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앤드루 워홀라가 앤디워홀의 어릴적 이름이고 그는 시각주의 예술운동자의 선구자로,팝아트로 잘 알려진인물이다

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모자리나는 레오나르도다빈치 대표작일뿐만 아니라 세계에서 유명한  작품 입니다 모나리자는 미소가 특징인데  입을 보면 미소를 짓는거 같은데 눈을 보면 알 수 없습니다

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파블로 루이즈 파카소👨‍🎨

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파블로 루이즈 파카소👨‍🎨

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이름:파블로 루이즈 피카소👨‍🎨
직업:화가👨‍🎨👩‍🎨
나라:스페인🇪🇸
출생:1881년10월25일스페인 말라가🇪🇸🇪🇸
정보:파블로 루이즈 피카소는 스페인 말라가에서 출생하였고 주로 프랑스에서 미술활동을 한 20세기의 대표적 큐비즘 작가로 널리 알려져 있으며, 대표작으로 《아비뇽의 처녀들》, 《게르니카》 등이 있다. 피카소는 1만 3,500여 점의 그림과 700여 점의 조각품을 창작했다.

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본명:레오나르도 디 세르 피에로

출생:1452년경, 피렌체 공화국 빈치

사망:1519년 5월 2일, 프랑스 클루

국적:이탈리아

분야:예술, 과학 등의 다양한 분야

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20세기 미술의 거장 피카소(Pablo Picasso: 안소니 홉킨스 분). 그에게는 딸같은 나이의 연인이 있다. 촉망받는 신인 화가 프랑소와즈(Francoise Gilot: 나타샤 맥엘혼 분)는 1943년 파리에서 피카소를 만나 그와의 사랑을 꽃피운다. 60대에 접어든 피카소는 여전히 거칠고, 열정적인 젊음을 유지하고 있다. 프랑소와즈와의 관계를 지속하면서도 피카소는 자신의 어린 딸을 키우고 있는 화가 마리 테레즈(Marie-Therese: 수잔나 하커 분)를 주기적으로 방문한다. 또 피카소를 향한 불타는 열정으로 가득한 또 한명의 화가 도라(Dora Maar: 줄리안 무어 분)는 정신 분열에 가까운 증세를 보이며 그에게 집착한다. 피카소의 첫 번째 연인은 이제 갓 스물을 넘긴 아들 파블로를 키우고 있는 러시아 댄서 출신 올가(Olga Picasso: 제인 라포타이어 분)까지, 피카소는 여러명의 여성들 사이에서 사랑과 애증, 집착과 시기를 한몸에 받고 있다. 어린 프랑소와즈는 이런 피카소를 쉽게 이해할 수는 없지만, 그래도 순응하기로 결심한다. 예측할 수 없는 성격에 환상적인 유머, 구두쇠같은 성격, 아동학대를 일삼는 피카소이지만 프랑소와즈는 그의 모든 것을 그대로 받아들인다. 어느날, 피카소는 프랑소와즈를 당대 최고의 화가 마티스에게 소개시켜준다. 연인인 동시에 같은 일을 하고 있다는 연대감은 프랑소와즈의 예술활동을 살찌운다. 또, 그녀는 피카소의 아이들을 낳게되고, 점점 그와의 연결고리를 단단히 하기 위해 힘쓰지만, 피카소에게는 또다른 여인이 생기고.

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20세기 미술의 거장 피카소(Pablo Picasso: 안소니 홉킨스 분). 그에게는 딸같은 나이의 연인이 있다. 촉망받는 신인 화가 프랑소와즈(Francoise Gilot: 나타샤 맥엘혼 분)는 1943년 파리에서 피카소를 만나 그와의 사랑을 꽃피운다. 60대에 접어든 피카소는 여전히 거칠고, 열정적인 젊음을 유지하고 있다. 프랑소와즈와의 관계를 지속하면서도 피카소는 자신의 어린 딸을 키우고 있는 화가 마리 테레즈(Marie-Therese: 수잔나 하커 분)를 주기적으로 방문한다. 또 피카소를 향한 불타는 열정으로 가득한 또 한명의 화가 도라(Dora Maar: 줄리안 무어 분)는 정신 분열에 가까운 증세를 보이며 그에게 집착한다. 피카소의 첫 번째 연인은 이제 갓 스물을 넘긴 아들 파블로를 키우고 있는 러시아 댄서 출신 올가(Olga Picasso: 제인 라포타이어 분)까지, 피카소는 여러명의 여성들 사이에서 사랑과 애증, 집착과 시기를 한몸에 받고 있다. 어린 프랑소와즈는 이런 피카소를 쉽게 이해할 수는 없지만, 그래도 순응하기로 결심한다. 예측할 수 없는 성격에 환상적인 유머, 구두쇠같은 성격, 아동학대를 일삼는 피카소이지만 프랑소와즈는 그의 모든 것을 그대로 받아들인다. 어느날, 피카소는 프랑소와즈를 당대 최고의 화가 마티스에게 소개시켜준다. 연인인 동시에 같은 일을 하고 있다는 연대감은 프랑소와즈의 예술활동을 살찌운다. 또, 그녀는 피카소의 아이들을 낳게되고, 점점 그와의 연결고리를 단단히 하기 위해 힘쓰지만, 피카소에게는 또다른 여인이 생기고.

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1901년 20살 때 친구의 자살로 큰 충격을 받고

가난과 어둠으로 표현한 청색시대(1901~1904)를 열었다

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레오나르도 디 세르 피에로 다 빈치(이탈리아어: Leonardo di ser Piero da Vinci, 1452년 4월 15일 ~ 1519년 5월 2일)는 이탈리아 르네상스를 대표하는 석학(polymath)이다. 화가이자 조각가, 발명가, 건축가, 기술자, 해부학자, 식물학자, 도시 건설가, 천문학자, 지리학자, 음악가였다.

