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Hoy encontré este articulo sobre 4 artistas, interesante para leer y conocer.

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Hoy encontré este articulo sobre 4 artistas, interesante para leer y conocer.

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La Argentina, cuando pienso en este país, lo primero que viene a mi mente es incongruencia artística, no desde una perspectiva negativa de la frase, sino totalmente positiva. La concepción de las grandes mentes argentinas ha nacido de contextos hermosamente contradictorios, conceptos auténticos e irónicamente artísticos. No es ninguna sorpresa que los gauchos sigan produciendo artistas de primera plana y continúen exponiendo nuevas propuestas en el arte contemporáneo de su país.

En colaboración con la revista de arte argentina Siete Artes ( https://revistasieteartes.com/), nacida en La Plata, presentaremos artistas contemporáneos de la Argentina que se han desempeñado en las disciplinas de la pintura y escultura, personajes con identidades originales, marca personal y estilo propio.

Comenzaremos adentrándonos en el tema con palabras de artista a artista:

Siempre tuve la firme convicción, la que aún conservo, que la mayoría de los grandes pintores de la actualidad son seres casi desconocidos. Desconocidos ellos y por supuesto también sus obras. Quizás la única posibilidad que estos pensamientos tengan algunas excepciones; es que en estos tiempos un artista puede exponer sus obras de formas mucho más "modernas". Por supuesto que me estoy refiriendo a la era digital.
Carlos Avalle, artista plástico, columnista de la revista Siete Artes, conductor radial del programa La Cultura del Payaso y escritor del libro TAXI.

Siguiendo las palabras del artista plástico Carlos Avalle, presentaremos a nuestro primera personalidad:

Carlos Alonso (Tunuyán, Mendoza; 04/02/1929)

Imagen de Carlos Alonso con las manos pintadas por el trabajo

Pintor, dibujante y grabador argentino que ha representado exitosamente la corriente social del arte en su país. Representaciones de figuras humanas asimétricas, actividades cotidianas y expresiones melancólicas son una de las características que figuran en el estilo de sus obras.

Con una descripción más precisa y una cercanía mucho más personal, Carlos Avalle describe su personalidad y trabajo de la siguiente manera:

Este gran artista me vino primero a la mente por dos motivos. Tengo una colega artista que vive en Unquillo que casi siempre me lo nombra. El maestro vive allí. Y por otro lado porque recordé que tengo un ejemplar del Martín Fierro ilustrado por él. Suficientes motivos para mí. La cuestión es que este artista, sumamente reconocido en el mundo de las artes, es uno de esos ejemplos complicados de ver y de encasillar. Esto es bueno. Diré también que ver una obra de Carlos Alonso es reconocerla inmediatamente. Característica difícil de encontrar. Hombre que ha expuesto mucho durante su carrera y que también ha sido justamente premiado, cosa esta que yo no aseguraría que le interese demasiado.
Gran ilustrador. Excelente grabador. Como les dije anteriormente, aborden cualquier obra de Carlos Alonso en cualquiera de sus etapas. No se va a arrepentir.
Carlos Avalle, columnista de la revista Siete Artes.

Con una propuesta de expresión en pintura atrevida y gráfica, Carlos Alonso nos abre paso para introducir a nuestra siguiente identidad.

Antonio Seguí (Córdoba; 11/01/1934)

El artísta cordobés Antonio Seguí frente a la cámara

Desde pequeño mostró su vocación artística en la escuela primaria. En la adolescencia realizó sus estudios sistemáticos en varias academias de Córdoba, su ciudad natal, sin embargo él considera que el maestro Ernesto Farina fue quién influyó más en su impulso por convertirse en artista.

Con un estilo caricaturesco, las obras de Seguí parecen pertenecer a pinturas rupestres modernas en las que se manifiestan muchos colores vívidos y se plasman fotografías de actividades alegres en las calles, las cuáles algunas veces parecen estar en movimiento. Al mirar sus pinturas, se puede percibir una regresión a un estilo afrancesado un tanto surrealista-cubista.

Nuevamente, citando a Avalle, podremos conocer una crítica más detallada:

Casualmente el otro día vi un documental sobre este gran maestro Cordobés nacido en la década del ´30. Tal vez podríamos decir que su obra se ubica dentro del informalísmo y/o del surrealismo, o del hiperrealismo. Artista satírico, mordaz, un grotesco del arte quizás. Tanto como pintor, escultor o ilustrador, su carrera es muy vasta y abarca varias épocas.

En lo personal me parece que su última producción, esa de los hombrecitos en distintas acciones, tiene la "claridad" del artista al que ya nada le preocupa (estilísticamente hablando).
Carlos Avalle, conductor radial del programa La Cultura del Payaso.

De colores, alegría urbana y figuras caricaturescas, Seguí nos guía por el sendero que nos llevará a nuestra próxima mención.

Antonio Francisco Pujia (Polia, Calabria; 11/06/1929 - Buenos Aires; 26/05/2018)

Imagen de Antonio Francisco Pujia con una pieza de escultura

Esta auténtica personalidad no se trata de un pintor, sino de un escultor. Pujia fue un escultor italo-argentino nacido en Calabria, la mayoría de su trayectoria como artista ocurrió en Argentina, hasta que falleció en 2018 en la capital de este país. Sus esculturas fueron realizadas en diversos metales fundidos como bronce, plata, oro y en otros casos también utilizó mármol.

Teniendo un acercamiento más acertado, citamos nuevamente a Carlos Avalle:

El "Tano" Pujia como le decían los que lo conocieron. Se fue hace muy poco. Lo disfruté como maestro de escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes y una que otra vez acudí a algunas de sus exhibiciones. La última oportunidad charlamos un ratito luego de una de sus clínicas sobre escultura. Un personaje muy querible. Gran escultor, gran artista. De vasta experiencia e inigualable obra. En muchos lugares públicos de la ciudad de Buenos Aires hay esculturas de su autoría. Es fácil localizarlas y disfrutarlas.
Carlos Avalle, escritos del libro Taxi

Con esculturas de un estilo clásico, metales y mármol, Pujia refleja una identidad que perdurará en la eternidad del arte del país Sudamericano, y abre el camino contiguo que le pertenece a nuestro último participante de la lista de artistas.

Norma Bessouet (Buenos Aires; 15/10/1940 - Buenos Aires; 11/06/2018)

Imagen de Norma Bessouet jóven pintando

¿Alguna vez han apreciado una obra realizada por Remedios Varo o Leonora Carrington? Esta artista surrealista manifiesta sus sentimientos de una forma bastante parecida. Sus cuadros guardan una sensación de tranquilidad y al mismo tiempo un sentimiento de extrañeza y desconocimiento. En realidad, todas sus pinturas tienen una hermosa complejidad que permite apreciarse desde distintas perspectivas.

