# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ja klar, natürlich ist der Titel dieser Playlist total vermessen, es gibt unzählige gute Texte in deutscher Sprache und eine Playliste mit 42 Titeln kann nur die klitzekleine Spitze des Eisbergs sein. Darunter sind aber einige Perlen, die man vielleicht noch nicht kannte oder aber gerne wieder entdeckt.

Wir freuen uns auf euren Input, schreibt uns welche deutschen Lieder in dieser Playliste eurer Meinung nach unbedingt noch fehlen! Vielleicht machen wir ja demnächst noch Teil 2.

Deutsche Musik: Die 100 besten deutschsprachigen Songs - Tracklist

1. Beginner & Samy Deluxe - Füchse

2. Casper - Im Ascheregen

3. Chefket - Rap & Soul

4. Fatoni & Dexter - 32 Grad

5. K.I.Z & Henning May - Hurra die Welt geht unter

6. Rio Reiser - Junimond

7. Marteria & Yasha - Verstrahlt - Single Edit

8. Peter Fox - Schwarz zu blau

9. Seeed - Ding

10. Megaloh - Himmel berühren

11. Moop Mama - Meermenschen

12. Dendemann - Endlich Nichtschwimmer

13. OK KID - Gute Menschen

14. Samy Deluxe - Weck Mich Auf

15. AnnenMayKantereit - Oft gefragt

16. Bosse & Anna Loos - Frankfurt Oder - Single Version

17. Kraftklub - Eure Mädchen

18. Die Fantastischen Vier - Mit freundlichen Grüßen

19. Heisskalt - Absorber

20. Mine - Essig auf Zucker

21. Bilderbuch - Maschin

22. Wanda - Bologna

23. Chakuza - Wien

24. Clueso - Chicago

25. CRO - Easy

26. Deichkind - Limit

27. Rammstein - Du hast

28. Grossstadtgeflüster - Fickt-Euch-Allee

29. Nena - Nur geträumt

30. Olli Schulz & Der Hund Marie - Dann schlägt dein Herz

31. Tocotronic - Pure Vernunft darf niemals siegen

32. Thees Uhlmann - Zum Laichen und Sterben ziehen die Lachse den Fluss hinauf

33. Marcus Wiebusch - Der Tag wird kommen

34. Freundeskreis - A-N-N-A

35. Wir Sind Helden - Nur Ein Wort

36. Jupiter Jones - Still

37. Fettes Brot - Schwule Mädchen

38. Motrip & Lary - So wie du bist

39. Kraftwerk - Das Modell - 2009 Remastered Version

40. Udo Lindenberg & Das Panik-Orchester - Bis ans Ende der Welt

41. Ton Steine Scherben - Halt dich an deiner Liebe fest

42. Element Of Crime - Delmenhorst

43. Ideal - Eiszeit

44. 2raumwohnung - Wir trafen uns in einem Garten

45. Die Sterne - Nichts wie wir's kennen

46. Jeans Team - Keine Melodien - MJ Lan Radio Edit

47. Kraftwerk - Die Roboter - 2009 Remastered Version

48. Chicks On Speed - Kaltes Klares Wasser

49. Falco - Der Kommissar

50. Fehlfarben - Paul Ist Tot

51. D.A.F. - Der Räuber Und Der Prinz - 1998 Remastered Version

52. Grauzone & Carlos Peron - Eisbär (Remix by Carlos Perón)

53. Blumfeld - Tausend Tränen Tief

54. Kante - Die Summe Der Einzelnen Teile

55. PeterLicht - Sonnendeck - Schallplattenspieler-Fassung [Ekimas & Proppe Remix]

56. Jens Friebe - Nackte Angst zieh dich an wir gehen aus

57. Tomte - Ich sang die ganze Zeit von dir

58. Bap - Kristallnaach

59. Ja, Panik - Libertatia

60. Klez.e - Flammen

61. Niels Frevert - Ich würde dir helfen, eine Leiche zu verscharren, wenn's nicht meine ist

62. Herrenmagazin - Früher war ich meistens traurig

63. Olli Schulz & Der Hund Marie - Wenn Die Music Nicht So Laut Wär'

64. Judith Holofernes - Ich bin das Chaos

65. Mia. - Tanz der Moleküle - Single Version

66. Klee - Erinner Dich

67. Selig - Ohne dich

68. Pohlmann. - Wenn jetzt Sommer wär

69. Philipp Poisel - Wo fängt dein Himmel an

70. Clueso - Kein Bock zu gehen

71. Jan Delay - Klar

72. Deichkind - Bon Voyage - feat. Nina

73. Freundeskreis & Deborah - Esperanto

74. Die Fantastischen Vier - Tag am Meer

75. Alligatoah - Fick ihn doch

76. Von Wegen Lisbeth - Lisa

77. Isolation Berlin - Fahr weg

78. Bilderbuch - Bungalow

79. Dendemann - Endlich Nichtschwimmer - Live

80. Die Höchste Eisenbahn - Was machst du dann

81. Madsen - Nachtbaden

82. Shaban & Käptn Peng - Werbistich

83. Sophie Hunger - Walzer Für Niemand

84. Voodoo Jürgens - Heite grob ma Tote aus

85. Christiane Rösinger - Eigentumswohnung

86. Gisbert Zu Knyphausen - Das Licht dieser Welt

87. Tocotronic - Im Zweifel für den Zweifel

88. Granada - Eh ok

89. Jupiter Jones - Wir Sind Ja Schliesslich Nicht Metallica

90. Paula - Als Es Passierte (Radio Edit)

91. Andreas Dorau - Das Telefon sagt du

92. F.S.K. - Was Kostet Die Welt

93. Frittenbude - Mindestens in 1000 Jahren

94. Jennifer Rostock - Hengstin

95. Kraftklub - Songs für Liam

96. Marteria - Endboss

97. Die Orsons - Schwung in die Kiste

98. Casper & Blixa Bargeld & Dagobert & Sizarr - Lang lebe der Tod

99. Einstürzende Neubauten - Yü-Gung (Adrian Sherwood Remix)

100. Ton Steine Scherben - Bist du's

MP3 Download: Tonspion präsentiert die besten Musik Downloads, die kostenlos und legal im Netz bereit gestellt werden.

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Deutsche Musik: Die 100 besten deutschsprachigen Lieder | TONSPION

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Ja klar, natürlich ist der Titel dieser Playlist total vermessen, es gibt unzählige gute Texte in deutscher Sprache und eine Playliste mit 42 Titeln kann nur die klitzekleine Spitze des Eisbergs sein. Darunter sind aber einige Perlen, die man vielleicht noch nicht kannte oder aber gerne wieder entdeckt.

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Deutsche Musik 2026 ♫ Beliebteste Deutsche Hits 2026

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Deutsche Musik 2026 ♫ Beliebteste Deutsche Hits 2026 If you liked this playlist, we recommend you also listen to these music lists: 1. Deutsche Musik 2026 -…

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Deutsche Musik 2021 ♫ Beliebteste Deutsche Hits 2021

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We recommend you to check other playlists or our favorite music charts. If you enjoyed listening to this one, maybe you will like: 1. Die Besten Deutschen Li...

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Die größten Songs der Fantastischen Vier | Einstimmung auf Deutschland-Tournee 2024 | Ticketmaster Blog

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Die Fantastischen Vier sind seit über 30 Jahren aktiv und können auf jede Menge Hits blicken. Hier erfahrt ihr alles über die Band, die besten Fanta 4 Lieder sowie Fakten über die Geschichte der Gruppe.

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Ja klar, natürlich ist der Titel dieser Playlist total vermessen, es gibt unzählige gute Texte in deutscher Sprache und eine Playliste mit 42 Titeln kann nur die klitzekleine Spitze des Eisbergs sein. Darunter sind aber einige Perlen, die man vielleicht noch nicht kannte oder aber gerne wieder entdeckt.

Wir freuen uns auf euren Input, schreibt uns welche deutschen Lieder in dieser Playliste eurer Meinung nach unbedingt noch fehlen! Vielleicht machen wir ja demnächst noch Teil 2.

Deutsche Musik: Die 100 besten deutschsprachigen Songs - Tracklist

1. Beginner & Samy Deluxe - Füchse

2. Casper - Im Ascheregen

3. Chefket - Rap & Soul

4. Fatoni & Dexter - 32 Grad

5. K.I.Z & Henning May - Hurra die Welt geht unter

6. Rio Reiser - Junimond

7. Marteria & Yasha - Verstrahlt - Single Edit

8. Peter Fox - Schwarz zu blau

9. Seeed - Ding

10. Megaloh - Himmel berühren

11. Moop Mama - Meermenschen

12. Dendemann - Endlich Nichtschwimmer

13. OK KID - Gute Menschen

14. Samy Deluxe - Weck Mich Auf

15. AnnenMayKantereit - Oft gefragt

16. Bosse & Anna Loos - Frankfurt Oder - Single Version

17. Kraftklub - Eure Mädchen

18. Die Fantastischen Vier - Mit freundlichen Grüßen

19. Heisskalt - Absorber

20. Mine - Essig auf Zucker

21. Bilderbuch - Maschin

22. Wanda - Bologna

23. Chakuza - Wien

24. Clueso - Chicago

25. CRO - Easy

26. Deichkind - Limit

27. Rammstein - Du hast

28. Grossstadtgeflüster - Fickt-Euch-Allee

29. Nena - Nur geträumt

30. Olli Schulz & Der Hund Marie - Dann schlägt dein Herz

31. Tocotronic - Pure Vernunft darf niemals siegen

32. Thees Uhlmann - Zum Laichen und Sterben ziehen die Lachse den Fluss hinauf

33. Marcus Wiebusch - Der Tag wird kommen

34. Freundeskreis - A-N-N-A

35. Wir Sind Helden - Nur Ein Wort

36. Jupiter Jones - Still

37. Fettes Brot - Schwule Mädchen

38. Motrip & Lary - So wie du bist

39. Kraftwerk - Das Modell - 2009 Remastered Version

40. Udo Lindenberg & Das Panik-Orchester - Bis ans Ende der Welt

41. Ton Steine Scherben - Halt dich an deiner Liebe fest

42. Element Of Crime - Delmenhorst

43. Ideal - Eiszeit

44. 2raumwohnung - Wir trafen uns in einem Garten

45. Die Sterne - Nichts wie wir's kennen

46. Jeans Team - Keine Melodien - MJ Lan Radio Edit

47. Kraftwerk - Die Roboter - 2009 Remastered Version

48. Chicks On Speed - Kaltes Klares Wasser

49. Falco - Der Kommissar

50. Fehlfarben - Paul Ist Tot

51. D.A.F. - Der Räuber Und Der Prinz - 1998 Remastered Version

52. Grauzone & Carlos Peron - Eisbär (Remix by Carlos Perón)

53. Blumfeld - Tausend Tränen Tief

54. Kante - Die Summe Der Einzelnen Teile

55. PeterLicht - Sonnendeck - Schallplattenspieler-Fassung [Ekimas & Proppe Remix]

56. Jens Friebe - Nackte Angst zieh dich an wir gehen aus

57. Tomte - Ich sang die ganze Zeit von dir

58. Bap - Kristallnaach

59. Ja, Panik - Libertatia

60. Klez.e - Flammen

61. Niels Frevert - Ich würde dir helfen, eine Leiche zu verscharren, wenn's nicht meine ist

62. Herrenmagazin - Früher war ich meistens traurig

63. Olli Schulz & Der Hund Marie - Wenn Die Music Nicht So Laut Wär'

64. Judith Holofernes - Ich bin das Chaos

65. Mia. - Tanz der Moleküle - Single Version

66. Klee - Erinner Dich

67. Selig - Ohne dich

68. Pohlmann. - Wenn jetzt Sommer wär

69. Philipp Poisel - Wo fängt dein Himmel an

70. Clueso - Kein Bock zu gehen

71. Jan Delay - Klar

72. Deichkind - Bon Voyage - feat. Nina

73. Freundeskreis & Deborah - Esperanto

74. Die Fantastischen Vier - Tag am Meer

75. Alligatoah - Fick ihn doch

76. Von Wegen Lisbeth - Lisa

77. Isolation Berlin - Fahr weg

78. Bilderbuch - Bungalow

79. Dendemann - Endlich Nichtschwimmer - Live

80. Die Höchste Eisenbahn - Was machst du dann

81. Madsen - Nachtbaden

82. Shaban & Käptn Peng - Werbistich

83. Sophie Hunger - Walzer Für Niemand

84. Voodoo Jürgens - Heite grob ma Tote aus

85. Christiane Rösinger - Eigentumswohnung

86. Gisbert Zu Knyphausen - Das Licht dieser Welt

87. Tocotronic - Im Zweifel für den Zweifel

88. Granada - Eh ok

89. Jupiter Jones - Wir Sind Ja Schliesslich Nicht Metallica

90. Paula - Als Es Passierte (Radio Edit)

91. Andreas Dorau - Das Telefon sagt du

92. F.S.K. - Was Kostet Die Welt

93. Frittenbude - Mindestens in 1000 Jahren

94. Jennifer Rostock - Hengstin

95. Kraftklub - Songs für Liam

96. Marteria - Endboss

97. Die Orsons - Schwung in die Kiste

98. Casper & Blixa Bargeld & Dagobert & Sizarr - Lang lebe der Tod

99. Einstürzende Neubauten - Yü-Gung (Adrian Sherwood Remix)

100. Ton Steine Scherben - Bist du's

MP3 Download: Tonspion präsentiert die besten Musik Downloads, die kostenlos und legal im Netz bereit gestellt werden.

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Deutsche Musik: Die 100 besten deutschsprachigen Lieder | TONSPION

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Ja klar, natürlich ist der Titel dieser Playlist total vermessen, es gibt unzählige gute Texte in deutscher Sprache und eine Playliste mit 42 Titeln kann nur die klitzekleine Spitze des Eisbergs sein. Darunter sind aber einige Perlen, die man vielleicht noch nicht kannte oder aber gerne wieder entdeckt.

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Deutsche Hits 2022 - Beste Musik Deutschland 2022 Mix - Die Besten Deutschen Lieder 2022

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Die deutschen Charts - Februar 2023 - Step into German - Goethe-Institut

# data[].attributes.attachment_link.description
Welche deutschen Künstler*innen ist gerade total angesagt? Hat eure Lieblingsband einen neuen Hit? Informiert euch über die neuesten Chartstürmer.

# data[].attributes.attachment_link.title
German Music: From "Schlager" To "Deutschrap" Via Rock And Techno | Meet The Germans

# data[].attributes.attachment_link.title
Musiktipp - Step into German - Goethe-Institut

# data[].attributes.attachment_link.description
Hier stellen wir euch regelmäßig eine deutsche Band vor, die es in die deutschen Charts geschafft hat oder auch einfach ein persönlicher Favorit von uns ist. Gesammelt bieten diese Musikvideos einen Querschnitt durch die deutsche Musikszene. Viel Spaß beim Schmökern!

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12/28/2022 Episode 82: Jahresrückblick 2022

Liebe Leute,in dieser Episode schauen wir gemeinsam auf das Jahr mit dem Auf Deutsch gesagt! - Podcast zurück. In der Sprachanalyse (23:15) warten interessante Wörter wie „die Zeitenwende", „unverblümt" oder Redewendungen wie „jemandem ein inneres Blumenpflücken sein" auf euch.Viel Spaß dabei!Euer RobinHier geht es zum Handout: https://www.dropbox.com/s/x2ubuy00nw3hc6g/Episode_82_Jahresr%C3%BCckblick%202022_Handout.pdf?dl=0Wer meine Arbeit finanziell unterstützen will, der kann das hier tun:https://paypal.me/aufdeutschgesagt?locale.x=de_DE Das Transkript gibt es auf Patreon:https://www.patreon.com/aufdeutschgesagtE-Mail:auf-deutsch-gesagt@gmx.deFolge dem Podcast auch auf diesen Kanälen:Facebook: https://www.facebook.com/pages/category/Podcast/Auf-Deutsch-gesagt-Podcast-2244379965835103/Instagram:www.instagram.com/aufdeutschgesagtYouTube:https://www.youtube.com/aufdeutschgesagtHier geht es zum Podcast auf anderen Seiten:https://plinkhq.com/i/1455018378?to=page

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Episode 6: Deutsche Musik mit Colin & Tim | Auf Deutsch gesagt!

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Listen to Episode 6: Deutsche Musik mit Colin & Tim from Auf Deutsch gesagt!. Hallo liebe Leute, heute gibt es einen kleinen Einblick in die Deutsche Musik! Mit meinen Freunden Colin und Tim spreche ich über unterschiedliche Musikstile und Künstler in Deutschland. Hier geht es wie immer zum Handout: https://www.dropbox.com/s/r20wck52dqozepb/Episode_6_%20Handout_Deutsche%20Musik%20mit%20Colin%20%26%20Tim.pdf?dl=0 Viel Spaß!

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Mundart-Musik

Heutzutage sind auch die Songtexte von Schweizer Popmusikern und Rockbands zwar immer häufiger in englischer Sprache, weil sonst auf internationalen Bühnen kaum Lorbeeren und Geld zu holen sind. Dennoch bedienen sich die populärsten Bands im ganzen Land nach wie vor der jeweiligen Landes- bzw. Umgangssprache.

In der deutschen Schweiz ist diese Musik auch unter der Bezeichnung "Mundart-Rock" bekannt. Vorläufer dieser Musik waren die (Berner) Troubadours in den 1960er-Jahren, die ihre eigenen Lieder in Dialekt vortrugen und sich meist selbst auf der Gitarre begleiteten. Der bekannteste dieser Musikpoeten war Mani Matter, der seine witzigen und tiefsinnigen Lieder auf Berndeutsch schrieb und vortrug. Seine Lieder werden noch heute gesungen, seine eigenen Aufnahmen sind immer noch sehr populär.

Der Schweizer Mundartrock war ursprünglich stark von Berner Musikgruppen geprägt. Heute wird jedoch Mundartrock in allen schweizerischen Dialekten gesungen. Der Mundartrock wurde stark von Toni Vescoli, Polo Hofer mit den Rumpelstilz und den Gruppen Minstrels und Span beeinflusst. Mit den Berner Bands Züri West, Patent Ochsner und Stiller Has begann in den 1990er Jahren ein eigentlicher Boom der Mundartmusik, der mit den Erfolgen des Berner Sängers Gölä von 1998 bis 2002 einen vorläufigen Höhepunkt fand. Noch nie in der Geschichte der modernen U-Musik sind derart viele Schweizer Musik-Formationen in der Schweizer Hitparade aufgetaucht. Mit Schtärneföifi (Musiker der Band Baby Jail) ab 1995 und Roland Zoss (Musiker der Rockband Span) ab 1999 entstanden die ersten Punk-, resp. Rockbands für Kinder. Fusion Square Garden aus Bern verschrieb sich dem Mundart-Reggae. Weitere bekannte Bands und Interpreten mit schweizerdeutschen Texten sind Plüsch, Sina, Mash, Florian Ast und Adrian Stern.

Einer hat es sogar fertig gebracht, dass ganze französische Konzertsäle schweizerdeutsch mitsingen: Stefan Eicher. Der auch in Frankreich sehr popluläre und multikulturelle Schweizer singt manchmal berndeutsch, manchmal englisch, manchmal italienisch, meistens französisch und in gewissen Songs sogar alle Sprachen miteinander. Bekannt wurde er im deutschsprachigen Raum in den 1980er Jahren mit seiner Band Grauzone und deren Neue-Deutsche-Welle-Chartsingle Eisbär. Seit dem ist er in Frankreich und der Schweiz mit diversen Alben, Tourneen und Nummer-eins-Hits erfolgreich. Er liebte es immer schon, ausgefallene Ideen in handfeste Projekte umzusetzen, so bei Im Taxi von Hamburg bis Palermo, eine musikalische Reise durch die Kulturen 2003, was er wörtlich und als Album verwirklichte. Das Titelstück Taxi Europa sang er im Wechselspiel mit Herbert Grönemeyer und dem Italiener Max Gazzé.

Rap

Auch der Rap wird in der Schweiz gerne in Mundart umgesetzt. Schweizer Rap startete in den frühen Neunzigerjahren, wie deutscher, französischer und italienischer Rap. Die ersten schweizerdeutschen Rapper schrieben ihre Texte zu Beginn in englischer Sprache, doch nach dem zweisprachigen Lied Murder by Dialect von P-27 und Black Tiger gingen die Rapper zu ihren schweizerdeutschen Dialekten über. Künstler aus den französischsprachigen und aus den Tessiner Regionen rappen in ihren Mundartsprachen. Und seit die Bündner Gruppe Liricas Analas 2004 von sich reden machte, ist auch Rätoromanisch fester Bestandteil des Schweizer Hip-Hops. Die bisher erschienenen Alben der Bündner Rapper zeigen, dass Rap-Musik eine grosse Schweizer Fangemeinde findet, wenn auch in einer Sprache, die nur wenige Einheimische verstehen. Aktuelle Beispiele popluärer Mundart- Musik aus der Deutschschweiz sind Bligg, Big Zis, Steff La Cheff u. a. Aus der Westschweiz bekannt sind u. a. Stress aus Lausanne, Sens Unik, die sich 2010 aufgelöst haben und Greis.

Global orientierte Schweizer Musik

Die modernen Formen der klassischen Musik wie auch der der Populärmusik - vom Jazz, der in der Schweiz nach dem ersten Weltkrieg einen Boom erlebte, über den Schlager bis zu Rock- und Popmusik - unterliegen globalen Strömungen, die auf der ganzen Welt Einzug halten.

Klassik

Obschon die Schweiz in der klassischen Musik eine eher bescheidene Rolle spielt, hat sie doch einige international bekannte Komponisten hervorgebracht, im 20. Jahrhundert namentlich Arthur Honegger (dessen Porträt die derzeitige 20-Franken-Note ziert), Frank Martin und Othmar Schoeck. Unter der Leitung seines Gründers Ernest Ansermet leistete das Orchestre de la Suisse Romande einen entscheidenden Beitrag zur Verbreitung der modernen Musikkultur in der Schweiz. Fast alle grösseren Schweizer Städte (Zürich, Genf, Lausanne, Biel, Bern, Basel, Luzern, Lugano, Winterthur und St Gallen) haben heute zum Teil hochstehende klassische Orchester. Neben den traditionellen städtischen Sinfonieorchestern - in Zürich das Tonhalle-Orchester, in Genf das Orchestre de la Suisse romande, in Basel und Bern das Kammerorchester und in Lausanne das Orchestre de Chambre, und in Lugano das Orchestra della Svizzera italiana - gibt es viele grössere und kleinere, oft spezialisierte Formationen wie die Basel Sinfonietta oder die beiden Basler Barockorchester La Cetra und Capriccio. Unter der Leitung des Gründers des Orchestre de la Suisse Romande Ernest Ansermet leistete das Orchester einen entscheidenden Beitrag zur Verbreitung der modernen Musikkultur in der Schweiz. Unter den jährlich wiederkehrenden Festwochen im Bereich der klassischen Musik gehören das Lucerne Festival, die Zürcher Festspiele, die Musikfestwochen in Ascona, das Menuhin Festival Gstaad, der Septembre musical von Montreux-Vevey sowie das Verbier Festival & Academy zu den wichtigsten. Charles Dutoit und Mathias Bamert setzen ihrerseits die Tradition international angesehener Schweizer Dirigenten fort. Das Portal classicpoint.ch bietet unter anderem einen Veranstaltungskalender und Konzerttipps.
Classicpoint.ch

Jazz

Die beiden über die Szene hinaus bekannten Schweizer Jazz-Leute waren George Gruntz und Claude Nobs. Der in Basel geborene Pianist, Komponist und Ensemble-Gründer Gruntz musizierte mit so unterschiedlichen Partnern wie dem amerikanischen Trompeten-Star Chet Baker und mit tunesischen Beduinen; er experimentierte mit Barockmusik und Folklore seines Landes; als begnadeter Kommunikator und Kulturmanager leitete Gruntz von 1972 bis 1994 das Berliner Jazzfest. Sein Landsmann Nobs gründete das legendäre Montreux Jazz Festival. Heute ist die Schweiz eine wahre Grösse im europäischen Spiel der Jazz-Kräfte - gemessen an ihrer Einwohnerzahl, was nicht nur am berühmten Festival in Montreux liegt. Colin Vallon zum Beispiel trat vor wenigen Jahren in kleinen Provinzclubs auf, wo Musiker nach der Vorstellung den Hut herumreichten. Heute gibt Colin Vallon Konzerte in renommierten Sälen in Paris oder Berlin. Der 1980 in Lausanne geborene und an der Swiss Jazz School von Bern ausgebildete Pianist und Komponist begleitete während Jahren andere Musiker, nahm seine ersten CDs auf, um 2011 das Mekka der Jazzmusiker zu erreichen: das legendäre deutsche Label ECM. Vallon ist jedoch nicht der einzige Schweizer, der es auf die kompetitive internationale Jazz-Bühne geschafft hat. Höchstwahrscheinlich war Erik Truffaz einer der ersten der jüngeren Generation, der über die Schweizer Grenzen hinaus bekannt wurde. Diesem 1960 in Chêne-Bourgeries in der Nähe Genfs geborenen Trompeter ist es gelungen, sein eigenartiges Universum aus Jazz, elektronischen Rhythmen und Ethnomusik in die halbe Welt hinauszutragen. Die Popularität unter Musikliebhabern verdankt Erik Truffaz seinem Eklektizismus und seinem Talent, Tendenzen zu übernehmen, ohne sich in Purismen zu verschliessen. Für ihn ist es kein Problem, mit einem DJ oder Rapper zusammen zu spielen, mit Musikern aus Indien oder dem Maghreb aufzutreten, dem besten amerikanischen Jazz zu huldigen oder mit dem einzigartigen Sound seiner digitalisierten Trompete zu arbeiten. Die Band Ronin des Pianisten Nik Bärtsch gewinnt Preise bei internationalen Festivals, ihre Musik ist eine hypnotische und repetitive Musik mit obsessiven Rhythmen und unerwarteten Improvisationen, die ein junges Publikum anzieht und in Skandinavien, Südafrika und den USA Furore macht. Zwei weitere Musiker prägen die Gegenwart: die Sängerin und Akkordeonspielerin Erika Stucky und der Pianist Thierry Lang. Die in San Francisco geborene Stucky mit Schweizer Eltern ist eine schwer einzuordnende Sängerin. Sie tritt in Begleitung von Jazz-Musikern auf und ihr Stil steht irgendwo zwischen dem Jodel und amerikanischer Musik. Der Veteran Thierry Lang (*1956, Romont) ist einer der wenigen lokalen Musiker, der für sein eigenes Projekt auf die traditionelle Schweizer Musik setzt. Der Professor am Konservatorium von Montreux hat für das amerikanische Label Blue Note aufgenommen und wurde 2008 zum Ritter der Kunst und Literatur der französischen Republik ernannt. Auch das Piano-Bass-Drums-Trio von Stefan Rusconi begeistert das Publikum europaweit mit seinen Jazz-Rock-Fusionen. Der Saxophonist Nicolas Masson steht beim Münchner Ausnahme-Label ECM unter Vertrag. Zu den interessanten Acts beim Jazzahead-Event im April in Bremen zählt die Sängerin Elina Duni. Der Trompeter Franco Ambrosetti, die Schlagzeuger Daniel Humair und Pierre Favre und die Pianistin Irène Schweizer zählen seit Jahrzehnten zu den besten ihrer Zunft. Zu den Experimentellen zählen der Bieler Saxofonist Hans Koch.

Die Jazz-Festivals von Willisau, Lugano und besonders Montreux gehören international zu den bekanntesten Anlässen ihrer Art. Zu den bekannteren Jazzschulen der Schweiz stehen in Bern und Luzern.

Pop / Rock / Worldmusic

In der Kategorie Pop/Rock gibt es einige Bands, die über die Landesgrenzen bekannt sind. Dazu zählt das Duo Yello, das von Dieter Meier und Boris Blank in den 80er Jahren gegründet wurde. Ihr Remix-Album Hands on Yellow erschien 1995 und zeigt, dass die beiden Musiker auch auf die nachfolgende Techno-Generation Einfluss hatten. Darunter sind die nicht nur in der Techno-Szene bekannten Gruppen und Musiker Moby, Mark Spoon, The Orb und andere mit internationale Ausstrahlung.

Aus der sogenannten Eurodance-Zeit ist DJ BoBo einer der wenigen Künstler, der bis heute erfolgreich Alben veröffentlicht. Er wird deswegen von Fans auch „King of Dance" genannt, obwohl er in letzter Zeit auch mehr Elemente aus dem Pop- und Rockbereich in seine Songs einfliessen lässt. Bekannt wurde DJ BoBo mit einer Mischung aus Pop und Dancefloor.

Zu den weiteren Exportschlagern zählt der Chansonnier Stefan Eicher oder der Harfenspieler Andreas Vollenweider. Auslanderfolge verzeichnete die Band Krokus, die mit ihrem rifflastigem Hard Rock ihre größten Erfolge in der ersten Hälfte der 1980er Jahre. Aufgrund dessen fallen nicht selten Vergleiche mit AC/DC, wenngleich Krokus auch Balladen in ihr Songrepertoire aufnahm. Die Band erlangte mehrere Platinauszeichnungen und bekam 1983 die Ehrenbürgerschaft von Tennessee.

Bands, die in ihren Genres richtungsweisend sind oder waren, sind beispielsweise die Post-Industrial-Band Young Gods, die u.a. von U2 oder David Bowie als Inspirationsquelle genannt werden, oder die auch Death Metaller Celtic Frost oder Coroner.

Aktuell auf grosses Interesse im grenznahen Ausland sowie in der Schweiz stossen Musiker und Musikerinnen wie Sophie Hunger, BOY, Bonaparte, Navel, Michael von der Heide, Heidi Happy, Stress, William White, Marc Sway, Seven, Lovebugs und andere.

Streetparade

Jährlich pilgern in der Regel am zweiten Samstag im August hunderttausende Tanzbegeisterte zur Street Parade ans Zürcher Seebecken. Der Techno-Umzug ist nach der ehemaligen Loveparade in Deutschland nun die grösste Techno-Party der Welt und auch die grösste jährlich wiederkehrende Veranstaltung in der Stadt Zürich.

Musikfestivals in der Schweiz

Nirgends gibt es mehr Musik-Festivals als in der Schweiz. Egal ob Pop oder Klassik, für jeden Geschmack ist in jeder Grösse etwas dabei. Neben den grossen Festivals wie das Gurtenfestival, das Paléo Festival oderdas OpenAir St. Gallen boomen die vielen kleinen Festivals, z.B. Uhuru, For Noise, B-Sides, Cholererock, Natural Sound, Le Chant du Gros, Woodrock, Krach am Bach, Lumnezia oder Hors Tribu - um nur einige zu nennen. Einen vollständigen Überblick finden Sie auf festivals.ch oder hier

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Heutzutage sind auch die Songtexte von Schweizer Popmusikern und Rockbands zwar immer häufiger in englischer Sprache, weil sonst auf internationalen Bühnen kaum Lorbeeren und Geld zu holen sind. Dennoch bedienen sich die populärsten Bands im ganzen Land nach wie vor der jeweiligen Landes- bzw. Umgangssprache.

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Musiksocke.de | Gestopft mit guter Musik.

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Deutsche Bands ᐅ Liste der besten Musik-Bands in Deutschland

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Liste mit den besten deutschen Bands aller Zeiten! ♫ Wer ist die beste deutsche Band? ♫ Wer ist deine deutsche Lieblingsband? ➡ Hier zur Liste!

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Deutsche Bands – Liste der besten Musik-Bands in Deutschland

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Wir laden euch ein, die deutsche Musikszene besser kennenzulernen. Jeden Monat könnt ihr unsere deutschen Charts mitbestimmen, vierteljährlich stellen wir euch ein Musikvideo einer deutschen Band vor und immer wieder findet ein Musikwettbewerb statt, bei dem ihr aktiv mit euren Beiträgen teilnehmen könnt. Viel Spaß beim Erkunden!

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Wir laden euch ein, die deutsche Musikszene besser kennenzulernen. Jeden Monat könnt ihr unsere deutschen Charts mitbestimmen, vierteljährlich stellen wir euch ein Musikvideo einer deutschen Band vor und immer wieder findet ein Musikwettbewerb statt, bei dem ihr aktiv mit euren Beiträgen teilnehmen könnt. Viel Spaß beim Erkunden!

# data[].attributes.attachment_link.title
Your favourite German music? | Easy German 259

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[Verse 1]
Sie ist ein Model und sie sieht gut aus
Ich nähm sie heut gerne mit zu mir nach Haus
Sie wirkt so kühl, an sie kommt niemand ran
Doch vor der Kamera da zeigt sie was sie kann

[Verse 2]
Sie trinkt in Nachtclubs immer Sekt(Korrekt!)
Und hat hier alle Männer abgecheckt
Im Scheinwerferlicht ihr junges Lächeln strahlt
Sie sieht gut aus und Schönheit wird bezahlt

[Verse 3]
Sie stellt sich zur Schau für das Konsumprodukt
Und wird von Millionen Augen angeguckt
Ihr neues Titelbild ist einfach fabelhaft
Ich muß sie wieder seh'n, ich weiß sie hat's geschafft

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Verse 1] / Sie ist ein Model und sie sieht gut aus / Ich nähm sie heut gerne mit zu mir nach Haus / Sie wirkt so kühl, an sie kommt niemand ran / Doch vor der Kamera da zeigt sie

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There's been a serious increase in concert attendance in the last year - seemingly at the expense of the Bundesliga.

Germany is host to some of the best footballers, clubs and international teams in the world. It is also home to some of the finest musicians, conductors and composers from throughout the centuries.

So we can't decide whether or not it's surprising to hear that more Germans go to concerts than they do football matches.

The Deutsche Orchester-Vereinigung DOV have released statistics showing a 10% increase in classical concerts last year, with 13,800 events held in Germany, of which 5,800 were symphonic.

The DOV's Managing Director Gerald Mertens said classical concerts drew an attendance of 18.2 million, around 40% more than the football Bundesliga. Furthermore, the survey logged more concertgoers aged 20-29 than aged 50-59.
Think you know your famous footballers from your famous composers? Try our quiz to find out >

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Classical concerts are officially more popular than football matches in Germany

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There's been a serious increase in concert attendance in the last year - seemingly at the expense of the Bundesliga. Germany is host to some of the best footballers, clubs and international teams in the world. It is also home to some of the finest musicians, conductors and composers from throughout the centuries.

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Faszination Gangsta-Rap Icon: Spiegel Plus Lebe fett, gierig und rücksichtslos

Mit Waffengeprotze und frauenverachtenden Texten dominieren deutsche Gangsta-Rapper wie Gzuz, RAF Camora und Capital Bra die Charts. Was findet die Generation Greta daran? Lesen Sie hier die SPIEGEL-Titelstory.

Von Laura Backes , Jürgen Dahlkamp , Jörg Diehl , Maik Großekathöfer , Thomas Heise , Henning Jauernig , Claas Meyer-Heuer , Yannick Ramsel , Tobias Rapp , Jurek Skrobala , Sebastian Späth , Andreas Ulrich und Stefanie Witterauf

Hamburg, Musikhalle Docks. Schon klar, was der Unterschied sein würde zwischen einem guten und keinem guten Geburtstag: die Karte. Moritz wurde 14, er wollte, er musste, er war gar nicht davon abzubringen. Also hatte ihm sein Vater das Konzertticket geschenkt. LX und Maxwell, deutsche Gangsta-Rapper, die zu 187 Strassenbande gehören.

Die Hamburger Crew rappt Zeilen wie: "Die Frau, die ich ficke, ist ein Neunziger Baujahr"; sie feiert den "Daimler frisiert, zweimal foliert". Eben das, was auch Kinder aus besseren Einfamilienhausvierteln heute so hören, außer es ist Freitag, und sie retten mit Greta, Baujahr 2003, die Erde vor Daimlern, frisiert und foliert.

Schon mit 13 war Moritz - der echte Name tut hier nichts zur Sache - alt genug, um fast nur noch in Jogginghose und Kapuzenpulli herumzulaufen, sich die Haare an den Seiten kurz zu rasieren und seinem Vater, den er neuerdings gern "Digga" nannte, Vorwürfe zu machen. Warum sie diesen blöden Kombi fuhren, warum keinen Audi R8 Supersportwagen wie in den Rappervideos auf YouTube. Dass der R8 nur zwei Sitze hat, spielte keine Rolle.

Andererseits waren auch 14 Jahre nicht genug, um allein ins Docks zu kommen, "nicht bei dieser Gruppe", wie der Security-Mann am Eingang noch mal humorlos klarmachte. Deshalb musste Papa mit in eine Welt, die ihm fremd war und in der ihm sein Sohn nun immer fremder wurde. Der Vater stand hinten im Saal, vorn auf der Bühne rauchte dieser LX einen Joint nach dem anderen, dazwischen Moritz, hin- und hergerissen. Tat so, als würde er seinen Vater nicht kennen. Musste aber in seiner Nähe bleiben; wer sonst sollte die ganze Zeit filmen, für die Instagram-Story, die Moritz am nächsten Tag natürlich ins Netz stellen wollte?

Hinterher saßen sie in der U-Bahn. Moritz schwärmte, wie "geil" das Konzert gewesen sei, "wie echt" die Stars, die das alles erlebt hätten, worüber sie rappten. Und der Vater fragte sich, wann genau es aufgehört hatte, dass sein Sohn ihn cool fand. Ihn, den Mann mit dem Kombi und dem Reihenmittelhaus, nicht diese halshoch tätowierten Hardcore-Rapper, die in ihren Songs prahlten, dass sie alles haben könnten. Die Autos, die Mädchen, das Geld, die Bewunderung. Die seinem Sohn erzählten, dass man dafür nur die Schule schwänzen müsse, mit dem Dealen anfangen, für ein paar Monate oder Jahre ins Gefängnis gehen, Frauen verachten, Polizisten beleidigen, die "Spasti"-Typen weghauen. Den Mittelfinger heben, statt im Mittelhaus zu leben. Und dass so der Weg zum Ruhm aussehe, zum "Fame".

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Faszination Gangsta-Rap: Sex, Protz und dicke Schlitten - DER SPIEGEL - Kultur

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Mit Waffengeprotze und frauenverachtenden Texten dominieren deutsche Gangsta-Rapper wie Gzuz, RAF Camora und Capital Bra die Charts. Was findet die Generation Greta daran? Lesen Sie hier die SPIEGEL-Titelstory. Von Laura Backes , Jürgen Dahlkamp , Jörg Diehl , Maik Großekathöfer , Thomas Heise , Henning Jauernig , Claas Meyer-Heuer , Yannick Ramsel , Tobias Rapp , Jurek Skrobala , Sebastian Späth , Andreas Ulrich und Stefanie Witterauf Hamburg, Musikhalle Docks.