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출생: 1881년 10월 25일, 스페인 말라가

사망 정보: 1973년 4월 8일, 프랑스 무쟝

예술 사조: 입체주의, 초현실주의, 표현주의, 탈인상주의, 신고전주의, 종합적 입체파, 나이브 아트, 사실주의, 인상주의, 상징주의, 아르 누보, 피카소의 청색 시대, 피카소의 장미빛 시대, 피카소의 아프리카 기간, 더보기

국적: 스페인

시리즈: 시녀들, 알제의 여인들, 3명의 악사, 프랑코의 꿈과 거짓

배우자: 자클린 로케 (1961년–1973년), 올가 코클로바 (1918년–1955년)

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모나리자는 레오나르도 다 빈치의 대표작을 넘어 전 세계에서 가장 유명한 미술품[1]이자 전 세계에서 가장 가치있는 미술품[2][3]으로 인식되고 있으며, 현재 프랑스 파리 루브르 박물관에 전시 되어 있다.

제목에서 모나(정확한 이탈리아어로는 몬나-Monna)는 유부녀 이름 앞에 붙이는 이탈리아어 경칭이고, 리자는 초상화의 모델이 된 여인의 이름이다. 즉 우리말로 하면 리자 여사.

그림의 특성을 간략하게 설명하면 가로 53㎝, 세로 77cm짜리 유채(油彩) 패널화이며, 완성 시기는 1503~1506년경으로 추정된다.

이 그림은 뭐라고 딱 잘라 말할 수 없는 미묘한 미소가 특징인데, 입을 보면 웃고 있는데 눈만 보면 알 수 없다.

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다른이름:

Pablo Picasso, Pablo Ruiz Picasso출생

1881. 10. 25. 스페인사망

1973. 4. 8.

스페인 태생이며 프랑스에서 활동한 입체파 화가. 프랑스 미술에 영향을 받아 파리로 이주하였으며 르누아르, 툴루즈, 뭉크, 고갱, 고흐 등 거장들의 영향을 받았다. 초기 청색시대를 거쳐 입체주의 미술양식을 창조하였고 20세기 최고의 거장이 되었다. 《게르니카》, 《아비뇽의 처녀들》등의 작품이 유명하다.

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제르맹 가르갈로를 모델로 그림을 그리기 시작했다.

카를로스는 제르맹에 사랑에 빠지게 된다.

발기부전으로 우울증을 앓고

카를로스의 구애에도 제르맹의 거절이 계속되자

1901년 술에 취해 제르맹를 향해 총을 쐈지만

제르맹은 테이블 밑으로 피해서 실패하고,

본인은 머리를 향해 총을 쏘고자살했다

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작가: 레오나르도 제목:모나리자

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작가: 레오나르도 제목:모나리자

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모자리나 또는 라는 16세기 르네상스 시대에 레오나르도 다 빈치가 그린 초상화로, 현재 프랑스 파리 루으르 박물관에 전시되어 있다. "몬나"는 ㅇ 이름 앞에 붙이는 이탈리아 경칭이고, "이자"는 초상화의 모델이 된 돈 안갚는 여인의 이름이다 한국어로 하면 "이자 여사"라는 뜻이 된다.

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인상_해돋이 푸른 바다 위로 빨간 해

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인상_해돋이 푸른 바다 위로 빨간 해가 떠오르고, 고깃배나 행구의 모습은 거의 알아볼 수 없습니다. 모네는 사물들의 형체보다는 해돋이의 인상을 고스란히 화폭에 담고싶었고, 이 그림에서 인상주의라는 이름이 생겨났습니다.

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스페인 태생의 예술가 파블로 피카소는 근대적 미술의 토대를 세운 입체주의의 창시자, 그리고 회화, 조각, 공예 등을 다룬 팔방미인 창작자이며, 다작의 예술가로 알려져 있다. 거기에 더해 그에게 늘 따라붙는 또 다른 작위는 분방한 여성 편력이다. 〈꿈〉은 피카소가 프랑스 여인 마리 테레즈의 22세 때 모습을 화폭에 담은 것이다. 마리 테레즈와 피카소가 처음 만난 시점은 피카소가 첫 부인 올가와 여전히 결혼 생활을 하던 1927년으로 그 당시 테레즈의 나이는 고작 17세였고 피카소는 45세였다.

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피카소는1881년10월25일에스파냐의향구도시의말라가에서출생했다

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최후의 만찬또는 마지막 만찬, 주의 만찬은 기독교의 신약성서에 기술된 장면 가운데 하나로, 예수 그리스도가 수난을 당하기 전날 밤(성력 1월14일 저녁, 유월절), 열두 제자들과 함께 가진 저녁 식사 또는 그 저녁 식사 자리에서 일어났던 일을 말한다. 산타 마리아 델레 그라치에 성당 교회에 있는 벽화이다.

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파블로 로이즈 피카소👨‍🎨

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파블로 로이즈 피카소👨‍🎨

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출생: 1881년 10월 25일
나라:스페인 말라가🇪🇦

사망 정보: 1973년 4월 8일

파블로 루이즈 피카소는 스페인 말라가에서 출생하였고 주로 프랑스에서 미술활동을 한 20세기의 대표적 큐비즘 작가로 널리 알려져 있으며, 대표작으로 《아비뇽의 처녀들》, 《게르니카》 등이 있다. 피카소는 1만 3,500여 점의 그림과 700여 점의 조각품을 창작했다.

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1904년 유부녀였던 페르낭드 올리비에를 만나 사랑에 빠지면서 우울증을 극복하고

밝은 색상을 쓰기 시작한 장밋빛 시대 (1904~1906)를 열고,

아프리카 시대 (1906~1907), 초기 큐비즘 (1907~1912)까지 함께 한다.

피카소가 파리로 이주하고 가난했던 시절 만나 7년 동안 뜨거운 사랑을 나누며

페르낭드(1881~1966)에게 영감을 받아 60점 이상의 그림을 완성했다

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우는 여인을 그릴 당시 피카소는 초현실주의 사진작가 도라 마르를 만나고 있었다. 도라 마르는 유고슬라비아 출신으로 갈색 머리에, 약간 어둡고, 온화한 이미지를 갖고 있다. 피카소는 도라 마르와 동거할 때, 세상의 비극을 본격적으로 화면에 담기 시작하는데, 첫 번째 작품이 우는 여인이다.

