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 formar parte de las obras de Arte exhibidas en el Museo del Louvre.

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Como empezó todo

La expectación, pero también las incógnitas, han acompañado a este cuadro único desde su creación. Hoy sabemos que hacia 1503 Leonardo comenzó el retrato de una dama florentina: Lisa Gherardini, esposa del mercader Francesco del Giocondo, que pudo encargar el cuadro con motivo del traslado de la familia a su nueva vivienda, o bien tras el alumbramiento de su segundo hijo, en 1502. En 2005 se dieron a conocer unas notas del florentino Agostino Vespucci en el margen de una obra de Cicerón conservada en la biblioteca de la Universidad de Heidelberg, fechadas en octubre de 1503. Además de criticar a Leonardo por dejar las obras sin terminar, Vespucci indicaba que el pintor se encontraba en esa fecha realizando un retrato "del busto de Lisa del Giocondo", con lo que parece zanjarse el tema de la identidad de la mujer representada en el óleo del Louvre, fruto de debate durante siglos. A pesar de ello, son muchos los que han querido –y siguen queriendo– ver en la tabla mil y una identidades, sin descartar incluso un autorretrato del propio artista travestido.

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La fama de la obra se propagó rápidamente a través de quienes pudieron verla en su taller. Así lo atestiguan las copias que se hicieron pronto de la pintura, empezando por el dibujo que realizó Rafael hacia 1504, conservado asimismo en el Louvre, y que parece que sirvió de base a su retrato de Maddalena Doni, fechado hacia 1506 y que presenta una gran conexión con La Gioconda en cuanto a pose y composición.

Según Vasari, "todo aquel que quisiera ver en qué medida puede el arte imitar a la Naturaleza lo podría comprender en la cabeza de La Gioconda"

Con todo, el mejor testimonio del impacto que causó la Mona Lisa entre los pintores del Renacimiento se encuentra en las Vidas de Giorgio Vasari, publicadas en 1550. Vasari, que también era un pintor destacado, se refirió así a la célebre pintura de Leonardo: "Todo aquel que quisiera ver en qué medida puede el arte imitar a la Naturaleza lo podría comprender en su cabeza [de La Gioconda], porque en ella se habían representado todos los detalles que se pueden pintar con sutileza. Los ojos tenían ese brillo y ese lustre que se pueden ver en los reales, y a su alrededor había esos rosáceos lívidos y los pelos que no se pueden realizar sin una gran sutileza. [...]. La nariz, con todas esas aperturas rosáceas y tiernas, parecía de verdad. La boca, con toda la extensión de su hendidura unida por el rojo de los labios y lo encarnado del rostro, no parecía color sino carne real. En la fontanela de la garganta, si se miraba con atención, se veía latir el pulso. Y en verdad se puede decir que fue pintada de una forma que hace estremecerse y atemoriza a cualquier artista valioso".

Es indudable que la fama que poseía el retrato ya en el siglo XVI no es casual. La calidad de la obra radicaba, en palabras de Vasari, en su verismo, en su proximidad a la realidad y en su carácter mimético. Con esa viveza de la figura tiene mucho que ver la técnica empleada por el maestro, basada en el sfumato que, reduciendo el peso del dibujo, difumina los contornos, funde las sombras y genera una apariencia de objetos poco definidos, casi borrosos, fruto del aire que existe entre el observador y el observado. En palabras del propio Leonardo: "El mucho aire impide la evidencia de la forma de esos objetos y, en consecuencia, sus más menudos detalles resultan imperceptibles e irreconocibles". Asimismo, el retrato realizado por Da Vinci se esfuerza por trascender el aspecto físico de la modelo, para adentrarse en su psicología, y mostrar cualidades y hasta virtudes. ¿Acaso el nombre popular del cuadro –La Gioconda– tenga que ver con el adjetivo italiano giocondo que significa alegre, jocoso, feliz?

