# data[].attributes.attachment_link.title
Pauline Oliveiros - A Woman Sees How the World Goes with No Eyes

# data[].attributes.attachment_link.title
deep listening  the story of pauline oliveros   official trailer 2 Original

# data[].attributes.body
https://www.kabk.nl/en/lectorates/design/listening-a-research-method-in-art-design

We wanted to learn about the role of listening and the sonic in Femke's research and teaching. Punctuated by sonic samples from Femke's vinyl collection, the conversation touched on topics such as different ways of listening, embodiment of sound, how to teach listening and the appreciation of the sonic as a discipline in art education.

# data[].attributes.attachment_link.title
Listening: A Research Method in Art & Design, Publication

# data[].attributes.attachment_link.description
KABK Art & Design Research Practices Listening: A Research Method in Art and Design Publication The 240-page full-colour publication, designed by Niels…

# data[].attributes.body
https://www.instagram.com/p/DZF5j6kKZ5j/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==

Practitioner, educator, DJ, and researcher, Femke Dekker (also known as Loma Doom) has long been immersed in both sound and education. Across lecture halls, archives, festivals, art galleries, independent radio stations, and dance floors, she orbits a central question: What if listening itself were an artistic practice? What might unfold when listening becomes method, medium, and material?

Drawing on the work of scholars and artists—most notably Pauline Oliveros—Dekker approaches listening as a call to action: a way of tuning into one’s surroundings, one’s body, and the urgencies that contour our political and social worlds. She emphasizes the radical potential of reorienting knowledge toward collective attunement: the we rather than the I (or the eye). Inspired by Oliveros’s concept of Deep Listening—a way of expanding awareness through focused, embodied perception—Dekker acknowledges the composer as a foundational feminist figure whose insights continue to reverberate through the classroom, the studio, and beyond.

# data[].attributes.attachment_link.title
san serriffe on Instagram: "Presentation of OPEN FIELD LISTENING STATION 
by Femke Dekker (Loma Doom)
talk by Femke Dekker and Q&A with Federica Notari at 6.30pm
Friday June 5, 6-8pm

Practitioner, educator, DJ, and researcher, Femke Dekker (also known as Loma Doom) has long been immersed in both sound and education. Across lecture halls, archives, festivals, art galleries, independent radio stations, and dance floors, she orbits a central question: What if listening itself were an artistic practice? What might unfold when listening becomes method, medium, and material?

Open Field Listening takes shape around these ideas. Presented as a collaboration between Page Not Found—an artist-run platform dedicated to publishing and experimental practices—and the record label Osàre! Editions, the text originates from Dekker’s graduation thesis for the Master Education in Arts at the Piet Zwart Institute, Rotterdam. There, she honed her skills as a pedagogue, inviting students into improvisational jam sessions, radio-making, and exercises that activate new modes of attention and a heightened sense of sonic curiosity.

Drawing on the work of scholars and artists—most notably Pauline Oliveros—Dekker approaches listening as a call to action: a way of tuning into one’s surroundings, one’s body, and the urgencies that contour our political and social worlds. She emphasizes the radical potential of reorienting knowledge toward collective attunement: the we rather than the I (or the eye). Inspired by Oliveros’s concept of Deep Listening—a way of expanding awareness through focused, embodied perception—Dekker acknowledges the composer as a foundational feminist figure whose insights continue to reverberate through the classroom, the studio, and beyond.

Published by Osàre Editions and Page Not Found

@loma_doom @____page_not_found____ @osare.editions @notajpeg"

# data[].attributes.attachment_link.description
161 likes, 7 comments - san.serriffe on June 2, 2026: "Presentation of OPEN FIELD LISTENING STATION 
by Femke Dekker (Loma Doom)
talk by Femke Dekker and Q&A with Federica Notari at 6.30pm
Friday June 5, 6-8pm

Practitioner, educator, DJ, and researcher, Femke Dekker (also known as Loma Doom) has long been immersed in both sound and education. Across lecture halls, archives, festivals, art galleries, independent radio stations, and dance floors, she orbits a central question: What if listening itself were an artistic practice? What might unfold when listening becomes method, medium, and material?

Open Field Listening takes shape around these ideas. Presented as a collaboration between Page Not Found—an artist-run platform dedicated to publishing and experimental practices—and the record label Osàre! Editions, the text originates from Dekker’s graduation thesis for the Master Education in Arts at the Piet Zwart Institute, Rotterdam. There, she honed her skills as a pedagogue, inviting students into improvisational jam sessions, radio-making, and exercises that activate new modes of attention and a heightened sense of sonic curiosity.

Drawing on the work of scholars and artists—most notably Pauline Oliveros—Dekker approaches listening as a call to action: a way of tuning into one’s surroundings, one’s body, and the urgencies that contour our political and social worlds. She emphasizes the radical potential of reorienting knowledge toward collective attunement: the we rather than the I (or the eye). Inspired by Oliveros’s concept of Deep Listening—a way of expanding awareness through focused, embodied perception—Dekker acknowledges the composer as a foundational feminist figure whose insights continue to reverberate through the classroom, the studio, and beyond.

Published by Osàre Editions and Page Not Found

@loma_doom @____page_not_found____ @osare.editions @notajpeg". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

# data[].attributes.attachment_link.title
Limestone Books on Instagram: "#performance #booklaunch

at the edge of connection by Clarinde Wesselink @clarinde_wesselink and Nina Glockner @nkg_publications

🗓 Friday, 19-06-2026
⏳ 15:00-17:00
📍 Limestone Books, Grote Gracht 63
🎫 Walk-in Event

By observing the unique ways lichens make contact with their surroundings, I began to reflect on how I, too, interact with the world. Writing became a crucial tool, helping me understand the subtle differences in how I engage physically with things, offering language as a kind of road map for my body to navigate through new awareness. Because every word can be felt in the body.——Clarinde Wesselink

Join us for an afternoon of collective reading, reflection, and conversation around the new publication at the edge of connection. Through a series of prompts, shared excerpts, and a dialogue between (social) choreographer, dancer, and visual artist Clarinde Wesselink and artist/publisher Nina Glockner, we will explore the research that underpins this project, and the urgencies for publishing performative and somatic practices, concluding with special Lichens Cocktails."

# data[].attributes.attachment_link.description
15 likes, 0 comments - limestone_books_maas on June 8, 2026: "#performance #booklaunch

at the edge of connection by Clarinde Wesselink @clarinde_wesselink and Nina Glockner @nkg_publications

🗓 Friday, 19-06-2026
⏳ 15:00-17:00
📍 Limestone Books, Grote Gracht 63
🎫 Walk-in Event

By observing the unique ways lichens make contact with their surroundings, I began to reflect on how I, too, interact with the world. Writing became a crucial tool, helping me understand the subtle differences in how I engage physically with things, offering language as a kind of road map for my body to navigate through new awareness. Because every word can be felt in the body.——Clarinde Wesselink

Join us for an afternoon of collective reading, reflection, and conversation around the new publication at the edge of connection. Through a series of prompts, shared excerpts, and a dialogue between (social) choreographer, dancer, and visual artist Clarinde Wesselink and artist/publisher Nina Glockner, we will explore the research that underpins this project, and the urgencies for publishing performative and somatic practices, concluding with special Lichens Cocktails.". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

# data[].attributes.body
Magic is a form of cosmology, a way of ordering the world. But this reality-system
escapes the straightforward logic of productivity. Magic and rituals have healing features
and act as a form of therapy for individuals and communities, both from an existential point of view and from a metaphysical one. This is because they break a state of paralysis while focusing on the possibility of action and change. Therefore, magical words
are a form of resistance to the contemporary hegemonic epistemology, a language
of insubordination.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Magic is a form of cosmology, a way of ordering the world. But this reality-system
escapes the straightforward logic of productivity. Magic and rituals have healing features
and act as a form of therapy for individuals and communities, both from an existential point of view and from a metaphysical one. This is because they break a state of paralysis while focusing on the possibility of action and change. Therefore, magical words
are a form of resistance to the contemporary hegemonic epistemology, a language
of insubordination. Moreover, I will analyse the specific possibility of magic as a literature genre and its intersection with poetry. Both do not say something but are something, since poetic and magical practices focus more in the form than in descriptive meaning
or content. While they resist clarity and transparency, they open up a space to the vastness of the unknown.

# data[].attributes.attachment_link.description
Magic is a form of cosmology, a way of ordering the world. But this reality-system escapes the straightforward logic of productivity. Magic and rituals have healing features and act as a form of therapy for individuals and communities, both from an existential point of view and from a metaphysical one.

# data[].attributes.attachment_link.title
VENICE ART BIENNALE on Instagram: "at the 61st #venicebiennale, the #argentinepavilion presents @monitoryinyang, a site-specific installation by @matiasduville curated by @josefinabarcia🧂 the pavilion becomes a traversable landscape of salt and charcoal, expanding drawing into space, sound, and movement. conceived as an open cartography, the work does not represent a fixed place but unfolds as a shifting territory activated by visitors.

#biennaleBOOM @labiennale
#veniceartbiennale2026 #venicebiennale"

# data[].attributes.attachment_link.description
1,811 likes, 14 comments - venice.art.biennale on June 3, 2026: "at the 61st #venicebiennale, the #argentinepavilion presents @monitoryinyang, a site-specific installation by @matiasduville curated by @josefinabarcia🧂 the pavilion becomes a traversable landscape of salt and charcoal, expanding drawing into space, sound, and movement. conceived as an open cartography, the work does not represent a fixed place but unfolds as a shifting territory activated by visitors.

#biennaleBOOM @labiennale
#veniceartbiennale2026 #venicebiennale". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

# data[].attributes.attachment_caption
laatste sessie bij vrouwencentrum Jasmijn

# data[].attributes.body
When improvising, each performer is working simultaneously on many different levels of perception; listening, watching, sensing, acting, reacting to one’s self and one’s partners in a given space and time. The art of real time composition resides in the ability to remain open to the wealth of internal and external impulses AND to receive, process and propose material in an uninterrupted flow of feedback. How to stay attentive, how to avoid overload, how to do nothing and still act?

These are some of the questions we will address through a series of improvisations, games and simple scores, from solo to group, that explore vision, listening and touch. Then, we’ll practice performing the essential keys of Real Time Composition: the question of choice, intuitive and voluntary states, simultaneous time, letting go, the relationship between the performer and the witness. Moments of analysis accompany the atelier.

Mark Tompkins

# data[].attributes.attachment_link.description
18 - 22 March 2024, from 10am to 5pmEspaço da Penha, Lisbon/PortugalIn 2024, O Rumo do Fumo begins a series of training courses focusing on improvisation in contemporary dance. We begin with the American choreographer and dancer Mark Tompkins, whose

# data[].attributes.attachment_link.title
nina boas performance art drawings performanceart

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Wat heeft luisteren met wijsheid te maken? En wat is het belang ervan voor onderwijs? Pablo Muruzábal Lamberti - onder andere onderzoeker op de UvA - leverde een bijdrage aan het boek Thinking, Childhood, and Time. Hij schreef een prikkelend artikel en grijpt daarin onder meer terug op de oude Griekse filosoof Plutarchus. 'Het gaat bij luisteren niet slechts om het opdoen van kennis. Het gaat om de vonk die het verlangen naar waarheid en wijsheid activeert. Goed luisteren draagt bij aan het goede leven.'
Filosoferen op scholen wordt meestal gedaan in de vorm van een dialoog. Het filosofische onderzoek ontvouwt zich dan aan de hand van een specifieke vraag of een dilemma dat vanuit meerdere kanten belicht kan worden. Uiteindelijk gaat het in zo'n dialoog niet noodzakelijk om hét antwoord op de kwestie, maar om het proces van gezamenlijk filosoferen. Zo leren deelnemers samenwerken, maken ze kennis met andere perspectieven op het leven, en kunnen ze deze spiegelen aan de eigen opvattingen en levenshouding.

Wat mij tijdens het begeleiden van filosofische gesprekken op scholen opvalt, is dat kinderen veel handvatten hebben om goed te kunnen spreken. Ze leren presenteren, argumenteren en articuleren, en maken (soms iets te) graag gebruik van hun vrijheid van meningsuiting. Maar voor dat andere, minstens zo belangrijke onderdeel van de dialoog, zijn ze vaak mager uitgerust. Luisteren is dan ook iets dat vaak niet of nauwelijks wordt onderwezen.

Ons onderwijs lijkt ervanuit te gaan dat luisteren vanzelf gaat en geen specifieke aandacht verdient. We hebben immers twee oren, en die registreren - of we nou willen of niet - alle waarneembare geluidsgolven. Maar dat is geen luisteren, dat is passief horen. Voor het actief luisteren is veel meer nodig dan alleen perceptie. We moeten bijvoorbeeld ook bereid zijn om te luisteren, en de juiste concentratie daarvoor opbrengen.

Ons onderwijs lijkt ervanuit te gaan dat luisteren vanzelf gaat en geen specifieke aandacht verdient

Volgens een van de eerste onderzoekers op het gebied van luisteren, Ralph Nichols, is de gemiddelde persoon onmiddellijk na het luisteren al de helft vergeten van wat de ander heeft gezegd. Actief luisteren is daarom iets dat moet worden getraind, juist nu luisteren in het gedrang komt door de invloed en populariteit van sociale media waar geen ruimte is voor luisteren, maar vooral zenden en echoën gebruikelijk is. Luisteren is niet alleen van belang om een dialoog te kunnen voeren, maar ook voor het opbouwen van relaties met anderen, en ten behoeve van onze persoonlijke, filosofische vorming gericht op wijsheid.

Een van de eerste filosofen die schreef over luisteren in relatie tot wijsheid was de Griekse biograaf en filosoof Plutarchus van Chaironeia (ca. 46-120 n. Chr.). Door te leren om met aandacht te luisteren naar betekenissen van woorden en intenties van sprekers, kan de luisteraar daarin elementen ontdekken die bij kunnen dragen aan de verbetering van het eigen leven. Plutarchus vergelijkt het luisteren naar een lezing daarom met een bezoek aan een barbier of kapper. Waarom zouden we na een knipbeurt wél voor de spiegel gaan staan om het resultaat te beoordelen, maar na een lezing niet nagaan of onze persoonlijkheid prettiger en beter is geworden?

Het gaat bij luisteren volgens Plutarchus niet slechts om het opdoen van kennis. Het gaat om de vonk die het verlangen naar waarheid en wijsheid activeert. 'Het is dus net als met iemand die bij de buren vuur gaat vragen om er, als hij daar een groot en prachtig vuur vindt, vervolgens te blijven plakken en er zich continu aan te warmen. Zo sleept iemand die naar een ander gaat om van een betoog te genieten en meent dan geen eigen lamp te moeten aansteken of een eigen idee te ontwikkelen - maar vol vreugde en gefascineerd blijft zitten luisteren - een bepaalde opinie uit de lezing mee als een gloedvolle straling, maar heeft de duisternis en schimmel binnen in zijn ziel niet weggebrand of met behulp van de filosofie.'
Pablo Muruzábal Lamberti is docent, schrijver en filosoof. Hij verricht promotieonderzoek aan de UvA over de rol van luisteren als filosofische deugd en vaardigheid in dialogen binnen Westerse en Japanse onderwijscontexten. Deze zomer verschijnt zijn eerste boek over krijgersfilosofie in de westerse en Japanse oudheid bij Boom uitgevers.
De luisteraar is in Plutarchus' opvatting geen vat dat moet worden gevuld maar als hout dat door een vonk het verlangen naar waarheid aanwakkert, op weg naar wijsheid. Zoals filosoof Pieter Mostert eens liet zien, is degene die luistert én hout én vonk tegelijkertijd: de leerling wacht niet als een stuk hout dat door het onderwijs moet worden aangestoken. Ook warmt de leerling zich niet slechts aan het vuur, maar 'steekt het dit bij zichzelf aan' door zo dicht bij het vuur te gaan zitten, zodanig dat hij zelf vlam vat.

Filosofieonderwijs is er zo bezien niet om anderen in 'brand te steken' maar om anderen het vuur te helpen vinden, en de vonk te doen overslaan vanuit de overtuiging dat goed luisteren bijdraagt aan het goede leven.

Thinking, Childhood, and Time: Contemporary Perspectives on the Politics of Educationis een boek met verschillende essays waarin nieuwe perspectieven op (filosofie)onderwijs centraal staan. Dat wil zeggen dat de gangbare insteek, waarbij meestal met chronologische en romantische concepties wordt gewerkt achterwege wordt gelaten en andere vertrekpunten worden gekozen. Denk daarbij aan de ervaringen van kinderen (fenomenologie) en literatuur. Pablo schreef het hoofdstuk Listening, phronein and the first principle of happiness.

# data[].attributes.attachment_link.title
'Goed luisteren draagt bij aan het goede leven. Waarom wordt het dan nauwelijks onderwezen?'

# data[].attributes.attachment_link.description
Wat heeft luisteren met wijsheid te maken? En wat is het belang ervan voor onderwijs? Pablo Muruzábal Lamberti - onder andere onderzoeker op de UvA - leverde een bijdrage aan het boek Thinking, Childhood, and Time . Hij schreef een prikkelend artikel en grijpt daarin onder meer terug op de oude Griekse filosoof Plutarchus.

# data[].attributes.body
he School of Silent Voices  is a platform for voices you rarely hear—not at school, not in the media, and not through algorithms. These are voices that broaden our thinking and help us find answers to today's challenges. We are a nomadic collective of philosophers, artists, scientists, and media makers.

Do you know that cows have a language? Or that a female judge in 14th-century Sardinia drafted one of the first constitutions for a sustainable and equal society? Much of the knowledge we need is already there; we just need to learn to listen to it.