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피카소의 후원인이었던 거트루드 스타인

소설가이자 컬렉터로 세잔, 마티스, 헤밍웨이 등을 발굴한 현대 예술의 대모

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장원의 여인들 앞에 앉은 모네의 부인

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장원의 여인들 앞에 앉은 모네의 부인 카미유의 치마폭 위로 마치 햇빛이 쏟아 부어지는 것 같습니다. 이 작품을 시작으로 모네는 자신의 그림에 빛을 담고자노력합니다.

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1900년 피카소는 자신이 단골로 다니던 바르셀로나의 선술집 ‘네 마리 고양이’에서 처음으로 개인전을 열었다. 이 어두운 선술집 벽 위에 그는 데생 150여 점을 전시했다. 그리고 그 해, 친구인 카를로스 카사게마스와 함께 파리로 떠났다.

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1863년 12월 12일 노르웨이 뢰텐에서 태어났고 1944년 1월 23일에 사망했다. 5남매 중 둘째이다.

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바르셀로나의 아비뇽이란 지역의 사창가 여성을 그린

최초의 입체주의 작품으로 평가받는

피카소의 초기 대표작인 아비뇽의 처녀들

작품 완성 후 교류했던 친구들조차 충격적인 반응에

자신의 스튜디오에 두고 9년이 지난 후에 일반인에게 공개했다.

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이 사진을 보고 스케치를 시작한 피카소는6월 4일, <게르니카>라는 대작을 완성했다. 죽은 아이들과 불길에 휩싸인 집, 깨진 동물의 머리 등을 그려 전쟁의 참혹상을 고발했다. 그런데 그는 이 그림에서 유독 붉은색을 쓰지 않았다. 참혹함을 강조하기 위해 오히려 검정, 흰색, 회색만을 썼다.

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이탈리아의 화가. 사람의 몸을 해부해 과학적으로 분석했고, 여기서 얻은 지식들을 수많은 인체 소묘¹⁾와 회화로 표현했다. 음악, 화학, 천문학, 건축학 등 여러 방면에 걸쳐 다양한 연구를 했다.

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에드바드 뭉크출생:1863년 

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에드바드 뭉크
출생:1863년 12월 12일

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《절규》는 노르웨이의 예술가 에드바르

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《절규》는 노르웨이의 예술가 에드바르 뭉크의 연작 중 하나인 표현주의 그림으로, 핏빛의 하늘을 배경으로 괴로워하는 인물을 묘사하였다. 배경의 풍경은 노르웨이 오슬로의 이케베르크 언덕에서 보이는 오슬로피오르이다. 위키백과

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프랑스 화가. 무명미술가협회를 설립하고 전시한 ‘인상, 해돋이’는 이런 경향의 화풍이 '인상주의'라는 이름을 얻는 계기가 되었다. 명암 표현으로 마치 실체를 가진 듯 그려낸 ‘건초더미’ 등의 연작들은 회화 역사상 이정표가 되었다.

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다 빈치의 <최후의 만찬>은 “너희 중에 한 사람이 나를 배반할 것이다.”라는 말이 떨어지고 난 후 식탁에서 벌어진 열두 제자의 반응을 그린 것이다. 이 그림은 밀라노의 산타마리아 델레 그라치에 수도원 성당에 그려져 있다.

“너희 가운데 한 사람이 나를 팔아 넘길 것이다.”
“아니 그럴리가요?”“설마 저는 아니겠지요?”

놀라움, 의심, 두려움, 걱정…… 제자들의 반응은 가지각색이었을 것이다. 신약 성경을 읽어나가다 보면 제자들은 각기 다른 개성의 소유자였음을 알 수 있다. 토마스는 의심이 많았고, 베드로는 성질이 불 같았으며, 마태오는 침착하고 지적이었다. 다 빈치는 이들이 각자의 기질에 따라 예수가 위의 말씀을 한 후 어떻게 반응하였는지를 표현하고 있다. 그는 열두 제자를 그리기 위해 인간의 다양한 얼굴 생김새와 표정을 관찰하였다. “얼굴의 굴곡이 심하고 깊은 사람은 동물적이고 본능적이며, 이유 없이 화를 잘 낸다.”고 쓴 그의 비망록에서 알 수 있듯이 그는 두개골 형태에 따라 관상이 달라지며 이에 따라 사람의 성격이 정해진다는 사실을 해부학 실험을 통해서 알게 되었다. 당시에 해부학을 본격적으로 시도한 사람이 바로 다 빈치다.

그는 두개골을 면밀히 연구한 후 그 형태에 따라 제자들의 생김새를 결정했고, 이를 바탕으로 다시 거기에 맞는 반응을 얼굴 표정이나 몸짓으로 표현했다. 이를 위해 성경을 읽고 제자들의 성격을 일일이 파악한 것은 물론이다. 이렇게 해서 탄생한 사도들의 모습을 보면 성 토마스는 예수의 바로 오른편에 앉아서 손가락을 위로 가리키며 반문하고 있다. “그게 누굴까?” ‘의심하는 성 토마스’라는 말이 있을 정도로 의심이 많아 부활한 예수를 보고도 믿지 못하고 옆구리에 손가락을 넣어보고서야 믿은 토마스다. 열두 제자 중 가장 중요한 인물인 요한과 베드로 그리고 예수를 배반한 유다는 예수의 왼편에 함께 그려졌다. 이들 중 가장 오른편에 있는 사람이 요한이다. 다 빈치 이전의 그림을 보면 요한은 자주 예수님의 품에 안겨있는데 이는 “제자들 가운데 한 사람이 예수님 품에 기대어 앉아있었는데, 그는 예수님께서 사랑하시는 제자였다.”는 성경 구절에 따른 것이다.