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la Roma de Julio II era un taller extraordinario - 1508

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la Roma de Julio II era un taller extraordinario - 1508

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En 1508. Bramante estaba ocupado en la reconstrucción de la basílica de San Pedro y en las obras del palacio Vaticano. Rafael comenzaba los frescos de las habitaciones del papa. Y para la Sixtina, el papa Della Rovere quería a Miguel Ángel a cualquier precio, a pesar de sus protestas y también a pesar de su inexperiencia en la pintura, como Bramante señalaba con razón. En efecto, de joven Miguel Ángel había conocido la técnica de la pintura mural en el taller de Ghirlandaio, pero nunca la había puesto en práctica. Por lo que respecta a los frescos florentinos de la Batalla de Cascina, no había pasado de los cartones.

En varias ocasiones proclamó que su arte, su «profesión», era la escultura, no la pintura. En las cartas a los parientes, las escasas menciones al trabajo de la Sixtina expresaban el «grandísimo esfuerzo» y también el desánimo por las dificultades «al no ser yo pintor». Aun así, no quiso renunciar a la anterior fuente de ganancias ni al nuevo y poderoso desafío que lo absorbió completamente durante cuatro años y medio.

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Miguel Ángel realizó los frescos de la Capilla Sixtina entre 1508 y 1512. La restauración que se realizó en la década de 1990 lFoto: Antoine Taveneaux

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 Miguel Ángel trabajo para el papa Julio II - 1505

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 Miguel Ángel trabajo para el papa Julio II - 1505

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Como empezó todo

En 1505, el papa Julio II quiso traerlo a Roma para que realizara su tumba, un grandioso proyecto que entusiasmó inmediatamente al artista. Sin embargo, entre ambos se produjo una ruptura clamorosa. El papa –contará Miguel Ángel en 1523– «cambió de opinión y ya no quiso hacerlo», y llegó a expulsarlo cuando el artista se dirigió a él para obtener dinero. Buonarroti abandonó Roma «por esta afrenta». Pero el papa insistió en que Miguel Ángel trabajase para él y reclamó enseguida su vuelta a Roma para un nuevo proyecto: los frescos de la bóveda de la capilla Sixtina.

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Bóveda de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel - 1508

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Bóveda de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel - 1508

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Historia del pintor

Cuando Miguel Ángel Buonarroti comenzó a pintar los frescos de la capilla Sixtina, en 1508, ya era un artista consolidado. La belleza sublime de la Pietà de San Pedro, realizada en 1499, lo había consagrado ya a los 24 años de edad como el máximo escultor de su tiempo. Desde ese momento se lo disputaron los grandes clientes. En Florencia esculpió el gigantesco David, y se le encargó que pintara al fresco una pared de la Sala del Consejo del Palazzo Vecchio, junto a Leonardo.

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La restauraciones de la bóveda Sixtina - 1508

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La restauraciones de la bóveda Sixtina - 1508

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En los muros de la capilla Sixtina se sucedían los frescos de Botticelli, Ghirlandaio, Cosimo Rossi, Perugino y Signorelli. La bóveda había sufrido dos restauraciones, la última completada con vistas a la intervención de Miguel Ángel. El 8 de mayo de 1508 se acordó un primer plan, pero al artista le pareció «cosa pobre». Por ello el contrato se revisó en junio: se doblaron los emolumentos y el artista obtuvo pintar lo que quisiera, no sólo en el techo, sino también en las pechinas y en las lunetas.

APRENDIENDO SOBRE LA MARCHA

La bóveda de la capilla Sixtina, con su extensión y su altura, habría hecho temblar a los más expertos pintores. Los problemas comenzaron ya con el andamiaje. El erigido por Bramante, cuenta Vasari, fue criticado por Miguel Ángel, hasta el punto de que consiguió que lo desmantelasen y construyesen uno basado en su propio diseño.

Pero la mayor dificultad era precisamente el fresco. Una técnica que no permite errores o vueltas atrás, y exige tiempos muy breves: una vez preparados los cartones de los dibujos hay que dividir el conjunto en partes que puedan ser completadas en un día, pues, pasado este tiempo, el enlucido se seca y ya no absorbe el color. La sección de pared elegida se prepara primero con el encalado y luego con el enlucido, una mezcla de puzolana, cal y agua. Una vez trasladado el dibujo sobre el enlucido todavía fresco, se extiende inmediatamente el color.

