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La sociedad puede entenderse como varias personas que comparten cosas en común (territorio, economía, cultura, el idioma, etc.) lo interesante de esta, es que con el paso del tiempo se adapta a los cambios que surgen con cada época. Por ejemplo, en el imperio Azteca hace 2500 años se realizaban ceremonias de adoración a Dioses, estas consistían en hacer sacrificios humanos provocando que anualmente murieran alrededor de 20.000 y 30.000 personas. Tiempo después con la llegada del catolicismo estos sacrificios quedaron totalmente extintos, ahora es común ir a la iglesia y celebrar con los demás la pascua, cuaresma, etc. En definitiva, es evidente que no seguimos pensando como antes y tampoco lo haremos en un futuro, pero me parece interesante que podamos ver todos estos cambios a través de pinturas, esculturas e incluso historias; estas guardan nuestro cambio como comunidad y por eso me parece pertinente que volvamos a recordar cómo éramos y hasta incluso plantearnos ¿Cómo podremos ser?.

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Ficha técnica

-Artista: Anónimo

-Título: Sin título

-Fecha: 13.000 a.c

-Dimensiones: 225000 cm x 1100 cm

-Técnica: Grabado sobre piedra

-Repositorio: Cueva de Altamira, Techo de Policromos

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Ficha técnica

-Artista: Anónimo

-Título: Estela de Naram-sin

-Fecha: 2250 a.C.

-Dimensiones: 20.200 cm × 10.200cm

-Técnica: Relieve en piedra

-Repositorio: Museo Lourve; Paris, Francia

En el periodo mesopotámico la sociedad sumeria se destacó por ser pionera en la escritura cuneiforme además de tener una economía eficiente basada en la agricultura, no obstante, esta época estuvo marcada por guerras constantes ocasionadas por la conquista de nuevos territorios.

Esto lo podemos ver reflejado en la pieza “Las estelas de Naram-sin” una escena tallada en piedra que deja en evidencia la forma en que el cuarto rey del imperio Arcadio junto a su ejército lograron conquistar el mediterráneo y el golfo pérsico. En esta composición observamos a los guerreros con sus armas acompañando a su líder, el cual es representado como un ser superior no solo por su tamaño, sino también, por encontrarse sobre los cadáveres de sus enemigos o su armadura, en la que resalta su casco con cuernos, un símbolo de autoridad y divinidad para demostrar independencia de a los dioses.

Otro rasgo importante son los personajes secundarios, el primero de ellos es difícil de distinguir ya que se encuentra de cabeza como si estuviera cayéndose desde la cima de la montaña, en este último lugar se ve la figura de un hombre desarmado pidiendo compasión para no terminar como sus compañeros.

En definitiva, la manera en la que el artista utilizó el volumen para representar movimiento y tridimensionalidad, permite que se pueda tener una cercanía con el mensaje que se quería transmitir y que en este caso es la victoria de Naram-Sin.

Referencias

Kiss, T. (9 de marzo del 2023). Sumerios. https://humanidades.com/sumerios/.

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Ficha técnica

-Artista: Anónimo

-Título: Asedio de Dapur por Ramsés II

-Fecha: 1269 a.c

-Dimensiones: 83,32 cm x 43,01 cm

-Técnica: Cromolitógrafo

-Repositorio: Dapur, Siria

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Ficha técnica

-Artista: Anónimo

-Título: Cup bearer

-Fecha: 1400 d.c

-Dimensiones: 200.66 cm x 72.39 cm

-Técnica: Acuarela sobre papel

-Repositorio: Palacio de Knossos, Creta

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Ficha técnica

-Artista: Eufileto

-Título: Ánfora del premio panatenaico de terracota

-Fecha: 530 a.c

-Dimensiones: 24cm x 62 cm

-Técnica: cerámica

-Repositorio: Museo metropolitano de arte, Nueva York.

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Ficha técnica

-Artista: Folixeno de Eretria

-Título: Mosaico de Issos

-Fecha: 325 a.c

-Dimensiones: 272 cm × 513 cm

-Técnica: Mosaico

-Repositorio: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles,  Italia

Esta primera obra es un mosaico que muestra una batalla caracterizada por la confrontación entre dos bandos narrada en dos escenas, la primera de ellas, se encuentra en el lado izquierdo allí evidenciamos a el rey de Macedonia; Alejandro Magno, quien monta su gran caballo mientras que pasa por encima de sus enemigos, detrás de él está su ejército utilizando la armadura típica de los romanos, cascos y chalecos dorados. Por otro lado, en la derecha, también nos encontramos un rey como el personaje principal debido a que se encuentra retratado de forma superior a su ejército, estos mismo protegiéndolo con un gran escudo, asimismo, estos portan una armadura persa. El trasfondo de este conflicto se debe a que, gracias a esta victoria roma pudo empezar su conquista en Asia.

