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En la Historia del Arte, el Arte Moderno ha tenido un papel realmente importante; y es que sin esta tendencia, los artistas no habrían evolucionado y habrían permanecido anclados en el arte clásico. Por tanto, podemos comprender el Arte Moderno como una reinvención, en la que ya no primaba la imitación o la representación literal de lo que se estaba viendo. Con el Arte Moderno se crean nuevas perspectivas e interpretaciones, así como nuevos materiales con los que plasmar esos cambios. El Arte Moderno rompió todas las fronteras que el hasta entonces Arte Tradicional o Clásico había establecido. Hay que añadir que la fotografía jugó un papel importante en este cambio. Con ella, las representaciones exactas pasaban de los cuadros al papel. No eran copias, eran representaciones exactas de la realidad. Así, ya no era tan importante copiar lo que uno estaba viendo, podía entrar en escena la interpretación del artista, su mundo interior. El Arte Moderno comienza a fraguarse en los albores de la Primera Guerra Mundial hasta mediados del siglo XX, aunque lo cierto es que no se puede establecer fechas exactas, pues su incursión fue bastante progresiva, con pequeñas muestras que fueron poco a poco enterrando las técnicas pictóricas clásicas. Podemos considerar el Arte Moderno, o mejor dicho la época en la que surgió el Arte Moderno, como una de las épocas artísticas más ricas de la Historia del Arte, en la que cientos de manifestaciones artísticas alternativas se dieron paso, plasmando nuevas inquietudes que nacían directamente del interior del artista. Con el impresionismo y el posimpresionismo se preparó el camino para las artes modernas. Así, posteriormente explosionaron movimientos como el cubismo, fauvismo, futurismo y expresionismo. Era solo el principio, un gran número de tendencias y movimientos estilísticos estaban a un paso de surgir a la luz. Cabe destacar que el Arte Moderno, aunque tiene su mayor esplendor en la pintura, se extendió a otras disciplinas como puedan ser la escultura o incluso la arquitectura, que dejó de usar las referencias clásicas en sus elementos para experimentar nuevos tipos de ornamentación e incluso de estructuras. Todo valía, tan sólo había que experimentar y crear. El Arte Moderno ha supuesto tanto para la historia, que existen numerosos museos a lo largo del mundo que exponen algunas de las obras más importantes de los movimientos modernos. Hay museos que se encargan exclusivamente de ellos, como puedan ser el Moma de Nueva York, el Tate Modern de Londres o el Mam de Madrid.

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En la Historia del Arte, el Arte Moderno ha tenido un papel realmente importante; y es que sin esta tendencia, los artistas no habrían evolucionado y habrían permanecido anclados en el arte clásico. Por tanto, podemos comprender el Arte Moderno como una reinvención, en la que ya no primaba la imitación o la representación literal de lo que se estaba viendo.

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Expresionismo

Poco antes de la Primera Guerra Mundial, algunos pintores en Alemania y Austria comenzaron a adoptar un enfoque experimental en su obra. Eventualmente conocidos como expresionistas, estos artistas adoptaron y adaptaron los elementos revolucionarios de otros movimientos modernistas. Al igual que las piezas postimpresionistas y fovistas, las obras expresionistas muestran una fascinación por el color brillante y artificial, así como la iconografía individualista.

Cubismo

Caracterizado por formas deconstruidas y fracturadas, el cubismo marcó la evolución del arte moderno hacia la abstracción. Iniciado en 1907 por Georges Braque y Pablo Picasso, esta corriente vanguardista se materializó en forma de pinturas alucinantes, esculturas multidimensionales y revolucionarios collages. Al igual que otros movimientos del arte moderno, el cubismo se baso en un enfoque subjetivo sobre la creación. "Cuando descubrimos el cubismo", explicó Picasso, "no teníamos el objetivo de descubrir el cubismo. Solo queríamos expresar lo que había en nosotros".

Surrealismo

En la década de 1920, los artistas visuales Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray, Joan Miró e Yves Tanguy se unieron para fundar el surrealismo, un movimiento arraigado en el subconsciente. Libre de "cualquier control ejercido por la razón, exento de cualquier preocupación estética o moral" (André Breton, Manifiestos del surrealismo), este género arrojó en una colección diversa de representaciones de ensueño, salidas directamente de la imaginación de los artistas.