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“Miguel Ángel trajo de Florencia, como colaboradores, a unos pocos artistas de confianza” - 1508

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“Miguel Ángel trajo de Florencia, como colaboradores, a unos pocos artistas de confianza” - 1508

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Sin embargo, los primeros intentos fueron decepcionantes. El fresco del Diluvio Universal, realizado con técnicas heterogéneas, acabó en desastre: la receta «florentina» del enlucido no funcionaba con los materiales y el clima de Roma. En poco tiempo afloraron mohos y la pintura hubo de ser parcialmente suprimida y rehecha desde el principio. Hicieron falta meses de angustia y dificultades hasta que el artista consiguió dominar la técnica, lo que le permitió prescindir de sus ayudantes. El análisis de los gastos que realizó en la obra parece confirmar la leyenda según la cual él lo habría hecho todo, o casi todo.

“En varias ocasiones Miguel Ángel proclamó que su arte, su «profesión», era la escultura, no la pintura”.

En un soneto célebre el artista nos habla de los prolongados esfuerzos a los que se sometió trabajando sin descanso durante años en una postura muy incómoda: «Los lomos se me han metido en la tripa y con las posaderas hago de contrapeso y me muevo en vano sin poder ver». Mientras, el papa estaba impaciente, hasta el punto de que, según el biógrafo Condivi, amenazó con tirar al artista de los andamios y en una ocasión«le dio con un palo».

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Análisis de La creación de Adán de Miguel Ángel - 1508

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Análisis de La creación de Adán de Miguel Ángel - 1508

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La escena tiene lugar después de que Dios ha creado la luz, el agua, el fuego, la tierra y los demás seres vivos. Dios se aproxima al hombre con toda su energía creadora, acompañado de una corte celestial.

Por esa energía creadora la escena está cargada de un intenso dinamismo, acentuado por las líneas ondulantes que atraviesan toda la composición y que imprimen un ritmo visual. Asimismo, gana un cierto sentido escultórico gracias al trabajo de volumen de los cuerpos.

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Miguel Ángel: La creación de Adán, 1511, fresco, 280 × 570 cm, Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano.

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Descripción iconográfica de la Creación de Adán 1508 - 1512

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Descripción iconográfica de la Creación de Adán 1508 - 1512

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La imagen principal nos presenta en un solo plano dos secciones divididas por una diagonal imaginaria, la cual facilita establecer una jerarquía. El plano de la izquierda representa la presencia de Adán desnudo, quien ya está formado y espera a ser insuflado por el don de la vida. Por eso vemos a Adán acostado y lánguido en una superficie terrestre, sujeta a las leyes de la gravedad.

La mitad superior está dominada por un grupo de figuras suspendido en el aire, dando a entender su carácter sobrenatural. Todo el grupo está envuelto en un manto rosa que flota en el cielo como una nube. Parece un portal entre la Tierra y el orden celestial.

Dentro del grupo, el Creador destaca en el primer plano sostenido por querubines, mientras circunda con su brazo a una mujer, acaso Eva esperando su turno o acaso una alegoría al conocimiento. Con su mano izquierda, el Creador sostiene por el hombro al que parece un niño o querubín, y que algunos sugieren podría tratarse del alma que Dios insuflará en el cuerpo de Adán.

Ambos planos parecen unirse por medio de las manos, elemento central de la composición: las manos se abren a la conexión entre ambos personajes mediante los dedos índices extendidos.

La escena representada es una interpretación muy poco ortodoxa del pintor sobre el libro del Génesis. En este se cuentan dos versiones de la creación del hombre. Según la primera, recogida en el el capítulo 1, versículos del 26 al 27, la creación del hombre ocurre de la siguiente manera:

Dios dijo: «Hagamos al hombre a nuestra imagen, según nuestra semejanza; y que le estén sometidos los peces del mar y las aves del cielo, el ganado, las fieras de la tierra, y todos los animales que se arrastran por el suelo». Y Dios creó al hombre a su imagen; lo creó a imagen de Dios, los creó varón y mujer.