At the School of Silent Voices, you discover forgotten perspectives and hidden knowledge, and develop new ways of perceiving. Listen to our podcasts, take a course, or invite us to give silent voices a platform in your own environment.

# data[].attributes.attachment_link.title
School van Stille Stemmen – Verrijkt je met andere perspectieven voor een wijzere wereld

# data[].attributes.attachment_link.description
In de Westerse filosofie heeft Aristoteles de mens op een voetstuk geplaatst, boven de planten en de dieren. Dat leidde tot een antropocentrisch wereldbeeld. Afrikaanse perspectieven zijn vaak meer ecologisch …
\n
\n Verder lezen\n
\n

# data[].attributes.attachment_link.title
Humanistisch DNA – Renate Schepen - Humanistisch Verbond

# data[].attributes.attachment_link.description
Wat vind je belangrijk, wat geeft je leven zin? Laat je inspireren door mensen die leven als humanist. Deze keer: Renate Schepen.

# data[].attributes.body
Women’s Collective is an improvisation collective composed of women sound artists and musicians, brought together by a shared desire to experiment within a space created by and for themselves. The collective was initiated through the research project of one of its members, which explores how women sound artists cultivate solidarity, community, mutual support, and knowledge exchange through self-organized artistic practices, while also examining the creative processes that shape this work.

Their meetings function as dynamic and open spaces in which each participant contributes her knowledge, background, and artistic identity, experimenting collectively with sound, technology, improvisation, and embodied practices. Their sound emerges from the interplay of processes, moments, emotions, thoughts, and relationships that develop within these encounters.

They envision the collective as fluid and evolving: new members may join, constellations may shift, and the group continues to be shaped by those who participate and what they bring.

# data[].attributes.attachment_link.title
Open improvisation session: experimenting with collective sonic artistic practices - The Grey Space in the Middle - Space for fundamental creativity

# data[].attributes.attachment_link.description
Women’s Collective invites participants to their first open meeting, where they will share practices, explore improvisation, listen, discuss, and reflect on their creative processes. As the meeting is participatory, attendees are welcome to bring a self-powered and self-amplified sounding object they would like to explore. Participants are free to make sound or embrace silence at will.

# data[].attributes.attachment_link.title
The Art of Resonance – The Resonance of Art

# data[].attributes.attachment_link.description
The Art of Resonance – The Resonance of Art aims to open and cultivate a transdisciplinary space in which the multiversality, relationality and…

# data[].attributes.attachment_link.title
The Philosophical Research Society on Instagram: "Sunday April 12! The Philosophical Research Society is proud to welcome certified Deep Listening® facilitator Abby Dahlquist for a workshop exploring composer, performer and humanitarian Pauline Oliveros’s transformative practice.

Dahlquist will guide us through the process and teach us how to bring our awareness to the natural music of the world around us.

Deep Listening explores the difference between the involuntary nature of hearing and the conscious nature of listening. Oliveros developed a practice which includes bodywork, sonic meditations, and interactive performance, as well as listening to the sounds of daily life, nature, one’s own thoughts, imagination, and dreams. It cultivates a heightened awareness of the sonic environment, both external and internal, and promotes experimentation, improvisation, collaboration, playfulness, and other creative skills vital to personal and community growth.

Inherently collaborative, the first published Deep Listening scores and activities (Sonic Meditations, 1971) were workshopped in the context of a female-identified collective, the fem-ensemble, over a period of many months. From the 1980s onwards, Deep Listening workshops, retreats, and the Deep Listening Certification Program were developed and facilitated in close partnership with playwright IONE (also Oliveros’ life partner) and movement artist Heloise Gold. Today, the philosophy and practice of Deep Listening continues to evolve through a growing international community of listeners.

This 90 minute workshop – led by Certified Deep Listening facilitator Abby Dahlquist invites participants to explore Oliveros’ Deep Listening® practice in community. Participants will be guided through a series of exercises that involve meditation, movement, sounding, improvising, and dreaming to explore the sonic environment, both internal and external. This practice is offered as a gateway to creative fields in the space/time continuum.

Get tix now at prs.org/events ✨"

# data[].attributes.attachment_link.description
philosophical_research_society on March 26, 2026: "Sunday April 12! The Philosophical Research Society is proud to welcome certified Deep Listening® facilitator Abby Dahlquist for a workshop exploring composer, performer and humanitarian Pauline Oliveros’s transformative practice.

Dahlquist will guide us through the process and teach us how to bring our awareness to the natural music of the world around us.

Deep Listening explores the difference between the involuntary nature of hearing and the conscious nature of listening. Oliveros developed a practice which includes bodywork, sonic meditations, and interactive performance, as well as listening to the sounds of daily life, nature, one’s own thoughts, imagination, and dreams. It cultivates a heightened awareness of the sonic environment, both external and internal, and promotes experimentation, improvisation, collaboration, playfulness, and other creative skills vital to personal and community growth.

Inherently collaborative, the first published Deep Listening scores and activities (Sonic Meditations, 1971) were workshopped in the context of a female-identified collective, the fem-ensemble, over a period of many months. From the 1980s onwards, Deep Listening workshops, retreats, and the Deep Listening Certification Program were developed and facilitated in close partnership with playwright IONE (also Oliveros’ life partner) and movement artist Heloise Gold. Today, the philosophy and practice of Deep Listening continues to evolve through a growing international community of listeners.

This 90 minute workshop – led by Certified Deep Listening facilitator Abby Dahlquist invites participants to explore Oliveros’ Deep Listening® practice in community. Participants will be guided through a series of exercises that involve meditation, movement, sounding, improvising, and dreaming to explore the sonic environment, both internal and external. This practice is offered as a gateway to creative fields in the space/time continuum.

Get tix now at prs.org/events ✨". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

# data[].attributes.body
Joana Bernd (1994) is an interdisciplinary artist based in Germany. Her artistic practice encompasses various mediums, including painting and video performances, aiming to create accessible art that resonates on a personal level. Bernd's work often reflects an intersectional feminist perspective, emphasizing the interconnectedness of emotional and ecological issues. In her paintings inner worlds are depicted like guidance from inside.

The world feels like a divide - a crossroads of rupture and longing. My work opens windows into both paths: one shaped by feminist rage, despair, and the aching grief for our earth, for each other, and for all who are marginalized. The other path carries a soft resistance: tenderness, longing, and a quiet magic. Like harbingers from another realm, my objects, paintings and gestures appear - fragments of a world trying to mend.

I resist singularity.

# data[].attributes.attachment_link.description
Nextcloud - a safe home for all your data

# data[].attributes.body
Listening as research
The artistic research project Polyphonic Landscapes inquires the question how sound and the act of listening can contribute to a more active understanding of landscapes. In other words: How can our sense of hearing foster a more embodied, inclusive, relational, and reciprocal connectivity to our environment, the latter being ecologically understood as a process, in which various life forms, materials, energy flows and temporalities are involved?

exercise

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Landscaping
A growing number of scientists, scholars and artists agree that we have entered the Anthropocene, a geological era in which humankind has become a major force in shaping the Earth. In this context the concept of landscape acquires a new urgency, as well as a new meaning: Where landscape historically has often been thought of as a picturesque vista or a passive backdrop for human protagonists, contemporary artists and theorists conceptualize landscape not so much as a noun but as a verb. The latter expresses a continuous flux of becoming in which both human and more-than-human agencies are entangled in a polyphony of 'world making', i.e. landscaping.

L istening as research
The artistic research project P olyphonic Landscapes inquires the question how sound and the act of listening can contribute to a more active understanding of landscapes. In other words: How can our sense of hearing foster a more embodied, inclusive, relational, and reciprocal connectivity to our environment, the latter being ecologically understood as a process, in which various life forms, materials, energy flows and temporalities are involved?

The underlying goal of the project is to gain more insight into the processes as of how artistic research(ers) produce new entrances to specific layers of knowledge that are not or hardly touchable by regular academic practices. In tandem with this, the ways in which the researching artists will give shape to their investigations and how they substantiate the public character of research, are an important point of focus.

Polyphonic Landscapes operates at three levels:

1. Sonic research into the urgent problem of the relation between nature and culture

2. Research into the agency of both theory and practices in artistic research

3. Research into the ecology of the senses and the multisensorial

R esearchers and location
In P olyphonic Landscapes these questions will be enquired into by four internationally acclaimed sound artists: Budhaditya Chattopadhyay (IN, NL), Yolande Harris (UK, US), Teemu Lehmusruusu (FI) and Lia Mazzari (IT, UK). Their one year long artistic research will display all along their process of creating new sound art works that facilitate embodied and situated ways of knowing and experiencing landscape. To foster a fruitful cross-pollination between artistic practice and critical theory, researchers of the ArtEZ Professorship Theory in the Arts (led by Peter Sonderen, project leader Joep Christenhusz) and Zone2Source director Alice Smits will act as a theoretical sounding board, besides other experts.

In close collaboration with the Amsterdam based platform for art, nature, and technology Zone2Source, the research activities are to take place in and around the fifty-year-old Amstelpark, a hybrid environment in which the urban and the natural are closely intertwined. The participants will explore the sonic environment of the location by self defined research questions. The progression of their investigations will be shared during three public research seminars (see agenda). As a conclusion of the project, the connected sound art works will be exhibited by Zone2Source between mid-September and mid-November 2023.

N ational Research Agenda (NWA)
P olyphonic Landscapes is part of the Art Route NWA-project B it by bit, or not at all within the scheme 'Small Projects' which is financed by the Dutch Research Council (NWO). In this project several cluster questions will be addresses that were posed by the National Research Agenda. For instance: 'What is quality of life?' and 'What does art mean to people?'.

Polyphonic Landscapes seeks to find new perspectives on these questions by means of artistic research that concentrates on inquiring the relationship nature and culture, and the place of the human and non-human in particular. It endorses the NWA Art Route's view that, in the face of global climate breakdown, art can be an alternative way of knowledge production, that sidesteps dichotomies between subject and object, knowing and experiencing, human and nonhuman, in the face of climate breakdown.

P articipants

Initiative, coordination:
Professorship Theory in the Arts, ArtEZ University of the Arts
Dr. Peter Sonderen, responsible professor
Joep Christenhusz, MA, project leader
Zone2Source
Alice Smits, artistic director

Artistic Researchers:
Budhaditya Chattopadhyay (IN, NL)
Yolande Harris (UK, US)
Teemu Lehmusruusu (FI)
Lia Mazzari (IT, UK)

Project partners:
Zone2Source

Educational partners:
Honours Lab, ArtEZ University of the Arts

CJoep Christenhusz
(Jo.Christenhusz (at) ArtEZ.nl)

# data[].attributes.attachment_link.description
Landscaping A growing number of scientists, scholars and artists agree that we have entered the Anthropocene, a geological era in which humankind has become a major force in shaping the Earth.

# data[].attributes.body
Situated Creative Practices for the Pluriverse (SIT-PLU) is a Creative Europe initiative tackling socio-ecological challenges through innovative, context-specific artistic interventions. Drawing on the Zapatista concept of the pluriverse—"a world where many worlds fit"—the project embraces diverse ways of knowing and living, foregrounding buen vivir(social well-being), communal interdependence, and the relationships between human and more-than-human entities.

The Companion brings together a set of practices, including exercises, formats, prompts, scores, and group experiments, developed collaboratively by members of the SIT-PLU network. Each practice proposes different ways of activating relationships between people, things, and places, exploring how research and artistic practice can unfold collectively.
The collection is intended for those engaged in collective processes, artists, educators, researchers, students, hosts, and guests, as well as for anyone interested in how relationships themselves can operate as a form of knowledge. Across the contributions, the practices attend to the bonds that shape work, between artist and host, teacher and student, researcher and place, and individual and collective.

# data[].attributes.attachment_link.title
Situated Creative Practices for the Pluriverse (SIT-PLU) | LUCA

# data[].attributes.attachment_link.description
SIT-PLU is a Creative Europe initiative tackling socio-ecological challenges through innovative, context-specific artistic interventions.

# data[].attributes.headline
Lesley Finn - Collage, Image, Word; sensemaking & thoughtful intuition

# data[].attributes.subject
Lesley Finn - Collage, Image, Word; sensemaking & thoughtful intuition

# data[].attributes.body
https://www.instagram.com/p/DURDg3dDDCn/?igsh=MXR5a2ZjMWZ2NGoxdQ==

unplanned connections

discovering possible relations

collage is alwats in relation

makes us reflect on the process of making and knowledge, finding relations, connections and entanglements.

the mysterious in the process

fragmentation and rearrangement

no seperation between the writing and visual making process

# data[].attributes.attachment_link.title
Lesley Finn and collage as sensemaking by thoughtful intuition - The Weird Show

# data[].attributes.attachment_link.description
Artist Lesley Finn talks about collage, found materials, and archive research, and her interest on mysticism, poetry and book arts.

# data[].attributes.body
We — Juliana Acero, Stefano Cattani, Carmen Draxler, Laura Flethe and Rita Gaspar — are an research-based artistic collective driven by the need of resisting the individualization and alienation of the current society. Through collaborative practice, we create spaces for counter narratives that spark hope in a paranoiac world.

Our work unfolds through embodied experiences, learning with the body, sharing stories, and building meaningful encounters for repairing social fabrics of care.

We protest otherwise, always TogetherTogether.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
We - Juliana Acero, Stefano Cattani, Carmen Draxler, Laura Flethe and Rita Gaspar - are an research-based artistic collective driven by the need of resisting the individualization and alienation of the current society. Through collaborative practice, we create spaces for counter narratives that spark hope in a paranoiac world.

Our work unfolds through embodied experiences, learning with the body, sharing stories, and building meaningful encounters for repairing social fabrics of care.

We protest otherwise, always TogetherTogether.

# data[].attributes.attachment_link.description
We - Juliana Acero, Stefano Cattani, Carmen Draxler, Laura Flethe and Rita Gaspar - are an research-based artistic collective driven by the need of resisting the individualization and alienation of the current society. Through collaborative practice, we create spaces for counter narratives that spark hope in a paranoiac world.

# data[].attributes.attachment_link.title
Mourning a revolution on Instagram: "TODAY! 
Pre-opening: ‘Suspension Moment’, workshop by TogetherTogether collective (@togethertogether.collective)
August 1st 2025, 18h at @mamarotterdam 

We will rehearse ways of suspending what stops us from living otherwise, to dream and start practicing a different world already. This session will focus on individualism. Through conversations, movement exercises, and collective storytelling, we will imagine actions to counter neo-liberal conditions which keep us apart. 

TogetherTogether — Juliana Acero (b. 1992, Colombia), Stefano Cattani (b. 2000, Italy), Carmen Draxler (b. 1998, Germany), Laura Flethe (b. 1999, Germany) and Rita Gaspar (1993, Portugal) — is an artistic research collective based in The Hague. Driven by the need of resisting individualization and alienation, they use a collaborative practice to create spaces for counter narratives that spark hope in a paranoiac world. Their work unfolds through embodied experiences, learning with the body, sharing stories, and building meaningful encounters for repairing social fabrics of care.

@lajulita_vavolada 
@stefano_cattani 
@silberring
@lauraflethe
@ritacorreiagaspar"

# data[].attributes.attachment_link.description
55 likes, 1 comments - mourningarevolution on August 1, 2025: "TODAY! 
Pre-opening: ‘Suspension Moment’, workshop by TogetherTogether collective (@togethertogether.collective)
August 1st 2025, 18h at @mamarotterdam 

We will rehearse ways of suspending what stops us from living otherwise, to dream and start practicing a different world already. This session will focus on individualism. Through conversations, movement exercises, and collective storytelling, we will imagine actions to counter neo-liberal conditions which keep us apart. 

TogetherTogether — Juliana Acero (b. 1992, Colombia), Stefano Cattani (b. 2000, Italy), Carmen Draxler (b. 1998, Germany), Laura Flethe (b. 1999, Germany) and Rita Gaspar (1993, Portugal) — is an artistic research collective based in The Hague. Driven by the need of resisting individualization and alienation, they use a collaborative practice to create spaces for counter narratives that spark hope in a paranoiac world. Their work unfolds through embodied experiences, learning with the body, sharing stories, and building meaningful encounters for repairing social fabrics of care.

@lajulita_vavolada 
@stefano_cattani 
@silberring
@lauraflethe
@ritacorreiagaspar". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

# data[].attributes.body
zo’n ontzettend mooie ontroerende documentaire. prachtig hoe deze jongeren de kans krijgen om met rauwe natuur dieren en liefdevolle confrontatie groei kunnen doormaken!

# data[].attributes.body
via ode aan de twijfel: Bart is kunstenaar en kwartiermaker van bakkerij de Stoker, een oven op wielen in Rotterdam. Als kunstenaar kan Bart de oven op allerlei verschillende plekken en situaties inzetten. De bakkerij vindt hij de ultieme vorm van eenvoud.

‘Want,’ zegt hij, ‘alles zit erin. Er ontstaat meestal een gesprek maar ook zonder woorden kun je bakken. Je bent bezig met het vuur en dat heeft zo zijn eigen tempo. Je moet wachten, en dat wachten relativeert, dat zorgt voor een sfeer van overdenken. Eenvoud schept ruimte en in die ruimte kunnen mensen mijmeren en ontstaan er nieuwe ideeën.’

