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You (2007) di Urs Fischer ha portato la trasformazione attraverso la distruzione in uno spazio espositivo precedentemente standard di New York City. Fischer strappò il pavimento di cemento della galleria e riempì il vuoto con una fossa di terra, creando un cratere di 30 piedi per 38 piedi che misurava otto piedi di profondità all'interno della galleria dalle pareti bianche precedentemente incontaminata. La creazione di questo paesaggio estraneo, ma allo stesso tempo immensamente naturale, ha fornito un ambiente sorprendentemente inaspettato in questo contesto; un immediato senso di pericolo unito alla consapevolezza che dove una volta c'era un pavimento, ora c'è il vuoto. Stando ai margini dell’opera, lo spettatore è appollaiato sopra di essa e può ammirare la vista che feticizza e allo stesso tempo rifiuta lo spazio tradizionale della galleria attraverso la sua demolizione.

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Incentrato sul riconoscimento e sul ricordo delle morti violente, il lavoro di Salcedo ha evidenziato questo tema attraverso il suo lavoro sulle vittime della guerra civile in Colombia e sulle vittime della violenza armata a Chicago. Le sue opere poetiche sono spesso di dimensioni monumentali, costringendo il suo pubblico – che spesso è composto da passanti inconsapevoli – a ricordare questi atti violenti e a impegnarsi nell’atto del lutto.

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Le sue installazioni potrebbero essere pensate come allegorie storiche che mostrano gli orrori fisici e sessuali della schiavitù e della persecuzione razziale, letteralmente inghiottendo il pubblico nella narrazione mentre si svolgono sulle pareti della stanza in cui si trovano. L’uso della silhouette da parte di Walker fornisce informazioni sufficienti sulle sue storie, pur essendo sufficientemente vago per l’interpretazione, una forma riduttiva che ricorda gli stereotipi sui neri americani che cerca di svelare.

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Lawrence supera in modo intelligente il concetto tradizionale dell’arte e si ingegna abilmente anche in qualità di scenografo nel mondo della danza e del teatro.  Stimolante l’uso sapiente che fa delle tecnica e ciò che la vita moderna offre, ancor più perchè elevata  a forma comunicativa ed artistica. Interessante anche la scelta divulgativa, fatta non casualmente, che include incursioni nel fashion, mantenendo comunque integro il proprio stilema e libertà espressiva. La plastica dunque, materiale tanto demonizzato, che oggi ci sommerge e ci affligge, diventa in arte essenza positiva, trasparente, magnifico mezzo di comunicazione visiva.

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Yard era una manifestazione dell’approccio di Kaprow al suo lavoro che mirava più alla realtà e alla vita ordinaria che a qualsiasi altra cosa. Kaprow lo spiega meglio dicendo: “La vita è molto più interessante dell’arte. Il confine tra arte e vita dovrebbe essere mantenuto il più fluido e forse indistinto possibile”.

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Stellar Axis è stato il primo omaggio artistico creato per il paesaggio dell'Antartide. L'artista Lita Albuquerque, insieme a un team di esperti e ricercatori, ha intrapreso una spedizione in Antartide esclusivamente per creare questa land art. Il progetto è stato parzialmente finanziato dalla National Science Foundation e ha richiesto anni di coordinamento e pianificazione. Le 99 sfere blu che compongono l'Asse Stellare sono correlate ciascuna a una stella nel cielo sopra. Il pezzo era inteso come un promemoria cosmico del passato e del futuro mentre la terra continua a girare e le sfere non si allineano più con le stelle corrispondenti.

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Svayambh, 2007, dello scultore anglo-indiano Anish Kapoor, è allo stesso tempo ridicolo e sorprendente. Realizzato con 30 tonnellate di cera morbida e pigmento, un treno lento si muove avanti e indietro su un binario appositamente progettato tra gli archi immacolati del museo (ne ha realizzate diverse versioni per diverse istituzioni) lasciando sulla sua scia una scia incredibilmente disordinata di appiccicoso, materia appiccicosa. Il “treno” dell’installazione artistica di Kapoor è un colossale lungo 10 metri e accende i nostri sensi su numerosi livelli, attraverso la consistenza, la superficie, l’odore e il colore; la caratteristica sfumatura di rosso primitivo vista in questa e in molte altre sue opere sembra legata ai nostri istinti umani più basilari e fondamentali.