En la segunda versión, ubicada en el capítulo 2, versículo 7, el libro del Génesis describe la escena así:

Entonces el Señor Dios modeló al hombre con arcilla del suelo y sopló en su nariz un aliento de vida. Así el hombre se convirtió en un ser viviente.

No existe en el texto bíblico ninguna alusión a las manos. Sin embargo, sí al acto de modelar la arcilla, que no es otra cosa que esculpir, y esculpir es la principal vocación del artista Miguel Ángel. No es de extrañar que haya centrado su atención en ello. El Creador y su criatura, iguales en su capacidad de crear, solo se distinguen en una cosa: Dios es el único que puede dar vida.

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Una comparación entre las dos pinturas exhibidas por la Fundación Mona Lisa en una presentación en Ginebra, Suiza.

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Leonardo mantuvo siempre la pintura entre sus posesiones. Cuando entró al servicio de Francisco I de Francia llevó con él el retrato, que fue adquirido por el monarca francés en 1518, pasando a formar parte de las colecciones reales francesas. En 1797 se integró en los fondos del recién creado Museo del Louvre, si bien en 1800 Napoléon ordenó que la obra se instalara en sus aposentos en el palacio de las Tullerías, donde permaneció hasta su regreso a la pinacoteca en 1804.

Sin embargo, cabe preguntarse si el original del Louvre corresponde a la obra descrita por Vasari. En 1517, el cardenal Luis de Aragón y su secretario, Antonio de Beatis, pudieron observar el cuadro en la residencia francesa de Leonardo, junto al castillo real de Amboise. Allí, según De Beatis, el propio pintor les indicó que se trataba del retrato "de una cierta dama florentina", encargado por Juliano de Médicis, por lo que la representada sería una de sus amantes. Esto plantea que o bien Vespucci y Vasari están equivocados, o que podemos estar hablando de más de un retrato.

De hecho, el teórico Giovanni Paolo Lomazzo, en una obra dedicada a las artes publicada en 1584, habla de dos obras diferentes, identificadas como La Gioconda y Mona Lisa, respectivamente. Si bien esto puede deberse a un error, no ha dejado de intrigar a los estudiosos. Además, en su descripción, Vasari llama la atención sobre las cejas y pestañas de la retratada –"en las cejas se apreciaba el modo en que los pelos salen de la carne, más o menos abundantes y, girados según los poros de la carne, no podían ser más reales"–, detalles ausentes en la obra del Louvre. Quizá las experimentaciones que acostumbraba a hacer Leonardo pudieron acabar con la desaparición de algunas de las veladuras que componen la pintura. O puede que no se trate de la misma obra.

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La Mona Lisa del Museo del Prado supone una importante pieza en el puzle de la obra maestra de Da Vinci. No sólo se trata de la copia más antigua conocida hasta el momento del cuadro –realizada por uno de sus alumnos al mismo tiempo que el original–, sino que presenta unas similitudes técnicas con la pintura del florentino realmente singulares, hasta el punto que fue considerada hasta la segunda mitad del siglo XIX de mano del maestro. Su paisaje inacabado y la presencia de cejas y pestañas inducen a pensar que tal vez éste fuera el cuadro descrito por Vasari, quien difícilmente podía haber visto la obra actualmente expuesta en el Louvre, puesto que Leonardo se la llevó consigo a Francia en 1516, cuando Vasari tenía cinco años. Entonces ¿entregó tal vez a Giocondo una obra terminada por un discípulo, o por el contrario no culminó el encargo? ¿Se trataba de retratos de dos mujeres distintas? ¿El que el cardenal de Aragón vio en Francia representaba a una amante de Juliano de Médicis?

Por si fuera poco, para otros la obra que describe Vasari en 1550 sería la denominada Mona Lisa de Isleworth o Mona Lisa temprana, una pintura de dimensiones algo mayores que la del Louvre y pintada sobre lienzo; actualmente se encuentra en manos de un consorcio privado constituido bajo el nombre de Mona Lisa Foundation y con sede en Zúrich. Ésta sería, por tanto, la "auténtica" Gioconda, mientras que la conservada en el Museo del Louvre sería una obra posterior. Esa mujer, con el paisaje inacabado detrás, más joven que la de los cuadros de París y Madrid, sería Lisa del Giocondo, mientras que para las otras pinturas se barajan múltiples identidades, incluyendo a la madre del propio Leonardo Da Vinci.