# data[].attributes.body
relatable

# data[].attributes.attachment_link.description
You don’t have authorization to view this page.

# data[].attributes.body
Artists are not decorators of the present, they are visionaries of the possible, architects of alternative realities, catalysts of cultural shifts. At the School of Disobedience, you are not positioned as a follower of existing systems, but as a contributor, a thinker, a maker of methods and meanings. You are empowered to generate and share knowledge, to invent tools, to imagine frameworks for another artistic world, one that does not yet exist.
​Here, we shift the ecology:
from competition to collaboration,
​from passive participation to embodied responsibility,
from individual brilliance to collective intelligence.
​We cultivate a culture of mutual support and radical generosity. Not the generosity of self-erasure, but the generosity of agency: we lift each other by being fully ourselves. Because we believe the future is not inherited, it is built. And in this school, you practice building it.
Not someday, now.

# data[].attributes.attachment_link.description
This is the Art School of the future, where in an international, intercultural, and intergenerational environment you learn the tools, techniques, and methods that are necessary to build your own world with your own rules, and live from your creativity.

# data[].attributes.attachment_link.title
Essay: Het nut van rust Beeldende kunst | Kunst magazine| Vakblad beeldende kunst BK-informatie

# data[].attributes.attachment_link.description
Op 1 oktober 2025 lanceerde BK-informatie haar nieuwe podcast. Onder de titel (en ondertitel) Het kan ook anders. Over kantelpunten in de kunstenaarspraktijk spreekt filosoof en kunstkenner Esther Didden een jaar lang iedere week een beeldend kunstenaar over veranderingen en transities in hun werk. Het gaat over kantelpunten – intern…

# data[].attributes.attachment_link.title
Het Fries Museum - het museum van Friesland, in Leeuwarden

# data[].attributes.attachment_link.description
Diverse tentoonstellingen en activiteiten. Museum en bezienswaardigheid in Leeuwarden met museumcafé en filmhuis.

# data[].attributes.body
Prachtig indrukwekkende poetische video en licht installatie van Tina Farifteh in het Fries Museum.

# data[].attributes.attachment_link.title
Tina Farifteh: Toen ik de zon en de maan tegelijk zag - Tentoonstellingen - Te zien en te doen - Fries Museum

# data[].attributes.attachment_link.description
Diverse tentoonstellingen en activiteiten. Museum en bezienswaardigheid in Leeuwarden met museumcafé en filmhuis.

# data[].attributes.body
ode aan de twijfel

Onze maatschappij is vol meningen en standpunten. Voor twijfel lijkt steeds minder ruimte. Met Ode aan de Twijfel breken we met de gedachte dat twijfel geen plek mag hebben. Twijfel is een kracht die ons dwingt tot het stellen van vragen en daarmee aan de slag te gaan. Even wachten in plaats van snel naar het antwoord rennen. Dat vergt oefening in stilstaan, aarzelen, vragen stellen, nadenken, reflecteren en overwegen.

# data[].attributes.attachment_link.title
Ode aan de Twijfel – ‘Ode aan de Twijfel’ belicht de waarde van twijfel vanuit kunst, filosofie en de blik van jongeren.

# data[].attributes.attachment_link.description
Onze maatschappij is vol meningen en standpunten. Voor twijfel lijkt steeds minder ruimte. Met Ode aan de Twijfel breken we met de gedachte dat twijfel geen plek mag hebben. Twijfel is een kracht die ons dwingt tot het stellen van vragen en daarmee aan de slag te gaan. Even wachten in plaats van snel naar het antwoord rennen. Dat vergt oefening in stilstaan, aarzelen, vragen stellen, nadenken, reflecteren en overwegen.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Wat is het Filosofisch Café?

Het Filosofisch Café is een pop-up-plek, ingericht als jaren-50 café, waar mensen laagdrempelig in in gesprek kunnen over filosofische vraagstukken die via koekjes bij de koffie worden aangeboden. Het Filosofisch Café biedt ruimte om onder begeleiding van huisfilosoof en barista Sanne ten Wolde te ontwarren. Binnen de sfeer van een vintage koffiebar is gemakkelijker ingewikkelde dingen te bespreken; tijdens het roeren in je cappuccino of het frummelen met een suikerzakje verken je nieuwe denkpaden zonder druk. Kortom: een gemoedelijke setting die voor veilig denken zorgt.

# data[].attributes.attachment_link.description
Pop-up jaren-50 koffiebar waar je ontspannen en laagdrempelig onder het genot van koffie en koekjes in gesprek gaat over grote vragen.

# data[].attributes.attachment_link.description
An auto-proclaimed Amazigh Futurist, AZ OOR is a Visual Artist, Storyteller, and Poet.

# data[].attributes.attachment_link.description
Louwrien WijersLouwrien Wijers is kunstenaar en schrijver. Als beeldend kunstenaar maakt ze zowel materiële als mentale sculpuren. Een van de bijzondere mentale sculpturen die ze maakte is de conferentie Art meets Science and Spirituality in a Changing Economy (1990), die wetenschappers, economen, spiritueel leiders en kunstenaars samenbracht. Ze wilde nooit naar de kunstacademie, maar ziet zichzelf wel als een overtuigde leerling van Joseph Beuys. is kunstenaar en schrijver. Als beeldend kunstenaar maakt ze zowel materiële als mentale sculpuren. Ze heeft een eigen, vrije benadering van ku

# data[].attributes.body
Hoe kom je in contact met mensen die je nog niet kent? Hoe herken je wat er speelt in een gemeenschap? Welke rol heeft kunst en design bij het activeren van wederzijds contact waarin iedereen maker en inspirator is?  Via regeneratieve en antropologische methoden wordt collectieve verbeelding geactiveerd om complexe vraagstukken aan te pakken. Emoties, routines, rituelen worden met deelnemers in kaart gebracht en gevisualiseerd om alternatieve toekomsten te ontdekken.

contacteren hoe pakt zij dit soort projecten aan :)

# data[].attributes.attachment_link.title
Design Antropologie – Design Anthropology

# data[].attributes.attachment_link.description
Design anthropology combines the transformative, future orientation of design with anthropological theory and cultural interpretation, systematic investigation of the past as a lens to explore the present, and a unique sensitivity to the value orientations of various groups affected by design projects (Otto & Smith, 2013).

# data[].attributes.body
taal, schrijven en ontmoetingskunst

# data[].attributes.attachment_link.description
Onze Nederlandse vertaling van het Radicale Tederheid Manifest, geschreven door Dani d’Emilia en Daniel B. Coleman

# data[].attributes.attachment_link.title
School of Disobedience on Instagram: "✍️ NOTES & TEXTS

“Contemporary art has become increasingly self-referential. A loop in which artworks, institutions, and discourses speak mostly to each other, not to the world. Contemporary art has become fluent in its own language, a coded dialect made of references, contexts, and conceptual frameworks that require mediation to be understood.”
— Anna Ádám
@annaadamstudio 

👁️‍🗨️ Read more: patreon.com/AnnaAdam (LINK IN BIO)

📸 Photo: @pipilanna 

#schoolofdisobedience #annaadamstudio #communityart #collaborativeart #collaborativelearning #nonformaleducation #alternativeeducation #criticalpedagogy #unlearningschool #reinventingeducation #performanceartstudies #performanceartschool #artschool #arteducation #masterclass #artretreat #creativeretreat #artistresidency #artistinresidence #artstudio #easterneurope #hungary"

# data[].attributes.attachment_link.description
8,797 likes, 317 comments - school_of_disobedience on December 10, 2025: "✍️ NOTES & TEXTS

“Contemporary art has become increasingly self-referential. A loop in which artworks, institutions, and discourses speak mostly to each other, not to the world. Contemporary art has become fluent in its own language, a coded dialect made of references, contexts, and conceptual frameworks that require mediation to be understood.”
— Anna Ádám
@annaadamstudio 

👁️‍🗨️ Read more: patreon.com/AnnaAdam (LINK IN BIO)

📸 Photo: @pipilanna 

#schoolofdisobedience #annaadamstudio #communityart #collaborativeart #collaborativelearning #nonformaleducation #alternativeeducation #criticalpedagogy #unlearningschool #reinventingeducation #performanceartstudies #performanceartschool #artschool #arteducation #masterclass #artretreat #creativeretreat #artistresidency #artistinresidence #artstudio #easterneurope #hungary". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

# data[].attributes.body
Drawing is central to Trui’s artistic practice. Within this practice, various printmaking techniques are also integrated. She made a 'construction kit,' out of 2dimensional bodydepartments of herself, which creates a framework that allows for endless drawing.". Characters and structures arise, constantly referring to the idea of theatre. A recurring element is the vast landscape, where the horizon line—or the absence of it—plays a key role. The concept of the expansive landscape contrasts with that of the theatre, which is a closed entity.

In addition to her drawings, costumes also form a significant part of her artistic practice. These costumes can be seen as drawings or installations. They can be draped in space, creating the suggestion of a body without one actually being present.

Her artistic practice could be seen as a preparation for a theater piece that will never actually take place

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
THE LISTENING BIENNIAL is an artistic, research initiative focusing on listening as a relational capacity, a philosophical and political proposition, a creative practice, and research framework. It acts as an umbrella bringing together practitioners, researchers, institutions and collectives engaged in listening as a method, a tool, a poetics. This includes the creation of an international Biennial exhibition, as well as organizing the Listening Academy in different cities.

From radical empathy to weak ontology, poetic refusal to diasporic resistance, eavesdropping to intimate envelopment, listening wields a creative and critical force that may contribute to maintaining the diversity of our social adventure.

# data[].attributes.attachment_link.description
Listening in Movement. The Listening Biennial draws attention to listening as a relational capacity.

# data[].attributes.attachment_link.title
Victoria and Albert Museum on Instagram: "The rhythms and sounds of self-soothing.

Disabled artists Xan Dye and Gerald Curtis work with movement, sound, and drawing to explore stimming as a way of feeling, connecting, and slowing down together. Their work focuses on listening to the body and creating sensory spaces for rest and connection.

Join us for their immersive performance, ‘Practicing in Parallel’, at this month’s Friday Late, where they invite us into a shared sensory ritual, opening space for creativity, relaxation and flow. 

Friday Late: Radical Kinship takes place on Friday 28 November at V&A South Kensington. Free entry to all.

Find out more via the link in bio."

# data[].attributes.attachment_link.description
3,229 likes, 133 comments - vamuseum on November 26, 2025: "The rhythms and sounds of self-soothing.

Disabled artists Xan Dye and Gerald Curtis work with movement, sound, and drawing to explore stimming as a way of feeling, connecting, and slowing down together. Their work focuses on listening to the body and creating sensory spaces for rest and connection.

Join us for their immersive performance, ‘Practicing in Parallel’, at this month’s Friday Late, where they invite us into a shared sensory ritual, opening space for creativity, relaxation and flow. 

Friday Late: Radical Kinship takes place on Friday 28 November at V&A South Kensington. Free entry to all.

Find out more via the link in bio.". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

# data[].attributes.attachment_link.title
Van Abbemuseum Eindhoven on Instagram: "We 🍊 Laure. Laure Prouvost nodigt ons uit in haar atelier: een plek waar werkelijkheid en fantasie in elkaar overvloeien. Elk hoekje vertelt een nieuw verhaal, elk object lijkt een geheim te fluisteren. Haar kunst is net zo meeslepend als haar werkruimte: onverwacht, poëtisch en vol lagen die je telkens opnieuw laten kijken. Een aantal van deze werken vind je in de collectie van het Van Abbemuseum én in onze collectiepresentatie Dwarsverbanden. Meer info over de collectiepresentatie 👉 #linkinbio

🎥 @Otisdirk

EN We 🍊 Laure. Laure Prouvost invites us into her studio – a place where reality and imagination seamlessly intertwine. Every corner tells a new story, every object seems to whisper a secret. Her art is as captivating as her workspace: unexpected, poetic and full of layers that make you look again and again. You’ll find several of these works in the Van Abbemuseum collection and in our presentation Dwarsverbanden. More about the collection presentation 👉 #linkinbio

#vanabbemuseum #vanabbe #thisiseindhoven #visiteindhoven #eindhovencity #eindhoven #thisislove #thismeanslove #love #laureprouvost #museum #collection #presentation #collectie #museum #museumnederland #dagjeuit #uitje #kunst #art #guide #dwarsverbanden #delinkingandrelinking"

# data[].attributes.attachment_link.description
19 likes, 2 comments - vanabbemuseum on November 27, 2025: "We 🍊 Laure. Laure Prouvost nodigt ons uit in haar atelier: een plek waar werkelijkheid en fantasie in elkaar overvloeien. Elk hoekje vertelt een nieuw verhaal, elk object lijkt een geheim te fluisteren. Haar kunst is net zo meeslepend als haar werkruimte: onverwacht, poëtisch en vol lagen die je telkens opnieuw laten kijken. Een aantal van deze werken vind je in de collectie van het Van Abbemuseum én in onze collectiepresentatie Dwarsverbanden. Meer info over de collectiepresentatie 👉 #linkinbio

🎥 @Otisdirk

EN We 🍊 Laure. Laure Prouvost invites us into her studio – a place where reality and imagination seamlessly intertwine. Every corner tells a new story, every object seems to whisper a secret. Her art is as captivating as her workspace: unexpected, poetic and full of layers that make you look again and again. You’ll find several of these works in the Van Abbemuseum collection and in our presentation Dwarsverbanden. More about the collection presentation 👉 #linkinbio

#vanabbemuseum #vanabbe #thisiseindhoven #visiteindhoven #eindhovencity #eindhoven #thisislove #thismeanslove #love #laureprouvost #museum #collection #presentation #collectie #museum #museumnederland #dagjeuit #uitje #kunst #art #guide #dwarsverbanden #delinkingandrelinking". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

# data[].attributes.body
ceremonies en rituelen wereldwijd voor de aarde

# data[].attributes.attachment_link.title
Ceremony for the Earth (NL/EN) - Re_Nature

# data[].attributes.attachment_link.description
Catherina en Iris komen namens het kustvolk van de North Sea Bioregion – de

# data[].attributes.body
op de DDW kwam ik het boek tegen van sociale ontwerpers ‘’Strangers need strange moments together’’, zij doen projecten die echt ingaan op ontmoetingen en spelen in de publieke ruimte. maar ik vind dit wel heel interessant op welke manieren je dit soort interventies kan doen, die vast of tijdelijk zijn, om contact te stimuleren, of andere bewegingen in de ruimte uit te lokken.

# data[].attributes.attachment_link.title
Strangers need strange moments together - Set Margins’

# data[].attributes.attachment_link.description
€29.00 In stock Strangers need strange moments together quantity Add to cart Category: Books Tags: #architecture, #mediaarchitecture, #publicspace, #socialdesign Description Additional information Description This book frequently uses the word ‘we’. We, as in the general public, engaged citizens, humans of planet Earth… And we, Mouna Andraos and Melissa Mongiat, together with our team at Daily […]

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Land van de getatoeëerden
Met The land of the tattooed; ungodly beasts presenteert Kwinnie Le een installatie waarin zij de koloniale geschiedenis achter tatoeages blootlegt. De hangende doeken zijn bedekt met patronen en afdrukken van houtsnedes die Kwinnie tijdens de residency heeft gemaakt. Sommige van deze symbolen en patronen zijn gebaseerd op de Đông Sơn drum en zijn nog steeds te vinden in Vietnam, op poorten, meubels en ornamentele objecten.

The land of the tattooed is een semi-fictieve staat die zijn naam ontleent aan de historische staat Vietnam: Văn Lang, wat ruwweg vertaald 'het land van getatoeëerden' betekent en waar iedereen van top tot teen bedekt met tatoeages. Deze overlevering integreert Kwinnie in de installatie, waar de hangende doeken bedrukt zijn met een semi-fictief alfabet dat een samensmelting is van het Latijnse alfabet, het alfabet dat Kwinnie Le dagelijks gebruikt (Engels, Vietnamees en Nederlands), en voorouderlijke patronen die toentertijd werden getatoeëerd.

De doeken hangen in een spiraal en bieden gedurende de tentoonstelling een veilige plek waar mensen kunnen samenkomen en waar rituelen kunnen plaatsvinden - in de vorm van ontmoetingen, performances en besloten tatoeage rituelen met gast-deelnemers zoals Joe Patty-Sabandar, een Molukse traditionele tatoeëerder woonachtig in Hoorn.

# data[].attributes.attachment_link.title
Kwinnie Lê, 'The land of the tattooed: ungodly beasts' - HMK

# data[].attributes.attachment_link.description
Land van de getatoeëerden Met The land of the tattooed; ungodly beasts presenteert Kwinnie Le een installatie waarin zij de koloniale geschiedenis achter tatoeages blootlegt. De hangende doeken zijn bedekt met patronen en afdrukken van houtsnedes die Kwinnie tijdens de residency heeft gemaakt.

# data[].attributes.attachment_link.description
Workshop description to follow. Body-Mind Centering® is described as an approach and its experiential study as a creative process. As both an approach and a process (rather than a defined technique), BMC® readily intersects with, layers upon, and engages in generative dialogue with related disciplines, diverse fields, and applications.

# data[].attributes.attachment_link.title
de Appel on Instagram: "Along with the playshops and activities, de Appel will host a series of talks to accompany the exhibition 𝘊𝘢𝘤𝘤𝘏𝘩𝘰 𝘊𝘶𝘤𝘤𝘩𝘩𝘈 by Mercedes Azpilicueta. This symposium is geared towards an adult public, but children will also be welcome to be present and play in the exhibition space during the symposium.

Play is not a rehearsal for culture, it is its most elemental form. This symposium proposes a radical repositioning of children not as visitors, but as co-constructors of cultural meaning. What happens when institutions allow for mess, mischief, and multiplicity and when the lines between education, play, and politics dissolve into a space of shared becoming? During the symposium we discuss topics with which we have been engaged with during the process of working on the exhibition 𝘊𝘢𝘤𝘤𝘏𝘩𝘰 𝘊𝘶𝘤𝘤𝘩𝘩𝘈, where we ask questions about play in relation to other aspects of artistic work and urgent topics of our times.