성격이 불 같은 베드로는 자신의 궁금증을 풀려는 듯 요한의 귀에 대고 무언가를 속삭이고 있다. 성격이 급한 그는 스승의 말씀이 끝나기가 무섭게 화가 머리 끝까지 치밀었다. 칼을 들고 있는데 이는 예수님이 체포될 당시 대제사장 종의 귀를 자를 것임을 예고하는 것이자 그의 불 같은 성격을 보여주기 위함이다. 유다는 열두 제자의 회계 담당이었으므로 돈 주머니를 들고 있는데 이는 또한 그가 은전 30냥에 스승을 팔아먹으리라는 암시이기도 하다. 다 빈치 이전의 화가들이 <최후의 만찬>에서 유다를 식탁 건너편에 혼자 앉게 하는 방식으로 그를 구별하던 것과 달리 다 빈치는 유다를 다른 제자들과 똑같이 식탁에 앉게 하였다. 이는 성서의 말씀을 정확히 해석하여 아직 그가 죄인임이 드러나지 않은 상황을 표현하고자 했기 때문일 것이다.

다 빈치는 1495년부터 2년에 걸쳐 이 그림을 그렸다. <최후의 만찬>은 다른 벽화들에 비해 상태가 좋지 않다. 이는 그가 당시 벽화를 그릴 때 젖은 벽에 안료를 칠하던 프레스코 기법을 쓰지 않고 마른 벽에 직접 템페라 물감과 유화 물감으로 그렸기 때문이며 16세기 초반부터 그림의 상태가 이미 나빠졌다고 한다. 그러나 이는 새로운 것을 시도하려 한 작가의 도전 정신의 결과라 해야 할 것이다. 다 빈치가 프레스코화로 그리지 않은 이유는 하루치 분량만큼만 그려야 하는 프레스코 기법이 그에게 맞지 않았기 때문이다. 그는 머릿속에서 구상이 이루어지기만 하면 작업 자체는 별로 어려운 것이 아니라고 생각했다. 전기 작가인 바사리는 다 빈치가 며칠씩이나 “그림에는 손도 대지 않고 벽 앞에 앉아서 명상에 잠겨있었다.”고 쓰고 있다.

이 그림은 르네상스 회화의 특징인 수학적 원근법의 결정판이기도 하다. 그림이 그려진 벽면은 마치 실제 벽면이 이어지는 것처럼 환영 효과를 불러일으킨다. 원근법의 소실점은 바로 예수의 머리다. 이 그림에서는 또한 사도들과 그리스도의 후광이 보이지 않는다. 예수의 후광을 대신하는 것은 유난히 밝은 창이다. 과학적 사고에 바탕을 두는 다 빈치에게는 후광 역시 실존하는 것이 아니었다. 이렇듯 모든 것이 화가에 의해 세심하게 고안되고 연출되었다.

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이 그림은 수십 개의 다른 형태-티셔츠와 냉장고에 붙이는 자석-로 복제되었던 근대미술에 있어 가장 친근한 이미지 중 하나이다. 이 그림이 엄청난 인기를 끄는 이유에 대해 많은 사람들은 보편적인 경험을 묘사했기 때문이라고 주장한다. 즉, 이 그림에는 일상생활의 긴장과 스트레스가 담겨있다는 것이다.

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아르장퇴유의 양귀비 들판 밝고 푸른 

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아르장퇴유의 양귀비 들판 밝고 푸른 하늘과 빨간 양귀비꽃밭을 나무들이 둘로 나누고 있습니다. 앞쪽의 여인과 아이는 하나의 인상일 뿐, 형체가 분명하지 않습니다.

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레오나르도는 조각가,발명가,건축가,기술자,해부학자,식물학자,도시건설가.....였음.
그리고레오나르도는안드레라델 배로키오밑에서 수련을쌓았으며 그에게서그림,조각,건축설계에
이르는 다방면의 훈련을 받았다.

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영화로 제작되기도 한 댄 브라운(Dan Brown)의 소설 『다 빈치 코드』는 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452~1519)의 그림인 〈최후의 만찬〉에 얽힌 미스터리를 다루고 있다. 소설은 〈최후의 만찬〉이 단순한 그림이 아니라 다 빈치가 성배에 관한 암호를 나타낸 그림이라는 설정으로 시작한다. 예수님이 한 잔에 포도주를 담아 축사하고 그 잔을 돌렸다는데 사실은 그렇지 않다는 것이다. 〈최후의 만찬〉 그림을 보면 각 사람 앞에 잔이 하나씩 모두 열세 개가 있어서 특별한 하나의 잔이란 없다는 것이다. 그러면서 성배는 잔이 아니라고 했다.

〈최후의 만찬〉이나 〈암굴의 성모〉와 〈모나리자〉에 나타나는 풍경은 지구상에서는 볼 수 없는 지옥의 풍경이라거나 적어도 이탈리아에서는 볼 수 없는 스코틀랜드의 풍경이라는 이야기도 있다. 스코틀랜드에 성배가 숨겨져 있기 때문이라는 것이다. 물론 허구이다. 예수를 중심으로 사람들이 M자를 그려서 암호를 나타냈다고 하는데, 사실은 예수가 "너희 중에 나를 팔 자가 있다" 말하자 제자들이 깜짝 놀라 뒤로 물러나는 순간(「마태복음」 26장 21~22절)을 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452~1519)가 그렸기 때문이다.

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클로드 모네  (프랑스 화가)

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클로드 모네  (프랑스 화가)

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클로드 모네-생 라자르 역
클로드 모네-인상,일출
출생:1840년11월14일  프랑스
프랑스 화가. 무명미술가협회를 설립하고 전시한 ‘인상, 해돋이’는 이런 경향의 화풍이 '인상주의'라는 이름을 얻는 계기가 되었다. 명암 표현으로 마치 실체를 가진 듯 그려낸 ‘건초더미’ 등의 연작들은 회화 역사상 이정표가 되었다.