Con una explicación más acertada, nuevamente mencionamos una cita del columnista de la revista albiceleste Siete Artes, Carlos Avalle:

Gran artista plástica argentina fallecida en el año 2018. Gran trayectoria. Quizás no muy conocida por el público en general. Una artista sumamente personal que utilizó en líneas generales al simbolismo, al surrealismo y al realismo mágico para expresarse. Expuso y trabajó por varios países. El MOMA posee algunas de sus obras. No es este un dato menor para un artista. Sumamente premiada a lo largo de su extensa carrera. Sus pinturas serían algo así como sueños coloreados. Telas exquisitas. Otra de las artistas que amerita una mirada sobre su obra.
Si les atrae René Magritte o Remedios Varo, seguramente van a encontrar cierto encanto en las pinturas de esta mujer.
Carlos Avalle, artista plástico argentino.

Winds of an Imaginary Night (1995), series Memories

Magic Glow (1995), series Memories

Concluyendo esta lista de artistas contemporáneos argentinos, nos gustaría recalcar como este país Latinoamericano ha aportado una extensa variedad de estilos y ha expresado con diversas figuras, muchas vanguardias que han transformado el mundo del arte en las Américas.

Si están interesados en mirar estas pinturas de una forma más real, podrán encontrar mucha más información de dónde hallarlas en la página web de la revista Siete Artes ( www.revistasieteartes.com). Una pintura, escultura o cualquier manifestación siempre se expresa de forma más honesta cuando los cinco sentidos la perciben frente a frente. Esto lo sabe Carlos Avalle, y para terminar, dejamos unas palabras que ha dicho el artista para describir dicho sentimiento, y cómo se compara con la apreciación digital.

Debo acotar que la observación de pinturas u otro tipo de soportes expresivos en los medios impresos o digitales, conlleva el riesgo para el observador de perderse la mejor parte de la obra. Los que acostumbramos a plantarnos frente a frente, en cualquier lugar físico que esto suceda, con el original, sabemos a lo que me estoy refiriendo.
Carlos Avalle, artista.

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Cuatro contemporáneos del arte de la Argentina - Arquitectura & Diseño de Interiores

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La Argentina, cuando pienso en este país, lo primero que viene a mi mente es incongruencia artística, no desde una perspectiva negativa de la frase, sino totalmente positiva. La concepción de las grandes mentes argentinas ha nacido de contextos hermosamente contradictorios, conceptos auténticos e irónicamente artísticos.

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Entrevista al director de el corto "La Reina".

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Entrevista al director de el corto "La Reina".

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Sobre el artificio en el arte y los difusos límites entre realidad y ficción.

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Descargar texto por Débora Galia Kantor (CIS-IDES/CONICET) y Julia Kratje (IIEGE, FFyL, UBA/CONICET)
Manuel Abramovich es realizador y director de fotografía, estudió Dirección de Fotografía Cinematográfica en la ENERC (INCAA), y completó su formación en el Laboratorio de Cine de la Universidad Di Tella, Berlinale Talents (Berlín, 2012), IDFA Summer School (Amsterdam, 2012). Su corto documental La reina recibió más de 50 premios internacionales, y durante 2016 y 2017 estrenó los largos Solar, Soldado y Años luz -un retrato de Lucrecia Martel durante el rodaje de Zama -, tanto en la Argentina como en una variedad de festivales internacionales. El riguroso tratamiento de la imagen y del sonido, el singular abordaje del retrato y el carácter prolífico de su producción lo perfilan como un cineasta sólido y metódico, capaz de hacer emerger nuevos mundos en los pliegues de la realidad y la ficción.

Cine Documental: Tu filmografía gira siempre en torno al cine documental, a partir de una puesta en escena muy estilizada y con líneas que parecerían incorporar algunos elementos de ficción. Sin embargo, desde los cortometrajes hasta los films que estás proyectando realizar a futuro seguís el camino del documental. ¿Qué encontrás en esta forma?
En los vínculos, en las negociaciones y en los acercamientos que establecés con los sujetos que filmás da la sensación de que entre ustedes se genera un intenso proceso de producción de lazos basados en la confianza. ¿De qué modo elaborás estas relaciones con los protagonistas?
Manuel Abramovich: Creo que la elección formal es parte de una curiosidad: todo el tiempo, en el mundo real, encuentro situaciones, personas, comunidades, instituciones, relaciones, en las que sobresale mucho el artificio. Me interesa trabajar en el plano de lo real para resaltar esos artificios, donde la realidad parecería volverse ficción, o bien ya ser una ficción. Más que inventar cosas y trabajar con la ficción haciendo que parezca real, como en algunas películas en las que los actores tienen que parecer realistas y actuar de la forma más natural posible, busco un proceso inverso, que consiste en destacar los artificios del mundo curioso y a veces absurdo en el que vivimos. Lo que me interesa es, tal vez, lo contrario a la ficción; o sea, partir de personas y de elementos reales y destacar lo artificioso. Vivimos en un mundo que ya es una gran construcción, lleno de cosas que muchas veces no tienen sentido, o que quizás no las cuestionamos. Y lo que a mí justamente me interesa es cuestionar los límites de lo que llamamos realidad. Pero, no me preocupa tanto distinguir si mis películas son documentales o ficciones -aunque, obviamente, al tener un anclaje documental me parece bien considerarlas "documentales"-, sino forzar esos límites, trabajar con la materia real, y sobre todo con personas reales, y borronear los límites de lo que normalmente llamamos "documental". Siento que hacer cine, o ser cineasta, es una apreciación que me permite, por un rato, meterme en mundos como si fuese un antropólogo y un artista. Filmar implica conocer personas, instituciones o familias que me dan ganas de hacerles preguntas, quizás también convivir con ellas y llegar al extremo de volverme parte de esas comunidades. Creo que el cine documental permite descubrir mundos por un período de tiempo determinado y establecer relaciones con quienes, de otra manera, no hubiera conocido.
Tu trabajo da cuenta de una gran productividad: varios estrenos por año, varios proyectos en curso. ¿Seguís algún método recurrente?
Me dirijo hacia alguien para proponerle hacer una película juntos. Eso implica que otra persona se deje retratar por mí. De parte de los protagonistas, entonces, se trata de una gran apuesta a la confianza para abrir su mundo íntimo, privado, compartirlo conmigo y dejarme hacer una versión de su vida. Para mí, es muy importante poner por delante de todo esa relación, que es también una mezcla de confianza y desconfianza; una tensión interesante a la hora de hacer una película. De un lado, hay una propuesta que hace que la otra persona confíe, pero al mismo tiempo somos desconocidos. Ello supone trabajar esas confianzas y tensiones, y ver para dónde nos llevan. Me gusta mucho que los films muestren las costuras de esas relaciones, poniendo siempre por delante que no dejan de ser una construcción, o en todo caso versiones mías de esas personas. Dejar invisibles las negociaciones sería muy ingenuo, porque lo que precisamente me interesa resaltar es la confianza y la tensión que se va construyendo o deconstruyendo durante la película.