Throughout the symposium, O(o)yster moms will hold two storytelling workshops, reading from radical children’s literature together with the children and their caretakers in several languages. During the day we will host sharing sessions by cultural workers who address two main themes that overlap: 𝙋𝙡𝙖𝙮 𝙖𝙩 𝘾𝙪𝙡𝙩𝙪𝙧𝙖𝙡 𝙄𝙣𝙨𝙩𝙞𝙩𝙪𝙩𝙞𝙤𝙣𝙨, with contributions by Penny Wilson, Choi Heong-uk and Daniela Pelegrinelli, and 𝙍𝙚𝙫𝙤𝙡𝙪𝙩𝙞𝙤𝙣 𝙛𝙤𝙧 𝙆𝙞𝙙𝙨: 𝙃𝙤𝙬 𝙩𝙤 𝙞𝙣𝙩𝙧𝙤𝙙𝙪𝙘𝙚 𝙙𝙞𝙛𝙛𝙞𝙘𝙪𝙡𝙩 𝙨𝙪𝙗𝙟𝙚𝙘𝙩𝙨 𝙩𝙤 𝙘𝙝𝙞𝙡𝙙𝙧𝙚𝙣, with contributions by María Berríos, Priscila Fernandes and Zeina Maasri. Ilga Minjon will be moderating the sessions.

More info and tickets, see our website: deappel.nl."

# data[].attributes.attachment_link.description
10 likes, 1 comments - de_appel on September 22, 2025: "Along with the playshops and activities, de Appel will host a series of talks to accompany the exhibition 𝘊𝘢𝘤𝘤𝘏𝘩𝘰 𝘊𝘶𝘤𝘤𝘩𝘩𝘈 by Mercedes Azpilicueta. This symposium is geared towards an adult public, but children will also be welcome to be present and play in the exhibition space during the symposium.

Play is not a rehearsal for culture, it is its most elemental form. This symposium proposes a radical repositioning of children not as visitors, but as co-constructors of cultural meaning. What happens when institutions allow for mess, mischief, and multiplicity and when the lines between education, play, and politics dissolve into a space of shared becoming? During the symposium we discuss topics with which we have been engaged with during the process of working on the exhibition 𝘊𝘢𝘤𝘤𝘏𝘩𝘰 𝘊𝘶𝘤𝘤𝘩𝘩𝘈, where we ask questions about play in relation to other aspects of artistic work and urgent topics of our times.

Throughout the symposium, O(o)yster moms will hold two storytelling workshops, reading from radical children’s literature together with the children and their caretakers in several languages. During the day we will host sharing sessions by cultural workers who address two main themes that overlap: 𝙋𝙡𝙖𝙮 𝙖𝙩 𝘾𝙪𝙡𝙩𝙪𝙧𝙖𝙡 𝙄𝙣𝙨𝙩𝙞𝙩𝙪𝙩𝙞𝙤𝙣𝙨, with contributions by Penny Wilson, Choi Heong-uk and Daniela Pelegrinelli, and 𝙍𝙚𝙫𝙤𝙡𝙪𝙩𝙞𝙤𝙣 𝙛𝙤𝙧 𝙆𝙞𝙙𝙨: 𝙃𝙤𝙬 𝙩𝙤 𝙞𝙣𝙩𝙧𝙤𝙙𝙪𝙘𝙚 𝙙𝙞𝙛𝙛𝙞𝙘𝙪𝙡𝙩 𝙨𝙪𝙗𝙟𝙚𝙘𝙩𝙨 𝙩𝙤 𝙘𝙝𝙞𝙡𝙙𝙧𝙚𝙣, with contributions by María Berríos, Priscila Fernandes and Zeina Maasri. Ilga Minjon will be moderating the sessions.

More info and tickets, see our website: deappel.nl.". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by de Appel (@de_appel)

# data[].attributes.body
In her artistic practice, Carmen researches how we as human beings can relate to the 'natural world', to non-human beings. In these times of planetary change, Carmen feels the necessity to find recognise the value our non-human neighbours on whom we depend and share this planet with. She uses her practice as a tool to commit her time, care, respect and reciprocity to non-humans which we otherwise overlook, forget, or don’t know. Carmen feels most connected to the earth when she is outside, and so naturally her artistic studio and processes are mostly based outdoors. Through various media - such as writing, photography, film, sound, ceramics, foraging and cooking - she researches how we can we use our human sensitivity and apparatus to find new ways of connecting with our non-human neighbours.

# data[].attributes.body
https://www.daycollective.com/works

# data[].attributes.attachment_link.description
Welcome back to Instagram. Sign in to check out what your friends, family & interests have been capturing & sharing around the world.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Op initiatief van Jeanne van Heeswijk en Yvonique Wellen komen deze zomer bewoners, denkers, makers en activisten bijeen in de Oude Kerk, om daar met elkaar in gesprek te gaan over actuele sociaal-maatschappelijke vraagstukken en zo de kerk weer haar rol als huiskamer van Amsterdam terug te geven. Mister Motley neemt deel aan It's OK... commoning uncertainties: onze redactie luistert, reflecteert en geeft het proces weer vanuit hun eigen perspectief en vorm. De verhalen die hieruit voortvloeien worden gedurende de manifestatie gedeeld. Vandaag publiceren we het gesprek dat Maurits de Bruijn en Laure van den Hout voerden met Jeanne van Heeswijk en Yvonique Wellen, waarin zij meer vertellen en delen over de insteek van It's OK...: het gemeenschappelijk maken van onzekerheden en het verhalen van verschillende realiteiten.

Maurits de Bruijn & Laure van den Hout
Bepaalde vormen van bestaansrecht kunnen geen plaatshebben, is dat een van de specifieke problemen die jullie hier op de Wallen hebben aangetroffen, een van de specifieke thema's?

Jeanne van Heeswijk

In mijn werk krijgen wereldwijde conflicten en hun lokale uitwerkingen vorm. Als voorbeeld geef ik vaak: het gebrek aan betaalbare woningen leidt overal ter wereld tot een crisis, maar het ziet er in Liverpool anders uit dan in de Afrikaanderwijk in Rotterdam, dan hier op de Wallen of in Philadelphia. Er zijn een aantal grotere urgenties die in de wereld spelen, die zich lokaal op een bepaalde manier manifesteren. Dat is het vertrekpunt van It's OK... geweest, om na te denken over wat de kerk als een hedendaags toevluchtsoord in dit gebied zou kunnen betekenen.

Vroeger heeft de Oude Kerk meerdere sociale functies gehad, onder andere als toevluchtsoord. De Sebastiaanskapel was een plek waar mensen die honger hadden brood kregen. De kerk is door de geschiedenis heen een plek geweest waar mensen een tijdelijk gevoel van geborgenheid konden vinden. Ik ben vertrokken vanuit het idee van sanctuary, refuge, safer spaces, welke binnen mijn werk belangrijk zijn. Praktijken van zorg dragen voor jezelf en elkaar. For self and community. En hoe gaat dat in tijden waarin er continu crisis is? Waar bestaansrechten en alles onder druk staan en waar we dagelijks geconfronteerd worden met beelden van succes, die de powers-to-be op ons projecteren: van hoe een succesvolle buurt eruit moet zien tot hoe een succesvolle toekomst eruit moet zien.

Er zijn ongelooflijk veel participatietrajecten waarbij we allemaal mee mogen doen met vormgeven van onze leefomgeving, onze toekomst. Maar het is een toekomst die op ons wordt geprojecteerd. En mijn werk gaat over: hoe gaan we samen beelden van de toekomst creëren die rechtvaardiger zijn, die meer van onze geschiedenissen in zich dragen en meer recht doen aan de verschillende betrokkenen in het gebied? Beginnen vanuit het idee van een toevluchtsoord, van safer spaces, voor het delen van verschillende realiteiten, is belangrijk geweest. Van hieruit zijn we onderzoek gaan doen naar het gebied in de laatste honderd jaar, naar wat de praktijken van zorg zijn en welke andere vormen van zorg zijn ontstaan. Zorg voor zelf en voor elkaar.

Yvonique Wellen

Verschillende vormen van zelfgeorganiseerde zorg. Daarin is en was dit gebied rijk, ook omdat het een gebied is dat lange tijd bij de gemeente van de radar is verdwenen. Daardoor werd dit dus een plek waar veel mensen die zich op andere plekken niet thuis voelden of niet welkom waren wel een thuis konden vinden. En daarmee ontstonden ook interessante zorgstructuren.

Het is ook een plek die belangrijk is voor Amsterdamse queer geschiedenissen, de plek waar de leather scene ontstaan is. Maar ook waar lesbische vrouwen vanuit sekswerk hun eigen cafés konden beginnen op de Zeedijk.
De Nederlandse tak van het Leger des Heils is hier bestendigd onder de hoede van Majoor Bosshardt. En een plek als coffeeshop Bulldog is ontstaan in de tijd dat hier de heroïnecrisis was, om een ruimte te creëren waar mensen veilig softdrugs konden gebruiken en heroïne niet gebruikt mocht worden. Ook is er een grote Chinese gemeenschap die ook weer een interessante onderlinge zorgcommunity hebben. Dus er zit hier van alles, dit is nog maar een begin.

Kapel voor samenkomsten It's OK... in de Oude Kerk. Ontwerp: Viola Renate & Satja Jurc Blagovic. Foto: LNDW Studio

Yvonique Wellen

Ik werk ook bij het Internationaal Instituut voor Sociale Geschiedenis (IISG) dus ik kon de krakersgeschiedenis bijvoorbeeld daar in de archieven opzoeken. Maar verder heb ik het internet gebruikt en allerhande (obscure) blogs en populaire boeken geraadpleegd, van mensen die het leuk vonden om verhalen uit de buurt op te tekenen, omdat het bijzondere verhalen zijn.

Jeanne van Heeswijk

Vanuit al dat onderzoek zijn we mensen gaan opzoeken, gesprekken aangegaan. Zijn we heel langzaam door de buurt en door haar geschiedenissen gaan wandelen en hebben we aangeklopt bij PIC (Prostitutie Informatie Centrum), bij allerlei ondernemers, groepen bewoners en bewerkers en buurtorganisaties. Gewoon gaan luisteren naar hoe mensen hun omgeving ervaren en of ze vinden dat ze enige zeggenschap hebben. Binnen mijn werk noem ik dit een proces van deep listening.

Yvonique Wellen

Ja, we wilden echt in kaart brengen wat en wie hier nu eigenlijk heeft geleefd en leeft. Ik heb ook veel onderzoek gedaan naar de invloed van beleid op dit gebied. Gemeentebeleid en de manier waarop het de huidige context heeft beïnvloed en hoe dat zich door de jaren heen ontwikkeld heeft. In de afgelopen decennia kwam het gebied weer op de radar van de gemeente, maar je ziet dat de projecten die door hen zijn opgezet ook een inbreuk betekenen op de sociale cohesie en dat zo ook de opkomst van het massatoerisme is gefaciliteerd.

Het feit dat die kennis er bij ons al was door al dat onderzoek dat we hebben gedaan, dat je dat gewoon al wist als mensen over bepaalde pijn spraken, dat je daar niet op door hoefde te vragen, maar dat je al precies wist waar het over ging, heeft geholpen bij het aangaan van verbindingen, denk ik.

Jeanne van Heeswijk

Ik noem dat het emotionele tissue van een gebied. Gebieden zijn meer dan huizen en straten - meer dan stenen en een fysieke infrastructuur - ze hebben ook een emotionele conditie. Zelfs als je problematische architectuur of infrastructuur aanpakt wil dat niet automatisch zeggen dat het tissue daarmee verandert. Dit emotionele tissue is de eigenheid van een gebied. Mijn werk gaat over voeling krijgen met deze emotionele conditie en van daaruit gaan werken.

We begonnen tijdens de coronapandemie, ik denk dat dat ook een rol speelt. Op allerlei manieren zijn we bij allerlei initiatieven betrokken geraakt in het gebied. Als deelnemer of mede-initiatiefnemer.
Mensen vragen me altijd: woon je dan zelf ook op de Wallen? Nee, maar ik werk er dagelijks. Een gebied bestaat voor mij uit bewoners, bewerkers en bezoekers/gebruikers. Bewerkers zijn mensen die in de buurt werken of daar een actieve rol in spelen. Wij zijn de afgelopen drie jaar een bewerker in deze buurt geweest. Ook in de Afrikaanderwijk in Rotterdam wordt mij dit vaak gevraagd. Ik geef dan als voorbeeld: een marktkoopman die al dertig jaar, twee of keer per week een kraam heeft op Afrikaandermarkt kent dat gebied beter dan een nieuwe bewoner.

Kapel voor samenkomsten It's OK... in de Oude Kerk. Ontwerp: Viola Renate & Satja Jurc Blagovic. Foto: LNDW Studio

Yvonique Wellen

Ik wil niet alleen romantiseren hoe het hier eerst was, want het had ook harde kanten. Maar dit gebied bood wel ruimte aan mensen die op andere plekken niet welkom waren en hier een bestaan, ecosystemen en gemeenschappen opbouwden.
Dat is zeker minder en het verandert, moet nu meer en meer veranderen, in een plek zoals de meeste plekken in Amsterdam: plekken voor de persoon met geld, en de bijbehorende voorzieningen.

Jeanne van Heeswijk

In onze vele gesprekken met de buurtgebruikers heeft iemand gezegd dat deze buurt misschien nog de enige plek in Nederland is waar nog een vorm van meerduidigheid bestaat, van tolerantie. Dat deze hoeveelheid diverse mensen bij elkaar een zeldzaamheid aan het worden is omdat we steeds meer naar eenduidige en homogene woon- en leefmilieus gaan.

Het denken over het gemeenschappelijk maken van onzekerheden komt voor mij voort uit het denken over commoning. Vaak praten we dan over coöperatieve woonvormen, energie, dat soort dingen, goederen, gereedschap, materiële zaken. Maar eigenlijk zijn we op het punt dat we ons af moeten vragen hoe we onze verschillende realiteiten delen en onzekerheden gemeenschappelijk kunnen maken. De insteek van het project is dan ook dit gemeenschappelijk maken van onzekerheden en het verhalen van verschillende realiteiten. Hoe doe je dat? Hoe maken we de veelvuldigheid van verschillende realiteiten in een gebied gemeenschappelijk? Dat zijn vrij urgente vragen omdat we in Nederland bezig zijn om monoculturen te creëren. We hebben hier nog net geen gated communities, maar we zijn wel op weg.

Die verscheidenheid, die diversiteit van de Wallen en dan een plek als de Oude Kerk, die midden in dit gebied staat en naast een kerk en museum voor hedendaagse kunst, van oudsher ook een huiskamer, een hart is geweest in en voor het gebied. Dat in combinatie met die [bovenstaande, red.] vragen vind ik interessant. Anders had ik ook geen 'ja' gezegd en daarom bijt ik mezelf er ook zo in vast. Omdat ik vind dat dit de uitgelezen plek is om een verhaal te vertellen vanuit de verbeelding, vanuit de kunst, over waar we op dit moment staan.

De titel heeft meerdere referenties. Een belangrijke is het werk van the Attic Youth Center, een LGBTQIA+ center of youth en een van de deelnemers aan de Towards Sanctuary working group van Philadelphia Assembled. Zij hebben als slogan 'A safe space where IT'S OK2BU' en voeren een praktijk van radicaal welkom heten:

I see you
I hear you
I respect you
IT'S OK2BU

Een welkomstritueel waar It's OK to be
you/them/they,
angry, sad, upset,
wondering, belonging,
welcome,
to bring yourself
and what and whom you love

Met die drie puntjes verwijst de titel naar allerlei mogelijke realiteiten, it's ok... to bring your self and your lived realities. Maar ook It's OK... 'OK' als in Oude Kerk, die het gesprek met de buurt wil gaan.

It's OK... Cirkel 3: Schaduw(en) van beleid#1, met kunstenaar en architect Ola Hassanain en kunstenaarscollectief We Sell Reality, als onderdeel van It's OK... commoning uncertainties. Foto: Maarten Nauw

It's OK... Cirkel 3: Schaduw(en) van beleid#1, met kunstenaar en architect Ola Hassanain en kunstenaarscollectief We Sell Reality, als onderdeel van It's OK... commoning uncertainties. Foto: Maarten Nauw

It's OK... Cirkel 3: Schaduw(en) van beleid#1, met kunstenaar en architect Ola Hassanain en kunstenaarscollectief We Sell Reality, als onderdeel van It's OK... commoning uncertainties. Foto: Maarten Nauw

In de afgelopen twee jaar hebben Jeanne en Yvonique rondom It's OK... twaalf groepen gevormd. In deze 'niet-gelijkvormige ervaringscirkels' staan onderwerpen centraal als het maken van tijd voor gesprek, twijfel, het gemeenschappelijk maken van onzekerheden ten tijden van oorlog, schaduw(en) van beleid, wortels, queer twijfel en toebehoren, het geweld van goede intenties, ouder worden in de buurt, who cares/wie zorgt?, intimiteit en rondom de 'Staat van de Kunsten'. Tijdens de looptijd van It's OK... organiseren de cirkels meerdere samenkomsten rondom deze onderwerpen.

Jeanne van Heeswijk

Binnen mijn werk is het belangrijk dat we alle mensen kunnen vergoeden voor hun bijdragen. Omdat het mogelijk moet zijn voor alle betrokken om deel te kunnen nemen. Niet iedereen kan zich veroorloven om onbetaald tijd vrij te maken. Distributie van resources is een van mijn basisprincipes.

Als een bezoeker van de kerk It's OK... wil ervaren, moet die persoon dan betalen?

