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PIJAMA SURF es un sitio en el que se encuentra información sobre artístas contemporáneos que han incorporado la tecnología mediante el arte digital. Aquí uno de los exponentes

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PIJAMA SURF es un sitio en el que se encuentra información sobre artístas contemporáneos que han incorporado la tecnología mediante el arte digital. Aquí uno de los exponentes

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Onur Senturk

Uno de los mejores exponentes y pioneros del “motion design”, “diseño en movimiento”, el turco Onur Senturk ha hecho del diseño un ejercicio multidisciplinario en el que por medio de símbolos y formas que por momentos parecen arquetípicas, fragmenta la realidad para recomponerla después en efectos que conmueven e inquietan.

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Client: Self-Initiated Role: Art Direction, Design, Animation, Compositing Date: February 2010 Format: Short Film 1024*576 Widescreen Pal Sound: ECHOLAB Gavin Little Nokta . (Dot .) is an abstract short film project which is an improvisation of organic pieces and themes like power, control and luck.

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proyecto Taxonomía del GAE (Grupo de Artes Electrónicas de UNTREF)

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proyecto Taxonomía del GAE (Grupo de Artes Electrónicas de UNTREF)

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El Grupo de Artes Electrónicas (Argentina, 2009) de la Universidad Nacional de Tres de Febrero surge en el año 2009, como resultado de una serie de encuentros interuniversitarios en el que participaron diferentes universidades iberoamericanas. El proyecto Taxonomía del GAE (Grupo de Artes Electrónicas de UNTREF) dirige la mirada hacia la constitución morfológica de dispositivos que dialogan con los lenguajes televisivos, a partir de una dinámica de acoplamiento estructural. Taxonomía (clasificación de seres biológicos) es una instalación de estructuras tubulares que cuelgan del techo y finalizan en el suelo con doce pantallas de televisión con dispositivos adaptados a los lados que permiten se muevan mecánicamente como pequeños robots. Cada televisor proyecta videos con escenas de órganos humanos desde una perspectiva microscópica, en sus procesos rítmicos de contracción y dilatación. Esta dinámica de movimiento de la imagen se articula con el movimiento real de las pantallas, las cuales simulan pequeños seres abstractos, vivientes, humanizados. Aporte: Cruzate Emir Lucas

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Difusión Maestría en Artes Electrónicas UNTREF

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El proyecto Bestiario del GAE (Grupo de Artes Electrónicas de UNTREF) dirige la mirada hacia la constitución morfológica de dispositivos que dialogan con los lenguajes televisivos, a partir de una dinámica de acoplamiento estructural. La experiencia de creación e investigación propone morfologías cuya conexión con el universo de la TV supone desafíos electrónicos, mecánicos y robóticos.

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Hola a todos! voy a hacer mi aporte en el padlet, programa que ya he usado y que ademas es interesante para compartir imagenes, informacion, tareas, acciones, opiniones! El artista que elegí es James Turrel porque es uno de mis favoritos y porque además tiene un museo en Salta, este artista que trabaja con la luz  y sus impresiones en el espacio me parece conmovedor y que además interpela a que seamos receptores de arte sumamente activos, y que se vinculen nuestras emociones vinculadas al color, que es totalmente subjetivo.  Ver su obra desde la web no es lo mismo que vivenciarla, esta cuestión de tener que ir a visitar la obra para que sea percibida de mejor manera trasciende la experiencia de observar el formato bi dimensional, la pintura y el dibujo que aveces nos parece tan estático como espectadores, vivir el arte es una manera de trasmitir el arte a los alumnos, aunque obviamente no es lo mismo ver desde una imagen impresa que ver la obra original, lo digital, los videos nos acercan a las obras y el arte digital se hace universal a través de la web y poder compartir con los jovenes es fundamental.  Asi como mantenernos actualizados.
Inés Bilbao

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Visita al Museo de James Turrell en Colomé

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Artista electrónico. Nació en 1967 en Ciudad de México.

Detectores, la muestra del artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer, que se presentó en el año 2012 en el Espacio Fundación Telefónica, hace suya esta problemática actual pero desdramatizándola a partir de ubicar al espectador en el marco de una experiencia lúdica conformada por ocho obras interactivas. En tal sentido, ”al transgredir los sistemas de vigilancia a través de su proceso artístico, el artista convierte al observador en una parte integral de la obra, entre la seducción de la personalización y la violencia depredadora del control.”

La medianoche del año (The Year's Midnight)

Es una instalación interactiva que muestra la imagen de los espectadores en pantalla, sin procesar, excepto por las columnas de humo blanco o negro que emanan de sus tomas de ojos hasta que toda la pantalla está llena de un smog denso. Los ojos vivos y grabados extraídos del video se acumulan en la parte inferior de la pantalla, similar a las representaciones tradicionales de Santa Lucía. El nombre del proyecto es el comienzo de John Donne "Un día Nocturnal sobre St. Lucy, siendo el día más corto", un poema triste que inspira esta obra.