Sí; por lo general, el punto de partida de las películas es como una especie de radar o de alarma, que tengo muy incorporada, que se prende cuando conozco a alguien que me interesa filmar. Después, viene el deseo de querer compartir tiempo con esa persona y generar un primer acercamiento, en donde trato de ser bastante directo: me presento, cuento que soy cineasta, que hago películas con historias reales y que no las llamo del todo "documentales" (porque no creo que se pueda retratar la realidad), pero sí que me interesa hacer una película juntos, que no se sabe bien a dónde va a llegar. La película no va a ser un retrato, sino mi versión o la versión a la que lleguemos juntos. Entonces, lo primero que hago es investigar, pasando la mayor cantidad de tiempo con esas personas, aunque sin filmarlas, sino conversando mucho para poder conocerlas y que me conozcan a mí. Grabo esas conversaciones con un teléfono, como si fuera un periodista, y después las desgrabo en mi casa de una forma bastante artesanal, volviendo a escuchar todo. Con esas entrevistas por escrito, trato de armar un guion que me sirve para proyectar una película hipotética. De hecho, lo llamo así, "guion hipotético": es un guion que no va a ser el que voy a filmar, pero que sirve para imaginar una película posible. De esta manera, me permite poder aplicar a fondos para financiarla, aunque después el resultado sea diferente (justamente, me interesa que el guion se salga de control). En el rodaje, me gusta mucho mezclar situaciones de observación documental, donde prácticamente me vuelvo invisible y trato de que las personas se olviden que estoy filmando, con todo lo contrario: como la ejecución de varias tomas, las puestas en escena más construidas, los diálogos en los que sí intervengo. En la superposición de esa mezcla de recursos, de observación documental y de puesta en escena, se genera un extrañamiento, porque entramos en un terreno bastante confuso, en el que la realidad parecería ser demasiado artificiosa, o bien la ficción, demasiado realista.

Esa especie de lazo comunitario que se establece entre tu figura de cineasta y los protagonistas de los films pone el foco en su condición de sujetos individuales, que, a la vez, están siempre recortados sobre un fondo social más amplio que los circunda. En La reina (2013), por ejemplo, el carnaval -un fenómeno colectivo por excelencia- se presenta desde un personaje individual, a partir de una entrada que prácticamente desplaza el entramado social que lo envuelve al fuera de campo. Se trata de un recurso que también está presente en el tratamiento del ejército en Soldado (2017) o del rodaje de Zama (Lucrecia Martel, 2017) en Años luz (2017). ¿Cómo pensás los vínculos individuales con relación al panorama social que atraviesa cada relato?
Hablemos de la belleza de las imágenes. La construcción del plano, el uso de retratos y de planos fijos con encuadres extremadamente precisos y cuidados, casi geométricos, así como la disyunción minuciosa que se introduce en relación con el sonido, despliegan en tus films una poética muy bella y delicada...
Pienso que el mundo es una gran puesta en escena, y que vivir en sociedad es un gran espectáculo, en donde somos protagonistas y espectadores, al mismo tiempo. Las personas y las comunidades que me interesan, de alguna forma, cargan con su entorno, están rodeadas de familias, de costumbres o de tradiciones. Cuando busco retratar o hablar de algo colectivo procuro hacerlo a través de una persona, porque permite tener el tiempo suficiente para ver cómo lo colectivo se ve reflejado individualmente.
En tus películas, hay también un trabajo sobre lo físico, incluso sobre lo fisiológico, como en el uso del sonido, que provoca una sensación de complicidad y de enrarecimiento, y conlleva la pregunta acerca de cómo se puede reproducir físicamente algo de la realidad de una manera que se nos vuelve extraña.
Vengo de una formación como fotógrafo. Mi primer acercamiento al mundo audiovisual fue sacando fotos y retratos de gente en la calle. Entonces, respecto a la intersección un poco ambigua entre los recursos del documental y de la ficción, me gusta ese terreno confuso donde uno está viendo cosas que parecen muy reales, pero que lucen o se ven como en una ficción. Me interesa el movimiento de filmar la realidad de una forma muy bella, que te haga dudar de la idea que se suele tener del documental como algo que se filma medio feo y crudamente. Estetizar al máximo los encuadres o la iluminación invita a confundir o incomodar aquello que todo el tiempo estamos tratando de poner en categorías -"esta persona es tal cosa", "esto es real", "esto es un actor"-. Me parece importante salir de esas normas preestablecidas.
...Y donde el sentido del humor se vuelve, también, un asunto complejo: en cierta medida, en tus películas lo absurdo se revela como un desvío o como algo que está presente en los modos de vincularnos y que rodea diferentes situaciones cotidianas.
Los encuadres, el sonido, la observación, la puesta en escena, el montaje, son piezas que se van combinando para generar un extrañamiento. Con Sofía Straface, la sonidista con la que trabajamos, nos interesa que todo se escuche más artificioso que una ficción. En el caso de La reina, queríamos que todos los sonidos se escuchasen contrariamente al realismo, es decir, enrarecidos y exagerados. Nos interesa contrastar los diferentes tonos con el objetivo de forzar los límites de la realidad y de lo que también entendemos como "documental", que siempre es una gran construcción, sobre todo en el mundo en el que vivimos, donde los medios sostienen el poder...

Intento que podamos reírnos de cosas que tenemos totalmente naturalizadas, incorporadas, que hacemos todo el tiempo. Vivimos realizando acciones o replicando tradiciones, teniendo rutinas que parecen absolutamente serias, pero que es interesante verlas desde un punto de vista enrarecido. A veces, hay cosas que son tan duras o tan difíciles, que uno termina riéndose, o que tenemos incorporadas, pero que si uno se para a verlas desde otro lugar parecen tan naturales que se vuelven absurdas. El humor es otro elemento que no estamos acostumbrados a encontrar en el cine documental: pensamos que tiene que ser serio porque habla de la realidad.

