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Arte produzida por cristãos em território conquistado pelos muçulmanos;

Fusão da tradição tardorromana com a cultura artística muçulmana;

Incorporação de elementos e formas muçulmanas no sistema artístico e arquitetónico ocidental.

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-Octávio Augusto também tomou medidas nos diferentes planos:
-Plano económico:

Desenvolvimento da agricultura, pesca, indústria de conservas;

Impulso da produção de vinho, azeite e sal;

Incremento na recolha de minérios;

-Plano social:

Restabelecimento da paz social e da igualdade de todos os cidadãos livres perante a lei;

Criação do "censo", um imposto que facultava o direito de um cidadão ser eleito para o Senado ou para os cargos públicos;

-Plano político:

Reforço dos poderes do Imperador;

Reforma do aparelho administrativo central e provincial;

Redução dos poderes do Senado e das magistraturas;

-Plano militar:

Aumento da extensão do Império;

Restabelecimento da ordem e da disciplina das legiões;

Estabelecimento da pax romana com a pacificação das províncias;

-Plano cultural:

Financiamento de artistas, poetas, escritores e intelectuais, implementando uma política de "mecenato" artístico e cultural;

-Plano religioso:

Reforma da religião tradicional;

Criação do culto do Imperador, eleito como Sumo Pontífice.

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Deposição das cinzas dos defuntos;

Armazenamento de produtos alimentares;

Transporte comercial de produtos;

Conservação e armazenamento de óleos, de perfumes e de cosméticos;

Utilização em rituais religiosos;

Utilização com recipiente para beber vinho.

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-O mosaico teve os mesmos objetivos que a pintura:

Enriquecer cenograficamente os ambientes interiores;

Animar a arquitetura através de composições fantasistas, expressivas e plasticamente criativas.

-Principais temáticas desenvolvidas no mosaico:

representações figurativas (temas, mitológicos, históricos e do quotidiano);

composições geométricas;

composições com motivos vegetalistas.

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-A arte do mosaico atingiu o seu apogeu durante o Império Romano;

-A técnica consiste na colocação de tesselas embutidas nas paredes ou pavimentos;

-As tesselas são pequenos fragmentos de pedras, vidros, cerâmica esmaltada usadas para decorar as superfícies;

-A par da pintura de frescos, a arte do mosaico contribuiu para enriquecer os ambientes interiores das habitações ou de espaços públicos como termas, basílicas, etc;

-Foram criadas composições formalmente muito complexas e de uma grande riqueza plástica;

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-As manifestações de arte muçulmana na Península Ibérica são, sem dúvida, expoentes da rica e sofisticada civilização islâmica. Elas refletem a habilidade técnica e a expressividade artística dos artistas muçulmanos, como também destacam a capacidade dessa civilização de incorporar influências culturais diversas e, ao mesmo tempo, desenvolver um estilo distintivo;

-A arquitetura islâmica, os azulejos decorativos, a caligrafia artística e os jardins paradisíacos representam a síntese de elementos culturais, religiosos e estéticos únicos;

-Além disso, essas manifestações artísticas influenciaram profundamente a região da Península Ibérica, mas também tornaram-se importantes modelos para a arte e a arquitetura islâmica em todo o mundo islâmico, destacando assim o papel central dessa civilização no desenvolvimento da arte e da cultura ao longo dos séculos.

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-A iluminura cristã é uma expressão artística singular que desempenhou um papel fundamental na disseminação da mensagem cristã ao longo dos séculos. Ela floresceu principalmente nos mosteiros, que eram verdadeiros núcleos de atividades culturais e artísticas. Ilustrando manuscritos e ocupando as letras capitulares, a iluminura surgiu no período paleocristão e estabeleceu-se como uma forma de escrita visual, contribuindo significativamente para a divulgação do cristianismo. À medida que evoluiu, a arte da cor tornou-se mais elaborada durante o período românico, atendendo a um público mais exigente e culto. Assim sendo a iluminura, destacou-se como uma nova expressão de arte e escrita, enriquecendo a estética dos textos sagrados e manuscritos, como também a compreensão da mensagem cristã.

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-Características plásticas e formais:

Dimensões monumentais, com cinco metros de altura;

Representação anatômica precisa e rigorosa, demonstrando o domínio da anatomia humana;

Uso de contraposto, uma técnica que confere movimento e equilíbrio ao corpo.

Expressão de tensão e inquietação nas mãos, músculos e testa de David, contrastando com o olhar confiante.

Captura do momento anterior ao confronto, onde David contempla o desafio que o aguarda.

Nu artístico, mostrando o corpo humano de forma idealizada.

Simbolismo político e cultural, representando a vitória dos fracos sobre os tiranos e o orgulho cívico de Florença.

-Tema:

Representação do episódio bíblico em que David, pastor de rebanhos e futuro rei de Israel, enfrenta e derrota o gigante Golias, simbolizando a vitória dos fracos sobre os poderosos. Além disso, a estátua expressa a inquietação e o questionamento do herói perante o desafio, refletindo a incerteza do futuro que Florença enfrentava no contexto político e cultural da época.

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i) Caso Prático - "Requiem - Introito", de Frei Manuel Cardoso

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i) Caso Prático - "Requiem - Introito", de Frei Manuel Cardoso

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-Frei Manuel Cardoso foi um proeminente compositor português durante a "Idade de Ouro" da polifonia em Portugal. A sua importância reside na maestria técnica e criatividade nas suas peças de música litúrgica, compostas para vozes sem acompanhamento instrumental. Originário de Fronteira, Portugal, foi reconhecido desde jovem pelas suas habilidades musicais e recebeu educação musical no Colégio dos Meninos do Coro da Sé de Évora, tornando-se discípulo de Frei Manuel Mendes, um renomado compositor da época.

-Após os seus estudos, ingressou na Ordem dos Carmelitas e foi nomeado Mestre da Capela, dedicando os 62 anos seguintes da sua vida à composição musical. A suas obras, notavelmente impressas durante a dinastia filipina, incluíam missas construídas usando a técnica renascentista de "paródia", baseando-se em composições preexistentes. Entre as suas peças mais significativas estão as "Lições da Semana Santa" e a impressionante Missa dos Defuntos para seis vozes, que demonstravam a notável habilidade técnica e expressividade musical.

Frei Manuel Cardoso foi reconhecido pela sua excelência musical pelo futuro rei D. João IV, que também era músico e compositor. O Duque de Bragança, futuro rei, apoiou-o financeiramente e convidou-o para o Paço Ducal de Vila Viçosa. As suas contribuições foram essenciais para a história da música em Portugal, enriquecendo o repertório musical sacro da época e deixando um legado duradouro no Maneirismo musical português.

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j) Caso Prático - Fala do Licenciado e Diálogo de Todo o Mundo e Ninguém, Auto da Lusitânia

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j) Caso Prático - Fala do Licenciado e Diálogo de Todo o Mundo e Ninguém, Auto da Lusitânia

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-Gil Vicente:

Escreveu, encenou e participou em várias peças teatrais; utilizou a sátira e a comédia;

- A obra vicentina é tida como reﬂexo da mudança dos tempos e da passagem da Idade Média para o Renascimento;
-Diversidade de formas: O auto pastoril, a alegoria religiosa, narrativas bíblicas, farsas episódicas e autos narrativos.

-"Lusitânia – farsa – composição sem exigências de estilo que relata episódios cómicos da vida quotidiana;
-Resumo:

Fala do licenciado: 2 judeus pensam em organizar a festa para comemorar o nascimento de D. Manuel, ﬁlho de D. João III; Escolhem Gil Vicente; Entra o Licenciado (argumentador da obra) e faz a apresentação de Gil Vicente e do assunto que ele quer representar e a seu modo ensinar os espectadores;

Diálogo de Todo o Mundo (mercador rico) e Ninguém (homem pobre – talvez Gil Vicente ou o povo);

Diálogo comentado por Berzabu e Dinato, diabos servidores de Lúcifer;

Todo o Mundo além do dinheiro quer fama, honrarias, mesmo que para tal tenha de enganar;

Ninguém procura a consciência, a virtude, a verdade. Aceita ser repreendido sempre que erra.

Mensagem de Gil Vicente: Preferência pela vida simples, despojada e verdadeira.

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g) O Maneirismo e Renascimento na Europa

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g) O Maneirismo e Renascimento na Europa

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-Na França, as epidemias e a Guerra dos Cem Anos atrasaram o Renascimento. O principal foco de desenvolvimento do modo clássico surgiria através da "escola de Fontainebleau" já em pleno séc. XVI. Além da pintura desenvolvida, caracterizada por alegoria e mitos de matriz italianizante com influência maneirista, foi na arquitetura que o Classicismo se exprimiu mais claramente.
-Em Espanha, após a reconquista de Granada em 1492, registou-se um assinalável desenvolvimento cultural e artístico por via do intenso intercâmbio comercial e do afluxo de riquezas provenientes das colónias americanas. O Classicismo exprimiu-se de modo austero, mas foi a tradição decorativa que prevaleceu coma criação do plateresco.