Yvonique Wellen

Daar hebben we ook hard aan moeten trekken omdat bezoekersgelden een belangrijke inkomstenbron zijn voor de Oude Kerk als museum. Voor ons was het van belang dat de samenkomsten van It's Ok... gratis toegankelijk zijn. En dat zijn ze ook. Iemand die zegt dat die voor It's OK... komt, of voor een van de samenkomsten, of voor Jeanne of mij of een van de vele andere mensen die meewerken, kan gewoon naar binnen. Daarvoor zijn er solidariteitstickets beschikbaar. Sowieso zijn alle samenkomsten gratis toegankelijk. De bezoekers die toerist zijn en het project niet kennen en voor de kerk komen, kopen wel nog een kaartje.

Jeanne van Heeswijk

Alle manifestaties zijn gratis. Dat is ook een van de redenen waarom de evenementen niet 's avonds maar overdag tijdens openingsuren plaatsvinden, binnen de normale openingsuren van de Oude Kerk. Mensen met een Museumkaart of Stadspas kunnen daardoor al gratis naar binnen, evenals de mensen die op de lijst met genodigden staan. Ook hebben we solidariteitstickets voor mensen die, zoals Yvonique aangeeft, komen voor It's OK...
Daarnaast is het voor mij ook belangrijk om de actieve bewerking van de kerk door de cirkels niet als avondprogramma zien. Dat zie ik als dagelijkse praktijk. Daarom zijn de manifestaties overdag. Op woensdag van 3 tot 5, op vrijdag van 5 tot 7 en op zaterdag ook van 3 tot 5. Het is geen randprogrammering.

Jeanne van Heeswijk

Ja, en wat zijn dan de randvoorwaarden? Want je wilt niet een plek worden voor feesten en partijen en ook niet dat elke kunstenaar-maker uit de omgeving zoiets heeft van 'mag ik mijn kunst tentoonstellen?'. Het is geen free for all.
Het moet geen vrijbrief zijn voor iedereen om maar te doen waar die zin in heeft in de Oude Kerk. Het gaat letterlijk over de kerk als een plek van samenkomst, waar middels kunst aandacht wordt besteed aan verbeeldingen van betrokkenheid in het gebied.

It's OK... Cirkel 3: Schaduw(en) van beleid#1, met kunstenaar en architect Ola Hassanain en kunstenaarscollectief We Sell Reality, als onderdeel van It's OK... commoning uncertainties. Foto: Maarten Nauw

It's OK... Cirkel 3: Schaduw(en) van beleid#1, met kunstenaar en architect Ola Hassanain en kunstenaarscollectief We Sell Reality, als onderdeel van It's OK... commoning uncertainties. Foto: Maarten Nauw

It's OK... Cirkel 3: Schaduw(en) van beleid#1, met kunstenaar en architect Ola Hassanain en kunstenaarscollectief We Sell Reality, als onderdeel van It's OK... commoning uncertainties. Foto: Maarten Nauw

Jeanne van Heeswijk

Ik maak vaak een grapje: mensen die met mij werken weten dat ik nooit meer wegga. Kijken naar de borging vind ik heel belangrijk, maar vooral ook naar dat wat er ontstaat.

Ik wilde zelf eerst graag de Sebastiaanskapel opnieuw inrichten en daar op een andere manier een blijvende huiskamer van maken. Dat heeft allerlei pro's en cons. Meest moeilijke is dat er andere kamer naast zit die belangrijk is binnen de historische/erfgoedroute van de Oude Kerk. Dus je kan het moeilijker afsluiten. De discussies rond die kapel en een huiskamerfunctie en hoe dat op een of andere manier een meer duurzame plek zou kunnen krijgen hebben geleid tot het bouwen van een tijdelijke kapel, om aan te geven wat zo'n plek zou kunnen betekenen. En het is ook een mooie plek geworden, denk ik. Het is een soort tekening, waarmee je zegt: hier, een schets, een contour - hij is ook letterlijk open - van hoe zo'n plek eruit zou kunnen zien.

En je kunt zeggen: wat zou daar eventueel van kunnen komen. Maar er is wel een commitment om te werken aan de duurzaamheid van de relaties die ontstaan. Ik heb daar wel ideeën over. Maar ik wil niet een nieuw educatie- of buurtprogramma maken. Wat we met dit project doen is schetsen hoe die betrokkenheid eruit zou kunnen zien. En dat er daarbij gedacht wordt aan de impact zoals de gemeente dit noemt en gewerkt wordt aan een kritische duurzame vorm van samenkomen, dat zit zo in wat ik doe. Maar ik wil het ook niet geheel uittekenen, want dan gaat het weer over een vorm. Voor mij gaat het echt om die relaties, verbindingen en betrokkenheid en de vorm die daaruit ontstaat - letterlijk.

Yvonique Wellen

Dat is inderdaad complex. In dit geval is het ook letterlijk de aanvraag 'Aanpak binnenstad' die we gedaan hebben. Gedurende mijn onderzoek hier heb ik iemand leren kennen die bij de gemeente werkt en zij was meteen geraakt door het werk dat we doen. Zij stond heel erg open voor de kritiek en voelde ook dat daar meer ruimte voor moest komen binnen het programma 'Aanpak binnenstad'. Ook vond ze het belangrijk om andere verhalen mee te nemen, omdat er momenteel een heel dominant narratief leeft. Bijvoorbeeld over wie er verantwoordelijk zijn voor overtoerisme of voor wie de stad bedoeld is.

Daarnaast is een van die pijlers van 'Aanpak binnenstad' meer verbindingen in het gebied creëren, en andere mensen naar het gebied trekken. Maar wie die andere mensen zijn, daar bestaat mogelijk een bepaald idee over, maar wij hebben daar misschien een ander idee over. Kunnen we dan de middelen gebruiken die er zijn om die ruimte te creëren voor veelvoudige verbindingen en mensen? Waardoor initiatieven de ruimte krijgen die binnen zo'n 'Aanpak binnenstad' anders niet vanzelfsprekend aan bod komen.

Jeanne van Heeswijk

Ik ben een desperate optimist. Kijk, ik word wakker omdat ik echt denk dat als we niet vandaag met elkaar gaan werken aan een meer rechtvaardige toekomst, dan zijn we hopeloos verloren. I am a believer, in that sense. Maar niet naïef en ook niet echt optimistisch. Maar voel wel de urgentie om eraan te blijven werken. Aan wat Walida Imarisha noemt 'scaffolding of the future'. Dat je blijvend moet bouwen aan de scaffolding (steiger, red.) voor een rechtvaardigere toekomst. Zij zegt ook 'we can't build what we can't imagine'. We kunnen niet bouwen wat we ons niet kunnen voorstellen, in die zin ben ik een bouwer. Alleen denk ik niet dat ik het in mijn leven mee ga maken.

Ben ik de laatste tijd emotioneler? Ja. Dat komt misschien ook doordat ik af en toe moe word. Want ik zie wel dat we door covid, en in die zin interessant dat we hier toen net begonnen, veel van de gemeenschappelijke structuren die in tijden ervoor gebouwd zijn kwijtgeraakt zijn. Dat we ons meer hebben gericht op onszelf en op de directe mensen om ons heen. Dat we steeds minder empathie en betrokkenheid hebben voor realiteiten die we niet delen.

Voor covid waren er meer zelfgeorganiseerde gemeenschappen en andere zorgstructuren. Neoliberaal kapitalisme heeft garen gesponnen bij de het isolement en het afkalven van die structuren. We zien de kloof tussen arm en rijk, die steeds groter wordt, en zien hoe de intolerantie groeit. Daar word ik niet blijer van.

Yvonique Wellen

Ik zou deze niet een op een in relatie tot elkaar zetten, want het is niet of/of voor mij. Maar geloof inderdaad dat we op zijn zachts gezegd in gebrekkige tijden leven, nu economische (en dominante) waardes de sociale en rechtvaardige waarden steeds verder lijken te verdringen. En ik denk niet dat het domein van de kunsten dit kan of moet opvangen. Maar ik denk wel dat het urgent blijft om de huidige structuren en systemen te bevragen, en ervoor te waken deze niet te reproduceren, ook in het domein van de kunsten.
Ik zeg wel vaker: de reden waarom ik in de kunst werk is omdat dit de enige plek lijkt waar ik nog mag denken buiten de bestaande normatieve kaders. Er lijkt geen andere plek waar ik op dit moment voorstellen kan doen of voorwaarden kan stellen die de huidige normen en de huidige structuren bevragen, of niet als uitgangspunt nemen. In de kunsten zorgt dit bevragen overigens ook vaak voor frictie.

Jeanne van Heeswijk

Daar heb ik inderdaad dus ook nooit in geloofd [in die afzonderlijke plek, red.]. Ik denk dat kunst meer dan een kunstwerk is. Het is ook iets dat werkt als kunst, in de verbeelding, dat vormen van beleving kan genereren of voelbaar kan maken, tastbaar, hoorbaar. Waardoor er andere registers aangeboord worden. Ik denk dat dat erg nodig is, omdat dominante beelden van succes dagelijks aan ons gepresenteerd worden. Hoe het allemaal beter moet. Vooruitgang. Resultaatgericht.

We moeten dus op een andere manier tijd en ruimte maken voor wat we zouden willen, wat in de cirkel die bijeengebracht is door Isshaq Albarbary 'tanaqusch, the chiselling of collectivity' genoemd wordt. Het beitelen van collectiviteit. En ik had laatst de totebag bij me van de Community Wellbeing Collective in Edinburgh en daar staat op: carving out space for change. Dat carving out is het letterlijk: snijden. Ik denk dat de tijd en ruimte maken, een tijd-ruimte continuüm dat niet lineair is, waarin men mag en kan samenkomen om opnieuw te verbeelden niet op zo heel veel meer plekken kan. Beitelen, letterlijk het beitelen om ruimte te maken voor collectiviteit, is een radicale actie.

Vond je dit artikel interessant?

Doneer een bedrag naar keuze:
Doneer

Het beste van Mister Motley in je postvak?

Meld je aan voor onze nieuwsbrief!
Aanmelden

Ook adverteren op mistermotley.nl ? Stuur dan een mail naar advertenties@mistermotley.nl

# data[].attributes.attachment_link.title
'Ik sta elke dag op omdat als we niet vandaag met elkaar gaan werken aan een rechtvaardigere toekomst, we hopeloos verloren zijn' - in gesprek met Jeanne van Heeswijk en Yvonique Wellen

# data[].attributes.attachment_link.description
Op initiatief van Jeanne van Heeswijk en Yvonique Wellen komen deze zomer bewoners, denkers, makers en activisten bijeen in de Oude Kerk, om daar met elkaar in gesprek te gaan over actuele sociaal...

# data[].attributes.body
donna Kukama is a South African interdisciplinary artist whose practice merges various media by using performance as a tool for artistic research. Moving across performance, video, painting, and installation, her practice often presents socially engaged art through unconventional modes of storytelling in order to destabilize existing historical metanarratives and how we look at reality. Her work takes on an experimental and undisciplined form. With her practice, Kukama opens up multiple ways of inhabiting space, creating other worlds, and conceiving reality. To counter the predictable, she goes beyond the constraints of identity to uncover its complexities, layers, and contradictions while actively opening up possibilities for different narratives and less-told histories to exist. Whether written, drawn, performed, or sculptural, her work can be understood as gestures of poetry that speak about time and memory while presenting alternate realities where both the material and immaterial coexist to engage erasures within history.

# data[].attributes.attachment_link.description
donna Kukama is a South African interdisciplinary artist whose practice merges various media by using performance as a tool for artistic research. Moving across performance, video, painting, and installation, her practice presents a thought-provoking and socially engaged art through unconventional modes of storytelling to destabilize existing historical metanarratives and how we look at reality.

# data[].attributes.attachment_link.description
Alisa Golden, author of Making Handmade Books, shares her creative process, current projects, instructions, book reviews, writing tips, and more.

# data[].attributes.attachment_link.title
Cecilia Fiona on Instagram: "I’m very excited to be part of the group show ‘If this is paradise, then I wish I had a lawnmower’ 🌾

Now on view at @niruratnamgallery showing alongside @yenprofile & @adham_faramawy ❤️‍🔥❤️‍🔥

 The show is open until July 12th ☀️

‘Harvested, gathered, carried (the life of souls)’

‘Are we living inside a body?’

‘The mountains and the newborns’

Photos: Damian Griffiths"

# data[].attributes.attachment_link.description
1,069 likes, 32 comments - cecilia_fiona on June 15, 2025: "I’m very excited to be part of the group show ‘If this is paradise, then I wish I had a lawnmower’ 🌾

Now on view at @niruratnamgallery showing alongside @yenprofile & @adham_faramawy ❤️‍🔥❤️‍🔥

 The show is open until July 12th ☀️

‘Harvested, gathered, carried (the life of souls)’

‘Are we living inside a body?’

‘The mountains and the newborns’

Photos: Damian Griffiths". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by Cecilia Fiona (@cecilia_fiona)

# data[].attributes.body
The boundaries of language and the art process as an ecosystem.’

As a painter and craftsman, Vincent de Boer seeks for poetry and nuances in the calligraphic line. He explores the limits of language by asking the question: can you tell a complete story in a single letter? A universe that opens up in one line? Driven by a fascination for the traces left after making a movement, Vincent explores his self-imposed technical challenges. While calligraphy is primarily known as a textual tool, Vincent is more interested in the mystical contradictions hidden within it, such as the depth of a flat surface, transcendental time and elusive tactility.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
'Making a point with a line'.

The boundaries of language and the art process as an ecosystem.

As a painter and craftsman, Vincent de Boer seeks for poetry and nuances in the calligraphic line. He explores the limits of language by asking the question: can you tell a complete story in a single letter? A universe that opens up in one line? Driven by a fascination for the traces left after making a movement, Vincent explores his self-imposed technical challenges. While calligraphy is primarily known as a textual tool, Vincent is more interested in the mystical contradictions hidden within it, such as the depth of a flat surface, transcendental time and elusive tactility.

When drawing a line in ink, a separation occurs. The black ink splits the white paper in two. What you create - a black line -, is as important as what you don't create: the white space surrounding it. Calligraphy and its artistic process thus become universal metaphors for permanence and the lack thereof: the effect of an action is irreversible. A line creates opposition and demands a choice: left or right, yes or no, one or zero. However, the line also shows that much is possible between two extremes; the energy with which the line is drawn makes all the difference. Today's visual culture hardly requires imagination: most of it is instant and obvious, without room for ambiguity or nuance. But what happens between the ones and zeros? In the act of a split second, an entire story unfolds in black and white.

The stroke that Vincent makes across the paper is determined by all sorts of external factors. Our environment is all-determining; nothing can be experienced without its context. Thus, the studio, the materials, the space, everyday experiences and the energy of the moment all are reflected in his work. Vice versa, how we as viewers feel also determines the way we experience Vincent's work. It is a poetic, almost overwhelmingly romantic thought that all the factors that led to the drawing of one line are captured in the many minute nuances within each calligraphic line. It shows us how subjective the brushstroke is for Vincent. Thus, the artwork becomes a metaphor for life: an interconnective system that interacts with itself on multiple levels, with one movement setting another in motion. Vincent's work develops like an ecosystem: it needs to be fed so that it gives back. "A system only works if it is agile," he states critically in the face of the current zeitgeist. This insight permeates the artwork, which in turn permeates his working method: like ripples in water, a small gesture has infinite echoes.Which detail we highlight within a complex system will ultimately determine everything.

In his works, Vincent depicts a reality that pays attention to the environment we need as human beings. Each brushstroke has hundreds of tiny nuances: not all visible to everyone, but enough to enter on any level. The simpler the work seems, the more complexity it can contain. Attention is a scarce good these days. That's why Vincent tells his audience and students about the importance of taking time and giving attention. Don't get distracted from the priority: life. For instance, his work benefits enormously from his weekly 'no-phone-day'.