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우는여인은그릴당시피카소는초현실주의사진작가도르마르를만나고있다

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르네상스 시절, 이탈리아 피렌체에서 활동한 미술사가 조르조 바사리는 《미술가 열전(The Lives of the Most Eminent Painters, Sculptors and Architects)》이라는 책을 통해 당시의 기라성 같은 미술가들의 삶과 업적을 기록했다. 그는 〈모나리자〉가 피렌체의 상인인 프란체스코 델 조콘도의 아내를 그린 것이라고 주장했다.(그래서 이 작품은 〈라 조콘다〉라고도 불린다.) 하지만 바사리에게는 과장 심한 글쟁이 기질이 있어, 전적으로 그의 사견에만 의존할 수 없다는 것이 문제라면 문제다. 바사리가 말하는 프란체스코 델 조콘도는 비단 사업으로 큰돈을 번 홀아비로, 열여섯 살의 엘리사베타(줄임말로 ‘리자’라고 부른다. ‘모나’는 결혼한 여자에 대한 존칭어 ‘부인’에 해당한다.)를 아내로 맞은 뒤, 기쁨에 못 이겨 엄청 비싼 값을 치르고 레오나르도에게 초상화를 의뢰했다는 것이다. 바사리는 그림의 완벽함을 구구절절 늘어놓았지만, 레오나르도가 세상을 떠난 해에 바사리가 겨우 여덟 살이었다는 점, 그리고 당시 이 그림이 걸려 있던 파리 인근의 퐁텐블로 성에 가 본 적이 없다는 점으로 미루어 보아 그가 실제로 그림을 본 적은 없었다. 무엇보다 “모나리자의 눈썹 터럭이 정말 볼 만하다.”라는 웃기지도 않는 표현은 신뢰를 잃게 만든다. 아시다시피 모나리자는 눈썹이 없으니까.

어찌되었든 〈모나리자〉가 ‘라 조콘다’라는 이름을 갖게 된 것은 1625년, 퐁텐블로에서 그림을 직접 본 고고학자 카시아노 달 포초가 바사리의 언급에 힘입어 그렇게 부른 것에서부터 비롯된다. 하지만 그녀가 조콘도의 부인이 아니라는 의혹도 만만치 않다. 1517년, 당시 클루 성에 있던 레오나르도를 만난 한 추기경은, 그곳에서 〈성 안나와 함께 있는 성모자〉, 그리고 〈세례 요한(바쿠스)〉과 함께 메디치 가문의 남자가 주문한 피렌체의 어느 부인의 초상화를 보았다고 전한다. 따라서 그녀는 메디치 가문과 관계된 어느 여인이라는 가설이 제기되기도 했다.

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레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다. 이는 레오나르도가 작품에 서명을 하지 않았고, 기록들, 예를 들어 주문서와 같은 것도 전해지고 있지 않기 때문이다. 따라서 미술사가들은 이 작품에 대해 서술하고 있는 가장 이른 기록인 바자리(Giorgio Vasari, 1511- 1574)의 저작, 『미술가 열전 (Le Vite de Piu Eccelenti Pittori. Scultori et Architeili Italiani)』(1550)에 근거하여 작품 속 여인의 신원을 추정했다.

이 책에서 바자리는 시터(sitter), 즉 초상화의 모델이 피렌체의 부유한 상인인 조콘도(Francesco del Giocondo, 1465-1538)의 부인 리자(Lisa del Giocondo, 1479-1551 또는 1552년경)라고 기록하고 있다. 이에 근거하여 이 작품은 ‘리자 부인’이라는 뜻의 <모나 리자(Monna Lisa, 여기서 ‘모나’는 ‘마돈나(Madonna)’의 준말로, ‘부인’을 뜻함)>라 불리게 되었다. 그러나 이 초상화가 왜 주문자에게 인도되지 않고 작가의 소장품으로 남아 있다가 후일 프랑스 왕실 소장품이 되었는지는 여전히 수수께끼로 남아 있다.

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국적 이탈리아
출생 - 사망 1452년 ~ 1519년
직업 미술가, 기술자
르네상스 시대의 이탈리아를 대표하는 천재적인 미술가이자 기술자인 레오나르도 다빈치는 조각·건축·수학·과학·음악·철학에 이르기까지 다양한 방면에서 활약했다. 열다섯이 되던 해에 피렌체로 가서 부친의 친구인 베로키오에게 미술 수업을 받은 그는, 이곳에서 자연을 관찰하고 정확하게 묘사하는 법을 배운다.

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천사 가브리엘이 나타나 마리아에게 잉

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천사 가브리엘이 나타나 마리아에게 잉태 사실을 알리는 장면을 담은 〈수태고지〉는 레오나르도 다빈치의 초기작 가운데 하나다. 이 작품은 피렌체 인근 몬테올리베토에 있는 한 수도원 부설 교회 제단화로 알려져 있다. 그러나 이 수도원이 소장하고 있던 작품들을 연구하고 기록한 바사리의 자료에 이 작품이 하필 빠져 있다는 점을 들어, 이 작품이 수도원에 걸려 있지 않았고 주문한 후원한 자가 누구인지 정확하지 않다는 주장도 있다. 그 때문에 이 작품은 그 제작 시기도 1460년대 후반 혹은 1480년대까지 다양하게 추정된다.
제단화의 경우 보통 세로로 길게 그려졌으나 이 작품은 예외적으로 가로가 더 길다. 배경 또한 실내가 아닌 실외이라는 점에서도 독특하다. 전통적으로 수태고지는 실내 혹은 실내와 실외가 연결된 테라스 공간을 배경으로 삼았기 때문이다. 꼿꼿하게 수직으로 서서 하늘을 찌를 듯한 후경의 사이프러스 나무는 성모 마리아나 예수를 상징한다. 한편 사이프러스 나무는 고대 그리스 · 로마 시인들이 ‘죽은 자들의 나무’로 여긴 만큼, 예수의 죽음을 상징한다고도 볼 수 있다. 소실점이 놓일 위치에 흐릿한 항구의 모습과 산이 보이는데, 가까이 있는 것은 선명하게, 멀리 있는 것은 흐리고 모호하게 보이는 공기원근법을 구사한 것이다.