En la segunda obra, encontramos una escena confusa ya que está realizada en mármol un material característico de la época romana pero poco resistente al paso del tiempo, de ahí que, los personajes no están completos, pero al analizar las posturas en las que se encuentran, se entiende la narrativa del relieve y su contexto. En roma, los guerreros solían utilizar caballos domesticados para poder luchar y demostrar poder frente a su oponente, por esta razón cada uno tiene su propio caballo, sin embargo, el hombre del lado derecho se encuentra abajo demostrando que fue derrotado por su oponente el rey Perseo de Macedonia, Emilio Pablo. Por otro lado, la narrativa no muestra ningún paisaje en el fondo ya que en la época republicana de roma el principal objetivo del arte era estar al servicio del estado representando así las victorias de las guerras.

Con lo anterior, evidenciamos dos periodos: Grecia helenística y la república romana. Ambos son complementarias entre sí, ya que, muestran el dominio de roma sobre otros estados

Referencias

Fernández. J. (5 de abril del 2020). Lucio Emilio Paulo y el Bronce de Lascuta. https://tugranitoaporta.wordpress.com/2020/04/05/lucio-emilio-paulo-y-el-bronce-de-lascuta/

Bauman. H. (5 de abril del 2022). Un breve recorrido por el arte romano: aprende a identificar su pintura, escultura y arquitectura. https://www.crehana.com/blog/estilo-vida/arte-romano-pintura/

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Ficha técnica

-Artista: anónimo

-Título: Victoria de Emilio Paulo en Delfos.

-Fecha: 167 a.c

-Dimensiones: 6100 cm x 3100 cm

-Técnica: relieve en mármol

-Repositorio: templo de Apolo

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Ficha técnica

-Artista: Anónimo

-Título: La poestista de Pompeya

-Fecha: s. I d.c

-Dimensiones: 37 cm x 38 cm

-Técnica: pintura al fresco

-Estilo: pintura pompeyana

-Repositorio: Museo arqueológico, Nápoles.

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Ficha técnica

-Artista: anónimo

-Título: Mural de Jesús Cristo

-Fecha: siglo 4 d.c

-Dimensiones: 6100 cm x 3100 cm

-Técnica: fresco

-Repositorio: Catacumbas de Comodila, Roma.

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Ficha técnica

-Artista: Anónimo

-Título: Jesucristo Pantocrátor

-Fecha: 1261

-Dimensiones: desconocidas

-Técnica: Mosaico

-Estilo: bizantino

-Repositorio: Iglesia de Santa Sofía, Constantinopla.

En el siglo 476 d.c, los bárbaros lograron conquistar la capital de roma dando como resultado la caída del imperio romano occidental, este suceso, dió paso al surgimiento de una nueva época; el periodo bizantino. Este se caracterizó por haber permanecido durante toda la edad media debido a la unificación de su propia cultura, organización política y creación de la iglesia ortodoxa, siendo esta última la que uniría el poder y la religión, es por esto que como consecuencia, el arte comenzaría a ser el medio ideal por el cual el Estado podía adoctrinar al pueblo analfabeta a través de imágenes que relataban pasajes bíblicos o a los santos.

Un ejemplo de esto es el ícono de Jesucristo Pantocrátor, una obra que retrata a Jesús no sólo como una personaje divino, sino, humano. En primer lugar, lo que más llama la atención es su mirada frontal y penetrante, la cual en aquella época se diseñaban así con el propósito de que las personas pudieran comunicarse fácilmente con él. Por otro lado, sus manos también juegan un rol importante, la mano izquierda levantada se podría interpretar como si estuviera dando la bendición, a su vez, la mano derecha sostiene un libro simbolizando la verdad de su palabra. Finalmente, la divinidad a parte de ser representada por una aureola dorada, también se utilizaban los colores utilizados para la vestimenta y del fondo para mostrar la santidad y divinidad.