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Comoquiera que sea, durante los siglos XVII y XVIII la fama de la obra fue languideciendo, y en el XIX la Mona Lisa no era probablemente el cuadro más popular del Museo del Louvre. No colgaba en un sitio especial como en la actualidad, sino junto a otras obras de escuela europea. Los medios de reproducción mecánica no conseguían, tal vez por la técnica del sfumato utilizada por Leonardo, captar la pintura en todo su esplendor.

“El terreno estaba abonado para la "Lisamanía" que se desató a mediados de siglo entre los literatos del Romanticismo”.

Aun así, era una obra conocida en el círculo de artistas e intelectuales y muchos autores seguían homenajeándola en sus composiciones, como Mujer con perla de Corot (1868). El terreno estaba abonado para la "Lisamanía" que se desató a mediados de siglo entre los literatos del Romanticismo, que contribuyeron a crear la imagen de Mona Lisa como una femme fatale, de atracción casi mágica, impasible, "la bella esfinge que sonríe misteriosamente", según Téophile Gautier. Hasta el punto de que cuando la obra fue robada del Louvre en 1911 los investigadores creyeron que el ladrón era un enajenado que se había enamorado de la representada.

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Retrato del papa Pablo III realizado por Tiziano. Museo de Historia del Arte, Viena.Foto: Scala / Firenze

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Miguel Ángel volvió a trabajar en la capilla Sixtina veinte años más tarde. En 1533, Clemente VII de Médicis le encargó que pintase al fresco el Juicio Universal en la pared del coro, encargo que Pablo III, nada más ser elegido papa en 1534, obligó al artista a cumplir, exigiendo que trabajara exclusivamente para él: «Hace ya treinta años que tengo este deseo, y ahora que soy papa, ¿no puedo satisfacerlo?».
El fresco se realizó entre 1536 y 1541, pero la idea era, sin duda, anterior: en 1537, al célebre poeta Aretino, que insistía en hacer sugerencias para su obra, Miguel Ángel le respondía que ya había «cumplido buena parte del asunto». Fueron años inusualmente felices los que dedicó Miguel Ángel a trabajar en el Juicio, iluminados por el amor del joven Tommaso de’ Cavalieri y la amistad de Vittoria Colonna, una aristócrata de profundas inquietudes espirituales.

Nada más ser exhibido, el fresco suscitó reacciones contradictorias

Sobre la enorme superficie de la pared, ampliada por la destrucción de dos lunetas e inclinada gracias a una «base de ladrillos» para evitar que se posara el polvo, Miguel Ángel colocó en el centro de la escena, una vez más, el cuerpo humano. Sin embargo, ahora los rostros y los miembros estaban en movimiento para expresar todos los sentimientos ligados a lo terrible de la situación. Alrededor del Cristo juez se agitan centenares de cuerpos, representados en su humanidad.

Nada más ser exhibido, el fresco suscitó reacciones contradictorias.

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Cristo, como juez supremo, aplaca con su gesto la agitación de su alrededor. Su rostro podría estar inspirado en la cabeza del Apolo del Belvedere. Fot: Bridgem

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Sobre la enorme superficie de la pared, ampliada por la destrucción de dos lunetas e inclinada gracias a una «base de ladrillos» para evitar que se posara el polvo, Miguel Ángel colocó en el centro de la escena, una vez más, el cuerpo humano. Sin embargo, ahora los rostros y los miembros estaban en movimiento para expresar todos los sentimientos ligados a lo terrible de la situación. Alrededor del Cristo juez se agitan centenares de cuerpos, representados en su humanidad.

Quienes se proyectan sobre el cielo azul de lapislázuli no son sólo los condenados, sino también los salvados, los doctores de la Iglesia, los santos sin sus aureolas y los ángeles sin sus alas. Todos los hombres se ven acosados por el juicio de Dios. Falta la Iglesia, con sus instituciones, sus ritos y su mediación. Y quizá fue esto lo que provocó escándalo, junto a los desnudos, e incluso más que éstos.