Vincent's current process takes place on long scrolls of paper, within a work setup created by friend and colleague Jonas Wijtenburg. Each day he works on a new, empty piece, which he then rolls away, making room for the next piece. The machine works like a seismograph: Vincent records everything with every gesture: from the vibration of his hand, the energy in the space, to the things that affect him formally and artistically. Through this approach, the making process becomes the work of art; human action in balance with the (eco)system. Along the way, through poetic experiences, the audience can feel, rather than know, about its own place in the universe.
Linda Köke, May 2023
2023 | Solo show | Critical Distance | 10_12 Gallery | Beşiktaş, Istanbul TUR
2022 | Presentation and Masterclass | TMX | Centro de Artes San Augustin, Oaxaca MEX
2022 | Masterclass Teacher | Ecal University of Art and Design CHE
2022 | Audiovisual performance | w/Ill Considered | Eye Film Museum Amsterdam NL
2021 | Winner Film Debut Award | Netherlands Film Festival | The Stroke NL
2021 | Audiovisual performance | Ill Considered | Southbank Centre London UK
2021 | MOD-de knoop | Drawing performance | with Jonas Wijtenburg and Frank Koolen NL
2020 | A Sign of the Times | Groupshow at Hashimoto Contemporary New York USA
2020 | The Stroke | Animated music video with Ill Considered UK/NL
2020 | Wallpainting Musée Cluny, Paris FRA
2019 | Solo show and Artist in Residence Tenjinyama/Naebono, Sapporo JAP
2019 | Calligraphy Performance AtypI Conference, Tokyo JAP
2018 | Masterclass Teacher Tretyakov Museum, Moscow RUS
2017 | Parallel Universe, Groupshow and Masterclass Nanjing School of Arts CHN
2017 | Solo show and Lecture Typetersburg, St. Petersburg RUS
2016 | One-Way Traveller, Solo show Oz, Amsterdam
2015 | Masterclass Teacher Tumo, Yerevan ARM
2015 | Do It, Group show Kunsthal, Rotterdam NL
2015 | European Design Award, Gold With Studio Airport, Istanbul TUR
2013 | Co-founder of High on Type NL
2012 | Lecture Minsheng Art Museum, Shanghai CHN
2012 | Masterclass Teacher Nanjing School of Arts CHN
2011 | Co-founder of Studio Airport and Kapitaal NL

Selected Collections

Rijksoverheid Dutch Government
Eye Museum Amsterdam
ING Art Collection Amsterdam
ASR Art Collection and Conservation Utrecht
Letterform Archive San Fransisco
K.F.Hein Funds Netherlands

2022 | Project Support w/City Canvas Mondriaan Fund, Gem. Utrecht, ASR
2021 | Artist Project Support Mondriaan Fund NL
2020 | The Stroke, Animation project Creative Industries Fund NL
2019 | Artist in Residence Japan K. F. Hein Fonds Utrecht
2019 | Solo show, Sapporo, Japan International Culture Policy of the NL Embassy Tokyo
2018 | All Eyes on Type Festival Creative Industries Fund NL
2017 | Arabic Type Fest icw. Minem Sezgin Creative Industries Fund NL

Selected Commissions

Current and Upcoming Shows

2023 | Solo show | Critical Distance | 10_12 Gallery | Beşiktaş, Istanbul, TUR (Currently)
2023 | Coda Paper Art Biennale | Apeldoorn, NL(Currently)
2023 | Murals in Utrecht | City Canvas | Kapitaal Utrecht, NL
2023 | ING Public Corporate Collection | Hilversum ING office, NL
2023 | Unfair | Amsterdam, NL(Upcoming)

2023 | Rotterdamse Dakendagen w/High on Type | Rotterdam, NL
2023 | Illustration Biennale expo | 37PK | Haarlem, NL
2023 | KunstRAI w/Franzis Engels Gallery | Amsterdam, NL
2023 | Where The Wild Roses Grow | Museum IJselstein, NL
2023 | The Jaunt | Hashimoto Contemporary | Los Angeles, US
2023 | Art on Paper w/Franzis Engels Gallery | Amsterdam, NL
2023 | How? Are You | Alphabetum w/High on Type | West, The Hague, NL
2022 | Dodog and Friends | Kapitaal, Utrecht, NL
2022 | Art The Hague w/ Franzis Engels Gallery | the Hague, NL
2022 | Liminal Spaces Performance w/Ill Considered | Eye Film Museum Amsterdam, NL
2022 | The Stroke screening | Tweetakt Festival, Utrecht, NL
2022 | The Stroke screening | Netherlands Film Festival at Beton T, Utrecht, NL
2022 | Swing Feel w/ Romee van Oers Franzis Engels Gallery | Amsterdam, NL
2022 | Kunst RAI w/ Franzis Engels Gallery | Amsterdam
2022 | Ruby Soho | Groupshow | NL
2021 | Liminal Space w/ Ill Considered and Lisa Wormsley | Southbank Centre | London, UK
2021 | Space is The Play | Glashard | High on Type | Stedelijk Museum Schiedam
2021 | Glashard | Opperclaes | Groupshow | Stedelijk Museum Schiedam
2021 | Post Vandalism | Unruly | Het Hem | Zaandam, NL
2021 | Big Art Fair w/Franzis Engels Gallery | Hembrug | Zaandam, NL
2021 | Windows to the World | Groupshow | Kelderman en Van Noort, Eindhoven
2021 | MOD-de knoop | Drawing performance | NL Government, Utrecht
2021 | Henk, Groupshow | Logman Gallery Utrecht
2021 | Prachtige Wezens, icw Ozan Aydogan, Hans Schuttenbeld | Raum Utrecht
2020 | Soloshow | The Stroke | Kapitaal Utrecht
2020 | Public Manifestation | Windows to the World | Eindhoven
2020 | Duoshow | Time in Motion w/Katrien Vogel | Gallery Franzis Engels Amsterdam
2020 | Groupshow | Typomania | Museum of Moscow, RU
2020 | Groupshow | A Sign of the Times | Hashimoto Contemporary, New York, US
2020 | Groupshow | Artist in the World | Gallery Larik, Utrecht, NL
2020 | Groupshow | Logman Galery | Utrecht, NL
2019 | Solowhow | Subjective Observations | Naebono, Sapporo, JP
2019 | AtypI Tokyo | Demonstration | Tokyo, JP
2019 | Opperclaes XXL | Mural | High on Type | Rotterdam, NL
2019 | Week 1 Alphabet Zine | High on Type | Anticafe | Paris, FR
2019 | Beyond Control | Duo show | Logman | Utrecht, NL
2019 | The Jaunt | Group show | Circus Network, Porto, PT
2018 | Salon '18 | Museum Flehite | Amersfoort, NL
2018 | AtypI | Mural | Antwerp, BE
2018 | Gemaakt in Nederland | Group Show | Novy Museum, St. Petersburg, RU
2018 | Typomania | Group Show | Museum of Moscow, RU
2018 | Comic Citrone | Group Show | Copenhagen, DK
2018 | The Jaunt | Group Show | Hamburg, DE
2018 | Duo Show with Cecilia Rebergen | Moira, Utrecht, NL
2018 | Solo Show | Herman van Veen Art Center, Utrecht, NL
2017 | Week 50 | High on Type Group Show | Watchamacallit, Utrecht
2017 | Holland | Group Show | NL=US, Rotterdam, NL
2017 | Utrecht Down Under | Group Show | Utrecht, NL
2017 | Typetersburg | Solo Show | St. Petersburg, Russia
2017 | Museum Ijsselstein | Group Show | Utrecht, NL
2017 | All Eyes on Type | Group Show | Rotterdam, NL
2017 | Parallel Universe | Group Show | Nanjing, China
2017 | Unruly Gallery | Group Show | Amsterdam, NL
2017 | Blind Walls Gallery | Group Show | Breda, NL
2017 | L'Ale Lab 111 | Group Show | Amsterdam, NL
2016 | Black Is The New Black | High on Type Groupshow | Opperclaes, Rotterdam
2016 | One-Way Traveller | Solo Show | Oz, Amsterdam, NL
2016 | Letterheads, High on Type | Group Show | Amsterdam, NL
2016 | Let Us Meet And Let Us Meet Again, Extrametric | Group Show | Casco, Utrecht
2016 | Letters Are What Matters | Group Show | Lisboa, Portugal
2016 | Lijfspreuk | Group Show | Enschede, NL
2016 | 3 Seconds Gallery | Group Show | Breda, NL
2016 | Gys | Solo Show | Utrecht, NL
2015 | Do It | Group Show | Kunsthal, Rotterdam, NL
2015 | Performance | Group Show | Mirzoyan Library Yerevan, Armenia
2015 | TUMO centre for creative technologies | Group Show | Yerevan, Armenia
2015 | Beyonderground | Group Show | Hasselt, Belgium
2010 | Graduation Show | Group Show | Utrecht, NL
2008 | Fanclub, academiegalerie | Group Show | Utrecht, NL

Teacher

2022 | Experimental Calligraphy | Atea and TMX | Mexico City, MEX
2022 | Master Type Design | Ecal University of Art and Design Lausanne, CH
2021 | Master Type Design | Ecal University of Art and Design Lausanne, CH
2020 | Letters and Image | HKU Art School Utrecht, NL
2019 | Calligraphy Masterclass | Rencontres de Lure Lurs, FR
2019 | High on Type Masterclass | Berlin Letters Conference DE
2018 | High on Type Masterclass | Tretyakov Museum Moscow, Russia
2018 | Calligraphy Masterclass | Typomania Moscow, Russia
2017 | Calligraphy Masterclass | Type School St. Petersburg, Russia
2017 | Calligraphy Curriculum | Nanjing University of Arts China
2017 | High on Type w/ Copenhagen Signs | Calligraphy Courses Copenhagen, DK
2016 | Typography Curriculum | TUMO centre for creative technologies Yerevan, Armenia
2015 | Typography Curriculum | TUMO centre for creative technologies Yerevan, Armenia
2013 | (ongoing) Calligraphy Teacher | High on Type NL
2012 | Typography Curriculum | Nanjing University of Arts China

2021 | Netherlands Film Festival | Best Film Debut | The Stroke
2021 | Vimeo Staff Pick Best of The Month | The Stroke w/Ill Considered
2017 | Typomania Russia | Silver | Typography Video | w/High on Type
2015 | European Design Awards | Gold | Kapitaal Poster series with Studio AIRPORT
2014 | European Design Awards | Bronze | Poema Poster series with Studio AIRPORT
2014 | European Design Awards | Finalist | Kapok CD-Artwork with Studio AIRPORT
2012 | Best Album Artwork | State Magazine | Shogunz Cd-box

2023 | Illustration Biennale | Haarlem, NL
2022 | Portfolio Talk | TMX Conference | Oaxaca, MEX
2021 | Portfolio Talk | Bol.com Head Office | Utrecht, NL
2021 | Portfolio Talk | Master Type Design | Ecal | Lausanne, CH
2021 | Q&A The Stroke | Netherlands Film Festival Awards | Utrecht, NL
2021 | Q&A at Fonds Kwadraat anniversary | Stedelijk Museum | Amsterdam, NL
2021 | Guest lecture, with Guido de Boer, online | Bezalel Art Academy | Jerusalem, ISR
2020 | Scale, together with Julien Priez | Printemps de la Typo | Paris, FR
2019 | The Brush | Rencontres de Lure | Lurs, FR
2019 | Artist Talk with Sjoukje van der Meulen | Logman | Utrecht, NL
2019 | Portfolio talk together with Guido de Boer | Creative Mornings | Amsterdam
2018 | Portfolio talk together with Guido de Boer | Tretyakov Museum, Moscow, Russia
2018 | Legible Images | Type Amsterdam, Special Collections, University of Amsterdam, NL
2018 | High on Type | BNO IMG Lab, Het Nieuw Instituut, Rotterdam, NL
2018 | High on Type | Novy Museum, St. Petersburg, Russia
2018 | Portfolio Talk | Typomania, Moscow, Russia
2018 | Portfolio Talk | BNO, Utrecht, NL
2017 | Portfolio Talk | Typetersburg, St. Petersburg, Russia
2017 | Portfolio Talk | CAFA Beijing, China
2017 | Portfolio Talk | Shanghai, China
2017 | Portfolio Talk | Nanjing University of Arts, China
2016 | Type Madness, High on Type | Utrecht, NL
2016 | Pecha Kucha Night | Leiden, NL
2016 | Pecha Kucha Night | Breda, NL
2016 | Pecha Kucha Night | Hilversum, NL
2016 | Pecha Kucha Night | Utrecht, NL
2015 | TUMO centre for creative technologies | Yerevan, Armenia
2012 | Lecture Program, I/Me/Myself | Beijing, China
2012 | Lecture Program, I/Me/Myself | Shanghai, China

LP Covers

2021 | Ill Considered | Liminal Space
2020 | Ill Considered 10 | The Stroke
2020 | Ill Considered 9
2019 | Ill Considered 8
2019 | Aint Backin' Down | BlabberMouf
2018 | An Ill Considered Christmas
2018 | Ill Considered 6
2018 | Ill Considered 5
2018 | Ill Considered Live at TRC
2018 | Ill Considered 3
2017 | Ill Considered Live at the Crypt
2017 Ill Considered
2017 | Da Flowing Dutchman | BlabberMouf
2017 | Astronomic Delight | Propo '88
2017 | Rap Buddhaz | Da Shogunz
2016 | BlabberMouf LP | BlabberMouf
2015 | Get Slapped | Slapfunk
2015 | Come Correct | BlabberMouf
2014 | Kapok (with Studio Airport)
2012 | From the Top of the Stack | Da Shogunz

Publications

2023 | Pinkorange Magazine | Fall/Winter 2023 | Amsterdam, NL
2023 | Carte Blanche No.1 | Valery Mak | Provincie Flevoland, NL
2023 | CODA Paper Art 2023 | Exhibition publication | Apeldoorn, NL
2023 | How? Are You | High on Type | Alphabetum West | ISBN 9789079917952
2023 | De Grote Nederlandse Kunstkalender | Rotterdam, NL
2022 | Plan Libre 198 | November Edition | Paris, FR
2022 | De Telegraaf (sept. 6) | Hoogste Muurschildering van Utrecht, NL
2022 | UITagenda | Oktober 2022 | Utrecht, NL
2022 | DUIC | Septemper | Utrecht Newspaper, NL
2022 | Local News Tuindorp Oost, Uit Agenda | Utrecht, NL
2022 | Scriptoris | Portret | NL/BE
2022 | Galleryviewer | The Studio of Vincent de Boer, NL
2022 | Tetragon Magazine | We Jazz Helsinki, FIN
2022 | Glashard | Stickit Publishing, NL
2022 | Etapes Magazine, FR
2022 | Tableau Magazine, NL
2021 | Type One Magazine | Third edition | London, UK
2021 | Afar Magazine | November edition | San Fransisco, US
2021 | NRC Dutch Newspaper 'The Stroke builds bridge between visual arts and jazz', NL
2021 | This is Colossal | Online article, The Stroke, US
2021 | Residence | Five Recommendations by Anne van der Zwaag For Big Art
2021 | VPRO National broadcaster, The Stroke, NL
2021 | It's Nice That, online article on The Stroke, UK
2021 | Designboom, online article on The Stroke, UK
2021 | Nu Te Zien | w/High on Type | Dutch National Broadcasting Channel Two, NL
2020 | The Stroke, Colective Futuro, December, NL
2020 | Blind Walls Gallery Book, December, NL
2020 | Het Parool, November 13th, NL
2020 | Dutch Designers Magazine No.0, NL
2019 | The Jaunt book 2, NL
2019 | Etapes magazine issue 251, FR
2019 | Pulp magazine, IT
2019 | Double Dagger 3, London
2019 | Maps Magazine, Korea
2019 | Duel Magazine, Paris
2019 | Hardop, Babs Gons, Atlas, Amsterdam
2019 | GNKK, Trichis, Rotterdam
2019 | Week 1, High on Type, NL (self published)
2018 | Wired Magazine, USA
2018 | Goodtype 2, USA
2017 | AD Magazine | 22 April | Netherlands, NL
2017 | Interview, Type Thursday on Medium
2017 | 365 + 1 days, Stichting Print, NL
2017 | Holland, Mark Lotterman, Rotterdam
2017 | Week 50, High on Type, NL (self published)
2016 | Goodtype 1, USA

© 2023 Vincent de Boer. All rights reserved. Unauthorized copying, reproduction, hiring, lending, public performance, sharing and broadcasting is prohibited.

# data[].attributes.attachment_link.description
The boundaries of language and the art process as an ecosystem. As a painter and craftsman, Vincent de Boer seeks for poetry and nuances in the calligraphic line. He explores the limits of language by asking the question: can you tell a complete story in a single letter?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Fabricating Change

As fashion month kicks off in New York, Atmos presents a series of stories that examine the opportunities and challenges facing an industry in urgent need of reducing its textile waste.

Explore the series

Order Volume 08: Rhythm

Nature is an elaborate orchestra of interconnectedness, in which timing is everything.

60 Seconds on Earth,Anthropocene,Art & Culture,Climate Migration,Black Liberation,Changemakers,Democracy,Environmental Justice,Photography,Earth Sounds,Deep Ecology,Indigeneity,Queer Ecology,Ethical Fashion,Ocean Life,Climate Solutions,The Frontline,The Overview,Biodiversity,Common Origins,Fabricating Change,Future of Food,Identity & Community,Movement Building,Science & Nature,Well Being,

# data[].attributes.attachment_link.description
Atmos is an exploration of climate and culture, a nonprofit biannual magazine and digital platform curated by a global ecosystem of artists, activists, and writers devoted to ecological and social justice, creative storytelling, and re-enchantment with the natural world.

# data[].attributes.body
https://www.joanafran.co/

i,while counting the i's, am working with perception and consequences thereof. I give to you what I wish to return to myself one day, and think of ways to make clear we are one, through contrasts that lie, saying we are two.
where two opposites meet is where I'd like to be.

# data[].attributes.attachment_link.description
As a motivating factor I give you my own memory of when I was seeing the world with a horizon at one meter twenty or so.

# data[].attributes.body
Vanuit een persoonlijke fascinatie voor de werking van taal en hoe taal vorm krijgt in meer dan alleen ‘tekst’, kijk ik om me heen. Ik probeer taal en landschap met elkaar te verbinden door ze als linguïstische plaatsen van betekenis te benaderen. Daaruit doemt een handschrift op als een horizon in de verte.

Je kunt me vinden in broedplaats Nieuw & Meer, op de fiets door Amsterdam of in de Fryske Wâlden. Ik probeer dagelijkse ontmoetingen en observaties te transformeren tot poëtische statements en ik vraag me af hoe we de werkelijkheid om ons heen ervaren.

# data[].attributes.attachment_link.title
Spreken tegen de wind in — Sanne van Balen

# data[].attributes.body
https://marshmallowlaserfeast.com/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The ever genre bending award-winning studio Marshmallow Laser Feast employs a wealth of creative disciplines, from photo-real virtual reality to robotic performance and realtime mapping, pushing boundaries, redefining expectations and exciting audiences worldwide. In Rotterdam we're joined by co-founder and director Robin McNicholas who has directed for XR, immersive experiences, virtual productions, large-scale installations and live performance.

