
Les frères Lumière, et le cinéma fut ! - Culture Prime

# data[].attributes.headline
Les débuts du cinéma. Les frères Lumière 

# data[].attributes.subject
Les débuts du cinéma. Les frères Lumière 

# data[].attributes.attachment_link.title
Le Cinématographe Lumière - Le Cinématographe

# data[].attributes.headline
Close Up : des films cultes, des techniques, des femmes-cinéma, des "mauvais genres"...un peu de tout et c'est très bien!

# data[].attributes.subject
Close Up : des films cultes, des techniques, des femmes-cinéma, des "mauvais genres"...un peu de tout et c'est très bien!

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
"series us" "debrief series" "théories series" films "7ème art" "tout comprendre du cinéma" "décryptage cinéma" "décryptage série" "cinéma et séries" "le foc...

# data[].attributes.attachment_link.description
CLOSE UP, c'est LA chaîne pour TOUT comprendre du cinéma et des séries. Nos programmes : - Le FOCUS, c'est l'émission pour tout comprendre du jargon du cinéma et de ses applications dans les films et les séries. - Le FLASHBACK, c'est l'émission qui vous replonge dans les films et les séries cultes.

# data[].attributes.attachment_link.title
But, Obstacle, enjeu (feat. Hugo - @LeTatou) [SCENARIO] RVB

# data[].attributes.headline
Conseils de Canadien...du bon sens et du travail avant tout!

# data[].attributes.subject
Conseils de Canadien...du bon sens et du travail avant tout!

# data[].attributes.attachment_link.title
6 Étapes Pour Écrire un Scénario de Court Métrage