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Kürzlich fragte uns ein Nutzer auf Facebook, was eigentlich der Unterschied zwischen Schlager und Pop sei. Eine berechtigte Frage und der Versuch einer Definition.

Das fast schon vergessene Genre Schlager ist seit dem Erfolg von Helene Fischer und Dieter Bohlens Dauerwerbesendung DSDS wieder populär in Deutschland. Aber was heißt eigentlich Schlager? Und warum kann es nicht einfach „Pop mit deutschen Texten" heißen?

Musik für die Massen

Laut „Handbuch der Terminologie der Musik" ist Schlager per Definition die „Kurzform für leicht eingängige Tanz- und Unterhaltungsmusik". Die Funktion steht hier im Vordergrund, nicht die Musik selbst. Schlager ist Musik mit „einfachsten musikalischen Strukturen und trivialen Texte, die an das Harmonie- und Glücksverlangen des Zuhörers appellieren". Dabei seien „die Grenzen zur Popmusik und volkstümlichen Musik fließend" (Microsoft Encarta).

Nach dem 2. Weltkrieg half die Schlagermusik dabei, das Trauma der Nazizeit zu vergessen und überwinden. Der Schlager dieser Zeit ist an Harmlosigkeit kaum noch zu überbieten, traf aber einen Nerv, die Menschen gierten nach langer Zeit des Krieges nach Harmonie und heiler Welt, egal wie verlogen diese war.

Das Land war nach 12 Jahren Hitler, 6 Jahren Krieg und dem Holocaust moralisch am Boden, doch bis in die späten 70er Jahre war die deutsche Musikszene dominiert von Schlager, der nonstop im Fernsehen und sogar im Kino zu hören war. Die Menschen lenkten sich lieber ab, statt sich mit der Vergangenheit zu beschäftigen und diese aufzuarbeiten. Der Schlager half beim Vergessen.

Erst in den 60ern begann eine ganze Generation sich dagegen aufzulehnen. Eine Ära, die auch neue Musik mit sich brachte, die inspiriert von den in Deutschland stationierten britischen und amerikanischen Soldaten und ihren Radiosendern waren. Rock'n'Roll und Beat eroberten die deutsche Musikszene und fanden hierzulande zahlreiche Nachahmer.

Das Ende der Schlager-Ära

„Schlager sind Texte, die gesungen werden müssen, weil sie zu dumm sind, um gesprochen zu werden." (Gisela Uhlen - Schauspielerin)

Udo Lindenberg gehörte neben Reinhard Mey zu den ersten Künstlern, die aus der Schlager-Tristesse ausbrachen und mit selbst geschriebenen frechen Texten den deutschen Pop neu erfanden. Von den „Schlageraffen" distanzierte sich der Deutsch-Rocker klar und deutlich in seinem „Sonderzug nach Pankow". Ihm folgten viele Künstler nach, die ihre eigene Musik schufen und nicht nur Marionetten der Musikindustrie waren.

In den 80ern überschwemmte die vom Punk inspirierte Neue Deutsche Welle das angestaubte Schlager-Genre und spülte es in die Bedeutungslosigkeit. Schlager war inzwischen Musik für alte Menschen geworden und komplett out.

In den 90ern gab es ein erstes Schlager-Revival als Gegenbewegung zur Techno-Revolution, war damals aber nur in Verbindung mit ironischer Pose denkbar (Dieter Thomas Kuhn, Gildo Horn, Schlagermove), während die alten Schlagerstars durch die Einkaufszentren der Republik tourten und vor Rentnern spielten. Man zelebrierte zwar den Sound seiner Kindheit, konnte es aber nicht mehr wirklich ernst nehmen.

Erst seit wenigen Jahren ist Schlager als Musikgenre wieder „angesagt". Und öffentlich-rechtliche Fernsehen und die Bohlen-Show DSDS haben daran einen erheblichen Anteil. Bohlen nutzte seine Sendung ganz gezielt dazu, um seine eigenen Schlager-Platten zu verkaufen.

Und die ARD baute Helene Fischer über Jahre zum jugendlichen Gesicht des neuen deutschen Schlagers auf. Fast jede Band hätte mit einer derart großen Öffentlichkeit schnell einen Hit, doch die Seniorensender ARD und ZDF unterstützen den Schlager seit jeher mehr als jede andere Musikrichtung.

„Ein Schlager ist nur gut, wenn er sich gut verkauft. Ein Chanson kann ein Meisterwerk sein, auch wenn es nur drei Menschen findet." (Reinhard Mey)

Schlager ist nach wie vor eine Gebrauchsmusik, die für einen Massenmarkt konzipiert ist, in der Regel von großen Plattenfirmen und Fernsehsendern künstlich in den Markt gepusht wird und das einzige Ziel hat, möglichst viel Geld einzubringen. Das ist auch die BWL-Logik eines Dieter Bohlen: was verkauft ist gut, was nicht verkauft ist schlecht.

Diese Definition lässt sich vielleicht auf Waren anwenden, aber auf Kunst? Ist Kunst gut, weil sie angepasst und leicht verdaulich ist? Oder ist Kunst gut, weil sie besonders und wahrhaftig ist und sich von der Masse abhebt?

Schlager: Das gebührenfinanzierte Musikgenre

Helene Fischer oder Andrea Berg wurden jahrelang im öffentlich-rechtlichen Fernsehen von unseren Gebührengeldern als Schlagerstars aufgebaut, bevor sie ihre ersten großen Hits landeten. In den Seniorensendungen des Abendprogramms erreichten sie mit jedem Auftritt ein Millionenpublikum. Andere Musik wird im TV jenseits von ARTE hingegen so gut wie gar nicht mehr gespielt. Der Erfolg hat also zunächst nichts mit Qualität zu tun, sondern einfach nur mit Quoten.

Für uns als Musikredaktion sind andere Kriterien viel wichtiger als Verkaufszahlen und Charts: guter Pop ist ebenso eingängig und musikalisch häufig ganz ähnlich aufgebaut wie Schlager, hat aber etwas zu sagen, weil der Künstler seine Songs in der Regel selbst schreibt und nicht von angeheuerten Textern und Komponisten schreiben lässt.

Gute Popmusik ist Musik von echten Musikern und nicht von Interpreten, die sich die teuersten Songschreiber und Produzenten leisten können. In den 60er Jahren wurden fast alle bekannten Schlager von gerade mal einer Handvoll Komponisten geschrieben.

Für einen Schlagersänger reicht es bis heute halbwegs passabel auszusehen und ein paar Töne zu treffen. Eine ausgebildete Musical-Darstellerin wie Helene Fischer passt da natürlich perfekt ins Bild. Trotzdem singt sie einfach nur brav und adrett die Songs anderer Leute, so wie unzählige Schlagersängerinnen vor ihr. Schlager ist nichts anderes als professionelles Karaoke. Es macht vielen Leuten Spaß, aber der künstlerische Wert ist, sagen wir mal vorsichtig: überschaubar.

Was macht „gute" Popmusik aus?

Gute Popmusik hingegen muss nicht von großartigen Sängern gesungen werden (Pet Shop Boys), guter Pop muss auch nicht von besonders gutaussehenden Menschen gemacht werden (Herbert Grönemeyer), guter Pop muss einfach nur wahrhaftig und interessant sein und darf nicht einfach nur Gefühle vorgaukeln.

Das gilt übrigens auch für internationale Popmusik. Auch Musik aus USA oder England, die nur für einen Massenmarkt oder fürs Radio kalkuliert und produziert wird, ist in der Regel nicht besonders spannend für echte Musikfans, sie unterscheidet sich kaum vom deutschen Schlager. Wer Musik nicht nur im Radio hört, möchte nicht nur berieselt werden.

Natürlich gibt es auch viele Künstler, die ihre Songs nicht selbst geschrieben haben und trotzdem weit mehr als nur Schlagerinterpreten sind. Eine Legende wie Michael Jackson hat auch nicht alles selbst geschrieben, aber dass Michael Jackson ein großer Pop-Künstler mit Vision war, dürfte niemand ernsthaft bestreiten. Nur eines war Michael Jackson nie, selbst in seinen schwächsten Momenten war seine Musik nie bloß Schlager. Auch ein Frank Sinatra hat seine Songs nicht selbst geschreiben, dafür war die Qualität seiner Songs und seiner Interpretationen von einem anderen Stern und bleibt unerreicht.

Die deutsche Janis Joplin, Joy Fleming, war eine der besten Soul- und Blues-Sängerinnen der Republik, bevor sie ins seichte Schlager-Genre wechselte und beim (gebührenfinanzierten) Grand Prix antrat, um ihren Lebensunterhalt als Sängerin bestreiten zu können. Auch große Künstler können zu Schlagersängern schrumpfen, wenn sie von der Kunst allein nicht leben können.

Natürlich verurteilen wir niemanden, der nach dem zehnten Bier auf Malle, beim Karneval oder beim Oktoberfest zu Schlagermusik auf den Tischen tanzt. Aber es gibt für uns einfach keinen Grund, diese Art von Musik redaktionell vorzustellen, weil sie reine Gebrauchsmusik und sowieso schon überall im Radio und Fernsehen läuft. Dazu gibt es auch gar nicht so viel zu sagen, Schlager sind selbst erklärend und allenfalls Begleitmusik für die Klatschmedien, die mit den privaten Affairen der Schlagerstars ihre Auflage steigern.

Wir bei Tonspion ziehen also eine klare Grenze zwischen Pop und Schlager. Gut gemachter Pop aus Deutschland ist uns sehr willkommen. Schlager und Volkstümliche Musik überlassen wir lieber den tausenden Radiosendern der Republik.
Playlist: Die besten deutschsprachigen Lieder aller Zeiten

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Definition: Was ist der Unterschied zwischen Schlager und Pop? " TONSPION

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Kürzlich fragte uns ein Nutzer auf Facebook, was eigentlich der Unterschied zwischen Schlager und Pop sei. Eine berechtigte Frage und der Versuch einer Definition. Das fast schon vergessene Genre Schlager ist seit dem Erfolg von Helene Fischer und Dieter Bohlens Dauerwerbesendung DSDS wieder populär in Deutschland. Aber was heißt eigentlich Schlager?

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What Germans from different regions think about each other | Easy German 332

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Beethovens 5. Klavierkonzert schnell erklärt

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Beethovens 5. Klavierkonzert schnell erklärt

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Mit Übersetzung auf Deutsch

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Beethoven 5. Klavierkonzert schnell erklärt | klassik shorts

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Mit Übersetzung auf Englisch

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Beethoven 9. Symphonie schnell erklärt | klassik shorts

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Sarah Willis in der Beethovenstadt Bonn. Mit Kindern wandelt sie auf den Spuren des großen Komponisten. Gemeinsam besuchen sie sein Geburtshaus und unternehmen eine interaktive Reise.

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Deutschland: Das Land der klassischen Musik

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Deutschland: Das Land der klassischen Musik

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Deutsche Welle

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Top-Thema - Lektionen

Bach, Beethoven, Brahms - klassische Komponisten, die weltweit bekannt sind und die man mit Deutschland verbindet. Heute ist Deutschland führend, wenn es um die Finanzierung von Kulturinstitutionen geht.

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Deutschland - das Land der klassischen Musik | DW | 10.01.2020

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Top-Thema - Lektionen Bach, Beethoven, Brahms - klassische Komponisten, die weltweit bekannt sind und die man mit Deutschland verbindet. Heute ist Deutschland führend, wenn es um die Finanzierung von Kulturinstitutionen geht.

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Er ist ein deutscher Musiker, Musikproduzent, Sänger, Komponist, Texterund Schauspieler. Mit über 17 Millionen in Deutschland verkauften Tonträgern ist er der kommerziell erfolgreichste zeitgenössische Musiker Deutschlands.

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Herbert Grönemeyer (2014)

Herbert Arthur Wiglev Clamor Grönemeyer (* 12. April 1956 in Göttingen) ist ein deutscher Musiker, Musikproduzent, Sänger, Komponist, Texter und Schauspieler. Einem breiten Publikum wurde er durch seinen Auftritt im Kinofilm 1981 bekannt. Von 1984 bis 2018 platzierten sich alle seine deutschsprachigen Studioalben auf Platz eins der deutschen Albumcharts. Sein Album (2002) verkaufte sich 3,6 Millionen Mal, davon 3,15 Millionen Mal in Deutschland, und ist damit das zweitmeistverkaufte Musikalbum in Deutschland. Mit über 19 Millionen im Inland verkauften Tonträgern ist Grönemeyer hinter Ed Sheeran der zweit kommerziell erfolgreichste zeitgenössische Musiker Deutschlands. Sein aktuelles Album erschien am 24. März 2023.

Kindheit und Jugend (1956-1973)

Als Herbert Grönemeyer geboren wurde, wohnten seine Eltern in Clausthal-Zellerfeld. Grönemeyers Mutter war die aus einer deutschbaltischen Arztfamilie stammende Krankenschwester Hella Carin geborene von Hunnius, eine Nachfahrin des Mediziners Carl Abraham Hunnius, sein Vater der aus Westfalen stammende Bergbauingenieur Wilhelm Grönemeyer (1916-2003). Da seine Mutter für die Geburt Spezialisten konsultieren musste, kam er nicht in Clausthal-Zellerfeld, sondern in Göttingen zur Welt.

Er war das jüngste Kind der Familie, einer seiner Brüder ist der Mediziner Dietrich Grönemeyer. Als er etwa ein Jahr alt war, zogen seine Eltern mit ihm von Clausthal-Zellerfeld nach Bochum, wo er aufwuchs. Dank seiner Familie mütterlicherseits kam er in Kontakt mit Musik und erhielt, wie schon zuvor seine Brüder, mit acht Jahren Klavierunterricht. Rückblickend beschreibt er seine Erziehung folgendermaßen: „Ich denke, ich bin zwischen Liebe, musischer Zuneigung und ziemlicher Strenge groß geworden." Im Alter von 14 Jahren wurde er konfirmiert.

In Bochum besuchte er das humanistische Gymnasium am Ostring und engagierte sich unter anderem im Schulchor. An der Schule lernte er auch den späteren Schauspieler Claude-Oliver Rudolph kennen. Zusammen mit Rudolph verdiente Grönemeyer beim Schauspielhaus Bochum als Pianist sein erstes Geld, wo er auch als musikalischer Leiter fungierte, während sein Freund als Schauspieler arbeitete.

Künstlerische Anfänge (1974-1983)

Als Sänger der Bo-Band am Bochumer Schauspielhaus kam Grönemeyer erstmals als Darsteller in Kontakt mit dem Theaterleben. Später wirkte er dort als Korrepetitor und fertigte 1974 erste Kompositionen. Seine Entdeckung als Schauspieler verdankt er Joachim Preen, der ihn für das Stück John, George, Paul, Ringo and Bert von William Martin Russell erstmals auf die Bühne brachte.

Nach seinem Abitur 1975 begann er mit dem Studium der Musik- und der Rechtswissenschaften an der Ruhr-Universität in Bochum, brach dieses jedoch nach fünf Semestern ab.

Im Jahr 1976 wurde Grönemeyer musikalischer Leiter am Schauspielhaus Bochum und spielte dort weitere Theaterrollen, wie den Till Eulenspiegel, den Prinzen Orlofsky in Johann Strauss' Die Fledermaus und den Melchior in Frank Wedekinds Frühlings Erwachen. Hier arbeitete er auch mit Peter Zadek und der Choreografin Pina Bausch.

Obwohl Grönemeyer nie eine Schauspielschule besuchte, spielte er in einigen Fernsehfilmen mit. Die Schauspielkarriere wurde 1977 mit einer Rolle im Film Die Geisel vorangetrieben. Bei Dreharbeiten zu Jürgen Flimms Fernsehfilm Uns reicht das nicht lernte Herbert Grönemeyer 1978 die Schauspielerin Anna Henkel kennen, die später seine Frau wurde. Im nächsten Jahr wurde seine erste Platte mit Dieter Flimms Jazzrock-Gruppe „Ocean Orchestra" (teilweise die Musik zu diesem Film) mit Grönemeyer als Leadsänger veröffentlicht.

1979 wirkte er als Schauspieler in dem Fernsehfilm Zuhaus unter Fremden für die ARD mit. Im selben Jahr arbeitete er unter Schauspieldirektor Claus Peymann einige Monate als musikalischer Leiter am Württembergischen Staatstheater in Stuttgart. Am Schauspielhaus Köln gab er den Lorenzo in Der Kaufmann von Venedig. Sein Solodebüt-Album Grönemeyer erhielt die „Goldene Zitrone" für das hässlichste Cover des Jahres. Auch sein zweites Album Zwo von 1981 war kein kommerzieller Erfolg.

In Wolfgang Petersens Film (nach dem Roman von Lothar-Günther Buchheim) trat Grönemeyer 1981 an der Seite von Schauspielern wie Jürgen Prochnow, Klaus Wennemann, Martin Semmelrogge, Jan Fedder, Heinz Hoenig, Claude-Oliver Rudolph, Sky du Mont und Uwe Ochsenknecht als Leutnant Werner auf.

Für die deutsch-deutsche Koproduktion des Peter-Schamoni-Films Frühlingssinfonie, in der er Robert Schumann verkörperte - neben Nastassja Kinski als Clara Wieck und Rolf Hoppe als Friedrich Wieck -, lebte Grönemeyer 1983 ein halbes Jahr in Leipzig. Dieser Film war die erste westdeutsche Produktion, die in der DDR an Originalschauplätzen gedreht werden konnte.

Er konzentrierte sich zunehmend auf seine Musik. Für die nächsten Alben schrieb er die Lieder Anna und Musik nur, wenn sie laut ist. Sein Klassiker Currywurst entstand ebenfalls in dieser Zeit (siehe auch Bratwursthaus), stammt allerdings aus der Feder von Diether Krebs, Jürgen Triebel und Horst-Herbert Krause. Auf einer Tournee wurden zahlreiche Konzerte mangels Interesse abgesagt. Die in Zusammenarbeit mit Otto Draeger und Edo Zanki entstandenen Alben waren kommerziell so wenig erfolgreich, dass die Intercord Ton GmbH nach dem im Jahr 1983 veröffentlichten Album Gemischte Gefühle den Vertrag kündigte.

Cover der LP 4630 Bochum aus dem Jahr 1984

Konzert Herbert Grönemeyers im Juni 2009 in Bochum

Nach dem Wechsel zur EMI stellte sich mit dem am 11. Mai 1984 als Vinyl-LP erschienenen Album 4630 Bochum, vor allem nach einem Konzertmitschnitt für die WDR-Reihe Rockpalast am 16. November 1984, der große Erfolg im Musikgeschäft ein. Das Album (Bild), dessen Titel sich auf die damalige Postleitzahl der Stadt bezieht, hielt sich 79 Wochen in den Top 100 der Hitparade und war das erfolgreichste Album des Jahres in Deutschland 1984. Vor allem die Singleauskopplung machte den Künstler in ganz Deutschland bekannt. Daneben wurde der Titelsong Bochum zur inoffiziellen Hymne der Stadt, die mittlerweile - neben der Vereinshymne - kurz vor jedem Spiel des VfL Bochum im heimischen Stadion zu hören ist. Und auch die Ballade Flugzeuge im Bauch entwickelte sich zu einem Klassiker deutschsprachiger Rock- und Popmusik. 1985 spielte Grönemeyer an der Seite von Julie Christie, Burt Lancaster und Bruno Ganz im Deutz-Film Väter und Söhne des Regisseurs Bernhard Sinkel.

Mit dem Album bezog er 1986 politisch Stellung. Die Titel Tanzen und Lächeln sind Kommentare zur Lage der Nation. Sie greifen die CDU- FDP-Regierungskoalition und den damaligen Bundeskanzler Helmut Kohl an. Dieses wurde zwei Jahre später bei dem und dem darauf enthaltenen Titel Mit Gott noch einmal besonders unterstrichen.

Beim Anti-WAAhnsinns-Festival im oberpfälzischen Burglengenfeld spielte Grönemeyer erstmals vor über 100.000 Zuschauern.

1987 beteiligte er sich mit einem Soloauftritt beim Aufru(h)r des Ruhrgebietes im Stahlwerk Rheinhausen mit vielen bekannten Künstlern zur Demo zum Erhalt des Stahlwerkes und für die finanzielle Unterstützung der Arbeiter, was ihm bei der Bevölkerung sehr viel Anerkennung und Beliebtheit einbrachte.

Im Fernsehfilm Sommer in Lesmona, nach der gleichnamigen Novelle von Marga Berck, die unter der Regie von Peter Beauvais unter anderem mit Katja Riemann, Benedict Freitag und Richard Münch verfilmt wurde, trat er schauspielernd in Erscheinung und steuerte den 1988 mit dem Adolf-Grimme-Preis mit Gold ausgezeichneten Soundtrack bei. Zum kommerziellen Erfolg des Albums Ö trugen vor allem die Titel Halt mich, Vollmond und Was soll das bei. Zur gleichen Zeit wurden Grönemeyers größte Hits auf What's All This in englischer Sprache veröffentlicht. Das Titellied des Albums kam in Kanada in die Single-Charts. Es folgte eine Tournee durch Kanada.

Das Album Bochum wurde 1989 auch vom DDR-Plattenlabel AMIGA veröffentlicht. Vorausgegangen waren Verhandlungen über den Titel Jetzt oder Nie und einen weiteren Titel, welche die damalige Staatsführung nicht veröffentlichen wollte.

Nach dem Fall der Berliner Mauer veröffentlichte er die Platte . Das Konzert am 18. Mai 1991 auf einer Wiese in Ahrensfelde bei Berlin im Rahmen der Tournee besuchten rund 100.000 Menschen. Diesen Zuschauerrekord für einen deutschen Musiker hielt Grönemeyer bis 2022, als Helene Fischer in München vor 130.000 Zuschauern auftrat.

Die englischsprachige Version des Albums Luxus erschien 1991 in Kanada; es beinhaltet auch eine französische Fassung von Marie.

Neue Wege mit Chaos, Bleibt alles anders und Mensch (1993-2005)

Am 20. Januar 1993 heiratete Grönemeyer seine Lebensgefährtin Anna Henkel, die Mutter seiner beiden Kinder.

Im selben Jahr erschien das Album Chaos. Es gelangte auf Platz eins der deutschen Hitparade. Die dazugehörige Tour besuchten in den Folgemonaten weit über 600.000 Menschen.

Der Musiksender MTV lud Grönemeyer als ersten nicht-englischsprachigen Künstler in die Fernsehsendung MTV Unplugged ein. Das Konzert fand am 15. Mai 1994 im Studio Babelsberg statt.

Anfang 1998 zog er gemeinsam mit seiner Familie nach London, wo er bis 2007 den Großteil des Jahres verbrachte. Dort begann seine langjährige Zusammenarbeit mit dem Produzenten Alex Silva. Grönemeyer unterhielt dazu ein eigenes Studio in den Mayfair Studios, wo er weiterhin auch deutschsprachig produzierte.

Am 21. April 1998 veröffentlichte Grönemeyer Bleibt alles anders. Zunehmend hielten neben der klassischen Rock-Band-Besetzung bei Grönemeyer elektronisch erzeugte Sounds Einzug in seine Studioarbeit. Das Album erreichte nach weniger als vier Wochen Platin in Deutschland. Den ersten Teil der Tournee erlebten rund 350.000 Besucher.

Mit dem Tod seines Bruders Wilhelm am 1. November 1998 und seiner Frau Anna am 5. November 1998 trafen Grönemeyer zwei schwere Schicksalsschläge. Grönemeyer benötigte über ein Jahr, um wieder künstlerisch tätig zu sein. Seiner Frau widmete er später das Lied Der Weg auf dem Album Mensch (2002).

Nach der Fortsetzung der Bleibt-alles-anders-Tour 1999 spielte Grönemeyer auf der in Hannover mit dem NDR Pops Orchestra unter der Leitung von Nick Ingman zwei Konzerte, woraus später die Doppel-DVD Stand der Dinge entstand. Mit demselben Arrangement spielte er im gleichen Jahr auch in Berlin vor dem Brandenburger Tor und im sachsen-anhaltischen Landschaftspark Goitzsche.

Im August 2002 erschien das Album . Es wurde noch vor der Veröffentlichung aufgrund der Vorbestellungen mit Platin ausgezeichnet. Letzten Endes erhielt es 21-fach Gold und belegte elf Wochen lang Platz 1 der deutschen Album-Charts. Die Single Mensch war Grönemeyers bislang erfolgreichstes Lied, mit dem er erstmals auf Platz eins der deutschen Single-Charts gelangte.

Ab 2002 tourte Herbert Grönemeyer im Rahmen seiner Alles-Gute-von-gestern-bis-Mensch-Tournee durch Deutschland. Auch in der Stadt seiner Jugend, der Stadt Bochum, trat und tritt er immer wieder auf, mit dem Album Mensch zuletzt im Ruhrstadion. Eigentlich sollte am 8. Juli 2003 in Montreux das Tournee-Ende stattfinden. Bis dahin sahen 1,5 Millionen Zuschauer die Auftritte. Wegen des großen Erfolges wurde die Tour dann im Juni 2004 mit weiteren acht Terminen fortgesetzt und fand am 8. Januar 2005 im Rahmen der Eröffnungsfeierlichkeiten der Düsseldorfer Arena mit einem dreieinhalbstündigen Konzert nach über zwei Jahren ihren Abschluss.

Die 2003 erschienene Live-DVD schaffte es als erste DVD überhaupt auf Platz eins der Deutschen Albumcharts.

Am 19. Mai 2006 erschien Grönemeyers Single Zeit, dass sich was dreht, die offizielle WM-Hymne zur Fußball-Weltmeisterschaft 2006, die er zusammen mit dem aus Mali stammenden Duo Amadou & Mariam sang. Der englische Titel lautet Celebrate the Day, die französische Version heißt Fêtez cette journée. Im Rahmen der WM-Eröffnung in der Allianz Arena München am 9. Juni 2006 stellte Grönemeyer das Lied live vor. Wenige Tage später erreichte die Single die Spitze der Hitparade und wurde zum zweiten Nummer-eins-Hit seiner Karriere.

Am 14. Oktober 2006 unterschrieb Grönemeyer einen Aufnahmeantrag beim VfL Bochum und erhielt die Mitgliedsnummer 4630 als Anspielung auf sein Erfolgsalbum 4630 Bochum.

Die am 20. Februar 2007 veröffentlichte Single Lied 1 - Stück vom Himmel war die erste Auskopplung aus dem Album . Sie erreichte am 13. Februar den ersten Platz der Single-Charts und ist Grönemeyers dritter Nummer-eins-Hit. Das am 2. März 2007 veröffentlichte Album erreichte Platz 1 der Weltcharts und hielt sich 71 Wochen in den deutschen Album-Charts, davon 5 Wochen auf Platz 1. 12 war somit das zweiterfolgreichste Album im Jahr 2007 in Deutschland und konnte nur von Nelly Furtados Loose geschlagen werden.

Im Sommer ging Grönemeyer auf Open-Air-Tournee und spielte 23 Stadion-Konzerte in Deutschland, Österreich, Italien, Liechtenstein und der Schweiz. Der Abschluss der Tour fand am 27. Juni 2007 im ausverkauften Stade de Suisse in Bern statt. Im Herbst schlossen sich Konzerte vor kleinem Publikum in exklusiven Häusern an. Dazu spielte Grönemeyer - größtenteils „ unplugged" - beispielsweise in der Dresdner Semperoper, in der Royal Albert Hall in London und in der Heineken Music Hall in Amsterdam.

Seit 2007 wohnt Grönemeyer wieder in Berlin, wo er bereits bis 1998 gelebt hatte.

Herbert Grönemeyer auf der Berlinale 2009

Auch im Jahre 2008 führte Grönemeyer die erfolgreiche 12-Tour fort. Zwölf weitere Termine standen auf dem Programm. Zum Tour-Abschluss gab Grönemeyer am 13. September 2008 ein dreieinhalbstündiges Konzert zur Neueröffnung in der Berliner .

Am 3. Juli 2008 drehte Ulrich Stein für die ARD-Dokumentationsreihe Deutschland, deine Künstler ein Porträt Grönemeyers, nachdem er ihn zuvor auf seiner Tour begleitet hatte.

Am 21. November 2008 erschien das erste „Best-of"-Doppel-Album Was muss muss. Es enthält 33 Songs aus 11 Alben und zusätzlich die Titel Glück und Zeit, dass sich was dreht sowie Will I Ever Learn. Will I Ever Learn ist ein Duett mit Antony Hegarty von Antony and the Johnsons und wurde vorab veröffentlicht als Lena für das Georg-Büchner- Lustspiel Leonce und Lena. Zusätzlich erschien ein 72-seitiges Earbook, das neben dem Doppelalbum auch eine DVD mit Musikvideos, eine 10-Zoll-Remix-Vinyl und eine USB-Card mit Raritäten, Remixen sowie einem Videointerview zu allen Titeln enthält. Die DVD umfasst auch das ursprünglich verworfene, englischsprachige Video Full Moon.

Am 9. Januar 2010 trug Grönemeyer bei der Eröffnungsfeier der RUHR.2010 - Kulturhauptstadt Europas in Essen auf der Zeche Zollverein erstmals seine für dieses Ereignis geschriebene Ruhrgebietshymne Komm zur Ruhr vor.

Grönemeyer komponierte den Soundtrack zu Anton Corbijns Kinofilm The American, eine Hollywood-Produktion mit George Clooney in der Hauptrolle. Der Film kam am 9. September in die Kinos. Einen Tag später erschien die CD mit dem Soundtrack.

Am 29. September 2010 stellte Herbert Grönemeyer in Rostock seine Pläne für seine Open-Air-Tournee 2011 vor, die ihn überwiegend durch Stadien in Deutschland, Österreich und der Schweiz führen wird. Am 7./8. Dezember 2010 gab Grönemeyer drei weitere Pressekonferenzen in Hamburg, Düsseldorf und München. Dabei erläuterte er Näheres zum neuen Album und der anstehenden Stadiontour.

Am 4. Februar 2011 erschien die Single Schiffsverkehr, Titelsong des am 18. März 2011 veröffentlichten Studioalbums. Die Single erreichte in der ersten Woche bereits die Top 10 der deutschen Charts.

Das in London, Stockholm, Berlin und New York entstandene Album Schiffsverkehr hat Herbert Grönemeyer erneut mit Alex Silva produziert. Für die Abmischung waren unter anderem Michael Ilbert und der New Yorker Michael H. Brauer verantwortlich. Sofort nach Veröffentlichung erlangte es den Gold-Status und erreichte Platz 1 der Album-Charts in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Das Album enthält elf Lieder und zusätzlich nach dem letzten Titel So wie ich und einer elfminütigen Pause den „ Hidden Track" November. Laut Grönemeyer ist dieses Album „druckvoller und gitarrenlastiger" als das letzte Album.

Am 6. Mai erschien mit Fernweh die zweite Single-Auskopplung. Am 31. Mai startete die Schiffsverkehr-Open-Air-Tour 2011 mit einem Konzert im IGA-Park in Rostock. Es folgten Konzerte in Hamburg, Hannover, Berlin, Gelsenkirchen, Düsseldorf, Kassel, Frankfurt am Main, Köln, Stuttgart, Leipzig, Wien, Klagenfurt, München und Bern. Den Abschluss bildete das Konzert im Bodenseestadion Konstanz am 24. Juni. Grönemeyers Bühne glich einem Segelschiff mit fünf Masten, an denen Bildschirme hingen und wurde von Anton Corbijn entwickelt. Das Konzert am 16. Juni im Leipziger Stadion wurde mitgeschnitten und erschien am 18. November 2011 als Doppel-DVD und Blu-ray Disc. Die Tour wurde von mehr als 550.000 Menschen besucht und zählte insgesamt 16 Konzerte. Grönemeyer spielte bis zu dreieinhalb Stunden. Laut dem Branchenmagazin Pollstar belegt Grönemeyers Tournee gerade Platz 11 in der Weltrangliste und ist damit aktuell die erfolgreichste deutsche Produktion. Das Magazin bewertet halbjährlich die Tourneen von Künstlern und Bands nach Ticketverkäufen und Einnahmen. 2012 erhielt Herbert Grönemeyer den Echo als Bester Live-Act national für seine Tournee. Er setzte die Tour mit 22 Konzerten in Deutschland, Österreich, Schweiz, Italien, Belgien, Holland und Luxemburg fort. Am 14. Juli 2012 fand das Abschlusskonzert im Rahmen des Montreux Jazz Festivals statt. Bis dahin hatten über 750.000 Zuschauer die Schiffsverkehr-Tournee gesehen. Der Auftritt auf dem Jazz-Festival wurde am 16. November 2012 als DVD- sowie Blu-ray-Edition unter dem Titel Live at Montreux 2012 veröffentlicht.

2011 war Grönemeyer in der Sesamstraße bei Ernie & Bert Songs zu sehen.

Grönemeyer während der Premiere der Single Morgen aus dem Album Dauernd jetzt bei Wetten, dass..? in Graz am 8. November 2014

Das englischsprachige Album I Walk erschien im Oktober 2012 in Großbritannien und in den Benelux-Ländern. Es entstand in Zusammenarbeit mit internationalen Künstlern wie Anthony Hegarty, dem Waliser Frontmann und Gitarrist der Manic Street Preachers James Dean Bradfield. Das Werk umfasst zwölf Titel und den Bonustrack Mensch, ein Duett mit dem U2-Frontmann Bono. Die überwiegende Anzahl der Stücke wurde ins Englische übertragen, andere Stücke wie Will I Ever Learn oder Same Old Boys sind bisher nicht deutschsprachig produziert. Das Albumcover stammt von Anton Corbijn, der das Foto schon im Jahr 2010 in Portugal schoss.

Ein Konzert im legendären Londoner Roundhouse fand Ende Oktober statt. Einige Tage später startete Herbert Grönemeyer seine Jubiläums-Club-Tournee Blick zurück - 30 Jahre Halbzeit durch Deutschland, Österreich und der Schweiz, die ihn durch kleinere Hallen und Clubs führte. Grönemeyer spielte hier ausschließlich Songs, die länger nicht mehr live zu hören waren. Für Fans fand eine Abstimmung über die Setlist auf seiner Homepage statt. Am 19. Februar 2013 wurde I Walk auch in den USA veröffentlicht. Konzerte in New York und Chicago folgten Ende Februar, eine ausgedehnte Tournee wurde für den Herbst angekündigt. Die wurde im Herbst 2013 beendet.

Am 11. September 2013 startete seine Nordamerika-Tournee, bei der Grönemeyer sein englisches Album dem US-amerikanischen Publikum präsentierte. Beginnend in Atlanta, führte sie ihn durch zwölf Städte (zehn in den USA, zwei in Kanada). Am 19. September spielte er nach 24 Jahren erneut in Montreal, wo er bereits 1989, damals im Vorprogramm des kanadischen Sängers Tom Cochrane, aufgetreten war.

A Most Wanted Man und Album Dauernd jetzt (2014-2015)

Herbert Grönemeyer komponierte den Soundtrack zu Anton Corbijns Kinofilm A Most Wanted Man, einem Agenten-Thriller, der in Hamburg und Berlin gedreht wurde. Grönemeyer ist in einer Nebenrolle zu sehen. Film und Soundtrack erschienen 2014.

Rund dreieinhalb Jahre nach Erscheinen von Schiffsverkehr wurde im November 2014 Grönemeyers 14. Studioalbum Dauernd jetzt vorgestellt. Das Album stieg auf Anhieb auf Platz 1 der Charts in Deutschland, Österreich und der Schweiz ein. Nach einer Woche erlangte es den Gold- nach einem Monat den Platinstatus in Deutschland. Grönemeyer erhielt im Februar 2015 die Goldene Kamera als Bester Musiker national. Außerdem wurde er für Dauernd jetzt als Bester Künstler national Rock/Pop mit dem Echo geehrt. 2015 und 2016 präsentierte Grönemeyer das Album live auf Konzerttourneen.

Am 22. April 2016 veröffentlichte er mit Felix Jaehn das Lied Jeder für Jeden zur Fußball-Europameisterschaft 2016.

Deutschland, deine Künstler und Album Live in Bochum (2016)

Am 10. April 2016 drehte Ulrich Stein für die ARD-Dokumentationsreihe Deutschland, deine Künstler erneut ein aktuelles Porträt über Grönemeyer.

Am 25. November 2016 wurde ein Doppel-Live-Album veröffentlicht. Dieses beinhaltet Mitschnitte aus den Konzerten, die Grönemeyer am 19. und 20. Juni 2015 im Bochumer Ruhrstadion gab. Die Doppel-CD beinhaltet auch eine neue Version des Klassikers Bochum, der um eine neue Strophe erweitert wurde. Zur Komposition wurde vorher von der WAZ und Radio Bochum aufgerufen.

Album Tumult und Tumult-Tour (2018-2019)

Das Album wurde am 9. November 2018 veröffentlicht; vorab erschienen die Singles Sekundenglück am 28. September 2018, Doppelherz / İki Gönlüm (mit BRKN) am 11. Oktober 2018 und Warum am 2. November 2018. 2019 stellte Grönemeyer das Album auf seiner Tumult-Tour in 34 Konzerten 500 000 Besuchern in Deutschland, Österreich, der Schweiz und den Niederlanden vor. Tour-Abschluss war am 12. und 13. Oktober in Basel.

Im November 2022 wurde das Erscheinen von Grönemeyers 16. Studioalbum für den am 24. März 2023 angekündigt. Der Titel Deine Hand wurde am 18. November 2022 als erste Single des Albums veröffentlicht, am 16. Dezember 2022 folgte Urverlust und am 10. Februar 2023 Angstfrei. Das Album stieg am 24. März 2023 auf Rang zwei der deutschen Charts ein, auf dem es sich für zwei Wochen hielt. In Österreich erreichte Das ist los Rang eins der dortigen Albumcharts, in der Schweiz Rang drei.