# data[].attributes.attachment_link.description
The ever genre bending award-winning studio Marshmallow Laser Feast employs a wealth of creative disciplines, from photo-real virtual reality to robotic performance and realtime mapping, pushing boundaries, redefining expectations and exciting audiences worldwide. In Rotterdam we're joined by co-founder and director Robin McNicholas who has directed for XR, immersive experiences, virtual productions, large-scale installations and live performance.

# data[].attributes.headline
Of the Oak – Art, Ecology, and Interspecies Connection

# data[].attributes.subject
Of the Oak – Art, Ecology, and Interspecies Connection

# data[].attributes.attachment_link.title
Plural Magazine on Instagram: "New Article: Of the Oak – Art, Ecology, and Interspecies Connection

Standing before an oak tree is to encounter more than just a single organism. Each branch, root, and leaf carries traces of various forms of life—fungi threading through the soil, insects etching lines in the bark, and birds building nests in the canopy. In Britain alone, over 2,000 species are known to rely on the oak. Recognising these interspecies connections highlights the fact that resilience depends not on isolation but on reciprocity.

Of the Oak—an immersive installation by the London-based art collective Marshmallow Laser Feast, commissioned by the Royal Botanic Gardens, Kew—invites us to experience this interconnected reality. Using advanced imaging and sound technologies, the collective translates ecological research into a sensory landscape. Visitors step inside the oak's body, witnessing roots as glowing rivers and hearing the woodland as a living symphony.

The project extends beyond the installation itself. A digital field guide maps the many species linked to the oak, while a series of meditations—written by Daisy Lafarge, Merlin Sheldrake, Ella Saltmarshe, and Laline Paull—encourage reflection through science, poetry, and storytelling. These texts open various pathways to experience trees not as static backdrops, but as companions and collaborators.

For designers and artists, this work raises an important question: how can creative practices move beyond human-centred narratives to envision more-than-human worlds?

Featured @marshmallowlaserfeast 

Video and photography courtesy of Marshmallow Laser Feast.

#OfTheOak #MLF #MarshmallowLaserFeast #KewGardens #pluralfeatured"

# data[].attributes.attachment_link.description
1,467 likes, 13 comments - pluralmagazine on August 22, 2025: "New Article: Of the Oak – Art, Ecology, and Interspecies Connection

Standing before an oak tree is to encounter more than just a single organism. Each branch, root, and leaf carries traces of various forms of life—fungi threading through the soil, insects etching lines in the bark, and birds building nests in the canopy. In Britain alone, over 2,000 species are known to rely on the oak. Recognising these interspecies connections highlights the fact that resilience depends not on isolation but on reciprocity.

Of the Oak—an immersive installation by the London-based art collective Marshmallow Laser Feast, commissioned by the Royal Botanic Gardens, Kew—invites us to experience this interconnected reality. Using advanced imaging and sound technologies, the collective translates ecological research into a sensory landscape. Visitors step inside the oak's body, witnessing roots as glowing rivers and hearing the woodland as a living symphony.

The project extends beyond the installation itself. A digital field guide maps the many species linked to the oak, while a series of meditations—written by Daisy Lafarge, Merlin Sheldrake, Ella Saltmarshe, and Laline Paull—encourage reflection through science, poetry, and storytelling. These texts open various pathways to experience trees not as static backdrops, but as companions and collaborators.

For designers and artists, this work raises an important question: how can creative practices move beyond human-centred narratives to envision more-than-human worlds?

Featured @marshmallowlaserfeast 

Video and photography courtesy of Marshmallow Laser Feast.

#OfTheOak #MLF #MarshmallowLaserFeast #KewGardens #pluralfeatured". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by Plural Magazine (@pluralmagazine)

# data[].attributes.body
Our artistic practice cultivates approaches to support our collective evolution in this moment of planetary crisis. We engage with the vital materiality of bodies, minds, and the more than human world,  co-creating live experiences to generate re-enchantment, relationship, and presence through somatics, dance, choreography and performance.

Through workshops, choreographies and performances, films, installations and festivals we create participatory spaces for collective imaginings for diverse publics, often beyond the usual institutional frameworks and spaces of dance production.

# data[].attributes.attachment_link.description
Olive Bieringa and Otto Ramstad have been collaborating as BodyCartography Project since 1998. Our artistic practice cultivates approaches to support our collective evolution in this moment of planetary crisis. We…

# data[].attributes.body
Walking is a silent four-hour walk through the dramatic landscape of Terschelling Island, off the northern Dutch coast. It was commissioned by the 2008 Oerol Festival as a site-specific experimental event. In this collaboration between Wilson and two Dutch artists, Theun Mosk and Boukje Schweigman, festival participants walked at a slow pace through the striking landscape of Terschelling's pastures, woodlands, sand dunes and beaches.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
June 13 - 22, 2008
Oerol Festival, Terschelling Island, The Netherlands

Walking is a silent four-hour walk through the dramatic landscape of Terschelling Island, off the northern Dutch coast. It was commissioned by the 2008 Oerol Festival as a site-specific experimental event. In this collaboration between Wilson and two Dutch artists, Theun Mosk and Boukje Schweigman, festival participants walked at a slow pace through the striking landscape of Terschelling's pastures, woodlands, sand dunes and beaches.

In 2012, the Norfolk & Norwich Festival and London 2012 Festival commissioned a revival of Walking, to be installed at Holkham Estate, North Norfolk.

Concept and Design: Robert Wilson, Theun Mosk and Boukje Schweigman

Visit the Walking photo album on smugmug here.

# data[].attributes.attachment_link.description
June 13 - 22, 2008Oerol Festival, Terschelling Island, The Netherlands Walking is a silent four-hour walk through the dramatic landscape of Terschelling Island, off the northern Dutch coast. It was commissioned by the 2008 Oerol Festival as a site-specific experimental event.

# data[].attributes.body
At Parochialkirche in Berlin, Slater Bradley presents his latest exhibition, 'Dragonslayer.' Curated by Almut Hüfler, the show includes an eight-meter-wide, walk-in labyrinth made of 1,200 kg of honey calcite and chevron amethyst crystals, alongside pieces from the ‘Royal Star Shields’ series, which reference both major star constellations and historic pilgrimage sites.

# data[].attributes.attachment_link.title
Slater Bradley: 'Dragonslayer' at Parochialkirche, Berlin

# data[].attributes.attachment_link.title
The Guardian US on Instagram: "How much time do you spend in natural spaces each day?

A new study has found that people’s connection to nature has declined by more than 60% since 1800.

Computer modeling predicts that levels of nature connectedness will continue to decline unless there are far-reaching policy and societal changes – with introducing children to nature at a young age and radically greening urban environments the most effective interventions.

The study by Miles Richardson, a professor of nature connectedness, tracks the loss of nature from people’s lives over 220 years by using data on urbanization, the loss of wildlife in neighborhoods and, crucially, parents no longer passing on engagement with nature to their children.

In the research published in the journal Earth, Richardson also identified the disappearance of natural words from books between 1800 and 2020, which peaked at a 60.6% decline in 1990.

“Nature connectedness is now accepted as a key root cause of the environmental crisis,” said Richardson.

“It’s vitally important for our own mental health as well. It unites people and nature’s wellbeing. There’s a need for transformational change if we’re going to change society’s relationship with nature.”

Follow the link in bio to read the full story."

# data[].attributes.attachment_link.description
7,512 likes, 80 comments - guardian_us on August 13, 2025: "How much time do you spend in natural spaces each day?

A new study has found that people’s connection to nature has declined by more than 60% since 1800.

Computer modeling predicts that levels of nature connectedness will continue to decline unless there are far-reaching policy and societal changes – with introducing children to nature at a young age and radically greening urban environments the most effective interventions.

The study by Miles Richardson, a professor of nature connectedness, tracks the loss of nature from people’s lives over 220 years by using data on urbanization, the loss of wildlife in neighborhoods and, crucially, parents no longer passing on engagement with nature to their children.

In the research published in the journal Earth, Richardson also identified the disappearance of natural words from books between 1800 and 2020, which peaked at a 60.6% decline in 1990.

“Nature connectedness is now accepted as a key root cause of the environmental crisis,” said Richardson.

“It’s vitally important for our own mental health as well. It unites people and nature’s wellbeing. There’s a need for transformational change if we’re going to change society’s relationship with nature.”

Follow the link in bio to read the full story.". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by The Guardian US (@guardian_us)

# data[].attributes.attachment_link.title
silent green Kulturquartier on Instagram: "Die Milpa wächst und übernimmt das Parlament. Am bisher heißesten Tag des Sommers öffnete letzte Woche The Vegetable Opera mit einer Live-Performance.

Kapitel vier von The Vegetable Parliament ist eine Klanginstallation, welche jeden Tag im Garten des silent green zu erfahren ist. Das 20 minütige Stück in drei Akten teilt die Träume, den Frust und das Ahnengedächtnis einer Milpa in komplizierten Zeiten.
//
On the hottest day of summer so far, with the milpa growing and taking over the parliament, The Vegetable Opera opened last week with a live performance.

Chapter four of The Vegetable Parliament is a sound installation that can be experienced in the garden of silent green every day. The 20 minute piece in three movements shares the dreams, frustrations, and ancestral memories of a milpa in complicated times.

>> 15.8.-13.9. Mon-Sat from 12:00 to 19:00, starting on the hour
>> silent green, Meadow
>> Admission Free
>> Language: English
>> Musical Director: Nicholas Bussmann
>> Author: Santiago Elordi
>> Choir: Cottbusser Chor
>> Artistic Direction, The Vegetable Parliament: José Délano
>> Video: Edgard Berendsen
	
#thevegetableopera #thevegetableparliament #soundinstallation #milpa #publicart #silentgreen @josemdelano @grandprixdamourproductions @santiago.elordi"

# data[].attributes.attachment_link.description
1,409 likes, 11 comments - silent.green on August 22, 2025: "Die Milpa wächst und übernimmt das Parlament. Am bisher heißesten Tag des Sommers öffnete letzte Woche The Vegetable Opera mit einer Live-Performance.

Kapitel vier von The Vegetable Parliament ist eine Klanginstallation, welche jeden Tag im Garten des silent green zu erfahren ist. Das 20 minütige Stück in drei Akten teilt die Träume, den Frust und das Ahnengedächtnis einer Milpa in komplizierten Zeiten.
//
On the hottest day of summer so far, with the milpa growing and taking over the parliament, The Vegetable Opera opened last week with a live performance.

Chapter four of The Vegetable Parliament is a sound installation that can be experienced in the garden of silent green every day. The 20 minute piece in three movements shares the dreams, frustrations, and ancestral memories of a milpa in complicated times.

>> 15.8.-13.9. Mon-Sat from 12:00 to 19:00, starting on the hour
>> silent green, Meadow
>> Admission Free
>> Language: English
>> Musical Director: Nicholas Bussmann
>> Author: Santiago Elordi
>> Choir: Cottbusser Chor
>> Artistic Direction, The Vegetable Parliament: José Délano
>> Video: Edgard Berendsen
	
#thevegetableopera #thevegetableparliament #soundinstallation #milpa #publicart #silentgreen @josemdelano @grandprixdamourproductions @santiago.elordi". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by silent green Kulturquartier (@silent.green)

# data[].attributes.body
https://ita.nl/nl/voorstellingen/het-dromenpaleis/3909553/

# data[].attributes.attachment_link.description
Welcome back to Instagram. Sign in to check out what your friends, family & interests have been capturing & sharing around the world.

# data[].attributes.body
Norwegian photographer Karoline Hjorth, in collaboration with Finnish artist Riitta Ikonen, created Eyes as Big as Plates, a project inspired by Nordic folklore, where legendary figures such as trolls and magical dogs possess oversized eyes - symbols of curiosity and openness toward the world.

# data[].attributes.attachment_link.title
@thecoldmagazine on Instagram: "Norwegian photographer Karoline Hjorth, in collaboration with Finnish artist Riitta Ikonen, created Eyes as Big as Plates, a project inspired by Nordic folklore, where legendary figures such as trolls and magical dogs possess oversized eyes - symbols of curiosity and openness toward the world.

Over time, the series has evolved into a global journey exploring the deep connection between the human body and the environment. The protagonists, often elderly, wear materials collected from their surroundings, tied to their personal histories and former professions. Each portrait captures the harmonious blending of humans and nature, conveyed with simplicity and poetry.

Among the most iconic faces is Agnes, a Norwegian woman over ninety, who made her first parachute jump at 85 and her second as a gift for her 90th birthday. The vitality of these individuals, paired with Hjorth and Ikonen’s artistic sensitivity, turns every image into a living testament to life and our bond with the earth."

# data[].attributes.attachment_link.description
43K likes, 174 comments - thecoldmagazine on August 16, 2025: "Norwegian photographer Karoline Hjorth, in collaboration with Finnish artist Riitta Ikonen, created Eyes as Big as Plates, a project inspired by Nordic folklore, where legendary figures such as trolls and magical dogs possess oversized eyes - symbols of curiosity and openness toward the world.

Over time, the series has evolved into a global journey exploring the deep connection between the human body and the environment. The protagonists, often elderly, wear materials collected from their surroundings, tied to their personal histories and former professions. Each portrait captures the harmonious blending of humans and nature, conveyed with simplicity and poetry.

Among the most iconic faces is Agnes, a Norwegian woman over ninety, who made her first parachute jump at 85 and her second as a gift for her 90th birthday. The vitality of these individuals, paired with Hjorth and Ikonen’s artistic sensitivity, turns every image into a living testament to life and our bond with the earth.". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by @thecoldmagazine

# data[].attributes.body
Boogaerdt/VanderSchoot’s werk wordt vaak omschreven als fysieke performance en video-installatie ineen—een synergie tussen de podiumkunsten en de beeldende kunst.

Hun werk leent zichzelf tot de grey space, de schemerzone tussen de black box en de white cube, waar ze zowel theatrale- als museale regels en conventies oprekken. Het duo creëert tussenruimtes waarin de homo digitalis haar lichamelijke gewaarwording kan trainen en handvatten krijgt om zich met haar off-line body te verbinden tot allerlei nieuwe (virtuele) werelden. Door een gender-bewuste lens onderzoeken ze hoe verschillende realiteiten, of het nu virtuele- of droomwerelden zijn, interfacen met de menselijke gebruiker. Boogaerdt/VanderSchoot stelt de vraag wie of wat het apparaat van het (menselijke) lichaam bestuurt, hoe dat de aard van het bewustzijn beïnvloed, en bijgevolg de totstandkoming van verschillende realiteiten. Het duo exploreert lichamelijkheid in al zijn verschijningsvormen en speelt met het idee van een lichaam als object. Daaruit volgt dat de menselijke performer niet als vanzelfsprekend centraal staat. Ze spelen met het vervreemdingseffect van o.a. gemaskerde figuren, cybors, poppen, avatars, en semi-gemechaniseerde karakters. Zo oppert Boogaerdt/VanderSchoot de vraag ‘Wat maakt ons menselijk?’ en faciliteren ze een herverbinding met de creatieve kracht van het leven zelf.

https://bvds.nl/over/

# data[].attributes.attachment_link.description
Maakt expressieve en fysieke theater en beeldende kunst

# data[].attributes.headline
theatervormgeving Lotte goos in collectief

# data[].attributes.subject
theatervormgeving Lotte goos in collectief

# data[].attributes.attachment_link.title
Boogaerdt/VanderSchoot on Instagram: "📖 Gisteren in NRC vertelde Lotte Goos over de nominatie van SONGOFSONGS op het Nederlands Theater Festival! Een ontwerp dat in een collectief maakproces ontstond, waarin concept, muziek, licht, video, verf en stof samenkwamen. 🦠

Gezamenlijk genomineerd zijn: 
Suzan Boogaerdt, Lotte Goos, Bianca van der Schoot, OTION, Rodrik Biersteker, Julian Maiwald.

Wij kijken ernaar uit om dit gezamenlijke werk tijdens het @nederlandstheaterfestival opnieuw te vieren. De ontwerpen van de genomineerden voor de Ontwerpersprijs zijn bovendien te zien in een expo in Internationaal Theater Amsterdam (ITA). 💜

@suzanboogaerdt @l_o_t_t_e_g @biancavdschoot @otion11 @jln_mwld en Rodrik Biersteker

#SONGOFSONGS #ontwerpersprijs #tf2025 #queerecology #makersorgie #boogaerdtvanderschoot #theaterfestival #nederlandstheaterfestival #theater #mime"

# data[].attributes.attachment_link.description
219 likes, 4 comments - boogaerdtvanderschoot on August 28, 2025: "📖 Gisteren in NRC vertelde Lotte Goos over de nominatie van SONGOFSONGS op het Nederlands Theater Festival! Een ontwerp dat in een collectief maakproces ontstond, waarin concept, muziek, licht, video, verf en stof samenkwamen. 🦠

Gezamenlijk genomineerd zijn: 
Suzan Boogaerdt, Lotte Goos, Bianca van der Schoot, OTION, Rodrik Biersteker, Julian Maiwald.

Wij kijken ernaar uit om dit gezamenlijke werk tijdens het @nederlandstheaterfestival opnieuw te vieren. De ontwerpen van de genomineerden voor de Ontwerpersprijs zijn bovendien te zien in een expo in Internationaal Theater Amsterdam (ITA). 💜

@suzanboogaerdt @l_o_t_t_e_g @biancavdschoot @otion11 @jln_mwld en Rodrik Biersteker

#SONGOFSONGS #ontwerpersprijs #tf2025 #queerecology #makersorgie #boogaerdtvanderschoot #theaterfestival #nederlandstheaterfestival #theater #mime". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by Boogaerdt/VanderSchoot (@boogaerdtvanderschoot)

# data[].attributes.body
Paradijs is een tempelachtig kunstwerk, een oplaadstation voor de ziel. Het nodigt uit tot verstilling en tot het herontdekken van onze verbinding met de natuur. Het is een magische plek waar iedereen welkom is, in verbinding met al wat leeft. Hier voelen we elkaar aan en zijn woorden overbodig.