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-A difusão do Renascimento na Europa foi impulsionada pela circulação de textos impressos, obras de arte em gravuras e o movimento de artistas e humanistas. No entanto, a assimilação do modo clássico foi lenta devido à prevalência do gótico final e da crise religiosa na Europa, sendo assim enquanto a europa adotava os ideias renascentistas, em Itália já se criavam novos interesses pelo Maneirismo e Barroco.
-A primeira manifestação renascentista na Europa foi na Alemanha com Albert Dürer, que interessado pela arte italiana, aprendeu os métodos da perspectiva, o cálculo das proporções e o desenho anatómico e assimilou o pensamento artístico clássico. Mas Dürer ficou conhecido pelas suas gravuras.
-Nos Países-baixos influenciados pelos contactos comerciais com Itália e a ação de humanistas, o país absorveu a cultura renascentista, mais especificamente a pintura de gênero.

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h) Renascimento e Maneirismo em Portugal

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h) Renascimento e Maneirismo em Portugal

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-O Renascimento e Maneirismo tiveram reflexos marcantes em Portugal. A influência renascentista italiana chegou ao país de forma tardia, mas gradualmente as formas arquitetónicas depuradas e as estruturas sóbrias ganharam preferência, especialmente durante o reinado de D. João III;
-O estilo chão, caracterizado por uma arquitetura simples e despojadas de decoração, refletiu o espírito austero e contrarreformista do rei. A disseminação do modelo da igreja jesuíta e o impacto dos tratados de Vignola e Serlio foram fundamentais para o desenvolvimento do Maneirismo nacional. Enquanto o modelo jesuíta resultou uma arquitetura sóbria e funcional, o classicismo serliano inspirou obras de destaque:
-Na pintura, houve uma maior autonomia criativa, com artistas como Vasco, Gregório Lopes, Gaspar Dias se destacando. Embora a produção prática e teórica de Francisco de Holanda tenha tido menos impacto, seu trabalho refletiu a influência clássica que presenciou em Roma e no convívio com Miguel Angelo;
-No geral, o Renascimento e o Maneirismo deixaram marcas distintas na arte e arquitetura portuguesas, refletindo os movimentos artísticos e as mudanças de valores da época.

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Complexidade;

Artificialismo;

Ambiguidade;

Movimento;

Deformação;

Múltiplas tensões;

Subjetividade;

Livre expressão;

Capricho pessoal;

Imaginário;

Fantástico;

Insólito;

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-Características:

Movimento, dinâmica e complexidade das composições;

Valorização da expressividade formal e plástica;

Artificialismo plástico;

Anticlassicismo;

Expressão de visões pessoais e liberdade conceitual;

Representação alongada dos corpos;

Rompimento da ordem, harmonia e estrutura lógica;

Procura da emoção e da espiritualidade;

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-Características:

Dinamismo e movimento expressivo;

Valorização do virtuosismo técnico e expressivo;

Deformações e distorções nas proporções e formas;

Figura serpentinata e movimento sinuoso;

Efeitos dramáticos e emocionais nas representações;

Experimentação estilística e pluralidade de abordagens;

Estética ambígua e subjetiva;

Foco na expressão individual;

Tendência ao anticlassicismo e afastamento do equilíbrio renascentista;

Exploração do insólito, imaginário e fantástico nos temas;

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-Características:

Liberdade formal e conceitual;

Experimentação na organização do espaço;

Flexibilização dos ritmos estruturais e proporções;

Desvirtuação da função dos elementos arquitetónicos;

Efeitos ilusórios de perspetiva;

Individualismo e expressão pessoal;

Abandono da rigidez do classicismo renascentista;

Busca por inovação e a originalidade;

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b) Maneirismo como uma revisão aos valores clássicos, subjetividade e exaltação dos artistas

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b) Maneirismo como uma revisão aos valores clássicos, subjetividade e exaltação dos artistas

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-Os ideias de perfeição e unidade alcançados no Alto Renascimento deram lugar ao Maneirismo, um movimento artístico caracterizado pela experimentação, deformação e estilos múltiplos;

-Esse período foi marcado pelas experiências ousadas e uma maior ênfase na subjetividade. Os artistas cultivaram o insólito, o imaginário e o fantástico, rompendo com as convenções estabelecidas;

-Giambologua: Experimentou o recurso típico do Maneirismo: A figura serpentinata, movimento sinuoso em ascensão, de grande efeito plástica;

-O Maneirismo representou a livre expansão do estilo pessoal dos artistas, ao invés de seguir um cânone rígido. Essa transformação foi impulsionada pela necessidade de expressão individual em meio à crise de valores e à desintegração das tradições renascentistas.

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a) Contexto: A crise de valores e individualismo

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a) Contexto: A crise de valores e individualismo

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-O séc. XVI foi uma época marcada por uma profunda crise de valores e do individualismo em várias partes da sociedade. Neste período, ocorreram transformações políticas, sociais, religiosas e culturais que abalaram as estruturas estabelecidas pelo Renascimento;

-A crise de valores foi mais evidente na política, religiosa e cultural. A instabilidade política em Itália, com conflitos entre as cidades-estado e disputas de poder gerou um clima de incerteza e desconfiança. Ao mesmo tempo, a Igreja Católica enfrentava uma crise interna devido à Reforma Protestante, liderada por Lutero. Essa divisão da cristandade levou ao questionamento dos dogmas e da autoridade papal, abalando os alicerces da fé católica e provocando mudanças significativas na forma como as pessoas compreendiam a religião;

-Nesse contexto, houve uma procura pela nova identidade individual e maior autonomia, refletidas no estilo artístico do Maneirismo, que valorizou a expressão pessoal e a originalidade dos artistas em meio à crise de valores e à desintegração das estruturas tradicionais.

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-Características formais, técnicas e plásticas:

Harmonia, equilíbrio e proporção como valores ideais da escultura;

Inspiração nos modelos e cânones clássicos de representação;

Representação realista do corpo humano através do tratamento naturalista dos detalhes anatómicos;

Aplicação do contraposto na articulação dos módulos anatómicos;

Aplicação das regras da perspetiva e da composição geométrica;

Escultura de vulto redondo;

Rigor nas proporções, na modelação das formas e na captação dos movimentos;

Captação dos gestos e das propriedades expressivas da figura;

Nos retratos, preocupação pelo registo dos traços psicológicos e fisionómicos das figuras;

Monumentalidade das estátuas;

-Temas:

Representação do nu;

Temas mitológicos;

Temas bíblicos e representações de santos;

Estátuas equestres;

Retratos;

Relevos em frisos, portas e tribunas tratados autonomamente.

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-Características programáticas:

Progressiva aquisição de autonomia da escultura em relação à arquitetura;

A escultura como expressão artística que melhor refletiu os valores do individualismo, do humanismo e do antropocentrismo preconizado pelo Renascimento;

Exposição das estátuas em praças ou locais públicos como veículo de transmissão de valores cívicos e éticos;

Afirmação da escultura como processo criativo com programas, métodos e técnicas próprias, contribuindo para a sua intelectualização;

Valorização do papel do autor na conceção da obra;

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e) Os grandes criadores da escultura renascentista - Donato Donatello

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e) Os grandes criadores da escultura renascentista - Donato Donatello

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-A estátua de David foi encomendada por Cosme de Médicis, para ser instalada no Palácio Médici Riccardi;
-Donatello trata um tema bíblico: David, um simples pastor, derrota o gigante Golias libertando o seu povo da tirania.

David é a primeira estátua de vulto redondo desde a Antiguidade greco-romana;

A elegância e o ar cortesão, sensual e sedutor da figura são sinais de uma nova plástica e de uma nova cultura artística;

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e) Os grandes criadores da escultura renascentista - Donato Donatello

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e) Os grandes criadores da escultura renascentista - Donato Donatello

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-Donato Donatello foi discípulo de Ghiberti e um dos pioneiros da escultura renascentista. Nas suas obras Donatello definiu os princípios fundamentais da plástica renascentista:

Aplicação da perspetiva;

Rigor na execução anatómica;

Tratamento dos traços expressivos - movimento, emoções, retrato psicológico;

Desenvolvimento do nu como tema.

-A estátua de S. Jorge foi um dos primeiros trabalhos de Donatello, mas, desde logo, rompe com a tradição da escultura medieval.
-A conceção naturalista, a atitude expressiva,
a correção das proporções anatómicas não
deixam dúvidas de que se trata de uma
«figura real, participante deste mundo».

