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Quelques clés pour l'analyse des symboles (patriotisme/ lotharingisme)

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Quelques clés pour l'analyse des symboles (patriotisme/ lotharingisme)

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 Autre oeuvre pouvant être utilisée et exploitée en classe

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 Autre oeuvre pouvant être utilisée et exploitée en classe

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Vase Domrémy la pucelle

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Cette grille peut être utilisée pour donner un cadre aux élèves dans le cadre d'une sortie au musée, mais également dans le cadre de la salle de classe.

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Au Lycée, en lien avec le Thème 2 / XVe-XVIe siècles: un nouveau rapport au monde, un temps de mutation intellectuelle

Chapitre 2: Renaissance, Humanisme et réformes religieuses

Dans une perspective d'étude de la Renaissance dans sa dimension humaniste et artistique, on montrera le tableau de Pérugin en le comparant à d'autres représentations mariales de type médiéval byzantin mais aussi en le confrontant aux tableaux de ses contemporains italiens et européens    (Raphaël, Botticelli, Sogliani, Cima da Conegliano...) ce qui permet de souligner l'adhésion de Perugin aux aspirations morales, intellectuelles et esthétiques des artistes à vocation humaniste de la Renaissance.

Au Collège, en lien avec les thèmes 2 et 3 du programme de 5ème:

- Thème 2/ Société, Eglise et pouvoir politique dans l'Occident féodal (XIe-XVe siècles)

- Thème 3/ Transformations de l'Europe et ouverture sur le monde aux XVIe et XVIIe siècles

Activités en lien avec le programme d'histoire des Arts:

- En confrontant le tableau à une Vierge à l'enfant de la fin du Moyen Age (par exemple celle de Taddeo di Bartolo qui est de facture byzantine et qui se trouve aussi au Musée des Beaux-Arts de Nancy) on montre aux élèves :

- 1. Pérugin vit dans une société  profondément chrétienne où le culte de la Vierge Marie et celui des Anges sont fondamentaux.

- 2. A la fin du Moyen Age et aux débuts des Temps modernes se produit une véritable Révolution esthétique, plastique et graphique. On insiste sur les nouveaux critères ou préceptes de la représentation picturale :

- réalisme anatomique

- réalisme paysager, végétal et animal

- perspective atmosphérique ( et aussi géométrique).

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Premier maître de Raphaël, Le Pérugin a choisi de représenter la Vierge Marie sous les traits d'une belle jeune fille dont le naturel, la beauté et la simplicité tranchent totalement avec le hiératisme des représentations mariales médiévales, en particulier celles des icônes byzantines. Mais il ne s'agit pas d'une désacralisation pour autant; le cercle fin et doré qui souligne au-dessus de sa tête sa sainteté ainsi que la tunique rouge et le manteau bleu -atours traditionnels de Marie dans les représentations picturales- rappellent l'enracinement profond et durable du culte marial dans les mentalités chrétiennes depuis le IXe siècle.

Comme la Vierge, les anges anthropomorphes (et androgynes?) placés au second plan et en posture de prière, jouent un rôle d'intercession entre le Ciel et les fidèles et leur culte demeure tout autant vivace dans la pratique catholique à la Renaissance.

Situé sous la main droite protectrice  de la Vierge et représenté sous les traits d'un nourrisson, Saint Jean-Baptiste est à la fois prophète de la venue de Jésus et celui qui le baptise.

INTERPRETATION

Cette image  s'inscrit donc dans le sillage de la très abondante production iconographique mariale chrétienne depuis le Moyen Age.  L'originalité du Pérugin réside dans le fait d'immiscer cette image pieuse dans un cadre champêtre et lumineux, où le naturel et la nature permettent une incarnation voire une sensualité du sacré qui correspondent aux aspirations des Humanistes. Le paysage de l'arrière-plan, progressivement plus bleuté à mesure que l'on s'éloigne du sujet principal, ressort de la perspective atmosphérique chère à léonard.

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© Nancy, musée des Beaux-Arts, cliché P. Mignot

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Vierge à l'Enfant avec saint Jean-Baptiste et deux anges, vers 1505

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Vierge à l'Enfant avec saint Jean-Baptiste et deux anges, vers 1505

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Au lycée, en classe de première générale, en lien avec le thème 2 du programme d'histoire : "la France dans l'Europe des nationalités", chapitre consacré à "la France et la construction de nouveaux Etats par la guerre et la diplomatie".
Une leçon porte sur l'unité de l'Allemagne, unification qui se fait contre la France qui perd alors l'Alsace-Moselle.
Il peut être intéressant de faire travailler les élèves sur une analyse critique de ce vase afin de mettre en évidence la mémoire qui se développe alors autour des "provinces perdues".
Cet objet peut également être utilisé pour "entrer" dans le chapitre consacré à la première Guerre mondiale" (thème 4, chapitre 1): il permet de souligner l'état d'esprit qui domine en 1914, et qui est le résultat de plusieurs décennies de crispations diplomatiques.