Geïnspireerd door scheppingsmythes en verhalen uit verschillende windstreken staat het in harmonie leven met de natuur centraal. Gebruik alle zes je zintuigen en maak opnieuw contact met je innerlijke vonk, met de natuur en met de wereld om je heen

# data[].attributes.attachment_link.description
Biography Marjolein van der Wal. Everything you want to know about this artist and designer, based in Amsterdam.

# data[].attributes.body
In haar aquarellen, tekeningen, collages en sculpturen onderzoekt de Nederlandse kunstenaar Caren van Herwaarden (1961) vele lagen van de menselijke conditie. Ze is op zoek naar de betekenis van menselijkheid, lichamelijkheid, vitaliteit en lijden. Naast het menselijk lichaam komt het paard veelvuldig in haar werk voor en is het een krachtig symbool voor verschillende basale menselijke emoties.

https://www.cvanherwaarden.nl/nl/home/

https://www.instagram.com/p/DN7tbr-Db34/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=MzRlODBiNWFlZA==

# data[].attributes.attachment_link.description
Haar benadering van het lichaam is aards en zinnelijk, opgeladen met erotiek en spiritualiteit...

# data[].attributes.headline
yumi sagawaka; importance of art in collapsing times

# data[].attributes.subject
yumi sagawaka; importance of art in collapsing times

# data[].attributes.body
https://www.yumisakugawa.com/

# data[].attributes.attachment_link.title
Yumi Sakugawa 佐久川由美 on Instagram: "When I say “make art,” what I really mean is *BE* and *LIVE* as the creative force that disrupts everything and anything that stands in the way of collective liberation. 

This includes community organizing, learning and teaching new paradigms, protecting your attention span, connecting deeply to land, shedding outdated narratives, growing a garden, cultivating ecosystems of care, supporting mutual aid, divesting from unjust structures. 

This includes turning off your phone, avoiding overconsumption, and sitting in silence, connecting deeply to yourself. 

This includes a deep lifelong commitment to justice and liberation for all. 

Our imaginations and our inherent capacities for creativity are dangerous to oppressors. 

🌑🌑🌑

Don’t miss out on this incredible SIGNED BOOK GIVEAWAY for G*za that I am participating in, where 100% of all proceeds will be benefitting families in G/\ z a. Deadline is TOMORROW 8/31 Saturday. 

I will be donating a signed copy of FASHION FORECASTS and will be including in the book an original drawing and a special message from the 🪄yumiverse. This is an incredible book giveaway with many authors I admire generously donating their signed books, and many categories / genres of books (memoir, children, personal development, true crime, poetry, etc) to choose from. See pinned post on my feed for more details and the entire range of book bundles you can donate towards for a chance to win. 📚 

🍁🌾 A big thank you to everyone who has signed up to my upcoming livestream of my most popular creative webinar DISCIPLINE IS PLEASURE. Early early bird deep discount ends 9/7. 🔗 in bi🌑"

# data[].attributes.attachment_link.description
12K likes, 107 comments - yumisakugawa on August 29, 2025: "When I say “make art,” what I really mean is *BE* and *LIVE* as the creative force that disrupts everything and anything that stands in the way of collective liberation. 

This includes community organizing, learning and teaching new paradigms, protecting your attention span, connecting deeply to land, shedding outdated narratives, growing a garden, cultivating ecosystems of care, supporting mutual aid, divesting from unjust structures. 

This includes turning off your phone, avoiding overconsumption, and sitting in silence, connecting deeply to yourself. 

This includes a deep lifelong commitment to justice and liberation for all. 

Our imaginations and our inherent capacities for creativity are dangerous to oppressors. 

🌑🌑🌑

Don’t miss out on this incredible SIGNED BOOK GIVEAWAY for G*za that I am participating in, where 100% of all proceeds will be benefitting families in G/\ z a. Deadline is TOMORROW 8/31 Saturday. 

I will be donating a signed copy of FASHION FORECASTS and will be including in the book an original drawing and a special message from the 🪄yumiverse. This is an incredible book giveaway with many authors I admire generously donating their signed books, and many categories / genres of books (memoir, children, personal development, true crime, poetry, etc) to choose from. See pinned post on my feed for more details and the entire range of book bundles you can donate towards for a chance to win. 📚 

🍁🌾 A big thank you to everyone who has signed up to my upcoming livestream of my most popular creative webinar DISCIPLINE IS PLEASURE. Early early bird deep discount ends 9/7. 🔗 in bi🌑". 

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by Yumi Sakugawa 佐久川由美 (@yumisakugawa)

# data[].attributes.body
de Limburgse kunstenaar Morena Bamberger (Roermond, 1994) een nieuwe installatie waarin ze de overgang tussen leven en dood onderzoekt. De mystieke kanten van het leven en oude culturen vormen haar inspiratiebronnen.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
*Through Matter of Time

24 mei t/m 9 november 2025

De zolder van Stedelijk Museum Schiedam wordt deze zomer omgetoverd tot een duister universum. Hier presenteert de Limburgse kunstenaar Morena Bamberger (Roermond, 1994) een nieuwe installatie waarin ze de overgang tussen leven en dood onderzoekt. De mystieke kanten van het leven en oude culturen vormen haar inspiratiebronnen. Met Through Matter of Time heeft Bamberger voor het eerst een solopresentatie buiten Limburg.

In het donker doemen door spots aangelichte figuren op, die de aandacht trekken door hun stralende verschijning. De wezens hebben geen ledematen en lijken ingekapseld in een brok materie dat glinstert en schittert. Ze zien eruit alsof ze afkomstig zijn uit het binnenste van de aarde, net als edelstenen en het zwarte goud dat vroeger in Zuid-Limburg werd gedolven. Als bezoeker vraag je je af wat de staat is van deze figuren: leven ze, zijn ze dood of dromen ze?

Visioenen Morena
Bamberger neemt ons mee in haar innerlijke zoektocht waarin droombeelden en visioenen een alternatieve werkelijkheid oproepen en waarin het verschil tussen leven en materie wordt bevraagd. Wat is dood en wat is leven? Wie zegt dat ons leven echt is en niet een droomtoestand? Voor deze installatie put ze niet alleen uit haar eigen mystieke ervaringen, maar ook uit oude culturen zoals die van Egypte, de Paaseilanden, de Kelten en de Russische volkscultuur, evenals haar eigen Sinti roots. Met geuren en geluid weet ze de spirituele ervaring van de bezoeker nog extra te versterken.

Haar sensitiviteit en gevoeligheid voor de mystieke kanten van het leven vertaalt Bamberger in betoverende werken, die de bezoeker niet alleen visueel, maar ook zintuiglijk meevoeren naar de spirituele wereld zoals zij die zelf ervaart. Morena Bamberger komt uit de Sinti gemeenschap en is de eerste kunstenaar in Nederland met deze achtergrond. Het was niet makkelijk voor haar om haar familie duidelijk te maken dat ze beeldend kunstenaar wilde worden. Muziek speelt binnen de Sinti een belangrijke rol, maar beeldende kunst is een onontgonnen terrein. Al op jonge leeftijd voelt Bamberger zich aangetrokken tot het creëren van dingen en trekt ze de natuur in, waar ze veel bezieling vindt.

Bezoekers in de installatie 'Through Matter of Time', foto Aad Hoogendoorn

Opleiding en erkenning
In 2018 studeert ze af aan de Academie voor Beeldende Kunst en Vormgeving Maastricht waar ze haar Bachelor Fine Art behaalt. In 2019 is ze artist in residence aan de Jan van Eyck Academie Maastricht. Ze wint de Gilbert de Bontridder Prijs en de Henriëtte Hustinxprijs (beide in 2018) en in 2019 het Limburgs Beeldende Kunst Stipendium. In 2022 wint ze de Parkstad Limburg Prijs en toont ze haar werk in Schunck Heerlen, het Bonnefantenmuseum Maastricht en het Odapark Venray. In 2024 nodigt het Bonnefantenmuseum haar uit samen te werken met Malgorzata Mirga-Tas, een Roma kunstenaar die in 2023 furore maakt met haar grote installatie voor de Biënnale van Venetië.

Bij de entree van deze tentoonstelling maakt Bamberger een nieuw werk over haar Sinti familie. Deze installatie, Sonnekaskro Djiephen, Sinti voor laat de woonwagen als een kapel zien, waar religie en reizen samenkomen. Dit werk en ook andere installaties zijn aangekocht door het Bonnefanten museum. De woonwagen was begin dit jaar een blikvanger op de groepstentoonstelling Een Leven Van Goud, in Bonnenfanten en werd ook besproken in de New York Times. Dream on

Bekijk hier haar website.

Aanstormend talent
Stedelijk Museum Schiedam geeft elk jaar twee jonge kunstenaars de kans nieuw werk te maken voor een van de zalen op zolder. Sinds de jaren vijftig richt het museum zich op 'thans levende kunstenaars' en stimuleert het de ontwikkeling van aanstormend talent in de beeldende kunst. Van de Cobrakunstenaars - die destijds een revolutie in de Nederlandse moderne kunst teweeg brachten en waaruit de fameuze Cobra collectie van het museum is ontstaan - tot nu.

Kunsthistoricus Nicolette Gast is gastcurator van deze tentoonstelling.

Morena Bamberger. Through Matter of Time is mede mogelijk gemaakt vanuit de Basisinfrastructuur voor regionale musea van het Ministerie van Onderwijs, Cultuur en Wetenschap.

Header: Morena Bamberger, Through Matter of Time, foto Tobias Heemels

# data[].attributes.attachment_link.title
Morena Bamberger - Stedelijk Museum Schiedam

# data[].attributes.attachment_link.description
Through Matter of Time 24 mei t/m 9 november 2025 De zolder van Stedelijk Museum Schiedam wordt deze zomer omgetoverd tot een duister universum. Hier presenteert de Limburgse kunstenaar Morena Bamberger (Roermond, 1994) een nieuwe installatie waarin ze de overgang tussen leven en dood onderzoekt.

# data[].attributes.body
https://www.instagram.com/p/DN9P4rzDEc7/?img_index=1

# data[].attributes.attachment_link.description
Featuring: Narubia Werreria, Thaline Iny Karajá, Val Munduruku, Siã Huni Kuin + Busã Huni Kuin

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
From documentary shorts, features and series, we craft perspective-changing multimedia projects that further the emergent revolution around climate, culture and consciousness.

Then we activate our online community through our own digital platforms to share the message far and wide.

# data[].attributes.attachment_link.description
From documentary shorts, features and series, we craft perspective-changing multimedia projects that further the emergent revolution around climate, culture and consciousness. Then we activate our online community through our own digital platforms to share the message far and wide.

# data[].attributes.attachment_link.title
Een taal voor ogen: Uta Eisenreichs It Goes Without Saying bij Ellen de Bruijne Projects - Metropolis M

# data[].attributes.attachment_link.description
Hoe geven we via taal betekenis aan onszelf en de wereld om ons heen? Met …

# data[].attributes.attachment_link.title
De kunstenaar-moeder heeft ‘trut’ op haar voorhoofd staan

# data[].attributes.attachment_link.description
“Put the mom in MoMA” en: “What happens to the avant-garde when the mother laughs?” zijn enkele van de leuzen die te lezen zijn op de spandoeken van Mothernism, een installatie van Lise Haller…

# data[].attributes.attachment_link.title
Good Mom/Bad Mom | Centraal Museum Utrecht

# data[].attributes.attachment_link.description
Een tentoonstelling over moederschap, zorgdragen, de politiek van de baarmoeder en emancipatie.

# data[].attributes.attachment_link.title
Als het bladeren door een boek - in gesprek met Annabelle Binnerts en Eva van Bemmelen over talige kunst en hun tentoonstelling Reading Characters bij Billytown - Metropolis M

# data[].attributes.attachment_link.description
Taal verbindt en scheidt ons van elkaar. Miscommunicatie, vertalingen, typfouten, versprekingen, ze houden taal levend. …

# data[].attributes.body
Wat kunnen we van de natuur leren? Het is een terugkerende vraag, waar een grote veronderstelling achter zit: ‘we’ staan buiten de ‘natuur’. Bij West in Den Haag laten verschillende kunstenaars echter zien hoe de mens verbonden is met de levende wereld en bovenal, hoe verschillende vormen van onderdrukking samenhangen met de onderdrukking van de natuur. Stella Kummer bezoekt de tentoonstelling Life on Earth, waar het vooral de kwetsbare menselijkheid is die haar aanspreekt.

# data[].attributes.attachment_link.title
Het feminisme of de dood - Life on Earth: Art & Ecofeminism bij West Den Haag - Metropolis M

# data[].attributes.attachment_link.description
Wat kunnen we van de natuur leren? Het is een terugkerende vraag, waar een grote …

# data[].attributes.attachment_link.title
Cartograaf van haar bestaan – op atelierbezoek bij Marjo Postma

# data[].attributes.attachment_link.description
Alex de Vries ging op atelierbezoek bij Marjo Postma. ’Het fysieke van het maken van mijn werk vind ik fijn, want er gebeurt van alles in mijn hoofd terwijl ik het maak. Er ontstaat een fantasiewereld…

# data[].attributes.attachment_link.title
The limitless vision of Klára Hosnedlová

# data[].attributes.attachment_link.description
The Czech-born artist’s solo show at Hamburger Bahnhof mightily showcases her ambition

# data[].attributes.attachment_link.description
Triënnale fan Beetstersweach
It hûs is net ien
28. septimber – 23. novimber 2024

# data[].attributes.headline
Resonance is a phenomenon that occurs when an object or system is subjected to an external force or vibration that matches its resonant frequency, defined as the frequency that generates the maximum amplitude response in the system.

# data[].attributes.subject
Resonance is a phenomenon that occurs when an object or system is subjected to an external force or vibration that matches its resonant frequency, defined as the frequency that generates the maximum amplitude response in the system.

# data[].attributes.body
weerklank

# data[].attributes.body
CORRESPONDENCES is an ever-evolving project between Soundwalk Collective and Patti Smith. Spanning over 10 years, it traverses a wealth of geographies and their natural environments, where the artists have uncovered sonic steps left by poets, filmmakers, revolutionaries and impact of climate change.

Soundwalk Collective’s founder, Stephan Crasneanscki, has explored, captured and collected the world’s remotest places in sound to awaken a sonic memory within the landscape, uncovering traces of past and current histories of the world we are living in. The resulting compositions are made of sound that reflect our relation to this world, the environment, the soul of our existence, and the creative process of the artist.

# data[].attributes.attachment_link.title
CORRESPONDENCES with Patti Smith - Soundwalk Collective

# data[].attributes.attachment_link.title
CORRESPONDENCES with Patti Smith - Soundwalk Collective

# data[].attributes.body
inspiratie boek; ik ken een berg die op me wacht

# data[].attributes.attachment_link.title
Cecilia Fiona - Visual artist based in Copenhagen

# data[].attributes.attachment_link.description
Cecilia Fiona (b. 1997, Copenhagen, DK) lives and works in Copenhagen, DK. Fiona is represented by VITRINE (London and Basel) and Andersen's Contemporary (Copenhagen).

# data[].attributes.body
Ghost Flower Ritual, a multi-sensory and interdisciplinary artwork created in collaboration between Danish visual artist Cecilia Fiona and Danish composer Sophie Søs Meyer performed by musicians the classical ensemble Athelas Sinfonietta Copenhagen.

Ghost Flower Ritual brings together visual art, music and performance in a sensuous ritual that explores transience and the power of transformation in the face of today’s biodiversity crisis. The work is inspired by an alchemical myth of a flower that burns and rises from its own ashes.

# data[].attributes.body
Turato investigates our collective relationship to language, exposing the ideologies, failures and pleasures that characterise communication today.

he breadth of Turato’s work encompasses text-based installations, prints, books and performances, placing language as the central anchor of her practice. Turato’s work often weaves in collected language, as well as original text, channelling the constant stream of material into an original narrative she deconstructs and shapes through her multifaceted practice. Working within periodic cycles referred to as ‘pools’,  Turato reflects on particular current cultural and societal tendencies, specifically, the language and zeitgeist that define these shifts. Turato’s series of artist books – also titled pools – accompany each cycle, with Turato likening them to ‘annual reports’ of the compiled text and language of that year.

https://www.instagram.com/p/DIWQf6wzlHs/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=MzRlODBiNWFlZA==

https://www.stedelijk.nl/en/exhibitions/in-situ-1-en

https://www.kunstinstituutmelly.nl/en/people/4495-nora-turato

# data[].attributes.attachment_link.description
The Institute of Contemporary Arts (ICA) is London’s leading space for contemporary culture. We commission, produce and present new work in film, music, performance and the visual arts by today’s most progressive artists. In our landmark home on The Mall in central London, we invite artists and audiences to interrogate what it means to live in our world today, with a genre-fluid programme that challenges the past, questions the present and confronts the future.

# data[].attributes.headline
[I3] Imitation, Iteration and Improvisation: Embodied interaction in making and learning

# data[].attributes.subject
[I3] Imitation, Iteration and Improvisation: Embodied interaction in making and learning

# data[].attributes.attachment_link.description
[First name] Alaa [surname] Abu Asad (عَلاء أبو أسعد) is an artist, researcher, and photographer. His practice is centred around developing alternative trajectories in which values of (re)presentation, translation, viewing, reading, and understanding can intersect. Language and plants are main themes in his research–based work, which takes form in writing, film and interactive installations.