Explotar (Blow Up)
Caja de Sombras 4
Blow-up es una pantalla interactiva de alta resolución diseñada para fragmentar la vista de una cámara de vigilancia en 2400 cámaras virtuales que hacen zoom en el espacio de exposición en movimiento fluido y autónomo. Inspirado por Antonioni, la pieza está pensada como un ejercicio para subrayar la construcción de la presencia a través de un simulado ojo compuesto vivo.
La pieza existe en un formato de caja de sombra y como una instalación grande.

Tensión superficial

"Surface Tension" es una instalación interactiva donde una imagen de un ojo humano gigante sigue al observador con precisión orwelliana. Este trabajo fue inspirado por una lectura del texto de Georges Bataille The Solar Anus durante la primera Guerra del Golfo: primer despliegue ampliado de cámara Guiadas "bombas inteligentes". Las técnicas actuales de vigilancia computarizada empleadas por el Departamento de Seguridad Nacional en los Estados Unidos a través de la Ley Patriota, proporcionan un nuevo y angustiante telón de fondo para esta pieza.

La instalación fue desarrollada originalmente en 1992 en la Universidad Complutense de Madrid como módulo escénico para una obra teatral de la tropa de Teoría del Estado de Transición. Desde entonces, Surface Tension se ha presentado como una instalación de arte, por lo general en una pantalla de plasma.

Aporte: Eliana Valerio.

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Rafael Lozano-Hemmer, nacido en México en 1967, realiza instalaciones en la frontera de la arquitectura y la performance. Trabaja con tecnologías como la robótica, los sistemas de vigilancia y las redes informáticas. En 2007, fue el primer artista en representar oficialmente a México en la Bienal de Venecia, con una exposición en el Palazzo Van Axel.

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FLUIDIC - Escultura en Movimiento

Entre el 9 y el 14 de abril de 2013, la instalación artística "FLUIDIC - Sculpture In Motion" se exhibió en el Museo Temporal de Nuevos Diseños de Milán. La instalación fue diseñada y producida por el estudio de diseño de Berlín WHITEvoid en colaboración con el Centro de Diseño Avanzado de Hyundai .

Combinando un estanque de agua, una nube de puntos física formada por 12.000 esferas iluminadas, 8 proyectores láser de alta velocidad y las interacciones de sus visitantes, la filosofía de diseño de Hyundai "Fluidic Sculpture" se anima y se transforma en una viva experiencia artística.

Formadas por la interacción del visitante, las moléculas distribuidas aleatoriamente comienzan a enjambre - agregando y acumulando. Están constantemente en movimiento, reaccionando a las personas que buscan participar. Se crean esculturas ligeras dinámicas que cambian constantemente, transmitiendo la esencia del lenguaje de diseño de Hyundais, el papel inspirador desempeñado por la naturaleza y la capacidad de adaptarse y evolucionar continuamente.

Debido a un complejo algoritmo informático, las partículas de la nube parecen dispuestas aleatoriamente. Pero el algoritmo toma en cuenta las posiciones y ángulos de proyección de 8 proyectores láser de alta velocidad suspendidos alrededor de la obra de arte. Esto permite que los láser golpeen e ilumine todas las esferas sin ninguna oclusión incluso profundamente dentro del arreglo.

Las esferas iluminadas finalmente forman composiciones gráficas tridimensionales sin puntos dulces o ciegos. Manteniendo la misma densidad e intensidad, los gráficos FLUIDIC permiten a sus espectadores observar e interactuar simultáneamente desde todos los puntos de vista. Para analizar las posiciones de los visitantes, su postura y gestos la instalación incorpora múltiples sistemas de seguimiento de cámara 3D. FLUIDIC presenta una forma flexible y sólida, un flujo con un perfil distintivo pero dinámico.

FLUIDIC viaja alrededor del mundo y se presentará en varias ocasiones en el contexto de espectáculos de arte y diseño.

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FLUIDIC - Sculpture in Motion - (kinetic sculpture) full documentation 2014

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FLUIDIC - Sculpture in Motion Between April 9 and 14, 2013 the art installation „FLUIDIC -- Sculpture In Motion" has been displayed in the Temporary Museum for New Design in Milan. The installation was designed and produced by Berlin based design studio WHITEvoid in cooperation with Hyundai's Advanced Design Center.

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"Living Digital Forest and Future Park", es un proyecto presentado por el colectivo artístico japonés "TeamLab", que permite a los espectadores explorar en diferentes universos surrealistas generados por luces.

Jardines con flores flotantes y animales salvajes y un mundo de cristal, son algunos de los escenarios que pueden disfrutar adultos y niños, a quienes se les permite interactuar, controlando las luces a través de sus teléfonos móviles.

En una de sus salas, los niños pueden observar el poder de su imaginación creativa a través de Sketch Aquarium. Cada participante es invitado a colorear un dibujo de una criatura marina de su preferencia. Una vez completado, el papel es escaneado y la imagen se proyecta en un acuario virtual gigante. Los niños serán capaces de ver su creación cobran vida y nadar con todas las otras criaturas del mar. Los niños también pueden tocar los peces para verlos nadar lejos, o tocar la bolsa de comida virtual para alimentar a los peces.