Aspavientos  de los puritanos

Nada más ser exhibido, el fresco suscitó reacciones contradictorias. A las positivas de Vittoria Colonna, que opinaba de la obra que «nos muestra la muerte y lo que somos de manera suave», y de los admiradores incondicionales del artista, se opuso una oleada de escándalo que no parecía disminuir. El motivo era la desnudez de los personajes que poblaban la impactante escena. En una carta de Nino Sernini al cardenal Ercole Gonzaga, de noviembre de 1541, se recogía la opinión de algunos que pensaban que «no están bien los desnudos en semejante lugar, que enseñan sus cosas». Sin duda, detrás estaba la corriente más intransigente en la Iglesia de entonces, encabezada por el cardenal Gian Pietro Carafa, pronto inquisidor del Santo Oficio, instituido en 1542, y futuro papa Pablo IV (1555). En 1545, el Aretino, no sin hipocresía, escribió a Miguel Ángel una carta durísima, en la que lo acusaba de expresar «en la perfección de pintura» una «impiedad de irreligión», mostrando precisamente en el lugar más sagrado, «en la más grande capilla del mundo», «a los ángeles y a los santos, éstos sin ninguna honestidad terrenal, y aquéllos carentes de todo adorno celeste».

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Tras la muerte de Miguel Ángel, la finalización de la cúpula de San Pedro recayó en Domenico Fontana y Giacomo de la Porta, que apenas variaron.JOHANNA HUBER /

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Al ser elegido papa, Pablo IV dejó a Miguel Ángel sin sus pingües emolumentos y acarició la idea de destruir el Juicio. Habiendo sabido que el pontífice pensaba hacérselo «arreglar», Miguel Ángel al parecer replicó: «Decidle al papa que éste es un asunto pequeño y que se puede arreglar fácilmente; que arregle él el mundo, pues las pinturas se arreglan enseguida». Fue Pío IV quien ordenó el célebre imbraghettamento, el cubrimiento de los órganos sexuales de las figuras con telas pintadas. En 1563, en el concilio de Trento, se había aprobado un decreto que regulaba el uso de imágenes en las iglesias, especificando que no debía haber en ellas «nada profano y nada deshonesto», y el papa, apenas dos meses después de la clausura del concilio, decidió aplicarlo a los frescos de la capilla Sixtina.

Semanas después de la muerte de Miguel Ángel, el trabajo se confió a Daniele da Volterra, que había estado junto al lecho del moribundo. A él se debe la ejecución de la primera censura, que consistió en cubrir las desnudeces de algunos personajes con intervenciones «en seco»; en el caso de dos figuras, san Blas y santa Catalina, se destruyó una parte del enlucido original y se reemplazó por otro nuevo.

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Vincent van Gogh: La noche estrellada. Óleo sobre tela. 73,7 cm × 88,2 cm. 1889.El óleo se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

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El título original de la pintura es De Sterrennacht y se traduce al inglés como The Starry Night.

Historia

“La noche estrellada” es probablemente una de las obras pictóricas más famosas de la historia y nació de la mente maestra y perturbada del holandés Vincent van Gogh, quien la creó mientras yacía internado en un manicomio, dos años antes de morir tras pegarse un tiro en el pecho, hace exactamente 127 años, el 29 de julio de 1890.

A diferencia de otros artistas que iniciaron sus carreras creativas a temprana edad, Van Gogh comenzó a pintar a los 27 años, tras haber ocupado algunos trabajos pasajeros que no le satisfacían, como vendedor de arte y misionero en una comunidad minera.

Con el corazón destrozado porque las mujeres de las que se enamoró no le correspondían, este hijo de pastor evangelista decidió seguir los pasos de su padre y tras no ser admitido en la Facultad de Teología protestante de Ámsterdam se preparó en uno similar, en Bruselas.

Pero, afortunadamente para la humanidad, descubrió que lo suyo no era la religión, sino el arte, la pintura específicamente.