Grönemeyer-Keyboarder Alfred Kritzer aus Mannheim (2019)

Teilweise schon vor dem Durchbruch 1984 dabei, besteht die Band heute aus dem Bassisten Norbert Hamm, dem Schlagzeuger Armin Rühl, den Gitarristen Jakob Hansonis und Stephan Zobeley, dem Jazz- Saxophonisten Frank Kirchner und dem Keyboarder Alfred Kritzer, der auch für zahlreiche Streicher- Arrangements verantwortlich ist. Als Perkussionist tritt Mark Essien auf. Zusätzlich begleitet Rainer Scheithauer seit der Tournee Schiffsverkehr 2011 die Band an den Keyboards.

Das Label Grönland Records

Das Label Grönland wurde 1999 in Verbindung mit dem 8-CD-Box-Set Pop 2000 gegründet, das in einem Projekt von Grönemeyer zusammen mit der gleichnamigen Fernsehreihe entstand. Grönemeyer leitete das Label bis Ende 2008 gemeinsam mit René Renner. Seit 2009 ist das Label komplett in Berlin ansässig und wird von Labelmanagerin Mareike Hettler betreut.

Grönemeyer selbst veröffentlicht seine Alben seit seinem Album Tumult (2018) nicht mehr auf dem von ihm mitbegründeten Label Grönland, sondern auf dem Universal-Music-Group-Label Vertigo Records.

Zu den aktuellen und ehemaligen Grönland-Künstlern zählen AK4711, Boy, Dextro, Gloria, Kira, William Fitzsimmons, Niels Frevert, Lockdown Project, Merz, Neu!, Petra Jean Phillipson, Psapp, Philipp Poisel, Philipp Dittberner, Roedelius, Sol Seppy und The Earlies.

1985 initiierte Grönemeyer das Projekt Band für Afrika. Dabei handelte es sich, ähnlich wie bei Band Aid, um ein Gemeinschaftsprojekt verschiedener Künstler, mit dem Ziel, Spendengelder für Projekte in Afrika zu sammeln. Die Single Nackt im Wind erreichte 1985 Platz 3 der deutschen Hitparade.

1985 trat Grönemeyer beim ersten großen, von Rosa von Praunheim organisierten AIDS-Benefiz in Berlin auf.

Interview am 1. White Band Day in Berlin (2005)

Seit 2005 ist Grönemeyer gemeinsam mit dem Dachverband der entwicklungspolitischen Nichtregierungsorganisationen ( VENRO) Träger der Kampagne Deine Stimme gegen Armut. Die Aktion erinnert die Bundesregierung daran, dass sich Deutschland, wie alle anderen Mitgliedsstaaten der Vereinten Nationen, verpflichtet hat, die Millenniumsziele, darunter die Halbierung der extremen Armut, fristgerecht bis zum Jahr 2015 umzusetzen. Das Projekt ist die deutsche Variante von Bob Geldofs Initiative Make Poverty History in Großbritannien. Beide sind Teil des weltweiten Netzwerks Global Call to Action against Poverty (GCAP).

Am 2. Juli 2005, dem sogenannten White Band Day, trat er in Berlin mit deutschen und internationalen Künstlern auf, zusammen mit bekannten Stars auf den gleichzeitig laufenden -Konzerten rund um die Welt.

Am 7. Juni 2007 trat Grönemeyer auf dem von ihm initiierten Rostocker Musikfestival Music & Messages auf, das parallel zum 33. G8-Gipfel-Treffen in Heiligendamm stattfand.

Am 6. Juni 2009 gab Grönemeyer mit seiner Band und den Bochumer Symphonikern unter Leitung des Generalmusikdirektors Steven Sloane ein fast dreistündiges Benefiz-Konzert im Ruhrstadion. Es brachte mehr als 600.000 Euro ein, die dem 2016 eröffneten Musikzentrum Bochum zugutekamen.

Am 26. Januar 2015 spielte Grönemeyer vor der Frauenkirche (Dresden) bei dem Musikfestival Offen und bunt - Dresden für alle! Hier warben Künstler und Bands wie Wolfgang Niedecken, Jupiter Jones, Silly, Adel Tawil u. a. gegen Fremdenfeindlichkeit und für ein weltoffenes Dresden.

Seit 2015 setzt sich Grönemeyer gemeinsam mit Greenpeace für den Schutz der Arktis und der Weltmeere ein. Seitdem begleiten Aktivisten von Greenpeace die in Deutschland stattfindenden Konzerte seiner Tourneen, um die Konzertbesucher über diese Themen zu informieren und Unterstützer zu sammeln.

Seit September 2017 ist Grönemeyer Botschafter des Afghanischen Frauenvereins e. V. einer Organisation, die es sich seit 1992 zur Aufgabe gemacht hat, in Afghanistan für Hilfe zur Selbsthilfe zu sorgen, indem z. B. der Bau von Brunnen und Schulen finanziert und organisiert wird. Er ist damit der Nachfolger des 2016 verstorbenen Publizisten und Moderators Roger Willemsen.

Am 24. August 2018 trat Grönemeyer beim Festival Jamel rockt den Förster, einer Veranstaltung gegen Rechts und für Demokratie und Toleranz in Mecklenburg-Vorpommern auf. Im Rahmen der 240.000 Teilnehmer umfassenden #unteilbar-Demonstration für Solidarität und gegen Ausgrenzung in Berlin trat er am 13. Oktober 2018 auf.

Im September 2019 setzte der Sänger sich bei einem Konzert in Wien dafür ein, „keinen Millimeter nach rechts" zu rücken. In einem Video ergänzte er: „Wenn Politiker schwächeln, dann liegt es an uns zu diktieren, wie 'ne Gesellschaft auszusehen hat". Per Twitter erhielt Grönemeyer dafür Unterstützung von Außenminister Maas, aber auch vielfache Kritik von rechts und auch links, die den Stil und Tonfall des teilweise herausgebrüllten Aufrufs mit nationalsozialistischer Propaganda von Propagandaminister Joseph Goebbels verglichen.

Am 26. März 2020 veröffentlichte Grönemeyer den Song Helden dieser Zeiten. Das Lied soll ein musikalischer Gruß und ein Dank an die Helden der Corona-Krise sein. Angesichts der zweiten Welle der Pandemie im Herbst 2020 und der damit verbundenen neuerlichen Schließung von Konzertstätten, Theatern, Museen und Ausstellungsräumen mit existenzbedrohenden Folgen für Künstlerinnen und Künstler aller Sparten sowie die ihnen Zuarbeitenden („Techniker, Bühnenbauer, Beleuchter, Trucker, Busfahrer, Caterer, Roadies, Aufbauhelfer, Toningenieure, Clubbesitzer, Veranstalter, Securities und viele weitere, ohne die alle Künstler hilf- und glanzlos sind") plädierte Grönemeyer am 5. November 2020 in der Zeit für eine „Solidaritätssonderzahlung der Vermögendsten". Es gebe in Deutschland rund 1,8 Millionen Millionäre. „Wenn sich die Wohlhabendsten bereit erklären würden zu einer zweimaligen Sonderzahlung von zum Beispiel 50.000 bis 150.000 Euro, jeweils in diesem wie auch im nächsten Jahr, stünden ad hoc circa 200 Milliarden Euro pro Jahr zur Verfügung, um Existenzen zu sichern, Pleiten aufzufangen und Ängste zu mildern."

Grönemeyer hat zwei Kinder (* 1987 und 1989) aus erster Ehe mit seiner 1998 verstorbenen Frau Anna. Seit Mai 2016 ist er in zweiter Ehe mit Josefine Cox verheiratet. 2019 wurde er erneut Vater.

Sein älterer Bruder Dietrich ist als Arzt, Wissenschaftler und Autor bekannt.

Grönemeyer besitzt seit 1993 ein Haus in Berlin-Zehlendorf. Er besitzt zudem ein Anwesen in Port de Sóller auf Mallorca.

1 Live Krone

2000: Lebenswerk

2002: Bestes Album (Mensch)

2003: Bester Künstler

Amadeus Austrian Music Award

2004: Musik-DVD des Jahres (Mensch Live)

2008: Musik-DVD des Jahres (12 Live)

2008: Bestes Album International (12)

2002: Bestes Album (Mensch)

2003: Künstler National

2003: Bester Liveact

2008: „Star der Stars"

1992: Künstler des Jahres national

1994: Künstler des Jahres national

2001: Musik-Home-Video-DVD-Produktion des Jahres national/international (Stand der Dinge)

2002: Musik-Home-Video-DVD (Stand der Dinge)

2003: Künstler des Jahres national (Mensch)

2003: Rock-Pop-Single des Jahres national (Mensch)

2004: Musik-DVD-Produktion national/international (Mensch Live)

2008: Künstler des Jahres (national) (12)

2008: Album des Jahres (national oder international) (12)

2012: Live-Act des Jahres

2015: Künstler national Rock/Pop (Dauernd Jetzt)

Goldene Kamera

1999: Deutsche Rockmusik

2015: Beste Musik National

Weitere Auszeichnungen

1979: Goldene Zitrone für das schlechteste Albumcover (Grönemeyer)

1988: Adolf-Grimme-Preis mit Gold für Sommer in Lesmona (zusammen mit Reinhard Baumgart, Peter Beauvais und Katja Riemann)

2003: DIVA-Award - Artistic Achievement Award

2003: World Music Award - Best German Pop/Rock Artist

2005: European Hero (Time) - Engagement gegen Armut auf der Welt

2005: Special Jubilee Award - Baloise Session Award

2007: Platz 1 bei der Wahl zum Besten Musiker in der ZDF-Sendung Unsere Besten zum Thema „Musikstars aller Zeiten"

2011: Deutschen Radiopreis - Sonderpreis

Studioalben

„4630 Bochum"

„Ö"

Jahr

Titel
Musiklabel

Höchstplatzierung, Gesamtwochen, AuszeichnungChartplatzierungen Chartplatzierungen
(Jahr, Titel, Musiklabel, Platzierungen, Wochen, Auszeichnungen, Anmerkungen)

Anmerkungen

DE

AT

CH

1979

Grönemeyer
Intercord (IRS)

-

-

-

Erstveröffentlichung: 1979

1980

-

-

-

Erstveröffentlichung: 1980

1982

-

-

-

Erstveröffentlichung: 1982

1983

-

-

Erstveröffentlichung: 1983
Verkäufe: + 250.000

1984

4630 Bochum
Electrola ( EMI)

AT7
(24 Wo.) AT

Erstveröffentlichung: 14. August 1984
Verkäufe: + 2.900.000

1988

Ö
auch bekannt als: What's All This
Capitol Records * Electrola (EMI)

Erstveröffentlichung: 30. März 1988 (DE-Version)
Erstveröffentlichung: 1988 (EN-Version)
Verkäufe: + 1.950.000

1998

Bleibt alles anders
Grönland Records (EMI)

Erstveröffentlichung: 17. April 1998
Verkäufe: + 850.000

2012

I WalkGrönland Records (
RTD)

Erstveröffentlichung: 19. Oktober 2012

2014

Grönland Records ( Dauernd jetzt
UMG)

CH 1 [47]
(30 Wo.) CH

Erstveröffentlichung: 21. November 2014
Verkäufe: + 550.000

2018

Tumult
Vertigo Records (UMG)

CH2 [48]
(27 Wo.) CH

Erstveröffentlichung: 9. November 2018
Verkäufe: + 425.000

2023

AT 1
(11 Wo.) AT

Erstveröffentlichung: 24. März 2023

grau schraffiert: keine Chartdaten aus diesem Jahr verfügbar

Filmografie (Auswahl)

Spielfilme

Dokumentarfilme

2007: Unterwegs - Die Herbert Grönemeyer Tour 2007, DVD (Regie: Ulrich Stein)

2008/2016: Deutschland, deine Künstler: Herbert Grönemeyer, ARD (Regie: Ulrich Stein)

Arezu Weitholz und Katrin Funcke: Zu Mensch. Skizzen und Blicke zurück auf Herbert Grönemeyers Album "Mensch". Illustrationen von Katrin Funcke. Antje Kunstmann, München 2022, ISBN 978-3-95614-529-2.

Verena Scheffel: Das verlorene Ich (Gesellschaftsreflexionen in den Liedtexten Herbert Grönemeyers). Tectum Verlag, Marburg 2005, ISBN 3-8288-8840-2.

Bildbände

Biografie

Liedtexte

Herbert Grönemeyer: Alles (Liederbuch mit allen Songs; Texte & Akkorde). Bosworth Music 2008, ISBN 978-3-86543-335-0.

Grönemeyer: Zwölf Songbook. Voggenreiter Verlag, Bonn 2007, ISBN 978-3-8024-0608-9.

Grönemeyer: Mensch Songbook. Voggenreiter Verlag, Bonn 2003, ISBN 3-8024-0455-6.

Grönemeyer: Bleibt alles anders. Alle Songs der CD. Arrangiert für Klavier, Gitarre und Gesang. MDS, 1998, ISBN 3-7957-5448-8.

Grönemeyer: Songbuch Herbert Grönemeyer, 4630 Bochum. Voggenreiter Verlag, Bonn 1985, ISBN 3-8024-0139-5.

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Herbert Arthur Wiglev Clamor Grönemeyer (* 12. April 1956 in Göttingen) ist ein deutscher Musiker, Musikproduzent, Sänger, Komponist, Texter und Schauspieler. Einem breiten Publikum wurde er durch seinen Auftritt im Kinofilm 1981 bekannt. Von 1984 bis 2018 platzierten sich alle seine deutschsprachigen Studioalben auf Platz eins der deutschen Albumcharts.

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Wer hat Deutschland sucht den Superstar (DSDS) gewonnen?

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Wer hat Deutschland sucht den Superstar (DSDS) gewonnen?

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Fernsehserie

Originaltitel
Deutschland sucht
den Superstar

Produktionsland

Deutschland

Jahr(e)

seit 2002

Produktions-
unternehmen

UFA Show GmbH,
ITV Studios Germany

Länge

ca. 45 bis 220 Minuten

Episoden

351 (+ 22 Specials) in 17 Staffeln

Ausstrahlungs-
turnus

dienstags oder mittwochs und samstags; Liveshows samstags

Genre
Castingshow

Idee
Simon Fuller

Musik

J. Gingell,
B. Stone,
C. Dennis

Moderation

Aktuelle Moderatoren:

Erstausstrahlung

9. November 2002 auf RTL Deutschland

Deutschland sucht den Superstar ( DSDS) ist eine deutsche Castingshow, die erstmals am 9. November 2002 von dem Fernsehsender RTL ausgestrahlt wurde. Sie ist ein Ableger der britischen Sendung , eines Konzepts, das weltweit seit 2002 lizenziert wurde. In Deutschland wird die Sendung von UFA Show (vormals Grundy Light Entertainment) im Studio 30/ 31 der MMC-Studios ( Coloneum) in Köln produziert.

Konzept und Marketing

Inhalt der Sendung ist es, in einem Talentwettbewerb einen Sänger oder eine Sängerin zu ermitteln. Durch Castings und Bewerbungen werden Kandidaten gefunden, deren Anzahl in mehreren Runden (sogenannten „Recalls") durch das Urteil der Jury reduziert wird. Die aus den Qualifikationsrunden verbleibenden Kandidaten treten in nachfolgenden Sendungen, sogenannten „Mottoshows", auf. Die Jury beurteilt nach jedem Auftritt den Gesang und das Auftreten der Teilnehmer. Über das Weiterkommen der Teilnehmer und den späteren Sieger entscheiden ab den Mottoshows die Zuschauer per Telefonabstimmung, per SMS und über das Internet (über das offizielle Gewinnspiel-Portal winario). Pro Votingteilnahme werden 0,50 Euro fällig. Bis zum Finale scheiden die Teilnehmer mit den wenigsten Stimmen aus. Das Ergebnis der Abstimmung wird am selben Abend bekanntgegeben.

Der Sieger erhält einen Plattenvertrag, in den Staffeln 8-14 gab es zusätzlich 500.000 Euro Siegprämie, seit Staffel 15 sind es 100.000 Euro. Alle Stufen des Wettbewerbs, sowie das Leben der Teilnehmer selbst, werden in den wöchentlichen Sendungen und in weiteren RTL-Magazinen thematisiert.

Anmerkungen

Andrea Berg war in der siebten Mottoshow der zehnten Staffel Gastjurorin.

Bella Lesnik moderierte Die große Final-Party der dreizehnten Staffel.

Xavier Naidoo wurde vor Beginn der Liveshows der 17. Staffel aus der Jury ausgeschlossen und ab der 2. Liveshow durch Florian Silbereisen ersetzt.

Ursprünglich war Michael Wendler Teil der Jury der 18. Staffel. Er entschied sich jedoch nach den Aufzeichnungen der Castings, die Jury zu verlassen.

Staffel 1 (2002-2003)

Moderiert wurde die erste Staffel von Michelle Hunziker und Carsten Spengemann. Die Jury bestand aus dem Produzenten, Komponisten und Sänger Dieter Bohlen, dem Radiomoderator Thomas Bug, der Musikjournalistin Shona Fraser und Thomas M. Stein von BMG- Ariola. Das Magazin wurde von Peer Kusmagk und Tamara Gräfin von Nayhauß moderiert.

Die Finalshow der ersten deutschen Staffel am 8. März 2003 erreichte (bei Spitzenwerten bis zu 15,01 Millionen) eine durchschnittliche Einschaltquote von 12,8 Millionen Zuschauern.

Auch die Vermarktung der Nachwuchs-Sänger nach dem Ende der Staffel war anfangs erfolgreich. Alle fünf Erstplatzierten der ersten Staffel erreichten 2003 in den deutschen Singlecharts Plätze in den Top 10, Alexander Klaws und Daniel Küblböck erreichten sogar Platz 1. Die von allen Teilnehmern der ersten Staffel gesungene Single We Have a Dream war vom 13. Januar bis zum 17. Februar 2003 die meistverkaufte Single in Deutschland. Später brachte auch das Album u. a. wegen der Produktion von Deutschland sucht den Superstar wieder Gewinne.

Nach den Castings folgten insgesamt neun Shows, die jeweils einem bestimmten Motto unterstanden. Nach jeder dieser Shows schied einer der Kandidaten aus. In den ersten beiden Mottoshows ( Mein Superstar und Love Songs) lag, wie RTL nach dem Ende der Staffel bekannt gab, Judith Lefeber mit deutlichem Vorsprung vor Daniel Küblböck. Der spätere Sieger Alexander Klaws begann als Viertplatzierter und fiel in der zweiten Show sogar auf den fünften Platz zurück. Lefeber entschied sich jedoch nach zwei Sendungen, nicht weiter am Wettbewerb teilzunehmen. Ihre Stelle nahm die bereits im Vorfeld ausgeschiedene Nicole Süßmilch ein. Die dritte Mottoshow (Hits 2002) entschied Küblböck für sich (vor Juliette Schoppmann). Und die vierte Mottoshow (Musical) entschied Gracia Baur für sich (vor Küblböck), während Schoppmann in dieser Kategorie, die sie vorher beruflich ausgeübt hatte, Vorletzte wurde. In der fünften und sechsten Mottoshow ( Hits der 80er-Jahre und Big Band) lag Küblböck vor Klaws. In den letzten drei Shows ( Disco, Filmmusik und Finale) führte Klaws vor Schoppmann. Mit 70,2 Prozent zu 29,8 Prozent der Stimmen entschied Klaws das Finale für sich.

Staffel 2 (2003-2004)

Die zweite Staffel von Deutschland sucht den Superstar startete im Herbst 2003. Sowohl das Moderatorenpaar, als auch die Jury blieben unverändert. Die Show konnte an den Erfolg der ersten Staffel jedoch nicht anknüpfen. Dies spiegelte sich sowohl in den Einschaltquoten, als auch in der Zahl der Telefonanrufe wider. Ebenso gab es eine große Differenz beim Verkauf der gemeinsam aufgenommenen Platten der Finalkandidaten. Auch der kommerzielle Erfolg der Siegerin war deutlich geringer als bei der ersten Staffel.

Nur durchschnittlich 5,33 Millionen Zuschauer sahen das Finale am 13. März 2004. Die erfolgreichste Sendung der zweiten Staffel war das erste Casting mit 6,65 Millionen Zuschauern.

In dieser Staffel nahm auch der spätere Popstars-Gewinner Sascha Salvati teil. Dieser kam unter die Top 50, schied dann aber aus.

Keine Plattenveröffentlichung, die mit der zweiten Staffel von DSDS in Verbindung stand, konnte die Nummer Eins der deutschen Verkaufscharts erreichen: Die gemeinsame Single Believe in Miracles erreichte Platz acht, das gemeinsame Album Magic of Music erreichte Platz zwei, hatte aber mit neun Wochen eine ungewöhnlich kurze Verweildauer in den Top 100. Lediglich die Siegerin, Elli Erl, veröffentlichte in unmittelbarem Zusammenhang mit der Ausstrahlung der zweiten Staffel drei Singles und ein Album, welche mit Ausnahme des Siegertitels This Is My Life (Platz drei), nicht in die Top 30 kamen. Der Drittplatzierte Philippe Bühler startete seine Karriere Ende 2005 erst mit deutlichem zeitlichen Abstand. Gunther Göbbel veröffentlichte als Mitglied des Duos Lemon Ice das Lied Stand by Me.

Da im Gegensatz zur ersten Staffel 13 Teilnehmer an der ersten Mottoshow teilnahmen, gab es zwei Shows mehr (und in der ersten Show schieden ausnahmsweise zwei Teilnehmer aus).

Die elf Shows standen jeweils wieder unter einem musikalischen Thema. Den nach Ende der Staffel von RTL veröffentlichten Zahlen zufolge, führte nach der ersten Mottoshow (Mein Pop-Idol) Philippe Bühler vor Anke Wagner und Denise Tillmanns. Die spätere Siegerin Elli Erl wurde Vierte und konnte erst in der zehnten Mottoshow die Mehrheit der Telefonanrufe auf sich vereinigen. Die zweite Mottoshow (Rock- und Popballaden) entschied wiederum Philippe Bühler vor Denise Tillmanns für sich. Beide Teilnehmer tauschten die Plätze in der dritten Mottoshow (Mein Geburtsjahr), und in der Christmas Show lag Bühler wieder vor Tillmanns. In der fünften Mottoshow (Elton John und Madonna) war wieder Tillmanns vorne (vor Benjamin Martell). Ihre Führung behielt sie in der sechsten Mottoshow (Big Band), dann wieder mit Bühler als Zweitem. In der siebten und achten Mottoshow ( Hits der 1970er-Jahre und Filmmusik) lag wieder Bühler vor Tillmanns. Beide tauschten in der neunten Mottoshow (Songs der Jury) erneut die Plätze, wohingegen in der zehnten Mottoshow (Hits der 60er) erstmals Elli Erl vorne lag. Sie gewann das Finale mit 61 Prozent zu 39 Prozent der Stimmen gegen Denise Tillmanns.

Staffel 3 (2005-2006)

Am 16. November 2005 begann die Ausstrahlung der dritten Staffel. Die bisherigen Moderatoren wurden von Tooske Ragas und Marco Schreyl abgelöst. Das Magazin zur Sendung wurde von Nina Moghaddam und David Wilms moderiert. Die Jury wurde auf drei Personen verkleinert, und überwiegend neu besetzt; neben Dieter Bohlen bewerteten Sylvia Kollek und Heinz Henn die Kandidaten.

In der ersten Top-20-Show nahm der spätere Popstars-Gewinner Julian Kasprzik teil und schied aus.

Die Themen der Mottoshows waren in chronologischer Reihenfolge Greatest Hits, 80er Jahre, Rock, Big Band, Love Songs, Nummer-eins-Hits, Soul und Kuschelrock. Nachdem die Einschaltquoten in der zweiten Staffel nicht zufriedenstellend waren, kehrte RTL mit der dritten Staffel wieder zum in Staffel 1 erprobten Aufbau der Sendung mit nur neun statt elf Mottoshows zurück.

In der ersten Mottoshow lag Vanessa Jean Dedmon mit 35,1 Prozent weit vor Nevio Passaro mit 13,3 Prozent. Schon in der zweiten Mottoshow lag der spätere Gewinner Tobias Regner mit 28,3 Prozent vor Vanessa Jean Dedmon. Der nachgerückte Didi Knoblauch konnte die dritte Mottoshow mit 20 Prozent vor Mike Leon Grosch (mit 19,7 Prozent) für sich entscheiden. Die Big Band-Show ging auf das Konto von Mike Leon Grosch, Zweite wurde Vanessa Jean Dedmon, knapp vor Anna-Maria Zimmermann und Tobias Regner. Die fünfte Show entschied wiederum Mike Leon Grosch vor Vanessa Jean Dedmon für sich, während Tobias Regner, als Fünfter von sechs, knapp am Ausscheiden vorbeigekommen war. Im Halbfinale entfielen 59 Prozent der Stimmen auf Tobias Regner.

Der Kandidat Stephan Darnstaedt gab vor der dritten Mottoshow seinen freiwilligen Ausstieg bekannt. Als Grund nannte er die zu hohe psychische Belastung. Nachrücker für Darnstaedt wurde der zuvor in den Top-20-Shows knapp gescheiterte Didi Knoblauch. Das Finale am 18. März 2006 bestritten Mike Leon Grosch und Tobias Regner, der sich mit 54,6 Prozent der Stimmen knapp durchsetzen konnte.

Die Einschaltquote der Finalshow lag bei 7,04 Millionen Zuschauern. Im Vergleich zur zweiten Staffel war die dritte Staffel wieder erfolgreicher, erreichte jedoch nicht die Spitzenwerte der ersten Staffel.

Das Ausscheiden des Kandidaten Didi Knoblauch in der Sendung vom 19. Februar 2006 wurde bereits vor der Entscheidung im Videotext bei RTL bekanntgegeben, und das Siegerlied von Tobias Regner, I Still Burn, war nicht, wie von RTL behauptet, eigens für ihn geschrieben, sondern eingekauft worden.

Staffel 4 (2007)

Aufgrund der hohen Einschaltquoten der dritten Staffel wurde eine vierte Staffel produziert, bei der die Moderatoren die gleichen blieben. In dieser Staffel moderierte wieder Nina Moghaddam das Magazin zur Sendung. Die Jury war mit Dieter Bohlen und Heinz Henn besetzt; Sylvia Kollek wurde durch Anja Lukaseder ersetzt.

Die Castings der vierten Staffel fanden im August, September und Oktober 2006 in den deutschen Städten Hamburg, München, Berlin, Köln, Wiesbaden, Stuttgart und Dresden, sowie auf der spanischen Insel Mallorca statt. Insgesamt bewarben sich 28.597 Kandidaten.

Die Top-20-Shows der männlichen Kandidaten entschied jeweils Mark Medlock mit zuerst 41,25 Prozent und dann mit 33,23 Prozent für sich. Zweitplatzierter waren jeweils Thomas Enns (12,89 Prozent) und Martin Stosch (20,40 Prozent). Die Top-20-Shows der weiblichen Kandidaten hatten jeweils Lisa Bund zur Siegerin (38,52 Prozent und 31,33 Prozent). Zweitplatzierte war beide Male Francisca Urio (19,46 Prozent und 30,05 Prozent). Der als Favorit gehandelte Dennis Haberlach schied als Drittletzter mit 8,59 Prozent nur knapp gegen den späteren Favoriten Max Buskohl (9,24 Prozent) aus. Der für Roman Lob nachgerückte Tristan Iser hatte 0,92 Prozent der Anrufer.

Staffel 5 (2008)

Aufgrund des Erfolges der vierten Staffel von Deutschland sucht den Superstar wurde bereits vor dem Finale der Staffel bekanntgegeben, dass 2008 eine fünfte Staffel produziert werden sollte. Dieter Bohlen und Anja Lukaseder blieben Jury-Mitglieder, während Heinz Henn durch den Manager der Fantastischen Vier, Andreas „Bär" Läsker, ersetzt wurde. Moderatorin Tooske Ragas war ebenfalls nicht mehr dabei, sodass Marco Schreyl die Sendung alleine moderierte. Die Moderation des Magazins zur Sendung übernahm wieder Nina Moghaddam.

Die Top-20-Shows wurden durch eine einzige Live-Show Jetzt oder Nie ersetzt. Aus den 15 Kandidaten, die nach der Runde verblieben waren, wählten Zuschauer und Jury je fünf Teilnehmer aus, die in die Mottoshows einzogen.

Neben sechs deutschen Städten, darunter Berlin als einzige Stadt in Ostdeutschland, fanden die Castings von August bis November 2007 auch auf Mallorca, sowie zum ersten Mal auf Ibiza statt.

Roman Lob, der in der vierten Staffel aufgrund einer Kehlkopfentzündung ausscheiden musste, aber von Bohlen eine weitere Chance auf den Superstar-Titel in Staffel 5 erhielt, verzichtete auf dieses Freilos, da er seine begonnene Ausbildung nicht gefährden wollte.

Es gewann Thomas Godoj mit 62,20 Prozent der Stimmen. Er hatte, wie Mark Medlock, von der ersten Top-15-Show bis zum Finale die höchsten Anruferzahlen.

Staffel 6 (2009)

In einem Interview mit der Westfälischen Rundschau (WR) bestätigte der RTL-Unterhaltungschef Tom Sänger im Mai 2008, dass es eine sechste Staffel geben werde. Dies hatte Moderator Marco Schreyl bereits in der finalen Mottoshow der fünften Staffel einige Tage zuvor angekündigt. Als Grund gab Sänger an, dass der Marktanteil mit über 30 Prozent in der werberelevanten Gruppe zu einer Fortsetzung verpflichte. Er sagte weiter, dass es einige Veränderungen in der neuen Staffel geben werde, vor allem der dokumentarische Aspekt solle gestärkt werden. Grundsätzlich bleibe jedoch alles beim Alten.

Die Kandidaten der Sendung wurden erstmals mit einem sogenannten „Casting-Truck" ermittelt. Die Vorcastings fanden in Oldenburg, Stuttgart, Saarbrücken, Frankfurt am Main, Erfurt, Dresden, Hamburg, Rostock, Hannover, Münster und München statt. Hierbei war die Jury wie üblich nicht anwesend. Die Bewerbungen für das Casting dauerten bis zum 15. August 2008 an.

Am 3. Oktober 2008 gab RTL bekannt, dass man sich von den bisherigen Jurymitgliedern Anja Lukaseder und Andreas „Bär" Läsker getrennt habe. Sie wurden in der Saison 2009 durch Musikmanager Volker Neumüller, sowie die MTV-Moderatorin Nina Eichinger ersetzt. Der ursprünglich vorgesehene Max von Thun trat aufgrund ernster Differenzen mit Chef-Juror Dieter Bohlen nach dem ersten Casting freiwillig zurück.

Die sechste Staffel startete bei RTL am 21. Januar 2009 und wurde wieder von Marco Schreyl moderiert. Nina Moghaddam übernahm erneut die Moderation des Magazins zur Sendung.

120 Teilnehmer schafften es in die neue Runde, die sich über vier Ausstrahlungstermine erstreckte. In der neuen Runde im spanischen Teneriffa mussten die Teilnehmer erstmals Mutproben durchstehen. So wurde den Kandidatinnen beispielsweise eine Riesenschlange um den Hals gelegt. Die männlichen Kandidaten hatten von einer hohen Plattform kopfüber an einem Seil herabhängend ein Lied zu singen. Zurück in Deutschland mussten alle Teilnehmer im Tonstudio den späteren Siegertitel Anything but Love singen. Die Jury gab anschließend bekannt, dass sie die späteren Finalisten Daniel Schuhmacher und Sarah Kreuz für die besten Sänger hielten. Nach den vier Terminen reisten fünfundzwanzig DSDS-Kandidaten nach Berlin und traten dort im Theater am Potsdamer Platz erneut einzeln vor der Jury auf.

Am 28. Februar fand die Jetzt oder nie-Show statt, die über den Einzug der fünfzehn besten Kandidaten in die Mottoshows bestimmte. Hierbei wurde - wie bereits in der fünften Staffel - eine Telefonabstimmung durchgeführt. Die fünf Kandidaten mit den meisten Anrufen zogen direkt in die Mottoshows ein. Aus den zehn Restlichen wählte die Jury fünf weitere aus.

RTL warb damit, dass sich unter den Teilnehmern der Endrunde besonders viele außergewöhnliche Kandidaten befänden: So trat Cornelia Patzlsperger stets mit einer Harfe auf, Vanessa Neigert sang fast ausschließlich deutsche Schlager, und Holger Göpfert, der vor der Teilnahme als Alleinunterhalter tätig gewesen war, begleitete sich häufig auf dem Klavier. Marc Jentzen hatte bereits einige Jahre zuvor, als Teil der Boyband Part Six Erfahrungen im Musikgeschäft gesammelt. Im Finale am 9. Mai gewann Daniel Schuhmacher gegen Sarah Kreuz mit 50,47 Prozent der Anrufe.

Staffel 7 (2010)

Die siebte Staffel startete am 6. Januar 2010 mit der wieder aus Dieter Bohlen, Nina Eichinger und Volker Neumüller bestehenden Jury. Aus 34.420 Castingteilnehmern wurden 120 für die zweite Runde ausgewählt. 35 von ihnen erreichten die dritte Runde in der Karibik (Dominikanische Republik), 25 von diesen die vierte Runde, aus denen die 15 Kandidaten für die Jetzt oder nie-Show am 13. Februar ausgewählt wurden. In dieser sollten sieben Mottoshow-Kandidaten durch die Telefonabstimmung und drei durch die Jury nominiert werden. Die Jury entschied jedoch, die Zuschauerabstimmung auch auf ihre drei Nominierungen anzuwenden. Diese waren Marcel Pluschke, Steffi Landerer und Ines Redjeb. So gelangten die zehn Bewerber mit den meisten Anrufen in die Mottoshows. Mit nur drei weiblichen Kandidaten waren es die wenigsten Endrundenteilnehmerinnen aller bisheriger DSDS-Staffeln.

Das Finale wurde zwischen Mehrzad Marashi und Menowin Fröhlich entschieden. Letzterer war den Zuschauern bereits aus der dritten DSDS-Staffel bekannt. Damals schied er aufgrund einer Freiheitsstrafe vorzeitig aus, nach deren Verbüßung er in der siebten Staffel erneut an der Castingshow teilnahm. Gewinner der siebten Staffel wurde Mehrzad Marashi, mit 56,04 % aller Anrufer, obwohl Menowin Fröhlich jede vorherige Mottoshow gewann.

In der Zielgruppe erreichte die Staffel im Durchschnitt 4,24 Mio. Zuschauer, was 32,71 % Marktanteil entspricht. Insgesamt erreichte sie durchschnittlich 6,51 Mio. Zuschauer (Marktanteil 19,86 %). Die Zuschauerzahlen bei den Castings lagen vor denen der Mottoshows. Das Finale erreichte die insgesamt höchste Zuschauerzahl aller Folgen; damit war es die erfolgreichste Folge seit dem Finale der ersten Staffel und erreichte fast zwei Millionen Zuschauer mehr als das Finale der vorherigen Staffel.

Staffel 8 (2011)

Die Ausstrahlung der achten Staffel von DSDS begann am 8. Januar 2011. Die Jury bestand aus Dieter Bohlen, Fernanda Brandão und Patrick Nuo. Die Castings sowie die Nachfolgerunde der besten 35 Kandidaten auf den Malediven fanden im Sommer und Herbst 2010 statt und wurden im Januar und Februar 2011 ausgestrahlt. Die besten 15 Kandidaten traten am 19. Februar 2011 in der ersten Liveshow auf. Wie im Vorjahr wurden sieben Mottoshow-Kandidaten per Telefonabstimmung und drei durch die Jury ausgewählt. Die Jury entschied sich wiederum für die Plätze acht bis zehn der Zuschauerabstimmung, so dass die zehn Bewerber mit den meisten Zuschauerstimmen in die Mottoshows kamen. Für die achte Staffel wurde das seit der fünften Staffel in Benutzung befindliche Studio-Design der Motto-Shows grundlegend geändert. Statt der vielen verschiedenen LED-Lichtelemente die sich im Hintergrund der Bühne befanden, wurde diese komplett durch eine durchgängige Fläche von Video-Wänden ersetzt. Zusätzlich gibt es seitdem neben der bereits vorher vorhandenen großen Video-Wand, die zentral als Eingang für die Künstler eingesetzt und mittig teilbar ist, zwei weitere ebenso große Video-Wände beidseitig davon eingesetzt. Im Zuge des Umbaus des Bühnenrückraums, wurde erstmals auf die Live-Band unter Leitung von Lillo Scrimali verzichtet.

Am 10. März entschied RTL, dass Nina Richel wegen gesundheitlicher Probleme die Show verlassen muss. Als Ersatz kehrte die bereits in der ersten Show ausgeschiedene Sarah Engels zurück.

Seit der Sendung am 12. März 2011 wird das Jugendarbeitsschutzgesetz von der Bezirksregierung Köln im Bezug auf die Sendung durchgesetzt. Schulpflichtige Kandidaten wie Sebastian Wurth aus der achten Staffel dürfen danach nur bis 22 Uhr auftreten.

In der fünften Mottoshow am 2. April 2011 wurde eine Grafik mit vertauschten Telefonnummern der Kandidaten Zazou Mall und Marco Angelini eingeblendet. Deshalb wurde ein Teil der Zuschaueranrufe anderen Kandidaten zugerechnet als beabsichtigt. RTL entschied daraufhin, alle sechs Kandidaten in der nächsten Show nochmals antreten zu lassen; alle Anrufe, die bis zur Einblendung der falschen Grafik eingingen, wurden für die nächste Sendung gewertet, die folgenden nicht. RTL kündigte an, die Kosten der ungültigen Anrufe durch die Telefonanbieter nicht in Rechnung stellen zu lassen oder, falls dies nicht möglich sei, zu erstatten. Wegen dieses Vorfalls bestand die Staffel aus einer Sendung mehr als ursprünglich geplant.

Im Finale am 7. Mai gewann Pietro Lombardi gegen Sarah Engels mit 51,9 Prozent der Anrufe.

Staffel 9 (2012)

Die Ausstrahlung der neunten Staffel begann am 7. Januar 2012. Neue Juroren neben Dieter Bohlen waren Natalie Horler und Bruce Darnell. Die in früheren Staffeln für Kandidaten gültige Altersobergrenze von 30 Jahren wurde aufgehoben. Erstmals erhielt der Gewinner neben einem Plattenvertrag auch eine Siegprämie von 500.000 Euro. 35.401 Kandidaten sangen in den Castings vor, die in 35 Städten in Deutschland, Österreich und der Schweiz stattfanden. Die Nachfolgerunde mit den besten 36 Kandidaten fand erneut auf den Malediven statt.