Respecto a la figura fascinante de Lucrecia Martel, en Años luz tu mirada parece surfear entre la admiración y el voyeurismo. ¿Cómo pensaste la filmación del proceso de rodaje de la directora de una película, en cierto modo, tan imposible, como lo es Zama?
La llama, por ejemplo, en la escena en la que se acerca al escritorio del Gobernador de Zama...
Siento que la idea de filmar lo imposible está en todos los proyectos: filmar lo que no se puede filmar no es un propósito que busque conscientemente, pero mis películas tienen algo de la dificultad extrema en torno a cómo concebir universos escondidos, poco mostrados o a los que es difícil acceder. Años luz es una película que se diferencia de otras que hice porque está contada desde un lugar de fan: quise retratar a alguien que admiro. No me interesaba retratar el proceso de la filmación o la adaptación de la novela, sino a Lucrecia dirigiendo, con ese misterio que genera y hace que sus películas sean increíbles. Uno no se imagina bien en dónde reside esa magia, y por eso quise develar algo de ese misterio. De alguna forma, siempre me enamoro de los y las protagonistas por el tiempo en que dura cada filmación: observarlos, escucharlos, ver los mínimos gestos que hacen, cómo se mueven, cómo se relacionan con su entorno. En este sentido, cualquier protagonista de una película que haga me parece una persona especial y se vuelve el centro de mi atención. En cuanto a Zama, busqué concentrarme en el trabajo de Lucrecia, en cómo dirige, dejando todo lo demás afuera, lo cual fue una de las mayores dificultades, porque a la protagonista le daba fobia, y a esto se sumaban otras restricciones, como el hecho de tener que estar solo en un rodaje, sin ningún asistente, procurando volverme totalmente invisible, sin poder intervenir en la puesta en escena. Igualmente, creo mucho en poner un encuadre y esperar que la realidad regale algo inesperado. Me gusta algo que Lucrecia dice sobre esos momentos en los que, de repente, por un segundo, el mundo deja de funcionar (ella lo llama "la falla", y obviamente lo explica mucho mejor).
Para terminar, podríamos hablar sobre tus proyectos actuales.
Sí, tal cual. Lucrecia dice que en esos segundos, en los que el mundo deja de funcionar, se produce algo inesperado. Uno tiene que estar atento a esos momentos de falla para capturar lo que está ahí, al alcance de los ojos, aunque, por lo general, pase desapercibido y no se lo vea. Hay que quedarse varias horas quieto, como filmando a la llama, hasta que, de pronto, alguien como Lucrecia llega, le empieza a hablar, se hace amiga del animal... Si se combinan en el encuadre paciencia, duración y fascinación, después, en el montaje, es posible rastrear ese material y encontrar esas pequeñas gemas que, de vez en cuando, aparecen.
¿En qué otros proyectos estás trabajando?
Tengo tres proyectos. Uno, en Berlín, es el que está más avanzado, porque empecé hace un año y medio a investigar. Estoy trabajando con un grupo de trabajadores sexuales rumanos, unos chicos de entre 20 y 30 años. Transcurre en el barrio gay de Berlín, que se llama Schöneberg: ahí hay dos cuadras con dos o tres bares, uno al lado del otro. Es curioso porque ellos se definen como heterosexuales, y hablan mucho de eso, incluso muchos de ellos se presentan a sí mismos como homofóbicos, pero trabajan en estos bares teniendo sexo con hombres adultos que, por lo general, son señores alemanes de más de 60 años. El trabajo es acerca de los personajes que ellos tienen que construir para seducir a los clientes; digamos, qué estrategias usan para conseguir a sus clientes y, en definitiva, ganar plata. Me interesa mucho correrlos del lado de víctimas y de pobres: el trabajo sexual suele estar visto desde el lugar de víctimas de los clientes y del sistema. Me interesa que ellos puedan jugar, por un rato, a poner en escena sus estrategias de seducción para conseguir a los clientes, y también poner al espectador, de alguna forma, en el lugar del cliente. Es como un juego de roles, porque yo, como realizador, de alguna manera me pongo en el lugar del cliente, porque contrato sus servicios, no sexuales, pero para que se vuelvan actores de mi película les pago, no para tener sexo, sino para conversar con ellos y filmarlos, y que aparezcan en una película. Los chicos están mirando a la cámara y empiezan a hablarle como si fuera un cliente; entonces, uno como espectador está siendo de alguna forma interpelado por estos jóvenes. Eso es como una especie de juego, es bastante experimental. Justo después de una primera investigación recibí una beca con la que voy a venir a partir de enero a desarrollar más el proyecto.

Lo que comentaba antes forma parte de un proyecto bastante ambicioso, que es una trilogía sobre el cuerpo puesto en escena como una mercancía: gente que trabaja poniendo su cuerpo para poder vivir de eso, como en los casos de la pornografía y del trabajo sexual. Se trata de una trilogía conceptualmente; no es que se van a mostrar las tres películas juntas, y tampoco sé cuánto tiempo voy a demorar en hacerlas. La primera parte, entonces, es esa de Berlín. La segunda se desarrolla en México, sobre el universo de la pornografía gay amateur, pero es fundamentalmente sobre todo lo que no se ve en el resultado, en una película pornográfica. Se trata de cómo se construyen esas imágenes pornográficas como una forma de representación. Justamente, me divierte la idea de hacer una película sobre la pornografía en donde no haya ninguna escena de sexo, sino que lo que se cuenta es todo el fuera de campo de cómo se aprende el oficio de ser actor porno, así como también de cómo el director dirige a los actores y qué técnicas usa para filmar y para poner en escena el sexo. La tercera parte, que está más verde, va a ser en Buenos Aires; se van a usar como espacios los albergues transitorios, con habitaciones temáticas, un poco con la idea del exhibicionismo, quizás con gente que transmite su cuerpo en internet, en esas páginas de streaming o algo así: el cuerpo y el espacio y los espectadores virtuales, gente para la que, en realidad, su placer quizá no está tanto en el sexo mismo sino en el hecho de ser visto. Finalmente, hay otra película que estoy haciendo, con una comunidad de vaqueros homosexuales en México; señores que se armaron su propia comunidad. La idea es construir la telenovela que a ellos les hubiera gustado ver cuando eran jóvenes, pero que nunca existió. O sea, como una telenovela de vaqueros mexicanos gays. Es un poco como la película para ellos, la película que les hubiera gustado o que les gustaría ver. Gané un fondo para ir dos meses a fin de año a hablar con los vaqueros y a emborracharnos y hacer esas charlas grabando con el teléfono durante horas. Me sorprendió que, tras conversar con algunos de ellos, después de algunas cervezas y dos o tres horas de charla, detrás de la imagen de hombre viril vaquero -porque todos son bastante grandes, tienen 50 o 60 años y están vestidos de vaqueros- todos terminaban llorando por miedo a envejecer solos y no encontrar al amor de su vida. En este proyecto, se vuelve muy clara la puesta en escena en cuanto al hecho de armar un personaje para vivir en una sociedad con determinadas normas. Era muy interesante esa contradicción entre, por un lado, tratar de encajar en la sociedad mexicana, que es bastante homofóbica y heteronormativa, armando un personaje de machos, pero, al mismo tiempo, estar tratando de crear una nueva comunidad con una identidad sexual disidente.

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Realidad/ficción, o de los documentales como versiones del artificio: entrevista con Manuel Abramovich

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Descargar texto por Débora Galia Kantor (CIS-IDES/CONICET) y Julia Kratje (IIEGE, FFyL, UBA/CONICET) Manuel Abramovich es realizador y director de fotografía, estudió Dirección de Fotografía Cinematográfica en la ENERC (INCAA), y completó su formación en el Laboratorio de Cine de la Universidad Di Tella, Berlinale Talents (Berlín, 2012), IDFA Summer School (Amsterdam, 2012).