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e) Os grandes criadores da escultura renascentista - Lorenzo Ghiberti

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e) Os grandes criadores da escultura renascentista - Lorenzo Ghiberti

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-Uma das primeiras manifestações da escultura renascentista foi a execução das «Portas do Paraíso», no Batistério de São João, em Florença;
-Com apenas 21 anos, Lorenzo Ghiberti venceu um concurso onde também participaram Donatello e Brunelleschi, entre outros.
-Nos dez painéis que compõem a «Porta», Ghiberti desenvolveu cenas do Antigo Testamento, evidenciando:

Uma grande vitalidade plástica;

Domínio das regras da perspetiva;

Aplicação da composição geométrica clássica;

Conhecimento da anatomia;

-Deslumbrado com o trabalho, Miguel Ângelo designou-as como «Portas do Paraíso», assim ficando a ser conhecidas desde então.

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d) A completa autonomização da escultura

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d) A completa autonomização da escultura

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-A completa autonomização da escultura renascentista foi um processo evolutivo que começou no século XIII na Itália, após o período gótico. Os escultores italianos, influenciados pelo Renascimento e os ideais humanistas, recuperaram a "tradição antiga" da escultura, afirmando-a com sua própria linguagem, formas e técnicas. Eles estabeleceram normas, programas e métodos específicos para a escultura, rompendo com a sua função meramente ornamental ou secundária em relação à arquitetura. Inspirados pela Antiguidade Clássica, a escultura adquiriu uma posição de destaque na sociedade, tanto no espaço urbano quanto no debate filosófico, tornando-se um objeto de pesquisa estética e simbolizando os valores humanistas e o individualismo.

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a) Contexto social, económico e cultural

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a) Contexto social, económico e cultural

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Prosperidade económica e financeira das cidades italianas, que potencia o surgimento de famílias burguesas ricas e influentes;

Prática de mecenato: apoio e proteção a artistas, intelectuais e homens eruditos;

Interesse pela Antiguidade clássica, pela sua arte e cultura;

Desenvolvimento dos valores do humanismo, racionalismo, individualismo e antropocentrismo;

Invenção da imprensa, que facilita a divulgação de ideias, desenhos e projetos;

Reintrodução e renovação da tratadística clássica, como, por exemplo, os estudos de Alberti e Brunelleschi.

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-Foi Leon Battista Alberti que no seu tratado De Satua (Sobre a Escultura, 1464) estabeleceu as normas, os métodos e os procedimentos próprios à escultura;
-Deste modo, Alberti contribuiu para a progressiva intelectualização da escultura e para que esta disciplina adquirisse um caráter erudito;

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b) A progressiva intelectualização da escultura

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b) A progressiva intelectualização da escultura

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-Uma das maiores conquistas dos artistas do Renascimento foi elevar a escultura à categoria de "artes liberais";
-Até então, a escultura era considerada uma "arte mecânica", isto é, um ofício que decorria principalmente do recurso ao trabalho manual e a instrumentos mecânicos;
-Desde a Idade Média que as "artes liberais" eram aquelas que exigiam o exercício intelectual, tais como, a lógica, a retórica, a geometria ou a música, entre outras;
-O que os escultores do Renascimento conseguiram foi equiparar a escultura a outras disciplinas que exigiam conhecimentos, métodos e aptidões intelectuais para o seu exercício.
-No Renascimento, a escultura passava a integrar o domínio das «artes liberais» e o escultor deixava de ser considerado um artesão, para assumir um papel distinto no processo criativo.
-O artista era, acima de tudo, um autor da «ideia» da obra: antes de criar a obra, ela devia nascer no seu pensamento – a ideia –, o que, de resto, se enquadrava no espírito neoplatónico do Renascimento.

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-A escultura renascentista decorre de um processo de evolução que, a partir do Gótico, define uma gradual autonomia da escultura em relação à arquitetura;
-A partir do século XIV, a escultura vai gradualmente deixando de ter uma função meramente ornamental ou papel secundário em termos artísticos;
-Os escultores renascentistas recuperaram o papel que o escultor desempenhara na Antiguidade e restituíram a função social e cultural que a escultura tivera outrora;
-A escultura voltou a impor-se no espaço urbano, surgindo nas praças, jardins, ruas e fachadas de edifícios, desempenhando um papel muito importante na educação ética dos cidadãos;
-Readquiriu o prestígio de outrora, como fonte de prazer estético dos mecenas e das cortes, nas igrejas, nos palácios, nas ruas e praças das cidades;
-A escultura alimentava o prazer individual dos mecenas que reuniam obras nas suas coleções privadas com fins puramente hedonistas.

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-Características:

Novas conceções arquitetónicas -> novos conceitos de urbanismo;

As cidades deviam de se organizar através de eixos principais como na Antiguidade (contra
aglomerados caóticos medievais);

Cidades ideais possuíam estruturas organizadas segundo uma malha regular onde alinhamento de
igrejas, palácios e edifícios administrativos e políticos se articulava por planos matemáticos;

No centro estava a praça, um local nobre da cidade. Modelo ideal: Praça Ducal de Vigevano, um
espaço retangular cercado por uma enorme arcada;

Praça mais emblemática: Colina do Capitólio de Miguel Ângelo (praça trapezoidal delimitada por
fachadas de palácios);

Conceito de cidade ideal: casas proporcionadas ao espaço, igreja circular e organizada numa
perspetiva linear. Ex: Cidade Ideal de Piero della Francesca

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-As Villas ou palácios rurais
-Características:

Estruturas mais livres e inovadoras;

Persistia a simetria;

O rigor geométrico;

A imitação das fachadas clássicas;

Ideal das plantas centradas;

Os jardins eram organizados simetricamente à volta de fontes e repuxos;

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-A ocupação do espaço pelo edifício baseia-se em relações matemáticas:

ideal de simetria absoluta;

Ponto de fuga;

-Inspirou-se nas obras greco-romanas - classicismo:

Abóbadas de berço;

Cúpulas;

Frontões nas portas e nas janelas;

Arcos de volta perfeita;

Pilastras e colunas encimadas por capitéis clássicos (dóricos, jónicos ou coríntios);

-Planta:

Evoluiu de planta basilical em cruz latina para plantas quadradas ou de cruz centrada;

No corpo principal a nave central alonga-se e nas capelas laterais surgem pequenas capelas;

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e) Edifícios determinantes da arquitetura

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e) Edifícios determinantes da arquitetura

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A arquitetura renascentista separa-se por três tipos de edifícios:
-Arquitetura religiosa: Igrejas;
-Arquitetura civil: Palazzos e Villas;
-Arquitetura militar: Fortalezas;

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-Características:

Utilização da linguagem da Arquitetura Clássica - ordens arquitetónicas, colunas, frontões, entablamentos e cúpulas;

Articulação entre Razão (Geometria) e a fé (a perfeição do espaço arquitetónico);

A clareza formal e o rigor geométrico devem exprimir a ordem divina do Universo;

A geometria como elemento estruturante do espaço, criando ordem, harmonia e proporção;

Traçados submetidos a uma ordem racional, geométrica e matemática;

Aplicação da perspetiva linear, permitindo simular as formas num espaço tridimensional;

Predomínio das figuras geométricas do quadrado e do círculo como alegorias do Homem e do Universo;

Rejeição de elementos ornamentais e decorativas;

Representação gráfica dos elementos construtivos, antecipando a concretização da obra - planta, cortes e alçados;

Importância do desenho como processo fundamental no projeto da obra, permitindo ao arquiteto ensaiar as melhores soluções;

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a) A importância da obra De Revolutionibus Orbium Coelestium

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a) A importância da obra De Revolutionibus Orbium Coelestium

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-A obra de Nicolau Copérnico foi de grande importância para o novo pensamento renascentista pois pela primeira vez, é exposta de forma matemática e científica, a teoria heliocêntrica, comprovada com rigorosas demonstrações matemáticas;

-Copérnico fez medições, utilizando o quadrante (mede o arco diurno percorrido pelo Sol), a esfera armilar (para determinar a posição dos astros) e um torqueton (medir a posição dos astros no céu). A partir das observações, fez complicadas demonstrações matemáticas atingido assim a teoria heliocêntrica;

-Mas a obra de Copérnico não foi aceite no seu tempo, as conclusões a que chegou eram contrárias aos ensinamentos dos sentidos e às teorias dos Antigos e negavam afirmações da Bíblia, pondo em causa alguns dogmas da Igreja. A obra permaneceu no Index até 1835.