Zu den Liveshows wurde ein zuvor bereits ausgeschiedener Kandidat zugelassen, so dass an der ersten Liveshow 16 statt wie geplant 15 Kandidaten teilnahmen. In der Top-16-Show wählte ausschließlich das Publikum die Top-10-Kandidaten, die Jury hatte kein Stimmrecht.

In der Top-16-Show vertauschte Marco Schreyl einmalig die Endziffern der Kandidaten Silvia Amaru, die weiterkam, und Christian Schöne, der ausschied. Auf Protest von Schöne führte RTL drei Tage nach der Show eine 24-stündige Online-Abstimmung über einen Wiedereinstieg von Schöne durch. Die Mehrheit der Abstimmenden (52,44 %) entschied sich dagegen.

In die Top Ten kamen nur drei Kandidatinnen, womit die bislang niedrigste Anzahl weiblicher Endrundenteilnehmer aus der siebten Staffel eingestellt wurde. Zum ersten Mal schaffte es lediglich eine weibliche Kandidatin unter die letzten sieben. Wie in der siebten Staffel belegten drei männliche Kandidaten die ersten drei Plätze.

Von den vier Kandidaten der siebten Mottoshow waren drei erst 16 oder 17 Jahre alt. Daher wurden ab dieser Liveshow die Entscheidungen nicht erst etwa eine Stunde später, sondern direkt nach der Mottoshow bekanntgegeben, um die Sendung wegen des Jugendarbeitsschutzgesetzes bis 23:00 Uhr beenden zu können.

Am Mittwoch vor der Finalsendung mit den Kandidaten Luca Hänni und Daniele Negroni kam es bei der von RTL beauftragten Firma Print your Ticket zu einer technischen Panne: Für rund eine Stunde wurde versehentlich eine Testseite online gestellt, die den Ticketverkauf für eine Tour von Daniele Negroni unter der Überschrift „Der neue DSDS Superstar 2012" ankündigte.

Im Finale am 28. April 2012 konnte sich Luca Hänni gegen Daniele Negroni mit 52,85 Prozent der Zuschauerstimmen durchsetzen.

Staffel 10 (2013)

Am 30. April 2012 gab RTL bekannt, dass DSDS trotz der in der 9. Staffel gesunkenen Einschaltquoten im Jahr 2013 fortgesetzt wird. Gleichzeitig kündigte der Sender personelle Veränderungen an: die Jurymitglieder Natalie Horler und Bruce Darnell wurden durch die Tokio-Hotel-Mitglieder Bill und Tom Kaulitz, sowie den Sänger der Band Culcha Candela, Mateo „Itchyban" Jaschik, ersetzt. Moderiert wurden die Sendungen von Schauspieler Raúl Richter und Nazan Eckes. Der bisherige Moderator Marco Schreyl trat nicht mehr in Erscheinung. Start der zehnten Staffel war am 5. Januar 2013.

Am 6. März 2013 verpflichtete RTL Olivia Jones als Begleiterin für die Kandidaten.

In der dritten Mottoshow am 30. März 2013 bewertete erstmals ein Originalinterpret seinen eigenen von einem Kandidaten gesungenen Song: Andrea Berg verfolgte während eines ihrer Konzerte mit ihrem Publikum den Auftritt von Beatrice Egli, die ihren Hit Du hast mich tausendmal belogen sang, und wurde von Dieter Bohlen per Telefon zugeschaltet. In der siebten Mottoshow am 27. April saß sie als Gastjurorin in der Jury.

Drei weibliche Kandidaten unter den letzten vier stellten ein Novum in der DSDS-Geschichte dar. Erst zum zweiten Mal fand ein Frauenfinale statt. Am 11. Mai 2013 gewann Beatrice Egli gegen Lisa Wohlgemuth mit 70,25 Prozent der Anrufe. Damit siegte zum zweiten Mal hintereinander ein Kandidat aus der Schweiz.

Staffel 11 (2014)

Am 13. März 2013 gab RTL bekannt, dass es eine elfte Staffel geben wird. Bewerben konnte man sich ab dem 16. März 2013 auf der Website des Senders. Neben Dauerjuror Dieter Bohlen saßen Rapper Kay One, Schlagersängerin Marianne Rosenberg und Mieze Katz, Sängerin der Band MIA., am Jurypult. Moderiert wurde die Sendung durch Nazan Eckes. Start der Staffel war am 8. Januar 2014.

Es gab einige Neuerungen, so wurde die Anzahl der Liveshows von neun auf sechs reduziert und mit sogenannten Challenges verbunden, bei der Sieger einen Kleinwagen gewannen. Die Sieger dieser Challenges wurden von der Jury bestimmt. Durch die Reduzierung der Shows schieden in jeder Liveshow gleich zwei Kandidaten aus. Einzig im Halbfinale, der fünften Live-Challenge-Show, musste nur ein Kandidat gehen.

Das Finale wurde demnach zum ersten Mal von drei Kandidaten bestritten. Dabei komponierte Dieter Bohlen nicht die potentiellen Siegertitel der Kandidaten. Dem Motto der Staffel Kandidaten an die Macht entsprechend, mussten die Finalisten das Stück selbst komponieren oder von einem Produzententeam komponieren lassen. Im Finale am 3. Mai 2014 konnte sich Aneta Sablik gegen Meltem Acikgöz mit 57,9 Prozent der Stimmen durchsetzen. Somit gab es zum zweiten Mal in Folge eine Gewinnerin bei DSDS.

Staffel 12 (2015)

Am 29. März 2014 gab Nazan Eckes in der ersten Live-Challenge-Show bekannt, dass es 2015 eine zwölfte Staffel geben werde und man sich ab sofort für diese bewerben könne. Am 29. August 2014 gab RTL bekannt, dass Heino 2015 neben Dieter Bohlen am Jury-Pult Platz nehmen wird. Etwas später, am 30. September 2014, bestätigte RTL, dass auch der Schweizer DJ Antoine in der Jury sitzen wird. Als viertes und letztes Jury-Mitglied wurde Mandy Capristo bekanntgegeben. Start der Staffel war am 7. Januar 2015. Die Liveshows wurden von Oliver Geissen moderiert.

Es gab in diesem Jahr anstelle von Liveshows im Kölner Studio, vier Shows, die jeweils an verschiedenen Orten ausgetragen wurden. In jeder Show mussten zwei Kandidaten die Sendung verlassen, außer im Halbfinale, in dem drei Kandidaten die Show verlassen mussten. Die Sendungen wurden aufgezeichnet und die Ergebnisse der Zuschauerabstimmung auf einem Parkplatz in Köln live bekannt gegeben, von dem aus die Kandidaten zum nächsten Veranstaltungsort fuhren. Lediglich das Finale in der Bremer ÖVB-Arena, das wie im Vorjahr mit drei Kandidaten stattfand, wurde live veranstaltet. Im Gegensatz zum Vorjahr musste der Drittplatzierte, in diesem Falle Antonio Gerardi, gleich nach seinem ersten Auftritt den Wettbewerb verlassen. Die letzten beiden Kandidaten Viviana Grisafi und Severino Seeger durften ihr Staffelhighlight und den von Dieter Bohlen komponierten Siegertitel Hero of My Heart präsentieren. Mit 59 Prozent der Stimmen gewann Severino Seeger schließlich das Finale.

Staffel 13 (2016)

In der ersten Show der zwölften Staffel gab Oliver Geissen bekannt, dass es auch 2016 eine Staffel geben soll, für die man sich ab sofort bewerben könne. Im Finale verriet Dieter Bohlen, dass für diese Staffel alle früheren Limits wie etwa die Altersbeschränkung aufgehoben sind. Dementsprechend heißt das Motto der Staffel „No Limits". Im Juni 2015 gab RTL bekannt, dass Oliver Geissen die Finalshows auch 2016 moderieren soll. Am 1. Oktober 2015 gab RTL bekannt, dass neben Dieter Bohlen auch H. P. Baxxter, Vanessa Mai und Michelle in der Jury sitzen werden. Während der Castings hat jeder Juror die Möglichkeit mit einer Goldenen CD einen Kandidaten direkt in den Auslands-Recall zu schicken. Neu eingeführt wurde der Goldene Scheißhaufen, mit dem die Juroren besonders schlechte Auftritte auszeichnen können. Nach dem Auslands-Recall in Jamaika fanden drei Aufzeichnungen von Shows in Deutschland sowie ein live ausgestrahltes Finale am 7. Mai 2016 in Düsseldorf statt. Sieger wurde Prince Damien Ritzinger.

Staffel 14 (2017)

Am 4. Januar 2017 lief die 14. Staffel von DSDS an. Das Motto lautet weiterhin „No Limits". Die Jurymitglieder neben Dieter Bohlen wurden erstmals seit sieben Jahren nicht komplett ausgetauscht, so dass die Jury aus Dieter Bohlen, Michelle, H. P. Baxxter und der YouTuberin Shirin David bestand. David ersetzt Vanessa Mai, die die Jury verlassen hatte, um sich eigenen Schlager-Projekten zu widmen. Die Kandidaten mussten sich vor ihrem Auftritt wieder für einen der Juroren entscheiden, dessen Stimme bei Stimmengleichheit den Ausschlag gab. Hierzu diente erneut die Goldene CD.

Zu den Kandidaten zählten unter anderem Maria Voskania, die bereits 2003 teilgenommen und den 12. Platz erreicht hatte und Angelika Ewa Turo, die 2016 teilgenommen hatte, aber wegen einer Schwangerschaft kurz vor den Live-Shows freiwillig zurückgetreten war. In den sozialen Netzwerken entwickelte sich ein Shitstorm, nachdem RTL einen Tag vor der ersten Mottoshow das Ausscheiden des 54-jährigen Kandidaten Alphonso Williams bekannt gab. Dies veranlasste RTL zu einer Wildcard für die Kandidaten Alphonso Williams und Benjamin Timon Donndorf. Sie erhielten die Chance, über ein Online-Voting weiter dabei zu sein. Alphonso Williams gewann es mit 91 % der Stimmen gegen Benjamin Timon Donndorf.

Im Finale am 6. Mai 2017 setzte sich Alphonso Williams gegen Alexander Jahnke, Maria Voskania und Duygu Goenel mit 40,54 Prozent der Stimmen durch.

Staffel 15 (2018)

In der 15. Staffel wurden erneut bis auf Dieter Bohlen alle Jurymitglieder ausgewechselt. Neue Juroren waren die Sängerin der Band Glasperlenspiel, Carolin Niemczyk, sowie Mousse T. und Ella Endlich.

Ab August 2017 wurden in 60 verschiedenen Städten Deutschlands Kandidaten gesucht. In dieser Staffel gab es wieder den Deutschland-Recall. Die Teilnehmer sangen im Glass Cube in Bad Driburg in Gruppen, um sich für den Auslands-Recall in Südafrika zu qualifizieren. Dort kämpften die letzten 16 der Top-24-Kandidaten in Zweier-Duellen vor Publikum um den Einzug in die Live-Mottoshows. Die Ausstrahlung der 15. Staffel begann am Mittwoch, den 3. Januar und war danach bis zum 5. Mai 2018 jeweils samstags bei RTL zu sehen. Gewinnerin der 15. Staffel und bisher jüngste Siegerin aller 15 Staffeln wurde die 16-jährige Marie Wegener. Die Siegprämie wurde von 500.000 Euro auf 100.000 Euro herabgesetzt.

Staffel 16 (2019)

Wieder wurden bis auf Dieter Bohlen alle Jurymitglieder ausgetauscht. Mit dabei waren Pietro Lombardi, Xavier Naidoo und Oana Nechiti. Die erste Folge lief am 5. Januar 2019 um 20:15 auf RTL. Die Castings fanden in Hamburg, auf dem Drachenfels und am Bodensee, der Recall in Ischgl und der anschließende Auslandsrecall in Thailand statt. Am 27. April fand das Finale statt, welches der 20-jährige Davin Herbrüggen gewann.

Staffel 17 (2020)

Seit Juli 2019 wurden in verschiedenen Städten in Deutschland, Österreich und der Schweiz Kandidaten für die 17. Staffel gesucht. Die Jury blieb zunächst dieselbe wie im Vorjahr, Xavier Naidoo wurde jedoch vor Beginn der Liveshows aus der Jury ausgeschlossen. Ab der zweiten Liveshow übernahm Florian Silbereisen seinen Platz. Moderator der Liveshows war Alexander Klaws.

Die Castings fanden in Königswinter, Füssen und Hamburg statt. Die erste Folge wurde am 4. Januar ausgestrahlt. Der anschließende Recall wurde in Sölden aufgezeichnet und der Auslands-Recall an verschiedenen Schauplätzen in Südafrika. Der 26-jährige Ramon Roselly gewann am 4. April das Finale.

Staffel 18 (2021)

2020 wurde eine 18. Staffel angekündigt. Bis auf Bohlen sollte die Jury neu besetzt werden. Im August 2020 gab RTL bekannt, dass Mike Singer, Maite Kelly und Michael Wendler Teil der Jury sein werden. Wendler stieg Anfang Oktober 2020 vor den Aufzeichnungen des „Recalls" aus der Show aus und begründete dies mit Verschwörungstheorien zur COVID-19-Pandemie. Im Januar 2021 entschied sich die Sendeleitung von RTL, Wendler aus den bereits aufgenommenen Episoden herauszuschneiden, da dieser unmittelbar zuvor in einem Video die Corona-Maßnahmen mit Zuständen in einem Konzentrationslager verglichen hatte.

Die meisten Sieger dieser Show machen weiterhin Musik, und für mehrere war es der Start einer erfolgreichen Karriere.

Alexander Klaws verkaufte bis heute mehr als 3,2 Millionen Tonträger und erhielt dafür zahlreiche Gold- und Platinauszeichnungen. Er arbeitet als Sänger, Schauspieler und Musicaldarsteller.

Mark Medlock veröffentlichte viele Singles und Alben und wurde mehrfach mit Gold und Platin ausgezeichnet.

Beatrice Egli verkaufte bis heute mehr als eine Million Tonträger und wurde mehrfach mit Gold und Platin ausgezeichnet.

Pietro Lombardi war Protagonist verschiedener Doku-Soaps wie z. B. der „Sarah & Pietro"-Serie. Drei seiner Singles erreichten Platz eins der Charts. 2019 bis 2020 gehörte er zur Jury von Deutschland sucht den Superstar.

Bei einigen Gewinnern war die öffentliche Aufmerksamkeit nur von kurzer Dauer. Viele Siegersingles erreichten Platz eins der Charts, auch das erste Album der Gewinner war in den Charts meist erfolgreich. In der Mehrzahl der Fälle blieb danach weiterer Erfolg aus. Der Sieger der 16. Staffel 2019, Davin Herbrüggen, hatte den schlechtesten Start eines Erstplatzierten, seine Single erreichte nur Platz 34 der Charts.

Auch mehrere der anderen Kandidaten etablierten sich im Musikgeschäft, zum Beispiel Sebastian Wurth, Wincent Weiss, Sarah Lombardi, Ardian Bujupi, Annemarie Eilfeld, Anna-Carina Woitschack, Anna-Maria Zimmermann und Norman Langen.

Diskografie

DSDS-Allstars

Jahr

Titel
Staffel

Höchstplatzierung, Gesamtwochen, AuszeichnungChartplatzierungen Chartplatzierungen [50]
(Jahr, Titel, Staffel, Platzierungen, Wochen, Auszeichnungen, Anmerkungen)

Anmerkungen

2003

United
1. Staffel

DE 1

Elffachgold

(14 Wo.) DE
CH2
(16 Wo.) CH

Erstveröffentlichung: 9. Februar 2003
Verkäufe: + 1.160.000

2006

Love Songs
3. Staffel

Erstveröffentlichung: 13. Februar 2006

Jahr

Titel
Staffel

Höchstplatzierung, Gesamtwochen, AuszeichnungChartplatzierungen Chartplatzierungen [50]
(Jahr, Titel, Staffel, Platzierungen, Wochen, Auszeichnungen, Anmerkungen)

Anmerkungen

2002

We Have a Dream
1. Staffel

DE 1

Dreifachgold

(17 Wo.) DE
AT2
(19 Wo.) AT

Erstveröffentlichung: 23. Dezember 2002
Verkäufe: + 805.000

Siegertitel

Besonderheiten

Menderes Bağcı

Der Kandidat Menderes Bağcı bewarb sich von der ersten bis zur fünfzehnten Staffel durchgängig, wurde jedoch in den ersten sieben abgelehnt. Als Belohnung für seine Hartnäckigkeit wurde ihm in der vierten Mottoshow der vierten Staffel ein Auftritt zugesagt. Ab der fünften Staffel wurde ihm von Dieter Bohlen Auftrittsverbot bei Deutschland sucht den Superstar erteilt, welches er in einem seiner Bücher jedoch wieder aufhob. In der achten und neunten Staffel schaffte Bağcı den Einzug in die Runde der letzten 60 Kandidaten, bevor er ausschied. In der zehnten Staffel wurde er erneut im Casting von drei der vier Juroren abgelehnt. In der elften Staffel erreichte er wieder die nächste Runde, wurde mittels einer Zuschauerabstimmung mit zwei anderen Kandidaten direkt für die nächste Runde auf Kuba gewählt, schied dort aber zusammen mit einem anderen Kandidaten direkt aus. In der 12. Staffel erreichte er ebenfalls den Recall, bei dem er ausschied, in Staffel 13 schied er wieder mit nur einer Jurystimme bereits im Casting aus. In der 14. Staffel erreichte er wieder den Recall, in dem er erneut ausschied. Im Casting der 15. Staffel sang er außer Konkurrenz ein Medley seiner bisher aufgeführten Songs, da er durch die wieder eingeführte Altersbeschränkung von 30 Jahren nicht mehr teilnehmen konnte. In Staffel 16 trat er im Ischgl-Recall auf und in Staffel 17 im Liveshow-Vorentscheid.

Max Buskohl und SSDSDSSWEMUGABRTLAD

In der vierten Staffel wurde der Kandidat Max Buskohl aus der Sendung entlassen - nach der Aussage von RTL auf seinen Wunsch hin -, da er lieber mit seiner Band Empty Trash Musik machen wollte. Da Max Buskohl eine Woche später nicht mit seiner Band in der Sendung des Fernsehsenders ProSieben auftreten durfte, nannte deren Moderator Stefan Raab die von ihm veranstaltete Castingshow SSDSDSSWEMUGABRTLAD ( Stefan sucht den Superstar der singen soll was er möchte und gerne auch bei RTL auftreten d arf).

RTL-DSDS-Clipcontest

Begleitend zur vierten Staffel rief RTL interactive zusammen mit den RTL-DSDS-Clipcontest ins Leben. Wie auch bei anderen Casting-Shows, wie beispielsweise , haben Kandidaten die Möglichkeit sich über ein Online-Video zu bewerben. Die Gewinner der Wettbewerbe hatten bisher nur mäßigen Erfolg bei der Staffel. Mandy schaffte es 2006 nicht in eine weitere Runde, und JanAR scheiterte 2007 für eine nächste Runde. Seit 2008 wird der Wettbewerb nicht mehr als solcher durchgeführt. RTL und Clipfish ermöglichen aber weiterhin die Option der Online-Bewerbung. Gute Teilnehmer erhalten eine Einladung zum Casting.

Bild-Zeitung

Es wurden insbesondere die erste, dritte und vierte Staffel durch intensive Berichterstattung in der Boulevardzeitung Bild begleitet. Typischerweise geschieht dies durch mehrtägige Kampagnen über die Beteiligten - Kandidaten und deren Umfeld, Moderatoren, Mitglieder der Jury - vor und nach den Sendeterminen und durch das Aufbauschen von in der Sendung gezeigten Ereignissen. Mehrere Teilnehmer konnten sich über einen beachtlichen Zeitraum in der Welt des Boulevards in der Rolle eines Prominenten etablieren, auch außerhalb der RTL-Gruppe. Außerdem unterstützte die Bildzeitung in der sechsten Staffel gezielt Annemarie Eilfeld, deren SMS-Abstimmer bei Weiterleitung des Bestätigungscodes 10.000 Euro gewinnen konnten.

Massenpanik bei Autogrammstunde 2011

Bei einer Autogrammstunde der DSDS-Stars in einem Einkaufszentrum in Oberhausen wurden am Sonntag, dem 27. März 2011, über 80 Kinder und Jugendliche bei einer Massenpanik verletzt. 14 junge Menschen mussten ins Krankenhaus gebracht werden. Nach Angaben eines Sprechers der Stadt Oberhausen erlitten drei von ihnen Knochenbrüche, viele weitere mussten wegen Quetschungen oder Kreislaufzusammenbrüchen behandelt werden. Die Veranstaltung wurde daraufhin abgebrochen. Grund für die Panik war der große Andrang, da deutlich mehr als die erwarteten 5.000 Fans zu der Veranstaltung drängten.

Superstar Weltweit

In der Show Superstar Weltweit ( World Idol) nahmen mehrere Sieger der Formate aus der ganzen Welt teil und traten gegeneinander an. Für Deutschland ging der damalige aktuelle "Superstar" Alexander Klaws an den Start. Dieses Showkonzept wurde bislang einmalig durchgeführt.

Im Jahr 2012 wurde die Spin-off-Sendung Deutschland sucht den Superstar Kids ( Akronym: DSDS Kids) lanciert. Sie basiert auf dem Format des Originals und konzentriert sich auf Kinder zwischen fünf und 14 Jahren. Produziert wird die Sendung von Grundy Light Entertainment im Coloneum in Köln. Die dreiköpfige Jury bestand aus Dieter Bohlen, Michelle Hunziker und Dana Schweiger.

Der Sieger des Talentwettbewerbes bekam ein Ausbildungsstipendium und ein Preisgeld. DSDS Kids wurde von Daniel Aßmann moderiert.

DSDS Kids wurde in vier Sendungen ausgestrahlt. In den ersten drei Sendungen wurden drei von zehn Personen per Telefonabstimmung für das Finale ausgewählt. Die erste Sendung wurde am 5. Mai 2012 ausgestrahlt, konnte aber nicht an die Erfolge von DSDS anschließen und verlor mit 1,95 Mio. Zuschauern in der Zielgruppe deutlich gegen die 35. Ausgabe von Schlag den Raab.

Im Finale am 25. Mai gewann der zehnjährige Marco den Wettbewerb.

„Das große Wiedersehen"

Am 31. Mai 2008 strahlte RTL die Sendung „DSDS - Das große Wiedersehen" aus. Es trafen sich Teilnehmer aus allen fünf bis damals durchgeführten Staffeln und wählten ihren Star der Stars. Es gewann Linda Teodosiu aus der fünften Staffel, Zweite wurde Juliette Schoppmann aus der ersten Staffel und Dritte Francisca Urio aus der vierten Staffel.

Anwesende Kandidaten waren:

Staffel 1: Alexander Klaws, Juliette Schoppmann, Judith Lefeber, Nektarios Bamiatzis, Gracia Baur, Daniel Lopes

Staffel 2: Gunther Göbbel, Judith Burmeister, Lorielle London, Aida Ilijasevic

Staffel 3: Didi Knoblauch, Vanessa Jean Dedmon

Staffel 4: Mark Medlock, Martin Stosch, Lisa Bund, Francisca Urio

Staffel 5: Fady Maalouf, Linda Teodosiu, Benjamin Herd

Eine Neuauflage von Deutschland sucht den Superstar - Das große Wiedersehen wurde am 18. und 25. Februar 2020 ausgestrahlt. Beide Sendungen wurden von Menderes Bağcı moderiert.

Als Gäste in der ersten Sendung waren Juliette Schoppmann (Staffel 1), Menowin Fröhlich (Staffel 3/7), Mehrzad Marashi (Sieger der Staffel 7), Linda Teodosiu (Staffel 5), Benny Kieckhäben (Staffel 6), Gracia Baur (Staffel 1), Vanessa Neigert (Staffel 6) und Joey Heindle (Staffel 9).

In der zweiten Sendung folgten Marie Wegener (Siegerin der Staffel 15), Lisa Bund (Staffel 4), Mike Leon Grosch (Staffel 3), Daniele Negroni (Staffel 9), Annemarie Eilfeld (Staffel 6), Sebastian Wurth (Staffel 8), Kim Gloss (Staffel 7), Norman Langen (Staffel 8), Tanja Tischewitsch (Staffel 11), Anna-Carina Woitschack (Staffel 8), Ines Redjeb (Staffel 7), Judith Burmeister (Staffel 2) und als Überraschungsgäste der Casting-Kandidat Alfi Hartkor (Staffel 7) und Holger Göpfert (Staffel 6).

DSDS - Das Magazin

Moderation

Die Kommission für Jugendmedienschutz (KJM) leitete im Januar 2007 ein Prüfverfahren zu DSDS wegen „möglicher sozialethischer Desorientierung von Kindern und Jugendlichen" ein. Bei der KJM waren bis dahin auch eine Reihe von Beschwerden aus der Bevölkerung eingegangen. Antisoziales Verhalten, so die KJM, werde von einer Identifikationsfigur wie Dieter Bohlen als cool und erfolgversprechend dargestellt. Respektlosigkeiten im Umgang miteinander gehörten zur Machart der Sendung. Es handele sich nicht um singuläre Entgleisungen, sondern offenbar um eine bewusste Inszenierung durch den Sender, so der Vorsitzende der KJM, Wolf-Dieter Ring. In einer Sitzung Anfang März 2007 diskutierte die KJM im Rahmen einer Anhörung mit Vertretern des Senders RTL über das Sendungsformat von DSDS. Der Sender hatte vorangehend in einer schriftlichen Stellungnahme erklärt, dass die Programmverantwortlichen die Sendung nicht als Verstoß gegen die Jugendschutzbestimmungen betrachteten, gleichzeitig aber auch eingeräumt, dass Dieter Bohlen Kandidaten in zum Teil grenzwertiger Weise bewerte.

Die RTL-Vertreter betonten im Gespräch den Drang zur Selbstdarstellung der Kandidaten, die „im Übrigen auch über die redaktionelle Gestaltung ihres Auftritts umfassend aufgeklärt" würden. Unter Berücksichtigung der Anhörungsergebnisse entschied die KJM, dass RTL in bestimmten Nachmittags-Sendungen im Januar 2007 gegen die Jugendschutzbestimmungen verstoßen habe. Beleidigende Kommentare der Jury, sowie die redaktionelle Aufbereitung und Inszenierung der Auftritte einiger Kandidaten seien geeignet, die Entwicklung von Kindern unter zwölf Jahren zu beeinträchtigen. In einem Massenmedium werde vorgeführt, wie Menschen herabgesetzt, verspottet und lächerlich gemacht werden. Antisoziales Verhalten werde auf diese Weise als Normalität dargestellt. Dies könne Werten wie Mitgefühl, Respekt und Solidarität mit anderen entgegenwirken. Auch die Ausstrahlung der betreffenden Sendungen im Hauptabendprogramm sieht die KJM in Hinblick auf Kinder und Jugendliche im Alter zwischen zwölf und 16 kritisch und erwartet künftig die Vorlage bei der Freiwilligen Selbstkontrolle Fernsehen (FSF) bereits in den Produktionsprozessen, sowie eine intensive Diskussion über mögliche Jugendschutzprobleme. Trotz der Feststellungen der KJM musste DSDS nicht ins Spätprogramm von RTL verschoben werden, was eine übliche Vorgehensweise bei jugendgefährdenden Sendungen ist. Die KJM werde DSDS jedoch verstärkt kontrollieren und analysieren.

Als direkte, satirische Reaktion auf DSDS rief ein Radiosender im Jahr 2003 die „Castingband" Die Nixer ins Leben und bewarb massiv deren Debüt-Single Nix. Obwohl das Stück, abgesehen vom anfänglichen Einzählen, nur aus akustischem Hintergrundrauschen besteht, stieg es auf Platz 73 in die deutschen Singlecharts ein.

Ende 2003/Anfang 2004 initiierte der seinerseits in Teilen seiner Medienauftritte umstrittene Stefan Raab in seiner Sendung TV total des Fernsehsenders ProSieben den Wettbewerb SSDSGPS (Stefan sucht den Super-Grand-Prix-Star) bewusst als Kontrast zu Deutschland sucht den Superstar. Raab bezeichnete DSDS in einem Interview mit dem Nachrichtenmagazin Der Spiegel als „inszeniertes Abwatschen armer Seelen, das nur niederste Instinkte befriedige". Für das Konzept seiner eigenen Castingshow erhielt Raab 2005 den Adolf-Grimme-Preis (Spezialpreis). Die Jury des Grimme-Instituts zog in der Begründung unter anderem einen Vergleich zwischen SSDSGPS und DSDS und stellte fest: „... ‚SSDSGPS' kann dabei als Gegenmodell gesehen werden zu gelackten Megaveranstaltungen, wo mit bigottem Ernst suggeriert wird, echte Superstars zu kreieren, tatsächlich aber synthetische Sangesmarionetten installiert werden, zum schnellstmöglichen kommerziellen Gebrauch, mit Nachhaltigkeitsfaktor Null - es sei denn, sie existieren in einer Witzfigurenfunktion für die Klatschpresse weiter" (was sich auf Daniel Küblböck bezog). Raab kritisierte mit seiner Aktion „Freiheit für Max Buskohl" die „Knebelverträge" von RTL für die Kandidaten in der vierten Staffel, da es diesem Kandidaten durch seine Vertragsbindung an RTL nicht gestattet sei, auf ProSieben bei TV Total aufzutreten.

Laut der Hamburger Medien-Professorin Joan Kristin Bleicher „werden die Sprüche von Dieter Bohlen bewusst lanciert, um einen begleitenden Skandal zu haben".

Im Verlauf der vierten Staffel wurde nach einem quotenstarken Beginn ein deutlicher Zuschauerrückgang in der Phase der „Top 20"-Shows registriert. Das Medienmagazin DWDL.de führt dies darauf zurück, dass die anfängliche Castingphase, die „inzwischen aber eher einer Comedyshow als einem Musikwettbewerb" gleiche, zur Hauptsache geworden sei.

RTL trat aufgekommenen Manipulationsvorwürfen in Bezug auf Telefonabstimmungen, welche auch bei anderen Castingshows vorkamen, durch Veröffentlichung der Abstimmungsergebnisse entgegen.

RTL-Unterhaltungschef Tom Sänger bezeichnete DSDS Anfang 2010 als „im Kern eine Symbiose aus Neugierde und Freude an der Selbstdarstellung", [...] aus Exhibitionismus und Voyeurismus.

Die Kommission für Jugendmedienschutz (KJM) rügte die erste Folge der siebten Staffel mit einem „herabwürdigendem Verhalten der Jury" und einer „redaktionellen Gestaltung der Sendung, die die Kandidaten gezielt lächerlich macht und dem Spott eines Millionenpublikums aussetzt." Der Vorsitzende der KJM beklagte, dass antisoziales Verhalten und beleidigende Äußerungen als normale Umgangsformen dargestellt würden. Die Regeln der Freiwilligen Selbstkontrolle Fernsehen (FSF) seien zwar nicht überschritten worden, aber es bestehe Diskussionsbedarf.

Haben Kandidaten die erste Runde überstanden, bekommen sie einen Fragebogen mit über 130 Fragen der Produktionsfirma Grundy vorgelegt, der „intimste Details" abfragt, die zum Teil arbeitsrechtlich problematisch sind.

Die Sendung erweckt zudem den Eindruck, alle Kandidaten würden vor der Prominentenjury auftreten. Dies ist aber, wie RTL bestätigt, aus „logistischen Gründen" nicht möglich. Die Kandidaten singen zunächst vor einer anderen Jury, die eine Vorauswahl für die Prominentenjury trifft.

Auszeichnungen

Im Jahr 2003 sowie im Jahr 2008 wurde Deutschland sucht den Superstar als „Beste Unterhaltungssendung" mit dem Deutschen Fernsehpreis ausgezeichnet. Drei Jahre später wurde der Preis erneut an die Castingshow verliehen: Florian Wieder erhielt insbesondere für das Bühnenbild von DSDS den Deutschen Fernsehpreis 2006 in der Kategorie „Beste Ausstattung (Bühnenbild/Studiodesign)".

Im Juni 2008 erhielt das Mobile-Angebot von DSDS den Konvergenz-Preis des jährlich verliehenen made for mobile Awards.

Ralf von Appen: Die Wertungskriterien der Deutschland sucht den Superstar-Jury vor dem Hintergrund sozialer Milieus und kulturindustrieller Strategien. In: Dietrich Helms, Thomas Phleps (Hrsg.): Keiner wird gewinnen. Populäre Musik im Wettbewerb. Transcript, Bielefeld 2005, S. 187-208 (= Beiträge zur Popularmusikforschung 33),

„‚Bild' erklärt den Daniel" oder „Wo ist Küblböcks Brille?" - Medienkritik zur Fernsehshow „Deutschland sucht den Superstar". In: Ralph Weiß (Hrsg.): Zur Kritik der Medienkritik. Wie Zeitungen das Fernsehen beobachten. Vistas, Berlin 2005, S. 337-394 (Schriftenreihe Medienforschung der Landesanstalt für Rundfunk Nordrhein-Westfalen 48).

Einzelnachweise

1. Max Buskohl schied freiwillig aus.

2. idealo.de: Staffel 5 auch wieder mit Dieter Bohlen, abgerufen am 31. Januar 2012 ( vom 9. Mai 2007 im Internet Archive)

3. Michelle Bowers hatte die Top-15-Show nicht überstanden. Sie rückte jedoch für Vanessa Civiello nach, die noch vor der ersten Mottoshow zurückgetreten war.

4. dwdl.de: „DSDS 7": RTL will „mehr Drama, mehr Komik", abgerufen am 20. Dezember 2009.

5. Jugendarbeitsschutzgesetz: Kind, Jugendlicher, Behördliche Ausnahmen für Veranstaltungen, Nachtruhe

6. DSDS 2012: Technische Panne - Aufregung um Online-Seite auf RTL.de vom 25. April 2012.

7. DSDS 2012: Luca Hänni ist Superstar 2012 auf RTL.de vom 28. April 2012.

8. DSDS wird trotz schlechter Quoten fortgesetzt. ( vom 15. Dezember 2013 im Internet Archive)

9. Angelika Ewa Turo trat wegen ihrer Schwangerschaft noch vor der ersten Show zurück. Für sie rückte Ramona Mihailovic nach, gegen die sie sich zuvor in einem letzten speziellen Recall-Auftritt durchgesetzt hatte.

10. Peer Schader: Langeweile schlägt Vorstadt-Luder. letzter Absatz. In: Spiegel Online. 3. Mai 2009, abgerufen am 6. Mai 2012.

11. Alexander Krei: Schwacher Start: Raab schlägt „DSDS Kids" klar. In: 6. Mai 2012, abgerufen am 6. Mai 2012.

12. Ernst Corinth: Wie man mit dem Nichts Erfolg haben kann. In: 28. Mai 2003, abgerufen am 23. Oktober 2017.

13. DSDS gegen Jugendschutz. In: Digital Fernsehen, 3/2010, S. 8.

14. Alexander Kühn, Hannes Ross: „Hast du schon einmal Nacktfotos machen lassen?". In: Stern 12/2010, 13. März 2010, S. 150-151, gekürzter Artikel bei Stern.de: „DSDS": Die Kandidaten im verbalen Nacktscanner

15. Medienforum.NRW: http://www.medienforum.nrw.de/presse/pressemitteilungen/volltext/article/kreative-kunst-fuer-die-displays-von-handy-co.html ( vom 4. August 2012 im Webarchiv archive.today), Pressemeldung vom 12. Juni 2008.

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Fernsehserie Originaltitel Deutschland suchtden Superstar Produktionsland Deutschland Jahr(e) seit 2002 Produktions-unternehmen UFA Show GmbH, ITV Studios Germany Länge ca. 45 bis 220 Minuten Episoden 351 (+ 22 Specials) in 17 Staffeln Ausstrahlungs-turnus dienstags oder mittwochs und samstags; Liveshows samstags Genre Castingshow Idee Simon Fuller Musik J. Gingell,B. Stone,C.

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Interview mit Ralf Hütter über Kraftwerk - aus dem Guardian

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Interview mit Ralf Hütter über Kraftwerk - aus dem Guardian

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Kraftwerk's Ralf Hütter: 'Music is about intensity ... the rest is just noise'

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Kraftwerk reinvented pop music in the 1970s, but never dreamed they would one day be able to stage the multimedia spectacular of their current tour. Founding member Ralf Hütter grants a rare interview

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Kraftwerk im Albert Hall - aus dem Guardian

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Kraftwerk im Albert Hall - aus dem Guardian

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hen audiences first sat down to watch the earliest moving pictures, they were reported to be terrified of the image of a train steaming towards them, and ran. No one seated in the Royal Albert Hall at the start of Kraftwerk's three-night stint actually cringes as flying numbers pelt through the air towards them during the first song, Numbers. But it's a close-run thing. The edges on those 7s could slice your ear off.

Limpid notes purr round our heads, thanks to the surround-sound setup. Later, as Kraftwerk play out an enriched version of 1978's Spacelab, I'm gored by a communications satellite. Girders of block colour disassemble and spin towards us balletically on The Man-Machine - one of Kraftwerk's greatest songs, particularly magnificent in its current remix. Everywhere are majestic visualisations of sound: waveforms, computer read-outs, flying quavers, synaesthetic blocks of colour. We are seeing them through regulation-issue 3D glasses, the better to appreciate the blissful, ominous music of this seminal outfit.

Does the prescience of this band bear repeating? A quick summary, then, as we're all seated comfortably in Kraftwerk's languid perpetual motion machine. In the 1970s, Kraftwerk cornered the market in synthesised sound, celebrated robotics and AI, forsesaw internet dating (Computer Love) and, spiritually, a European Union, not to mention post-human fusions of flesh and moving parts. They were former avant-rockers from Düsseldorf whose evolving visions seeded modern music, from disco to hip-hop to techno. Anyone using a vocoder, or wearing a robot helmet or a mouse head, is their offspring.

With Computer Love, Kraftwerk 'foresaw internet dating'. Photograph: Steve Gillett

Tonight, you can hear 40 years of positive feedback loops, where Kraftwerk harvest some of what they have sown. It's More Fun to Compute nods first towards house music, then funk, before embracing techno and some lovely mechanised bird noises. It is a crying shame we are all seated, because this set begs to be raved to. The effortless electro glide of Airwaves, into Intermission, gets faster and harder, disco meeting techno. Were you DJing, it would be a no-brainer to mix the ecstatic throb of Donna Summer's I Feel Love in here.