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ADOLFO CABANCHIK LA OSCURIDAD BAILARINES TODA LA VIDA AURELIA CHILLEMI IUNA MOVIMIENTO VIDEODANZA

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https://kalmarstokoe.com/libros-articulos-conferencias/

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Libros sobre Expresión Corporal
A dos voces: Marina Gubbay & Déborah Kalmar

Artículos - Conferencias

( La Expresión Corporal: Una manera de Danzar, Danzar: Una manera de vivir, artículo de Marina Gubbay y Déborah Kalmar para la Primera Escuela Argentina de Expresión Corporal, bajo dirección de Patricia Stokoe. Bs. As. , Argentina, 1985 / Publicado en la Revista Ignota de Arteterapia / Año 2 - Nº 8 leer artículo completo... )

artículo de Marina Gubbay y Déborah Kalmar, para el profesorado del Estudio Patricia Stokoe y publicado la Revista Uno Mismo (Bs. As., 1985) y presentado en el "Primer Encuentro Latinoamericano de Enseñanza Artística", organizado por el Ministerio de Cultura de Cuba, La Habana, Cuba, 1986 ( leer artículo completo... )

Entre el cielo y la tierra la danza - Expresión Corporal, una manera de danzar en las casas, en las calles, en la vida - Conferencia de Déborah Kalmar para el evento convocado por Elba Meyer en el Hotel Bauen, Buenos Aires, sábado 14 de abril 2007. Comparten la mesa: Felisa Chalcoff; Ana Jachimowicz; Silvia Balado; Déborah Kalmar (leer más)

Artículo de Marina Gubbay y Déborah Kalmar, publicado en "Kiné", la revista de lo corporal / Año 15 Nro 71, abril / mayo 2006 ( leer artículo completo... )

A dos voces - Publicado en la revista de educación y divulgación HomoArtísticus perteneciente a la Asociación PROEXDRA , 2007 (leer más)

( El Arte de las Consignas - Artículo preparado con Marina Gubbay para la Revista Aula (Revista de Pdagogía de la Universidad de Salamanca)- Ediciones de la Universidad de Salamanca, 2010 leer artículo completo... )

( De voces y miradas...la pasión de excuchar - Marina Gubbay y Mariana Danani - Artículo publicado en la Revista Campo Grupal / Año 5 Nro 46 junio 2003 leer artículo completo... )

Conferencias

( Con los ojos del corazón: Aportaciones principales de la pedagogía de Patricia Stokoe al desarrollo educativo de la Expresión Corporal ponencia presentada por Deborah Kalmar en el Primer Congreso Internacional de Expresión Corporal de la Universidad de Salamanca-España (julio 2003) leer artículo completo... )

El Arte de las Consignas - conferencia elaborada por Marina Gubbay y Deborah Kalmar en las Jornadas Nacionales de Expresión Corporal - Sta. Fé 2009 (leer más)

( Apertura a las Jornadas Nacionales de Expresión Corporal 2007 - Déborah Kalmar leer artículo completo... )

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Libros sobre Expresión Corporal Patricia Stokoe (leer más) Déborah Kalmar (leer más) A dos voces: Marina Gubbay & Déborah Kalmar (leer más) Alicia García Gilabert (leer más) Artículos - Conferencias La Expresión Corporal: Una manera de Danzar, Danzar: Una manera de vivir, artículo de Marina Gubbay y Déborah Kalmar para la Primera Escuela Argentina de Expresión Corporal, bajo...

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https://kalmarstokoe.com/libros-articulos-conferencias/el-arte-de-las-consignas-marina-gubbay-deborah-kalmar/

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Presentación del libro – El Arte de las Consignas – Marina Gubbay y Déborah Kalmar

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1° de marzo 2016 -19hs en el Estudio Kalmar Stokoe – Monroe 2765 Este cuaderno recientemente editado por la UNA (Universidad Naciónal de Artes), se propone contar a nuestra propia y singular …

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https://www.youtube.com/watch?v=-FwiMlDQ7rI&feature=share

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Merce Cunningham Dance Company at BAM: Second Hand

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Antonio Gades.El Amor Brujo. Danza del Fuego Fatuo

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Oswaldo Guayasamín (Ecuador 1919-EEUU 1999)

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Oswaldo Guayasamín (Ecuador 1919-EEUU 1999)

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En este caso, no sé si sería contemporánea...

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Nicolás García Uriburu (Argentina 1937-2016)

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Nicolás García Uriburu (Argentina 1937-2016)

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Trabajo actoral, dramaturgia, dirección, de todo un poco.

https://frecuenciazero.ar/mauricio-kartun-los-momentos-mas-felices-son-en-los-que-fluis/amp/

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facebook artists estructura luminica madi artista bellas artes fine arts artsy hydrospatial arte cinético sculptor

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"Lobo Marino de alfajores" de Marta Minujín. 

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"Lobo Marino de alfajores" de Marta Minujín. 

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Personalmente conozco esta obra y me parece impactante.

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Residencias artísticas Internacionales en la Escuela de Arte “Talavera” (III) - Infocerámica

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“La cerámica es pensar, decir, reflexionar sobre el mundo” Última entrega de la serie de artículos y entrevistas dedicados a las residencias organizadas por la Escuela de Arte de Talavera. En esta ocasión os traemos una entrevista realizada a una de las primeras ceramistas que participó en las resid…

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El libro de las cuatro tierras, 1996-1998. Teresa Pereda

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El libro de las cuatro tierras, 1996-1998. Teresa Pereda

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https://www.teresapereda.com.ar/

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Desde los colombianos Carlos Vives y Petrona Martínez, pasando por los brasileños Djavan, Beth Carvalho y Milton Nascimiento, hasta la mexicana Lila Downs, la peruana Eva Ayllon y el cubano Vicente Feliu, se puede recorrer la revolución musical latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad. El Canal Cultural de México estrena un programa de origen argentino en el que, a través de un recorrido por cinco países de Latinoamérica, se podrá conocer a los artistas que han marcado la historia musical más allá de su lugar de origen.

Ciudad de México, a 28 de octubre del 2020. Dentro de la campaña Contigo en la distancia de la Secretaría de Cultura, Canal 22 presenta la serie realizada por Canal Encuentro para la red de Televisoras de América Latina (TAL): Músicos de Latinoamérica, la cual está conformada por ocho episodios y podrá sintonizarse los jueves, a partir del 29 de octubre, a las 18 horas por la señal 22.1

Fena Della Maggiora, músico y compositor argentino, se embarca en una travesía por Brasil, Cuba, México, Colombia y Perú para conocer la historia detrás de algunos de los fundadores de los movimientos musicales desde mediados del siglo XX hasta la actualidad: sus motivaciones, impacto y cómo no creían que su música resonara por el mundo debido a lo diferente que era su propuesta, son algunos de los temas que se abordan.