Sketch Town es una ciudad que crece y evoluciona de acuerdo con las imágenes dibujadas por los niños. Después de completar los dibujos 2-D de los coches, edificios, OVNIs y naves espaciales, se escanean, se convierten en 3-D y entran en un paisaje urbano 3D. Cada componente de la ciudad tiene un papel a jugar; Por ejemplo, los camiones de bomberos y las grúas sirven para proteger la ciudad. Los niños pueden interactuar con el paisaje urbano final tocando componentes individuales para alterar su comportamiento.

Sitio web: www.teamlab.art/e/plazaIndonesia/

Aporte: M. Gabriela Pettinato

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Nonotak es un  dúo de artistas que vive en París y está compuesto por la ilustradora Noemi Schipfer y el músico Takami Nakamoto, quienes en conjunto trabajan manipulando la luz y las sombras para crear ambientes inmersivos impulsados por el fundamento arquitectónico.
“En términos simples, nosotros siempre usamos figuras realmente simples en 2D como líneas, triángulos, círculos y la idea es encontrar cómo podemos posicionarnos en el espacio para crear con ello un objeto en 3D”,  explica Shipfer.
Las diferencias de ambos les permiten tener un alcance compuesto mayor: Schipfer tiene habilidades en poder visual mientras que Nakamoto tiene experiencia en estructura física y experiencias aureales.
Sin embargo los dos no han dejado de buscar nuevos elementos, materiales y técnicas para incorporar en el trabajo que realizan juntos desde el año 2011.
Nonotak no sólo se trata de instalaciones sino performances que han presentado en festivales desde Tokio hasta Kaunas.
Sus presentaciones más recientes se sienten más como un show de música eléctrica que a una exhibición en una galería de arte activando y abrumando los sentidos del espectador, particularmente en ‘Late Speculation’ y ‘Horizon’.
Ellos apuestan a crear un cuarto lleno de luces, reflejos y sonidos, siendo estas dos las primeras ocasiones en las que desarrollan un ambiente envolvente de esta escala.
‘Hoshi’ es el proyecto que llevó al límite el concepto a través de las alturas utilizando un espejo angulado enorme, superficies de espejo y luces para crear otra ilusión a gran escala pero en esta ocasión se colocan en un círculo para dividir la habitación infinita y jugar así con el sentido de la profundidad y la reflección del visitante.
La pieza instalada en un álmacen también utiliza la luz para elevar el efecto y estructuras como andamios para crear un sentimiento de expansividad que nunca termina mientras las luces parpadean intermitentemente invadiendo el espacio y provocando una sensación muy creepy.
Esta pieza es una versión de un proyecto anterior, ‘Silhouettes’, que mezclado con una lona cubierta con agujas y con lámparas por detrás que eran controladas por el par, quienes manipulaban las dimensiones espaciales de la lona en el proceso.
Ellos incrementaron la idea de un 6 metros por 2.5 a un espacio de cerca de 2 mil 400 metros cuadrados, usando mil 800 metros de andamiaje, 50 luces estroboscópicas y 50 LEDS empacables.
El sonido se transmite de 6 subs y 12 bocinas, lo permite a la gente caminar a través y sumergirse en los hipnóticos sonidos y vistas, logrando la intención de crear la sensación de caminar a través de las instalaciones puestas en galerías.

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A 360 Degree Look Inside Nonotak's Hoshi

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In case you missed it at our Future Forward event series, presented by the All-New Prius, here's your chance to take a 360 degree look inside NONOTAK's Hoshi installation of infinite space.

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Kogler comenzó a experimentar en el arte a principios de la década de 1970 con piezas que exaltaban lo gestual-simbólico; el quiebre llegó veinte años más tarde con la inclusión de ordenadores y un trabajo profundo dentro del denominado Cave (Cave Automatic Virtual Enviornment) [Cueva con un entorno automático y virtual]: una habitación de tres metros de alto, por tres de ancho, por tres de largo, abierta en uno de sus lados. En toda la superficie, techo y suelo incluidos, se proyectan imágenes digitales en tres dimensiones que se realzan con un sistema de lentes que deben llevar puestos los espectadores. Las experiencias Cave fueron el punto de partida para desembocar en obras como Untitled (2008). En las cuatro paredes de una sala rectangular de dimensiones notablemente amplias, mediante 12 proyectores, Kogler construyó una animación sincronizada donde las figuras -abstractas, amorfas- se iban fundiendo en armonía con la música, compuesta especialmente para la ocasión por el músico Franz Pomassi. El resultado fue una súper estructura audiovisual que le permitía al espectador sumergirse directamente en la obra, ser parte del movimiento.
Aporte: Yesica Dos Santos

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Peter Kogler Computer Animation @ MUMOK, Vienna 2008

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El artista francés Julien Maire ha creado una experiencia cinemática que mezcla materiales impresos en 3D con antiguas técnicas de animación

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El artista francés Julien Maire ha creado una experiencia cinemática que mezcla materiales impresos en 3D con antiguas técnicas de animación

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(publicado por Mercedes Castaño)

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Un artista utiliza 85 figuritas impresas en 3D para crear una película sin película

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El artista francés de nuevos medios Julien Marie utiliza materiales impresos en 3D y una vieja técnica de animación en su nuevo vídeo.

