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El tema que elegí para este semestre que me servirá para los análisis visuales es "El color azul en el arte". Aunque el azul para muchas personas sea solo un color, para mí representa mi vida, mi nombre y un futuro soñado. Me gustaría encontrarme en todas las obras de arte creadas a través de la historia, para saber un poco más del progreso de este color y así compararlo con mi propio crecimiento y tener un mejor entendimiento de mi porvenir.

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Anónimo

Pinturas rupestres de Castrocontrigo, 1981 a.C

Lienzo en piedra

Cueva en León, España

Esta imagen tomada por Javier F. Lozano de una pieza de arte rupestre captura con claridad el uso de color en el arte prehistórico. Aunque no se pueda encontrar una figura concreta, en esta pintura abstracta se percibe la libertad y la curiosidad de estos artistas por plasmar una nueva realidad.

En la era prehistórica, el color azul se utilizaba como símbolo de la vida eterna ya que representa el infinito, la tranquilidad, la salud y la protección, convirtiéndose en un color sagrado para las personas de la época. Aunque el tema central de la obra no es el azul, es importante resaltar el contraste de los colores cálidos como el a anaranjado, rojo y amarillo con los fríos, como el azul. Es fácil interpretar la pieza como la oposición de las emociones y a la vez su armonía.

En esta obra de estilo rupestre se utilizó las manos para los trazos gruesos y una herramienta similar a un pincel para los trazos finos. Adicionalmente, ya que no hay luz directa, se utilizó una linterna y una cámara de alta resolución para iluminar las paredes de la cueva, lo que ayudó a ver todos los colores del espectro con claridad.

De la composición se puede decir que la pieza está conformada por manchas posicionadas de manera aleatoria y motivos antropomorfos simbolizando guerreros con escudos y lanzas.

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Anónimo
Tumbas de la Dinastía XXVI, 624-525 a.C
Lienzo en ladrillo de barro
Oxirrinco, Antiguo Egipto

Esta imagen tomada por Astelus muestra el tipo de dibujo, su composición y el uso del color en la Egiptología. El color Azul es el principal elemento y el que más resalta en esta pieza, abrazando el significado de la ilustración, que habla de la jerarquía de la época.

El color azul para los egipcios de la época era sagrado ya que, como se relacionaba con la tonalidad del cielo y del agua, representaba el universo, la fertilidad y la vida. Este color se utilizó en la pieza con el fin de retratar la eternidad de la vida después de la muerte. Además, se muestra a través del dibujo su experiencia de vida y lo que anhela para su futuro.

En esta obra se utilizó un tipo pincel hecho de fibra de caña para lograr trazos claros y barro para crear relieves. Ya que estas tumbas estaban dentro de paredes de barro, no les llegaba la luz directa.

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anónimo
Mosaico Becerro de Oro, 3700-539 a.C
Lienzo en ladrillo
Mesopotamia

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Kephisodotos
Irene and Plutus, ca 375 - 360 B.C.
Marble
Villa dei Quintili, Appia Antica

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Anónimo
Gálata moribundo, 230 a.C.
Mármol
Pérgamo, Mysia, Grecia (Ciudad moderna de Bergama, Turquía).

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Análisis Comparativo (Grecia Clásica y Grecia Helenística)

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Análisis Comparativo (Grecia Clásica y Grecia Helenística)

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El periodo del arte Griego, el cual empezó cerca del 1100 a.C, es conocido por dividir el arte en dos, ya que en este se comenzó a ver la evolución en el naturalismo y en el detalle en comparación a obras de arte pasadas.

Lastimosamente no hay forma de encontrar el color azul en las obras de la época. No hay una razón exacta del por qué los griegos no utilizaban este color para crear arte, aunque existen muchas teorías al respecto. Algunas de estas son acerca de la visión de las personas de la Antigua Grecia y de que probablemente eran daltónicos, por lo que en su mayoría solo utilizaban negro, blanco con toques de verde y amarillo. Otra teoría es que no tenían de donde extraer el pigmento azul o simplemente no les parecía importante contar con este para crear una obra de arte.

