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Renacimiento - Jan van Eyck -La familia Arnolfini- 1434

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Renacimiento - Jan van Eyck -La familia Arnolfini- 1434

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La familia Arnolfini", pintada por Jan van Eyck en 1434, es una de las obras más importantes del Renacimiento flamenco, una etapa artística que se desarrolló en el norte de Europa durante el siglo XV. Esta pintura representa a una pareja acomodada en el momento de su unión matrimonial o compromiso, rodeada de objetos que simbolizan riqueza, fidelidad y religión. Van Eyck destaca por el realismo extremo, el uso detallado de la luz y la técnica del óleo sobre tabla, que permite colores brillantes y gran precisión. En esta época, los artistas buscaban representar la realidad con detalle minucioso. Otros artistas destacados del Renacimiento flamenco fueron Rogier van der Weyden y Robert Campin. (Felipe Van Oordt)

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Renacimiento - Leonardo da Vinci - La Última Cena - (1495-1498)

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Renacimiento - Leonardo da Vinci - La Última Cena - (1495-1498)

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La Última Cena es una pintura del artista italiano Leonardo da Vinci, hecha entre 1495 y 1498. Muestra el momento en que Jesús les dice a sus discípulos que uno de ellos lo va a traicionar. Esta obra pertenece al Renacimiento, una época en la que los artistas buscaban mostrar la realidad con más detalle y profundidad. Usaban la perspectiva para dar sensación de espacio y cuidaban mucho las expresiones de las personas. En la pintura, Da Vinci usó líneas que llevan la mirada hacia Jesús, en el centro. Los apóstoles están en grupos de tres y muestran distintas emociones, lo que hace que la escena parezca muy real.

(Paolo Antola)

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Expresionismo - Edward Munch - El grito  - 1893

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Expresionismo - Edward Munch - El grito  - 1893

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El Expresionismo surgió a principios del siglo XX, un período marcado por profundas transformaciones sociales y políticas que precedieron y acompañaron la Primera Guerra Mundial. La creciente industrialización, la urbanización acelerada y las tensiones políticas generaron un sentimiento generalizado de ansiedad y crisis de valores en la sociedad europea. En este contexto, el Expresionismo se manifestó como una reacción contra el positivismo y el naturalismo imperantes (explicar aquí a que se le llamó naturalismo y positivismo), buscando plasmar la intensidad de las emociones y la subjetividad del individuo frente a un mundo convulso. La forma en que se aplicaba la pintura era tan importante como el color y la forma. Las pinceladas eran a menudo visibles, gestuales (a qué se le llama pintura gestual, indagar y explicar) incluso violentas. Esto aportaba una sensación de inmediatez, de emoción cruda vertida directamente sobre el lienzo. Se podían apreciar las texturas gruesas de la pintura.

Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Wassily Kandinsky y Franz Marc, exploraron la distorsión, el color intenso y la pincelada enérgica para comunicar la angustia existencial y la fuerza interior. A largo plazo, el Expresionismo influyó profundamente en movimientos artísticos posteriores y en la manera en que entendemos la expresión emocional en el arte.

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La obra Mujer (1905) de Henri Matisse pertenece al Fauvismo, un movimiento artístico de principios del siglo XX que surgió en Francia alrededor de 1905. Este estilo se caracteriza por el uso de colores intensos, puros y no naturalistas, aplicados de forma libre y expresiva. El Fauvismo buscaba romper con el realismo tradicional y enfatizar la emoción subjetiva del artista a través del color y la forma. Matisse, considerado el principal representante del Fauvismo, empleaba colores vibrantes y trazos simplificados para destacar la fuerza expresiva de sus retratos. Otros artistas destacados del movimiento fueron André Derain, Maurice de Vlaminck y Raoul Dufy, quienes también experimentaron con la distorsión de la figura y la autonomía del color. La obra Mujer refleja esta búsqueda de libertad estética, donde el rostro femenino y su entorno no buscan una representación fiel de la realidad, sino transmitir una sensación emocional intensa mediante el contraste cromático y la composición dinámica.