En definitiva, el auge del cristianismo limitaba a que los retratos fueran en su mayoría un retrato de la jerarquía de los emperadores y las figuras eclesiáticas, quienes se representaban con frontalidad y símbolos el poder, autoridad y estatus, dejando a un lado la narrativa naturalista de los retratos.

Kiss. T. (29 de Junio del 2023). Civilización bizantina. Enciclopedia humanidades. Recuperado de https://humanidades.com/civilizacion-bizantina/#:~:text=Entre%20sus%20principales%20caracter%C3%ADsticas%20se,enaltecimiento%20del%20poder%20del%20emperador.

Cartwright, M. (2017, diciembre 08). Iconos bizantinos. (G. Macedo, Traductor). World History Encyclopedia. Recuperado de https://www.worldhistory.org/trans/es/2-1161/iconos-bizantinos/

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Ficha técnica

-Artista: Giotto

-Título: La madona de Ognissantini

-Fecha: 1310

-Dimensiones: 325 cm × 204 cm

-Técnica: Panel

-Estilo: Gótico

-Repositorio: Galería Uffizi, Florencia, Italia.

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Ficha técnica

-Artista: Maestro de Sorpe

-Título: Maestro de Sorpre: Anunciación, Nacimiento y Crucifixción de Sorpe.

-Fecha: 1300

-Dimensiones: 84 cm × 100 cm

-Técnica: fresco

-Estilo: románico

-Repositorio: Galería Uffizi, Florencia, Italia.

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Ficha técnica

-Artista: Anónimo

-Título: Jardín del Paraíso

-Fecha: 1410

-Dimensiones: 26,3 cm × 33,4 cm

-Técnica: Mixta sobre tabla

-Estilo: Gótico

-Repositorio: Museo Städel, Fráncfort del Meno,  Alemania

En la edad media, el catolicismo se convirtió en una religión bastante popular ya que tenía

una gran cantidad de creyentes, ellos en su mayoría eran analfabetas por lo que la iglesia comenzó a utilizar las imágenes religiosas para difundir la palabra de Dios, es por esta razón que la mayoría de las pinturas de aquella época retrataban a los santos, pasajes bíblicos, etc.

Un ejemplo de lo anterior serían las obras de la “Anunciación, Nacimiento y Crucifixión de Sorpe.” y “El jardín del paraíso”, ambas reflejan la estilización alargada de los personajes para mostrar elegancia y su distinción dentro de la pintura, en Sobre se destaca su divinidad al estar representado en la mitad de la obra rodeado de símbolos religiosos, como lo son el ángel a su izquierda y la paloma a su derecha. Asimismo, las figuras eran de anatomía desproporcionada, carente de perspectiva y profundidad, donde la cabeza es redonda y los brazos son muy delgados. Sin embargo, lo que más destaca en este periodo es la utilización de los colores puros para que las personas pudieran diferenciar a los personajes del paisaje, y brillantes que por un lado representaban a las deidades a través de areolas doradas de Sorpe o las alas en el jardín del paraíso, por otro la jerarquía con la corona dorada que lleva maría.

Aunque ambas obras fueron realizadas en periodos distintos comparten algunas similitudes entre sí como lo son su tema, los colores y personajes.

Referencias:

Moreno. J. (11 de Febrero del 2022). Pintura románica: características generales. Un profesor. Tomado de https://www.unprofesor.com/ciencias-sociales/pintura-romanica-caracteristicas-generales-1892.html

Elementos característicos de la pintura Gótica. (s.f). Tres minutos de arte. Tomado de https://www.3minutosdearte.com/elementos/elementos-caracteristicos-de-la-pintura-gotica/

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Ficha técnica

-Artista: Leonardo da Vinci

-Título: El hombre de vitruvio

-Fecha: 1492 d.c.

-Dimensiones: 34.2 cm x 24.5 cm

-Técnica:

-Estilo: Renacimiento (Italiano)

-Repositorio: Gallerie dell´Accademia; Venecia, Italia.

En el siglo XV el hombre comienza a interesarse por la búsqueda de los valores humanos ya que intentaba retomar las características de la cultura clásica, es así que temas como el arte, la política, y las ciencias, transforman su conocimiento tradicional (teocentrismo) al antropocentrismo en donde la fe pasa a un segundo plano para destacar la importancia del ser humano en el mundo. Este periodo es conocido como el renacimiento.