Hay diferentes tipos de arte Griego, incluyendo el clásico y el helenístico. Estos aunque tienen muchas similitudes, son bastante diferentes. El estilo helenístico se concentra en que la expresión facial y la posición del cuerpo sea bastante realista, mostrando especialmente gestos fuertes de dolor o de sufrimiento en momentos de acción, mientras en el clásico se esculpía una expresión tranquila e imperturbable, sin revelar sentimientos y en poses individuales y sencillas, sin ningún tipo de movimiento en acción, sino ilustrando uno que está a punto de suceder. Aunque en ambos tipos de escultura se muestre un idealización corporal, en el helenismo se puede ver una exageración del cuerpo ideal y en el clasicismo una más natural y suave.

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Anónimo
Diana the huntress, Goddess of Melancholy, siglo 1 b.c- siglo 1 a.c

Fresco, lienzo en pared, yeso de cal

Pompeii

El arte romano es conocido por su intención de generar utilidad a la hora de crear obras de arte. Esto se puede ver en las pinturas encontradas en Pompeya, utilizadas como forma de decoración, las cuales fueron rescatadas después de su destrucción ocasionada por la erupción del monte Vesubio. Y aunque varias de estas muestras artísticas se hayan perdido por dicha tragedia, en las que quedan podemos apreciar la evocación de escenas de la vida cotidiana con ayuda de las tres leyes: la ya mencionada ley funcional, la ley del material como elemento de belleza y no solo de medio y la ley simbólica de interpretación teniendo en consideración su objetivo.

A diferencia del arte griego, los romanos si utilizaban el color azul en sus pinturas. Se cree que este tono era empleado con el fin de representar el cielo, la muerte, y la religión politeísta, elementos importantes para estos artistas.

A la hora de pintar al fresco se aprovechaban elementos como pigmentos de polvo mezclados con agua para después fijar yeso de cal en las paredes. Esta técnica era empleada por su durabilidad y bajo mantenimiento para decorar interiores y exteriores.

Este mural muestra a la diosa de la casa, Diana, con una expresión tranquila mientras carga su arco con una flecha para disparar. Se destaca por su sofisticación, por el contraste del blanco con el cromatismo intenso del azul y por los desperfectos de la superficie, típica de una pintura al fresco.

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Anónimo
Mosaicos de la emperatriz Zoé, s. XI, 1028-1045 a.C
Mosaico

Istambul, Turkey

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anónimo
Mosaico de Cristo como Guerrero, 495 - 500 a.C
Mosaico
Capilla Arzobispal, Rávena, Italia

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Anónimo
Jardín Pintado de la villa de Livia en Prima Porta, 136–137 a.C

Pintura en mural, al fresco
Palazzo Massimo, Roma

Como ha sido mencionado anteriormente, el arte romano se caracterizó por su intención de ser útil de alguna manera para las personas de la época. Esto se puede ver en las pinturas encontradas en  el Palazzo Massimo en Roma, las cuales tenían como función decorar las paredes del lugar. Adicionalmente, en estas obras se pueden apreciar las leyes romanas en el arte; La ley simbólica, la funcional y la material.

El color azul en este mural, el cual cubre casi todo el fondo, se utilizó para simbolizar el cielo, un elemento importante para los romanos ya que se creía que en este habitaban algunos de sus dioses, siendo estos las divinidades adoradas en la antigua Roma. Su admiración por estas figuras también se puede ver en la representación de la diosa Isis como esfinge en varias partes de este gran mural.

Además del cielo y de las esfinges, en esta obra también se puede apreciar partes de la naturaleza, como árboles, flores y una gran variedad de aves. Esta obra se destaca de las demás por su falta de seres humanos en el dibujo, ya que por la época era bastante común encontrarlos en pinturas.

Para crear este mural el/los artista(s) crearon frescos protegidos por capaz de cera para avivar los colores. Los frescos eran elaborados con elementos como pigmentos de polvo mezclados con agua para fijar yeso de cal en las paredes. Se utilizaron materiales como el pincel y la espátula para situar los colores y de esta manera formar trazos impecables.

