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Sin título - Andy Warhol

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Luzzara, Italy, 1993

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Sin título - Fotografía tomada en Ucrania

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Perrine, Florida, November 11, 1977

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Luzzara, Italy, 1993

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Natural Bridge, New York, July 31, 1974

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Room 125, Westbank Motel, Idaho Falls, Idaho, July 18, 1973

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Shore visitó casi a diario el estudio de Andy Warhol durante dos años. Aquí podemos verle posando para su cámara.

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Queens, New York, April 1972

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Joy of Giving Something Inc. presents an Artist at Work: Photographer, Stephen Shore. Visit the Forward Thinking Museum: www.forwardthinkingmuseum.org Contemporary photography exhibits including a juried quarterly contest. Videos - documenting artists at work - focus on educational opportunities and forward movement of technology and thought in the 21st century.

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Shore se embarcó en una serie de viajes a la América rural tomando fotografías de paisajes. En 1972 realizó un viaje desde Manhattan a Amarillo, Texas, que despertó su interés por la fotografía en color. Observando las calles y pueblos por los que viajaba tuvo la idea de fotografiarlos en color, primero usando una cámara de 35mm y luego una cámara de 4x5" y finalmente una de 8x10". En 1974 obtuvo una beca NEA, seguido en 1975 de una beca Guggenheim y en 1976 expuso su trabajo en color en el Museum of Modern Art de New York (MoMa).

Su libro Uncommon Places, de 1982, fue una especie de biblia para los nuevos fotógrafos que usaban el color, porque junto con William Eggleston, su trabajo contribuyó al reconocimiento de la fotografía en color. Muchos fotógrafos posteriores, como Nan Goldin, Andreas Gursky, Martin Parr, Joel Sternfeld y Tomas Struth, han reconocido estar influenciados por su trabajo.

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¿Ser siempre tan llamativo tuvo algún efecto en las fotos?
En el ’71, un año antes de American Surfaces, utilizaba una cámara pequeña con lente de 35 mm. Yo entonces llevaba el pelo largo, hasta los hombros; mis aspecto era el de un hippie. De vez en cuando, fotografiando por algún vecindario, un residente llamaba a la policía, que me preguntaba qué estaba haciendo y en ocasiones terminaba echándome de allí. Esto dejó de suceder cuando pasé a utilizar una cámara de gran tamaño. Que la cámara sea tan ostentosa te concede mayores licencias. Los ejemplos más claros de esto son dos tomas de una serie que nunca he mostrado antes: fotografías de Nueva York que hice con una 8x10 de gente interactuando en la calle. Nunca antes había sido yo tan invisible. Me quedaba con mi cámara enorme en medio de la 72º con Broadway o la 52º con la 5º y los transeúntes se limitaban a pasar a mi lado. Fotografié gente caminando por un paso de cebra, o parando un taxi, y ahí estaba yo, a dos metros, con una 8x10. Nadie me dijo nada ni prestó atención.

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Las cámaras digitales deben haber sido de gran ayuda.
La tecnología digital lo ha hecho más fácil, pero supongo que podría haber realizado igualmente estos proyectos utilizando carretes de película. Eso sí, con las cámaras digitales todo parece ir rodado. Hay algo ligero y espontáneo en el toque digital.

¿Cuándo empezó a usarlas?
Para el trabajo en el que realmente estoy centrado, unos seis años.

Imagino que las utiliza para sus editoriales de moda…
Son las únicas que utilizo para los trabajos comerciales. Facilitan mucho el flujo de trabajo.

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¿Influye su labor docente en su trabajo como fotógrafo?

Decididamente sí. Si en una clase tengo diez personas, tengo que empezar a pensar como diez personas diferentes. Intento guiar a cada uno de ellos, individualmente, hacia su siguiente paso como artistas. Esto me sirve a mí también, puesto que he de salir por ahí con la cámara con más ideas visuales de las que tendría si no enseñara. Ideas que la gente no juzgaría acordes a mi estilo. Mi proyecto prioritario durante los últimos cinco años ha sido la publicación de libros con la técnica de impresión bajo demanda o impresión digital. Estos libros a menudo van en direcciones muy diferentes, ya que en ellos puedo explorar una idea a la que quiero dedicar un día pero no un año entero. Y creo que la génesis de todo esto está en el esfuerzo mental de dar clases a distintas personas.

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¿Utiliza usted The Nature of Photographs en las clases que imparte?

The Nature of Photographs nació, de hecho, a raíz de una clase que impartí llamada “La mirada fotográfica”. Al principio utilizaba como texto un libro de John Szarkowski titulado The Photographer’s Eye. Había un capítulo que no encajaba con lo que yo quería enseñar, de manera que escribí uno nuevo. Decidí entonces que tenía suficiente material para hacer mi propio libro. Pero sí, lo sigo utilizando, y encuentro a mis estudiantes muy receptivos.

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La muestra restropectiva de Stephen Shore en la Fundación MAPFRE, en 2014, contada por él mismo.

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Actualmente y desde 1982, Shore es el director del departamento de fotografía del Bard College, en Massachusetts.

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Stephen Shore estuvo interesado en la fotografía desde muy joven. Autodidacta, cuando tenía seis años su tío le regaló un cuarto oscuro de revelado. Empezó a usar una cámara de 35mm tres años más tarde para tomar sus primeras fotografías en color. Cuando tenía diez años le regalaron una copia del libro American Photographs de Walker Evans, que le influenció profundamente. Su carrera profesional empezó a la edad de catorce años cuando presentó sus fotografías a Edward Steichen, por entonces encargado de fotografía del Museum of Modern Art de New York (MoMa). Steichen, que supo reconocer el talento de Shore adquirió tres de sus trabajos. Cuando tenía diecisiete años conoció a Andy Warhol y empezó a frecuentar su estudio, la Factoría, para fotografiar a Warhol y el entorno creativo que le rodeaba. En 1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo en vida que expuso su obra en el MoMa de New York.

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Stephen Shore (nacido en 1947 en New York City) es un fotógrafo estadounidense conocido por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y objetos sobre los Estados Unidos. Fue pionero en el uso de la fotografía en color.