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-Características (Bramante):

Inspiração humanista;

Espírito inovador e inquieto;

Pesquisa pela perfeição ideal;

Utilização de proporções cuidadosamente estudadas (sistema de proporções);

Extrema simplicidade estrutural;

Rigor na utilização das ordens arquitetónicas;

-Obras:

Basílica de São Pedro (Vaticano);

Tempietto de São Pedro em Montório;

-Características (Michael Angelo):

Utilização da linguagem da arquitetura clássica (ordens arquitetónicas, colunas, frontões, entablamentos e cúpulas);

Busca pela forma ideal;

Monumentalidade;

Escultura como expressão artística mais nobre;

-Obras:

Biblioteca Laurenciana;

Basílica de S. Pedro (Intervenção-Adição do pórtico à fachada, dupla colunata e uma gigantesca cúpula hemisférica).

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Uso de formas simples (quadrado, círculo e cubo);

Reutilização do arco de volta perfeita;

Abóbadas de berço e de arestas em vez de cruzaria ogival;

Introdução de tirantes metálicos para aliviar pressões;

Substituição gradual de coberturas de madeira por abóbadas de alvenaria;

Busca por formas regulares e simétricas com base na geometria/ perspetiva;

Planta baseada numa "caixa" cúbica coberta por cúpula semiesférica;

-Obras de Brunelleschi:

Capella Pazzi;

Cúpula da Catedral de Santa Maria das Flores;

-Obras de Alberti:

Igreja de Santa Maria Novella;

Palazzo Rucellai;

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-Características:

As características são baseadas em proporções harmoniosas, perspetiva, geometria e simplicidade construtiva;

Proporções, forma e dimensões harmoniosas;

Descoberta/ aplicação da perspetiva;

Valorização da geometria como elemento estruturante;

Simplificação dos aspetos construtivos;

Desenho da ideia da obra como fundamentado do processo criativo;

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h) Caso Prático - A Anunciação (1472-1475)

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h) Caso Prático - A Anunciação (1472-1475)

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-Características:

Composição segundo regras geométricas;

Tratamento naturalista da paisagem;

Modelação das figuras através do chiaroscuro;

Captação da dimensão psicológica das personagens;

Aplicação do sfumato;

Aplicação da perspetiva aérea;

-Tema:
A anunciação, por parte do Arcanjo Gabriel, que Maria era a escolhida para conceber Jesus Cristo.

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-Temas:

Retrato: O Humanismo, o Individualismo e o culto da personalidade próprio do Renascimento fizeram crescer o gosto pelo retrato como afirmação social e cultural;

Nu: O nu está ligado à tradição greco-romano. A descoberta do Homem, da sua anatomia e perfeição das formas;

Paisagem: Tem ideal para a aplicação dos novos recursos técnicos e plásticos;

Temas religiosos de carácter profano;

Temas mitológicos;

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f) Processos e técnicas da pintura renascentista

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f) Processos e técnicas da pintura renascentista

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-Processos:

Perspetiva: Processo geométrico que permitia representar com rigor o espaço e as formas tridimensionais numa superfície 2D;

Perspetiva linear (Brunelleschi);

Perspetiva aérea (Leonardo DaVinci) - as formas perdem nitidez à medida que se afastam do observador;

Enquadramento arquitetónico: Construção de cenários arquitetónicas em perspetiva;

Novos suportes de pintura: pintura em madeira e cavalete (telas);

-Técnicas:

Pintura a óleo: Técnica importada de Flandres (maior tempo de secagem);

Utilização do sfumato: esbatimento dos tons de modo a gerar uma transição suave luz-sombra;

Novos pigmentos aglutinantes: Enriquecimento da gradação de cor;

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e) Características da pintura renascentista

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e) Características da pintura renascentista

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-Características:

A pintura é equiparada a outras atividades da criação humana que decorrem de um exercício intelectual;

Referência a conceitos ancorados na Antiguidade Clássica, tais como equilíbrio, harmonia e proporção;

Composições seguindo um traçado racional e geométrico;

Interesse pelo naturalismo e pela representação perfeita do Homem, da Natureza e do espaço;

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c) A obra pictórica de Leonardo DaVinci 

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c) A obra pictórica de Leonardo DaVinci 

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-Leonardo DaVinci foi um dos artistas mais importantes da história, cujas obras representam o expoente da pintura renascentista. As suas obras destacam-se pela abordagem inovadora e pela procura em representar a dimensão psicológica das figuras;

-O artista superou as limitações da perspetiva linear, aplicando técnicas como o sfumato e a perspectiva aérea, que conferiam maior naturalismo às figuras e à natureza retratadas. A capacidade em captar gestos, expressões e emoções tornou as suas obras verdadeiras dramas psicológicos, influenciando gerações de artistas e estabelecendo um legado duradouro na história da arte.

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-A técnica da perspetiva linear revolucionou a pintura italiana do século XV e teve um impacto duradouro na história da arte. Essa inovação permitiu que artistas representassem o espaço de forma mais realista, convergindo tudo o que era representado num único ponto, incluindo o assunto, as figuras e o jogo de luz e cor. A perspetiva linear significou uma rutura com o sistema medieval de representação, caracterizado pela ausência de profundidade espacial, figuras estáticas e proporções simbólicas.

-Baseada em princípios geométricos e matemáticos e utilizando o Homem como unidade de medida, essa técnica alinhou-se com os valores do Racionalismo, Antropocentrismo e Humanismo do Renascimento, influenciando a arte ocidental até o século XX, quando foi desafiada pelas vanguardas;

-A perspetiva linear criou a ilusão da realidade na pintura, permitindo que os artistas explorassem a profundidade e a tridimensionalidade nas suas obras de maneira inovadora.

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a) A pintura renascentista como uma janela para o mundo

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a) A pintura renascentista como uma janela para o mundo

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-O artista renascentista foi reconhecido como um erudito, um humanista com conhecimento universal, que conduzia a pintura a um processo intelectual de experimentação e análise do mundo;

-A arte renascentista tinha como objetivo representar a realidade de forma perfeita, privilegiando o racional sobre o espiritual, e seguindo normas de proporção, harmonia, equilíbrio e uso do chiaroscuro para criar representações tridimensionais;

-Florença foi o epicentro desse movimento, que também expandiu-se para outras cidades italianas como Veneza, Pádua, Mântua e Milão.

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a) A pintura renascentista como uma janela para o mundo

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a) A pintura renascentista como uma janela para o mundo

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-A pintura renascentista foi caracterizada por uma abordagem científica à representação visual do mundo. Enquanto os pintores flamengos exploraram experimentalmente os efeitos da luz sobre os objetos, os pintores italianos construíram um espaço tridimensional para situar as figuras e objetos. Ambos os grupos compartilharam a ideia de que a pintura era uma "janela aberta para o mundo". Essa perspetiva linear desenvolvida por Brunelleschi teve um impacto na conceção e representação do espaço;

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c) As ações culturais e artísticas de Lourenço de Medici

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c) As ações culturais e artísticas de Lourenço de Medici

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Prosperidade econômica: Sob sua liderança, Florença alcançou um nível econômico superior a qualquer outra cidade europeia da época, impulsionando o comércio e a indústria.

Diplomacia e habilidade política: Governou com destreza política, mantendo a estabilidade e a influência de Florença no panorama internacional.

Reuniões intelectuais e culturais: Organizou debates, saraus, festivais e teatros, atraindo notáveis humanistas e eruditos, como Marsílio Ficino e Pico della Mirandola, para seu palácio.

Colecionismo: Lourenço foi um exímio colecionador de livros, obras de arte e objetos antigos, enriquecendo o património cultural de Florença.

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b) As ações culturais e artísticas de Lourenço de Medici

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b) As ações culturais e artísticas de Lourenço de Medici

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-Lourenço de Médici, conhecido como Lourenço, o Magnífico, assumiu o governo de Florença em 1469 aos 20 anos. Durante os seus 23 anos de liderança, ele transformou Florença num centro cultural e econômico de destaque, marcando o auge do Renascimento na cidade;

-As suas ações incluíram:

Desenvolvimento da educação: Fundou escolas, tipografias e bibliotecas, contribuindo para a difusão do conhecimento.

Mecenato cultural: Lourenço patrocinou artistas e intelectuais, como Botticeli e Miguel Ângelo, tornando Florença o epicentro do Humanismo e do Renascimento;

Renovação urbana: Construiu palácios e jardins, embelezando a cidade e promovendo o crescimento arquitetónico.

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-O Renascimento em Itália está intimamente ligado à família Médici, uma das famílias mais influentes e respeitadas de toda a Itália. Eles governaram Florença por mais de três séculos, de 1434 a 1737. Os Médici eram descendentes de comerciantes e banqueiros, e a expansão das atividades para os negócios e finanças, tornou-os ricos e influentes.