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L’installazione consiste in 10.000 dischetti di ferro, lavorati, uno per uno, in modo da assomigliare a volti terrorizzati, distribuiti sul pavimento. L’effetto è oggettivamente angosciante.Il visitatore è invitato a camminarvi sopra. I passi, resi incerti dalla superficie disomogenea, provocano un rumore metallico disturbante, simile a quello di catene, amplificato dall’eco dell’ambiente vuoto.Ogni volto, che simboleggia quello di ognuno dei sei milioni di ebrei trucidati, morti nel silenzio dei campi di concentramento, diventa in tal modo parlante, anzi urlante.

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Sospese, crollate, impilate, avvolte o piegate, le opere di Phyllida Barlow nascono da un'interrogazione su alcuni degli aspetti più fondamentali della scultura: i suoi attributi fisici e la sua presenza nello spazio. Descritta da Barlow come "uno strano mezzo che occupa spazio", la scultura, ha spiegato, "porta cose nel mondo", aggiungendo: "c'è già troppa roba nel mondo". Quindi è un po’ assurdo, e la sua assurdità è ciò che trovo affascinante.’1

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Queste fotografie sono state scattate da una prospettiva a volo d'uccello e mostravano il minuscolo spazio suddiviso, che "ti costringe a fare tutto sopra o intorno al letto: dormire, lavare le verdure, consumare i pasti, scrivere lettere e guardare la TV", ha spiegato Benny. "Per alcune persone, è anche il luogo in cui i bambini fanno i compiti e giocano. Vivere qui è come essere intrappolati in una gabbia. Il dilemma è ciò che conta. Se hai bisogno di riprendere fiato, resta in questa trappola e divertiti. "

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Daydream v.2 un'installazione audiovisiva creata per sconvolgere la mente e creare un breve distacco dal mondo reale. Da questa prigione di luci che si muovono lentamente e ritmi rilassanti è quasi impossibile uscire.

Esso quindi crea un vortice che immerge l’utente con tutti e 5 i sensi, creando una situazione suggestiva e ipnotica.

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Esplorando la soggettività dell'autopercezione, le opere di Rozin sono realizzate con un'ampia gamma di materiali, dai video ai pioli di legno e persino ai rifiuti stradali. Trash Mirror No. 3 (2011) utilizza motori e software progettati da artisti che manipolano "pixel" costituiti da pezzi di spazzatura appiattiti e riflettenti, che si muovono per riprodurre la sagoma di chiunque si avvicini ad esso.

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Nel 2005, i membri del gruppo artistico viennese Gelitin (tra cui M. Puletta, Corroni Fali, Razzoli Caputo e R. Calizone) finirono di erigere un enorme coniglio rosa impagliato con le viscere che fuoriuscivano, sul fianco della montagna.Il pezzo finale era lungo 60 m (200 piedi) e alto 6 m (20 piedi) sui lati. Il gruppo non si aspettava solo che le persone osservassero l'opera d'arte, ma anche che gli escursionisti la scalassero e si rilassassero sulla sua cima.L'opera, intitolata Hase (in tedesco "lepre"), spesso chiamata Pink Rabbit,è stata inaugurata per la prima volta nel 2005 e si prevedeva che durasse fino al 2025, sebbene si fosse quasi completamente decomposta entro il 2016.