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Exposición que se llevo a cabo en Buenos Aires en 2016
"Espacio Pla tiene el honor de representar a la Argentina como sede Embajada de The Wrong, presentará un pabellón online, tiempocircular.com (desarrollado por taxi.design) con el trabajo de más de 15 artistas argentinos, y además ofrecerá una muestra colectiva en el barrio de Palermo con una programación muy variada entre talleres, charlas y performances durante los 3 meses de Bienal, que será transmitida vía Periscope con el fin de hacer llegar el Arte Digital argentino a un público más general.
Los artistas participantes son: Mateo Amaral, Maximiliano Bellmann, Javier Bilatz, Guido Corallo, Azul De Monte, Alfio Demestre, Manuel Fernández, Mariano Giraud, Ignacio Guerra, Juane Odriozola, Eduardo Pla, Javier Plano, Tomás Rawski, Gabriel Rud, Sebastián Tedesco, Rox Vazquez & Cez Comerci y Florencia Viadana, quienes presentarán obras en distintos formatos y disciplinas, dentro del Arte Digital (net art, video, realidad virtual, instalación, fotografía, 3D, etc.)
Todas las obras presentadas giran en torno al concepto de ontología de Internet. El foco central será la naturaleza de lo virtual como fenómeno no físico y su relación con el tiempo, partiendo de la base de que Internet ofrece múltiples posibilidades de conexiones arbitrarias y no funciona de forma lineal y progresiva, sino que nos remite a la lógica antigua del laberinto."

(publicado por Mercedes Castaño)

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Tiempo Circular en Espacio Pla. Bienal de Arte Digital The Wrong

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Video: Santiago Mele Sonido: Sergey Kolesov (Astrosuka). Tiempo Circular fue curada por Merlina Rañi. Los artistas que participan Mateo Amaral, Maximiliano Bellmann, Javier Bilatz, Guido Corallo, Azul De Monte (+Astrosuka, +Bungalovv) , Alfio Demestre, Manuel Fernández, Mariano Giraud, Ignacio Guerra, Juane Odriozola, Eduardo Pla, Javier Plano, Tomás Rawski, Gabriel Rud, Sebastián Tedesco, Rox Vazquez & Cez Comerci y Florencia Viadana, quienes presentan obras en distintos formatos y disciplinas, dentro del Arte Digital (net art, video, realidad virtual, instalación, fotografía, 3D, etc.)

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6 proyectos que combinan lo mejor del arte y la tecnología

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6 proyectos que combinan lo mejor del arte y la tecnología

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Es fascinante el proyecto de Mind Art, me encanto la idea de permitirle explorar el arte a personas que se les dificulta hacerlo, no se lo pierdan!!

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El desarrollo tecnológico de los últimos años se ha adueñado de muchos de los aspectos de nuestras vidas, incluso de los que parecen más alejados como la cultura y el arte. Con resultados que podrían catalogarse como futuristas y que en muchas ocasiones es difícil creer que sean realidad, el aprovechamiento de nuevas tecnologías en el campo artístico está abriendo puertas a distintas expresiones que permiten el desarrollo de nuevos caminos para creativos y artistas alrededor del mundo.

Los casos que les mostraremos a continuación son algunos de los ejemplos más llamativos de lo que ocurre cuando se combina el arte y la tecnología para crear nuevas experiencias y formas de ver el mundo.
Mind Art
Mind Art es un proyecto creado por el artista de Shanghái Jody Xiong para promocionar la marca de pinturas Winsor&Newton China, quien reunió a 16 personas discapacitadas con el objetivo de crear obras de arte basadas en señales cerebrales. Mediante un casco EEG (un casco que permite hacer un registro de la actividad bioeléctrica del cerebro) y la tecnología de la compañía estadounidense Neurosky, se ubicaron biosensores en la cabeza de los participantes que podían usar las señales eléctricas de su cerebro para detonar unos globos llenos de pintura ubicados en el centro de cuatro lienzos.
Omote: maquillaje con video mapping
El artista y productor Nabumichi Asai , en colaboración con el maquillador Hiroto Kuwahara y el ingeniero de imagen digital Paul Lacroix, crearon esta propuesta que sin duda promete revolucionar la forma en la que se hacen presentaciones en vivo. Omote es una proyección de luz sobre la cara de una modelo, que permite experimentar y modificar el maquillaje que tenía puesto e incluso transformar completamente de su rostro usando captura de movimiento y projection mapping.
Guantes Mi.Mu
Estos guantes son un nuevo 'wearable' ideado por la cantante y productora inglesa Imogen Heap, los cuales permiten producir y tocar música en vivo sin necesidad de interactuar directamente con una consola o computador. Basta con el movimiento de las manos, dedos y brazos para lograr obtener los sonidos y efectos deseados. Funcionan vía Wi-Fi a través de un software de producción musical llamado Ableton Live y sensores de movimiento que leen cada gesticulación para traducirla en sonido u otra acción deseada.
Lexus Design Disrupted: un show holográfico
Es difícil hacer una distinción entre realidad y ficción al ver a la hermosa modelo Coco Rochá y a los otros personajes que la acompañan en este show, que emplea impecablemente la proyección de mapping 3D, hecho para el lanzamiento del nuevo Lexus IS, modelo 2014 en el marco del MADE Fashion Week 2013 . Con Radical Friend y Andrew Thomas Huang como directores creativos y un robusto equipo de producción, esta presentación es un excelente resultado de la combinación entre arte, moda y tecnología.
Re + Public y el arte de la realidad aumentada
La realidad aumentada es la posibilidad de crear una ilusión, en la cual espacios, personas u objetos parecen ser intervenidos en tiempo real por algún elemento digital mostrado a través de un dispositivo tecnológico.