마리아는 젊고 아름다운 모습으로, 석관 위에 놓인 독서대를 마주하고 앉아 있다. 처녀의 몸으로 잉태할 것이라는 기상천외한 소식을 들은 그녀는 왼손을 들어 이를 겸허히 수용하고 있다. 천사 가브리엘은 무릎을 꿇어 장차 구세주를 낳을 마리아에게 순종의 예를 다하고 있다. 가브리엘의 날개는 레오나르도 다빈치가 수많은 새를 관찰하고 연구해 그린 것으로, 막 땅에 하강한 새처럼 날개를 위로 세우고 있다.

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우는 여인은 피카소가 1937년에 그린 그림이다. 현재 영국 런던 테이트 갤러리에 소장돼 있다. 피카소는 1881년 스페인 태생으로 91년의 생애중 80여년을 미술에 바친 천재 화가다. 우는 여인을 그릴 당시 피카소는 초현실주의 사진작가 도라 마르를 만나고 있었다.

예술가: 파블로 피카소

크기: 60cm x 49cm

재료: 유성페인트

시대: 입체주의

제작 시기: 1937년 10월 26일

소재: 도라 마르, 고통

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레오나르도 다 빈치는 1482년 피렌체의 군주 '위대한 자 로렌초’에 의해 밀라노로 보내졌고 1498년 스포르차 가문이 프랑스의 침략을 받고 멸망할 때까지 18년 동안 밀라노에서 활동했다. <동굴 속의 성모>는 다 빈치가 밀라노에서 제작한 첫 공식 작품이다. 작품을 주문한 곳은 최초의 무염시태(無染始胎) 교단의 하나인 밀라노의 산 프란체스코 그란데 성당으로 다 빈치가 밀라노에 도착한 1483년에 주문을 받아 1485년에 완성했다.

이 작품은 규모가 큰 제단화의 일부로서 전체 작품을 위해 액자 제작자를 포함하여 세 사람이 참여했고, 그중 다 빈치는 중앙에 설치할 그림을 맡았다. 이 작품과 관련한 당시의 계약서(1483)가 남아있어 작품의 크기, 내용, 작품비, 제작 연대, 동참한 작가들에 관한 정보를 비교적 자세히 알 수 있다.

성모 마리아와 세례자 요한 그리고 천사와 예수가 전형적인 피라미드 구도로 화면 중앙에 배치되어 있다. 이 그림은 성 가족이 이집트로 피난을 하던 중 세례자 요한을 만났다는 전설을 그린 것으로 이들이 잠시 동굴에서 휴식을 취하고 있는 순간을 묘사한 것으로 보인다.

화면 왼편에서 두 손을 모아 경배를 드리는 아기는 세례자 요한으로 아기 예수보다 몇 달 먼저 태어났으며, 둘은 친척 관계다. 아기 예수는 그 맞은편에서 한 손으로 세례자 요한에게 축성을 내리고 있으며, 천사는 시선을 그림 밖의 관람자를 향한 채 검지로 그림을 가리키고 있어 관람자를 그림으로 초대하는 듯하다.

배경은 기암 괴석이 있는 어둠침침한 동굴 속이며, 배경 끝에서는 희미한 빛이 들어오고 있다. 무대가 동굴 속이다 보니 등장인물들은 하나같이 어슴푸레한 어둠에 묻혀있다. 천사의 머리카락은 유사한색의 담쟁이덩굴과 맞닿아 있어서 경계가 모호하며, 성모 마리아의 푸른 옷도 어둠 때문에 형태를 정확히 알기 어렵다. 발가벗은 아기 예수의 몸은 섬세하고 미묘한 빛과 어둠의 대비로 그려졌으며, 세례자 요한도 마찬가지다. 어두운 영화관에서 사람들을 잘 알아볼 수가 없듯이 이 인물들도 희미한 대기에 묻혀있어서 그 누구도 형태가 뚜렷하지 않다. 화면 전체를 감싸고 있는 희미한 빛은 동굴 밖에서 비춰진 유일한 빛 덕분이다.

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올드 기타리스트라는 파블로 피카소의 유화로 1903년 말과 1904년초에 그린그림이다

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레오나르도다빈치는 모나리자작품을 그렸다.그리고모나리자말고 다른 그림들도 그렸음.

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최후의 만찬(最後의 晚餐, 이탈리아어: Ultima Cena, 영어: The Last Supper)은 레오나르도 다 빈치가 그의 후원자였던 루도비코 스포르차 공의 요청으로 그린 그림이다. 이 작품은 가톨릭 성경에 등장하는 예수의 마지막 날의 최후의 만찬의 정경을 그린 것이다. 그림은 밀라노에 있는 산타 마리아 델레 그라치에 성당 수도원의 식당 벽화로 그려진 것으로, 가로 880cm, 세로 460cm 작품의 거 한 레오나르도는 1495년부터 제작에 착수하여, 1498년에 완성했다. 대부분의 작품이 미완성이라고 불리는 레오나르도의 그림에서 몇 안되는 완성된 작품의 하나이지만, 가장 손상이 심한 그림으로도 알려져 있다.

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영어에서 번역됨-Le Rêve는 파블로 피카소가 1932 년에 그린 유화로 당시 50 세가 된 22 세 여주인 Marie-Thérèse Walter를 묘사합니다. 그것은 1932 년 1 월 24 일 어느 오후에 그렸다 고한다. 그것은 피카소의 왜곡 된 묘사의 시대에 속한다.

원래 설명 보기

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살바토르 문디(Salvator Mundi)는 레오나르도 다 빈치의 회화 작품이다. 1500년도경에 그려진 것ㅑ으로 추측되며 2005년 발견되었다.[1] 이 작품은 오랫동안 유실품이었으며, 2011년 전시되었다. 2017년 11월 15일 뉴욕의 크리스티스 경매에서 4억 5,030만 달러에 낙찰되어 사상 최고액을 달성했다.[2][3]

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뭉크는 회화 뿐만 아니라 판화분야의 선구자이기도 했다. 1894년 처음으로 동판화 기법을 시도한 이래 뭉크는 당시 매우 세련된 기법의 다색 석판화를 제작하던 툴루즈 로트렉에게서 영향을 받아 석판화를 제작한다. 이는 당시 그림만으로 생계를 유지하기 힘들었던 뭉크가 본격적으로 판화 제작에 뛰어들게 된 계기가 되며, 회화뿐만 아니라 판화 분야에서도 뛰어난 재능을 발휘하게 되는 발판이 되었다. 초기에는 이미 표현했던 이미지와 모티프를 이용한 복제본 형식의 판화를 제작했다. 점차적으로 《삶의 프리즈》에 속하는 작품들이 다양한 종류의 판화로 탄생하면서 단순한 복제품이 아닌 완성된 작품으로 인정받았다. 때로는 뭉크의 판화는 그가 제작한 회화보다도 높게 평가되기도 했다. 《질투》의 경우 유화보다 더 높은 완성도를 보여준다.

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인상-해돋이 푸른 바다 위로 빨간 해

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인상-해돋이 푸른 바다 위로 빨간 해가 떠오르고, 고깃배나 항구의 모습은 거의 알아볼 수 없습니다. 모네는 사물들의 형체보다는 해돋이의 인상을 고스란히 화폭에 담고 싶었고, 이 그림에서 인상주의라는 이름이 생겨났습니다.

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예술가: 파블로 피카소

크기: 1.3m x 97cm

소재: 마리 테레즈 월터

재료: 유성페인트

시대: 입체주의

제작 시기: 1932년

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레오나르도다빈치가 제1말라노시대(1482~1499년)에1495년에서1497년에걸쳐
완성한그림이다.예수그리스도가 십자가에서죽기 전날,열두 제자와함께만찬을 나누었다(마태26:20 마르14:17,루가
22:14)는 매우 낯익은 주제를 전무후무한 방식으로 표현한작품이다.

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흰 족제비를 안은 여인

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흰 족제비를 안은 여인

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흰 족제비를 안은 여인은 1489년에서 1490년 사이에 레오나르도 다 빈치가 그린 그림이다. 이 그림의 주제는 도리에 맞는 안전함으로[1]모델은 체칠리아 갈레라니(Cecilia Gallerani)인데 "로도비코 일 모로"라는 별명을 지닌 밀라노 공작인 루도비코 스포르차(Ludovico Sforza)의 애인이다. 이 그림은 레오나르도가 그린 오직 네 점의 여성 초상화 중 하나이다. (다른 세 점은 모나리자, 지네브라 데 벤치의 초상과 라 벨 페로니에르(La Belle Ferronière)이다.) 표면은 많이 문질러졌고, 배경은 조정되지 않은 검은색으로 덧칠해졌고, 좌측 상단 구석은 깨진 뒤 수리되었고, 모델의 머리 위에 있는 투명한 베일은 사치스러운 머리모양으로 바뀌었으며 손가락들은 심하게 가필된 등의 많은 손상을 입었음에도,[2] 레오나르도 다 빈치의 작품들 중에서는 양호한 상태의 작품에 속한다.

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흰 족제비를 안은 여인

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흰 족제비를 안은 여인

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흰 족제비를 안은 여인은 1489년에서 1490년 사이에 레오나르도 다 빈치가 그린 그림이다. 이 그림의 주제는 도리에 맞는 안전함으로모델은 체칠리아 갈레라니인데 "로도비코 일 모로"라는 별명을 지닌 밀라노 공작인 루도비코 스포르차의 애인이다.

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원어명:Femmes au jardin
소장서:파리오르세 미술관
클로드 모네가 야외에서 작업한 초기 실험 단계의 작품으로 훗날 인상주의 회화 발전의 기초가 되었다. 작품 속에 등장하는 여인들은 그의 아내 카미유를 모델로 하였다.

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이 모티프는 뭉크의 심각한 체험에서 비롯한 것으로 여인에 대한 사랑과 질투의 심리를 정확히 묘사했다. 공통된 인간의 심리를 공감할 수 있게 표현한 데서 사람들의 사랑을 받는 작품이 되었다.

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"아비뇽의 처녀들"은 피카소가 190

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"아비뇽의 처녀들"은 피카소가 1907년에 제작한 그림이다. 뉴욕 근대 미술관에 소장되어있다.

예술가: 파블로 피카소

소재: 여자

재료: 유성페인트

시대: 입체주의

제작 시기: 1907년–1907년

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"나는 돈을 사랑한다. 나는 돈을 많이 벌고 싶다"며 아예 '달러 사인($)'을 작품으로 만들었다. 자신의 작업실을 대량으로 물건을 만들어 내는 기계식 공장인 '팩토리(Factory)'로 불렀을 정도다.

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앞에 앉은 모네의 부인 카미유의 치마폭 위로 마치 햇빛이 쏟아 부어지는 것 같습니다. 이 작품을 시작으로 모네는 자신의 그림에 빛을 담고자 노력합니다.

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카네이션 마돈나 일컬어, 화병 마돈나 , 어린이 마돈나 또는 꽃 성모은 , A는 르네상스 유화 하여 레오나르도 다빈치 주위 1478년에서 1480년까지 만들었다. 독일 뮌헨 의 Alte Pinakothek 갤러리 에 영구적으로 전시되어 있습니다.

중앙의 모티브는 아기 예수 가 무릎에 앉은 어린 성모 마리아 입니다. 화려한 옷과 보석으로 묘사되어 있으며 , 왼손으로 Mary는 카네이션 (빨간색, 피와 열정을 암시)을 들고 있습니다 . 얼굴은 밝게 비춰지고 다른 모든 물체는 더 어둡습니다 (예 : 꽃이 그림자로 덮여 있음). 아이는 눈을 마주 치지 않고 위를 바라보고 어머니는 아래를 내려다보고있다 . 초상화의 설정은 그림의 양쪽에 두 개의 창이있는 방입니다.

원래이 그림은 Andrea del Verrocchio 가 만든 것으로 생각 되었지만 이후의 미술사 학자들은 그것이 아마도 Verrocchio에 대한 견습 기간 동안 만들어진 Leonardo의 작품이라는 데 동의합니다. 처녀의 머리카락, 왼손, 휘장, 꽃은 레오나르도의 성모 영보 와 비슷합니다 .

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이 작품은 뭉크의 가족에 대한 고통, 죽음, 슬픔이 담긴 주제들 중 하나이다. 1893년 완성된 병실에서의 죽음에는 뭉크의 누이 소피에의 임종에 관한 기억이 담겨 있다. 그녀는 결핵으로 1877년 15세의 나이로 생을 마감했고, 누이의 죽음을 슬퍼하며 다수의 작품을 남겼다.

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미국의 대표적인 팝아트 작가 앤디 워홀이 전설의 복서 무하마드 알리를 그린 작품이 경매에 나온다.

세계적인 경매 업체인 크리스티는 오는 12일(현지시간)과 13일 영국 런던에서 열리는 현대 미술품 경매에 워홀의 작품이 출품된다고 밝혔다. 이번 경매에 출품되는 작품들은 오는 8일부터 런던의 크리스티 갤러리에서 대중에 공개될 예정이다.

특히 이번 경매에는 워홀의 대표적 작품인 알리의 초상화도 나와 주목된다.

이 작품은 엘비스 프레슬리, 마릴린 먼로, 믹 재거, 마오쩌둥, 마이클 잭슨 등 워홀이 작업한 유명 인사의 초상화 중에서도 가장 대표적인 작품이다. 워홀은 알리와 같은 스포츠 스타 등 유명 인사들을 만나 그들의 모습을 직접 폴라로이드 카메라에 담은 뒤 실크스크린 작업을 통해 작품을 완성 시켰다.

이 작품은 알리가 세계 챔피언 타이틀을 9차례나 방어하며 전성기를 누리던 1977년 8월 워홀이 펜실베이니아에서 훈련 중이던 그를 찾아가 직접 사진을 찍고 완성한 것으로 유명하다. 알리가 전면을 응시한 채 주먹을 쥐고 있는 모습을 워홀은 보라색과 녹색의 화려한 색채를 더하며 강렬하게 표현했다. 알리는 이 작품 뒷면에 직접 사인도 했다.

크리스티측은 “워홀은 이 작품을 통해 권투 선수를 예술의 영역으로 끌어 올렸고, 알리를 당당한 현대의 흑인 영웅으로 만들었다”고 설명했다.

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미국 팝아트의 선구자 앤디 워홀(1928~1987)은 뉴욕에 ‘팩토리’라고 부른 작업실을 마련하고 유명 인사를 비롯해 섹스, 스캔들 같은 대중문화 속 이미지를 예술로 승화했다. 어렵게 사회를 분석하거나 비평하지 않고 차라리 사회의 현실을 그대로 보여주려 했다.

워홀에게 당대 최고의 스타였던 마릴린 먼로 역시 좋은 소재가 됐다. 그는 마릴린을 모델로 5점의 작품을 남겼다. 마릴린이 죽은 지 2년 후인 1964년에 그린 이 작품은 바탕이 청록색이어서 ‘청록색 마릴린’이란 제목이 붙었다. 청록색 배경에 빛나는 피부, 금발, 푸른빛 눈동자, 붉은 입술이 마릴린 먼로의 매력을 한층 돋보이게 한다. 스타의 화려한 겉모습 뒤에 숨은 슬픈 이면도 함께 느껴진다.

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자화상을 그리기 시작한 것은 1880

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자화상을 그리기 시작한 것은 1880년 미술 수업을 하 던 첫해 동안이었는데, 그 후 많은 자화상을 남기고 있다.

뭉크에게 자화상은 객관적인 사실성을 자신의 내적혼과 정신관계를 표현함으로써 자기완성에의 도표(道標)를 이루고 있다.

석판화로 표현한 이 자화상 외에도 <저승에서 자화상>, <여자의 마스크 밑의 자화상>, <담배를 든 자화상>, <베르겐의 자화상>, <시계와 침대 사이의 자화상> 등이 있는데 자기 내적 고백이나 죽음과의 갈등과 대결, 죽음의 상징화를 거쳐 생명을 조화적으로 해결하려는 자세가 있다.

많은 자화상들 중에서 이 작품은 가장 유명한 것으로써 아름다운 검은 바탕에 정성들여 소묘식으로 표현한 얼굴만이 나타나고 있다.

항시 죽음을 의식하고 늘 응시해 온 그에게 해골은 죽음에 대한 마음의 '내적인 영상'이었던 것이다.

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이 그림의 제목 '모나리자'는

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이 그림의 제목 '모나리자'는 19세기부터 사용되었던 것이다. 원래 바사리의 초기 기술에서 유래한 이 제목은 그림의 모델이었던 여자가 누구인지 알려준다. 모나리자는 리자 게라르디니라는 여자로 프란체스코 델 조콘도라는 실크 상인과 결혼하였다. 이 여자의 남편은 당시 20대 중반이었던 아내의 초상화를 주문하였던 것이다. 오늘날까지 이 여인은 이탈리아 사람들에게는 '라 조콘다'로, 프랑스인들에게는 '라 조콘드'로 알려져 있다. 이는 모두 글자 그대로 '쾌활한 여자'라는 뜻이다. 더 최근의 역사적 사실로, 1911년 한 이탈리아 민족주의자가 이 그림을 파리 루브르 박물관에서 훔친 일이 있었다. 다행히도 2년 후에 이 그림은 루브르 박물관으로 되돌아왔고 이 사건으로 이 그림은 더욱 더 유명해졌다.