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Economico
Geniale
Ecosostenibile
Impegnato
Fruibile

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Analogico
Materico
Coinvolgente
Denunciante
Controverso

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Surrealtà
Coinvolgimento
Suggestione
Stupore
Coinvolgimento

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Emozione
Empatia
Tecnologia
Umanità
Profondità

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L'artista di Sydney Michael Pederson crea installazioni in miniatura in tutta la città che desiderano essere scoperte. L’arte pubblica di Michael offre agli spettatori un pizzico di umorismo, affrontando allo stesso tempo narrazioni importanti come il degrado ambientale e le dinamiche sociali urbane.

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L'esperienza della luce monocromatica ci offre l'opportunità di immaginare un'altra prospettiva, di vedere il mondo con un apparato percettivo ricalibrato. Ci rende consapevoli dei limiti dei nostri sensi e ci aiuta a vedere la relatività della nostra percezione del colore. Comprendere come vediamo i colori può farci riconsiderare il modo in cui costituiamo il mondo. Riducendo l'esperienza al minimo, il monocromo ci permette di riflettere su ciò che accade quando percepiamo qualcosa, su come la percezione sia anche una sorta di creazione del mondo. Per un momento possiamo immaginare cosa significherebbe diventare daltonici o un'altra specie animale o, in modo ancora più radicale, un'altra.

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In quest'installazione site-specific multisensoriale i visitatori si muovono su passerelle di legno scuro, accompagnati da rumori ambientali, come insetti, traffico e altre persone, circondati dagli odori delle piante e dall'acqua.

Possono vedere il paesaggio circostante, un giardino accessibile al pubblico, mentre si muovono attraverso le sale espositive su diversi percorsi possibili.

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Nell’arte di Eliasson la natura viene trattata come un prodotto culturale. Non è però un controllo volto alla dominazione quello che mette in campo, quanto piuttosto un controllo mosso dal desidero di conoscenza approfondita di quei fenomeni tanto affascinanti quanto ancora sconosciuti. Dopo decenni di arte astratta, Eliasson recupera la figuratività e unisce la collettività partendo dall’origine naturale che accomuna ciascun individuo, utilizzando cioè elementi che tutti conosciamo: l’acqua dei fiumi, la terra, il muschio, la pioggia che genera l’arcobaleno, il sole. Proprio al sole è dedicata The Weather Project, forse l’opera più conosciuta di Olafur Eliasson.

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Bongani Njalo è un artista performativo che celebra la natura complicata della soggettività che non può essere repressa in un'unica categoria. La sua stranezza, abilità artistica e definizioni personali compongono un mosaico della sua idea di sé da percepire come un tutt'uno, non isolatamente. La sua eredità africana fiorisce attraverso le crepe della sua infanzia e sanguina nella sua vita adulta mentre apprezza la spiritualità africana e la saggezza che i suoi principi gli conferiscono.

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Questo lavoro cerca di esplorare le corrispondenze tra la ragnatela e la rete cosmica: disturbando e trasgredendo le nozioni di scala e speculando sui paralleli nell'organizzazione delle strutture organiche e inorganiche.

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Traendo forza visiva dalla polarizzazione tra le bolle sospese e la scura, distopica rete che le intrappola, l'installazione attenua la distinzione tra geometrico e biologico. Lo stesso schema si riproduce a ogni livello della struttura, dai micro ai macroelementi, costituendo quel che si potrebbe chiamare un ordinamento cosmico neoplatonico

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Peter Camani è un artista e scultore canadese che attualmente risiede vicino a Burk's Falls, Ontario. La sua proprietà, il Castello di Midlothian,[1] è noto per essere un vasto giardino di sculture, con innumerevoli statue, strutture, opere d'arte di assemblaggio e la casa simile a un castello di Camani. Il luogo è comunemente noto come Screaming Heads.

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Penique ha installato un gonfiabile nel chiostro adiacente all'ex convento di San José de Gracia. Risalente alla fine del XVII secolo, il chiostro fa ora parte del Museo de la Ciudad, Querétaro. Il cambiamento della luce durante il giorno ha trasformato ripetutamente il pezzo. Alla forte luce del sole, i pennacchi e la trabeazione del chiostro ritmico diventavano di un luminoso azzurro cielo, incorniciando i toni più scuri di ogni nicchia incassata. Questo sottile contrasto ha dato carattere al gonfiabile: un’installazione altrimenti monocromatica ha tratto vita e significato essenzialmente dai suoi limiti fisici.