Es este elemento la base del artista B.C. "Heavy" Bierman, el experto en medios digitales Ean Mering y el artista/activista Jordan Seiler para crear Re+Public. Un equipo encargado de intervenir espacios urbanos haciendo instalaciones en 3D sobre imágenes publicitarias u obras de otros artistas. Basta con usar un dispositivo móvil para ver un mundo inmersivo, invisible a simple vista.
Graffitis con lasers
James Powderly es un diseñador, ingeniero y artista que pasó de trabajar en la NASA a elaborar herramientas "open source" para artistas callejeros. Dentro de una variedad de proyectos destacados que ha hecho, hay uno en especial que llama mucho la atención, se trata de la creación de un prototipo que, mediante una proyección sobre una superficie y un sistema informático que reconoce las movimientos de un puntero láser (Laser tag), permite crear dibujos de luz.

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6 proyectos que combinan lo mejor del arte y la tecnología

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El desarrollo tecnológico de los últimos años se ha adueñado de muchos de los aspectos de nuestras vidas, incluso de los que parecen más alejados como la cultura y el arte.

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7 exitosos artistas que fusionan arte con Inteligencia Artificial

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7 exitosos artistas que fusionan arte con Inteligencia Artificial

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Por primera vez en Latinoamérica, la International Joint Conference on Artificial Intelligence se realizó en Buenos Aires. Durante todo julio, el Centro Cultural Borges fue sede de la mayor conferencia sobre Inteligencia Artificial en el mundo.

En ese marco, la gran protagonista que la muestra de arte en nuevos medios, una exposición que pretende construir un puente entre los científicos, el público de arte, los fanáticos techie y los siete artistas dedicados a fusionar arte y tecnología y que están revolucionando el campo:

Jon McCormack (Australia) Artista de medios electrónicos, teórico e investigador de informática, propone una nueva obra: "Niche construction". La obra trata de un programa de dibujo automatizado que utiliza los principios de la dinámica de los ecosistemas y la evolución biológica para crear un número infinito de dibujos lineales hechos por robots.

Patrick Tresset (Francia) Artista multi-premiado que utiliza la robótica para investigar las actividades artísticas humanas. Tresset presenta instalaciones en que los agentes robóticos son actores que evocan lo humano. El artista diseña softwares que permiten conducir a los robots en comportamientos artísticos y expresivos. En Buenos Aires presenta la instalación "5 robots named Paul" patrocinada en su desarrollo por la Tate Modern donde los robots producen una serie de retratos a partir de modelos en vivo.

Karl Sims (USA) Artista de medios digitales, científico investigador de gráficos de ordenador y empresario de software. Fundador y miembro de Genarts Inc. que crea software de efectos especiales para la industria cinematográfica. Los softwares de Genarts se han utilizado en un gran número de películas como X-Men, el Señor de los Anillos, varias películas de Star Wars y la trilogía de Matrix. También se utilizan en los videos musicales de Lady Gaga y Beyoncé. Karl estudió gráficos por ordenador en el Media Lab del MIT. Ha recibido varios premios incluyendo dos ARS Electrónica y un premio MacArthur Fellowship. En Buenos Aires expone su trabajo sobre la exploración de los sistemas celulares autónomos.

Olafur Eliasson (Dinamarca-Alemania) En colaboración con el científico Luc Steels (Instituto de Biología Evolutiva Barcelona), su obra "Look into the box" materializa una amplia investigación en inteligencia artificial. Los visitantes que miran a través de una lupa en una pequeña caja son fotografiados y su imagen ampliada, al mismo tiempo que una computadora procesa los datos generando un lenguaje audible a todos los visitantes. Esta pieza fue desarrollada originalmente para el Museo de Arte Moderno de París. Olafur Eliasson es conocido por sus grandes esculturas a escala a partir de elementos clave como la luz, el agua y la temperatura del aire.