-Os Médici tiveram um impacto significativo na política internacional. A riqueza, prestígio e poder político desempenharam um papel fundamental no florescimento do Renascimento na Itália, apoiando artistas e intelectuais e contribuindo para o desenvolvimento cultural e artístico da época.

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d) As normas da Contrarreforma com maior impacto na arte e na cultura

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d) As normas da Contrarreforma com maior impacto na arte e na cultura

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Reforço ao culto dos Santos e das imagens sagradas como veículo privilegiado de aproximação a Deus;

Estabelecimento de orientações para a edificação de Igrejas- modelo da igreja jesuíta;

Criação do Index, o índice de livros proibidos por divulgarem ideias contrárias à doutrina cristã;

Restabelecimento do Tribunal do Santo Ofício - a Inquisição - para julgar e condenar as práticas hereges;

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-A Reforma Protestante, amplamente aceita no mundo germânico e escandinavo, levou à libertação política, econômica e cultural dessas nações em relação a Roma. A Igreja Católica reagiu com a Contrarreforma, estabelecendo o Concílio de Trento, o Tribunal do Santo Ofício e o Index Librorum Prohibitorum. Esse período foi marcado por instabilidade, perseguições, conflitos e dificuldades.

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Só a fé conduz à salvação;

Rejeição de intermediários entre Deus e os crentes, negando a autoridade papal;

Instauração da Bíblia como única fonte de meditação entre Deus e os crentes;

Instituição do "livre exame", a interpretação da Bíblia segundo o livre pensamento de cada crente;

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-Na primeira metade do século XVI, a Europa testemunhou a desagregação política, o saque de Roma em 1527 e a divisão da Igreja Católica. Os países nórdicos criticaram o Papa pelo seu envolvimento político excessivo, privilégios e venda de indulgências para financiar a Basílica de São Pedro. Em 1517, Martinho Lutero iniciou o movimento de contestação ao Catolicismo com as "95 teses";

-Martinho Lutero, um monge alemão, desafiou a doutrina da Igreja Católica com suas 95 teses. Ele negou a necessidade de intermediários entre Deus e o crente, promovendo a Bíblia como única fonte de fé e o "livre exame" da Bíblia, permitindo a interpretação individual;

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a) A importância da imprensa para o desenvolvimento dos ideais humanistas 

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a) A importância da imprensa para o desenvolvimento dos ideais humanistas 

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-A imprensa desempenhou um papel fundamental no desenvolvimento e disseminação do Humanismo e dos seus ideais durante o renascimento. A invenção da prensa por parte de Johannes Gutenberg no séc. XV revolucionou a maneira como as informações eram produzidas, reproduzidas e compartilhadas. E foi através disso, que a Imprensa contribuiu para:

O registo de informações;

Os grandes progressos na vida cultural;

A generalização das correntes culturais (filosóficas, literárias e científicas);

O alargamento dos horizontes mentais do Homem;

A transmissão do saber de geração em geração;

Preservação da história e cultura das sociedades;

-E todos estes fatores levaram à produção em massa dos livros, à disseminação ampla das ideias humanistas, à preservação do conhecimento e estímulo de diálogo intelectual, especialmente, à expansão e à consolidação do Humanismo, moldando o pensamento e a cultura europeia durante o Renascimento.

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Os palácios eram o orgulho dos seus proprietários e também o símbolo da sua forma de vida;

Os divertimentos eram uma constante: banquetes, bailes e saraus;

A música, a poesia e o teatro sofreram um grande desenvolvimento. As bibliotecas e os museus privados generalizaram-se;

Os palácios tornaram-se centros de cultura onde se organizavam tertúlias intelectuais;

Cada um destes palácios funcionava como uma pequena corte. Na cidade de Florença existiam diversos destes palácios que contribuíram para o surgimento do Renascimento.

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-Os palácios estavam divididos pelos pisos, e esses mesmos pisos estavam organizados pela sua funcionalidade:

No rés-do-chão ficavam as áreas de serviço (despensas, cozinhas, escritórios);

No primeiro andar as dependências nobres e sociais (bibliotecas, salões);

No último andar as zonas privadas;

-O interior estava organizado a partir do pátio central que era ladeado por um conjunto de arcadas (loggia).

Estas loggias eram feitas de arcos de volta perfeita e estavam decoradas com mármores, cerâmica, medalhões e estatuária;

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Fachada do palácio de Rucellai, Florença, 1446

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b) Características do palácio renascentista

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b) Características do palácio renascentista

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-Características:

As torres de vigia e os terraços com ameias utilizados nos castelos desaparecem;

Os palácios estavam divididos em 3 andares diferenciados por entablamentos;

Eram feitos de pedra aparelhada e por fora denotam um aspeto pesado, fechado e maciço;

As janelas eram alinhadas e ladeadas por pilastras cujos capitéis apresentam as tradicionais ordens clássicas;

Geralmente as janelas eram encimadas por pequenos frontões triangulares ou semicirculares;

O rés-do-chão tem poucas janelas, colocadas a grande altura;

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a) A Ascensão dos Palácios no Renascimento Urbano

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a) A Ascensão dos Palácios no Renascimento Urbano

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-No decorrer da história, a vida social e política encontrava-se predominantemente concentrada em mosteiros e castelos durante a Idade Média. No entanto, a partir do século XII, um notável renascimento da vida urbana e o crescimento das cidades começaram a introduzir mudanças significativas nas dinâmicas sociais, econômicas e culturais. Essas transformações tiveram um impacto profundo nas classes mais abastadas, que passaram a procurar novos espaços que refletissem as suas aspirações por funcionalidade, conforto e luxo, bem como expressassem o seu prestígio e poder;

-O resultado foi a construção de magníficos palácios que se tornaram símbolos do modo de vida burguês e aristocrático (nobres, eclesiásticos e burgueses), marcados por comodidade, requinte e um enfoque nos prazeres mundanos. Esses palácios eram residências, mas também centros culturais e artísticos, onde se realizavam festas, debates intelectuais e coleções de arte, desempenhando um papel vital na afirmação do Renascimento.

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-A presença muçulmana na Península Ibérica ao longo de vários séculos deixou fortes marcas culturais e artísticas. A arte almorávida caracterizou-se por uma arquitetura sóbria e austera, enquanto a dos Almóadas exibiu simplicidade, ordem e racionalismo, com destaque para revestimentos cerâmicos geométricos e vegetais em pátios e espaços interiores.

-A arte nasrida, particularmente na Alhambra, representou o ápice da arte cortesã muçulmana, com salas que se articulavam em torno de pátios decorativos com lagos, repuxos, pórticos e antecâmaras, criando uma perfeita simbiose entre espaços, formas, luz e água.

-Durante esse período, conhecido como Gótico, desenvolveu-se a arte mudéjar, produzida por muçulmanos que permaneceram em território cristão após a Reconquista. O estilo mudéjar incorporou influências, elementos, técnicas e materiais hispano-muçulmanos e foi um fenômeno exclusivamente ibérico, com características particulares em cada região, como Leão e Castela, Toledo, Aragão e Andaluzia.

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-No século XI, o Império Muçulmano enfrentou crises internas e lutas pelo poder que levaram à sua decadência e à desagregação política das dinastias dos Omíadas (661-750) e dos Abássidas (750-1258). Isso resultou no surgimento de várias dinastias de califas dispersas por diferentes regiões e na formação dos reinos taifas no Al-Andaluz (Península Ibérica). Durante esse período de crise política, os principados muçulmanos receberam auxílio das dinastias berberes do Norte da África para conter a investida cristã na Reconquista;
-Os Almorávidas (1055-1147) e os Almóadas (1147-1229) assumiram o controle do Al-Andaluz por um tempo, mas em 1238, a dinastia nasrida estabeleceu o Reino de Granada, que se tornou o último reduto islâmico na Península Ibérica até ser conquistado pelos Reis Católicos em 1492.

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-Técnicas desenvolvidas:

A pintura a óleo em tela e painéis de madeira;

A pintura de retábulos para os altares;

O vitral, preenchendo janelões verticais e rosáceas;

Pintura de frescos, sobretudo em Itália;

A iluminura de manuscritos, que recebe um novo impulso das cortes interessadas em livros manuscritos com temas profanos;

-Temas:

Temas religiosos da vida de Cristo e da Virgem Maria;

Temas do quotidiano, interiores de palácios;

Paisagens urbanas e naturais;

Retratos;

-Características do vitral:

Imagens evangélicas com uma função pedagógica;

Composições subordinadas ao conceito de "Deus é luz", como forma de exaltação mística;

Desenho linear explorando o efeito dos vidros multicoloridos atravessados pela luz;

temáticas religiosas do Antigo e Novo Testamento, da vida da Virgem Maria e dos Santos;

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-Nas primeiras décadas do séc. XV, a sociedade flamenga vivia um clima de estabilidade e prosperidade económica, da qual emergia a burguesa tão desejosa de ver refletido nas pinturas o mundo faustoso e requintado em que vivia quanto de ver retratado o seu próprio rosto.