Perhaps it is the refined environs of the Albert Hall, but the classical roots of Kraftwerk are just as evident as their futuristic relentlessness. Church organs, flute-like oscillations and harmonic string sections are legion in their keyboards. Moreover, Kraftwerk's song structures are not linear but digressive. Their odes to forward motion are full of movements.

You can't help but be joyful that Hütter and the new line-up are victory lapping the velodrome of the catalogue again

We can't turn this into a rave, but perhaps the Albert Hall might have provided stationary bikes for what would be the mother of all spinning classes. Many songs vie for the title of the most Kraftwerkian of Kraftwerk songs - The Robots, Autobahn - but Tour de France is surely one of their most human. True, there is considerable science in this celebration of the fluid dynamics of the peloton - the bunching, the stringing out, the flowing along the contours of mountains. But there is also panting and a faintly homoerotic celebration of sweaty effort - rare in their music.

Given the multi-sensory magnificence of this show, it feels a little churlish to point out its obvious cognitive dissonances. The future, for Kraftwerk, ended a while ago. They have hymned progress, but also fetishised the past, in the vintage footage from the Tour, or couture models in black and white (The Model, largely unchanged). Women are either fashion plates, impossible to reach (Computer Love), or Madame Curie (Radio-Activity).The graphics have been pimped up considerably since 2013, for sure, but fans will recognise the core imagery.

You wonder whether the future, as it is happening now, is to Kraftwerk's liking. Does sole original member Ralf Hütter, or any of the various latter-day apparatchiks, have Amazon Echoes? When a computer voice introduces the four morphsuit-clad men, it is not Siri or Alexa. We are not wearing VR helmets, and not just because the cost would be prohibitive. New songs have not been forthcoming from Kling Klang studios for some time (Tour de France Soundtracks, from 2003, was their last album). This 3D tour is an expanded version of the gig Kraftwerk played at London's Tate Modern in 2013, in honour of yet another new compilation in which Kraftwerk re-werk their kraft.

Nit-picking misses the point, however. You can't help but be joyful that Hütter and the current lineup - Fritz Hilpert, Henning Schmitz and Falk Grieffenhagen - are victory lapping the velodrome of the catalogue again, and that their transport requirements - recently revealed via a Twitter leak - are so deliciously on point ("suave braking"!). The sight and sound of Kraftwerk's multilingual, pan-European mindset is particularly bittersweet tonight, with Brexit talks now under way.

And, as the men-machines go for a wee, they are replaced by animatronic androids for The Robots. The pleasure of these scary mannequins is undiminished, as is Hütter's foot-tapping as the encore proper comes to a close.

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Kraftwerk review - past masters of the future

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hen audiences first sat down to watch the earliest moving pictures, they were reported to be terrified of the image of a train steaming towards them, and ran. No one seated in the Royal Albert Hall at the start of Kraftwerk's three-night stint actually cringes as flying numbers pelt through the air towards them during the first song, Numbers.

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Wikipedia auf Walisisch

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Band electronig Almaenig dylanwadol yw Kraftwerk (yr enw yn golygu "Gorsaf bŵer").

Daw'r band o Düsseldorf, yr Almaen. Mae sain nodweddiadol Kraftwerk yn cyfuno rythm pwerus sy'n ailadrodd gyda melodi bachog, gan ddilyn steil harmoni clasurol y Gorllewin, yn minimalaidd a gyda offeryanu electronig yn unig.

Roedd Kraftwerk yn un o'r grwpiau cyntaf i arbrofi gyda syntheseiswyr a pheiriannau drwm gan greu rhai eu hunain cyn iddynt fod ar gael i'w prynu.

Maent wedi ysbrydoli grwpiau di-ri, a nifer fawr o genres cerddorol yn cynnwys pop, rap a techno. Mae Kraftwerk yn un o ychydig o grwpiau gwyn sydd wedi dylanwadau, wedi'u copïo a samplo gan grwpiau Affro-Americaniad, yn groes i'r arfer o grwpiau gwynion yn copïo cerddoriaeth ddu.

Fel dywedodd yr awdur Paul Morley: Ar ôl degawdau o gerddorion gwyn yn benthyg o gerddoriaeth du, efallai Kraftwerk yw'r cerddorion gwyn cyntaf i ail-dalu'r gymwynas a rhoi rhywbeth yn ôl.

Roedd rhai grwpiau Almaenig ar ddiwedd y 1960au a dechrau'r 1970au yn chwilio am sut orau i ddatblygu eu steil eu hun. Nid oeddent am gopïo grwpiau Eingl-Americaniad neu gerddoriaeth Affro-Americaniad gan deimlo nad oeddent yn dod o'r un cefndir ac nad oedd rhythmau Soul neu Funk yn dod yn naturiol iddynt.

Nid oeddent chwaith yn gallu troi am ysbrydoliaeth i ddiwylliant na thraddodiadau'r Almaen am iddynt fod a chywilydd am Natsïaeth. Roedd llawer o bobl ifanc yr Almaen yn credu roeddent ar ddechrau Stunde Null (yr awr dim) ac rhaid iddynt greu diwylliant newydd sbon gan edrych tua'r dyfodol a'r tu allan.

Dechreuodd nifer o grwpiau arbrofol yr Almaen ymddiddori yn ffuglen-wyddonol (Science Ficiion) a enwyd eu steil o gerddoriaeth Kosmische musik (cerddoriaeth cosmig). Cafodd y dôn newydd o grwpiau Almaenig Kosmische musik eu diystyru gan wasg Lloegr gan eu galw'n sarhaus 'Krautrock'.

Ym 1970 daeth Ralf Hütter a Florian Schneider at ei gilydd wrth astudio cerddoriaeth glasurol yn Conservatoire Dusseldorf. Ffufiwyd Kling-Klang Studio ganddynt, eu recordiaiad cyntaf oedd Tone Float gyda grŵp o'r enw Organisation.

Yn ddiweddarach ym 1970 ffurfiwyd Kraftwerk gan Hütter a Schneider a dechreuon nhw arbrofi gyda sŵn mecanyddol ac yn defnyddio vocoder a pheiriannau drwm. Roedd y tri record hir cyntaf yn arbofol ffurf-rydd gyda Schneider yn canu'r ffliwt.

Bu nifer o aelodau o Kraftwerk yn y cyfnod cynnar yn cynnwys Klaus Dinger a Michael Rother, a aeth ymlaen i ffurfio'r grŵp Almaeneg arloesol Neu! ym 1971. Ymunodd a Wolfgang Flür ym1973 a fu'n aelod pwysig am nifer o flynyddoedd wedyn. Cydweithiodd Kraftwerk gyda'r cynhyrchydd Konrad "Conny" Plank a gweithiodd gyda nifer o grwpiau Almaeneg arbrofol eraill y cyfnod fel Can, Neu!, Cluster ac Harmonia.

Arweiniodd y blynyddoedd o arbrofi cerddorol dull-rhydd i greu sŵn unigryw'r band wrth iddynt ryddhau'r record hir Autobahn ym 1974. Mae'r gân yn cyfleu'r natur undonog a rhythmig o yrru ar y ffordd fawr. Y geiriau Wir fahren fahren fahren auf der Autobahn (Awn awn awn ar y Draffordd) yn debyg i gân y Beach Boys Fun, Fun, Fun sydd hefyd am yrru.

Mae'r fersiwn y record hir yn 22 munud a'r fersiwn sengl yn 3 munud 28 eiliad. Roedd y sengl yn llwyddiant mawr gan gyrraedd rhif 11 yn siartiau Prydain, er iddo fod yn yr iaith Almaeneg, ac yn gwbl wahanol i gerddoriaeth siartiau'r cyfnod. Cyrhaeddodd yr LP yn rhif 4 yng ngwledydd Prydain a rhif 5 yn yr Unol Daleithiau, ac wedi gwerthu niferoedd sylweddol am flynyddoedd wedyn.

Gyda llwyddiant Autobahn roedd y band yn gallu buddsoddi a datblygu offer electronig arloesol yn y Kling-Klang Studio. Roedd recordiau hir nesaf Radio-Activity (1975), Trans-Europe Express (1977) a Man Machine (1978) yn datblygu eu delwedd robotiaid oer, ac obsesiwn gyda thechnoleg. Teithiodd y band yn eang ar draws Ewrop ac America gan ennill cefnogaeth frwd yn arbennig ymhlith cerddorion â diddordeb yn nechnoleg a synidau newydd.

Efallai fel ateb eironig i'r enw sarhaus 'Krautrock' a rhoddwyd ar grwpiau Almaenig gan y Saeson, mae clawr Trans Euro Express yn dangos darlun o aelodau'r band mewn steil yn debyg i gelf propaganda Almaenig y 30au.

Ym 1981 rhyddhawyd Computer World ac aeth un o ganeuon o'r LP, The Model, i rif un siartiau sengl Prydain.

Tra roedd eu recordiau hir cyntaf gyda geiriau Almaeneg yn bennaf. Mae Kraftwerk wedi cyfuno fersiynau yn Saesneg, Ffrangeg, Japanieg ac ieithoedd eraill ar lawer o'u caneuon ers diwedd y 1970au.

Yn 1983 rhyddhawyd y sengl Tour de France - mae Ralf Hütter yn feiciwr brwd a gafodd ddamwain beic difrifol yn ystod y recordio.

Mae Krafwerk yn dal i deithio'n gyson ar draws y byd gan berfformio gyda robotiaid o'u hun ar lwyfan a sioe fideo trawiadol.

Yn 2012 bu gymaint o alw am docynnau i bedwar noson Kraftwerk yn y Tate, Llundain wnaeth y system prynu tocynnau crasio o fewn munudau. Roedd y Tate dan warchae gan ffans siomedig a oedd yn methu cael tocynnau.

Mae Krafwerk yn un o grwpiau mwyaf dylanwadol yn hanes cerddoriaeth gyfoes.

Ar ddechrau'r 1980au daeth syntheseiddwyr ar gael am byrsiau rhesymol a bu ffrwydriaid o grwpiau newydd yn eu defnyddio ac yn copïo llawer o steil Kraftwerk.

Hefyd, mae eu recordiau wedi'u samplo ar nifer fawr o recordiau rap a thechno. Esiampl dda yw un o recordiau rap pwysig cyntaf Planet Rock gan Afrika Bambaataa (1982) sydd yn defnyddio Trans-Europe Express fel cefndir.

Yn nodweddiadol o'r pwysigrwydd mae Kraftwerk yn cael eu hystyried, ymddangosodd erthygl Why Kraftwerk are still the world's most influential band yn The Guardian yn 2013. Yn ôl cylgrawn yr NME The Beatles and Kraftwerk may not have the ring of The Beatles and the Stones, but nonetheless, these are the two most important bands in music history.

Aelodau presennol

Ralf Hütter - prif lais, vocoder, syntheseiddwyr, allweddellau, (1970-presennol) organ, drymiau ac allweddellau, gitâr fas, gitâr (1970-1974)

Fritz Hilpert - offer taro electronig (1987-presennol)

Henning Schmitz - offer taro electronig, allweddellau (1991-presennol) sound engineering (1978-presennol)

Falk Grieffenhagen - technegydd fideo byw (2013-)

Cyn aelodau

Florian Schneider († 2020) - syntheseiddwyr, lleisiau cefnir, vocoder, lleisiau cyfrifiadurol, ffliwt, sacsoffôn, offer taro, gitâr, ffidl (1970-2008)

Houschäng Néjadepour - gitâr (1970-71)

Plato Kostic (a.k.a. Plato Riviera) - gitâr fas (1970)

Peter Schmidt - drymiau (1970)

Karl "Charly" Weiss - drymiau (1970; bu farw 2009)

Thomas Lohmann - drymiau (1970)

Andreas Hohmann - drymiau (1970)

Eberhard Kranemann - gitâr fas (1970-71)

Klaus Dinger - drymiau (1970-1971; bu farw 2008)

Michael Rother - gitâr drydan (1971)

Emil Schult - gitâr, ffidl (1973)

Wolfgang Flür - offer taro electronig (1973-1987)

Klaus Röder - gitâr, ffidl(1974)

Karl Bartos - offer taro electronig, fibraffon, allweddellau byw (1975-1991)

Fernando Abrantes - offer taro electronig, syntheseiddyddion (1991)

Stefan Pfaffe - technegydd fideo byw (2008-2013)

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Band electronig Almaenig dylanwadol yw Kraftwerk (yr enw yn golygu "Gorsaf bŵer"). Daw'r band o Düsseldorf, yr Almaen. Mae sain nodweddiadol Kraftwerk yn cyfuno rythm pwerus sy'n ailadrodd gyda melodi bachog, gan ddilyn steil harmoni clasurol y Gorllewin, yn minimalaidd a gyda offeryanu electronig yn unig.

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IMPRESSUM: COPYRIGHT KRAFTWERK / PARLOPHONE RECORDS LTD. A WARNER MUSIC GROUP COMPANY

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Krautrock (also called kosmische Musik, German: ) is a broad genre of experimental rock that developed in West Germany in the late 1960s and early 1970s among artists who blended elements of psychedelic rock, electronic music, and avant-garde composition. These artists moved away from the blues influences and song structure found in traditional Anglo-American rock music, instead utilizing hypnotic rhythms, tape-music techniques, and early synthesizers. Prominent groups associated with krautrock music included Can, Neu!, Amon Düül II, Faust, Popol Vuh, Cluster, Ash Ra Tempel, Agitation Free, Guru Guru, Tangerine Dream, Kraftwerk, and Harmonia.

The term was popularized by British music journalists, who adopted the term "Krautrock" as a humorous umbrella-label for the diverse German scene, though many so-labeled artists disliked the term. The movement was partly born out of the radical student movements of 1968, as German youth rebelled against their country's legacy in World War II and sought a popular music distinct from traditional German music and American pop. The period contributed to the development of ambient music and techno, and influenced subsequent genres such as post-punk, new-age music, and post-rock.

Origins and influences

Krautrock is a broad label encompassing diverse sounds and artists that emerged in West Germany during the 1960s and early 1970s. The music was partially inspired by broad cultural developments such as the revolutionary 1968 German student movement, with many young people having both political and aesthetic concerns. Youth rebelled against both dominant American influence and conservative German entertainment such as schlager music, seeking to liberate themselves from Germany's Nazi legacy in World War II and create a new popular culture. Dieter Moebius, of the bands Cluster and Harmonia, noted that "we were a lot of the times on the streets instead of studying. As young people we were not very proud to be German [...] we were all tired of listening to bad German music and imitations of American music. Something had to happen." The movement saw artists merge elements of varied genres such as psychedelic rock, avant-garde forms of electronic music, funk rhythm, jazz improvisation and "ethnic" music styles, typically reflecting a "genuine sense of awe and wonder."

Core influences on these German artists included avant-garde composers Karlheinz Stockhausen and Terry Riley, and bands such as the Mothers of Invention, the Velvet Underground, the Beatles, and Pink Floyd. A significant influence was the work of American minimalists such as Riley, Tony Conrad, and La Monte Young, as well as the late '60s albums of jazz musician Miles Davis. Some artists drew on ideas from 20th century classical music and musique concrète, particularly composer Stockhausen (with whom, for example, Irmin Schmidt and Holger Czukay of Can had previously studied), and from the new experimental directions that emerged in jazz during the 1960s and 1970s (mainly the free jazz pieces by Ornette Coleman or Albert Ayler). The Quietus noted the influence of Jimi Hendrix and James Brown on krautrock musicians. Moving away from the patterns of song structure and melody of much rock music in America and Britain, some in the movement were drawn to a more mechanical and electronic sound.

Until around 1973, the word "Deutsch-Rock" ("German Rock") was used to refer to the new groups from West Germany. Various sources claim that "Krautrock" was originally a humorous term coined in the early 1970s either by British disc jockey John Peel or by the UK music newspaper Melody Maker, in which experimental German bands found an early and enthusiastic following. The first use of the term however, was found in a full page advertisement from Popo Music Management and Bacillus Records promoting German Rock in the UK, in April 1971. The term derives from the ethnic slur " kraut". "Kraut" in German can refer to herbs, weeds, and drugs. Other names thrown around by the British music press were "Teutonic rock" and "Götterdämmer rock". West Germany's music press initially used "krautrock" as a pejorative, but the term lost its stigma after the music gained success in Britain.

Its musicians tended to reject the name "krautrock". This was also the case for "kosmische Musik". Musicologist Julian Cope, in his book Krautrocksampler, says "Krautrock is a subjective British phenomenon", based on the way the music was received in the UK rather than on the actual West German music scene out of which it grew. For instance, while one of the main groups originally tagged as krautrock, Faust, recorded a seminal 12-minute track they titled " Krautrock", they would later distance themselves from the term, saying: "When the English people started talking about Krautrock, we thought they were just taking the piss... and when you hear the so-called 'Krautrock renaissance', it makes me think everything we did was for nothing."

Krautrock has been described as a broad genre encompassing varied approaches, though The Quietus noted that most music in the genre, "diverse as it is, shares an interest in electronics, texture and repetition." summarized the style as "avant-garde musical collages of electronic sounds, rock music, and psychedelia" which typically featured "improvisation and hypnotic, minimalistic rhythms". Los Angeles Magazine summarized the genre as "where American psychedelica meets icy Germanic detachment". Critic Simon Reynolds described the style as "where the over-reaching ambition and untethered freakitude of late '60s acid rock is checked and galvanised by a proto-punk minimalism ... music of immense scale that miraculously avoided prog-rock's bombastics". AllMusic described it as expanding on the musical explorations associated with art rock and progressive rock, but diverging from American and British groups' emphasis on jazz and classical elements in favor of "a droning, pulsating sound that owed more to the avant garde than to rock & roll". According to The Line of Best Fit, some typical characteristics include "steady 4/4 beats, hypnotic, droning rhythms, and shimmering keyboards". Artists used early synthesizers and experimented with tape music techniques. stated that the genre "in its platonic ideal should be basically instrumental; it should seamlessly meld electronics and rock instruments; it should favor long, drawn-over structures over short dynamic shifts, and steady-state rhythms over syncopation". Los Angeles Magazine describes it as a "hypnotic, piston-pumping genre [...] where drummers pounded out tightly-wound beats, bassists thumped pulsing notes, and zoned out singers warbled over it all in an absurdist drone". The Stranger called krautrock an "innovative reconstruction of rock and electronic music".

The " Motorik" beat is the 4/4 beat often used by drummers associated with krautrock, characterised by a kick drum-heavy, pulsating groove, that created a forward-flowing feel. The motorik beat was used by Can in the song " Mother Sky", and by Neu! on their debut album, later being adopted by other krautrock bands. It has been widely used in many different styles of music beyond krautrock. According to , the term krautrock is often used by critics to signify the "mesmerizing motorik rhythms pioneered by Can and Neu!", but contested that "they represent merely a tiny fraction of the music that emerged from Germany during Krautrock's Golden Age". Matt Bolton of The Guardian makes a similar point, arguing that "Neu!'s streamlined instrumentals [...] certainly have little in common with Can's eclectic experimentalism, Amon Düül II's improvisational space rock or Faust's cut-and-paste sound collages.

Kosmische Musik

Kosmische Musik ("cosmic music") is a term which came into regular use before "krautrock" and was preferred by some German artists who disliked the English label; today, it is often used synonymously with krautrock. More specifically, it may describe 1970s German electronic music which uses synthesizers and incorporates themes related to space or otherworldliness; it is also used as a German analogue to the English term " space rock". The style was often instrumental and characterized by "spacy", ambient soundscapes. Artists used synthesizers such as the EMS VCS 3 and Moog Modular, as well as sound processing effects and tape-based approaches. They largely rejected rock music conventions, and instead drew on "serious" electronic compositions.

The term "kosmische Musik" was coined either by Edgar Froese in the liner notes of Tangerine Dream's 1971 album Alpha Centauri or by record producer Rolf-Ulrich Kaiser as a marketing name for bands such as Ash Ra Tempel, Tangerine Dream, and Klaus Schulze. The following year, Rolf-Ulrich Kaiser's Ohr Records released the compilation Kosmische Musik (1972) featuring tracks by Tangerine Dream, Klaus Schulze, Ash Ra Tempel, and Popol Vuh. Kaiser eventually began referring to the style as "cosmic rock" to signify that the music belonged in a rock idiom. German producer Conny Plank was a central figure in the kosmische sound, emphasizing texture, effects processing, and tape-based editing techniques. Plank oversaw kosmische recordings such as Kraftwerk's , Neu!'s , and Cluster's Zuckerzeit.

Several of these artists would later distance themselves from the term. Other proposed names for the style at the time were "Berlin School" and "Dusseldorf School," though none remained definitive. The style would later lead to the development of new-age music, with which it shared several characteristics. It would also exert lasting influence on subsequent electronic music and avant-garde rock.

Krautrock has proved to be highly influential on a succession of other musical styles and developments. Early contemporary enthusiasts outside Germany included Hawkwind and in particular Dave Brock who supposedly penned the sleeve notes for the British edition of Neu!'s first album Faust's budget release The Faust Tapes has been cited as a formative teenage influence by several musicians growing up in the early 1970s such as Julian Cope (who has always cited krautrock as an influence, and wrote the book Krautrocksampler on the subject). The genre also had a strong influence on David Bowie's Station to Station (1976) and the experimentation it inspired led to his ' Berlin Trilogy'.

Krautrock was also highly influential on the late-'70s development of British new wave and post-punk, notably artists such as Siouxsie and the Banshees, Public Image Ltd., Cabaret Voltaire, The Fall, Gary Numan, Joy Division, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Simple Minds and This Heat. Kraftwerk in particular had a lot of influence on American electronic dance music of the 1980s: electro, house, techno and especially Goa trance. Ash Ra Tempel was strongly influential on the later development of 70s ambient as well as post-rock.

Bibliography

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Krautrock (also called kosmische Musik, German: ) is a broad genre of experimental rock that developed in West Germany in the late 1960s and early 1970s among artists who blended elements of psychedelic rock, electronic music, and avant-garde composition.

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Neue Deutsche Welle ( NDW, pronounced [ˈnɔʏə ˈdɔʏtʃə ˈvɛlə], "New German Wave") is a genre of West German rock music originally derived from post-punk and new wave music with electronic influences. The term was first coined by Dutch radio DJ Frits Spits on the popular nationwide radio station Hilversum 3, which was very popular among German listeners. Soon after that, the term was used in a record-shop advertisement by Burkhardt Seiler in an August 1979 issue of the West German magazine . It was then used by journalist Alfred Hilsberg in an article about the movement titled "Neue Deutsche Welle - Aus grauer Städte Mauern" ("New German Wave - From Grey Cities' Walls") in Sounds in October 1979.

The history of the Neue Deutsche Welle consists of two major parts. From its beginnings to 1981, the genre was mostly an underground movement with roots in British punk and new wave music. It quickly developed into an original and distinct style, influenced in no small part by the different sound and rhythm of the German language, which many of the bands had adapted from early on. Whilst some of the lyrics of artists like Nena and Ideal epitomized the zeitgeist of urban West Germany during the Cold War, others used the language in a surreal way, merely playing with its sound or graphic quality rather than using it to express meaning, as done by bands and artists such as Spliff, Joachim Witt and Trio.

The main centers of the NDW movement during these years were West Berlin, Düsseldorf, Hamburg, Hannover and Hagen, as well as, to a lesser extent, the Frankfurt Rhein-Main Region, Limburg an der Lahn and Vienna.

From about 1980 on, the music industry began noticing the Neue Deutsche Welle; however, because of the idiosyncratic nature of the music, focus shifted to creating new bands more compatible with the mainstream rather than promoting existing bands. Many one-hit wonders and short-lived bands appeared and were forgotten again in rapid succession. The overly broad application of the "NDW" label to these bands, as well as to almost any German musicians not using English lyrics, even if their music was apparently not influenced at all by the original NDW sound (including pure rock bands like BAP or even Udo Lindenberg), quickly led to the decay of the entire genre when many of the original musicians turned their backs in frustration.

Around 1983/1984, the era of the Neue Deutsche Welle came to an early end, following the oversaturation of the market with what was perceived as stereotypical, manufactured hits.[citation needed ]

A revival of interest in the style in the Anglophone world occurred in 2003, with the release of DJ Hell's compilation New Deutsch. The NDW has come to be acknowledged as a forerunner to later developments in dance-punk, electronic body music and electroclash.

In the 2000s, the term was used by the Berlin-based rap label Aggro Berlin to describe a supposed new German rap movement of which they claimed to be a part. This was the subject of Aggro artist Fler's 2005 single "Neue Deutsche Welle". The band Wir sind Helden was also influenced by the Neue Deutsche Welle.

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Neue Deutsche Welle ( NDW, pronounced [ˈnɔʏə ˈdɔʏtʃə ˈvɛlə], "New German Wave") is a genre of West German rock music originally derived from post-punk and new wave music with electronic influences. The term was first coined by Dutch radio DJ Frits Spits on the popular nationwide radio station Hilversum 3, which was very popular among German listeners.

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Neue Deutsche Welle (New German Wave, often abbreviated NDW) is a genre of German music originally derived from punk rock and New Wave music that arose in the 1980s.

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Find neue deutsche welle tracks, artists, and albums. Find the latest in neue deutsche welle music at Last.fm.

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Artikel auf Englisch: Is Schlager Music The Most Embarrassing Thing Germany Has Ever Produced?

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Deutschland über us.

Image: Bengt Nyman

When you think of German music, what comes to mind is probably:

...or, if you're feeling classy:

...or, perhaps, if you want to be snarky, this; or, if you have excellent taste, this; or, alas, this.

However, what you probably don't realize - because this is Germany's best-kept (or at any rate least-translated) cultural secret - is that the most popular genre of homegrown music, in the most important country in the world, is the aural equivalent of nuclear war. It's an oeuvre that makes Christian rock seem subversive. As Nico Roicke put it in the Guardian a few years ago, what I'm about to show you is "Germany's most embarrassing musical genre" - and this is a country that brought us a phenomenally unnecessary reboot of Montell Jordan's "This Is How We Do It." (DON'T MESS WITH PERFECTION.)

Allow me to introduce a category called Schlager-pronounced SHLOG-uh (literally "hits"), but not to be confused with Goldschläger, (GOLT-schlay-guh), though the latter is, interestingly, what the former would both taste like and do to your brain if distilled into liquid form. Schlager is a form of pop so insipid and saccharine that it is possible the Communists built the Berlin Wall to keep it out.

I feel like you need to witness some right now, before we talk any more.

Don't worry, there's an unfathomable amount more where that came from.

As German columnist Teresa Fries writes in her latest on Young Person's Blog jetzt ("now"), for reasons neither she nor I can fathom, far too many Germans of a Certain Age live their lives under schlager's thrall. Of the current top five albums on the German charts, two are schlager records. To put it into perspective, that would be like if the number three and four albums on the US Billboard Hot 100 were Christian rock about cats. (To be fair, the current top two albums in Germany are German-language hip-hop, but that's a discussion for another day.)

Fries writes of her own young-Boomer-aged parents' habit of watching several hours of schlager specials on TV every night before they go to bed - there's the Spring Festival of Volksmusik, the Summer Festival of Volksmusik, the Great New Year's Schlagin' Eve Spectacular (my approximate and excellent translation); and on and on forever.

Judiciously, Fries describes her decision, as a grown adult, to sit with her parents on the couch while they enjoy this entertainment, as a "true test of love," one whose extent she doubts they understand. When, in elementary school, she discovered she'd been slightly hard of hearing her whole life, she assumed she had "simply tried, while in the womb, to develop some sort of self-protection mechanism against the musical taste of my parents."

Now, you may be asking: BUT HOW DO I KNOW I AM LISTENING TO SCHLAGER AND NOT NORMAL TERRIBLE POP MUSIC, REBECCA? Oh, you'll know. But, on the extremely unlikely off-chance that you're not sure, here's a concrete blueprint.

One: Schlager contains lyrics that are maximally chirpy, predictable, simplistic and very, very, very, very rhyming. If your average terrible pop song rhymes ten times in thirty seconds, a schlager hit (REDUNDANT) rhymes fifty times in thirty seconds. Like if your Golden Retriever learned German and then wrote a song. Here's an example Fries provides, by the schlager superstar Michelle (one name).

Du und die, das geht nie
(DOO oont DEE, DOSS gayt NEE)
Das geht nicht mal irgendwie
(DOSS gayt NISCHT mall EAR-goont-VEE)
Einen Mann zum Wahnsinn treiben
(AYE-nun MONN tsoom VONN-zinn TRIBE-un)
Das kann keine so wie sie
(DOSS konn KINE-uh ZO VEE ZEE)

Or, more or less:

You and she
will never be
Never, no way
no-how, gee
To drive a man
to be crazy
Is all from her
you'll ever see

Two: You can recognize schlager by its subject matter, which is never, ever, ever political, risqué, or even too grumpy. (The latter is probably why so many Germans rightly find it offensive.) Schlager songs are usually, as the above demonstrates, about love as envisioned by an animate American Girl doll. But they can also, as Roicke pointed out in the Guardian, touch on such disparate subtopics as " being on holiday, country living, life on the Autobahn, living with animals and living with animals on the Autobahn;"

Three: Every schlager song climaxes in a particularly simplistic and soaring melody, reminiscent of what your 1980s keyboard's "boogie" setting would write if it became sentient.

Though its roots trace back to the operettas of the late Weimar Republic, the true origin story of schlager involves the postwar Wirtschaftswunder (VURT-shofts-VOON-dur, or "economic miracle") of West Germany, a period where, thanks to a bunch of important stuff that God invented history professors to explain to you, people in the Federal Republic got to enjoy all manner of Western consumer goods - including, of course, the Devil's Music. So schlager really came into its own in the postwar years, meant as it was to lure Germans away from Rock 'n Roll's unapologetic Americanness, sensuality, and (usually stolen) blackness. I'm not sure what the precise formula for OG schlager was, but I'm guessing Pat Boone + Lawrence Welk x fourth-grade German poetry project ^ just the tiniest hint of oompah.

The hits inexplicably kept chugging through the sixties, now in place as a stalwart against the so-called '68 Group, harbingers of West Germany's version of the cultural revolution:

And on and on schlager plodded, like the treacly chords of its own hooks, through the disco era, and then sharing radio space with actual greats of the German New Wave in the eighties ( Nena 4Lyfe!), experiencing a dip during reunification and Germany's total takeover by the baby Backstreet Boys in the mid-nineties, and on and on like the interminable repetition in Wofgang Petry's seminal Verlieben, verloren, vergessen, verzeihn, to the present, where we can find schlager hits 24 hours a day on the dedicated German channel "Gute Laune TV" (GOOT-uh LOW-nuh, or "good mood," which Fries points out is a misnomer of the highest order).

I feel sort of bad picking on schlager, because I suspect that Germans' relationship to the alleged Music of the People is not unlike that of Teresa Fries and her own parents - or, for that matter, me and mine. I can make fun of my own mom as much as I want, but if someone else does it, I am legally obligated to kick their ass. So, even though schlager is categorically awful, do I as a non-German have any right to diss it? I'm not sure I do. In fact, I will totally understand if what I have coming to me for voicing this particular opinion is my very own Schlag to the face. If only there existed a violent cinnamon liqueur to dull the pain.

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Is Schlager Music The Most Embarrassing Thing Germany Has Ever Produced?

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Deutschland über us. When you think of German music, what comes to mind is probably: ...or, if you're feeling classy: ...or, perhaps, if you want to be snarky, this; or, if you have excellent taste, this; or, alas, this.

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Artikel auf Englisch von dem Guardian

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Schlager louts: meet Germany's biggest pop stars

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Nico Roicke: Their albums dominate the charts, bought by fans who make a Songs of Praise audience look youthful. This is schlager, Germany's most embarrassing musical genre

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Der idealisierte Begriff "natürlich" war ein Leitgedanke dieser Periode. Mit der besseren wirtschaftlichen Lage konnten viele Bürger sich für Musik interessieren, und sogar ihre eigene Musik machen. Gegen die Verziertheit und Künstlichkeit des Barocks kam in der Klassik eine neue Einfachheit an die Vorderseite.

Stil: schlichter und einfacher. Melodie und Harmonie waren die Norm, der Kontrapunkt war nicht mehr beliebt. Klassische Strukturen sind balanciert und symmetrisch (ABA oder Frage-Antwort). Das Klavier wurde zum wichtigsten Soloinstrument, teils wegen seiner dynamischen Fähigkeiten und teils weil die Bürger sich ein Klavier leisten konnten.

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Geschichte der klassischen Musik in Deutschland

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Der idealisierte Begriff "natürlich" war ein Leitgedanke dieser Periode. Mit der besseren wirtschaftlichen Lage konnten viele Bürger sich für Musik interessieren, und sogar ihre eigene Musik machen. Gegen die Verziertheit und Künstlichkeit des Barocks kam in der Klassik eine neue Einfachheit an die Vorderseite. Stil: schlichter und einfacher.

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Unterhaltungs- und Populäre Musik in Deutschland

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Unterhaltungs- und Populäre Musik in Deutschland

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In den ersten Jahren nach dem Krieg hatte das deutsche Publikum wenig Zeit für Unterhaltungsmusik. Das, was sie im Radio hörten, kam hauptsächlich aus den USA oder England (manchmal auch aus Frankreich). Aber als das amerikanische Phänomen der Rockmusik an die Szene tritt, haben sich Deutsche enthusiastisch dafür begeistert. Neue Stile wie Rockabilly, R&B, DooWop, Soul und Folk Rock haben deutsche Musiker aufgenommen; oft wurden Cover-Versionen von berühmten amerikanischen Hits auf Deutsch gesungen. Auch beliebt wurden neue internationale Tanzstile wie der Bossanova, der Tango, usw. Andere europäische Länder wie Griechenland und Ungarn lieferten auch erfolgreiche Sänger und Stile. Hoch auf den Charts blieben aber vor allem die originalen amerikanischen und englischen Sänger; deutsche Musiker sind manchmal bis auf Platz 5 gestiegen, nur selten höher.Mit dem Anfang der British-Invasion (Beatles, Rolling Stones, usw.) verschwanden fast alle deutschen Bands aus den Hitparaden. Komischerweise gab es kaum einen deutschen Musiker, der nach 1965 noch echte "Rockmusik" machte. Stattdessen sangen die deutschen Liedermacher Balladen, Novitäten und sogenannte "Schlager", die nicht nur bei Jugendlichen, sondern auch bei der älteren Generationen Erfolg fanden. Diese Schlager behielten ihren exklusiven Platz in der deutschen Musikszene durch die 70er Jahre hindurch: fast alle deutschen Hits dieser Zeit sind nicht "Rock" sondern "Schlager". Ausnahmen bilden nur diejenigen Einzelnen, die avantgardistische oder ungewöhnliche Musik machten, wie die neuen elektronischen Bands und die (sehr wenigen) deutschen Country-Sänger. Hier muss aber auch erwähnt werden, dass eine Handvoll deutscher Liedermacher wie Udo Lindenberg und Marius Müller-Westernhagen von den 70er Jahren bis heute sehr erfolgreich geblieben sind.Tatsächlich war deutsche Musik lange Zeit mit Schlagermusik gleichzusetzen. Die Jugendlichen hörten lieber englischsprachigen Rock und Pop, die meisten deutschen Bands machten Schlager oder Volksmusik. Dies änderte sich plötzlich anfangs der 80er Jahre, als die Neue Deutsche Welle (NDW) aufkam. Plötzlich wurde überall deutsche Rocklieder gesungen, und deutsche Bands fanden erstaunlichen Erfolg in den Hitparaden; sie haben sogar Erfolg in den USA gehabt. (Die NDW hat nur wenig mit dem englischsprachigen "New Wave" zu tun, obwohl es zur selben Zeit populär wurde.) Die Texte der NDW-Lieder waren meist witzig und machten sich oft über den deutschen Schlager lustig. Sie waren in der Regel naiv, albern oder zumindest lustig. Viele Bands dieser Zeit interessierten sich für elektronische Musik und Keyboards. Das Phänomen der NDW dauerte nur ein paar Jahre (bis 1986 war es schon vorbei) aber lieferte eine Menge deutsche Hits, die noch heute von allen Jugendlichen sofort erkannt werden. Zur NDW gehören die meisten Bands der frühen 80er Jahren, aber es gab immerhin einige Ausnahmen, wie z.B. den sehr populären Sänger Herbert Grönemeyer, der vom Anfang der 80er bis ins neue Jahrtausend großen Erfolg in den Charts fand.In den späten 80er und frühen 90er Jahren war es schon wieder schwierig, deutsche Musiker in den Charts zu finden. Einige deutsche Bands wurden mit englischsprachigen Liedern erfolgreich, aber meistens kaufte das deutsche Publikum wieder amerikanische und britische Bands. Mitte des Jahrzehnts begann sich das zu ändern: zuerst mit deutschen Cover-Versionen von älteren Hits, und dann mit neuen Formen wie Techno und Hip-Hop. Heute hört man in deutschem Radio neben den internationalen Stars auch viele deutsche Hip-Hop-Bands, die manchmal mit amerikanischen Rapsängern zusammenarbeiten. Auch berühmt sind einige deutsche Girl- und Boy-Bands, die moderne Einflüsse (Rave, Drum&Bass, Rap) in ihren Hits einarbeiten. Die Volksmusik war schon immer beliebt. Die Romantiker haben volkstümliche Melodien und Lieder als Quellen für ihre Kompositionen benutzt. Am Ende des Jahrhunderts erzeugte der wachsende Elitismus der Kunstmusik eine spürbare Kluft zwischen "klassische" und "populäre" Musik -- am Anfang des 20. Jahrhunderts als "E-Musik" (elitäre Musik) und "U-Musik" (Unterhaltungsmusik) bezeichnet. Zu dieser Zeit wurden Volkslieder von allen gesellschaftlichen Ständen gesungen.

Beispiele:

* Volkslied: Mein Vater war ein Wandersmann oder Der fröhliche Wanderer

* Volkslied: Muss i denn

* Volkslied: Guten Abend, gute Nacht

Unterhaltungsmusik als lokalisierte Heimatsmusik (z.B. Wiener Wälzer, Seelieder, Städtelieder) hat viel mit der Volkmusik gemeinsam. Heimatlieder haben sich seit dem späten 19. Jahrhundert sehr wenig geändert, und sind immer noch zu bestimmten Ereignissen beliebt. Auch hiermit verbunden sind die vielen Trinklieder und Märsche, die noch heute zu lokalen Festen gespielt werden.