AnneMarie Maes (Bélgica) "The scaffolded sound beehive" es una instalación multimedia inmersiva que proporciona a los espectadores una experiencia visual y auditiva de las actividades en una colmena. La artista trabaja en los entretejidos de varios medios de comunicación, cuestiones ecológicas y proyectos sociales y antropológicos. La actual línea de trabajo se centra en el proyecto en curso Open-Greens que establece laboratorios para las colonias de abejas urbanas. Ella es miembro fundador de las organizaciones Soon y Okno y tiene una maestría en Bellas Artes y Estudios Culturales.

Alexander Berman y Valencia James (Suecia y Barbados) La instalación "Kinetic dialogues" es una interacción cinética en tiempo real entre un participante humano y un avatar proyectada en una pantalla. El avatar aprendió un repertorio básico de posturas, que se elabora y se extiende con nuevas variaciones. Esta obra es parte de un proyecto mayor denominado "AI_am" que explora cómo la inteligencia artificial (IA) y la 4 danza contemporánea pueden complementarse entre sí. El proyecto reúne a expertos de los campos de la danza, la ciencia cognitiva, el diseño y la codificación. Alex Berman es ingeniero investigador y desarrollador de software, ha desarrollado y estudiado las interfaces de diálogo hablado para vehículos, juguetes y casas inteligentes. Valencia James, nació en Barbados, es artista perfomática, coreógrafa y profesora con sede en Budapest; ha estado investigando cómo el desarrollo exponencial de la inteligencia artificial afectará a las artes escénicas y a los bailarines.

Leo Nuñez (Argentina) Nuñez construye un lenguaje artístico que piensa a la tecnología no sólo como una herramienta, sino como una misma materia del hecho estético. En su producción indaga sobre el lugar que la tecnología ocupa en nuestra sociedad y, por supuesto, también en la relación hombre/máquina. Parte de su obra gira en torno al concepto de interactividad y la intervenir sistemas complejos a partir de la integración del espectador como elemento perturbador en el comportamiento de dichos sistemas. El espectador juega, interviene, estimula a la obra y la modifica.

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7 exitosos artistas que fusionan arte con Inteligencia Artificial - Red Innova

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Por primera vez en Latinoamérica, la International Joint Conference on Artificial Intelligence se realizó en Buenos Aires. Durante todo julio, el Centro Cultural Borges fue sede de la mayor conferencia sobre Inteligencia Artificial en el mundo.

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Este artista brasilero me resulta muy interesante ya que utiliza elementos muy rudimentarios (papel, lapicera) hasta el uso de las "nuevas" tecnologías. Como en su obra CAR TOWN FLOWER TRUCK en el que trabaja con el buscador de imágenes de google.
"La propuesta consiste en transformar en palabras unas formas fantásticas, introduciéndolas así al absurdo cotidiano. ¿Hasta donde podemos describirlas? O mejor, ¿hasta donde podemos describir lo que no comprendemos? Es una cuestión que me hago siempre, sin buscar una respuesta coherente. Describir es comunicar, contar de otra manera, trasladar de un universo a otro, cruzar la frontera e, invariablemente, topar con una barrera: solo describimos lo que entendemos, y solo entendemos lo que podemos nombrar."

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portafolio de theo firmo. VIDEO. ANIMACIÓN. DIBUJO.

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Les dejó ésta propuesta... muy interesante!!!. Relaciona de manera íntima las nuevas tecnologías con la publicidad y su impacto en la vida cotidiana.
Aporte: Lorena Karina Martín

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La cuenta de Instagram de la librería Mollat, en Francia, llamó la atención de miles de usuarios por la creatividad de sus empleados a la hora de combinar las imágenes de las portadas de los libros con los rostros de sus clientes. Mirá las mejores.

Fuente: Diario Registrado

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Furor por los empleados de una librería que juegan con las fotos de portada de los libros

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La cuenta de Instagram de la librería Mollat, en Francia, llamó la atención de miles de usuarios por la creatividad de sus empleados a la hora de combinar las imágenes de las portadas de los libros con los rostros de sus clientes. Mirá las mejores.

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Sil Amicuzzi

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Arte e tecnologia andam juntas há muito tempo. Se desenvolvendo lado a lado, estas duas áreas do conhecimento são capazes de se complementar e transformar - e muitos artistas já perceberam o potencial dessa combinação imbatível. Para eles, nem o céu é o limite.

Nós aproveitamos que a Samsung Conecta está tomando conta das ruas de São Paulo e listamos alguns destes artistas que você precisa conhecer - e que deram as caras no festival. Espia só quem são eles:

1. Fernando Velásquez

Artista multimídia uruguaio radicado em São Paulo, Fernando Velásquez apoia suas criações na tecnologia e em diferentes mídias, como desenho, pintura, fotografia e vídeos. Entre as constantes na sua obra estão questões relacionadas ao cotidiano contemporâneo e à construção da identidade.

Já falamos sobre o trabalho de Muti Randolph aqui e a verdade é que ele continua inovando sempre. O artista é um dos pioneiros em computer art no Brasil e trabalha com arte virtual além de instalações em 3D, explorando relações de tempo e espaço em suas obras.