En los ochos episodios que conforman esta temporada, se da inicio con Petrona Martínez, cantante colombiana mejor conocida como la reina del bullerengue; seguida por Djavan, músico brasileño que impuso un nuevo estilo por su forma de tocar la guitarra; en el tercer capítulo, Fena Maggiora viaja a Colombia para conocer a Carlos Vives, considerado como uno de los más importantes recopiladores del vallenato por haber fusionado la música autóctona con el rock.

Posteriormente, Maggiora vuelve a Brasil y se entrevista con Beth Carvalho, apodada la madrina de la samba; para el quinto y sexto episodio conoce a Lila Downs, referente de la música popular mexicana y a Milton Nascimento, músico brasileño que revolucionó la música regional por su fusión con los sonidos actuales. En los últimos dos capítulos, aparecen Eva Ayllon, artista referente a la música afroperuana, y Vicente Feliu, cantautor cubano que formó el Movimiento de la Nueva Trova junto a Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y otros destacados trovadores cubanos.

Las canciones y letras de estos ocho artistas han dejado huella por todo el continente, demostrando así que han cambiado la historia de la música.

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Músicos de Latinoamérica: ocho artistas que han revolucionado la historia de la región

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Desde los colombianos Carlos Vives y Petrona Martínez, pasando por los brasileños Djavan, Beth Carvalho y Milton Nascimiento, hasta la mexicana Lila Downs, la peruana Eva Ayllon y el cubano Vicente Feliu, se puede recorrer la revolución musical latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad.

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Mural realizado en tierra del Fuego

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Arquitecta y artista visual Mexicana. Esta obra nace a partir del dolor propio de la artista, al perder a su hermana por cuestiones de violencia de genero. Es una obra que representa a todas las mujeres que ya no están a causa de haber sufrido algún tipo de violencia.

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Cortometraje "Amor Crudo" de Martin Deus.

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Cortometraje "Amor Crudo" de Martin Deus.

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Una ficción que logra retratar partes de la adolescencia con mucha precisión. Dispara temáticas para trabajar ESI: amor, amistad, sexualidad, afectividad, entre otros.

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*El tema responde al elegido en la propuesta de enseñanza grupal: el autorretrato.
*La semana pasada conocí a una artista contemporánea española, llamada Esther Ferrer (1937) que trabaja el tema combinando fotografías suyas correspondientes a distintos años. Tomé como referencia su trabajo.
*En mi producción, combiné cuatro fotografías que representan mis cuatro décadas. Creo que permite representar la propia imagen en distintos momentos de la vida, con sus luces y sombras (por eso combiné fotos a color, y las transformé a escala de grises también).

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- Porque engloba la historia del arte desde la antigüedad con la existencia de dioses, hasta la contemporaneidad tomando los avances tecnológicos.
- Tome con referentes al filosofo Regis Debray, e imágenes. Relieve la antigüedad egipcia, obra del renacimiento "El nacimiento de Venus" de Sandro Botticelli, y como imagen contemporánea una obra de Marta Minujin "Obelisco de pan dulce"
- Contenidos: análisis de la imagen, procesos históricos, géneros artísticos, estereotipos, bi y tridimension, TIC.
- Observando las imágenes, sin información previa, ?podrían ordenarlas cronológicamente?
?Cambia el que hacer de los artistas a la hora de producir obra?
?Por qué creen que la mirada del arte a lo largo de la historia sufre cambios drásticos?
Antonela De Bello

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- El tema estaba consensuado grupalmente. A partir de la importancia de generar espacios de reflexión sobre la propia imagen.
- Hay una multiplicidad de referencias a partir de la manera en que muchos músicos "retratan" su historia a través del género musical que cultivan y las letras que escriben.
Entiendo que la música es una gran constructora de identidad.
-Retomando lo anterior y partiendo de la idea de que la música ya es metáfora en necesario hacer conscientes las razones de lo que muchas veces solo entendemos como una preferencia o un gusto musical.
Ma. Virginia Martín

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El siguiente video pertenece a la obra teatral "Metele que son pastele" de Rocío Villegas. En este fragmento, el personaje de La Monja, le dedica un poema personal a su hermano Conrado.

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¿Por qué elegiste ese tema?
Esta obra trata sobre la identidad o la perdida de ella. Entendiendo a la identidad como una construcción que es personal e individual, y a la vez social, colectiva e histórica
¿Cuáles fueron tus referentes?
Arístides Vargas es el dramaturgo de esta obra llamada Flores arrancadas a la niebla que junto a una compañera interpretamos en el año 2018
¿De qué forma intentaste metaforizar el tema?
El fragmento que elegí del texto metaforiza el desarraigo de estas mujeres comparándolo con las flores azulinas. Igualmente la obra entera es muy metafórica y como estas mujeres que fueron desarraigadas de su tierra como van muriendo de a poco, sin saber ya quienes son ellas mismas.
¿Qué contenidos disciplinares incluiste?
Derechos humanos, identidad, género, memoria, el cuerpo en situación escénica, la organicidad del relato y el rol en escena.

Escribe dos o tres preguntas qué harías a tus estudiantes a partir de tus imágenes.
¿Por que nombra a las flores azulinas?
¿Qué relación tiene con estas mujeres?
¿Qué saben sobre el exilio y en que época se dio?

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Los aspectos a trabajar en la situación didáctica propuesta:

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Los aspectos a trabajar en la situación didáctica propuesta:

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Expone información sobre un tópico.
Organiza sus ideas.
Utiliza apoyos gráficos u objetos de su entorno.
Describe objetos, de manera cada vez más precisa.
Registra, mediante marcas propias o dibujos, lo que observa durante la experiencia.
Se apoya de sus registros para explicar lo que ocurrió.
Manipula y examina frutas, se fija en sus propiedades y comenta lo que observa
Identifica que es importante la colaboración de todos en una tarea compartida.
Acepta desempeñar distintos roles y asume su responsabilidad en las tareas que le corresponden, tanto de carácter individual como colectivo.
Experimenta con materiales, herramientas y técnicas de la expresión plástica.
Crea, mediante el dibujo y collage a partir de una experiencia o situación vivida.
Expresa sus ideas y sentimientos al observar diversos tipos de imágenes en la pintura.
Identifica el nombre del autor o de la autora de algunas obras.