Um die Jahrhundertwende entwickelten sich in den USA neue Formen der Musik, wie Ragtime und Blues. Diese Stile sind nur selten nach Deutschland gekommen, da es die Aufnahme- und Sendetechnologie noch nicht gab. (1917 kamen die ersten Schallplatten auf den Markt in den USA; in Deutschland war es ein paar Jahre später.) Jedoch kamen langsam Berichte von Reisenden über diese neuen Musikformen, die durch den frühen 1900er Jahren sparsam in Deutschland gespielt wurden.

Beispiele:

* Trinklied: In München steht ein Hofbräuhaus

* Trinklied: Bier her

* Heimatlied: Kufsteiner Lied

Beispiel:

* Ragtime: Easy Winners (Scott Joplin)

Nach dem ersten Weltkrieg haben die Deutschen zum ersten Mal eine richtige demokratische Regierung an die Macht gebracht. Zu dieser Zeit entwickelte sich eine Vorliebe für alles Amerikanische, im politischen Leben so wie in der Alltagskultur. So erschienen zum ersten Mal große Kaufhäuser nach amerikanischem Vorbild, Reklame und Werbung, und ein energisches Nachtleben, besonders in den großen Städten wie Berlin und München. Zum Nachtleben gehörten solche Institutionen wie Klubs, Bars, Kabaretts, Dancehalls, Vaudeville-Shows, und Revues. Musikalische Stile wie Jazz, Bigband, Swing, Musichall, Boardwalk und Balladen erhielten den Vorrang. Sehr wichtig waren die neuen Tonfilme, die oft musikalische Stücke miteinbezogen; diese Nummern wurden zu Ohrwürmer für das deutsche Publikum. Auch sehr beliebt waren Operetten (leichte Opern) und frühe Musicals, die klassische Musik mit der neuen Unterhaltungsmusik zusammenbrachten.

Beispiele:

* 1930:

Mackie Messer aus der Dreigroschenoper (Bertolt Brecht)

* 1930:

Ich bin die Christl von der Post aus Im weißen Rößl (Lucia Popp)

* 1930:

Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt aus der Blauen Engel (Marlene Dietrich)

Während des Krieges war Musik nach amerikanischem Vorbild in Deutschland praktisch verboten. Jazz wurde seltener gespielt (es galt aus Musik der Schwarzen), obwohl die Öffentlichkeit es noch sehr genoss. Stattdessen wurden Volkslieder und Heimatlieder gepriesen. Auch kamen neue Balladen, die einen "deutscheren" Charakter hatten, und die unter den Soldaten im Krieg besonders beliebt waren. Militärische Märsche wurden oft im Radio und bei Versammlungen gespielt, und fanden auch einige Erfolge in den Ohren des Publikums.

Beispiele:

* 1938-45:

Horst-Wessel-Lied oder Die Fahne hoch

90er Jahre: Techno und Hip-Hop

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In den ersten Jahren nach dem Krieg hatte das deutsche Publikum wenig Zeit für Unterhaltungsmusik. Das, was sie im Radio hörten, kam hauptsächlich aus den USA oder England (manchmal auch aus Frankreich). Aber als das amerikanische Phänomen der Rockmusik an die Szene tritt, haben sich Deutsche enthusiastisch dafür begeistert.

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Was ist Techno?

Der Rhythmus ist schnell, aber einfach. Der Bass treibt stetig voran. Es gibt nicht den einen Erfinder für die elektronische Tanzmusik. Die Band Kraftwerk soll den Techno aber entscheidend geprägt haben.

Techno meets Klassik

Der Musiker Gregor Schwellenbach versucht, das Moderne mit dem Traditionellen zu verknüpfen. Er spielt Technostücke mit anderen Musikern nach, auf Geige, Cello und Klavier.

Einen Technotrack mixen

Rock, Pop oder Elektro: Im Studiengang Populäre Musik an der Folkwang Universität der Künste treffen sich Musikenthusiasten verschiedener Genres. So auch der Technofan Felix Nisblé. Am Institut feilt er oft tagelang an eigenen Tracks, die er auch im Club auflegt.

1 Minute mit: Westbam

Whiskey oder Wasser auf dem Gig? Der Techno-DJ Westbam stellt sich eine Minute unseren Fragen.

"Mister Grand Prix" Ralph Siegel

Ralph Siegel ist Deutschlands König des Eurovision Song Contest. Insgesamt 18 mal nahm er als Komponist an den Ausscheidungen teil, wurde einmal Erster, dreimal Zweiter und zweimal Dritter. Jo Hiller hat Ralph Siegel zuhause besucht und dabei so manche Entdeckung gemacht.

Erfolgsrezept für einen Hit

Im Laufe der Jahrzehnte haben ganz unterschiedliche Lieder beim Eurovision Song Contest gewonnen. Doch was macht ein Lied zu einem Hit, der allen gefällt? Und gibt es dafür ein Erfolgsrezept?

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Der Rhythmus ist schnell, aber einfach. Der Bass treibt stetig voran. Es gibt nicht den einen Erfinder für die elektronische Tanzmusik. Die Band Kraftwerk soll den Techno aber entscheidend geprägt haben. Der Musiker Gregor Schwellenbach versucht, das Moderne mit dem Traditionellen zu verknüpfen. Er spielt Technostücke mit anderen Musikern nach, auf Geige, Cello und Klavier.

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Technomusik: Weniger Melodie, mehr Rhythmus

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Technomusik: Weniger Melodie, mehr Rhythmus

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Vom kleinen Club bis zur großen Halle: Techno hat im Viervierteltakt die Tanzflächen dieser Welt erobert. Die Musik ist universal. Jeder kann sie verstehen – und dazu tanzen.

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Was ist Techno? Eine präzise Definition fällt schwer. Eins ist klar: Techno ist anders als die Musik, die Menschen vorher gehört haben. Der Sound weicht ab vom Pop und Rock. Es fehlen die gewohnten Klänge.

Die Basis von Techno ist rein elektronisch. Der DJ benutzt in der Regel keine Instrumente: keinen Bass, keine Gitarre, keinen Gesang. Und auch die Beats spielt nicht der Drummer, sondern ein Computer.

Techno bricht mit den Hörgewohnheiten. Zum bewährten Instrumentarium, das die Menschen bis dahin kannten, gibt es in der elektronischen Musik nur wenige Berührungspunkte. Die ersten in Deutschland, die in den 1970er Jahren mit elektronischen Klängen experimentierten, waren Bands wie Kraftwerk, Can oder Tangerine Dream. Eine Revolution in der Popmusik.

Technomusik ist aber noch radikaler: Der Sound wirkt extrem maschinell, kalt und unemotional. Nicht die Harmonien stehen im Zentrum, sondern die Rhythmen. Diese sind stets im Viervierteltakt gehalten. Bumm, bumm, bumm, bumm. Die Bassdrum-Trommel treibt stur voran - oft ohne Unterbrechung. Die Musik ist monoton. Sie eignet sich damit dazu, sich in Trance zu tanzen.

Nicht nur die Sounds, auch die Strukturen des Techno haben wenig mit dem zu tun, was wir aus anderen Musikgenres wie Rock, Pop oder Hip-Hop kennen. Das zeigt schon die Bezeichnung der Nummern: Statt von Songs sprechen die Technofans von Tracks.

Es gibt weder Strophen noch Refrains oder Soli, die Spannung erzeugen und Struktur stiften. Eigentlich verfügen Technotracks nicht einmal über Anfang und Ende. Der DJ mixt die Lieder nahtlos ineinander.

Diese Methode nutzten die ersten Technopioniere schon Mitte der 1980er Jahre. Die Grundlage dafür bildeten meist die B-Seiten bekannter Songs, die Clubmixe. Diese zeichneten sich durch lange, stark rhythmisierte, sich wiederholende Instrumentalpassagen aus.

DJs wie Kevin Saunderson in Detroit oder Frankie Knuckles in Chicago konzentrierten sich in ihren Sets immer mehr auf diese Passagen, in denen der Ursprungssong kaum noch zu erkennen war. Während die Menschen in Chicago von House sprachen, sprach man in Detroit von Techno. Beide Stile verschmolzen miteinander. Die Bezeichnung Techno setzte sich aber durch.

Techno ist Tanzmusik - und das in der konsequentesten Form. Wer Techno hört, setzt sich in der Regel nicht still vor seine Stereoanlage, um den Klängen zu lauschen.

Nein: Techno ist funktionale Musik, die nicht aus ästhetischen Gründen um ihrer selbst willen gehört wird. Wer Techno hört, spürt den Drang, sich zu bewegen. Techno stellt das Individuum in den Mittelpunkt, das im Tanz sich und seinen eigenen Körper feiert.

Wer zu Techno tanzt, braucht dabei weder eine Gruppe noch einen Partner. In den Clubs tanzen viele Menschen stundenlang alleine, in sich selbst versunken.

Um ausdauernd tanzen zu können, kommt so manches Hilfsmittel zum Einsatz. Alkohol macht müde und ist eher kontraproduktiv. Viele schwören daher auf Energydrinks, Koffein oder Guarana. Aber auch illegale Drogen wie Ecstasy oder Amphetamine gehören auf Technopartys oft dazu.

Wenn ein Track funktioniert, wenn er also zum Tanzen animiert, wird er gefeiert - unabhängig davon, wer ihn produziert hat. Das ist oft anders als in anderen populären Musikgenres wie dem Pop oder Rock.

Viele Technoproduzenten scheinen sich in der Anonymität wohlzufühlen. Sie arbeiten in wechselnden Konstellationen zusammen, ändern oft ihre Pseudonyme und sorgen dafür, dass kaum Fotos und nähere Angaben über sie öffentlich werden.

Gesang gibt es im Techno in der Regel nicht. Es fehlt damit eine inhaltliche Ebene, die im Rock, Pop oder Hip-Hop durch Texte ausgedrückt wird. Wofür oder wogegen Techno steht, ist selten direkt klar. Techno ist tendenziell eher positionslos und unpolitisch.

Im Mittelpunkt stehen Hedonismus und der Spaß am körperlichen Erlebnis. Aufgrund des (oft auch durch Drogenkonsum hervorgerufenen) Gemeinschaftsgefühls während des Tanzens gibt es zwar eine Nähe zur Attitüde der Hippie-Ära. Die Botschaften beschränken sich aber meist auf eher floskelhafte Slogans à la Love, Peace and Harmony.

Dass der Techno so erfolgreich ist, lässt sich vermutlich auch mit den fehlenden Texten und Inhalten erklären. Die Musik ist universal - jeder kann sie verstehen. Die Musik ist simpel, die Einstiegshürde gering und vorwiegend unabhängig von Ideologie und politischer Einstellung.

So bevorzugen Neo-Hippies die entspannte Technovariante Goa, während Hooligans bei ultraharten und schnellen Gabbersounds ausrasten. Geschäftsleute kommen direkt aus dem Büro zur After-Work-Party in den Club.

Und auch wer mit Hip-Hop, Rock oder Metal aufgewachsen ist, kann häufig etwas mit Techno anfangen. Die elektronische Musik ist offen für nahezu jede kulturelle Sozialisation. Techno passt zum Zeitalter der Globalisierung, in dem die Kultur zur Ware geworden ist.

Mitte der 1990er Jahre kam der Techno im Mainstream an - wenn auch in deutlich leichter konsumierbarer Form. Eingänge Tracks eroberten die Charts, darunter Coverversionen bekannter Hits, aber auch Kinderlieder, unter die ein flotter Technobeat gelegt wurde.

Selbst von den Schlümpfen erschien ein sehr erfolgreiches Technoalbum. Puristen, die diese Auswüchse als Verrat an der ursprünglichen Idee empfanden, zogen sich in den Untergrund zurück. Gleichzeitig wurde mit Eurodance ein neuer Stil populär, der schnelle Technorhythmen mit eingängigem Pop und Rap verbindet und sogar Schlager und Volksmusik-Elemente integriert.

In Deutschland wurden Clubs wie das "Dorian Gray" und das "Omen" in Frankfurt sowie der "Tresor" und der "Bunker" in Berlin zu den Orten der Technoszene. Wenn angesagte DJs wie Sven Väth oder Westbam dort auflegten, bildeten sich lange Schlangen.

1989 fand die erste Loveparade statt. Nur ein paar hundert Tänzer kamen damals zusammen, um auf den Straßen Berlins zu tanzen. Zehn Jahre später waren es bereits anderthalb Millionen Menschen, die wild kostümiert zu den Technoklängen feierten. Fernseh- und Radiosender übertrugen die Veranstaltung live.

Seit dem Unglück von 2010 in Duisburg, bei dem im Gedränge 21 Menschen starben und hunderte verletzt wurden, findet die Loveparade zwar nicht mehr statt. Aber auch ohne diese Veranstaltung, die lange Zeit als die Spitze der Bewegung galt, ist die Technomusik stets präsent.

Die heutige Clubkultur basiert maßgeblich auf den Standards aus den Neunzigern. Auf Partys dem Arbeitsalltag zu entfliehen - das ist in den Zeiten des Turbokapitalismus attraktiver denn je.

Und musikalisch ist das Prinzip Techno ohnehin in der Mitte der Gesellschaft angekommen. Ob in den Charts, in Werbespots oder Kinofilmen - tanzbare, elektronische Musik ist überall präsent.

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Was ist Techno? Eine präzise Definition fällt schwer. Eins ist klar: Techno ist anders als die Musik, die Menschen vorher gehört haben. Der Sound weicht ab vom Pop und Rock. Es fehlen die gewohnten Klänge. Die Basis von Techno ist rein elektronisch. Der DJ benutzt in der Regel keine Instrumente: keinen Bass, keine Gitarre, keinen Gesang.

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In Deutschland gibt es mehrere offizielle Hitlisten. Was in den Top Ten ist, steht im Plattenladen in der vordersten Reihe und wird im Radio häufiger gespielt als andere Titel. Die Verkaufschancen und die Popularität eines Titel steigen rasant, wenn er in die Hitparaden einsteigt.

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Wer deutsch singt, ist peinlich, uncool und ewiggestrig. Dieses Urteil hat sich in der Musikwelt Deutschlands lange gehalten. Das hat sich inzwischen geändert – zumindest im Pop. Zur Volksmusik haben viele Deutsche immer noch ein gespaltenes Verhältnis. Aber selbst das scheint sich allmählich zu ändern.

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Kein Wunder, dass Musik heute von vielen Experten nicht nur als schönes Hobby angesehen, sondern in der Medizin auch als therapeutisches Hilfsmittel einsetzt wird.

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Musik ist viel mehr als nur ein schöner Zeitvertreib. Musik kann Balsam für die Seele sein und die geistige und soziale Entwicklung von Kindern fördern. Bei Erwachsenen mobilisiert Musik das Gehirn und produziert Glückshormone.

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Für Frieden, gegen Nazis und das System: In den 1970er und 1980er Jahren waren politische Texte weit verbreitet in der deutschen Rock- und Popmusik. Heute ist das anders.

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Regional statt national

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Eine Playliste deutscher Musik

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Wikipedia auf Englisch

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Wikipedia auf Englisch

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Johannes Brahms (German: [joˈhanəsˈbʁaːms]; 7 May 1833 - 3 April 1897) was a German composer, pianist, and conductor of the mid- Romantic period. Born in Hamburg into a Lutheran family, he spent much of his professional life in Vienna. He is sometimes grouped with Johann Sebastian Bach and Ludwig van Beethoven as one of the " Three Bs" of music, a comment originally made by the nineteenth-century conductor Hans von Bülow.

Brahms composed for symphony orchestra, chamber ensembles, piano, organ, voice, and chorus. A virtuoso pianist, he premiered many of his own works. He worked with leading performers of his time, including the pianist Clara Schumann and the violinist Joseph Joachim (the three were close friends). Many of his works have become staples of the modern concert repertoire.

Brahms has been considered both a traditionalist and an innovator, by his contemporaries and by later writers. His music is rooted in the structures and compositional techniques of the Classical masters. Embedded within those structures are deeply Romantic motifs. While some contemporaries found his music to be overly academic, his contribution and craftsmanship were admired by subsequent figures as diverse as Arnold Schoenberg and Edward Elgar. The detailed construction of Brahms's works was a starting point and an inspiration for a generation of composers.

Early years (1833-1850)

Photograph from 1891 of the building in Hamburg where Brahms was born. It was destroyed by bombing in 1943.

Brahms's father, Johann Jakob Brahms, was from the town of Heide in Holstein. The family name was also sometimes spelt 'Brahmst' or 'Brams', and derives from 'Bram', the German word for the shrub broom. Against the family's will, Johann Jakob pursued a career in music, arriving in Hamburg in 1826, where he found work as a jobbing musician and a string and wind player. In 1830, he married Johanna Henrika Christiane Nissen, a seamstress 17 years older than he was. In the same year he was appointed as a horn player in the Hamburg militia. Eventually he became a double-bass player in the Stadttheater Hamburg and the Hamburg Philharmonic Society. As Johann Jakob prospered, the family moved over the years to ever better accommodation in Hamburg. Johannes Brahms was born in 1833; his sister Elisabeth (Elise) had been born in 1831 and a younger brother Fritz Friedrich (Fritz) was born in 1835. Fritz also became a pianist; overshadowed by his brother, he emigrated to Caracas in 1867, and later returned to Hamburg as a teacher.

Johann Jakob gave his son his first musical training; Johannes also learnt to play the violin and the basics of playing the cello. From 1840 he studied piano with Otto Friedrich Willibald Cossel. Cossel complained in 1842 that Brahms "could be such a good player, but he will not stop his never-ending composing." At the age of 10, Brahms made his debut as a performer in a private concert including Beethoven's quintet for piano and winds Op. 16 and a piano quartet by Mozart. He also played as a solo work an étude of Henri Herz. By 1845 he had written a piano sonata in G minor. His parents disapproved of his early efforts as a composer, feeling that he had better career prospects as a performer.

From 1845 to 1848 Brahms studied with Cossel's teacher, the pianist and composer Eduard Marxsen. Marxsen had been a personal acquaintance of Beethoven and Schubert, admired the works of Mozart and Haydn, and was a devotee of the music of J. S. Bach. Marxsen conveyed to Brahms the tradition of these composers and ensured that Brahms's own compositions were grounded in that tradition. In 1847 Brahms made his first public appearance as a solo pianist in Hamburg, playing a fantasy by Sigismund Thalberg. His first full piano recital, in 1848, included a fugue by Bach as well as works by Marxsen and contemporary virtuosi such as Jacob Rosenhain. A second recital in April 1849 included Beethoven's Waldstein sonata and a waltz fantasia of his own composition and garnered favourable newspaper reviews.

Brahms's compositions at this period are known to have included piano music, chamber music and works for male voice choir. Under the pseudonym 'G. W. Marks', some piano arrangements and fantasies were published by the Hamburg firm of Cranz in 1849. The earliest of Brahms's works which he acknowledged (his Scherzo Op. 4 and the song Heimkehr Op. 7 no. 6) date from 1851. However, Brahms was later assiduous in eliminating all his early works; even as late as 1880 he wrote to his friend Elise Giesemann to send him his manuscripts of choral music so that they could be destroyed.

Persistent stories of the impoverished adolescent Brahms playing in bars and brothels have only anecdotal provenance, and many modern scholars dismiss them; the Brahms family was relatively prosperous, and Hamburg legislation very strictly forbade music in, or the admittance of minors to, brothels.

Early career (1850-1862)

Ede Reményi (l.) and Brahms in 1852

Brahms in 1853

Clara Schumann in 1857, photograph by Franz Hanfstaengl

In 1850 Brahms met the Hungarian violinist Ede Reményi and accompanied him in a number of recitals over the next few years. This was his introduction to "gypsy-style" music such as the , which was later to prove the foundation of his most lucrative and popular compositions, the two sets of Hungarian Dances (1869 and 1880). 1850 also marked Brahms's first contact (albeit a failed one) with Robert Schumann; during Schumann's visit to Hamburg that year, friends persuaded Brahms to send the former some of his compositions, but the package was returned unopened.

In 1853 Brahms went on a concert tour with Reményi. In late May the two visited the violinist and composer Joseph Joachim at Hanover. Brahms had earlier heard Joachim playing the solo part in Beethoven's violin concerto and been deeply impressed. Brahms played some of his own solo piano pieces for Joachim, who remembered fifty years later: "Never in the course of my artist's life have I been more completely overwhelmed". This was the beginning of a friendship which was lifelong, albeit temporarily derailed when Brahms took the side of Joachim's wife in their divorce proceedings of 1883. Brahms also admired Joachim as a composer, and in 1856 they were to embark on a mutual training exercise to improve their skills in (in Brahms's words) "double counterpoint, canons, fugues, preludes or whatever". Bozarth notes that "products of Brahms's study of counterpoint and early music over the next few years included "dance pieces, preludes and fugues for organ, and neo- Renaissance and neo- Baroque choral works".

After meeting Joachim, Brahms and Reményi visited Weimar, where Brahms met Franz Liszt, Peter Cornelius, and Joachim Raff, and where Liszt performed Brahms's Op. 4 Scherzo at sight. Reményi claimed that Brahms then slept during Liszt's performance of his own Sonata in B minor; this and other disagreements led Reményi and Brahms to part company.

Brahms visited Düsseldorf in October 1853, and, with a letter of introduction from Joachim, was welcomed by Schumann and his wife Clara. Schumann, greatly impressed and delighted by the 20-year-old's talent, published an article entitled "Neue Bahnen" ("New Paths") in the 28 October issue of the journal Neue Zeitschrift für Musik nominating Brahms as one who was "fated to give expression to the times in the highest and most ideal manner". This praise may have aggravated Brahms's self-critical standards of perfection and dented his confidence. He wrote to Schumann in November 1853 that his praise "will arouse such extraordinary expectations by the public that I don't know how I can begin to fulfil them". While in Düsseldorf, Brahms participated with Schumann and Schumann's pupil Albert Dietrich in writing a movement each of a violin sonata for Joachim, the " F-A-E Sonata", the letters representing the initials of Joachim's personal motto Frei aber einsam ("Free but lonely").

Schumann's accolade led to the first publication of Brahms's works under his own name. Brahms went to Leipzig where Breitkopf & Härtel published his Opp. 1-4 (the Piano Sonatas nos. 1 and 2, the Six Songs Op. 3, and the Scherzo Op. 4), whilst Bartholf Senff published the Third Piano Sonata Op. 5 and the Six Songs Op. 6. In Leipzig, he gave recitals including his own first two piano sonatas, and met with Ferdinand David, Ignaz Moscheles, and Hector Berlioz, among others.

After Schumann's attempted suicide and subsequent confinement in a mental sanatorium near Bonn in February 1854 (where he died of pneumonia in 1856), Brahms based himself in Düsseldorf, where he supported the household and dealt with business matters on Clara's behalf. Clara was not allowed to visit Robert until two days before his death, but Brahms was able to visit him and acted as a go-between. Brahms began to feel deeply for Clara, who to him represented an ideal of womanhood. Their intensely emotional platonic relationship lasted until Clara's death. In June 1854 Brahms dedicated to Clara his Op. 9, the Variations on a Theme of Schumann. Clara continued to support Brahms's career by programming his music in her recitals.

After the publication of his Op. 10 Ballades for piano, Brahms published no further works until 1860. His major project of this period was the Piano Concerto in D minor, which he had begun as a work for two pianos in 1854 but soon realized needed a larger-scale format. Based in Hamburg at this time, he gained, with Clara's support, a position as musician to the tiny court of Detmold, the capital of the Principality of Lippe, where he spent the winters of 1857 to 1860 and for which he wrote his two Serenades (1858 and 1859, Opp. 11 and 16). In Hamburg he established a women's choir for which he wrote music and conducted. To this period also belong his first two Piano Quartets ( Op. 25 and Op. 26) and the first movement of the third Piano Quartet, which eventually appeared in 1875.

The end of the decade brought professional setbacks for Brahms. The premiere of the First Piano Concerto in Hamburg on 22 January 1859, with the composer as soloist, was poorly received. Brahms wrote to Joachim that the performance was "a brilliant and decisive - failure ... [I]t forces one to concentrate one's thoughts and increases one's courage ... But the hissing was too much of a good thing ..." At a second performance, audience reaction was so hostile that Brahms had to be restrained from leaving the stage after the first movement. As a consequence of these reactions Breitkopf and Härtel declined to take on his new compositions. Brahms consequently established a relationship with other publishers, including Simrock, who eventually became his major publishing partner. Brahms further made an intervention in 1860 in the debate on the future of German music which seriously misfired. Together with Joachim and others, he prepared an attack on Liszt's followers, the so-called " New German School" (although Brahms himself was sympathetic to the music of Richard Wagner, the School's leading light). In particular they objected to the rejection of traditional musical forms and to the "rank, miserable weeds growing from Liszt-like fantasias". A draft was leaked to the press, and the Neue Zeitschrift für Musik published a parody which ridiculed Brahms and his associates as backward-looking. Brahms never again ventured into public musical polemics.

Brahms's personal life was also troubled. In 1859 he became engaged to Agathe von Siebold. The engagement was soon broken off, but even after this Brahms wrote to her: "I love you! I must see you again, but I am incapable of bearing fetters. Please write me ... whether ... I may come again to clasp you in my arms, to kiss you, and tell you that I love you." They never saw one another again, and Brahms later confirmed to a friend that Agathe was his "last love".

Maturity (1862-1876)

Johannes Brahms, photographed c. 1872

Brahms had hoped to be given the conductorship of the Hamburg Philharmonic, but in 1862 this post was given to the baritone Julius Stockhausen. (Brahms continued to hope for the post; but when he was finally offered the directorship in 1893, he demurred as he had "got used to the idea of having to go along other paths".) In autumn 1862 Brahms made his first visit to Vienna, staying there over the winter. There he became an associate of two close members of Wagner's circle, his earlier friend Peter Cornelius and Karl Tausig, and of Joseph Hellmesberger Sr. and Julius Epstein, respectively the Director and head of violin studies, and the head of piano studies, at the Vienna Conservatoire. Brahms's circle grew to include the notable critic (and opponent of the 'New German School') Eduard Hanslick, the conductor Hermann Levi and the surgeon Theodor Billroth, who were to become amongst his greatest advocates.

In January 1863 Brahms met Richard Wagner for the first time, for whom he played his Handel Variations Op. 24, which he had completed the previous year. The meeting was cordial, although Wagner was in later years to make critical, and even insulting, comments on Brahms's music. Brahms however retained at this time and later a keen interest in Wagner's music, helping with preparations for Wagner's Vienna concerts in 1862/63, and being rewarded by Tausig with a manuscript of part of Wagner's Tannhäuser (which Wagner demanded back in 1875). The Handel Variations also featured, together with the first Piano Quartet, in his first Viennese recitals, in which his performances were better received by the public and critics than his music.

Although Brahms entertained the idea of taking up conducting posts elsewhere, he based himself increasingly in Vienna and soon made it his home. In 1863, he was appointed conductor of the Wiener Singakademie. He surprised his audiences by programming many works by the early German masters such as Heinrich Schütz and J. S. Bach, and other early composers such as Giovanni Gabrieli; more recent music was represented by works of Beethoven and Felix Mendelssohn. Brahms also wrote works for the choir, including his Motet, Op. 29. Finding however that the post encroached too much of the time he needed for composing, he left the choir in June 1864. From 1864 to 1876 he spent many of his summers in Lichtental, where Clara Schumann and her family also spent some time. His house in Lichtental, where he worked on many of his major compositions including A German Requiem and his middle-period chamber works, is preserved as a museum.

In February 1865 Brahms's mother died, and he began to compose his large choral work A German Requiem, Op. 45, of which six movements were completed by 1866. Premieres of the first three movements were given in Vienna, but the complete work was first given in Bremen in 1868 to great acclaim. A seventh movement (the soprano solo "Ihr habt nun Traurigkeit") was added for the equally successful Leipzig premiere (February 1869). The work went on to receive concert and critical acclaim throughout Germany and also in England, Switzerland and Russia, marking effectively Brahms's arrival on the world stage. Brahms also experienced at this period popular success with works such as his first set of Hungarian Dances (1869), the Liebeslieder Waltzes, Op. 52, (1868/69), and his collections of lieder (Opp. 43 and 46-49). Following such successes he finally completed a number of works that he had wrestled with over many years such as the cantata Rinaldo (1863-1868), his first two string quartets Op. 51 nos. 1 and 2 (1865-1873), the third piano quartet (1855-1875), and most notably his first symphony which appeared in 1876, but which had been begun as early as 1855. During 1869 Brahms had felt himself falling in love with the Schumann's daughter Julie (then aged 24 to his 36) but did not declare himself; when later that year Julie's engagement to Count Marmorito was announced, he wrote and gave to Clara the manuscript of his Alto Rhapsody (Op. 53). Clara wrote in her diary that "he called it his wedding song" and noted "the profound pain in the text and the music".

From 1872 to 1875, Brahms was director of the concerts of the Vienna Gesellschaft der Musikfreunde. He ensured that the orchestra was staffed only by professionals, and conducted a repertoire which ran from Bach to the nineteenth century composers who were not of the 'New German School'; these included Beethoven, Franz Schubert, Mendelssohn, Schumann, Joachim, Ferdinand Hiller, Max Bruch and himself (notably his large scale choral works, the German Requiem, the Alto Rhapsody, and the patriotic Triumphlied, Op. 55, which celebrated Prussia's victory in the 1870/71 Franco-Prussian War). 1873 saw the premiere of his orchestral Variations on a Theme by Haydn, originally conceived for two pianos, which has become one of his most popular works.

Years of fame (1876-1890)

Eduard Hanslick offering incense to Brahms; cartoon from the Viennese satirical magazine Figaro, 1890

Brahms's first symphony, Op. 68, appeared in 1876, though it had been begun (and a version of the first movement had been announced by Brahms to Clara and to Albert Dietrich) in the early 1860s. During the decade it evolved very gradually; the finale may not have begun its conception until 1868. Brahms was cautious and typically self-deprecating about the symphony during its creation, writing to his friends that it was "long and difficult", "not exactly charming" and, significantly "long and in C Minor", which, as Richard Taruskin points out, made it clear "that Brahms was taking on the model of models [for a symphony]: Beethoven's Fifth".

In May 1876, Cambridge University offered to grant honorary degrees of Doctor of Music to both Brahms and Joachim, provided that they composed new pieces as "theses" and were present in Cambridge to receive their degrees. Brahms was averse to traveling to England, and requested to receive the degree 'in absentia', offering as his thesis the previously performed (November 1876) symphony. But of the two, only Joachim went to England and only he was granted a degree. Brahms "acknowledged the invitation" by giving the manuscript score and parts of his first symphony to Joachim, who led the performance at Cambridge 8 March 1877 (English premiere).

Despite the warm reception the first symphony received, Brahms remained dissatisfied and extensively revised the second movement before the work was published. There followed a succession of well-received orchestral works: the Second Symphony Op. 73 (1877), the Violin Concerto Op. 77 (1878), dedicated to Joachim who was consulted closely during its composition, and the Academic Festival Overture (written following the conferring of an honorary degree by the University of Breslau) and Tragic Overture of 1880. The commendation of Brahms by Breslau as "the leader in the art of serious music in Germany today" led to a bilious comment from Wagner in his essay "On Poetry and Composition": "I know of some famous composers who in their concert masquerades don the disguise of a street-singer one day, the hallelujah periwig of Handel the next, the dress of a Jewish Czardas-fiddler another time, and then again the guise of a highly respectable symphony dressed up as Number Ten" (referring to Brahms's First Symphony as a putative tenth symphony of Beethoven).

Brahms was now recognised as a major figure in the world of music. He had been on the jury which awarded the Vienna State Prize to the (then little-known) composer Antonín Dvořák three times, first in February 1875, and later in 1876 and 1877 and had successfully recommended Dvořák to his publisher, Simrock. The two men met for the first time in 1877, and Dvořák dedicated to Brahms his String Quartet, Op. 34 of that year. He also began to be the recipient of a variety of honours; Ludwig II of Bavaria awarded him the Maximilian Order for Science and Art in 1874, and the music loving Duke George of Meiningen awarded him in 1881 the Commander's Cross of the Order of the House of Meiningen.

At this time Brahms also chose to change his image. Having been always clean-shaven, in 1878 he surprised his friends by growing a beard, writing in September to the conductor Bernhard Scholz: "I am coming with a large beard! Prepare your wife for a most awful sight." The singer George Henschel recalled that after a concert "I saw a man unknown to me, rather stout, of middle height, with long hair and a full beard. In a very deep and hoarse voice he introduced himself as 'Musikdirektor Müller' ... an instant later, we all found ourselves laughing heartily at the perfect success of Brahms's disguise". The incident also displays Brahms's love of practical jokes.

In 1882 Brahms completed his Piano Concerto No. 2, Op. 83, dedicated to his teacher Marxsen. Brahms was invited by Hans von Bülow to undertake a premiere of the work with the Meiningen Court Orchestra. This was the beginning of his collaboration with Meiningen and with von Bülow, who was to rank Brahms as one of the ' Three Bs'; in a letter to his wife he wrote: "You know what I think of Brahms: after Bach and Beethoven the greatest, the most sublime of all composers." The following years saw the premieres of his Third Symphony, Op. 90 (1883) and his Fourth Symphony, Op. 98 (1885). Richard Strauss, who had been appointed assistant to von Bülow at Meiningen, and had been uncertain about Brahms's music, found himself converted by the Third Symphony and was enthusiastic about the Fourth: "a giant work, great in concept and invention". Another, but cautious, supporter from the younger generation was Gustav Mahler who first met Brahms in 1884 and remained a close acquaintance; he rated Brahms as superior to Anton Bruckner, but more earth-bound than Wagner and Beethoven.

In 1889, Theo Wangemann, a representative of the American inventor Thomas Edison, visited the composer in Vienna and invited him to make an experimental recording. Brahms played an abbreviated version of his first Hungarian Dance and of Josef Strauss's Die Libelle on the piano. Although the spoken introduction to the short piece of music is quite clear, the piano playing is largely inaudible due to heavy surface noise.

In that same year, Brahms was named an honorary citizen of Hamburg.

Last years (1890-1897)

Johann Strauss II (left) and Brahms, photographed in Vienna

Brahms had become acquainted with Johann Strauss II, who was eight years his senior, in the 1870s, but their close friendship belongs to the years 1889 and after. Brahms admired much of Strauss's music, and encouraged the composer to sign up with his publisher Simrock. In autographing a fan for Strauss's wife Adele, Brahms wrote the opening notes of The Blue Danube waltz, adding the words "unfortunately not by Johannes Brahms".

Grave in the Vienna Central Cemetery; monument designed by Victor Horta and sculpture by Ilse von Twardowski

After the successful Vienna premiere of his Second String Quintet, op. 111, in 1890, the 57-year-old Brahms came to think that he might retire from composition, telling a friend that he "had achieved enough; here I had before me a carefree old age and could enjoy it in peace." He also began to find solace in escorting the mezzo-soprano Alice Barbi and may have proposed to her (she was only 28). His admiration for Richard Mühlfeld, clarinettist with the Meiningen orchestra, revived his interest in composing and led him to write the Clarinet Trio, Op. 114 (1891); Clarinet Quintet, Op. 115 (1891); and the two Clarinet Sonatas, Op. 120 (1894). Brahms also wrote at this time his final cycles of piano pieces, Opp. 116-119 and the Vier ernste Gesänge (Four Serious Songs), Op. 121 (1896) which were prompted by the death of Clara Schumann and dedicated to the artist Max Klinger who was his great admirer. The last of the Eleven Chorale Preludes for organ, Op. 122 (1896) is a setting of "O Welt ich muss dich lassen" ("O world I must leave thee") and is the last notes that Brahms wrote. Many of these works were written in his house in Bad Ischl, where Brahms had first visited in 1882 and where he spent every summer from 1889 onwards.

In the summer of 1896 Brahms was diagnosed with jaundice and pancreatic cancer, and later in the year his Viennese doctor diagnosed him with liver cancer (from which his father Jakob had died). His last public appearance was on 7 March 1897 when he saw Hans Richter conduct his Symphony No. 4; there was an ovation after each of the four movements. He made the effort, three weeks before his death, to attend the premiere of Johann Strauss's operetta Die Göttin der Vernunft (The Goddess of Reason) in March 1897. His condition gradually worsened and he died on 3 April 1897, in Vienna, aged 63. Brahms is buried in the Vienna Central Cemetery in Vienna, under a monument designed by Victor Horta with sculpture by Ilse von Twardowski.

Style and influences

Brahms maintained a classical sense of form and order in his works, in contrast to the opulence of the music of many of his contemporaries. Thus, many admirers (though not necessarily Brahms himself) saw him as the champion of traditional forms and "pure music", as opposed to the "New German" embrace of programme music.

Brahms venerated Beethoven; in the composer's home, a marble bust of Beethoven looked down on the spot where he composed, and some passages in his works are reminiscent of Beethoven's style. Brahms's First Symphony bears strongly the influence of Beethoven's Fifth Symphony, as the two works are both in C minor and end in the struggle towards a C major triumph. The main theme of the finale of the First Symphony is also reminiscent of the main theme of the finale of Beethoven's Ninth, and when this resemblance was pointed out to Brahms he replied that any dunce could see that. In 1876, when the work was premiered in Vienna, it was immediately hailed as "Beethoven's Tenth". Indeed, the similarity of Brahms's music to that of late Beethoven had first been noted as early as November 1853 in a letter from Albert Dietrich to Ernst Naumann.

Brahms was a master of counterpoint. "For Brahms, ... the most complicated forms of counterpoint were a natural means of expressing his emotions," writes Geiringer. "As Palestrina or Bach succeeded in giving spiritual significance to their technique, so Brahms could turn a canon in motu contrario or a canon per augmentationem into a pure piece of lyrical poetry." Writers on Brahms have commented on his use of counterpoint. For example, of Op. 9, Variations on a Theme by Robert Schumann, Geiringer writes that Brahms "displays all the resources of contrapuntal art". In the A major piano quartet Opus 26, Jan Swafford notes that the third movement is "demonic-canonic, echoing Haydn's famous minuet for string quartet called the 'Witch's Round'". Swafford further opines that "thematic development, counterpoint, and form were the dominant technical terms in which Brahms ... thought about music".

Allied to his skill in counterpoint was his subtle handling of rhythm and meter. The New Grove Dictionary of Music speculates that his contact with Hungarian and gypsy folk music as a teenager led to "his lifelong fascination with the irregular rhythms, triplet figures and use of rubato" in his compositions. The Hungarian Dances are among Brahms's most-appreciated pieces. According to Musgrave (1985, p. 269) "only one composer rivals him in the advanced nature of his rhythmic thinking, and that is Stravinsky."