3. Leandro Mendes

Artista e VJ, Leandro é de Santa Catarina, onde começou a pesquisar sobre performances audiovisuais em 2003. Desde então, já arrecadou diversas premiações como VJ. Ele é conhecido como VJ Vigas e já é considerado um dos maiores nomes do videomapping do Brasil.
Foto: Divulgação
Um dos pioneiros na arte digital e holográfica no Brasil, o artista Eduardo Kac se tornou a primeira pessoa a ter um microchip implantado no corpo em 1997 como parte de sua obra Cápsula do Tempo. Desde então, realizou diversas experiências polêmicas no campo da bioarte.

Publicitária e VJ, Juli trabalha com arte visual há nove anos, sempre experimentando novas tecnologias, como vídeo mapping, hologramas e tagtool (a arte de fazer desenhos e animações em tempo real).
Foto: Reprodução Facebook
6. Laura Ramirez - Optika

Laura já participou de diversos festivais de arte eletrônica em cidades como Budapeste, Geneva, Bogotá e Barcelona. Hoje em dia, ela se dedica a trabalhar com vídeo mapping ao vivo e intervenções em espaços públicos, como a da foto abaixo.

7. Luciana Nunes

Luciana trabalhou durante nove anos na MTV Brasil. Foi em 2011 que decidiu criar o estúdio Volante, com o qual desenvolve projetos de música arte e fotografia até hoje.

O duo de artistas multimídia transita entre a música e as artes visuais. Enquanto Maunto costuma trabalhar com conteúdo em video mapping para shows, Marina tem entre suas principais características a experimentação e ressignificação de objetos em sua arte.

9. Francisco Barreto

Sempre ávido por novidades, Francisco é doutor em Arte e Tecnologia pela Universidade de Brasília. Fundador do coletivo , ele investiga as áreas de arte computacional e inteligência artificial.

10. Rachel Rosalen

Com foco na construção de espaços, Rachel usa conceitos de arquitetura mesclados a meios eletrônicos para construir instalações interativas, tendo desenvolvido projetos em diversos museus pelo mundo.

11. Sandro Miccoli, Fernando Mendes e Rafael Cançado

O trio de artistas se uniu para criar a obra Xote Digital, que reage de acordo com o gingado dos participantes. Sandro é professor e artista digital, Fernando é um artista multidisciplinar que utiliza a tecnologia como meio de expressão, e Rafael é um artista gráfico que adora ultrapassar o limite entre o espaço e a arte.

Formada em psicologia e fotógrafa de moda e comportamento, Bia produz intervenções artísticas que aliam arte de rua e fotografia.
Foto: Reprodução Facebook
13. Alberto Zanella

A carreira de Alberto como artista visual começou lá nos anos 80, quando explorava os visuais criados pela mistura das imagens de computadores 8bits da época com VHS players. Hoje, ele continua explorando as fronteiras entre arte e tecnologia como ninguém.

Henrique trabalha com a área audiovisual desde 2004, tendo participado de festivais de vídeo em vários países. Hoje alia as carreiras de músico, curador e artista digital.
Foto: Reprodução
A dupla de artistas trabalhou junta na criação da obra Museu dos Invisíveis. Giselle cria intervenções em espaços públicos, projetos em rede e aplicativos móveis, enquanto Lucas produz vídeos, filmes, instalações, performances audiovisuais e projetos interativos, tendo exposto seus trabalhos em mais de 40 países.
Foto: Reprodução Facebook
Todos esses artistas estão participando da Samsung Conecta, levando mais arte e tecnologia para a capital paulista. Alguns deles estarão presentes durante a programação que irá tomar conta da Cinemateca no dia 15 de outubro. Por lá, o público poderá conferir projeções de obras visuais, além de muita música com a banda Finger Fingerrr e a presença de Djs e Vjs renomados animando o espaço.

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15 artistas que, usando a criatividade e a tecnologia, provam que na arte nem o céu é um limite

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Arte e tecnologia andam juntas há muito tempo. Se desenvolvendo lado a lado, estas duas áreas do conhecimento são capazes de se complementar e transformar - e muitos artistas já perceberam o potencial dessa combinação imbatível. Para eles, nem o céu é o limite. Nós aproveitamos que a Samsung Conecta está tomando conta das ruas...

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Sil Amicuzzi

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Sil Amicuzzi

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Sil Amicuzzi

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5 artistas digitales que estimulan la creatividad contemporánea

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Un recuento de la vanguardia del arte digital de nuestro tiempo: artistas multidisciplinarios que han incorporado la tecnología a la reflexión creativa.

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https://youtu.be/bVv7AJrmeU0

Erica Riddick

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Es un artista español. Sus obras están vinculadas a la arquitectura digital. El entorno se transforma, fusionado con la tecnología. Su trabajo trata sobre el espacio y el tiempo. El modo en que percibimos nuestro entorno, nos movemos en él o articulamos una reacción. Utilizando la luz como medio en instalaciones donde la línea entre lo real y lo virtual se diluye.
Su obra pueden encontrarla en: http://www.pablovalbuena.com
"Quadratura" Es una de sus instalaciones, realizada en el año 2010. "Quadratura es el término utilizado en el Barroco para designar las ilusiones arquitectónicas que extendían las cúpulas y muros a través de trampantojos y juegos perceptivos como la anamorfosis, en general utilizando pintura o escultura.La instalación presentada por Pablo Valbuena en Abierto x Obras sigue el mismo principio pero manipulando el espacio físico mediante luz proyectada."