En 1880, regresó a casa de sus padres con la idea clara de abocarse a la pintura, por lo que comenzó a pintar a gente en situaciones cotidianas, en un estilo crudo, influenciado por pintores realistas franceses como Millet.
En “Los comedores de patatas” (1885) plasmó a una familia reunida alrededor de una mesa con luz tenue, mientras comían las patatas que han cultivado y recolectado.
En febrero de 1887, se trasladó a Arles, Francia, en busca de darle mayor intensidad de luz a sus obras

A partir de entonces realizó un gran número de autorretratos, paisajes, pinturas de flores, como “Los girasoles”.
En los últimos años de aquella década despertaron los demonios que lo arrastrarían al precipicio del suicidio.

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La noche del 23 de diciembre de 1888, se cortó una oreja en un brote psicótico, luego de que fue abandonado por su colega galo, Paul Gauguin, debido a fuertes desacuerdos sobre la pintura.
El País publicó que la falta de sueño, pésima alimentación y abuso del alcohol contribuyeron a su colapso.

Aunque superó la herida y el ataque, fue internado en el hospital psiquiátrico Saint-Paul-de-Mausole, en Saint-Rémy, debido a que padecía frecuentes alucinaciones, ataques epilépticos e ideas delirantes.
Pese a su encierro, en ningún momento dejó de pintar, incluso, “La noche estrellada” nació mientras yacía en el manicomio, a finales de 1888, misma que actualmente se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

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La noche estrellada por Vincent van Gogh ha obtenido el máximo de éxitos artísticos. Aunque Van Gogh vendió solamente una pintura durante su vida, el período subsiguiente tuvo mucho éxito. La noche estrellada es una de las imágenes más conocidas en la cultura moderna además de ser uno de los grabados más reproducidos y deseados. De la canción de Don McLean “Vincent” (“Estrellada, noche estrellada”) (basada en la pintura), con el número eterno de productos que representan esta imagen, es casi imposible omitir hablar sobre esta pintura increíble.

Primero hay que comenzar hablando sobre los rasgos dentro de la pintura que son responsables de su popularidad. Hay muchos aspectos fundamentales que intrigan a las personas que miran a esta imagen, y cada rasgo afecta a cada individuo de una manera diferente. Los aspectos serán descritos debajo.

1. ;Esta el cielo nocturno lleno de nubes con movimiento giratorio rápido, estrellas ardiendo con su propia luminosidad, y una luna creciente brillante. Aunque los rasgos son exagerados, esto es una escena que podemos relatarnos, y también una que hace que la mayoría de individuos se sientan cómodos. El cielo mantiene el movimiento en los ojos de la audiencia, siguiendo las curvas y creando una imagen punto a punto con las estrellas. Este movimiento capta la audiencia mientras que los otros rasgos tienen efectos también.

2. ; Abajo de las colinas onduladas del horizonte hay un pueblo pequeño. Hay una esencia tranquila circulando con fluidez en las estructuras. Quizás los colores oscuros y fríos, y las ventanas ardientes provoquen memorias de nuestro niñez, llenas de la curiosidad de lo que existe en la noche y en el cielo con las estrellas. El punto central del pueblo es la aguja de la iglesia reinando principalmente sobre los edificios más pequeños. La aguja proyecta un sentido de estabilidad en el pueblo, y también crea un sentido de tamaño y aislamiento.

3. ; A la izquierda de la pintura hay una estructura enorme y oscura que desarrolla un sentido más grande de tamaño y aislamiento. Esta estructura es magnifica en comparación a la escala de otros objetos en la pintura. Las curvas de las líneas reflejan las del cielo y crean la sensación de profundidad en la pintura. Esta estructura también permite que la audiencia interpreta la pintura desde su propia perspectiva. De una montaña a un arbusto frondoso, el análisis de esta formación es ancha y llena de variedad.

Van Gogh pintó La noche estrellada mientras permanecia en un manicomio de Saint-Rémy en 1889.