Este acontecimiento significó la ruptura de la unidad temática; la idealización. Esta consistía en retratar en su mayor expresión la grandeza, armonía y misticidad del sujeto con el fin de que este fuera reconocido solo por su grandeza o hazañas, sin embargo, los artistas no se quedarían estancado en la belleza ideal, sino que, se replantearon el enfoque artístico. Uno de los grandes artistas que demuestra esta transición es Leonardo Da Vinci, quien fue capaz de innovar la consolidación entre la naturalidad y realidad cultivando el nuevo concepto de belleza en el arte y pensamiento.

Un ejemplo de lo anterior sería El Hombre de Vitruvio, un dibujo realizado en tinta donde nos muestra las “proporciones” del cuerpo humano representado en dos posiciones, la primera de ellas se encuentra con el hombre en posición de cruz siendo delimitado por el cuadrado, mientras que en la segunda se retrata con los brazos ligeramente elevados y las piernas abiertas y su límite es el círculo. Por otro lado, otro detalle importante a resaltar son las partes en la que el cuerpo se divide, la cabeza, los pectorales, el torso, los muslos y finalmente las piernas. Ambas figuras conservan esta misma media en especial los brazos, ya que al levantarlos la división entre hombro, codo y muñeca continúan la misma línea de separación.

A simple vista este dibujo parece sencillo, pero la realidad es que en su profundidad guarda una transformación cultural, ya que a partir de este momento la anatomía realista y natural comenzaron a jugar un papel importante dentro de los retratos de la edad media. La imagen ya no sería solo el retrato perfecto de una persona sino que obtendría varias utilidades, por ejemplo, en la política el poder se demostraba al coleccionar las obras de arte o tener un retrato hecho por algún artista importante. La imagen humanista ayudó a renacer la cultura clásica dejando de lado la tradición medieval.

Finalmente entendemos que el renacimiento contribuyó a que el artista dejara de lado los estigmas clásicos y centrara su arte en la realidad.

Masilva. P. (30 de diciembre del 2021). El hombre de vitruvio. La cámara del arte. Tomado de https://lacamaradelarte.com/obra/el-hombre-de-vitruvio/

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Ficha técnica

-Artista: Hans Holbein

-Título: Los embajadores

-Fecha: 1533 d.c.

-Dimensiones: 20.700 cm x 2.100

-Técnica: Óleo sobre tabla

-Estilo: Renacimiento (Norte de Europa)

-Repositorio: National Gallery, Londres

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Ficha técnica

-Artista: Miguel Ángel

-Título: Juicio final

-Fecha: 1531-1541 d.c.

-Dimensiones: 137.000 cm × 122.000 cm

-Técnica: Fresco

-Estilo: Renacimiento (siglo XVI)

-Repositorio: Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano.

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Ficha técnica

-Artista: Diego Velázquez

-Título: Las meninas

-Fecha: 1656 d.c.

-Dimensiones: 31,800 cm × 27,600 cm

-Técnica: óleo sobre lienzo

-Estilo: Barroco

-Repositorio: Museo del Prado, Madrid.

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Ficha técnica

-Artista: Francisco de Goya

-Título: La familia de Carlos IV

-Fecha: 1800

-Dimensiones: 280cm × 336 cm

-Técnica: óleo sobre lienzo

-Repositorio: Museo del Prado, Madrid.

A lo largo de los años, los movimientos artísticos generalmente varían según la época y el contexto social en la que se desarrollan, todos conservan esta característica en común, pero lo único que los divide es el enfoque y el cambio de pensamiento.

Por ejemplo, en el siglo XVI el barroco fue un periodo donde el objetivo era inspirar a través de imágenes para así conectar con el espectador, esta conexión se debía gracias a la extravagancia en cada obra, en la cual se utilizaba la técnica de claroscuro, el realismo, movimiento, volumen y profundidad, para impresionar los sentidos. Por otro lado, dos siglos después el neoclasicismo buscaba el retorno de la Grecia clásica para así generar finalmente independencia respecto a la monarquía y religión, razón por la cual los artistas enfatizaban en los primeros planos, colores puros y la armonía entre proporciones y líneas.

Aunque son claras las diferencias hay un tema en particular que logra de alguna forma unir ambos movimientos, todo esto es posible gracias al artista. En la antigüedad no se firmaban las obras de arte por lo que el reconocimiento del artista no era importante, es por esto que los grandes pintores empezaron a aparecer dentro de sus propias obras para firmar sus trabajos y mostrar su grandeza. Esto lo podemos observar en dos obras de diferente época, la primera de ellas “Las meninas” de Diego Velázquez y la segunda “La familia de Carlos IV”.