-De certa forma, os pintores flamengos souberam responder com eficácia às solicitações das cortes e das famílias burguesas, criando uma linguagem plástica capaz de representar a realidade com tanta fidelidade que os seus quadros pareciam espelhos, sendo assim a pintura flamenga caracterizou-se:

Aproximação ao real;

Aperfeiçoamento da técnica de pintura a óleo;

Tratamento perspético do espaço;

Naturalismo na representação das figuras, dos objetos e da natureza;

Modeladas suaves nas transições do claro-escuro;

Retrato psicológico das figuras;

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a) A pintura italiana dos Trezentos e a influência de Giotto na sua inovação

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a) A pintura italiana dos Trezentos e a influência de Giotto na sua inovação

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-A pintura em Itália (trezentos) foi marcada por importantes inovações, sendo Giotto di Bondone um dos principais precursores do Renascimento e a sua obra teve um impacto significativo no desenvolvimento da arte;
-Giotto revolucionou a pintura com a sua abordagem realista e naturalista. As suas representações da figura humana expressavam emoções autênticas, e as suas composições eram coerentes. E através destas inovações a pintura em Itália caracterizou-se por:

Aproximação a uma visão mais racional na representação dos assuntos;

Representação mais realista dos espaços arquitetónicos;

Aplicação de perspetiva nos espaços arquitetónicos (1º tentativa do seu uso);

Valorização das cores;

Humanização das figuras;

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-Características (geral):

Monumentalidade das obras;

Desenvolvimento de novas capacidades plásticas das formas, como, por exemplo, na representação realista dos panejamentos;

Aproximação ao mundo físico;

Representação naturalista da autonomia do corpo;

Tendência para a escultura de vulto redondo;

Captação das emoções evidenciadas nos rostos;

-Características da escultura tumular:

Representação do corpo do defunto deitado e em oração;

Estátuas jacentes com o retrato de figuras reais, nobres ou do clero;

Naturalismo na representação do corpo e da expressão facial;

Baixos-relevos narrativos nas arcas funerárias com temas religiosos ou da vida do defunto.

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-Temas:

Temas do novo Testamento;

Cristo em Majestade;

Temas "marianos": cena da vida da Virgem Maria;

Decoração de inspiração vegetalista ou geométrica;

-Géneros:

Estátuas-coluna;

Estátuas de vulto redondo;

Baixos-relevos nos tímpanos dos portais;

Estátuas jacentes;

Arcas tumulares ou funerárias;

Decoração esculpida nos elementos arquitetónicos;

-Aspetos inovadores:

Progressiva autonomia em relação à arquitetura;

Humanização das figuras sagradas através da serenidade e graciosidade das suas expressões;

Maior naturalismo nos gestos, nos movimentos e nas expressões, como forma de transmitir a perfeição espiritual;

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a) A crescente autonomia da escultura Gótica

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a) A crescente autonomia da escultura Gótica

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-A escultura gótica, desenvolvida nos séculos XII e XIV, diferenciou-se do período românico por ampliar o seu espaço temático, utilizar uma maior variedade de suportes e ter uma receção mais aberta dos encomendadores;

-Ao contrário do período românico, a escultura gótica estabeleceu uma crescente autonomia em relação à arquitetura. Enquanto no românico a escultura estava integrada nas estruturas, no gótico, ela torna-se mais independente adquirindo um espaço próprio e isso permitiu o desenvolvimento de novas capacidades expressivas e um estilo mais naturalista na representação de rostos, corpos humanos e elementos da Natureza;

-A escultura gótica também demonstrou uma tendência de humanização do céu, que se manifestou em várias formas. Uma delas foi a representação mais naturalista das figuras, como forma de transmitir a perfeição espiritual;

-A escultura também introduziu mudanças nos portais das igrejas, substituindo as ombreiras por estátuas-coluna em vulto redondo de grandes dimensões. Aproximando as figuras esculpidas ao mundo físico.

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Desenvolvimento da tipologia de "igreja-salão" sugerindo uma unificação espacial no interior;

Cobertura das três naves à mesma altura, em abóbada única rebaixada;

Criação da "abóbada de combados", caracterizada por uma complexa rede de nervuras;

Utilização do arco trilobado ou polilobado;

Ornamentação exuberante com:

Motivos naturalistas: plantas, folhas e troncos, animais, corais e conchas;

Náutica: cordas e redes;

Símbolos nacionais: Cruz da Ordem de Cristo, Escudo real, esfera armilar;

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Influência da escola flamenga;

Incremento significativo de atividade pictórica;

Uso predominante da pintura sobre madeira em polípticos;

Preferência por pinturas destinadas a altares, retábulos e decoração de paredes;

Presença de artistas portugueses no exterior, que trouxeram novas técnicas e formas plásticas;

Dificuldades técnicas - erros de representação, figuras esquematizadas, cores duras;

Composições ingénuas;

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Apostolado do portal ocidental, Catedral de Évora 

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Continuação do programa plástico e funcional da escultura românica;

Desenvolvimento da escultura tumular como principal programa escultórico nos séc. XIV e XV;

Individualização e distinção hierárquica dos sepultados refletidas nas sepulturas de bispos, reis e nobre no interior das Igrejas;

Elevado nível técnico e plástico das obras;

Naturalismo acentuado na representação do corpo;

Expressividade no tratamento do rosto e das vestes;

Decoração esculpida de suporte arquitetónica;

Ênfase na escultura tumular, como arcos tumulares e estátuas jacentes;

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-O aparecimento do Gótico foi condicionado pela escassez de materiais e influência das ordens monásticas. Esta nova arte foi introduzida em território nacional durante o séc. XIII até ao séc. XVI dominando, principalmente, a zona Sul do país (zonas rurais). A arquitetura gótica apresentava as seguintes características:

Carácter simples e austero;

Estruturas simples;

Dimensões modestas;

Janelas reduzidas em número e em tamanho;

Decoração pouco exuberante;

Contrafortes comuns

Planta basilical em cruz latina;

Transepto saliente;

Divisão do corpo em três naves;

Abóbadas ogivais com nervuras;

Exteriores compactos e fechados;

Austeridade na decoração exterior;

-Monumentos:

Mosteiro de Alcobaça;

Sé de Lisboa;

Mosteiro da Batalha;

Restauro da Sé da Guarda;

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g) Caso Prático - Catedral de Notre-Dame de Amiens (1220-1280)

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g) Caso Prático - Catedral de Notre-Dame de Amiens (1220-1280)

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-Características:

Cobertura recurvada de abóbada de cruzaria de ogivas;

Estruturas suportadas por pilares fasciculados;

As paredes ornamentadas com vitrais;

Estruturas reforçadas por arcobotantes e contrafortes;

Espacialidade interior mais vasta: alargamento das janelas altas;

Os pilares e as membranas finas de pedra das paredes acentuam a sua elegância e destreza técnica;

-Planta:

Planta de cruz latina (cruzeiro e transepto deslocados para o meio do edifício);

Transepto menos saliente e com dois portais (presença de grupos escultórios);

Cabeceira ganha maior expansão, prolongando até ao transepto, integrando o coro, altar-mor e deambulatório com capelas radiantes (absídolos);

-Fachada:

2 torres sineiras encimadas por pináculos e coruchéus;

Gárgulas (estruturas de escoamento de água);

Rosácea com vitrais;

Galeria dos Reis (fila de esculturas gótica);

Conjunto de janelas (Loggia);

Três portais ladeados por arquivoltas encimadas por gabletes, com uma profusa decoração esculpida e significativos grupos escultórios, como estátuas-colunas;

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g) Caso Prático - Catedral de Notre-Dame de Amiens (1220-1280)

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g) Caso Prático - Catedral de Notre-Dame de Amiens (1220-1280)

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-A catedral de Notre-Dame de Amiens projetada pelo arquiteto/mestre de obras Robert de Luzarches, representa o apogeu do chamado Gótico Clássico;
-Situada no centro urbano de Amiens, a sua construção teve um grande impacto na cidade, impulsionou a vida urbana e motivou o aparecimento de oficinas de artesãos e lojas de comerciantes (concentração da economia);
-Na catedral observa-se o sistema de "construção esquelético" que afirma todo o seu esplendor técnico e estético, atingindo o limite da ousadia estrutural e arquitetónica dos construtores góticos;

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Basílica de Notre-Dame de L'Épine, França

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f) Evolução do Gótico - Gótico flamejante

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f) Evolução do Gótico - Gótico flamejante

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-Características:

Intensa decoração de motivos ondulantes, de curvas e contracurvas;

Exuberante profusão ornamental;

Decoração sobrepõe-se à estrutura;

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-Corresponde a um período de plena afirmação do Gótico na Europa. Os novos empreendimentos, além de serem enriquecidos com variantes locais, visam atingir uma maior unidade e simplicidade espacial ao mesmo tempo que a decoração adquire maior complexidade.
-Características:

Janelas altas, cada vez maiores, enchem-se de vitrais com motivos elaborados que competem com as grandes rosáceas.