Alonso Díaz

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Comienzos del Cubismo - Las señoritas de Avignon - Pablo Picasso - 1907

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Comienzos del Cubismo - Las señoritas de Avignon - Pablo Picasso - 1907

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"Las señoritas de Avignon" marca el inicio del Cubismo, un movimiento artístico revolucionario de inicios del siglo XX que rompió con la representación tradicional del espacio y la forma. En esta obra, Picasso abandona la perspectiva lineal renacentista y representa a cinco mujeres con rostros y cuerpos fragmentados en formas geométricas angulosas. Inspirado por el arte africano y la escultura ibérica, el artista utiliza colores terrosos y contornos marcados, evidenciando la influencia del primitivismo. Esta obra anticipa el desarrollo del cubismo analítico junto a Georges Braque, otro gran representante del movimiento. El Cubismo se caracteriza por la descomposición de las formas, la visión simultánea desde varios ángulos y una reducción cromática que da protagonismo a la estructura. Esta pintura es una de las más influyentes del arte moderno.

(Sebastián Haaker)

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 Fauvismo - Henri Matisse - Henri Matisse - 1910

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 Fauvismo - Henri Matisse - Henri Matisse - 1910

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La danza es una obra emblemática del Fauvismo, un movimiento artístico surgido a principios del siglo XX que se caracterizó por el uso de colores intensos, puros y no naturalistas, así como por composiciones simplificadas y expresivas. Esta corriente rompió con las reglas tradicionales de la representación, priorizando la emoción sobre la precisión formal. En esta pintura, Matisse representa cinco figuras humanas desnudas que danzan en círculo sobre un fondo sencillo de tierra roja y cielo azul. El dinamismo de las formas, la repetición rítmica de los cuerpos y el contraste cromático resaltan la vitalidad y la energía de la escena. Además de Matisse, otros representantes del Fauvismo fueron André Derain y Maurice de Vlaminck. (Yzaga)

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La obra Composición de Kazimir Malevich marca un momento clave en la historia del arte: el nacimiento del Suprematismo, un movimiento de vanguardia ruso centrado en la abstracción pura y la supremacía de la sensibilidad artística sobre la representación objetiva. Surgido en 1915, este estilo rompe radicalmente con la figuración y se caracteriza por formas geométricas simples (cuadrados, círculos, líneas) y una paleta limitada, a menudo en blanco, negro y colores primarios. Visualmente, las obras suprematistas presentan una organización espacial no ilusionista, con énfasis en la composición plana y la energía interna de las formas. Además de Malevich, otros artistas relacionados con esta corriente fueron El Lissitzky y Aleksandr Rodchenko, quienes también exploraron la abstracción como medio de renovación cultural y política en el contexto de la Revolución Rusa.
-MARCELO BUSTAMANTE-

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Neoplasticismo - Piet Mondrian - Composición - 1920

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Neoplasticismo - Piet Mondrian - Composición - 1920

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La pintura "Composición" de Piet Mondrian pertenece al movimiento artístico llamado Neoplasticismo o también conocido como De Stijl, que surgió en los Países Bajos después de la Primera Guerra Mundial, alrededor de 1917. Este movimiento buscaba un arte puro, equilibrado y universal. Rechazaba las formas naturales y las emociones personales, y en su lugar usaba formas geométricas básicas, como cuadrados y rectángulos, así como los colores primarios (rojo, azul y amarillo), junto con el blanco, el negro y el gris. La idea era mostrar el orden y la armonía del universo a través del arte.

Visualmente, las obras neoplasticistas se reconocen fácilmente por sus líneas negras rectas y gruesas que dividen el lienzo en secciones, y por el uso de pocos colores. Los artistas de esta época querían eliminar todo lo innecesario y centrarse solo en lo esencial. Además de Mondrian, otro representante importante del movimiento fue Theo van Doesburg. Este estilo influyó mucho en la arquitectura, el diseño gráfico y el arte moderno en general.

Mondrian con esta obra nos invita a ver la belleza en lo simple, en el equilibrio y en la organización, en una época en la que el mundo buscaba reconstruirse tras la guerra.

-Alonso Mahchi

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Vanguardias europeas del siglo XX - Blue Bird - Schwitters - 1922

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Vanguardias europeas del siglo XX - Blue Bird - Schwitters - 1922

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"Blue Bird" de Kurt Schwitters es una obra representativa del movimiento dadaísta y del estilo único de Schwitters conocido como Merz. La pintura muestra una composición abstracta y dinámica, donde se combinan formas geométricas, colores planos y texturas diversas. El color azul, especialmente en la figura que evoca a un pájaro, domina la escena, creando un foco visual central que sugiere libertad, movimiento o tal vez un símbolo onírico.