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Sandro Botticelli
El nacimiento de Venus, 1480 a.C
Pintura en dos piezas de lienzo
Florencia, Italia

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Hans Holbein el joven
Cristina de Dinamarca, duquesa de Milán, 1538 a.C
Óleo en tabla de roble
Londres, Inglaterra

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Análisis Comparativo (Renacentista Italiana y Norte Europeo)

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Análisis Comparativo (Renacentista Italiana y Norte Europeo)

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El Renacimiento fue un periodo fundamental para el arte y la cultura. Este empezó cerca del siglo 14 hasta el 17 y es famoso por ser el momento histórico donde algunos de los mejores artistas, autores, científicos y pensadores prosperaron en su trabajo por las ganas de la gente de educarse y crecer como personas. Este periodo es conocido por ser un puente de lo antiguo de la edad media al modernismo que se alcanza a ver hoy en día.

Esta ola artística está constantemente dividida en dos; el arte renacentista Italiano y el del norte europeo. El renacimiento empezó en Florencia, Italia y se expandió por toda Italia, y en el siglo 15, estas ideas se difundieron por el resto de Europa hasta llegar al norte. Es por esto que, aunque los dos artes tienen la misma procedencia y ser igual de revolucionarios, son diferentes.

En el arte renacentista Italiano se puede ver la intención de los artistas de centrarse en las ideas recientemente descubiertas del humanismo (la importancia del ser humano y su lugar en la sociedad) y en la naturalidad de las personas y sus alrededores, alejándose de la iconografía religiosa. Además en Italia se creaban piezas realistas, estudiando la figura humana para dibujarla tal y como se veía en persona y utilizando la idea del contrapposto para hacerla más dinámica y cruda, con el fin de transmitir emociones. De igual manera se usaba la técnica del claroscuro para dar profundidad a la pieza y la perspectiva lineal para la tridimensionalidad.

A diferencia de los italianos, los artistas nórdicos siguieron creando imágenes religiosas de figuras importantes del cristianismo y de líderes políticos. Además en el norte de Europa se empezó a pintar con una técnica al óleo en vez de usar pintura al temple, ya que esta se adaptaba mejor a su visión y les permitía mezclar mejor las capas de pintura. Por otra parte, experimentaron con el grabado para presentar sus creencias religiosas y políticas en su obra. No obstante, continuaron con la idea de los Italianos al crear piezas realistas y con relieve.

En ambos movimientos se puede ver el uso del color azul, aunque es más fácil de encontrar en el italiano. Ya que en Europa no era fácil conseguir la piedra semipreciosa lapislázuli, de la cual se extraía el pigmento, para tener un cuadro pintado con azul, era necesario pagar extra. Por esta razón, este color se veía como un lujo, implicando dignidad y riqueza, y era únicamente utilizado para aquellas personas importantes, familias ricas del momento y en el cuadro más relevante de cada artista.

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Francisco Herrera el Mozo
El triunfo de San Hermenegildo, 1654 a.C.
Óleo sobre tela
Museo del Prado, Madrid, España

El barroco, conocido por su extravagancia y elegancia, fue el estilo creado en el siglo XVII y duró hasta mediados del XVIII (1600 a 1750 aprox.). Este tipo de pintura, arquitectura, escultura, etc. fue famoso por exhibir escenas bíblicas de la iglesia Católica de forma dramática y expresiva, con el fin de conmover al público.

Esta obra, hecha por Francisco Herrera el Mozo en el año 1654, se puede reconocer como parte de la época del barroco por la expresividad exagerada que muestran los individuos y por el detalle en el trazo. Además se puede ver la teatralidad y el contraste de colores y sombras en las personas para representar y diferenciar su bondad (su mérito respectivo para llegar al cielo). Esto se utilizaba comúnmente en el arte barroco, para distinguir a las personas buenas de las malas y en este caso, para separar a los vivos de los muertos, después de la victoria sobre el arrianismo de San Hermenegildo, un mártir cristiano.