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Forme : panse sphérique surmontée d’un col cylindrique étroit.

Décor composé de gros médaillons, un sur chaque côté :

- Premier côté : effigie équestre du duc René II de Lorraine, en armure et en armes. Il porte chaperon emplumé et un tabard (surcot porté au-dessus de l’armure) décoré d’un alérion. Le cheval présente les croix de Jérusalem et de Lorraine. La présentation très stylisée est inspirée d’une gravure de la Nancéide de Pierre de Blarru.

- Revers du vase : Vue partielle de la porte de la Craffe

o   Un alérion

o   Une bannière avec le cri des seigneurs lorrains : « Priny, Priny » (du nom du château ducal de Prény)

Col :

o   décor de vannerie sur le pourtour du vase

o   goulot : demi-soleils stylisés

INTERPRETATION

Après l’annexion de l’Alsace et du nord de la Lorraine par l’empire allemand en 1870, la France, et en particulier la Lorraine restée française, entretiennent le culte des provinces perdues. On assiste alors au développement du lotharingisme, mouvement régionaliste cherchant à se réapproprier une identité prestigieuse.

Les artistes de l’École de Nancy alimentent cette démarche, d’autant que certains d’entre eux sont originaires de la Lorraine annexée. C’est le cas par exemple de la famille Daum, originaire de Bitche, et de Louis Hestaux, responsable de l’atelier de décoration chez Gallé, venu de Metz. Des œuvres assez nombreuses, réalisées dans les années 1880-1890, illustrent cet élan patriotique.

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© Nancy, musée des Beaux-Arts, cliché C. Philippot

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extrait Audioguide musée des beaux arts de Nancy.

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Infos Musée

À propos du musée

Le Musée des Beaux-Arts de Nancy est situé sur la place Stanislas classée au patrimoine mondial de l'humanité par l'Unesco. Depuis sa création en 1793, il n'a cessé de s'enrichir et propose aujourd'hui un parcours au cœur des créations artistiques en Europe de la fin du XIVe siècle à nos jours.

L'accueil du musée est installé dans un pavillon du XVIIIe siècle appartenant à l'exceptionnel ensemble architectural conçu en 1755 par l'architecte Emmanuel Héré. En entrant dans ce bâtiment entièrement restauré, le visiteur découvre la qualité du péristyle aux stucs colorés ainsi que l'escalier, somptueux exemple d'architecture intérieure du XVIIIe siècle, orné de ferronneries de Jean Lamour.
Cet espace donne accès à la librairie et s'ouvre sur le rez-de-chaussée d'un premier agrandissement réalisé en 1936 par Jacques et Michel André, fils d'Émile André, célèbre architecte de l'École de Nancy.

En 1999, une nouvelle extension a permis au musée de doubler sa surface et de s'équiper de nouveaux espaces : un auditorium, des salles d'exposition temporaire, un cabinet d'art graphique, un centre de documentation, un atelier pour les enfants. Cette réalisation a été confiée à Laurent Beaudouin, qui, avec son équipe, a su inscrire le musée dans une architecture résolument contemporaine tout en respectant le site exceptionnel de la place Stanislas.

En 2011, d'importants travaux portant sur l'éclairage et l'accessibilité pour tous ont été dirigés par l'architecte Luca Lotti. Ils ont permis la mise en place d'un nouveau parcours muséographique intégrant une salle consacrée à l'œuvre de Jean Prouvé, originaire de Nancy.

Au sous-sol, les vestiges des fortifications de la ville (XVe au XVIIe siècle), plongent le visiteur au cœur même de l'histoire de l'ancien duché de Lorraine et abritent dans une scénographie spectaculaire, l'illustre collection de verreries Daum.