Schwitters mezcla elementos del collage con la pintura tradicional, lo que da a la obra una apariencia fragmentada y experimental. El "Blue Bird" (pájaro azul) no está representado de forma realista, sino como una figura sugerente y estilizada, casi escondida entre los planos de color y líneas. La composición transmite energía, caos controlado y una intención poética, propia de la sensibilidad vanguardista de la Europa de entreguerras. Sebastian Inurritegui

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Surrealismo- Salvador Dalí-a persistencia de la memoria-1931

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Surrealismo- Salvador Dalí-a persistencia de la memoria-1931

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La persistencia de la memoria es una de las obras más icónicas del movimiento surrealista, un estilo artístico que surgió en Europa en la década de 1920, influenciado por las teorías del psicoanálisis de Freud. El surrealismo buscaba representar el inconsciente, los sueños y lo irracional, alejándose de la lógica y el realismo tradicional. Visualmente, esta obra se caracteriza por una atmósfera onírica, con relojes blandos que parecen derretirse en un paisaje desolado, lo cual sugiere la distorsión del tiempo y la percepción. El uso de formas orgánicas, la mezcla de elementos realistas con situaciones imposibles y un alto nivel de detalle técnico son comunes en este movimiento. Además de Salvador Dalí, otros representantes destacados del surrealismo incluyen René Magritte, Max Ernst y André Breton.

(Joaquin Ullauri)

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Cubismo - Pablo Picasso - Guernica - 1937

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Cubismo - Pablo Picasso - Guernica - 1937

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Guernica pertenece al Cubismo, una vanguardia del siglo XX caracterizada por la fragmentación de formas y el uso de colores sobrios. Picasso la pintó como denuncia al bombardeo de Guernica durante la Guerra Civil Española. La obra transmite dolor y caos a través de figuras distorsionadas. Otros artistas cubistas son Georges Braque y Juan Gris.

(Felipe Carneiro 4-B)

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Momento histórico del arte: Surrealismo / Arte moderno mexicano

 - Frida Kahlo - Autorretrato con collar de espinas y colibrí - 1940

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Momento histórico del arte: Surrealismo / Arte moderno mexicano

 - Frida Kahlo - Autorretrato con collar de espinas y colibrí - 1940

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Este autorretrato pertenece al movimiento del Surrealismo, aunque Frida Kahlo nunca se consideró parte del mismo, ya que afirmaba pintar su propia realidad. La obra refleja el dolor físico y emocional de la artista, representado por el collar de espinas que le lacera el cuello, el colibrí muerto (símbolo de esperanza o amor perdido), y la presencia de un mono y un gato negro. Las características visuales de esta época incluyen un fuerte simbolismo, el uso de colores intensos, y composiciones introspectivas con elementos de la naturaleza y el folclore mexicano. Entre los representantes más conocidos del surrealismo se encuentran Salvador Dalí, René Magritte y Max Ernst. Frida, sin embargo, es un ícono único que fusiona el arte moderno con elementos personales, indígenas y populares de México.

Tiago Namihas.

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Autorretrato con collar de espinas y colibrí

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Pop Art-Roy Lichtenstein - M - Maybe (BIAGGIO MELLA)

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Pop Art-Roy Lichtenstein - M - Maybe (BIAGGIO MELLA)

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M-Maybe es una obra representativa del Pop Art, un movimiento artístico surgido en los años 50 y popularizado en los años 60 en Estados Unidos y Reino Unido. Este momento artístico se caracterizó por tomar elementos de la cultura popular, como los cómics, la publicidad y los productos de consumo masivo, integrándolos en el arte. Visualmente, el Pop Art emplea colores planos, líneas marcadas, puntos de semitono (imitando la impresión comercial) y temas cotidianos o banales. Lichtenstein, junto con Andy Warhol y Richard Hamilton, fue uno de los principales exponentes del movimiento, utilizando técnicas inspiradas en el arte gráfico industrial para cuestionar los límites entre el arte "alto" y la cultura de masas.