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L'idea di utilizzare un robot è nata dal desiderio iniziale degli artisti di testare cosa potrebbe sostituire la volontà di un artista nel creare un'opera e come potrebbero farlo con una macchina. Hanno modificato un braccio robotico, spesso visto su linee di produzione come quelle automobilistiche, installando una pala progettata su misura nella parte anteriore. Lavorando con due ingegneri robotici, Sun Yuan e Peng Yu hanno progettato una serie di trentadue movimenti da far eseguire alla macchina. I nomi che danno a questi movimenti, come “scratch an itch”, “bow and shake” e “ass shake”, riflettono l'intenzione degli artisti di animare una macchina. Osservata dalle partizioni acriliche simili a gabbie che la isolano nello spazio della galleria, la macchina sembra acquisire coscienza e trasformarsi in una forma di vita che è stata catturata e confinata nello spazio. Allo stesso tempo, per gli spettatori la soddisfazione potenzialmente inquietante di guardare l'azione continua del robot suscita un senso di voyeurismo ed eccitazione, in contrapposizione al brivido o alla suspense. In questo caso, chi è più vulnerabile: l’uomo che ha costruito la macchina o la macchina controllata da un essere umano?

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“The Rotating Mud”, una riflessione sulla natura transitoria dell'esistenza e sul panorama in continua evoluzione dell'esperienza umana. Questa opera è stata successivamente venduta a 8.3 milioni di dollari da un committente privato.

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Un viaggio meditativo in un buco nero simulato ispirato dal fondatore di Age of Union Dax Dasilva, il cui libro Age of Union approfondisce il ruolo che la spiritualità può svolgere nei movimenti ambientalisti. The Black Hole Experience è stato progettato per Age of Union da Kelly Nunes, un'artista multidisciplinare nota per progetti visivamente accattivanti e coinvolgenti.

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La parola ghiacciaio oggi è piuttosto carica. Sembra che siamo costantemente sul punto di perdere un altro enorme ghiacciaio a causa del riscaldamento globale causato dall’uso di combustibili fossili. I visitatori possono sentire la connessione tra questa grotta glaciale in disgelo in cui si trovano e i materiali utilizzati per produrla, come parte del catalizzatore del suo degrado.

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A Londra lo chiamano il chewing-gum man da quando la BBC gli ha dedicato un servizio: “Chewing-gum artist: Painting miniature masterpieces” che, oltre a garantirgli un riconoscimento soprattutto da parte della polizia (nel 2007 la City of London Police l’ha portato in manette al commissariato perché dipingeva, a Trafalgar Square, la caricatura di Nelson su una gomma) gli ha procurato anche una serie di “commissioni” che realizza gratuitamente. Molte provengono dai bambini che abitano nei quartieri in cui di volta in volta si ferma; altre da adulti che gli chiedono di commemorare nascite e morti, matrimoni, persone a cui sono stati legati, momenti speciali, pensieri… Richieste che raccoglie in un quaderno e che – se può – realizza in giornata; altrimenti le lascia maturare finché non prendono forma, riesumate dalla luce di una giornata particolare, da un odore o da altri incontri casuali.

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L’avvento del digitale è una spinta in più per coinvolgere una persona in un ambiente immersivo, l’ utilizzo di strumenti all’avanguardia sono utilissimi per generare ancora più curiosità e interesse, catapultando l’utente direttamente nell’opera.