His consummate skills in counterpoint and rhythm are richly present in A German Requiem, a work that was partially inspired by his mother's death in 1865 (at which time he composed a funeral march that was to become the basis of Part Two, "Denn alles Fleisch"), but which also incorporates material from a symphony which he started in 1854 but abandoned following Schumann's suicide attempt. He once wrote that the Requiem "belonged to Schumann". The first movement of this abandoned symphony was re-worked as the first movement of the First Piano Concerto.

Brahms loved the classical composers Mozart and Haydn. He especially admired Mozart, so much so that in his final years, he reportedly declared Mozart as the greatest composer. On 10 January 1896, Brahms conducted the Academic Festival Overture and both piano concertos in Berlin, and during the following celebration, Brahms interrupted Joachim's toast with "Ganz recht; auf Mozart's Wohl" (Quite right; here's Mozart's health). Brahms also compared Mozart with Beethoven to the latter's disadvantage, in a letter to Richard Heuberger, in 1896: " Dissonance, true dissonance as Mozart used it, is not to be found in Beethoven. Look at . Not only is it a marvel, but as Mozart was still quite young and brash when he wrote it, it was a completely new thing. You couldn't commission great music from Beethoven since he created only lesser works on commission-his more conventional pieces, his variations and the like." Brahms collected first editions and autographs of Mozart and Haydn's works and edited performing editions. He studied the music of pre-classical composers, including Giovanni Pierluigi da Palestrina, Giovanni Gabrieli, Johann Adolph Hasse, Heinrich Schütz, Domenico Scarlatti, George Frideric Handel, and, especially, Johann Sebastian Bach. His friends included leading musicologists, and, with Friedrich Chrysander, he edited an edition of the works of François Couperin. Brahms also edited works by C. P. E. Bach and W. F. Bach. He looked to older music for inspiration in the art of counterpoint; the themes of some of his works are modelled on Baroque sources such as Bach's The Art of Fugue in the fugal finale of Cello Sonata No. 1 or the same composer's Cantata No. 150 in the passacaglia theme of the Fourth Symphony's finale. Peter Phillips hears affinities between Brahms's rhythmically charged contrapuntal textures and those of Renaissance masters such as Giovanni Gabrieli and William Byrd. Referring to Byrd's Though Amaryllis dance, Philips remarks that "the cross-rhythms in this piece so excited E. H. Fellowes that he likened them to Brahms's compositional style."

The early Romantic composers had a major influence on Brahms, particularly Schumann, who encouraged Brahms as a young composer. During his stay in Vienna in 1862-63, Brahms became particularly interested in the music of Franz Schubert. The latter's influence may be identified in works by Brahms dating from the period, such as the two piano quartets Op. 25 and Op. 26, and the Piano Quintet which alludes to Schubert's String Quintet and Grand Duo for piano four hands. The influence of Chopin and Mendelssohn on Brahms is less obvious, although occasionally one can find in his works what seems to be an allusion to one of theirs (for example, Brahms's Scherzo, Op. 4, alludes to Chopin's Scherzo in B-flat minor; the scherzo movement in Brahms's Piano Sonata in F minor, Op. 5, alludes to the finale of Mendelssohn's Piano Trio in C minor).

Brahms considered giving up composition when it seemed that other composers' innovations in extended tonality resulted in the rule of tonality being broken altogether. Although Wagner became fiercely critical of Brahms as the latter grew in stature and popularity, he was enthusiastically receptive of the early Variations and Fugue on a Theme by Handel; Brahms himself, according to many sources, deeply admired Wagner's music, confining his ambivalence only to the dramaturgical precepts of Wagner's theory.

Brahms wrote settings for piano and voice of 144 German folk songs, and many of his lieder reflect folk themes or depict scenes of rural life.

Brahms wrote a number of major works for orchestra, including four symphonies, two piano concertos ( No. 1 in D minor; No. 2 in B-flat major), a Violin Concerto, a Double Concerto for violin and cello, and the Tragic Overture, along with somewhat lesser orchestral pieces such as the two Serenades, and the Academic Festival Overture.

His large choral work A German Requiem is not a setting of the liturgical Missa pro defunctis but a setting of texts which Brahms selected from the Luther Bible. The work was composed in three major periods of his life. An early version of the second movement was first composed in 1854, not long after Robert Schumann's attempted suicide, and this was later used in his first piano concerto. The majority of the Requiem was composed after his mother's death in 1865. The fifth movement was added after the official premiere in 1868, and the work was published in 1869.

His works in variation form include the Variations and Fugue on a Theme by Handel and the Paganini Variations, both for solo piano, and the Variations on a Theme by Haydn (now sometimes called the Saint Anthony Variations) in versions for two pianos and for orchestra. The final movement of the Fourth Symphony, Op. 98, is a passacaglia. He set a number of folksongs.

His chamber works include three string quartets, two string quintets, two string sextets, a clarinet quintet, a clarinet trio, a horn trio, a piano quintet, three piano quartets, and four piano trios (the fourth being published posthumously). He composed several instrumental sonatas with piano, including three for violin, two for cello, and two for clarinet (which were subsequently arranged for viola by the composer). His solo piano works range from his early piano sonatas and ballades to his late sets of character pieces. Brahms was a significant Lieder composer, who wrote over 200 of them. His chorale preludes for organ, Op. 122, which he wrote shortly before his death, have become an important part of the organ repertoire. They were published posthumously in 1902. The last of this set is a setting of the choral. "O Welt ich muss dich lassen" ("O world I now must leave thee") and were the last notes he wrote.

Brahms was an extreme perfectionist. He destroyed many early works - including a violin sonata he had performed with Reményi and violinist Ferdinand David - and once claimed to have destroyed 20 string quartets before he issued his official First in 1873. Over the course of several years, he changed an original project for a symphony in D minor into his first piano concerto. In another instance of devotion to detail, he laboured over the official First Symphony for almost fifteen years, from about 1861 to 1876. Even after its first few performances, Brahms destroyed the original slow movement and substituted another before the score was published.

A factor that contributed to his perfectionism was Schumann's early enthusiasm, which Brahms was determined to live up to.

Brahms strongly preferred writing absolute music that does not refer to an explicit scene or narrative, and he never wrote an opera or a symphonic poem.

Monument dedicated to Brahms, by Max Klinger (1909)

Brahms looked both backward and forward; his output was often bold in its exploration of harmony and rhythm. As a result, he was an influence on composers of both conservative and modernist tendencies. Within his lifetime, his idiom left an imprint on several composers within his personal circle, who strongly admired his music, such as Heinrich von Herzogenberg, Robert Fuchs, and Julius Röntgen, as well as on Gustav Jenner, who was his only formal composition pupil. Antonín Dvořák, who received substantial assistance from Brahms, deeply admired his music and was influenced by it in several works, such as the Symphony No. 7 in D minor and the F minor Piano Trio. Features of the "Brahms style" were absorbed in a more complex synthesis with other contemporary (chiefly Wagnerian) trends by Hans Rott, Wilhelm Berger, Max Reger and Franz Schmidt, whereas the British composers Hubert Parry and Edward Elgar and the Swede Wilhelm Stenhammar all testified to learning much from Brahms. As Elgar said, "I look at the Third Symphony of Brahms, and I feel like a pygmy."

Ferruccio Busoni's early music shows much Brahmsian influence, and Brahms took an interest in him, though Busoni later tended to disparage Brahms. Towards the end of his life, Brahms offered substantial encouragement to Ernst von Dohnányi and to Alexander von Zemlinsky. Their early chamber works (and those of Béla Bartók, who was friendly with Dohnányi) show a thoroughgoing absorption of the Brahmsian idiom. Zemlinsky, moreover, was in turn the teacher of Arnold Schoenberg, and Brahms was apparently impressed by drafts of two movements of Schoenberg's early Quartet in D major which Zemlinsky showed him in 1897. In 1933, Schoenberg wrote an essay "Brahms the Progressive" (re-written 1947), which drew attention to his fondness for motivic saturation and irregularities of rhythm and phrase; in his last book ( Structural Functions of Harmony, 1948), he analysed Brahms's "enriched harmony" and exploration of remote tonal regions. These efforts paved the way for a re-evaluation of his reputation in the 20th century. Schoenberg went so far as to orchestrate one of Brahms's piano quartets. Schoenberg's pupil Anton Webern, in his 1933 lectures, posthumously published under the title The Path to the New Music, claimed Brahms as one who had anticipated the developments of the Second Viennese School, and Webern's own Op. 1, an orchestral passacaglia, is clearly in part a homage to, and development of, the variation techniques of the passacaglia-finale of Brahms's Fourth Symphony. Ann Scott has shown how Brahms anticipated the procedures of the serialists by redistributing melodic fragments between instruments, as in the first movement of the Clarinet Sonata, Op. 120, No. 2.

Brahms was honoured in the German hall of fame, the Walhalla memorial. On 14 September 2000, he was introduced there as the 126th "rühmlich ausgezeichneter Teutscher" and 13th composer among them, with a bust by sculptor Milan Knobloch.

Instruments

Brahms played principally on German and Viennese pianos. In his early years he used a piano made by the Hamburg company Baumgarten & Heins. Later, in 1864, he wrote to Clara Schumann about his attraction to instruments by Streicher. In 1873 he received a Streicher piano op. 6713 and kept it in his house until his death. He wrote to Clara: "There [on my Streicher] I always know exactly what I write and why I write one way or another." Another instrument in Brahms's possession was a Conrad Graf piano - a wedding present of the Schumanns, that Clara Schumann later gave to Brahms and which he kept until 1873.

In the 1880s for his public performances Brahms used a Bösendorfer several times. In his Bonn concerts he played on a Steinweg Nachfolgern in 1880 and a Blüthner in 1883. Brahms also used a Bechstein in several of his concerts: 1872 in Würzburg, 1872 in Cologne and 1881 in Amsterdam.

Brahms was baptised into the Lutheran church as an infant, and was confirmed at the age of fifteen (at St. Michael's Church, Hamburg), but has been described as an agnostic and a humanist. The devout Catholic Antonín Dvořák wrote in a letter: "Such a man, such a fine soul - and he believes in nothing! He believes in nothing!" When asked by conductor Karl Reinthaler to add additional explicitly religious text to his German Requiem, Brahms is reported to have responded, "As far as the text is concerned, I confess that I would gladly omit even the word German and instead use Human; also with my best knowledge and will I would dispense with passages like John 3:16. On the other hand, I have chosen one thing or another because I am a musician, because I needed it, and because with my venerable authors I can't delete or dispute anything. But I had better stop before I say too much."

References

Anon. (1916). Programme, Volumes 1916-1917, Boston Symphony Orchestra, pub. 1916

Becker, Heinz (1980). "Brahms, Johannes". In Stanley Sadie (ed.). The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Vol. 3. London: Macmillan. pp. 154-190. ISBN 978-0-333-23111-1.

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Bozarth, George S. (2001). "Brahms, Johannes". Grove Music Online. doi:10.1093/gmo/9781561592630.article.51879. ISBN 978-1-56159-263-0.

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Hofmann, Kurt, tr. Michael Musgrave (1999). "Brahms the Hamburg musician 1833-1862". In Musgrave 1999a, pp. 3-30

Hofmann, Kurt; Hofmann, Renate (2010). Brahms Museum Hamburg: Exhibition Guide. Translated by Trefor Smith. Hamburg: Johannes-Brahms-Gesellschaft.

Lamb, Andrew (October 1975). "Brahms and Johann Strauss". The Musical Times. 116 (1592): 869-871. doi:10.2307/959201. JSTOR 959201.

Musgrave, Michael (1999b). "Years of Transition: Brahms and Vienna 1862-1875". In Musgrave 1999a, pp. 31-50

Pascall, Robert (n.d.). Brahms: Symphony No. 1/Tragic Overture/Academic Festival Overture (CD liner). Naxos Records. 8.557428. Archived from the original on 3 December 2019.

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Swafford, Jan (2001). "Did the Young Brahms Play Piano in Waterfront Bars?". 19th-Century Music. 24 (3): 268-275. doi:10.1525/ncm.2001.24.3.268. ISSN 0148-2076. JSTOR 10.1525/ncm.2001.24.3.268.

External links

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Johannes Brahms (German: [joˈhanəsˈbʁaːms]; 7 May 1833 - 3 April 1897) was a German composer, pianist, and conductor of the mid- Romantic period. Born in Hamburg into a Lutheran family, he spent much of his professional life in Vienna.

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Wikipedia auf Walisisch

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Georg Friedrich Händel Halle (Saale) 23 Chwefror 1685

14 Ebrill 1759 (74 oed)

, Halle, , ,

, ,

Prifysgol Halle-Wittenberg

, , harpsicordydd, organydd, , cyfansoddwr opera, , impresario

kapellmeister, organydd

Messiah, Water Music, "Music for the Royal Fireworks", Giulio Cesare in Egitto, Alcina, Serse

, , , , , , coronation anthem

, , ,

Georg Händel

Cyfansoddwr clasurol oedd Georg Friedrich Händel (yn ffurf Saesneg ei enw, George Frideric Handel; 23 Chwefror 1685 - 14 Ebrill 1759). Cafodd ei eni yn ninas Halle, yn Sachsen ( yr Almaen). Roedd yn feistr ar nifer o offerynnau erbyn ei wythfed benblwydd, yn cynnwys yr organ a'r harpsicord.

Erbyn ei nawfed penblwydd, roedd o wedi dechrau cyfansodddi yn barod! Ond nid oedd ei dad yn fodlon ar ei gyfansoddi a cheisiodd i beidio adael i Händel wneud mwy i ymhel â cherddoriaeth. Felly, allan o barch i'w dad fe fu'n astudio'r gyfraith yn y brifysgol, ond wedi marwolaeth ei dad fe newidodd ei feddwl a gadael y brifysgol i fod yn organydd. Wedyn, yn 1710, dechreuodd cyfansoddi cerddoriaeth.

Symudodd i Loegr yn 1712, ac fe ddaeth yn ddinesydd Seisnig yn yr un flwyddyn. Roedd yn byw yn rhif 27, Bow Street yn Llundain. Yn 1727, ysgrifennodd Händel ei ddarn mwyaf poblogaidd, sef Zadok the Priest ar gyfer brenin newydd Lloegr. Bu'n parhau i gyfansoddi cerddoriaeth yn gyhoeddus hyd 1740. Bu farw yn 1789. Ni briododd ac nid oes llawer o wybodaeth am ei fywyd preifat am ei fod wedi bod yn ddyn breifat ei natur.

Gweithiau cerddorol

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Georg Friedrich Händel Halle (Saale) 23 Chwefror 1685 14 Ebrill 1759 (74 oed) , Halle, , , , , Prifysgol Halle-Wittenberg , , harpsicordydd, organydd, , cyfansoddwr opera, , impresario kapellmeister, organydd Messiah, Water Music, "Music for the Royal Fireworks", Giulio Cesare in Egitto, Alcina, Serse , , , , , , coronation anthem , , , Georg Händel Cyfansoddwr clasurol oedd Georg Friedrich Händel (yn ffurf Saesneg ei enw, George Frideric Handel; 23 Chwefror 1685 - 14 Ebrill 1759).

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21 Mawrth 1685 (in ) Eisenach

28 Gorffennaf 1750 : (65 oed)

St. Michael's School

, organydd, harpsicordydd, , arweinydd, cyfarwyddwr côr, prif fiolinydd, , athro cerdd, meistr ar ei grefft, ,

Thomasschule zu Leipzig

Mein Herze schwimmt im Blut, BWV 199, Es reißet euch ein schrecklich Ende, BWV 90, Sonatas and partitas for solo violin, , Klavierbüchlein für Wilhelm Friedemann Bach, , "Christmas Oratorio", Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit, BWV 106, Toccata and Fugue in D minor, BWV 565, Toccata and Fugue in D minor, BWV 538, "The Musical Offering", , , English Suites, French Suites, , , Schweigt stille, plaudert nicht, Der Geist hilft unser Schwachheit auf, BWV 226, Jesu, meine Freude, Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147, Preise dein Glücke, gesegnetes Sachsen, Geschwinde, ihr wirbelnden Winde, "Inventions and Sinfonias", , Entfliehet, verschwindet, entweichet, ihr Sorgen, BWV 249a

,

, , , Johann Gottfried Bernhard Bach, Johann Christoph Friedrich Bach, Gottfried Heinrich Bach, Catharina Dorothea Berci, Elisabeth Juliana Friderica Bach, Maria Sophia Bach, Johann Christoph Bach, Léopold Augustus Bach, Christiana Sophia Enrietta Bach, Regina Susanna Bach, Johanna Carolina Bach, Christiana Dorothea Bach, Christiana Benedicta Louisa, Regina Johanna Bach, Johann August Abraham Bach, Ernestus Andreas Bach, Christian Gottlib Bach

Cyfansoddwr Almaenaidd o'r cyfnod Baróc oedd Johann Sebastian Bach ( 21 Mawrth 1685 - 28 Gorffennaf 1750). Roedd yn organydd profiadol iawn, ac mae ei gyfansoddiadau wedi ysbrydoli bron pob cyfansoddwr a'i ddilynodd.

Ysgrifennwyd llawer o'i weithiau enwocaf ar gyfer offerynnau allweddell: yr organ, a'r harpsicord yn bennaf. Mae'r preliwd a'r ffiwg yn amlwg iawn ymysg y gweithiau hyn, er enghraifft yn nwy lyfr y Wohltemperiertes Klavier. Ysgrifennodd llawer o gerddoriaeth siambr a cherddorfaol hefyd, yn aml ar ffurf sonata neu goncerto, y Concerti Brandenburg enwog er enghraifft. Ffurfia gweithiau corawl a lleisiol rhan fawr o'i allbwn, ysgrifennwyd llawer ohonynt ar gyfer wasanaethau crefyddol cristnogol. Collwyd rhywfaint o'r gweithiau hyn yn niwloedd amser, ond mae'r rhai a oroesodd ymysg uchafbwyntiau cerddoriaeth Ewropeaidd. Mae'n werth nodi'r 195 cantata, y dau ddioddefaint (y ôl Saint Mathew a Saint Ioan, a'r Offeren yn B lleiaf.

1. Maria Barbara Bach (priod 1706; m. 1720)

2. Anna Magdalena Wilcke (priod 3 Rhagfyr 1721; m. 1760)

Enghreifftiau o'i waith

Ffeiliau sain

Prif erthygl: BWV

Dolen allanol

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21 Mawrth 1685 (in ) Eisenach 28 Gorffennaf 1750 : (65 oed) St.

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Konzerthäuser und Festivals in Deutschland

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Konzerthäuser und Festivals in Deutschland

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In Deutschland gibt es zahlreiche Konzerthäuser und Festivals für klassische Musik. Sie alle blicken auf ihre ganz eigene Geschichte zurück. Heute versuchen sie, durch einzigartige Programme das Publikum für sich zu gewinnen.

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In Deutschland gibt es zahlreiche Konzerthäuser und Festivals für klassische Musik. Sie alle blicken auf ihre ganz eigene Geschichte zurück. Heute versuchen sie, durch einzigartige Programme das Publikum für sich zu gewinnen.

Grosser Saal, Elbphilharmonie; Konzerthäuser sind historisch relativ jung. Ihre Entstehung hat mit der späten Anerkennung reiner Instrumentalmusik als Kunstform und dem Erstarken des Bürgertums zu tun. Im 18. Jahrhundert begann man mit der Gründung unabhängiger Konzertvereine oder Philharmonischer Gesellschaften als Träger des städtischen Musiklebens jenseits von Adel und Kirche. So entstand 1743 in Leipzig der Verein "Großes Concert", der 1781 ins alte Gewandhaus zog, eine Messehalle der Woll- und Tuchmacher. Das Ansehen der Institution wuchs, so dass 1884 ein neues Gewandhaus eröffnet wurde, das nun als reiner Konzertort fungierte. Nach dessen Zerstörung im Krieg wurde 1981 das dritte Gewandhaus eröffnet, wiederum als reine Konzerthalle. Nach diesem Beispiel definierten bürgerliche Initiativen im 19. und 20. Jahrhundert bereits bestehende Räume zu Konzertsälen um wie etwa ab 1857 den damals schon vierhundert Jahre alten Gürzenich in Köln, oder sie schufen sich neue Räume wie die Musikhalle in Hamburg, die der Reeder Carl Laeisz zwischen 1904 und 1908 bauen ließ.

Heute gibt es mehr als dreißig reine Konzerthäuser oder Philharmonien in Deutschland, wobei Berlin, Leipzig, Hamburg, München, Stuttgart, das Ruhrgebiet und der Niederrhein die Zentren bilden. Viele Städte nutzen ihre Gebäude zudem als Kongress- und Messezentren oder sogar als Austragungsort von Sportturnieren. Auch bei ausschließlich musikalisch ausgerichteten Bauten sind die Nutzungskonzepte verschieden. Das Festspielhaus Baden-Baden etwa tritt als Veranstalter auf, hat aber keine eigenen Ensembles. Selbst Häuser mit Stammorchestern erwirtschaften in der Regel einen Teil ihrer Einnahmen durch Vermietung an Fremdveranstalter. Darüber hinaus versuchen sie, mit Kammerkonzerten, Lieder- und Klavierabenden ein eigenes Profil als Institution zu entwickeln. Dazu gehören Spezialprogramme für Kinder, für Menschen mit Migrationshintergrund oder für Senioren, verstärkt wird seit einiger Zeit die Bildungsarbeit mit Schülern. Während in den 1990er-Jahren, etwa am Berliner Konzerthaus oder in der Philharmonie, die gesamte Saison unter ein übergreifendes Thema gestellt wurde, geht die Tendenz nun zu mehreren Themen-Inseln oder kleinen Festivals innerhalb eines Jahres.

Neue Häuser, neue Feste

Den etablierten Konzerthäusern erwächst zunehmend Konkurrenz durch alternative Orte wie die einstige Industriehalle "Radialsystem V" am Berliner Ostbahnhof oder die ehemalige Kranfabrik "Kampnagel" in Hamburg, die freien Ensembles ein Podium bieten und ein anderes Publikum ansprechen. Dennoch entstehen weiterhin "klassische" Konzerthäuser, wenn auch mit einigen Problemen einhergehend: so war der Weg bis zur Eröffnung der Elbphilharmonie im Januar 2017 gezeichnet von einer stetigen Steigerung der ursprünglichen Kosten und einem eineinhalbjährigen Baustop, der dann aber durch eine umfangreiche Projektneuordnung zwischen den Architekten, dem Bauherren und der Baufirma zum Guten aufgelöst werden konnte.

Die Entstehung der Musikfestivals in Deutschland ist eng mit der des Konzertlebens verknüpft, da die städtischen Vereine zu deren frühen Initiatoren zählten. In Frankenhausen und Düsseldorf fanden 1810 die ersten Musikfeste statt. Anfangs stand dabei die Aufführung der Oratorien von Haydn und Händel mit Laienchören im Mittelpunkt. Besondere Bedeutung erlangte ab 1818 das Niederrheinische Musikfest, das wesentlich vom Städtischen Musikverein Düsseldorf getragen wurde. Die heutige Zahl der Musikfestivals in Deutschland lässt sich kaum ermitteln. Nach einer Statistik des Deutschen Musikrates waren allein in den vergangenen 35 Jahren mehr als dreihundert Neugründungen zu verzeichnen. Da es zuvor weitaus weniger Musikfeste gab, dürfte die Gesamtzahl gegenwärtig zwischen drei- und vierhundert Festivals rund um die klassische Musik liegen.

Innerhalb dieser Vielfalt an Festivals lassen sich verschiedene Typen unterscheiden. Komponisten-Festivals sind dem Werk eines Autors gewidmet: das Beethovenfest Bonn, die zahlreichen Bach-Feste, die Brahms-Tage in Baden-Baden. Ortsfestivals können sich, wie die Kasseler Musiktage, der Heidelberger Frühling oder die Dresdner Musikfestspiele, auf Städte beziehen oder auf ganze Regionen wie das Rheingau Musik-Festival und das Schleswig-Holstein Musik Festival. Eine historisch jüngere Erscheinung sind Interpretenfestivals, wo Stammkünstler mit wechselnden Kollegen musizieren: etwa der Pianist Lars Vogt bei seinem Kammermusikfestival "Spannungen" in Heimbach. Manchmal stehen einzelne Instrumente im Mittelpunkt: beim Klavierfestival Ruhr oder bei der Cello-Akademie Kronberg. "Rheinvokal" hat sich ganz der menschlichen Stimme verschrieben, das Musikfest Berlin hingegen lädt jeden September Orchester aus aller Welt ein. Beim Musiksommer des Mitteldeutschen Rundfunks ist es eine Rundfunkanstalt, die Konzerte in die ländlichen Regionen ihres Sendegebiets trägt. Festivals wie die Musikfestspiele Potsdam-Sanssouci verknüpfen die Bindung an den Ort mit übergreifenden Inhalten wie Mythologie und Landschaftsgestaltung.

Die Musik kurbelt den Tourismus an

Ging es bei den Musikfesten des 19. und frühen 20. Jahrhunderts vor allem um die Präsentation des Bürgertums als Kulturträger und die Durchsetzung bestimmter Werke, so stehen heute eher wirtschaftliche Überlegungen dahinter: Durch Reise-, Übernachtungs- und Verpflegungskosten der Festivalgäste versuchen besonders strukturschwache Regionen, die auf den Tourismus angewiesen sind, von der Musik zu profitieren. Nur wenige dramaturgische Festivals wie das Kunstfest Weimar gehen noch von einem ästhetischen Motto oder kulturgeschichtlichen Thema aus. Die Chance, bei Festivals Musik oder Wahrnehmungsformen zu bieten, die von der üblichen Konzertsaison abweichen, wird nicht immer genutzt. Häufig findet man nur die fertigen Jahresprogramme reisender Künstler noch einmal wieder.

Finanziert werden die Veranstaltungen recht unterschiedlich: Orts- und Regionalfestivals erhalten von den Tourismusverbänden, Kommunen und Landesregierungen Unterstützung, häufig auch vom öffentlich-rechtlichen Rundfunk. Doch überwiegend beziehen die Festivals ihre Mittel von Sponsoren, Kulturstiftungen und privaten Spendern.

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Hier spielt die Musik - Konzerthäuser und Festivals in Deutschland

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In Deutschland gibt es zahlreiche Konzerthäuser und Festivals für klassische Musik. Sie alle blicken auf ihre ganz eigene Geschichte zurück. Heute versuchen sie, durch einzigartige Programme das Publikum für sich zu gewinnen. Grosser Saal, Elbphilharmonie; Konzerthäuser sind historisch relativ jung. Ihre Entstehung hat mit der späten Anerkennung reiner Instrumentalmusik als Kunstform und dem Erstarken des Bürgertums zu tun.

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Von Barock bis Pop – Chorgesang in Deutschland

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Von Barock bis Pop – Chorgesang in Deutschland

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Vom Volkslied bis zum Oratorium, vom Laiengesang bis zu professionellen Ensembles, von Kinder- bis zu Seniorenchören – im Chor zu singen, ist für Millionen von Menschen in Deutschland eine Leidenschaft.

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Vom Volkslied bis zum Oratorium, vom Laiengesang bis zu professionellen Ensembles, von Kinder- bis zu Seniorenchören - im Chor zu singen, ist für Millionen von Menschen in Deutschland eine Leidenschaft.

Rundfunkchor Berlin; Der Chorgesang hat in Deutschland eine lange Tradition. Bis ins zweite Drittel des 20. Jahrhunderts wurde er in allen gesellschaftlichen Schichten und Altersgruppen in verschiedenen Organisationsformen mit vielfältigem Repertoire gepflegt - vom einfachen Lied bis zum großen Oratorium, vom schlichten Laiengesang bis zu professioneller Vokalkunst, von Kinder- bis zu Seniorenchören. In den 1960er- und 1970er-Jahren wandelte sich die Chorszene in Deutschland. Es veränderten sich Arbeitsformen, künstlerische Ansprüche, Zielsetzungen, institutionelle Zusammenarbeit und Repertoire. Im 19. Jahrhundert wirkten etwa Felix Mendelssohn und Johannes Brahms stilbildend auf das Chorrepertoire. Sie steuerten zu allen Gattungen der weltlichen und geistlichen Vokalmusik eigene Kompositionen bei, die immer noch häufig gesungen werden. Dennoch gibt es heute auch zahlreiche Chöre, die das traditionelle Repertoire durch Gospel, Jazz, Shanties oder Pop ergänzen.

Noch vor fünfzig Jahren traf man fast in jedem Dorf einen Kirchenchor und einen Gesangverein (als Männer- und/oder gemischten Chor). Inzwischen gingen die Zahl der Chöre und der singende Anteil an der Bevölkerung deutlich zurück. Auf der anderen Seite stiegen das Leistungsbewusstsein und die Anforderungen, die insbesondere neu gegründete Ensembles an sich und ihre Mitglieder stellen. Das gemeinschaftliche Singen ist heute nicht mehr unmittelbarer Teil und Ausdruck des gesellschaftlichen und geselligen Lebens. Es entspringt persönlichem Engagement, beruht auf einer individuellen Entscheidung, die sich mit einer bestimmten Ergebniserwartung verbindet. Die Chorszene, die noch weit bis ins 20. Jahrhundert kaum Berufsensembles kannte (Ausnahme: Opernchöre an großen Theatern), hat sich, wie das Kulturleben insgesamt, stark differenziert. Drei Gruppen lassen sich unterscheiden: professionelle Chöre, semiprofessionelle Chöre und Laienchöre; sie bilden bei weitem die größte Gruppe.

Professionelle Chöre

Bei den professionellen Chören handelt es sich im Wesentlichen um Opern- und (ehemalige) Rundfunkchöre. Die ersteren, die ältesten Einrichtungen beruflichen Chorgesangs, sind in der Regel auf ihre Theateraufgaben konzentriert; selten geben sie eigene Konzerte. Rundfunkchöre wurden wie Rundfunkorchester für Produktionen der jeweiligen Radiosender gegründet. Durch die Entwicklung der Medien ist diese Aufgabe in den Hintergrund getreten. Ihr Schwerpunkt liegt heute in öffentlichen Konzerten, die teils in eigener Regie, teils in Kooperationen mit Berufsorchestern und Festivals veranstaltet werden. Zwei Arten von Rundfunkchören lassen sich unterscheiden: große Chöre (Rundfunkchor Berlin, Chöre des Bayrischen Rundfunks, Westdeutschen Rundfunks und des Mitteldeutschen Rundfunks) und Kammerchöre (RIAS-Kammerchor, NDR Chor und SWR Vokalensemble). Beide setzen wesentliche Maßstäbe chorischer Gesangs- und Interpretationskultur. Beide erwarben sich große Verdienste um die zeitgenössische Musik, viele exponierte Werke wurden von ihnen aufgeführt, zum Teil auch angeregt. Die Kammerchöre profilierten sich außerdem auf dem Gebiet der historisch informierten Aufführungspraxis. Der Wirkungskreis der (ehemaligen) Rundfunkchöre ist durch Kooperationen, Festival-Einladungen und Gastspiele international.

Semiprofessionelle Chöre arbeiten mehrheitlich als Projektchöre, als Spezialensembles (etwa für Alte oder Neue Musik) oder als regelmäßig probende und konzertierende Kammerchöre. In ihren künstlerischen Maßstäben und Arbeitsmethoden unterscheiden sie sich nicht von professionellen Chören. Da ihre Mitglieder meist projektweise und deutlich geringer bezahlt werden als fest angestellte Berufssänger, gehen sie in der Regel einer anderen hauptberuflichen Tätigkeit (oft als Musiker oder Musiklehrer) nach. Zu den semiprofessionellen sind ihrem künstlerischen Anspruch nach auch die Spitzenensembles unter den Knabenchören zu rechnen, obwohl ihre Mitglieder für ihre Auftritte kein Honorar erhalten. Einige von ihnen wie die Regensburger Domspatzen, der Leipziger Thomaner-, der Dresdener Kreuzchor und der Berliner Staats- und Domchor gehören zu den ältesten Kultureinrichtungen in Deutschland mit einer Geschichte, die sechs-, siebenhundert, ja tausend Jahre zurückreicht. Auch wenn nicht alle von ihnen als Internatschöre organisiert sind, verlangen sie von ihren Sängern besondere musikalische und stimmliche Begabung sowie gute schulische Leistungen, die eine extensive Probenarbeit und die Teilnahme an Konzertreisen ohne Verluste in der Allgemeinbildung ermöglichen.

Laienchöre im Wandel

Laienchöre bilden die überwiegende Mehrheit der Singgemeinschaften in Deutschland. Ihrer Besetzung nach kann man sie einteilen in Männerchöre, Frauenchöre, gemischte Chöre, Kinder- und Jugendchöre, ihrer Trägerschaft nach in konfessionelle (Kirchenchöre und Kantoreien) und säkulare Chöre, die sich meistens nach dem deutschen Vereinsrecht konstituieren. Ihr gemeinsamer Ursprung liegt in der Zeit der Aufklärung und der frühen Romantik, also im 18. und frühen 19. Jahrhundert. Die bei weitem größte Gruppe bilden gemischte Chöre. Die besonders leistungsfähigen Ensembles unter ihnen haben teilweise eine längere Tradition (Kantoreien an großen Kirchen). Oratorienchöre wurden seit Beginn des 19. Jahrhunderts nach dem Vorbild der Singakademien - bürgerlichen Bildungs- und Konzertvereinen - gegründet. Von ihren Mitgliedern erwarten sie solide Musikkenntnisse und geübte Stimmen. Die jüngeren Ensembles sind meist Kammerchöre von hoher Klangkultur und singen anspruchsvolle Vokalmusik aus Geschichte und Gegenwart, auch abendfüllende Werke. Die Grenzen zu professionellen Chören verlaufen dabei fließend. Die meisten Laienchöre sind heute im Deutschen Chorverband als Dachorganisation zusammengeschlossen. Er organisiert derzeit rund 23.000 Chöre mit rund 1,4 Millionen Mitgliedern.

Die Laienchorbewegung, wie sie in ihrer Breite Anfang des 19. Jahrhunderts in Deutschland entstand, diente ursprünglich der Volksbildung. Sie erhielt in den 1920er-Jahren zusätzliche Schubkraft durch staatliche Reformen des Musiklebens ("Kestenberg-Reform") und durch die Singbewegung. Diese widmete sich nicht nur dem Volkslied, suchte durch "offenes Singen" die Basis für die Chöre zu verbreitern, sondern fand ihr Vorbild in der Vokalmusik aus Renaissance und Barock. So wurde sie zu einem wichtigen Wegbereiter der historischen Aufführungspraxis. Die Laienchorbewegung stammt aber auch aus einer Ära aktiver Freizeitgestaltung. Veränderungen in der Arbeitswelt, die Verlagerung der Freizeitprogramme hin zum Konsum, die Möglichkeiten neuer Medien und die Degradierung des Musikunterrichts und des Singens an den allgemein bildenden Schulen der Bundesrepublik (die DDR vollzog diese Reform nicht mit) waren neben der mangelhaften Aufarbeitung der NS-Politik gegenüber Chören und Chorverbänden für die "Chorkrise" in den 1960er- und 1970er-Jahren verantwortlich.

Heute muss sich die Chorszene in Deutschland wieder mit einer neuen Situation auseinandersetzen, denn in den großen Städten und Ballungsgebieten besteht die junge Generation - und damit der potentielle Chornachwuchs - zu einem großen Teil aus Kindern mit Migrationshintergrund. Diese soziale und kulturelle Umschichtung wird die wichtigste Herausforderung für die Zukunft des Chorgesangs in Deutschland darstellen.

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Von Barock bis Pop - Chorgesang in Deutschland

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Vom Volkslied bis zum Oratorium, vom Laiengesang bis zu professionellen Ensembles, von Kinder- bis zu Seniorenchören - im Chor zu singen, ist für Millionen von Menschen in Deutschland eine Leidenschaft. Rundfunkchor Berlin; Der Chorgesang hat in Deutschland eine lange Tradition. Bis ins zweite Drittel des 20.

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Die Zeiten wandeln sich – die deutsche Orchesterlandschaft

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Die Zeiten wandeln sich – die deutsche Orchesterlandschaft

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In Deutschland gibt es über 130 Berufsorchester, so viele wie in keinem anderen Land. Diese historisch gewachsene Orchesterdichte zu erhalten, ist für alle Beteiligten eine große Herausforderung.

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In Deutschland gibt es über 130 Berufsorchester, so viele wie in keinem anderen Land. Diese historisch gewachsene Orchesterdichte zu erhalten, ist für alle Beteiligten eine große Herausforderung.

Bundesjugendorchester Bonn 2018 Die Deutschen sind Orchester-Weltmeister - besonders die öffentlich finanzierten Theater-, Konzert- und Rundfunkorchestern geben dem Musikleben in Deutschland Struktur, ein Gesicht, weit gefächerten Klang. Ob es noch der alte "deutsche Klang" ist, den die aus allen Teilen der Welt stammenden Dirigenten und Orchestermusiker produzieren, die Frage wird öfters diskutiert. Manche Beobachter wollten bemerkt haben, dass selbst die Berliner Philharmoniker unter Sir Simon Rattle ihren spezifischen Klang alter Musiziertradition verändert, wenn nicht verloren hätten.

Die Zeiten wandeln sich, musikalische Interpretation unterliegt ebenso dem Prozess der Veränderung wie etwa eine Klangvorstellung. Einzigartig bleibt, bislang, die Dichte der deutschen Orchesterlandschaft, wie sie auf einer speziellen Deutschlandkarte aufscheint: Fünf Orchester-Ballungsräume gibt es - das Rhein-Ruhrgebiet, Thüringen und Sachsen, die Rhein-Main-Zone, die Stadt München und die Hauptstadt Berlin. Die überwiegende Anzahl der über 130 Berufsorchester (darunter etwa 80 Theaterorchester, 30 Konzertorchester und 13 Rundfunkorchester) mit ihren rund 10.000 Mitgliedern ist gut verteilt über die Republik. Aber auch die zahlreichen Kammerorchester oder die Spezialensembles für Alte Musik und Neue Musik, etwa die Kammerphilharmonie Bremen, Concerto Köln, das Münchner Kammerorchester oder das Ensemble Modern, gehören zum Bild der deutschen Orchesterlandschaft - genauso wie die großen Nachwuchsensembles wie das Bundesjugendorchester und die Junge Deutsche Philharmonie oder die vielen Laienorchester und Liebhaberensembles in unterschiedlichen Besetzungsstärken und Formationen.