Desarrollo de la situación:

INICIO:
Se les mostrará la litografía de Giuseppe Arcimboldo y se les preguntará que piensan de esas obras.
DESARROLLO:
Se les pedirá que nombren los elementos que observan en el cuadro (Frutas y verduras), mientras se va haciendo un listado
Una vez que se tiene ese listado, se  les preguntará, como es cada elemento que ellos nombren, su color, su textura, forma, a qué huele, se puede ir trazando un cuadro para dichas respuestas.
Fruta / Verdura
Color
Textura
Sonido
Forma
Olor
Sabor

Las respuestas son muy importantes ya que de ellas dará inicio la investigación y exploración de las mismas, invitando de forma constante a indagar sobre ello y verificar la información que cada uno da sobre la fruta o verdura.
Se les pedirá a cada niño llevar una fruta y una verdura al siguiente día para poder comprobar sus ideas, mientras se les invita a investigar más sobre la obra del pintor.
Se les hablará sobre la vida del artista en forma de cuento y después se les invitará a ver obras de este.
Es importante ya tener el cañón para proyectar las diferentes obras: https://www.youtube.com/watch?v=kxf1bz-13fc

Se recomienda hacer una pausa en cada obra para permitir al alumno, observar y describir lo que hay, al ser obras llenas de elementos pueden aprovecharse de forma ilimitada para cuestionar y que las descripciones sean más precisas.

Se les invitará a realizar su propia obra de arte, a través de un collage; contarán con recortes de frutas y verduras para que puedan elaborar una creación basada en la obra de Arcimboldo.

Día 2.
Se retoma lo visto un día anterior, el acomodo del salón permitirá que al centro haya una mesa o mesas en las cuales estén concentrados todos los elementos que trajeron y tendrán la oportunidad de manipular libremente, reconociendo, el color, la forma, la textura, el olor, y sonido que produce al tocarlo.

Después se formarán equipos de 4 alumnos y se les asignarán frutas y verduras; primeramente con ello harán una obra de arte real, un rostro usando los elementos que les tocaron.

Después se les dará la tabla de registro y les pedirá manipulen y exploren sus frutas y verduras, después que entre todos acuerden lo que se anotarán en su cuadro: la textura, el olor, incluso el sabor, ya que podrán probar lo que llevaron todos los integrantes de cada equipo. Para el registro se hará usos de dibujos que representen las características, los cuales irán pegando en el cuadro correspondiente.

Una vez que hayan terminado la exploración cada equipo explicará a los demás el resultado de su exploración, basándose en su tabla de registro.

Cuando todos hayan terminado se les pondrá nuevamente la litografía observada y se les cuestionará:

Si pudiera salir un olor de ese cuadro ¿a qué olería? ¿Por qué?
Si pudiera salir un sonido de ese cuadro ¿cómo sonaría? ¿Por qué?
Si pudiera sentir ese cuadro ¿Cómo se sentiría? ¿Por qué?
¿Cuál es el color que más se ve en ese cuadro? ¿Por qué será?
Si pudieras comerte ese cuadro ¿a qué sabría? ¿Por qué?

CIERRE
Preguntaré
¿Por qué crees que el pintor use frutas y verduras para crear sus obras?
¿Te gusto la obra de este artista? ¿Por qué?
¿Qué de lo que hiciste para conocer las frutas y verduras te gusto más (Probar, tocar, oler, escuchar), ver? ¿Por qué?
¿Recuerdas el nombre del artista?

Flexibilidad curricular-
Para apoyar a los niños con BAP los sentaré en diferentes equipos con compañeros que los apoyen a centrar la atención; se les brindará asesoría individualizada en caso de que lo necesiten, observaré su comportamiento al trabajar en equipo.

Recursos: Litografía Arcimboldo, cartulinas, Recortes de frutas y verduras,  pinceles, frutas y verduras, cuadros de registro, recortes de texturas, colores, sabores, cañón, internet, laptop.

Tiempo:  2 a 3 días

De acuerdo al plan de estudios vigente se abordan los campos formativos, competencias y aprendizajes esperados que se señalan a continuación:

Campo Formativo.    Lenguaje y comunicación.
Aspecto: Lenguaje Oral
·         Competencia: Obtiene y comparte información mediante diversas formas de expresión oral.
Aprendizaje esperado:
Expone información sobre un tópico, organizando cada vez mejor sus ideas y utilizando apoyos gráficos u objetos de su entorno.
Describe personas, personajes, objetos, lugares y fenómenos de su entorno, de manera cada vez más precisa.

Campo Formativo.    Exploración y conocimiento del mundo.
Aspecto:  Mundo natural
Competencia: Observa características relevantes de elementos del medio y de fenómenos que ocurren en la naturaleza, distingue semejanzas y diferencias y las describe con sus propias palabras.
Aprendizaje esperado:
Manipula y examina frutas, piedras, arena, lodo, plantas, animales y otros objetos del medio natural, se fija en sus propiedades y comenta lo que observa.

Competencia: Identifica y usa medios a su alcance para obtener, registrar y comunicar información.
Aprendizaje esperado:
Registra, mediante marcas propias o dibujos, lo que observa durante la experiencia y se apoya en dichos registros para explicar lo que ocurrió.

Desarrollo personal y social                                   Relaciones interpersonales.
Competencia: Acepta a sus compañeras y compañeros como son, y aprende a actuar de acuerdo con los valores necesarios para la vida en comunidad y los ejerce en su vida cotidiana.
Aprendizaje esperado:
Identifica que las niñas y los niños pueden realizar diversos tipos de actividades y que es importante la colaboración de todos en una tarea compartida, como construir un puente con bloques, explorar un libro, realizar un experimento, ordenar y limpiar el salón, jugar .
Acepta desempeñar distintos roles y asume su responsabilidad en las tareas que le corresponden, tanto de carácter individual como colectivo.

Campo formativo: Expresión y apreciaciones artísticas.
Competencia: Expresa ideas, sentimientos y fantasías mediante la creación de representaciones visuales, usando técnicas y materiales variados.
Aprendizaje Esperado:
Experimenta con materiales, herramientas y técnicas de la expresión plástica, como acuarela, pintura dactilar, acrílico, collage, crayones de cera.
Crea, mediante el dibujo, la pintura, el grabado y el modelado, escenas, paisajes y objetos reales o imaginarios a partir de una experiencia o situación vivida.

Competencia: Comunica sentimientos e ideas que surgen en él o ella al contemplar obras pictóricas, escultóricas, arquitectónicas, fotográficas .

Aprendizajes esperados:
• Reflexiona y expresa sus ideas y sentimientos al observar diversos tipos de imágenes en la pintura, el modelado, las esculturas, la arquitectura, las fotografías y/o el cine.
• Identifica el nombre del autor o de la autora de algunas obras que aprecia y los motivos que inspiraron esas producciones.

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"SOY EL QUE QUIERAS" MONÓLOGO de Fabián Díaz

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Planeta Tierra en Expresar Es ... . 2.011. Parte I.

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Planeta Tierra en Expresar Es ... . 2.011. Parte II.

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El tema corresponde a una de las variantes de la temática grupal elegida (estereotipos de la imagen corporal). Para realizarla, combiné recortes manuales de revistas con diferentes texturas y coloraciones, buscando generar una reflexión con respecto al respeto de la imagen propia y la de los demás. La metáfora se basa en la diversidad de tonalidades en el collage, así como la diversidad en los tonos y características de cada piel.
Las preguntas que realizaría son: ¿creen que existe un único "color piel"?.
¿Con qué tipos de pieles nos encontramos en las publicidades de productos cosméticos?.