Durante los anos tempranos de la vida de Van Gogh (1876-1880) quería dedicar su vida al evangelismo de los pobres. Muchas personas creen que este intento religioso se refleja en las once estrellas de la pintura. En Génesis 37:9. la declaración siguiente dice:

"Y soñó otro sueño más, y les dijo a sus hermanos, y dijo, ‘Miren, yo he soñado un sueño; y, miren, el sol y la luna y las once estrellas me hicieron reverencia‘. "

Sin importar si esta inspiración religiosa es verdad o no, lo que si es cierto es que la pieza no es la única pintura de la noche estrellada que Van Gogh creó. Van Gogh estaba orgulloso de una pieza que había pintado más temprano en Arles en 1888 que representó las estrellas reflejandose en el río Rhone. Como La noche estrellada esta pieza tiene muchas de las mismas cualidades que tiene La noche estrellada Es una pintura tan popular. Por ejemplo:

Las estrellas en el cielo están rodeadas por su propio orbe de luz.

La reflexión de luz artificial (nueva al período de tiempo) de Arles en el río hace moverse los ojos alrededor de la pintura para que la audiencia sea involucrada visualmente.

Hay estructuras en la distancia iluminadas en un resplandor calido de luz.

La noche estrellada sobre el río Rhone tiene un aspecto final que no es parte de la pieza La noche estrellada: los seres humanos. En el inferior derecho de la pintura una pareja camina por el río. Eso da a la pintura un sentido centrado con una calidad natural. Aunque esta pintura no es tan popular como la pieza La noche estrellada, todavía crea un medio ambiente agradable y realista. Esta pintura es también una pieza muy pedida. La noche estrellada, La terraza del café de noche y esta pintura se crearon con el mismo tema de fondo "la noche estrellada".

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"Es bueno amar muchas cosas, porque ahí radica la fuerza, y el que ama mucho realiza mucho y puede lograr mucho, y lo que se hace con amor está bien hecho".

"No hay nada más verdaderamente artístico que amar a las personas".

"Los pescadores saben que el mar es peligroso y la tormenta terrible, pero nunca han encontrado en estos peligros una razón suficiente para permanecer en tierra".

"Si escuchas una voz dentro de ti que dice "no puedes pintar", entonces, por supuesto, pinta y esa voz se silenciará".

"Siempre pienso que la mejor manera de conocer a Dios es amar muchas cosas".

"A menudo pienso que la noche está más viva y con más colores que el día".

. "Puse mi corazón y mi alma en mi trabajo, y he perdido la cabeza en el proceso".

"Las grandes cosas no se hacen por impulso, sino por una serie de pequeñas cosas reunidas.".

"Siempre estoy haciendo lo que aún no puedo hacer, para aprender cómo hacerlo".

"Soy claramente consciente de las estrellas y el infinito en lo alto. Entonces la vida parece casi encantada después de todo".

"Quien ama mucho, realiza mucho y puede lograr mucho, y lo que se hace con amor se hace bien".

"Si realmente amas la naturaleza, encontrarás belleza en todas partes".

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Con todo, lo que disparó la fama de La Gioconda fue justamente ese robo, resuelto con el retorno triunfal de la obra al Louvre en 1914. La Mona Lisa se convirtió entonces en un auténtico icono popular, reproducido hasta la saciedad, cuya fama aún perdura, incluso entre los artistas. Porque ¿quién no ha revisitado La Gioconda? No sólo los maestros antiguos han imitado y homenajeado el cuadro, también los contemporáneos –Léger, Duchamp, Warhol, Dalí, Botero, Banksy…– han querido confrontarse con este icono de la cultura occidental.

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última edición: 12 de julio de 2012 por xennexresolución máxima: 2515x2880px

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Estilo: Arte Naíf (Primitivismo)

Género: retrato

No se encontró información sobre la obra.

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La Mona Lisa
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mona-lisa-enigmas-obra-maestra-leonardo-da-vinci_12799/4

La bóveda de la capilla Sixtina
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/capilla-sixtina-maravilla-renacimiento_8594

La noche estrellada
https://www.vangoghgallery.com/es/pinturas/noche-estrellada.html
https://www.culturagenial.com/es/cuadro-la-noche-estrellada-de-vincent-van-gogh/
https://www.excelsior.com.mx/expresiones/2017/07/29/1178506

Four women
https://www.wikiart.org/es/fernando-botero/four-women