Expresionismo abstracto

A mediados del siglo XX, un innovador grupo de artistas abandonó los estilos figurativos de la pintura con una estética original y abstracta. Conocidos como expresionistas abstractos, estos pintores se enfocaron no solo en los elementos modernistas como el color, la composición y la emoción, sino en el proceso creativo en sí.

Arte moderno vs. arte contemporáneo

Debido a la naturaleza experimental y los temas superpuestos del arte moderno y contemporáneo, estos géneros a menudo se confunden entre sí. Sin embargo, una vez que exploramos las corrientes que componen cada uno, la borrosa línea que los separa se vuelve más clara.

Típicamente, se entiende que el arte moderno incluye al impresionismo, al expresionismo abstracto y las demás corrientes que ocurrieron entre ellas. Por lo tanto, el arte contemporáneo comienza con el primer movimiento importante que sigue al modernismo -el Pop Art -y, que, por supuesto, continúa hasta hoy.

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¿Qué es el arte moderno? Exploramos las corrientes que definen este género vanguardista

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Poco antes de la Primera Guerra Mundial, algunos pintores en Alemania y Austria comenzaron a adoptar un enfoque experimental en su obra. Eventualmente conocidos como expresionistas, estos artistas adoptaron y adaptaron los elementos revolucionarios de otros movimientos modernistas.

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El rechazo al arte moderno fue muy fuerte desde que comenzó a acuñar el concepto entre intelectuales que se ocuparon muy seriamente de su análisis, como fueron los casos, en España, de Eugenio D'Ors, autor de la lapidaria frase: Todo lo que no es tradición, es plagio; o José Ortega y Gasset, que tituló una de sus obras: La deshumanización del arte.

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El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su condición literal.

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Es un término propio del más artístico y más puro del Arte, “arte por el arte”.

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Concepto:

Refiere a la producción artística creada desde finales del siglo XIX

Arte moderno. Es un término propio del más artístico y más puro del Arte, "arte por el arte". El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética. El más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad. Pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico.

Los procesos de innovación estética, en el siglo XX presentan características revolucionarias en la historia del arte. Las manifestaciones culturales, entre ellas es arte, vivieron condiciones de ruptura con los modelos tradicionales de representación, replanteando las funciones de los intelectuales y de los artistas, quienes encarnaron entonces las posibilidades definir estrategias críticas respecto al orden general naciente. A partir de los desarrollos iniciales del impresionismo, se observa un abandono de los ideales del arte académico y un retorno a los aspectos inmediatos de la vida cotidiana. Las vanguardias volcaron la mirada hacia la riqueza espiritual y estética de los pueblos no europeos, rechazando el legado pictórico de Occidente bajo sus aspectos formales e introduciendo transformaciones inéditas en las concepciones plásticas. El artista moderno, el abandonar el universo simbólico de la cultura tradicional, desencadeno una sensibilidad nueva que refleja la vivencia de un mundo en conflicto, articulándole una cultura de la máquina que se verá representada positiva o críticamente las producciones artísticas de las nuevas transcendencias. Las revoluciones sociales, los enfrentamientos bélicos, el hundimiento del Humanismo y la angustia del hombre en la sociedad industrializada serán temas recurrentes a lo largo del siglo XX. El arte alcanza la capacidad provocadora para promover nuevos conceptos de individuo y realidad, enriqueciendo las categorías de lo urbano, el tiempo y la experiencia la percepción, los alcances lo la libertad, el compromiso social y la exploración del inquietante les inconsciente. En general, hasta fines del siglo XIX, la tradición concebía el arte como lugar privilegiado y esencial para la representación del hombre y la naturaleza bajo modelos preestablecidos. La gran ruptura de los movimientos modernos con la tradición fue la desconstrucción del arte como esencia, para abrir un viaje hacia el universo de la apariencia que se prolonga hasta el presente.

Formas de expresión del arte moderno

Cubismo, movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la Historia del Arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía. Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro y está influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat. La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Otra fase de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva. En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético, se pretende reproducir en detalle el aspecto real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas muertas cubistas destacan los instrumentos y los arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer periodo, o periodo analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914, durante el periodo sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes en sus obras. Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron: Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los mismos principios artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los incontables artistas influidos por las ideas y técnicas cubistas se encuentran Maurice de Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.