De igual manera, el color azul que se puede ver en la obra, tanto en el fondo como en la túnica del personaje principal, San Hermenegildo, fue pintado con el propósito de representar el cielo y la pureza de este santo, quien se sacrificó para acabar con el arrianismo. Por esta razón, se cree que el color azul estaba reservado únicamente para aquellas almas buenas, como santos, ángeles, curas e iconos religiosos como Cristo y la virgen María.

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Pierre-Antoine Demachy
Une exécution capitale, place de la Révolution, 1793
Óleo sobre lienzo
Paris, Francia

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Caspar David Friedrich
El Caminante sobre el Mar de Nubes, 1818
Óleo sobre lienzo
Hamburgo, Alemania

El arte romántico o romanticismo fue un periodo que surgió a finales del siglo XVIII y el XIX en Alemania e Inglaterra y es conocido por apreciar la belleza de la naturaleza y la expresión de la subjetividad y de la libertad individual, siendo este menos racional que el neoclasicismo e invitando al pintor a expresar sus sentimientos o su personalidad en cada pieza de arte. Además de ser el romanticismo un movimiento nacionalista y de liberación de las reglas academicistas, es también conocido por incitar a redescubrir la naturaleza, a tener una visión donde la imaginación puede predominar en asuntos como los sueños, pesadillas o fantasías, y a ilustrar elementos nostálgicos e idealizados.

Esta obra, hecha por Capar David Friedrich en el año 1818, se puede reconocer como parte de este movimiento artístico por ser revolucionaria y por evocar sentimientos como la libertad, la paz, el miedo e incluso la soledad, algo que exalta la subjetividad de los sentimientos por encima de la objetividad. Además, muestra el valor que se le daba en la época a la imaginación y a lo sublime, ya que, oponiéndose a la belleza clásica, se vuelve más importante la percepción individual del cuadro, al conmover o turbar al público. Por otra parte, tiene un carácter onírico, al mostrar una fantasía; un mar hecho con nubes.

El color azul en esta obra, además de resaltar la lejanía del paisaje, es de igual manera utilizado para transmitir los sentimientos del artista al público. Puede ayudar a sentir cosas como la desesperanza y la fatiga, o la paz y la vivacidad del sujeto, emociones que dependen de cada uno de nosotros (individualidad y subjetividad).

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Arte Vanguardista del siglo XX- Futurismo (Análisis Visual)

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Arte Vanguardista del siglo XX- Futurismo (Análisis Visual)

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Umberto Boccioni
Volumen Horizontal, 1915
Óleo sobre lienzo
New York, Estados Unidos

Las vanguardias artísticas del siglo XX resaltan en la historia por romper con lo convencional y con las reglas tradicionales que regían sobre cómo debe ser el arte. Una de las primeras vanguardias y más importantes fue el futurismo, el cual se originó de Milán, Italia. Este elogia la maquinaria, la modernidad, la violencia, la sensualidad y el dinamismo o movimiento.

Este cuadro, hecho por Umberto Boccioni en el año 1915, se puede identificar fácilmente como futurismo italiano por la habilidad del pintor de dejar lo tradicional en el pasado para centrarse en el mundo contemporáneo y en la vida caótica de la cotidianidad. además se puede ver el uso de figuras un poco abstractas, con influencia del cubismo, arregladas cautelosamente con colores complementarios y líneas curvas para crear un efecto de vibración, con el fin de formar un retrato de un hombre en la pintura.

Por consecuente, el color azul en esta obra se pintó con el propósito de contrastar con colores vivos y de expresar las diferentes emociones que puede transmitir el personaje de la obra. El azul es utilizado para resaltar la soledad, incertidumbre, melancolía o paz que puede estar sintiendo el hombre, y de igual manera, brindarle sombra a la pintura, enfrentando a los colores cálidos como el rojo, el amarillo y el naranja, los cuales tienen la función de iluminar al ser desde arriba.