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-Consiste no amadurecimento do sistema estrutural gótico, com algumas inovações que constituíram modelos para a expansão do estilo.
-Características:

Sistema estrutural de cruzaria de ogivas;

Composição enriquecida com três portais profundos, arcadas e naves altas;

Integração de arcobotantes duplos que permitem maior verticalidade nos janelões.

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d) Evolução do Gótico - Gótico primitivo

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d) Evolução do Gótico - Gótico primitivo

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-Características:

Introdução do sistema estrutural gótico;

A definição de quatro níveis com grandes arcadas;

O coroamento com janelas altas;

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a) A catedral como expoente da arquitetura gótica

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a) A catedral como expoente da arquitetura gótica

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A catedral gótica é uma expressão de arte urbana por excelência;

É um produto do ressurgimento das cidades e do desenvolvimento económico nos séc. XII-XIII;

A construção da catedral envolvia toda a comunidade, o clero, a nobreza, a burguesia e o povo - símbolo de união e coesão social entre as diferentes classes;

A catedral é o símbolo do poder espiritual do bispo e símbolo temporal do burguês;

A constituição da catedral constituía motivo de orgulho, motivando a competição em relação à sua elevação, grandeza como forma de prestígio da cidade;

A catedral concretiza a ousadia e a capacidade empreendedora do Homem medieval;

A criação de vitrais tornou-se possível graças às soluções técnicas e construtivas do gótico (criação da catedral). A arte do vitral contribuiu para o programa estético do abade Suger inscrito na sua expressão "Deus é luz".

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Arco ogival;

Abóbada de cruzaria de ogivas;

Arco botantes;

Contrafortes;

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-Características:

Acentuação da verticalidade;

Elevação das arcadas e das naves;

Transepto mais largo e menos salientes do que nas igrejas românicas, ligando-se à cabeceira;

Cabeceira ocupando uma área maior, integrando o coro e o altar-mor;

Interiores banhados pela luz, que entra através de grandes janelões e rosáceas;

Portais profundos rematados por gabletes;

Fachadas com grandes grupos escultórios, estátuas de grandes dimensões;

Profusão decorativa em todos os elementos arquitetónicos;

Elementos decorativos: Rosáceas, gabletes, pináculos, gárgulas, coruchéus, zimbórios e florões;

# data[].attributes.headline
f) Caso Prático - O Triunfo da Morte (c.1562-1564)

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f) Caso Prático - O Triunfo da Morte (c.1562-1564)

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-A obra retrata de forma realista um cenário de terror, desespero e morte, com corpos espalhados e torturados, cabeças decapitadas e campos incendiados, acabando por refletir a realidade da época durante a Peste Negra, em que a morte era uma presença constante na vida das pessoas;

-No meio da composição, a morte cavalga à frente do seu

exército de esqueletos, ceifando indiscriminadamente os

seres humanos e empurrando-os para o Inferno. A obra mostra que a morte afeta toda a população independentemente da sua classe social.

-Sendo assim, a obra é uma representação vivida da sociedade durante a Peste Negra.

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-Durante o período da Peste Negra, a arte passou por uma transformação significativa. Os artistas começaram a retratar a morte e destruição nas suas obras, muitas vezes através de imagens sombrias para representar a epidemia e a morte. Alguns exemplos apresentam-nos danças sinistras, que representavam a morte a conduzir as pessoas para os seus destinos finais, refletindo a fragilidade da vida.

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e) Caso Prático - O Triunfo da Morte (c.1562-1564)

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e) Caso Prático - O Triunfo da Morte (c.1562-1564)

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-O Triunfo da Morte (c. 1562-1564) constitui uma profunda
reflexão sobre a vulnerabilidade da condição humana e
sobre o sentido trágico da sua existência.
Para a sua execução, Bruegel terá recorrido a várias fontes:

O livro bíblico do Apocalipse;

O tema de A Dança da Morte muito presente em gravuras de artistas nórdicos;

O fresco com o mesmo tema, de meados do século XV, que o artista viu no Palácio Sclafani, em Palermo;

A iconografia demoníaca, macabra e fantasista do pintor holandês Hieronymus Bosch.

-O Triunfo da Morte evidencia a importância que o culto da morte continuou a ter após o fim da Idade Média, deixando perceber as marcas que o flagelo da Peste Negra deixou na sociedade, muito para além do século XIV.

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-Foram tempos de terror, de medo, de ameaças e de punições que despertaram o misticismo e o fervor religioso, com as seguintes consequências:

Impulsionaram os donativos à Igreja, como forma de "salvar a alma", para criação de hospitais e hospedarias;

Fizeram ressurgir as peregrinações aos locais das relíquias;

Conduziram a manifestações de profunda devoção religiosa, tais como as «procissões de flagelação coletiva» de penitentes, como meio de «expiar os pecados»;

-Os médicos acreditavam que a proteção de uma capa, luvas, botas e uma máscara semelhante à cabeça de uma ave os protegia da contaminação e lhes conferia imunidade.

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-Além da enorme vaga de mortalidade que a doença espalhou, as consequências a nível económico, social e cultural foram significativas:

Migração das populações para os campos;

Declínio das atividades económicas e comerciais (falta da mão-de-obra);

Fome e escassez;

Comportamentos exacerbados de fanatismo religioso;

Perseguições e massacres a comunidades minoritárias, tais como os judeus, considerados suspeitos de propagarem o vírus;

Representação da morte, na pintura e na escultura, como ameaça em relação à fragilidade da vida;

-A perseguição fanática aos judeus e o extermínio das suas comunidades levou à emigração em massa desta comunidade para a Polónia e para a Rússia, onde passaram a desenvolver as suas atividades e a instalar os seus negócios.

-Também os leprosos foram acusados de disseminar

a doença, sendo perseguidos e incinerados em piras
coletivas.

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-A Peste Negra foi a mais terrível e trágica pandemia que arrasou a Europa, causando cerca de 75 milhões de pessoas, ou seja, 1/3 de toda a população europeia na época;

-A doença teve origem na picada de uma pulga de um rato-preto originário da Ásia. E a picada era de tal modo fatal que, em pouco menos de três dias, a pessoa infetada morria;

-Admite-se que a contaminação terá se desencadeado na Crimeia (Ucrânia), e que se terá propagado através de barcos genoveses que entraram nos portos de Messina, Veneza, Génova e Marselha;

-A Peste surgiu em 1347 durante o cerco dos Tártaros (um povo mongol) a Caffa (uma colónia de Génova, na Crimeia) e, em poucos anos, alastrou-se por toda a Europa;

-A partir de 1348, a praga atravessou a Europa pelas vias comerciais, chegando até à Escandinávia e às regiões do Báltico.

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-Os letrados desempenharam um papel essencial ao longo da história, atuando como guardiões e transmissores do conhecimento. A sua educação sólida e habilidades de escrita deram-lhes a capacidade de produzir e preservar obras literárias, aconselhar líderes políticos, intermediar entre culturas, registar a história e promover a ética moral;

-Além disso, muitos letrados eram educadores, contribuindo para a disseminação do conhecimento e cultura das sociedades.

-Independentemente do contexto histórico, os letrados representaram a elite intelectual que desempenhou um papel fundamental na promoção da educação, do pensamento crítico e da preservação do património cultural.

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-A maior obra de Dante foi A Divina Comédia na qual exprimiu o experimentalismo, a fantasia, a clareza e o rigor estrutural da sua poesia;

-A obra tem como tema o trajeto da própria alma pelo Inferno, pelo Purgatório e pelo Paraíso à procura da redenção. Trata-se de um poema de cariz épico e teológico, no qual Dante estabelece uma síntese de pensamento medieval e do saber acumulado pelo Homem desde a Antiguidade Clássica até à Idade Média;

-Características:

Crítica social, religiosa e política;

Linguagem vulgar, italiano percursor;

Caráter descritivo do detalhe;

Dimensão fantástica de algumas cenas.

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-Após a morte de Beatriz, Dante dedicou-se ao estudo da filosofia e da literatura latina, e envolveu-se ativamente na política da cidade de Florença;

-Foi membro dos «Guelfos Brancos», pertenceu ao governo da cidade (a Comuna), em 1300, e foi embaixador de Florença na cidade de San Gimignano.