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Un’altra delle migliori e più commoventi performance di Marina Abramović è The artist is present realizzata nel 2010 al MoMa di New York. L’artista ogni giorno sedeva dietro un tavolo, di fronte al quale potevano sedersi i visitatori uno per volta. L’unica regola era il silenzio e il fatto di non potersi toccare, l’unico contatto doveva avvenire attraverso lo sguardo. Però per la prima volta Marina fecce uno strappo alla regola, quando improvvisamente si trovò di fronte il suo vecchio compagno Ulay. Fu uno dei momenti più toccanti, con gli occhi pieni di lacrime si sfiorarono le mani scambiandosi poche parole e commovendo tutti i visitatori presenti

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Successivamente al coinvolgimento fisico delle persone lo step successivo è quello di provocare emozioni, oltre allo stupore iniziale.
Sentimenti più forti come la felicità o la pietà per un terzo sono molto difficili da provocare, ma, per esempio nelle opere citate, questo obbiettivo viene raggiunto, evolvendo l’ambiente sensibile in un vero e proprio luogo emotivo.

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None Collective, uno studio romano che si occupa di installazioni interattive, idea questa sottoforma di tortura nei confronti di J3rr1, un computer destinato a compiere 24 ore su 24, un numero incalcolabile di espressioni, le quali, mettono a dura prova la sua potenza di calcolo, generando uno stress così forte da provocare rumori assordanti che assomigliano a dei lamenti.
Quesro genera empatia nei confronti di chi lo guarda, facendo provare così una vera e propria emozione al fruitore.

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Coinvolgere totalmente un utente in un ambiente sensibile è l’obbiettivo principale per i designer verso i propri lavori, far percepire un’altra realtà al fruitore è la maggior espressione di un opera o di un ambiente sensibile immersivo ben fatto, in questo caso anche senza l ‘uso di tecnologie digitali.

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La qualità dell’opera non è vincolata dalla capacità economica, il capitale può essere usato come un qualcosa che aggiunge valore all’idea ma senza un idea geniale alla base tutto è nullo.

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Le installazioni database di Casey Reas sono opere d'arte interattive che esplorano i concetti di dati, codice e interattività. Reas è un artista, programmatore e docente noto per essere uno dei creatori del linguaggio di programmazione creativa chiamato "Processing". Le sue installazioni database sono spesso realizzate utilizzando questo linguaggio, insieme ad altre tecnologie digitali.
Le opere di Reas spesso coinvolgono grandi quantità di dati che vengono manipolati e visualizzati in tempo reale.

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John Maeda è un artista visuale, designer e programmatore noto per il suo lavoro che fonde arte, tecnologia e design. Il suo lavoro spazia dalla pittura alla scultura, dalla grafica alla programmazione informatica, e si concentra spesso sull'interazione tra umanità e tecnologia. Una caratteristica distintiva del suo stile è l'uso creativo del codice e dell'elettronica per creare opere d'arte interattive.
Maeda è stato direttore del MIT Media Lab, dove ha continuato a esplorare le intersezioni tra design, tecnologia e scienze

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il lavoro di Bang Yao Liu, è stato realizzato per la sua tesi di laurea nel dipartimento di animazione al Savannah College delle arti e del design.
Eseguito con la tecnica della stop motion e usufruendo solo dell uso di un unico materiale, i post it.

Questo lavoro, oltre ad essere un masterpiece tecnico e un icona stilistica che ha dato modo a Bang di farsi vedere anche dalle grandi aziende, è un vero e proprio inno alla creatività, una palese prova del fatto che un’idea sovrasta le capacità economiche e che con poco si può fare tutto, il solo limite è la nostra capacità di sognare e di viaggiare con l immaginazione.

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"The Rain Room" di Random International è un'installazione che sfida la percezione sensoriale e il rapporto tra l'uomo e la natura attraverso l'interattività e l'esperienza immersiva. Utilizzando sensori di movimento avanzati, l'installazione consente ai visitatori di camminare attraverso una pioggia apparentemente senza bagnarsi, creando un'illusione visiva unica. Questa esperienza invita il pubblico a riflettere sulla propria relazione con l'ambiente circostante e sul controllo umano sulla natura.