Ambas pinturas son autorretratos burgueses, la familia de Felipe IV y Carlos IV, las cuales se encuentran compartiendo en un espacio íntimo, amplio, un poco oscuro y lleno de cuadros resaltando el poder que estas familias tenían. Asimismo la luz juega un papel importante, más allá de que provenga de la misma dirección (la derecha) su finalidad está en resaltar a las personas más importantes. Finalmente, otra similitud bastante importante es que encontramos a los artistas representados sutilmente en el fondo de la obra, cambiando completamente los retratos antiguos, ahora el reconocimiento propio del artista tendría la misma importancia que los mecenas.

Arte Dovale. (s.f) Características de la pintura barroca. Tomado de https://www.bellas-artes.net/blog/caracteristicas-de-la-pintura-barroca/

Mas de arte.com (s.f) Neoclasicismo. Tomado de https://masdearte.com/movimientos/neoclasicismo/#:~:text=El%20neoclasicismo%20se%20presenta%20como,%2C%20es%20decir%2C%20al%20Clasicismo.

https://masdearte.com/movimientos/neoclasicismo/#:~:text=El%20neoclasicismo%20se%20presenta%20como,%2C%20es%20decir%2C%20al%20Clasicismo.

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Ficha técnica

-Artista: Juan Antonio de Rivera

-Título: Niña en un paisaje

-Fecha: 1847

-Dimensiones: 116 cm × 95 cm

-Técnica: Óleo sobre lienzo

-Estilo: Romanticismo

-Repositorio: Museo del Prado, Madrid.

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Ficha técnica

-Artista: Grant Wood

-Título: American Gothic

-Fecha: 1930

-Dimensiones: 78cm × 65 cm

-Técnica: Óleo sobre madera

-Repositorio: The institute Art of Chicago

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Ficha técnica

-Artista: Vincent Van Gogh

-Título: Autorretrato

-Fecha: 1889

-Dimensiones: 65cm × 54,2 cm

-Repositorio: Museo de Orsay, Paris.

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Ficha técnica

-Artista: René Magritte

-Título: El hijo del hombre

-Fecha: 1964

-Dimensiones: 116cm × 89 cm

-Estilo: surrealismo

-Repositorio: colección privada

La revolución industrial fue uno de los momentos más importantes en el arte ya que este se caracterizó por las transformaciones sociales, donde los cambios causados por la tecnología como la máquina de vapor, la producción en masa y el incremento en la educación, dieron paso para la exploración y el cuestionamiento de las normas establecidas. Por esta razón, a principios del siglo 20 surge el vanguardismo, este buscaba romper con las tradiciones académicas y así poder explorar las nuevas formas de expresión que reflejaban la complejidad y el dinamismo de la era industrial, movimientos como el cubismo, futurismo y surrealismo cambiaron la perspectiva convencional tanto artística como literariamente, proponiendo nuevas maneras de percibir y representar la realidad.

De hecho, René Magritte fue un artista bastante conocido no solo por sus obras sino por su filosofía, debido a que él pensaba que todo lo que se percibe esconde otra cosa, lo suficientemente intrigante para querer verlo, aun así esta no esté ocultando nada. Esto lo podemos observar en su autorretrato “El hijo del hombre”, su composición consta de un hombre vestido de traje y un sombrero, quien se encuentra parado en un lugar que parece ser un balcón con vista al mar, lo que llama la atención de esta obra, es la manzana verde que le tapa la cara. Llegar a comprender su propósito puede ser un verdadero reto, quizás, esta simboliza la incapacidad del individuo para conocerse a sí mismo completamente o una exploración de la relación entre la realidad y la percepción, o entre lo visible y lo oculto.

Es precisamente este tipo de obras surrealistas las que invitan al espectador a cuestionar la realidad y percepción, desafiando al espectador a mirar más allá de las apariencias superficiales y considerar las múltiples capas de significado que pueden estar ocultas detrás de lo que puede observar.

Calvo. M. (26 de septiembre del 2019). El hijo del hombre La obra más conocida de Magritte. HA!. Tomado de https://historia-arte.com/obras/el-hijo-del-hombre