-Porém, o seu envolvimento na política trouxe lhe problemas. Em 1302, a vitória do partido dos «Guelfos Negros» (seu adversário) obrigou-o a exilar-se e a vaguear por cidades como Verona, Pádua e Pisa. Acabou por fixar-se em Ravena, onde veio a falecer em 1321, no ano em que concluiu a sua obra-prima - A Divina Comédia.

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-Dante Alighieri é considerado um dos maiores poetas de todos os tempos. Dante nasceu em Florença, filho de uma família burguesa, e recebeu uma educação erudita assente em autores clássicos, tais como, Horácio, Cícero, Ovídio, Séneca e Virgílio;

-Durante a sua vida conviveu com os homens mais cultos da cidade: poetas, filósofos, músicos e pintores;

-Aos 18 anos apaixonou-se por Beatriz Portinari que, apesar da morte prematura aos 24 anos, manteve-se como uma paixão eterna, idílica e platónica, inspiradora de toda a sua obra;

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k) Características arquitetónicas e a sua funcionalidade

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k) Características arquitetónicas e a sua funcionalidade

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Construção de um edifício, de acordo com a tipologia de anfiteatro, associado à cultura do ócio, que permitia a realização de grandes espetáculos para um público numeroso;

Construção de um edifício monumental em quatro níveis, assente em princípios pragmáticos que facilitam o acesso e a circulação dos espectadores;

Construção de um edifício de planta elíptica, que permitia uma boa visibilidade sobre a arena destinada à realização dos espetáculos;

Utilização de diversos materiais na construção, como o opus caementicium, que, pela sua maleabilidade e resistência, garantia a robustez e a elevação do edifício;

Construção, sob a arena, de uma rede subterrânea de corredores e de espaços, onde se abrigavam os participantes, os gladiadores e os diversos animais utilizados nos «Jogos de Circo»

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c) Caso Prático - O casamento de Frederico III com D. Leonor de Portugal (13 a 24 de outubro de 1451)

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c) Caso Prático - O casamento de Frederico III com D. Leonor de Portugal (13 a 24 de outubro de 1451)

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-O casamento do Imperador Frederico III com D. Leonor de Portugal foi um acontecimento de grande importância, especialmente, para D. Afonso V, não só pelas alianças políticas, como também para a afirmação do poder e prestígio do próprio rei;

-Durante quase 2 semanas na corte, nas ruas e nas praças de Lisboa decorrem:

Banquetes e danças;

Cortejos e procissões;

Justas e duelos;

Jogos e torneios;

Touradas e caçadas;

Festas e folguedos;

Desfiles, teatro e poesia;

Cerimónias religiosas;

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-As artes cortesãs desenvolvem-se a partir das atividades culturais que têm lugar na corte.

O romance – narrativas literárias, a partir de episódios históricos ou imaginários e fantasiados;

A poesia – resulta no surgimento das «cantigas de amigo», «cantigas de amor» e «cantigas de escárnio e maldizer».

A música – evolução para a música polifónica, com várias vozes e instrumentos, e ritmos dirigidos à dança;

A dança – acompanhando a evolução da música, surgem temas dirigidos à dança de grupo quer na corte, quer nas festas populares nas praças;

O teatro – o teatro medieval desenvolve o «teatro de mistérios» (dramas litúrgicos representados ao vivo), e
o «teatro profano» baseado em peças humorísticas de
sentido crítico e satírico.

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-A vida nas cortes:

Preparação para a guerra, a defesa do burgo e do castelo;

Treino da arte de cavalgar e da luta com armas;

Participar em caçadas, torneios e justas;

Cultivar os prazeres mundanos – banquetes e saraus de música, poesia e dança;

Animação de trovadores, jograis e menestréis.

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a) Importância das catedrais no âmbito do surto urbano

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a) Importância das catedrais no âmbito do surto urbano

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-A catedral é o símbolo do poder da cidade, o centro do poder espiritual e temporal dos bispos;
-Os bispos administravam a diocese, enquanto os burgueses financiavam a construção das catedrais. Para os que as conceberam e construíram, as catedrais góticas eram símbolos direcionados ao divino, representando a suprema conexão com o transcendente.

-A fachada, com suas torres e a "porta do céu" (portal ocidental), expressava movimento ascensional e simbolizava tanto Cristo e Maria quanto a autoridade temporal e espiritual. A nave central levava à abside e ao altar, centro de culto supremo. A arquitetura vertical e os detalhes, como colunas, ogivas e vitrais, contribuíam para criar um ambiente místico e transcendente.

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a) Importância das catedrais no âmbito do surto urbano

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a) Importância das catedrais no âmbito do surto urbano

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-As grandes catedrais, eram as representações simbólicas da civilização medieval e das crenças das pessoas que as construíram. As catedrais eram muito mais do que simples edifícios religiosos; eram expressões da vida comunitária regional e do poder tanto espiritual quanto temporal. Através das formas e detalhes presentes na sua estrutura, a catedral, refletia a união de nobres, burgueses, comerciantes, artesãos e camponeses;

-As catedrais eram resultado do esforço das populações e representavam o orgulho das suas cidades, além de afirmarem o poder da comunidade e a capacidade empreendedora da sociedade medieval;

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b) Caso Prático - Alegoria do Bom Governo 

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b) Caso Prático - Alegoria do Bom Governo 

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-Num conjunto de frescos no Palazzo Communale, em Siena, na sua obra, Lorenzetti representa, alegoricamente, os efeitos de um bom e de um mau governo do conselho, de modo a inspirar os seus membros nas suas decisões em prol da cidade e dos cidadãos.

-A obra divide-se em 3 partes:

Alegoria do Bom Governo (Centro) - Representa e transmite a imagem de uma cidade em paz, em harmonia e em prosperidade, em que os seus cidadãos estão protegidos dos criminosos, detidos pelo exército;

Alegoria do Mau Governo e os seus efeitos na cidade (Esquerda) - Representa os efeitos do Mau Governo, através do cenário de uma cidade decadente, estéril e em ruínas. A cidade é dominada por figuras diabólicas das quais se distingue o Tirano, com um aspeto demoníaco;

Efeitos do Bom Governo na cidade e campo (Direita): Apresenta-nos uma cidade ativa, próspera e humanizada, na qual vemos lojas e oficinas em plena atividade e uma escola com o mestre e os seus alunos. Decorrem obras de construção civil e, em primeiro plano, um grupo de mulheres dançam e cantam, elegantemente vestidas;

-A obra apresenta-nos pinturas a fresco. Representando com grande realismo o cenário arquitetónico e as figuras, refletindo o ambiente erudito que já se vivia nos círculos cultos das cortes burguesas italianas, com os quais Lorenzetti mantinha contacto.

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-Depois do ressurgimento das cidades, a primeira necessidade a assegurar era as defesas das mesmas, construindo envolta poderosas muralhas, para defesa do "casco urbano";
-A planta era ortogonal e radical com ruas sinuosas dispondo-se em torno da praça e outros decidiram seguir propósitos militares e comerciais, obedecendo a traçados regulares e ordenados. Mas a maioria das cidades formou-se espontaneamente (numa malha orgânica) em volta dos edifícios mais relevantes:

A praça (mercado, lojas e oficinas);

A câmara municipal;

A catedral;

-Apresentando assim, uma grande vitalidade e dinamismo:

Económico (comércio, indústria artesanal);

Política;

Financeiro (Bancos);

Lúdico (cerimónias laicas-saraus, torneios, justas e cortejos);

Religioso (procissões).

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Pátio (Sahn) - Contém a fonte das abluções;

Minarete (alminar) - Torre alta a partir do qual os fiéis são convocados para as orações;

Sala das orações (haram);

Quibla - Parede orientada para Meca;

Mirabe - Nicho vazio representando o espírito do profeta, onde se coloca o imã para dirigir as orações;

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Utilização do arco em ferradura;

Coberturas em abóbadas e cúpulas;

Predomínio da decoração de interiores, revestimentos de paredes e tetos, estuques pintados;

Capitéis ornamentados e tapeçarias nos pavimentos;

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Arte anicónica: rejeição da representação da figura humana e animal;

Dissolução de distinção entre gêneros artísticos;

Desenvolvimento das artes decorativos e ornamentais - cerâmica, azulejaria, tapeçaria e mobiliário;

Linguagem abstrata baseada em formas planas geométricas e em elementos vegetalistas;

Linhas entrelaçadas, rendilhadas e formas planas sobrepostas muito complexas e imaginativas;

Grande riqueza pictórica, cromática e plástica;

Recurso à palavra, à caligrafia e ao arabesco integradas no sistema decorativo;

A palavra assume um valor idêntico ao que tinham as imagens no sistema artístico ocidental;