Ein Blick in die Geschichte

Dass keine andere Nation eine solche Orchesterfülle vorweisen kann, hat mit Geschichte zu tun, der politischen Historie Deutschlands. Die Orchestervielfalt stammt aus dem 18. und 19. Jahrhundert, der Zeit der "Kleinstaaterei", da Deutschland in zahllose Territorien zersplittert war. Zumal in deren Zentren entstanden Hoftheater und Hoforchester, die nach Ende des Absolutismus zu staatlichen oder kommunalen Einrichtungen des Bürgertums wurden. Der kulturelle Ehrgeiz blieb erhalten, in der Musikförderung der Länder und Städte. Nach der Deutschen Vereinigung 1990 wurde die vom DDR-Staat abgesicherte Orchesterdichte in Ostdeutschland, wo sie besonders hoch war, der wirtschaftlichen Vernunft angepasst: Auflösungen und Fusionen von Orchestern und Ensembles waren unausweichlich.

Die Ausbildung des bürgerlichen Konzertwesens ab der Mitte des 19. Jahrhunderts hat bei den Orchestern einen Repertoire-Kanon begünstigt, der mit seiner Stilmischung aus Klassik, Romantik und klassischer Moderne bis heute Bestand hat. Im Zentrum des Musizierens steht die traditionelle Symphonik zwischen Beethoven/Brahms und Mahler/Schostakowitsch. Die Moderne des frühen 20. Jahrhunderts (Strawinsky, Bartók, Schönberg, Berg, Prokofjew, Ravel) ist in die Konzertprogrammen stärker etabliert als die neue Musik lebender Komponisten, von denen Hans Werner Henze und Wolfgang Rihm am häufigsten aufgeführt werden. Die Faszination der Virtuosen bestimmt das zugehörige konzertante Repertoire.

In der deutschen Orchesterlandschaft spielen die öffentlich-rechtlichen Rundfunkanstalten eine besondere Rolle. Sie betreiben insgesamt 13 Orchester, darunter die großen Rundfunksymphonieorchester (in Hamburg, Berlin, Köln, Leipzig, Frankfurt, Stuttgart, Baden-Baden/Freiburg, Saarbrücken, München) und einige kleinere Rundfunkorchester. Da war zunächst der spezielle Auftrag, genügend zeitgenössische Musik aufzuführen und für Sendezwecke zu produzieren - auch in eigenen Konzertreihen wie der Münchner Musica viva. Doch stellten sich diese Klangkörper zunehmend unter das Diktat, in Repertoire und Musizierstandard mit den großen internationalen Klangkörpern konkurrieren zu müssen. Ihre weltweit vernetzten Chefdirigenten fordern die Anstrengung zusätzlich heraus, und mit Hilfe von Orchestertourneen und Tonträgern werden künstlerische Qualität und internationaler Anspruch bekräftigt.

Was wird die Zukunft bringen?

Die Klangkörper in Deutschland sind seit 1952 in der Deutschen Orchestervereinigung (DOV) organisiert, die zunächst mit der Deutschen Angestelltengewerkschaft kooperierte. Arbeitsverhältnisse, Leistungsschutz oder das Tarifrecht der Musiker sind dort geregelt. 2002 schloss die DOV einen Kooperationsvertrag mit der Dienstleistungsgewerkschaft ver.di. Grundsätzlich sind die Orchester in Deutschland in Stellengröße und Tarifniveau offiziell klassifiziert. Je nach Stellenzahl gibt es A-, B-, C- oder D-Orchester. Unter den so genannten A-Orchestern stehen in Qualität und internationaler Ausstrahlung die Berliner Philharmoniker seit einem Jahrhundert an erster Stelle. Weitere A-Orchester sind etwa die Staatskapelle Dresden, die Münchner Philharmoniker, die Berliner Staatskapelle, das Leipziger Gewandhausorchester oder die Bamberger Symphoniker. Der Ruf all dieser Orchester wird von international renommierten Chefdirigenten gesteigert, so von Simon Rattle und Christian Thielemann, Valery Gergiev und Daniel Barenboim, von Andris Nelsons und Roger Norrington.

Keine Floskel: Im "Land der Musik" spielen die Orchester, neben den Opernhäusern, die Paraderolle. Die Existenzsorgen der Orchester in Deutschland sind heute allerdings nicht von der Hand zu weisen: Ob und wie eingeschränkt sie überleben werden, da die Finanzkrisen der Banken und die angespannten öffentlichen Haushalte zu Sparmaßnahmen drängen, wird die Zukunft zeigen.

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Die Zeiten wandeln sich - die deutsche Orchesterlandschaft

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In Deutschland gibt es über 130 Berufsorchester, so viele wie in keinem anderen Land. Diese historisch gewachsene Orchesterdichte zu erhalten, ist für alle Beteiligten eine große Herausforderung. Bundesjugendorchester Bonn 2018 Die Deutschen sind Orchester-Weltmeister - besonders die öffentlich finanzierten Theater-, Konzert- und Rundfunkorchestern geben dem Musikleben in Deutschland Struktur, ein Gesicht, weit gefächerten Klang.

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Bürger für Beethoven: Zum 250. Beethoven-Geburtstag 2020

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Bürger für Beethoven: Zum 250. Beethoven-Geburtstag 2020

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Ludwig van Beethoven und seine Musik kennt man überall auf der Welt. Sein 250. Geburtstag wird im Jahr 2020 rund um den Erdball gefeiert werden. Als globales Ereignis ist dieses Jubiläum zugleich Chance und Verpflichtung für die Kulturnation Deutschland.

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Das Beethoven Jahr

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Veranstaltungen

Kammermusiksaal des Beethoven-Hauses Bonn | 53111 Bonn

In der Aspekte-Reihe präsentieren wir Ihnen in der Saison 2020/21 wieder vier Konzerte mit Künstlern, die sich in der aktuellen Jazz-Szene mit spannenden Projekten hervorgetan haben.

Kammermusiksaal des Beethoven-Hauses Bonn | 53111 Bonn

Als Daniel Hope den 2002 geborenen, bereits vielfach ausgezeichneten Pianisten Maxim Lando in Amerika kennen lernte, war er sofort begeistert von dessen virtuosem musikalischen Feuer. Seitdem lädt er den jungen Musiker gerne zu gemeinsamen Auftritten ein und stellt seine Entdeckung jetzt auch dem Bonner Publikum vor.

Kammermusiksaal des Beethoven-Hauses Bonn | 53111 Bonn

Javier Perianes gilt als einer der führenden spanischen Pianisten.

2019 erklärten die International Classical Music Awards (ICMA) ihn

zum „Künstler des Jahres 2019". Im Beethoven-Haus war er bereits

als Kammermusikmusiker im Rahmen der BTHVN WOCHE zu erleben.

Für seinen Auftritt in unserer Kammermusik-Reihe hat er einen

spannenden Solo-Abend für uns konzipiert.

Kammermusiksaal des Beethoven-Hauses Bonn | 53111 Bonn

anlässlich des Jahrestages seines ersten Auftrittes 1778

und seines Todestages 1827

Beethoven verbrachte in seiner Geburtsstadt Bonn seine ersten 22 Lebensjahre.

Diese Zeit hat den jungen Musiker entscheidend geprägt. In Bonn sind viele Kompositionen entstanden, die weit weniger im Konzertleben präsent sind als die Werke aus der Wiener Zeit - zu Unrecht, wie der Abend zeigen wird.

Dialograum Kreuzung an St. Helena | 53119 Bonn

„Die größte Fuge" ist ein 70-minütiges Monodrama über Beethovens späte Phase mit dem spektakulären Bassbariton Nicholas Isherwood, einem Streichquartett sowie vorgefertigter und live eingespielter Elektronik.

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BTHVN2020 - Beethoven Jubiläums GmbH: Die Beethoven Jubiläums GmbH stellt sich vor

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Veranstaltungen Kammermusiksaal des Beethoven-Hauses Bonn | 53111 Bonn In der Aspekte-Reihe präsentieren wir Ihnen in der Saison 2020/21 wieder vier Konzerte mit Künstlern, die sich in der aktuellen Jazz-Szene mit spannenden Projekten hervorgetan haben. Kammermusiksaal des Beethoven-Hauses Bonn | 53111 Bonn Als Daniel Hope den 2002 geborenen, bereits vielfach ausgezeichneten Pianisten Maxim Lando in Amerika kennen lernte, war er sofort begeistert von dessen virtuosem musikalischen Feuer.

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Klassikszene 2017: Visionäre auf dem Vormarsch

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Klassikszene 2017: Visionäre auf dem Vormarsch

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2017 ist gleich in mehreren Bereichen das Jahr der aufgegangenen Visionen und realisierten Träume.

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Die großen Musikfestivals in Salzburg und in Bayreuth präsentieren sich mit neuen Ideen, Barrie Koskys „Meistersinger" mischen die Wagnerianer auf, eröffnete Konzertsäle müssen sich dem Akustiktest stellen, eine neue Generation junger, eigenwillige Dirigenten startet durch und Opernschaffende solidarisieren sich gegen die Verhaftung des Regisseurs Kirill Serebrennikov in Moskau.

2017 ist gleich in mehreren Bereichen das Jahr der aufgegangenen Visionen und realisierten Träume. Die beiden renommiertesten Musikfestivals starten voller Elan in eine neue Zukunft. Bei den Salzburger Festspielen richtet der neue Festivalchef Markus Hinterhäuser seine erste Spielzeit aus. Hinterhäuser ist als langjähriger Wahl-Salzburger ein genauer Kenner der Festspiele. Hier hat er zusammen mit Tomas Zierhofer-Kin das mit den Festspielen verbundene, anspruchsvolle Zeitfluss-Festival gegründet und lange Jahre geleitet, hier amtierte er später als Konzertchef und danach bis zum Antritt Alexander Pereiras als Interims-Intendant. Vor allem aber ist der Intendant Hinterhäuser als Pianist von Hause aus kein Managertyp, sondern ein genuin musikalisch denkender Künstler. Gerade Institutionen wie die großen Luxus-Festivals, die von ihrem Ausnahmestatus und ihrer Exklusivität leben, brauchen statt gewiefter Manager solche Visionäre an ihrer Spitze. Denn ihre privilegierte Sonderstellung will nicht nur klug verwaltet werden, sie muss sich vielmehr auch durch außeralltägliche Ideen legitimieren. Hinterhäuser beweist ein kreatives Gespür, ersinnt ein beziehungsreich gewobenes Konzertprogramm, sucht thematische Linien und verbindet klug Tradition mit Aufbruch und neuen künstlerischen Allianzen. In seiner ersten Opernproduktion ignoriert er die Salzburger Gepflogenheiten und verpflichtet statt der angestammten Wiener Philharmoniker Chor und Orchester der MusicAeterna aus Perm mit dem polarisierenden Dirigentenberserker Teodor Currentzis. Die Inszenierung dieser Mozart-Premiere liegt in den Händen des Regie-Altmeisters Peter Sellars.

Unter gleichbleibender Führung beweisen auch die Bayreuther Festspiele den Mut zu Neuem, wenn auch längst Überfälligem. Festspielleiterin Katharina Wagner geht einen wichtigen Schritt weiter in der längst angekündigten, aber immer wieder aufgeschobenen Aufarbeitung der NS-Vergangenheit der Festspiele. Der australische Chefregisseur und Intendant der Komischen Oper Berlin Barrie Kosky bringt eine Inszenierung der Meistersinger auf die Bühne des Festspielhauses, in der er Biographie, Entstehungshintergrund und Werk Richard Wagners funkensprühend witzig zusammenträumt und zugleich den Judenhass Wagners in drastischen Bildern thematisiert. Unter dem Titel Diskurs Bayreuth realisieren die Festspiele außerdem zum ersten Mal das lang gehegte Vorhaben eines künstlerisch-wissenschaftlichen Begleitprogramms, das sich in Symposien und musikalischem Rahmenprogramm mit der ambivalenten Wirkungsgeschichte Wagners auseinandersetzt. Dass diese Idee ähnlich schon durch die verschiedenen Bayreuth-Konzepte geisterte, mit denen sich Katharina Wagners Cousine Nike seinerzeit um die Festspielleitung beworben hatte, schmälert das Verdienst keineswegs. Im Gegenteil: Katharina Wagner treibt nun endlich ambitioniert eine zeitgemäße Öffnung der Festspiele voran. Kuratorin ist die Projektleiterin für Zeitgenössische Musik des Bärenreiter Verlags Marie Luise Maintz. 2018 soll es beim Diskurs Bayreuth sogar eine Musiktheater-Uraufführung im historischen Markgräflichen Opernhaus geben. In der Villa Wahnfried ist eine kleine Ausstellung zu Wieland Wagner zu sehen, dem Wagner-Enkel und Begründer „Neu-Bayreuths" nach dem Krieg. Auch die Deutsche Oper Berlin würdigt Wieland Wagner, der dem Haus eng verbunden war, anlässlich seines 100. Geburtstags und veranstaltet ein zweitägiges Symposion.

Neue Säle, Wiedereröffnungen

Visionen materialisieren sich auch mit den lang erwarteten Einweihungen neuer oder wiedereröffneter Säle - mit teils vielversprechendem, teils zumindest partiell enttäuschendem Ergebnis. So spektakulär der kühn emporragende Bau der Elbphilharmonie auch im Inneren anmutet, so ernüchternd fallen die Eindrücke der Eröffnungskonzerte aus - akustisch, wie auch kompositorisch mit Jörg Widmanns eigens für die Eröffnung komponiertem, am hypertrophen Anspruch scheiternden Arche-Oratorium. Klanglich überzeugender wirkt die fabelhaft transparente, ebenfalls vom Großmeister Yasuhisa Toyota eingerichtete Akustik des an die Barenboim-Said Akademie angeschlossenen Pierre Boulez Saals in Berlin. Mit einem kreativen und vielseitigen Programm entwickelt sich der Saal gerade zu einem neuen künstlerischen Zentrum der Hauptstadt. Wiedereröffnet samt neuem Konzertsaal wird der Kulturpalast in Dresden und - einer nach siebenjährigen, skandalbegleiteten Bauphase und mehrfachen Verschiebungen des Eröffnungstermins - die grundsanierte Staatsoper Unter den Linden. Die Kosten sind von veranschlagten 239 Millionen auf 400 Millionen Euro gestiegen, was zwischenzeitlich sogar einen Untersuchungsausschuss auf den Plan gerufen hat. Den Tag der Deutschen Einheit will man sich als repräsentatives Eröffnungsdatum nicht entgehen lassen und macht für eine Woche mit Prunk und Pomp und Live-Übertragung auf dem Bebelplatz die Türen auf, um sie dann für zwei Monate wieder zu schließen. Kurz vor der endgültigen Eröffnung mit Festkonzert und zwei Premieren an einem Wochenende wird das Gebäude zwar von der Baufirma an die Theaterleute übergeben, ist aber immer noch nicht voll funktionstüchtig. Die Akustik ist ein wenig verbessert worden, der Saal weist jedoch immer noch auf vielen Plätzen Sichtbehinderungen auf. Ob es im 21. Jahrhundert zeitgemäß ist, ein teuer saniertes Opernhaus zu eröffnen, in dem es einige reine Hörplätze gibt, mag man bezweifeln.

Personalien, Neuanfänge und Verluste

Robin Ticciati wird neuer Chef beim Deutschen Symphonie-Orchester in Berlin. Der 34-jährige Brite mit italienischen Wurzeln ist ein Enthusiast, der ein wenig an den jungen Simon Rattle erinnert, der neben Colin Davis einer seiner Mentoren war. Seit 2009 leitet er bereits das Scottish Chamber Orchestra, seit 2014 ist er Musikdirektor der Glyndebourne Festival Opera - beide Posten wird er neben seiner Berliner Verpflichtung weiterhin ausfüllen.

Ticciatis charismatischer Vorgänger beim Glyndebourne Festival ist der aus einer russischen Musiker-Dynastie stammende, 45 Jahre alte Vladimir Jurowski. Er löst den langjährigen Chefdirigenten Marek Janowski beim Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin ab und behält parallel dazu die Leitung des London Philharmonic Orchestra. Sein Antrittskonzert findet im Rahmen des Musikfestes Berlin statt, das in Zusammenarbeit mit der Internationalen Isang-Yun-Gesellschaft einen umfangreichen Schwerpunkt dem 1995 gestorbenen koreanischen Komponisten Isang Yun widmet, der in diesem Jahr 100 geworden wäre. In seiner Verschmelzung von Elementen traditioneller koreanischer Musik mit der westlichen Avantgarde war Yun eine wichtige Figur des deutschen Musiklebens.

Simon Rattle beginnt seine letzte Saison bei den Berliner Philharmonikern und tritt parallel schon als Music Director beim London Symphony Orchestra an. Und das Leipziger Gewandhausorchester freut sich, dass der famose Mariss Jansons-Schüler Andris Nelsons, der schon als heiß gehandelter Kandidat für Rattle-Nachfolger bei den Berliner Philharmonikern im Gespräch war, am 1.1.2018 sein Amt als neuer Gewandhauskapellmeister antritt.

Der exzentrische, einen messianischen Kult um sich inszenierende Teodor Currentzis macht mit seinen MusicAeterna-Musikern nicht nur in Perm Furore und spaltet mit seinen radikal subjektiven, aber auf höchstem Niveau musizierten Interpretationen Publikum und Kritiker. Mit Beginn der Spielzeit 2018/19 wird er Chefdirigent des neuen SWR Symphonieorchesters.

Einen furiosen Anfang legt auch der noch keine dreißig Jahre alte, rasend begabte israelisch-amerikanische Dirigent Yoel Gamzou als neuer Musikdirektor am Theater Bremen mit einer atemberaubenden Lady Macbeth von Mzenks hin. Er zeigt, was Stadttheater leisten kann und verspricht, dem Haus nicht nur musikalisch, sondern auch inhaltlich spannende Impulse zu geben, etwa durch regelmäßige Zusammenarbeit mit dem vom Schauspiel kommenden Regisseur Armin Petras. Gamzous Einspielung seiner eigenen Aufführungsversion der unvollendeten 10. Symphonie von Gustav Mahler mit dem von ihm gegründeten International Mahler Orchestra gewinnt einen Echo-Preis. Als weiterer Nachwuchskünstler wird auch der französische Pianist Lucas Debargue mit einem Echo-Preis ausgezeichnet. Der Siemens Musikpreis geht an den klugen, stets um die Zukunft der Klaviermusik bemühten Pianisten und fabelhaften Ligeti-Interpreten Pierre-Laurent Aimard.

Mit dem Geiger, Lehrer und langjährigen Konzertmeister der Berliner Philharmoniker Rainer Kussmaul, der am 27. März im Alter von 70 Jahren stirbt, verliert die Musikwelt einen ebenso unprätentiösen wie von wacher Neugierde angetriebenen Meister seines Instruments. Am 20. August stirbt einen Tag vor seinem neunzigsten Geburtstag der Orff-Schüler Wilhelm Killmayer, ein eigenwillig unzeitgemäßer Komponist, der zeitlebens eine bedeutende Außenseiterposition einnahm.

Höhepunkte und Skandale

Im Gedächtnis bleiben Barbara Hannigans sensationelles Multitalent als fabelhaft luft- wie stimmakrobatische Lulu in Christoph Marthalers Hamburger Inszenierung von Alban Bergs gleichnamiger Oper und Achim Freyers schwindelerregend suggestive Inszenierung des Parsifal am gleichen Haus - beides so luzide wie sinnlich dirigiert vom GMD Kent Nagano, der ebenfalls einen der Echo-Preise gewann. Die Hamburgische Staatsoper hat sich seit dem Antritt des neuen Intendanten George Delnon wieder in die erste Reihe gespielt. Auch an die Uraufführung von Aribert Reimanns Oper L'invisible an der Deutschen Oper wird man sich lange erinnern, ebenso wie an den im Zeitentunnel spielenden legendären, 33 Jahre alten Ring von Götz Friedrich, dessen marode Kulissen nach dem allerletzten Vorstellungszyklus im März endgültig entsorgt werden. Die Komische Oper feiert ihren 70. Geburtstag mit Barrie Koskys eindringlich karger Anatevka-Inszenierung, einer Ansprache des Bundespräsidenten und einer riesigen Torte. Der ungarische Pianist Andras Schiff bezaubert mit seinen traumwandlerisch nuancierten Interpretationen von Bach, Bartok, Janacek und Schumann.

Im August löst die Verhaftung des russischen Regisseurs und Leiters des Moskauer Gogol Centers Kirill Serebrennikov, dem die Veruntreuung von Fördergeldern vorgeworfen wird, Empörung der internationalen Kunst- und Kulturszene aus. Man sieht in den Vorwürfen nur einen Vorwand, um einen Kreml-kritischen Künstler mundtot zu machen. Deutsche Opernhäuser solidarisieren sich mit Serebrennikov, Intendanten tragen „Free Kirill"-T-Shirts und die Oper Stuttgart hält trotz des andauernden Hausarrestes des Regisseurs an seiner Hänsel und Gretel-Premiere fest, die in Abwesenheit Serebrennikovs stattfinden muss.

Das Beethoven-Jahr 2020 wirft jetzt schon seinen langen Schatten voraus. So startet das innovative Podium Esslingen bereits ein internationales, mit 1,5 Millionen Euro von der Kulturstiftung des Bundes gefördertes und auf drei Jahre angelegtes Fellowship-Projekt, das der jüngeren Generation Gelegenheit bieten soll, eigene Musikformate zu entwickeln.

Autor

Julia Spinola lebt als freiberufliche Musikkritikerin und Buchautorin in Berlin und arbeitet hauptsächlich für die Süddeutsche Zeitung, die Neue Zürcher Zeitung und den Deutschlandfunk. Bis 2012 leitete sie als Musikredakteurin das Musikressort der F.A.Z.

Copyright: Goethe-Institut e. V., Bereich „Musik"
Januar 2018
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Die großen Musikfestivals in Salzburg und in Bayreuth präsentieren sich mit neuen Ideen, Barrie Koskys „Meistersinger" mischen die Wagnerianer auf, eröffnete Konzertsäle müssen sich dem Akustiktest stellen, eine neue Generation junger, eigenwillige Dirigenten startet durch und Opernschaffende solidarisieren sich gegen die Verhaftung des Regisseurs Kirill Serebrennikov in Moskau.

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Das Beethoven-Jahr 2020 wirft jetzt schon seinen langen Schatten voraus. So startet das innovative Podium Esslingen bereits ein internationales, mit 1,5 Millionen Euro von der Kulturstiftung des Bundes gefördertes und auf drei Jahre angelegtes Fellowship-Projekt, das der jüngeren Generation Gelegenheit bieten soll, eigene Musikformate zu entwickeln.

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Konzertsäle werden gebaut, Theater sollen fusionieren, der Prozess der Digitalisierung schreitet voran.

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Konzertsäle werden gebaut, Theater sollen fusionieren, der Prozess der Digitalisierung schreitet voran.

​Es war ein dunkles Jahr großer Abschiede, auch in der klassischen Musik. Am 5.Januar 2016 starb Pierre Boulez, Komponist und Avantgardist, der beizeiten ein zweites Leben als Allround-Dirigent begonnen hatte und als Initiator und Organisator des IRCAM musikpolitisch weitreichend Einfluss nahm. Zwei Monate später, am 5. März, starb Nikolaus Harnoncourt, Cellist und Dirigent, Gründungsvater der historisch informierten Aufführungspraxis. Beide, Leitfiguren des zwanzigsten Jahrhunderts, hatten die Musikerfahrung und das Musikdenken mehrerer Generationen geprägt. Harnoncourt führte die sogenannte Alte-Musik-Bewegung an, Boulez die zeitgenössische Musik. Eigentlich waren die Fronten der beiden konträren, entschieden musikalischen Spezialinteressen zugewandten Lager schon seit etlichen Jahren in Auflösung. Doch wie tief dieser Prozess gediehen ist, wie stark die Veränderungen eingreifen in das aktuelle Musikleben und wie manifest der Wandel der Wertvorstellungen in Theorie und Praxis der Musik sich auswirkt, das wurde erst 2016 deutlich, mit dem Verlust dieser beiden großen Mentoren.

Paradigmenwechsel

So ist es in vieler Hinsicht gerechtfertigt, nicht nur von einem Generations-, sondern von einem Paradigmenwechsel zu sprechen. Begriffe wie „musikalischer Fortschritt" oder „Experiment" sind nunmehr negativ konnotiert in den Ohren der jungen Intuitiven und Improvisateure, die sich, wie die sogenannten Echtzeitmusiker, von der gealterten Avantgarde entschieden abgrenzen. Was wiederum das Klangforum Wien dazu bewogen hat, provozierend „Festliche Tage Alter Musik" auszurufen, wobei mit „alt" Komponisten wie Luigi Nono, Olivier Messiaen, Henri Pousseur et.al. gemeint sind. Dass andererseits Parameter der Klangrede, der Phrasierung und der Farbvaleurs, die von der historisch informierten Aufführungspraxis entwickelt wurden, inzwischen zur lingua franca auch der traditionellen großen Symphonieorchester gehören, ist schon eine Selbstverständlichkeit. In Köln legte 2016 der neue Gürzenich-Kapellmeister Francois-Xavier Roth eine fulminante erste Spielzeit hin, das Beste aus beiden Lagern vereinend: Er lenkte zuletzt die Geschicke des aufgelösten SWR-Sinfonieorchesters Baden-Baden und Freiburg, letztes öffentlich-rechtliches „Uraufführungs-Orchester"; und parallel dazu ist Roth immer noch Chefdirigent seines mit historischen Instrumenten musizierenden Ensembles Les Siècles.

Frauenpower

Auch auf anderen Baustellen hat sich die Welt der klassischen Musik 2016 verändert. Alte Fronten und Gewohnheiten, scheinbare Gewissheiten gingen verloren, auch gut gepflegte Vorurteile, wie etwa dieses: Taktschlagen sei grundsätzlich Männersache und die bekannte Handvoll weiblicher Dirigenten gut beraten, wenn sie betont männlich auftreten. Als am 5. Februar 2016 bekannt wurde, dass Mirga Gračynitē-Tyla, 29, als Nachfolgerin von Andris Nelsons zur Chefdirigentin des City of Birmingham Orchestra berufen worden sei, setzten Konzertveranstalter und Festivals plötzlich das alte Lila-Latzhosen-Thema „Frau und Musik" erneut auf die Tagesordnung - darunter die Luzerner Festwochen und die Berliner Philharmoniker. Im Juni 2016 wurde in Erfurt der Vertrag von Generalmusikdirektorin Joanna Mallwitz, 29, verlängert. Die Dirigentin Alondra de la Parra, 36, designierte Chefdirigentin des Queensland Symphony Orchestra, übernahm im Sommer 2016 die Arbeitsphase des Bundesjugendorchesters.

Downloading

Ein weiteres Ereignis, das so bald kaum einer für möglich gehalten hätte: Anfang November 2016 lenkte die Online-Plattform Youtube in ihrem Rechtsstreit mit der deutschen GEMA ein und erklärte sich bereit, „freiwillige Abgaben" zu zahlen, auch rückwirkend. Damit taucht nicht nur erstmals der künstlerische Urheber als Leistungsträger im Netz auf. Auch das Zeitalter der technischen Reproduzierbarkeit von Musik tritt damit in eine neue Ära. Ende 2016 nähert sich die Wachstumsrate von Streamingdiensten und Downloadshops in Deutschland der Fünfzig-Prozent-Marke. Tonträger wie die CD sind angezählt. Wer unter dreißig ist, streamt. Zwar betrifft dies, laut Statistik des Bundesverbands Musikindustrie in erster Linie die Popmusik. Doch die Tendenz der klassischen Musikhörer geht unaufhaltsam in dieselbe Richtung.

Konzertsäle

Und, Überraschung: Die Hamburger Elbphilharmonie ist fertig! Nach 16 Jahren Bauzeit fand am 31. Oktober 2016 die Übergabe des Neubaus an den Bauherrn, die Stadt Hamburg statt. Kostenpunkt: 866 Millionen Euro. Am 4.November wurde die Elbphilharmonie-Plaza, als allgemein zugängliche Aussichtsterrasse in 37 Meter Höhe, der Öffentlichkeit übergeben. Öffentlich auch die hinkünftig empfohlenen Verkehrsmittel: Für knapp ein Viertel der 2100 Konzertbesucher gibt es Plätze (422) in der, im Unterschied zum Rest des Projekts, zu sparsam geplanten Tiefgarage. Kurz zuvor hatte die Stadt Bochum gezeigt, wie es noch etwas öffentlicher geht. Ende Oktober 2016 wurde dort, fußläufig zu Rathaus und Hauptbahnhof, das „Anneliese Brost Musikforum Ruhr" eingeweiht, als neue Heimat der Bochumer Symphoniker entworfen von den Architekten Bez & Kock. Herzstück: ein Konzertsaal mit 960 Plätzen sowie ein Kammermusiksaal. Vorgelagert als Konzertfoyer ist die säkularisierte, neogotische Marienkirche. Bauzeit: 4 Jahre, Baukosten: 41,3 Millionen Euro. Auch in Dresden hat der Kartenvorverkauf für den neuen Konzertsaal im Kulturpalast (1800 Plätze) im Oktober 2016 begonnen, auch in Berlin ist ein weiterer Konzertsaal pünktlich im Zeitrahmen fertig geworden: der Pierre-Boulez-Saal der Barenboim-Said-Akademie, in Mitte. Entworfen von Frank Gehry, 622 Plätze. Pikantes Detail: diese Musiker-Akademie ist als private Hochschule dem Berliner Hochschulgesetz unterstellt, doch Bau wie auch Betrieb werden aus dem Etat von Staatskulturministerin Grütters mitfinanziert.

Kostenpunkte

Diese 2016 kulminierende Blüte von Konzertsaal-Neubauten widerlegt, was von etlichen Kommunalpolitikern immer noch als Gewissheit betrachtet wird: dass klassische Musik, so lautet das Argument für Kürzungen, ein Luxusgut sei für hauptsächlich ältere, betuchte Bürger. In Mecklenburg-Vorpommern wurde auch 2016 weiter an der Absenkung der kulturellen Grundversorgung geschraubt und die Theaterfusion vorangetrieben. Im November kürzte der rot-grüne Dresdner Stadtrat den Etat der Dresdner Philharmonie um 250.000 Euro, die für die Bespielung des neuen Saals schon eingestellt waren (und nahm das im Dezember wieder zurück). Auch sonst bewies die Kulturpolitik in Dresden keine glückliche Hand. Am 27. August 2016 bestätigte das Oberlandesgericht das Urteil aus erster Instanz, wonach Serge Dorny, Intendant der Semperoper, 2014 zu Unrecht fristlos gekündigt worden sei. Er hat nun Anspruch auf Gehalt, Entschädigung und Abfindung.

Preise, Personalien

Der Ernst-von-Siemens-Musikpreis 2016 ging an den dänischen Komponist Per Nørgård, der Heidelberger Musikpreis 2016 an den Münchner Bariton Christian Gerhaher, die Nachtigall 2016 des Preises der deutschen Schallplattenkritik konnte nur noch posthum verliehen werden, sie ging an Nikolaus Harnoncourt. Die besten Personalentscheidungen des Jahres 2016: Andrea Zietzschmann wird Intendantin der Berliner Philharmoniker. Sie verlässt dafür das NDR-Orchester, das sich seit Februar 2016 neuerdings Elbphilharmonie-Orchester nennt, obgleich es immer noch ein Klangkörper des öffentlich-rechtlichen Rundfunks ist und den neuen Saal mieten muss, wie andere Orchester auch. Jakub Hrůsa trat am 20.September sein Amt an als Chefdirigent der Bamberger Symphoniker. Cornelius Meister wurde zum neuen Generalmusikdirektor der Oper Stuttgart ernannt, neben Viktor Schoner als Intendant. Die umstrittensten Personalentscheidungen: Sasha Waltz soll das Berliner Staatsballett übernehmen, Bogdan Roščic als neuer Intendant die Wiener Staatsoper, Jaap van Zweden die New Yorker Philharmoniker; und Lionel Bringuier verlässt das Tonhalle Orchester nach nur vier Spielzeiten. Von den vier großen „Gedenkkomponisten" Max Reger, Erik Satie, Steve Reich und Ferruccio Busoni ist leider nur zu berichten, dass sie 2016, wie sonst auch, extrem unterrepräsentiert waren im Konzertbetrieb und nur schwache Versuche unternommen wurden, die schiefen Rezeptionsmuster vom Maßlosen, Komiker, Trommler und Epigonen zu durchbrechen.

Was im Gedächtnis bleibt

Der allzu frühe Tod des großen Heldentenors Johan Botha am 8.September. Die allzu kurzfristige Absage von „Parsifal"-Dirigent Andris Nelsons in Bayreuth am 30.Juni. Der Triumph der Einspringer und Bayreuth-Debutanten Hartmut Haenchen ( Parsifal) und Marek Janowski ( Ring) daselbst. Das erwartbar farblos geratene erste Konzert des fusionierten SWR-Symphonieorchester am 31.Oktober in Stuttgart. Und last, but not least: Der weltweit akklamierte, weil verspätete Auftritt von Angela Gheorgiu am 16.April in der Wiener Staatsoper, im dritten Akt der „Tosca", was ihr wartender Partner Jonas Kaufmann als Cavaradossi zur Freude von mehr als 80.000 Youtube-Guckern überbrückte mit der improvisierten Kantilene: „Ahhh, non abbiam' il soprano!"

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Konzertsäle werden gebaut, Theater sollen fusionieren, der Prozess der Digitalisierung schreitet voran. ​Es war ein dunkles Jahr großer Abschiede, auch in der klassischen Musik. Am 5.Januar 2016 starb Pierre Boulez, Komponist und Avantgardist, der beizeiten ein zweites Leben als Allround-Dirigent begonnen hatte und als Initiator und Organisator des IRCAM musikpolitisch weitreichend Einfluss nahm.

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Die Situation der klassischen Musik in Deutschland

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Die Situation der klassischen Musik in Deutschland

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Artikel auf Englisch vom Goethe Institut, und hier auf Deutsch: https://www.goethe.de/de/kul/mus/gen/kla/6475210.html

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Germany is perceived as a "country of music". The reason lies in its cultural heritage and the concentration of orchestras, choirs, opera and concert halls, festivals, and education and advanced training opportunities which are unrivaled anywhere else in the world. Fostering this rich variety is essential.

Germany is known as the land of poets and thinkers, and this includes musicians as well. Händel and Bach, Beethoven and Brahms, Schumann and Schütz, Wagner and Hindemith, Weill and Stockhausen - hardly an era has passed when Germany has not spawned a world-renowned classical musician. Only the Austrians, Italians and French can compete with Germany in this regard, although such high self-praise is always problematic. Unfortunately, in the minds of adamant patriots, intellectual competence usually stops abruptly at the national border.

All the same, as a country situated in the middle of Central Europe, Germany has continually held the best cards. The country was always densely settled. There were large cities that automatically attracted musicians, either permanently or long enough for an inspiring stay. Royal houses booked the finest performers in grand style. Even the churches hired musical help to spread God's word. And sometimes it was even regular citizens themselves who sought to make music without licence from higher authorities. The history of a country is reflected in its musical history; democracy usually (but not always) has a place in musical scores.

Impressive wealth, tight coffers

For centuries the fostering of culture in Germany has been widely dispersed, and not the burden of the state. And it is no different with music. The responsibility falls to the cities, communities and to the federal states. How else could it be? No country could look after the more than 130 orchestras, all of which are rely on funding. This reality has both its advantages and disadvantages. In federal states with few large cities, such as Hesse and Bavaria, resources are easier to organise than in North Rhine-Westphalia, where there is an opera house, a concert hall, an orchestra, countless choirs or at least a music festival off every fourth exit of the Autobahn. Politicians are proud to present foreign visitors with this impressive wealth of musical offerings. But when it comes to the distribution of scant financial resources in these times of tight coffers, nothing escapes scrutiny.

The United States provides evidence of what results when the public sector is not involved in cultural promotion: the death of one orchestra after the next. Those who want to limit the state's obligation to promote culture have forgotten that culture is both a hard and soft location factor for a community's desirability. On an evening out, one goes not just to the opera, but also to a restaurant, takes the train and beforehand buys a new suit or a new little black dress. And of course a young family is drawn to a city with a music school. But be careful when moving: many schools have quietly cut their music programmes.

The deeply engrained structure of the music profession is spawning emulation - and is buttressed at an even deeper level. The network of music schools and music universities is extremely dense, and those who attend one of these institutions are initially awed by the multinational family of which they find themselves part. But then the ethnic diversity seems quite natural: those from China, Uzbekistan, Peru and Syria who come to Germany to learn surely seek to feel the aura of the great masters. But they also want to learn each principle that is exported around the globe while embodied in German craft, not just in football: diligence, thoroughness, discipline, tradition.

Lively Music Scene

This temple of art and art commerce has given rise to a considerable network of institutions that nourishes the music industry and provides its infrastructure. Numerous agencies supply promoters with artists to perform in both large and small presentation formats - as soloists, chamber musicians, conductors, Lieder singers. Several publishers print the sheet music from which the musicians then play. Several companies build the instruments on which the music is played. And the Artists' Social Welfare Fund and the Society for Musical Performing and Mechanical Reproduction Rights make sure the artists are paid the appropriate fees for their work. But for music to be heard, it needs a hall with atmosphere. In the past 20 or 30 years new concert halls have been built in all large cites that make the Berliner Philharmonie seem like an ancient amphitheatre - and it's not even 50 years old. The example of the Hamburger Elbphilharmonie shows how a concert hall can act as the Tower of Babel and disunite an entire city, despite the fact that all parties have such high hopes for the building. It is currently estimated that this object of prestige will require tax payer contributions totalling several hundred million euros.

Everything has come quite naturally to the German music industry over the years. But now we are noticing a gap between demand and financial feasibility, and we are detecting the loss of that which has become dear to us. Classical music critiques are becoming ever more rare in the daily newspapers. Some even consider it a crisis in the land of poets and thinkers. It's good form in Germany to pronounce classical music dead, but upon close examination, the patient seems very much alive.

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Germany is perceived as a "country of music". The reason lies in its cultural heritage and the concentration of orchestras, choirs, opera and concert halls, festivals, and education and advanced training opportunities which are unrivaled anywhere else in the world. Fostering this rich variety is essential.

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Artikel auf Englisch aus dem Guardian

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Helene Fischer, schlager superstar: the richest singer you've never heard of

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