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L'installazione "Infinity Mirrors" di Yayoi Kusama è un'esperienza straordinaria che coinvolge il visitatore in un universo di infinite riflessioni e riflessioni. Questa serie di stanze interattive offre ai visitatori l'opportunità di immergersi completamente nell'universo visionario dell'artista giapponese.
Ogni stanza è decorata con specchi su tutte le pareti, creando un effetto di infinità e spazio illimitato. Luci colorate, forme geometriche e oggetti artistici si riflettono all'infinito, trasportando il visitatore in un viaggio sensoriale e psichedelico.

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Sono tracce quelle da cui la ricerca scientifica cerca di ricomporre il misterioso mosaico dell’evoluzione. Frammenti giunti fino a noi da lontananze oggi calcolabili ma difficili da immaginare e tracce che attendono di essere scoperte e lette.

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Il Centro Pompidou a Parigi è una delle istituzioni culturali più iconiche al mondo, famosa per la sua architettura innovativa e la sua vasta collezione d'arte moderna e contemporanea. Progettato dall'architetto Renzo Piano e dallo studio di Richard Rogers, è stato aperto nel 1977 e ha da allora attirato milioni di visitatori.
La sua struttura esterna è caratterizzata da un design audace e avveniristico, con tubi colorati e strutture metalliche che espongono gli elementi funzionali dell'edificio, come scale e condotti. Questa audace espressione architettonica riflette l'approccio progressista del museo all'arte e alla cultura.

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Il percorso “Walk the Talk” è strutturato come una metaforica passeggiata per Milano, attraverso i principali luoghi di interesse della città. È composto da oltre 400 tessere di legno e 32 diversi tipi di icone distribuite su 3500 metri quadrati. Ognuno rappresenta un ostacolo o una soluzione al tema della mobilità urbana del gioco: dal traffico ai trasporti pubblici e al car sharing elettrico. I giocatori, da soli o in tandem con altri, si muovono attraverso la città trovando soluzioni sostenibili a sfide come quartieri sovraffollati o mancanza di aree pedonali. Il loro percorso dipende dalle scelte che fanno, poiché incontrano vari incroci e intersezioni lungo il percorso.

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William Kentridge ha realizzato un'installazione artistica chiamata "Triumphs & Laments" lungo le mura del Lungotevere a Roma. Questa opera consiste in una serie di figure umane giganti incise sul muro utilizzando la tecnica del pulviscolo.
Senza necessariamente una spesa economica ingente, William è riuscito a creare una vera e propria parete che affascina e interessa ogni passante che passa di lì.

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Il Cabaret Voltaire, luogo chiave del movimento Dada negli anni '20, promuoveva l'improvvisazione, la sperimentazione e l'interdisciplinarietà, concetti che possono essere ritrovati nelle installazioni interattive senza l'uso di tecnologie digitali.

Entrambi i contesti pongono l'accento sull'esperienza partecipativa e sull'interazione diretta con il pubblico, sfidando le convenzioni artistiche tradizionali e promuovendo una nuova forma di espressione artistica che coinvolge attivamente gli spettatori.

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Francis Alÿs è noto per la sua capacità di creare installazioni interattive coinvolgenti senza fare affidamento sull'uso diretto delle tecnologie digitali.
Il creare interesse alle persone senza nessun tipo di conversazione o azione diretta è uno strumento potente, la curiosità è il movente di tutta quest’estetica.

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George Rousse è un artista contemporaneo francese noto per le sue opere d'arte che combinano elementi di pittura, fotografia e installazione. Le sue opere sono caratterizzate da una prospettiva distorta che prende forma quando viste da un punto di vista specifico.
Questo aumenta l esperienza del fruitore che senza volerlo gioca con l installazione, creando un atmosfera surreale di meraviglia.

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Il Mausoleo di Galla Placidia, situato a Ravenna, rappresenta un'icona dell'arte paleocristiana e bizantina, la sua estetica attrae pellegrini e non, uno dei primi esempi di vera e propria esperienza immersiva aperta a tutti.