Aporte: Melany Rodríguez.

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Quadratura es el término utilizado en el Barroco para designar las ilusiones arquitectónicas que extendían las cúpulas y muros a través de trampantojos y juegos perceptivos como la anamorfosis, en general utilizando pintura o escultura. La instalación presentada por Pablo Valbuena en Abierto x Obras sigue el mismo principio pero manipulando el espacio físico mediante luz proyectada.

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Arte en movimiento...

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Amazing Dance and Video Mapping Performance

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James Powderly es un diseñador, ingeniero y artista que pasó de trabajar en la NASA a elaborar herramientas “open source” para artistas callejeros. Dentro de una variedad de proyectos destacados que ha hecho, hay uno en especial que llama mucho la atención, se trata de la creación de un prototipo que, mediante una proyección sobre una superficie y un sistema informático que reconoce las movimientos de un puntero láser (Laser tag), permite crear dibujos de luz.

Read more: http://www.youngmarketing.co/6-proyectos-que-combinan-lo-mejor-del-arte-y-la-tecnologia/#ixzz4kIts6S00

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Musical Laser Forests, Light Painting, and Quadcopters | Meet Marshmallow Laser Feast

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Using drones, laser beams, projection mapping, and custom tools, Marshmallow Laser Feast explores new canvases by creating interactive, real-time, magical experiences.

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Animaciones 3d de un diseñador argentino

https://www.instagram.com/p/BVMw0CJhHxU/?taken-by=_estebandiacono

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Well, this all started OBVIOUSLY when Method Studios released their insanely amazing video for the 2016 AICP Sponsor Reel .

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Sil Amicuzzi

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Metalmorphosis - Giant Metal Head Kinetic Sculpture in Charlotte

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Sil Amicuzzi

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Shot at the BMW Museum in Munich, these balls were attached to strings from the ceiling and together they created three dimensional shapes including a car.

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Es una artista y curadora argentina que ha desarrollado la mayor parte de su producción artística en el área del video experimental monocanal. Sus obras han recibido diferentes premios, entre ellos el Premio de la Asociación de Críticos de Arte de la Argentina al mejor guión. Ha sido apodada "la tía del videoarte argentino" por su temprana participación e interés en dicha disciplina.
http://www.gracielataquini.info/
POR QUÉ
"Año 2012
Realizacion: Graciela Taquini
Las mujeres de mi generación crecimos con el  cine de Hollywood o  que mostraban galanes apasionados que en la realidad tenían una sexualidad ambigua.  Fuimos estafadas con Montgomery Clift, James Dean, o el Dr. Kildare. Menos mal que ya blanqueada la problemática, Rupert Everett bailará en la boda de su mejor amigo con Julia Roberts en un momento sublime.
Otra certeza es comprobar que los mejores hombres no nos pertenecen. La protagonista de mi video se cepilla el pelo frente al espejo en una cita a la Abramovich. Pero su obsesión no es el arte, en la otra dimensión en la cual esta inmersa sólo  le queda un refugio o una condena. Como salir, otro tema recurrente. Bajo la lente de la ironía, una operación que suelo repetir con constancia,  las múltiples preguntas en varias lenguas resuenan sin fin.."

Intervención por: Andrada Leticia. Prof. de Artes Visuales

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This is "POR QUÉ by Graciela Taquini" by Graciela Taquini on Vimeo, the home for high quality videos and the people who love them.

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Este es el padlet para compartir artistas y colectivos de artistas que trabajen a partir de temas que interpelen a la sociedad y que empleen recursos tecnológicos para lograr interconectividad entre ellos y/o con el público. Solo hagan click el signo + (más) abajo a la derecha y les permitirá agregar texto, imágenes, audios, videos, etc. Recuerden colocar su nombre y apellido al final para saber de quien es cada intervención.

Un abrazo
Yanina Moroni

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Eyal Gever es un artista contemporáneo de vanguardia cuyo trabajo se asienta en la fusión de arte y tecnología. Utilizando sólo una paleta de código, desarrolla simulaciones digitales reales de momentos en el tiempo, a menudo dramáticos o catastróficos en la naturaleza, a partir de los cuales fabrica esculturas e instalaciones impresas en 3D. tiliza tecnologías de simulación física en 3D y software que él ha desarrollado. A través de un proceso metódico, simula eventos que crea y traduce sus manifestaciones físicas en obras de arte,  esculturas que  muestran la colisión de conceptos opuestos, de la destrucción a la belleza pura.
Para su exposición "Sublime Moments", el artista utilizó impresión 3D y codificación para crear esculturas que parecen congeladas en el tiempo.

Pamela Luján Minolli, Prof de Artes Visuales