Carola Ceniceros.

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¿Por que elegiste este tema?
Esta obra representa la temática del medio ambiente , la lucha constante de la naturaleza por sobrevivir a la mano del hombre, seria una concientización para involucrarnos en tanto comunidad dejando atrás el individualismo

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Imagen intervenida a partir de la temática "cuidados del medio ambiente", este proyecto esta en proceso... pero no quería dejar de compartir la imagen seleccionada y la recreación.

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Imagen intervenida a partir de la temática "cuidados del medio ambiente", este proyecto esta en proceso... pero no quería dejar de compartir la imagen seleccionada y la recreación.

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"Una vez una persona me dijo: aunque vos te sientas mujer, te crezcan las tetas, tomes hormonas, te operes los genitales, nunca serás mujer porque no menstruás ni sabés lo que eso significa.
En Abril del 2010 inicié el tratamiento de reasignación hormonal. Desde entonces mi cuerpo suministra la misma cantidad de hormonas que una mujer nacida con genitales femeninos.
En Abril del 2011, exactamente un año después, extraigo de mi cuerpo toda la sangre que debería haber menstruado desde entonces, es decir, la misma cantidad de sangre que pierde por año la mujer que menstrua (1/2 litro aproximadamente).
Reparto la sangre en 13 dosis representando las 13 menstruaciones desde abril del 2010 a abril del 2011, y realizo con cada una de ellas una serie de acciones relacionada con lo que viví cada mes respecto a la construcción de mi identidad de género.

Las acciones son performáticas en su totalidad, aunque algunas en particular son también intervenciones urbanas, y foto-performance."
http://nuncaserasmujer.blogspot.com/p/el-proyecto.html

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¿Por qué elegiste ese tema?: Me pareció apropiado ese tema para conocernos durante las primeras clases del año, las cuales también coinciden con el 24 de Marzo.
¿Cuáles fueron tus referentes?: los artistas Botero, Hundertwassr (no es latino) y la obra "Memoria" de Felipe Noé.
¿De qué forma intentaste metaforizar el tema?: Inspirada en la obra "Memoria" de Felipe Noé, realice un autorretrato donde la figura se mimetice con el fondo. Los colores seleccionados fueron en relación a la paleta de colores que más me identifica. La parte del rostro se abre, mostrando la representación lineal de un espacio y un objeto, los mismos responden a la consigna: "elije un lugar que sea importante para vos, que haya marcado una parte importante de tu vida" y "representa un objeto que tenga gran valor sentimental". En mi caso, elegí representar el parque donde jugué durante mi infancia y un walkman, porque representa mi adolescencia, en la que recorría la ciudad escuchando música en él.
¿Qué contenidos disciplinares incluiste?: La línea como generadora de formas y textura. Relación figura-fondo.
Escribe dos o tres preguntas qué harías a tus estudiantes a partir de tus imágenes. : ¿qué formatos y presencias tiene la Identidad en esta imagen? ¿qué aspectos encontrás en común con la obra "Memoria"? ¿cómo se utilizó la línea en esta imagen, qué tipos de líneas están presentes en la imagen? ¿cómo se vinculan la memoria y la identidad?

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Elegí este tema por que me parece que al hablar de estereotipos en los tiempos actuales, tenemos que hablar de géneros.

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Todos los seres humanos trascendemos la subjetividad de quienes nos rodean, proporcionar una mirada poética inhibiendo la mirada del estereotipo para incorporar la naturaleza humana en toda su variedad sin condicionantes, al saber cultural general (es la estrategia que decido tomar al hablar sobre estereotipos).
La obra es un dibujo analógico sobre papel, el cual fotografié e intervine virtualmente. Intente  metaforizar el tema a través de un trazo indefinido en la figura de los personajes y en la incorporación de filtros blancos y negros sobre la imagen los cuales buscan significar individualides aun en un mismo sujeto y subjetividades personales que componen la historia personal de quienes convergen en esta obra.
Los contenidos disciplinares que busco trabajar son: respeto, estereotipo, análisis de imagen  todos atravesados por ESI.

Alejandra Cuello

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“Me interesa trabajarlos en un sentido que no tiene que ver con la dureza”, Luciana Lamothe es una escultora que trabaja con materiales duros resignificandolos en nuevas formas y texturas desafiando la definición que podemos encontrar sobre estos materiales.

Ale cuello

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La artista argentina Luciana Lamothe trabaja con materiales de construcción como el hierro, el acero y la madera. Ella experimenta la resistencia, la ductilidad, la suavidad y la dureza de esos materiales. Entrevista con la escultora con ocasión de su exposición en la Galería Alberta Pane de París.

En Argentina, hay actualmente pocas artistas dedicadas a la escultura. Luciana Lamothe, delgada y de baja estatura, es una de ellas. La artista no responde al cliché del escultor corpulento empecinado en poner a hablar el hierro y la madera.

Pero ella no convierte esto en un "discurso feminista" porque lo que ha sentido a menudo durante su carrera es que "mucha gente se admira y se asombra de que una mujer sea capaz de trabajar con esos materiales".

Lo que importa, realmente, es lo que ella hace con esos materiales. "Me interesa trabajarlos en un sentido que no tiene que ver con la dureza", precisa Lamothe en la entrevista que concedió a RFI en la Galería Alberta Pane de París donde expone actualmente dos de sus obras.

"Quiero llevar esos materiales a un terreno que explora más lo sensorial, lo blando, lo maleable. Lo que me interesa es ese estado ambiguo entre lo blando y lo duro", agrega.

Su búsqueda artística está muy alejada de la funcionalidad de la arquitectura, profesión que estuvo tentada de estudiar. Si bien hoy reconoce que su obra tiene lazos con lo que hacen los arquitectos, se congratula de no haber seguido ese camino.

"La arquitectura siempre te ofrece la estabilidad y la seguridad de protección y de contención que son necesarias para la vida, para transitar, para no herirse ni lastimarse, para que nuestra vida sea simple. Pero a mí lo que me interesa es el paso de la arquitectura y los materiales para ir a la incertidumbre y la inestabilidad. La escultura y el arte permiten una variedad y una multiplicidad de opciones que la arquitectura no lo permite".

La exposición de la escultora Luciana Lamothe en la galería Alberta Pane de París estará abierta hasta el 22 de diciembre.

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Carrusel de las Artes - La escultora Luciana Lamothe explora el estado ambiguo entre lo blando y lo duro

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La artista argentina Luciana Lamothe trabaja con materiales de construcción como el hierro, el acero y la madera. Ella experimenta la resistencia, la ductilidad, la suavidad y la dureza de esos materiales. Entrevista con la escultora con ocasión de su exposición en la Galería Alberta Pane de París.