Dadá o Dadaísmo, movimiento que abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. Se dice que el término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor, ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento Dadá fue fundado en 1916 por Tzara, el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza), al mismo tiempo que se producía en Nueva York una revolución contra el arte convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia. En París inspiraría más tarde el surrealismo. Tras la I Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Zurich se unieron a los dadaístas franceses de París. En 1922 el grupo de París se desintegró. Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes -un secador de botellas y un urinario- a los que denominó ready-mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad. Como movimiento, el Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvió a surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que produjeron obras de características similares.

Surrealismo

Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton quién publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria. En pintura y escultura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica, como sus antecesores en las artes plásticas, a pintores como el italiano Paolo Uccello, el poeta y artista británico William Blake y al francés Odilon Redon. En el siglo XX también son admiradas, y a veces expuestas como surrealistas, ciertas obras de Giorgio de Chirico, del ruso Marc Chagall, del suizo Paul Klee y de los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia, así como del español Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos formó parte del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp así como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen entre sus miembros. Se unieron por un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró. Ambos pintores fueron miembros del grupo surrealista pero, demasiado individualistas para someterse a los dictados de André Breton, se desligaron del mismo en 1925. Más tarde, se incorporó el pintor franco-estadounidense Yves Tanguy, así como el belga René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero después sería relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de ello, durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo. Su personal obra constituye una de las muestras más representativas del surrealismo. La pintura surrealista es muy variada en contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus sueños de una manera más o menos fotográfica, inspirándose en la primera etapa de la pintura de De Chirico. Las esculturas de Arp son grandes, lisas y de forma abstracta. Por otra parte, Miró, miembro formal del grupo durante una corta etapa, representó formas fantásticas que incluían adaptaciones de dibujos infantiles. El pintor ruso-estadounidense Pavel Tchelichew pintó cuadros y también creó numerosas escenas para ballets. En la década de 1940, coincidiendo con el exilio en México de artistas españoles influidos por el surrealismo, así como la visita de Bretón, que recorrió el país acompañado de Diego Rivera y del político soviético Trotski, el movimiento se extendió de forma relativa y limitada entre círculos intelectuales mexicanos (véase Remedios Varo). La rama surrealista estadounidense está formada por el grupo conocido como Los Realistas Mágicos, bajo el liderazgo del pintor Paul Cadmus. El escultor Joseph Cornell comenzó como surrealista, pero más tarde persiguió una forma de expresarse más individual. Una colección representativa de la obra gráfica de los surrealistas se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

Características

El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias significativas de forma local. La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo propiamente artístico. El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética. El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales. Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno. Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, "el arte por el arte", se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad. Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento. En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivita. Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular. De acuerdo con esta concepción, las representaciones de los místicos tanto como las de los locos adquieren validez objetiva, se refieren a la misma realidad que las representaciones de los laicos y de los cuerdos; en otras palabras, considera que la falta de significación, o sea la irracionalidad es una cualidad esencial y natural de la realidad que confronta a nuestro entendimiento. Las primeras obras del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y realista. Más tarde, se empezó a jugar con la luz y el espacio, a través de la pintura y el color, lo que dió lugar al impresionismo y postimpresionismo. Unos años antes de la Primera Guerra Mundial, se desarrollaron los movimientos del cubismo, el fauvismo, el expresionismo y el futurismo. Más tarde vino el Surrealismo. A partir de los años 50 y 60 fueron apareciendo otras formas de expresión del arte moderno como el Expresionismo Abstracto, el pop-art y el Minimalismo.

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Concepto: Refiere a la producción artística creada desde finales del siglo XIX Arte moderno. Es un término propio del más artístico y más puro del Arte, "arte por el arte". El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética.

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Con el Arte Moderno o modernismo, se buscaba crear un arte  nuevo, joven, libre y vanguardista, que rompiera con los estilos dominantes en la época.

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El Arte Moderno representa un conjunto en evolución de las ideas que, tanto individual como colectivamente buscaban nuevas aproximaciones al quehacer del arte.

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Se denomina arte moderno o arte del modernismo a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte.