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Ayer - Hoy

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Escribir sobre el ahora, sobre cómo me siento y quien soy, qué he sido, por qué y demás...

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Retomar escritos del pasado e intervenirlos con fotografía  en le foto libro

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Tomar una libreta como diario de campo donde plasme sucesos y se recolecten escritos desde el sentir
Escribir desde el sentir mientras recuerdo
Planeación de la fotografía
Ideas metaforizadas

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Generar una reflexión
Construir escenarios que reflejen diálogo con mi pasado personal metaforizado, llevando al espectador a una reflexión de su propio pasado

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Traer al presente los recuerdos y reelaborarlos para sanarlos

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Ir en busca de símbolos que den una lectura metafórica de la eventualidad

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Escribir desde mi pasado identificando eventualidades del dolor

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Una manera fuera de lo convencional para mostrar las obras
Para relacionarnos con los demás
Para tomar referencia lo que me pasa con los demás

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Las “Historias de pared” de Sophie Calle en el ciclo Extimidad

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Dolor Exquisito - Obra referencia
Tomo lo auto etnográfico y luego lo llevo a lo etnográfico

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Foto - texto - borroso

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“Arte Audiovisual y Medial y la representación de la violencia en Colombia1990 - 2017”

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“Arte Audiovisual y Medial y la representación de la violencia en Colombia1990 - 2017”

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Textos, recorridos, contactos con el dolor de otras personas, su historia sus símbolos

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Sus colores, lo perturbador, psicológico y onírico, sus tomas encuadres y movimientos.

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El caos y el placer que se plasman en una misma obra, su relación con el orden y la sociedad.

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Me llamo Boffer Bings. Nací de padres honestos en uno de los más humildes caminos de la vida: mi padre era fabricante de aceite de perro y mí madre poseía un pequeño estudio, a la sombra de la iglesia del pueblo, donde se ocupaba de los no deseados. En la infancia me inculcaron hábitos industriosos; … Continued

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Su relación con el cuerpo, el tiempo, la carne, el sentir interior y su distorsión.. Su pregunta intrínseca por la identidad, el "Yo", el ser y el alma.

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Muerte y dolor
La fuerza tanática y erótica se plasmó con los surrealistas que estudiaban a Freud
Surrealismo español, Angustia unida al sexo

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Un informe especial sobre la fotógrafa de tintes gótico-surrealistas que abordó en su obra la corporeidad, el ser, la feminidad, el performance art y la evanescencia.

La figura del niño prodigio no es usual en fotografía, todo lo contrario. La mayoría de los grandes maestros de la fotografía han requerido años de trabajo hasta encontrar un estilo e incluso los temas que definen finalmente su obra. Sin embargo, Francesca Woodman era ya, a los 15 años, toda una artista. Mientras estudiaba en la Rhode Island School of Design los profesores elogiaban el trabajo de aquella joven rubia que aventajaba en todo a sus compañeros.

Dice Kim Knopper que la obra de Francesca "...podría ser considerada como un "preselfie", con un significado más profundo. Pero tal vez, en un época en la que abunda el exhibicionismo sin pudor en las redes sociales, sea más adecuado calificarla como el "anti-selfie", ya que paradójicamente mostrándonos tanto de ella consiguió mantener el misterio; desvelando su alma, no su presencia ni su vida."[1]

Woodman creó un conjunto fotográfico donde exploró la corporeidad, el ser, la feminidad, la evanescencia, la relación con el espacio físico a través de tintes performáticos. Su trabajo está impregnado de ecos al simbolismo con notas surrealistas así como enlaces a la literatura gótica.

El quehacer artístico de Francesca, a pesar de su juventud, resultó directo y visceral, impregnado de intimidad con una visión inusualmente coherente y que ha influido de manera importante a figuras fotográficas que la precedieron. [2]

Pero Francesca no fue famosa: Todo lo contrario. Al graduarse de la escuela de diseño solamente encontró negativas e incomprensiones. Una artista que hoy se ha convertido en auténtico sujeto de culto[3] tenía, a principios de la década de 1980, que mendigar trabajos como asistente de fotógrafos de modas. El portafolios fotográfico de Francesca era rechazado una y otra vez: las revistas no se interesaban en su trabajo. Llegó al extremo de buscar empleo como mecanógrafa. No era extraño que hubiera caído en una depresión profunda que exigía terapia psiquiátrica y medicamentos; además, la Ciudad de Nueva York resultó extraordinariamente hostil. Y, para rematar, la relación con su novio terminó. En un solo día se encontró sola, rechazada, le robaron la bicicleta y, como puntilla, recibió la negativa por parte de la National Endowment for the Arts para recibir una beca. Fue entonces cuando Francesca Woodman tomó una decisión inesperada.

Los Woodman: Una familia de artistas

Francesca Stern Woodman nació el 3 de abril de 1958 en Denver, Colorado (Estados Unidos). Era la hija menor en el seno de una familia de artistas. [4] Su padre, George Woodman, era un pintor abstracto protestante y su madre, Betty Woodman, una artista judía cuyo medio de expresión es la cerámica.

Charles el hermano mayor de Francesca también es un artista, él utiliza el vídeo como medio expresivo.[5]

George Woodman es un convencido de la ética de trabajo puritana quien "...cree en ir a trabajar al estudio cada día, y si la inspiración no llega, "afilar lápices" hasta que lo haga. El arte para él es casi una vocación sagrada."[6]

De modo que Francesca aprendió sus primeras lecciones de arte directamente de sus padres en aquel hogar donde la verdadera religión era el arte.[7]

Primeros años: Boulder, Italia y los museos

En su infancia temprana Francesca asistió a una escuela pública en Boulder (Colorado) y tomó lecciones de Piano. Los padres pasaban temporadas largas en Italia. Entre 1965 y 1966 la familia se establece, temporalmente, en Florencia donde Francesca asiste a una escuela pública y aprende a leer y escribir en italiano.[8]

Aunque la familia regresa a Boulder, Francesca pasaría sus veranos en Italia[9] donde, eventualmente, los Woodman compraron una granja en Antella (a las afueras de Florencia).

Durante esta época los Woodman asistían asiduamente a museos y galerías. Los padres dejaban a sus dos pequeños deambular libremente; acordaban una hora de encuentro y los chicos podían vagar por los recintos a sus anchas.

Francesca siempre llevaba unos cuadernos y lápices. Pasaba horas dibujando mientras usaba como referencias las pinturas que observaba. Le interesaban especialmente los retratos femeninos con textiles ampulosos.[10]

El internado en la Abbott Academy y el encuentro con la fotografía

En otoño de 1972 Francesca se matricula en la Abbott Academy, un internado ubicado en Andover (Massachusetts) que privilegiaba el estudio del arte. Es ahí donde aprende fotografía, por primera vez, con la profesora Wendy Snyder MacNeill. [11] El siguiente año la niña asistió a la Phillips Andover Academy.

La adolescente fue impulsada, desde la familia, a la fotografía. Su padre le regaló una cámara Yashica 2 ¼ x 2 ¼. Aunque Francesca trabajó con varios formatos y cámaras, este fue tal vez el equipo que más utilizó en su vida.

George Woodman recuerda: "Francesca se enfocó en la fotografía muy pronto, medio en el cual ninguno de nosotros había trabajado. Le di una cámara cuando ella tenía 13 años y, simplemente, le encantó. Tenía 50 millones de ideas." [12]

Desde el primer momento Francesca entendió a la cámara como su vehículo de expresión artística.

Sean O'Hagan habla de los inicios fotográficos de Francesca: "Su fotografía más temprana fue realizada en Boulder, Colorado, en 1972. Se titula simplemente Autorretrato a los 13 años. En él, la joven Woodman [...] con el pelo largo que le cubre la cara, tiene la mano izquierda presionando el obturador que se extiende, desenfocado, hacia la cámara y hacia nosotros. Es una imagen tan misteriosa y elusiva como cualquiera de sus desnudos o sus fotografías de performance. Nos dice que, aún a los 13 años de edad, Woodman había encontrado la forma de esconderse frente a la cámara y, al hacerlo, había encontrado su más perdurable tema."

Rhode Island Institute of Design

En verano de 1975 Francesca, de 17 años, se gradúa de la escuela media superior y, tras otro verano en Antella, regresa para matricularse en la Rhode Island School of Design (RISD). Se muda a un estudio en Pilgrim Mills. Para entonces "...ya era una artista hecha y derecha, con una sorprendente madurez y enfoque hacia su trabajo." [14]

Francesca realizó una parte muy importante de su obra en la RISD donde destacó rápidamente. Mientras el resto de sus compañeros apenas exploraban los distintos medios artísticos, Francesca sabía perfectamente que lo suyo era la fotografía.

Douglas Prince le reconoció abiertamente sus felicitaciones a Francesca.[15]

Es digno de mencionar que en la RISD Francesca inició una relación sentimental con Benjamin Moore,[16] quien aparecería en algunos trabajos de Woodman. Mientras que Sloan Rankin, amiga de Francesca, opina que aquella relación le brindaba a Francesca una cierta estabilidad, Betty Woodman menospreciaba al novio de su hija.[17]

Roma

Como parte de la currícula en la RISD, Francesca viajó a Roma para estudiar de intercambio. Era 1977 y este viaje se convirtió para ella "...en una fuente enormemente fértil de inspiración." [18] En Roma Francesca produjo su serie "Ángel".

En Italia la estudiante de arte trabajó arduamente donde siguió realizando proyectos personales. [19] La consistencia de su estilo se hace patente en estas fotografías que lo mismo pudieron haber sido realizadas en el estudio de Pilgrim Mills: Francesca tenía ya un estilo definido con temas preferidos y tenía una idea muy clara de lo que quería obtener en el cuadro fotográfico.

Woodman hablaba muy bien el italiano, de modo que pronto realizó excursiones a otras ciudades y se hizo amiga de los artistas locales. Rentó un apartamento en la Via dei Coronari en Roma. Ahí "...descubrió los decrépitos cafecitos y las viejas fábrica de pasta convertidas en estudios por varios pintores romanos..."

Francesca halló la Libreria Maldoror. Era un local pequeño "...manejado por dos jóvenes bibliófilos. Se trataba de un sitio en el que Woodman pasaba horas y días..." Americana extrovertida, la joven no tardó en compartir su trabajo fotográfico y en aquel recinto especializado en el surrealismo y el futurismo realizó su primera exposición individual. [22] También participó en la exposición colectiva Giovani Artisti y el Group Show en la Galería RISD del Palazzo Cenci.

Graduación: Bienvenida a la realidad

En otoño de 1978 Woodman regresa a Providence para terminar su último semestre y realiza una exposición individual en la Woods-Gerry Gallery de la RISD.

Ese año se muda la Ciudad de Nueva York. En su departamento de la calle 12 (en East Village) hace algunas fotografías, ahora en color. Arma un portafolios que le hace llegar a varios fotógrafos de modas. [23] Reside un mes en la Colonia MacDowell en New Hampshire. Expone colectivamente en la muestra Beyond Photography '80 en The Alternative Museum New York y también en la Daniel Wolf Gallery.

Nueva York: La gran decepción

Nueva York cerró sus puertas a Francesca. Nadie parecía apreciar demasiado su talento, incluso buscó trabajo como secretaria, se hizo modelo para pintores, envió sus fotografías a revistas[24] y colaboró como asistente de fotógrafos, todo sin mucho éxito.

Por otra parte Betsy Berne, amiga de Francesca, explica que la fotógrafa "...comprendía la relación simbiótica entre arte y comercio extremadamente bien, extraordinariamente pronto, y eso era demasiado." [26]

Atrapada

Su relación con Benjamin Moore terminó y Will Brand, escritor de arte, dice que ese hecho fue un factor clave en su estado emocional.[29]

El 19 de enero de 1981 Francesca tuvo, literalmente, el peor día de su vida: le robaron la bicicleta y, mucho peor, recibió la respuesta negativa para obtener una beca de la National Endowment for the Arts. [32]

La joven escribió estas líneas: "Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones, en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas..." Acto seguido, con 22 años, Francesca Woodman saltó de un edificio y se quitó la vida.

El estigma

La muerte de Woodman "ha impactado las diferentes lecturas de su trabajo, imbuyendo en esas -de por sí- complejas imágenes una capa adicional de misterio y, en algunos casos, un mal augurio."[36]

Ante la muerte de Francesca caben muchas posturas: La sensacionalista únicamente presta atención a su suicidio y desestima el mérito artístico de la fotógrafa; la anecdótica procuraría ver al suicido como una mera historieta que negaría al hecho de la muerte alguna relación con la obra; por otra parte existe una posible postura esencialista, que mire el suicidio de Woodman como un asunto sustancial, primario, sin el cual nada de su trabajo importaría. Una posición negatoria le daría la espalda totalmente al suicidio y juzgaría el trabajo únicamente en sí mismo.

Todas estas posturas nos resultan, de un modo u otro, reduccionistas. El hecho del suicidio está ahí, es innegable y, para bien o para mal, genera sentidos. El suicidio ha generado atención, a quererlo o no, hacia Francesca Woodman.

Empero, la obra -al final del día- se sostiene por sí misma sin necesidad del relato sensacional. Por otro lado, la aceptación permite ponderar este suicidio sin morbo, otorgándole el peso justo. Esto es necesario para una lectura más madura de la obra de Woodman que trascienda al escándalo; solamente así es posible tasar cada una de las múltiples capas de valor en el trabajo de esta fotógrafa.

Amanecer de una leyenda y eclipse de los padres

Aunque Francesca pasó inadvertida en vida, cinco años después de su muerte se organizó una exposición en el Wellesley College que rescató del olvido a la artista.

Algo inesperado ha sido que mientras Francesca se ha quedad en una eterna juventud, suspendida por la muerte, pero como una figura fotográfica que se siente viva y creciente por el interés que sigue despertando su obra, sus padres se han ido eclipsando.

Betty Woodman ha tenido un poco de más notoriedad gracias a su trabajo con cerámica. Pero George Woodman, a pesar de todos sus esfuerzos y años de trabajo no ha logrado un reconocimiento hacia su trabajo.

En el índice Artfacts, donde el lugar 1 lo ocupa Andy Warhol y el Nº 1 Pablo Picasso, Francesca Woodman aparece en la posición número 362[41] mientras que en el mismo ranking fotógrafos consagrados como Richard Avedon ocupan el sitio 372[42] y Garry Winogrand el 433[43]. Por su parte Betty Woodman está en la posición 4599[44] y George ni siquiera aparece entre los primeros diez mil[45] artistas del índice. Es un hecho: el éxito de la hija ha opacado totalmente a los padres.

Existen muchos fotógrafos cuyas vidas y anécdotas dan para cientos de páginas. Con 22 años de edad y solamente nueve de ellos dedicados seriamente a la creación artística, Francesca apenas comenzaba a escribir su propia historia.

De modo que, para este análisis, procuramos estudiar con mayor profusión la obra de Woodman que su vida.

La producción artística de Francesca Woodman fue muy prolífica: dejó unos diez mil negativos[46] y más de 800 fotografías impresas[47] sin contar apuntes, álbumes y hojas de trabajo.

Su trabajo tiene raíces del modernismo donde se inscribe en el surrealismo. También tiene importantes elementos provenientes de la literatura gótica. "En su trabajo resuenan ecos de las tres tradiciones, al tiempo que evade cualquier categorización."[48]

Es importante notar, al observar la obra de la artista, que no se trata únicamente de un trabajo acrisolado o incluso totalmente maduro. En muchos casos lo que estamos contemplando son trabajos escolares. A veces sus fotografías son, simplemente, un juego:

Es muy importante recordar que Francesca tenía una mirada muy educada. Para comenzar, influía su entorno familiar donde se apreciaba y valoraba el arte. Por otra parte las visitas a museos y las estancias en Italia fueron moldeando una cultura excepcional para una persona tan joven. Francesca "...sabía lo que hacía: tenía un ojo sofisticado, un vasto conocimiento de la historia del arte, así como una sensibilidad extrema a las influencias que recibía de otros colegas. Pero sus mejores fotografías son aquellas en las que sus instintos tomaban el control. Ella lo sabía, también." [50]

Elementos canónicos en Woodman

En la obra de Francesca Woodman existen elementos que se repiten en un canon, una lista, que permanecen constantes en buena parte de su obra: entornos naturales, interiores derruidos, figuras humanas (generalmente femeninas y frecuentemente desnudas), el ocultamiento, el uso de algún objeto, la simbiosis persona/espacio físico. También se encuentran los aspectos formales como las composiciones en formato cuadrado (1:1), la elección de película en blanco y negro (aunque sí trabajó en color hacia 1980) o el uso de barridos.

Georgie Bucher describe algunos de los elementos que aparecen, constantemente, en las fotografías de Woodman: "En sus composiciones de figuras oscurecidas o barridas, con textiles arrugados, hojas de papel, objetos bizarros dentro de muros en casas ruinosas se muestran como sueños hermosos pero tristes." [53]

Resulta muy interesante notar que Francesca se interesaba más en el proceso artístico que en el resultado. En tal sentido era una fotógrafa con las identificaciones posmodernas propias de la década de 1970: "La calidad de sus ampliaciones tampoco era consistente, pero ese no era el punto. Francesca no era una artesana. Era perfeccionista pero no tanto del resultado como del proceso, del "llegar ahí": el uso de objetos, texturas, vestido o falta de él, la escenografía, el movimiento de figuras, los errores que llevaban a grandes hitos, los ritmos visuales que provocaban ecos entre los distintos elementos." [54]

Corporeidad

Para Francesca la corporeidad era un elemento central. Su trabajo está enfocado "...obsesivamente al cuerpo femenino joven, frecuentemente desnudo; el suyo o el de otros..."

Francesca buscaba, según ella misma lo revelaba "...la energía interna del cuerpo: "Muestro lo que no se ve: La fuerza interior del cuerpo", en imágenes fotográficas que entrelazan la escultura, el movimiento, los cuerpos vivos y los espacios planos, sean muros o muebles o la propia esencia plana del medio fotográfico en sí mismo." [56]

Existen también los ecos del siglo XIX que se cuelan en su obra. Francesca "...hacía fotos de sí misma que parecían a veces de una época mucho más antigua, imágenes victorianas de mujeres medio diluidas en sombras o de fantasmas de mujeres convocados tramposamente por alguna médium con pretensiones de rigor fotográfico. Y los lugares en los que prefería retratarse eran habitaciones vacías en casas abandonadas en las que podría haber aparecido y desaparecido uno de los fantasmas esquivos de los cuentos de Henry James."[57]

Woodman indaga en el ser, el género, el entorno y su influencia en la corporeidad. "...usaba su propio cuerpo como un medio y una herramienta en dos géneros tradicionalmente ligados a la feminidad: el desnudo femenino y el tableau vivant [puesta en escena]."[59]

Feminidad y feminismo

Woodman inspeccionaba su propio ser y reivindicaba lo femenino "...de la arena de la ingenuidad masculina." Y es que en sus juegos surrealistas siempre hay una curiosidad por lo femenino.

Tanto su género como el hecho de ser una persona muy joven importan porque forman parte de sus motivaciones, pero sobre todo de los sujetos con los que trabajó de manera prevalente. "Es poco probable que una mujer madura o un hombre, incluso uno joven, hubieran producido fotografías como estas." [64]

Durante finales de la década de 1970 mujeres como Suzanne Lacy, Ana Mendieta o Cindy Sherman reflexionaban y contribuían a la lucha feminista.

Betsy Berne revela que

"Francesca se sentía culpable de no ser una auténtica feminista, aún siéndolo, simplemente porque era una mujer que se tomaba a ella misma y a su trabajo seriamente. No hacía falta discutirlo o hacer alarde de una teoría feminista en una manera explícita. Francesca hacía, simplemente, su trabajo esperando que pudiera provocar y formular preguntas y sugerir respuestas, al tiempo que reflexionaba acerca del ser mujer y mucho más allá."[65]

Desnudos y sexualidad

En la obra temprana de Francesca puede encontrarse una exploración de su cuerpo y su feminidad donde había más de "...solitaria introspección que de narcisismo."[68]

En este sentido la obra de Woodman es bastante más compleja de lo que aparenta de primera intención. Es como un juego del gato y el ratón: "Ella perdura en la insolencia de un cuerpo que se ofrece y se escapa, unas veces velado por la penumbra, otras impúdico y frontal, en una cara tan joven que no ha perdido todavía las redondeces de la barbilla y de los pómulos" [70]

Al mismo tiempo son desnudos que evocan seres inmateriales, "...juegos surrealistas y una sexualidad tan ansiosa como etérea: probablemente pocos han visto el desasosiego femenino con la lucidez de esta niña-artista"[71]

Betsy Barne revela que Francesca era muy compleja: "Así como podía ser de una sensibilidad elegante y romántica había una sexualidad cruda, visceral y casi grotesca. Eso también era Francesca." [72]

Por eso Ken Johnson explica que las fotografías de Francesca Woodman "...juegan entre la inocencia y la experiencia, la carne y el espíritu, lo angelical y lo demoníaco."

Evanescencia

Así como la corporeidad cobra un papel muy importante en la obra de Francesca Woodman, resulta fundamental resaltar su interés por lo inmaterial, lo evanescente, lo que se desvanece, lo que se esfuma.

Como explica Muñoz Molina, Francesca Woodman "Aparecía y desaparecía, se mostraba y se ocultaba. En algunas fotos se tarda en saber dónde está, qué hace. Se ve un armario con diversos estantes en los que hay animales disecados y en uno de los huecos se esconde a medias una figura encogida, ella misma, la cabeza asomando por una puerta de cristal entreabierta, la melena derramada sobre la tarima del suelo. Los espacios en los que se fotografía son ya lugares de ausencias, casas que fueron habitadas tal vez durante generaciones y en las que desde hace mucho tiempo no vive nadie, salones con chimeneas en las que no se enciende el fuego, con paredes que se han ido desconchando y techos en los que se ha filtrado la humedad, con alacenas vacías en las que solo habrá olor a rancio y tal vez a excrementos de ratones, con espejos escarchados en los que se reflejó gente olvidada."[74]

Francesca se desvanece en una "...una urgencia por desmaterializarse en un espíritu puro." [77] Así es como Woodman "aparece y desaparece en sus fotografías casi con la misma fugacidad con que apareció y desapareció en su propia vida, tan breve que ya es un espejismo, más aún por todo lo que ha cambiado el mundo desde su desaparición definitiva."

Barridos

Dentro del análisis de la evanescencia en Francesca Woodman es fundamental poner atención a los tiempos de obturación largos que utilizaba al hacer algunas exposiciones. Este manejo del tiempo fotográfico provocaba el efecto de barrido.

Se dice que "Su uso de los tiempos de exposición extendidos podrían reflejar estados psicológico traumáticos, donde el barrido de la figura se entrecruza con una psique barrida en la mente. A través del barrido, su cuerpo es angulado, que se esculpe suavemente como una jarra. Se dice que todo espacio, en este caso el interior de una casa o estudio "absorbe" las corrientes emocionales que le son descargadas diariamente, quedándose en las mismísimas paredes y repitiendo el incidente traumático una y otra vez."[80]

Autorretrato

Francesca Woodman aparece frecuentemente en sus fotografías. Por definición el autorretrato "...implica la creación de una imagen cuyo sujeto es el propio artista que realiza la obra de arte."[82]

Por su parte, Susan Bright sostiene que "Históricamente el autorretrato [...] se ha entendido como una representación de las emociones, una actualización externa de los sentimientos internos, un penetrante auto-análisis y una auto contemplación que otorgan inmortalidad al artista."[83]

Laura E. Herman Myers alude a la relación entre autorretrato e identidad como un rasgo definitorio de este género fotográfico. "¿Cómo comunican los artistas su identidad por medio de los autorretratos?"[84]

En tal sentido, buena parte de la obra de Francesca Woodman podría enmarcarse en el género del autorretrato. Pero para el crítico Sean O'Hagan realmente no son autorretratos, sino performances donde Francesca juega con la noción del ser: se disfraza, transforma y hasta desfigura para explorar la corporeidad. [85]

En Francesca Woodman se da una estrategia similar a la de Cindy Sherman, donde la fotógrafa está representando un papel. "Al fotografiarse en una casa abandonada, muestra a una mujer torturada, desconcertante, distante, coqueta, indignante. Sus fotografías se adentran más intensamente en el performance ... Francesca se imaginaba a sí misma como una diosa, una furia, un ángel, un animal, una joven recatada."

Es muy claro que sí existen autorretratos en la obra de Woodman, como el titulado expresamente Autorretrato a los 13 años. Pero habría que considerar que no todos los trabajos de la fotógrafa pertenecen a este género. Esta es una posibilidad adicional de profundidad y ambigüedad, pues el observador se enfrenta constantemente a un puzzle que le invita a dilucidar si lo que ve es un autorretrato o la representación de un personaje o un arquetipo.

Lo gótico en Francesca Woodman

Siempre que se reflexiona sobre Francesca Woodman es indispensable el diálogo con algunos rasgos típicos de la literatura gótica en vínculo con su trabajo fotográfico. Si bien la relación es mucho más que meramente estética o que se circunscriba únicamente al aspecto visual. En Woodman veremos que existen una correspondencia mucho más estrecha con la literatura gótica de lo que se ve a simple vista.

Lo primero es recordar a la novela gótica, género literario de ficción pseudo-medieval, en la que prevalecen la atmósfera de misterio y terror.[91]

El repaso esencial de las grandes novelas góticas no puede dejar fuera obras como E l castillo de Otranto (1746, Horace Walpole), Los misterios de Udolfo (1794, Anne Radcliffe), El Monje (1796, Matthew Gregory Lewis), Melmoth el errabundo (1820, Charles Robert Maturin), Frankenstein o el moderno Prometeo (1818, Mary W. Shelley), El extraño caso del Dr. Jeckyl y Mr. Hyde (1886, Robert Louis Stevenson) o Drácula (1897, Bram Stoker).

En la novela gótica suele haber la representación de un mundo derruido, ya sea en la trama de la historia, la locación, los personajes o el tema.[92]

En Francesca salta a la vista, de primera intención, ese mundo decrépito del que gusta rodearse. Mientras que la joven podría haber escogido las típicas residencias del housing estadounidense para estudiantes, eligió aquellos edificios y espacios achacosos y caducos. No importa si es en Colorado, en Providence o en Roma, la Woodman siempre encuentra habitaciones con muros descarapelados cubiertas de polvo.

El espacio físico no es lo único asolado: De hecho podría encontrarse en esta erosión la propia psique de Francesca y, en última instancia, de su mundo artístico.

En la literatura gótica siempre existe, según Eve Kosofsky Sedgwick, una idea o protagonista que tiene que luchar contra una persona o fuerza terrible.[93] Por un lado está la lucha entre Francesca y el mundo que se niega a reconocer su valor artístico. También se encuentra su compleja relación con Benjamin Moore. Por si lo anterior fuera poco, está aquello que podríamos denominar Francesca vs. Francesca. Evocando la clásica locución latina homo homini lupus -el hombre es el lobo el hombre- tal vez podríamos hallar en Woodman al monstruo o fuerza terrible contra el que debía luchar Francesca.

Algunos elementos en la novela gótica[94], que, al analizarlos, se pueden encontrar, repetidamente, en la obra de Francesca Woodman:

1. Se ubica en un castillo. Si bien en el caso de Francesca no es un castillo per se, sí se trata de un espacio ajado, ruinoso.

2. Atmósfera de misterio y suspenso. En la obra de Francesca existe siempre ese fulgor misterioso y una confusión donde queda suspendido el tiempo. Las fotografías de Francesca son ambiguas y sugerentes. "... Woodman creaba complejos juegos de "escondidillas" con su cámara. Uno de los atractivos permanentes de su trabajo es la forma en que construye enigmas que atrapan la mirada."

3. Mujer en peligro. Este elemento clásico en la novela gótica cobra un sentido peculiar en Francesca. Muchas veces es ella misma el sujeto aterrorizado, con miradas de espanto como ocurre en Polka Dots, Providence, Rhode Island, 1976.

4. Mujer amenazada por una figura masculina poderosa, impulsiva y tiránica. ¿Acaso Benjamin Moore es esa figura? La madre, Betty Woodman, ha culpado de una manera u otra a Benjamin Moore como un factor en el suicidio de su hija.[96] Por otra parte, el exnovio de Francesca es dueño de una parte del trabajo de la fotógrafa. En lugar de ceder este corpus a la familia Woodman, o conservarlo por razones afectivas, Moore ha mantenido una actitud utilitaria y se ha beneficiado económicamente de estas fotografías que continuamente vende o presta.[97]

También podemos hallar otras claves de la literatura gótica[98] que están presentes en el texto fotográfico de Woodman, tales como:

1. Fascinación por el pasado. Francesca tuvo siempre una alucinación por lo viejo, tanto en los espacios físicos como en el vestir.

2. Gusto por lo excéntrico lo sublime. Resulta interesante ir encontrando estas notas a lo largo de las fotografías de Woodman.

3. Percepciones psicológicas, especialmente sobre la sexualidad. La obra de Francesca está impregnada en las profundidades de la personalidad y el temperamento. El aspecto sexual en Woodman se encuentra constantemente presente y, en tal sentido, los rasgos psicoanalíticos de su fotografía son explicitados una y otra vez.

4. Estimulación o representación del miedo, lo macabro o lo siniestro. Esta es una característica depende, de una manera importante, de la mirada del espectador. Si bien es cierto que Francesca puede hacer fotografías en cementerios y en interiores envejecidos, también lo es que el efecto de lo siniestro o lo macabro radica, en buena medida, en las resonancias que estas fotografías puedan hallar en la propia psicología e historia de quien observa su obra. Ahora bien, no se puede omitir que "La naturaleza (ramas, bosques, pájaros...) y las casas (paredes, muros, ventanas...) jugaban un papel fundamental en la composición [de las fotografías de Francesca Woodman], había algo siniestro en aquella densidad simbólica, historias llenas de melancolía y tristeza con ella como único centro de todo." También viene a cuento las palabras de Owen Campbell cuando explica que "Las escenografías neo-góticas [en Woodman] se combinan con una mórbida apropiación de los cuerpos renacentistas que Woodman estudió en su niñez. Hay una fascinación con los huesos que subyacen bajo la piel, como queda de manifiesto en la fotografía donde una hoja que ha sido desprendida de su tejido suave hace eco de las propias costillas y espina dorsal de Woodman." En realidad hay más de cuento de misterio en las fotografías de Francesca que de historia de horror.

5. Lugares exóticos. La novela gótica se ubica en lugares lejanos, exóticos, como Austria, Alemania, Transilvania, Suiza o Italia.[101] Aunque Providence o Boulder están lejos del exotismo propio de lo gótico, ciertamente que Roma es el sitio ideal. Habría que preguntarse si Francesca busca símiles de estos espacios ruinosos ecos del viejo mundo que tanto disfrutaba en sus veranos en Antella. De hecho "Probablemente su gusto por los escenarios bucólicos y decadentes no se entiende sin ese contacto con el viejo mundo."

Se ha dicho, repetidamente, que Francesca invoca ángeles y demonios. Esta es otra característica de lo gótico, donde existe de manera constante esa presencia de "...demonios, brujas, espíritus y ángeles, frecuentemente en conflicto con el alma humana. El héroe puede ser tentado por espíritus malignos o redimido por buenos espíritus..."[103] Si bien en la fotografía de Francesca aparecen estas figuras (recordemos su serie Ángel realizada en Roma), es su vida entera la que parece un relato gótico y en donde la dama en peligro es vencida, finalmente, por aquel espíritu maligno que la orilla a que pierda la vida.

Si bien es cierto que hay muchos tintes de literatura gótica en la fotografía de Woodman, también lo es que no son necesariamente fotografías lúgubres ni terroríficas. Esto resulta más evidente cuando se compara el trabajo de Francesca con otros creadores como Ralph Eugene Meatyard o Clarence John Laughlin.

Más aún, el trabajo de fotógrafas que han sido influidas por Woodman, tales como Alison Scarpulla o Katie Eleanor, da cuenta de los extremos potenciales en lo lúgubre, pero a los cuales Francesca no llegó.

Aunque existe otra posibilidad de aproximación y lectura a los escenarios ruinosos de Francesca Woodman y es la estética japonesa conocida como Wabi Sabi. Esta concepción filosófica y estética se abre a una valoración de lo simple, lo imperfecto e incluso lo decrépito.

"La palabra wabi procede del verbo wabu, que significa languidecer, y del adjetivo wabishii, que se usaba para describir los sentimientos de soledad, desolación y desdicha. Los literatos de los periodos Kamakura y Muromachi usaron estas connotaciones negativas de una forma mucho más positiva para expresar una vida que se había liberado del mundo material. Así, wabi, significa realmente "pobreza", es decir, no depender de las cosas terrenas -riqueza, poder, reputación- y aún así sentir interiormente la presencia de algo sumamente valioso por encima del tiempo y la posición social: esto es lo que en esencia constituye wabi. [...]La palabra sabi intenta transmitir una sensación de desolación. Implica un espíritu de absoluta soledad y la idea de que no hay nada que permanezca inmutable y de que todos los seres vivos están destinados a morir. Procede del vivo deseo que sentimos de recuperar el mundo de nuestra infancia, el mundo del momento presente, no definido por el lenguaje o los valores que constituye una pura experiencia de la realidad." [104]

En Francesca Woodman encontramos una cierta tristeza, una aflicción que muestra imágenes que son más atribuladas que terroríficas. "El Wabi-Sabi nos recuerda que todos somos seres transitorios en este planeta y que nuestros cuerpos, así como el mundo material que nos rodea, están en el proceso de regresar al polvo." [105]

El Wabi Sabi nos permite entender mejor la fotografía de Woodman porque es un concepto que también tiene que ver con la evanescencia, pero de una manera menos explícita, más bien como un perfurme: "El wabi sabi 侘寂 es una apreciación estética de la evanescencia de la vida. Las imágenes wabi sabi nos obligan a contemplar nuestra propia mortalidad y evocan una soledad existencial y una delicada tristeza. También provocan un alivio agridulce, ya que sabemos que toda existencia comparte el mismo destino."[106]

Incluso este concepto filosófico-estético japonés nos puede ayudar a comprender el sentido de la muerte prematura de Francesca porque el Wabi Sabi se trata de "aceptar el ciclo natural de crecimiento, decadencia y muerte." [107]

Las fotografías de Francesca abrigan la idea de la naturaleza, quizá mejor aún que un bosque gótico que guarda un espectro. Igualmente aquellos espacios interiores con muros descarapelados tienen, en su textura, una belleza que puede entenderse mejor en el espíritu del Wabi sabi que sabe comprender la belleza "...en lo modesto, lo rústico, lo imperfecto, incluso en lo decadente." [108]

Esos interiores vacíos, plenos de textura y con pisos crujientes revelan la calidad sabi, es decir, el saber cargar con los años de manera digna y grácil[109] pero también la apreciación por las huellas que deja el tiempo.

Por otra parte, " Wabi es la clase de belleza perfecta lograda, paradójicamente, por el tipo adecuado de imperfección, tal como la asimetría de una vasija que refleja el haber sido hecha a mano, por el contrario una pieza realizada con una máquina que puede ser perfecta, pero sin alma. Sabi es la clase de belleza que se alcanza únicamente con el tiempo, como la pátina de una estatua de bronce muy antigua."[110]

"Hasta el siglo XIV, cuando la sociedad japonesa llegó a admirar monjes y ermitaños para su ascetismo espiritual, wabi era un término peyorativo usado para describir, parias miserables y tristes." [111]

En cierta medida la Francesca que llegó a Nueva York no encajó porque, a los ojos de una sociedad urbana enfrascada en la lógica del materialismo, la ostentación y lo grandilocuente, aquella joven artista no era más que una wabi, es decir, una paria miserable, triste e inadaptada.

Francesca chocó en Nueva York porque "Nuestra sociedad no puede lidiar con lo mínimo, el silencio ni la espiritualidad. Todo debe ser grande, ruidoso, llamativo e intrusivo." [112] El Wabi Sabi implica impermanencia, humildad, asimetría e imperfección. "Estos principios subyacentes son diametralmente opuesto a sus contrapartes occidentales que valoran permanencia, grandeza, simetría y perfección." [113]

No es de extrañar que la primera reacción hacia Francesca y su trabajo fuera de perplejidad. En una sociedad donde lo que imperaba era el American Dream, las fotografías de Woodman simplemente debieron parecer totalmente fuera de lugar.

" Wabi Sabi es referido, a veces, como el diseño rústico japonés, pero la palabra "rústico" generalmente implica crudeza y falta de sofisticación. El Wabi sabi implica, por el contrario, la máxima sofisticación [...]"[114] Del mismo modo, Francesca Woodman era una artista de máxima sofisticación, con una profunda educación visual y una apreciación por la pátina del tiempo aprendida, de primera mano, en el viejo continente.

Ciertamente el trabajo de Francesca Woodman tiene elementos heredados directamente del modernismo, con tintes de literatura gótica y notas surrealistas. La comprensión de la estética Wabi sabi podría ofrecernos una clave adicional para tratar de desentrañar algunos de los misterios en la obra de Francesca Woodman pues esta filosofía podría otorgar nuevos sentidos a su trabajo.

Otra de las notas clásicas en la fotografía de Francesca Woodman es el surrealismo.

Habría que recordar que la corriente Dadaísta, iniciado hacia 1916, daba la espalda a una noción burguesa del arte y contraponía su amor por la paradoja y era una respuesta al absurdo de un mundo enloquecido por la primera guerra mundial.[115]

El surrealismo surge como un estilo literario que pronto saltó al terreno de las artes visuales.[116]

Este movimiento de las vanguardias es propulsado por el poeta francés André Bretón en 1924, aunque el término ya había sido utilizado por el crítico Guillaume Apollinaire en 1917 para describir "algo que excedía la realidad."[117]

Esta escuela tuvo gran importancia hasta la Segunda Guerra Mundial, cuando Bretón y la mayor parte de los surrealistas más importantes viajaron a Estados Unidos.

Una vez terminada la guerra, al regresar a París se encontraron que el surrealismo estaba siendo minado por antiguos miembros como Tzara y que ya había un nuevo comandante de las vanguardias: Jean-Paul Sartre, quien había maldecido al surrealismo por su "optimismo estúpido".[118]

El surrealismo siguió vivo y dejó su huella en otros movimientos artísticos de la posguerra incluyendo las corrientes del expresionismo abstracto, el Nouveau Réalism o el Performance Art.A pesar de todo, para mediados del siglo XX el movimiento había declinado.

La fotografía "constituyó el medio surrealista por excelencia. El hecho de que fuese u medio mecánico y que resultara un "modesto dispositivo de registro" recuerda a la descripción de [André] Breton de los propios poetas surrealistas."[119]

Una clave importante de la fotografía dentro del surrealismo era su carácter paradójico y engañoso de un aparente registro fiel y objetivo de la realidad. Los surrealistas aprovecharon esta trampa de la apariencia, tan esencial de la fotografía, para re-contextualizar mentalmente la percepción visual. "Usando un estilo registral y "social" que hace que las fotografías parezcan documentos o evidencias, los surrealistas proclamaban un proyecto de consulta, un intento sistemático de interrogar la realidad."[120]

La fotografía es inherentemente surrealista. Como dijo Susan Sontag en su clásico Sobre la Fotografía: "El surrealismo yace en el corazón de la empresa fotográfica: en la misma creación de un mundo duplicado, una realidad en el segundo grado, más estrecha pero más dramática que la percibida por la visión natural."[121]

Muchos de los grandes fotógrafos del siglo XX tuvieron una relación importante con el surrealismo. Baste recordar los nombres de Henri Cartier-Bresson, Manuel Álvarez Bravo, Brassaï o André Kertész.

Francesca Woodman y el surrealismo

Francesca tiene múltiples lazos con el surrealismo. Aunque ya había tenido aproximaciones con esta corriente vanguardista que se había colado en sus fotografías, es en Roma cuando tiene la mayor influencia de este movimiento pues "...habría visto en exposiciones o aprendido en sus clases de historia (a través de la lectura) durante su residencia de 1977-78 en Roma y sus frecuentes visitas a la Libreria Maldoror, donde podría haber encontrado libros, catálogos, fotografías e imágenes sueltas, postales o journals

Francesca incluye, frecuentemente, elementos emblemáticos de la iconografía surrealista como son manos, guantes, máscaras, reflejos, sombras así como el simbolismo sexual.

Aunque hablaremos más delante de las confluencias de Woodman con otros autores, en lo surrealista existe una clara relación con la obra de Clarence John Laughlin.

Tampoco pueden pasarse por alto las influencias de Hans Bellmer o Claude Cahun en la obra de Francesca Woodman.

Francesca y sus Performances

Aunque las fotografías de Francesca Woodman son un resultado de su esfuerzo artístico, el proceso implica una práctica de performance. No se trata exclusivamente de puestas en escena ( tableau vivant) estática, sino que son un acto, un hecho continuado y vivo. Es decir, nos encontramos con una estrategia performática.

Vale la pena recapitular que la práctica artística de la Performance es una expresión realizada en vivo, tanto de forma solitaria como en colaboración[126] que tuvo un papel importante en movimientos artísticos anárquicos y de vanguardia como del Dadaísmo y el Futurismo. A la performance se le puede ver como una rama del Arte Conceptual. [127] Uno de sus primeros antecedentes de esta expresión artística data de 1916 cuando Hugo Ball y Emmy Hemmings dieron vida al Cabaret Voltaire en la taberna Holländische Meieriei en Zúrich.[128] Nos encontramos, nuevamente, con una resonancia del surrealismo.

La Performance es una forma de arte a la que apelan muchos creadores cuando las modalidades más tradicionales del arte (como pintura o escultura) les resultan insuficientes.

No hay que olvidar que el hecho performático tuvo, en muchas ocasiones, aspectos de politización y protesta, desde actitudes anti bélicas hasta el feminismo.[129] Frank Skinner recuerda que "En el epicentro del Performance Art se halla una fuerte crítica social. Este hecho artístico formula preguntas fundamentales acerca de cómo percibimos el mundo que nos rodea y el lugar que ocupamos en él."[130]

Durante la segunda mitad del siglo XX la Performance comenzó a florecer tras el declive del modernismo y en particular del Expresionismo Abstracto. Para cuando Francesca comenzó a trabajar en la década de 1970 era una modalidad artística muy socorrida.

Hay una relación cercana entre la performance y el llamado Body Art, donde se realiza una exploración del cuerpo a través de la obra artística, muchas veces de carácter performático. De hecho, en el Body Art el cuerpo del artista es su propio medio de expresión. [131]

Tradicionalmente se han distinguen cuatro elementos en la Performance: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y la relación entre el público y el creador (o la obra). [132]

En el trabajo de Francesca Woodman existe un entrecruce de la escenificación (tableau vivant), el hecho performático y, no pocas veces, el Body Art.

En Francesca existe un conjunto de usos muy típicos de su tiempo, como el "...interés por la subjetividad femenina, las series, la práctica conceptual y la relación de fotografía con literatura y performance..."

Ahora bien, es importante recordar que para la Performance muchos artistas utilizaron la fotografía como medio registral.[134] Pero esto no ocurre en Woodman, quien realmente escenifica para la cámara. En tal sentido aunque sí existe un hecho emparentado con las prácticas performáticas, el trabajo artístico de Francesca está más directamente enraizado en la tradición del tableau vivant, práctica muy socorrida en el pictorialismo victoriano.

Dice Elizabeth Janus que para Francesca "...el predominio del arte conceptual y el Body Art de finales de la década de 1970 tuvieron en ella un efecto estético y, seguramente, reforzaron su compromiso con la fotografía." Woodman creó un estado psicológico alterado al combinar su auto-exposición, el juego y el acto performático. Francesca recuerda al observador que, a través de la fotografía, existe una distorsión plana que nunca ofrece la verdad acerca de su sujeto."

La obra de Francesca no se encuentra aislada. Por el contrario, es el producto de lo que conoció, admiró, asimiló y eventualmente se apropió. No olvidemos que Woodman, a pesar de sus raíces estilísticas gótico-victorianas, era producto de un tiempo claramente posmoderno donde la paráfrasis y la apropiación eran vistas como estrategias concretas en el proceso de la creación artística.

También podemos encontrar relación entre Woodman y artista como Hannah Wilke, Louise Bourgeois, Marina Abramovic o Debora Turbeville.

Ya hablábamos antes de las confluencias surrealistas de Woodman, a las que habría que incluir -desde luego- a Man Ray. Tampoco se puede olvidar las trazas de Duan Michals cuando Francesca Woodman también evoca la creación de secuencias/series con narrativas así como la estrategia de utilizar texto que acompaña o invade a la fotografía.

Así también podemos encontrar visos en Woodman de las inquietantes muñecas de Hans Bellmer. Tampoco se puede pasara por alto el diálogo entre Francesca y los desnudos que hizo Bellocq de las prostitutas de Nueva Orleans.

Influencia

La propia Cindy Sherman cita explícitamente a Francesca como fuente de inspiración.

Exposiciones

El que Francesca hubiera escapado del olvido se debió, principalmente, a la exposición que realizó Ann Gabhart, directora del Wellesley Art Museum (hoy Davis Museum at Wellesley Colege), quien "...admiró una de las fotografías [de Francesca] colgando de un muro en el hogar de los Woodman en Boulder, Colorado y pudo ver más de la obra de Francesca en Nueva York. Sorprendida con lo que vio y la relevancia del arte de Woodman para la vida de las jóvenes en el Wellesley College, Gabhart decidió organizar una exposición y logró que las influyentes críticas Abigail Solomon-Godeau y Rosalind Krauss escribieran los ensayos para el catálogo. La exposición abrió en 1986, una muestra que se convirtió en una suerte de resurrección para Woodman. Un culto había nacido."

Hoy la fotografía de Francesca forma parte de las colecciones permanentes de instituciones como el Metropolitan Museum of Art, el Whitney Museum of American Art, el MoMA de Nueva York, el Contemporary Arts Museum en Houston, la Addison Gallery of American Art de la Phillips Academy, el Art Museum de la Universidad de Princeton, el Museo de la RISD, entre muchos otros.

Publicaciones

Francesca solamente publicó un libro en vida: Some Disordered Interior Geometries que data de enero de 1981.

Actualmente se dispone de numerosas monografías y colecciones de la obra fotográfica de Francesca Woodman.

Desde entonces se han publicado numerosos volúmenes que presentan y estudian su obra. Estos son algunos de los títulos que han abordado a Francesca Woodman:

Francesca a través de otra mirada: Douglas Prince

Douglas D. Prince es un artista con una carrera de más de cinco de décadas[150] y que fue profesor en la RISD entre 1976 y 1979. Durante esa época realizó retratos de personas que despertaban su interés y, entre ellas, su estudiante Francesca Woodman. Al profesor le llamó la atención que el estilo de vida de la chica estuviera imbuido en su proceso artístico. "Su ropa y estilo de vida incorporaban la riqueza de la textura victoriana con una evidencia siempre presente de desmoronamiento. Se trataba de una proyección genuina de su persona y no de un "estilo" adoptado o ensamblado ex profeso para una fotografía."[151]

El observar las fotografías realizadas por Prince de Francesca y su espacio nos permiten comprender muy bien de qué manera tomaba Woodman las decisiones fotográficas para su trabajo, qué elegía, cómo disponía de los elementos, qué prefería esconder o mostrar y cómo decidía establecer un personaje o una persona en el sentido latino de "máscara".

Una de las grandes posibilidades de la fotografía es que, necesariamente, el fotógrafo ha de excluir partes de la escena tridimensional en su encuadre bidimensional. Las fotografías de Prince nos ofrecen una mirada de conjunto que es una manera de asomarse al mismo mundo de Francesca pero a través de ojos diferentes, literalmente.

Una fotografía intrigante

Resulta casi imposible acercarse al análisis de la fotografía de Francesca Woodman sin que vengan a la mente numerosos adjetivos: intrigante, fascinadora, misteriosa... Son fotografías que atrapan al espectador desde el primer momento porque siempre hace falta una segunda o tercera revisión para encontrar todas las sutilezas, los personajes, las decisiones, la intervención corporal, la puesta en escena...

En la fotografía de Francesca Woodman asombra su consistencia porque es una artista sorprendentemente joven que tiene ideas muy claras sobre lo que decide incluir en su cuadro fotográfico. La luz siempre difusa, las ausencias y presencias, el texto garrapateado debajo de las imágenes, la intervención de antiguos cuadernos y libros...

A Woodman algunos la consideran "...la última de los más grandes fotógrafos modernistas, un linaje que puede trazarse hacia Man Ray y otros surrealistas."[153]

Betsy Berne decía que su amiga "...[Francesca] siempre tenía prisa ..."[156] Gracias a esa premura dejó un cuerpo de obra que aún permanece como una terra ignota con todo por descubrir. Y es que solamente se ha publicado una fracción de las 800 fotografías que dejó: nos queda un universo de laberintos y subyacencias que nos aguardan en ángulos de muros asolados y pisos desmantelados.

Ver las fotografías de Francesca Woodman implica dejarse sumergir en ese mundo con una lógica propia, donde cada parte de la imagen es una decisión, un proceso, una declaración, una duda, un remordimiento, una tortura o un juego.

Esta fotógrafa aguda era "...muy inteligente. No de una manera pretenciosa o snob, sino en lo intuitivo, lo intelectual y lo emocional. De hecho, era demasiado lista para su propio bien pues era demasiado sensible y auto-consciente..." [157]

Resulta estéril elucubrar en todo lo que Francesca pudo haber hecho de no haberse suicidado. La joven de cabello pajizo está suspendida, para siempre, en plata sobre gelatina. Siempre joven, victoriana, surrealista, misteriosa, inocente, exploradora, atrevida pero nunca insolente. Y al contrario de la Francesca física, la evanescencia preservada en sus fotografías crece, se multiplica, en las miradas y las mentes que observan el mundo que creó para sí y donde se enjauló en los negativos cuadrados de su Yashica de formato medio.

Titular de la Cátedra de Autor de Comunicador Fundador del * Académico, crítico, analista y promotor de la fotografía.
Dr. Óscar Colorado Nates Doctor " Fotografía Avanzada así como Docente de Posgrado en Nuevas Narrativas. libros como Fotografía 3.0; El Mejor Fotógrafo del Mundo transmedia, es director y conductor del programa de radio Imagen Líquida y creador de productos audiovisuales de divulgación como Observatorio de Cultura Fotográfica. Miembro del Seminario de Imagen y Cultura, la Asociación Mexicana de Estudios en Estética (AMEST), el Seminario Permanente de Análisis y Crítica Cinematográfica (SEPANCINE) y de The Photographic Historical Society (Rochester, NY), entre otras agrupaciones académicas. Participa en el Programa de Apoyo a Proyectos para Innovar y Mejorar la Educación (PAPIME) de la Universidad Nacional Autónoma de México. FotoPop y reflexión como El Mundo de la Fotografía.
Colaborador en medios internacionales como BlackCamera o The Rolling Stone Magazine. ; Fotografía de Documentalismo Social; Instagram, el ojo del mundo; Fotografía Artística Contemporánea y Pensamientos Decisivos: 650 reflexiones fotográficas; Grandes de la Fotografía. cum laude" en Ciencias de la Documentación por la Universidad Complutense de Madrid y Máster en Narrativa y Producción Digital por la Universidad Panamericana (Cd. de México) donde es Investigador de Tiempo Completo y Profesor

Copyright © 2016 by Óscar Colorado Nates. Todos los derechos reservados.

Bibliografía

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Fuentes de Internet

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[3] Solomon-Godeau Abigail, Body double, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág.73

[5] Berne Betsy, To Tell the Truth, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 91

[8] Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014 Pág. 267

[10] The Woodmans (2010, C. Scott Willis) 21' 40"

[11] Marian Goodman Gallery, Anri Sala / Franceca Woodman. Disponible en http://www.mariangoodman.com/exhibitions/2004-10-12_anri-sala-francesca-woodman/ Consultada el 16 de mayo de 2015

[15] Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 268

[19] Marian Goodman Gallery, Francesca Woodman. Disponible en http://www.mariangoodman.com/artists/francesca-woodman/ Consultada el 16 de mayo de 2015

[26] Berne Betsy, To Tell the Truth, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 92

[50] Berne Betsy, To Tell the Truth, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 91

[54] Berne Betsy, To Tell the Truth, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 91

[55] Solomon-Godeau Abigail, Body double, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 76

[56] Söntgen Beate, "I whoy you what you do not see." Francesca Woorman's Force en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág.

Francesca Woodman. Works from SAMMLUNG VERBUND. Disponible en http://www.verbund.com/kt/en/vertical-gallery Consultada el 31 de mayo de 2014

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[64] Solomon-Godeau Abigail, Body double, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 73

[65] Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014 Pág. 91

[72] Berne Betsy, To Tell the Truth, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 90

[83] Bright Susan, Autofocus, the Self-portrait in Contemporary Photography, Edit. Thames and Hudson, London, 2010, Pág. 8

[84] Herrman Myers Laura E., Self-Portrait trough Photography, Disponible en http://laurieemyers.weebly.com/self-portrait-through-photography.html Consultada el 3 de agosto de 2013

[107] What is Wabi-Sabi? Disponible en http://nobleharbor.com/tea/chado/WhatIsWabi-Sabi.htm Consultada el 25 de marzo de 2016

[109] What is Wabi-Sabi? Disponible en http://nobleharbor.com/tea/chado/WhatIsWabi-Sabi.htm Consultada el 25 de marzo de 2016

[110] Disponible en http://c2.com/cgi/wiki?WabiSabi Consultada el 25 de marzo de 2016

[111] What is Wabi-Sabi? Disponible en http://nobleharbor.com/tea/chado/WhatIsWabi-Sabi.htm Consultada el 25 de marzo de 2016

[112] Mänz Jana, Wabi-Saby - Photo School: The Beauty of Photography, Edit. GD Publishing, EEUU, 2015, Pág. 14

[113] Juniper Andrew, Wabi Sabi: The Japanese Art of Impermanence. Edit. Tuttle Publishing, Vermont (EEUU), 2003, Pág. 12

[114] Crowley James, Wabi Sabi Style, Edit. Gibbs Smith, Salt Lake City, 2005, Pág. 1

[115] Hopkins David, Dada and Surrealism (A Very Short Introduction), (Kindle Ed.) Oxford University Press, Oxford, 2004, Pos. 243

[116] Hopkins David, Dada and Surrealism (A Very Short Introduction), (Kindle Ed.) Oxford University Press, Oxford, 2004, Pos. 518

[117] Dempsey Amy, Styles, Schools and Movements, Edit. Thames & Hudson, London, 2010, Pág. 151

[118] Dempsey Amy, Styles, Schools and Movements, Edit. Thames & Hudson, London, 2010, Pág. 154

[119] Hopkins David, Dada and Surrealism (A Very Short Introduction), (Kindle Ed.) Oxford University Press, Oxford, 2004, Pos. 1289

[120] Hopkins David, Dada and Surrealism (A Very Short Introduction), (Kindle Ed.) Oxford University Press, Oxford, 2004, Pos. 904

[121] Sontag Susan, On Photography, (Kindle. Ed.)Edit. Picador, New York, 2001,Ed Pos. 631

[122] Solomon-Godeau Abigail, Body double, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 74

[149] Marian Goodman Gallery, Anri Sala / Franceca Woodman. Disponible en http://www.mariangoodman.com/exhibitions/2004-10-12_anri-sala-francesca-woodman/ Consultada el 16 de mayo de 2015

[156] Berne Betsy, To Tell the Truth, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 92

[157] Berne Betsy, To Tell the Truth, en Schor Gabriele, Bronfen Elisabeth, Francesca Woodman. Works from the SAAMLUNG VERBUND, Edit. Verlag der Buchandlung Walhter König, Colonia, 2014, Pág. 89

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La figura del niño prodigio no es usual en fotografía, todo lo contrario. La mayoría de los grandes maestros de la fotografía han requerido años de trabajo hasta encontrar un estilo e incluso los temas que definen finalmente su obra. Sin embargo, Francesca Woodman era ya, a los 15 años, toda una artista.

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Su relación con el dolor y el placer

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Siempre ser yo misma
¿Mi percepción del cuerpo?

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Espejos, Paredes, sillas....
Sitios destruidos, lugares marchitos con el tiempo, esquinas, puertas, suelos, paredes...
En movimiento, está y no está, juego fantasmagórico

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El desnudo y el trabajo autobiográfico
Guardo cierta afinación con la desnudez de mi cuerpo y el juego que se puede crear para mostrar paisajes no sexuales y eróticos, sino de expresión y dolor.

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Está y no está en la fotografía
¿Busca su identidad? ¿Juega con ella? ¿La deconstruye? ¿Utiliza alegorías? ¿Sexuales? ¿De dolor? ¿De su propio ser? ¿De lo que siente? ¿De lo que es?

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https://youtu.be/c45Dz-eQKnE
Video que muestra parte de la obra de ella y da reflexiones importantes.

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📷Devenir un Ange avec Francesca Woodman - Incroyables Photographes #13

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Para sanarme e incentivar a la reflexión de sanar a los demás.

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https://www.apuruguay.org/apurevista/2000/16887247200710510.pdf

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http://marcalyc.redalyc.org/pdf/3691/369155966051.pdf

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Arte terapia de mi estado y mi pasado, análisis de psicoanálisis relacionado con literatura e ilustración en el presente.

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Para hacer un proceso de catarsis y sanación de mi sentir, y al mismo tiempo, enviar un mensaje y poner en reflexión el arte terapia, que otros pueden sanar su sentir y ser resilientes descubriendo sucesos del pasado que afecten el hoy.

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Quiero hacer reflexión sobre el hoy y el ayer, separar ese dolor y definirlo para continuar con lo que deseo.
Quiero hacer referencia a ese paso de la resiliencia como lo menciona Juan Manuel Echavarría, "mencionar la cosa para sanarla" y dar un mensaje de arte terapia en para quien esté dispuesto a seguirlo.

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Surge de una serie de escritos que he realizado durante un tiempo.
Entre la angustia, la incertidumbre, el placer y el miedo, contando con ideas metafóricas, mi día a día se ha pintado con tinta oscura y garabatos en hojas de papel.
Todos demuestran una niña herida que afecta el hoy, que se refleja en el espejo y habla desde el otro costado cambiando mi sonrisa.

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Separar el sentir del ahora y del ayer.

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Sanación de mi yo del pasado

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Sexualidad y disfrute

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Tiempo que se lleva todo y del que surge todo

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Mi sentir propio del momento, entre las angustias, miedos y placeres.

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La locura en lo existencial

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Situaciones oníricas, distópicas, caos y tragedia

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Esa delgada línea entre la satisfacción y la destrucción

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Época de guerras, intervención de historia

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Angustia ante el segundo que viene

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Memoria
Desgastado
Oxidad
Marchito
Viejo

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Trabajo Etnográfico - Personas

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El sonido de las profundidades del mar,

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Lo marchito, desgastado, oxidado, desvanecido, etc...

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Lo marchito, desgastado, oxidado, desvanecido, etc...

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Un azul pálido o muy oscuro, un amarillo ocre y un marrón, el sonido del agua, las guitarras en el rock, las luces de colores y las tardes tomando café, los atardeceres naranjas, un clavo oxidado, una flor marchita, una pared desgastada con el tiempo, el tiempo, el espacio, y otra vez el tiempo, un reloj flotando en las olas del mar, el mar, los barcos, los piratas, es la combinación perfecta del marrón y el azul.

Cae agua por mi cuerpo, agua tibia, fría helada, no importa como esté, el agua se combina con mis lágrimas, el dolor, el ardor, montañas en invierno. Lagrimas que se confunden con gotas de agua en la ducha, momento de reflexión, de sentirme, de expresar. Momento de arrepentimiento, de tristeza, marrón y azul.

Tinta negra, hojas color marrón y la perdición en el tiempo, en el de aquí, en el de allá, perdición en lo más lúgubre de un momento. negro. Escritos sin sentido en un deseo perdido, un deseo que navega en mi mente siempre que me miro, me siento, me escucho. Un deseo dormido en medio de la guerra, que no despierta a menos de que esté en llamas quemando la piel.
Montañas en invierno, un filtro amarillo en mi ventana, un bolígrafo de tinte negra y tu historia.