Pièces exposées

Objets exposés présentés avec fichier audio

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Au collège, en classe de quatrième, en lien avec le thème 2 du programme de géographie : "les mobilités humaines transnationales".
Au lycée, en classe de seconde, en lien avec le thème 3 du programme de géographie : "des mobilités généralisées".
Egalement en lien avec le thème 1 du programme de géographie de terminale générale : "mers et océans au coeur de la mondialisation ", notamment la question 1 "mers et océans : vecteurs essentiels de la mondialisation" (possibilité de travailler sur les mobilités touristiques à travers le cas des croisières).
L'oeuvre de Dietman peut s'envisager de différentes manières :
- possibilité 1 : en début de séquence : on part alors de la description faite par les élèves (plus ou moins guidée selon l'autonomie). A partir de cette description, leur faire deviner le lien avec le thème étudié. Les élèves vont donc alors contextualiser et ne pas se contenter de décrire. L'oeuvre ouïra être reprise à la fin de la séquence (possibilité) afin de faire travailler l'esprit critique.
- possibilité 2 :
ici les élèves sont davantage dans l'interprétation et la critique que dans la descrption car ils peuvent s'appuyer sur les notions et les acquis du cours. Il s'agit alors pour eux de comprendre ce qu'a voulu faire ou dire l'artiste. cela leur permet ainsi de prendre du recul par rapport à l"oeuvre et pourquoi pas, de se poser la question de l'intérêt de cette oeuvre pour travailler sur les mobilités (plutôt au lycée, notamment en terminale).

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21 crânes en verre soufflé de taille sensiblement identique mais d’aspect très différent.
Crânes répartis sur le plancher métallique d’un container poubelle en grillage usagé.

INTERPRETATION

o   Le crâne : sujet récurrent dans l’œuvre de Dietman. S’inspire des vanités apparues fin XVIè siècle : tout est vanité, le luxe, l’argent, mais nous finirons tous en poussière.

o   Ici que sont ces crânes ? Plusieurs lectures selon contexte :

*  En 1999 : touristes occidentaux qui s’agglutinent en troupeaux dans des voyages touristiques (21 crânes les uns à côté des autres). Crânes réalisés en verre de Murano symbolisent la richesse de ces touristes.

* Crânes en verre : ces crânes jouent sur la transparence donc montrent à la fois l’intérieur et l’extérieur; chaque crâne est un univers en soi.

* Verre : contraste avec le container. Malgré leur nombre et leur poids supposé, ces crânes apparaissent dans toute leur fragilité au regard du métal. Sont simplement posés donc risquent d’être ballotés donc griffés, éraflés, voire cassés.  Il s'agit bien d'une somptuosité précaire. On revient à la vanité! Tous ces touristes finiront comme tout le monde … Donc condamnation du tourisme de masse.

* Lieu de fabrication et titre (voyage organisé sur Adriatique) : référence à Venise, une des villégiatures les plus courues. Sujet d’actualité aujourd’hui (gigantesques bateaux de croisière qui participent à la disparition de la ville).

* Aujourd'hui (plus de 20 ans après la création de l'œuvre) : ces crânes font évidemment penser aux migrants attirés par le mirage occidental.

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© Nancy, musée des Beaux-Arts, cliché Ville de Nancy, P. Buren  

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Voyage organisé sur l’Adriatique,        1999

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Voyage organisé sur l’Adriatique,        1999

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Au lycée, dans le chapitre 2 du thème 4 (dynamiques et ruptures dans les sociétés des XVIIe et XVIIIe siècles) consacré aux « tensions, mutations et crispations de la société d’ordres » où il s’agit de montrer la complexité de la société d’ordres.

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Une femme au ventre gonflé et couverte d’une simple chemise qui laisse voir sa poitrine écrase entre ses deux ongles une puce. La scène est éclairée par une chandelle posée sur une chaise. Le fond nu baigne dans une lumière rougeâtre.

INTERPRETATION

Le sujet reste mystérieux ( Agar, la servante d’Abraham, la Vierge Marie ou bien encore Marie-Madeleine pénitente?). Plus probablement une scène de genre qui représente une femme qui s’épouille mais dans un esprit différent des peintres hollandais pour qui ce sujet était l’occasion de représenter des scènes grivoises.
L’habit très simple de la jeune femme suggère qu’elle est issue d’un milieu populaire. sans doute d’une servante, saisie dans son intérieur après une dure journée de labeur. Elle tient entre ses pouces l’insecte qu’elle vient d’attraper, tandis qu’un second apparaît sur son abdomen. La composition place en son centre un triangle formé par la flamme de la bougie, le regard du modèle et la puce tenue entre ses pouces. Une extrême gravité se dégage de la scène qui invite à la méditation. On peut supposer que le geste d’arracher la puce symbolise le désir de la jeune femme de se libérer du péché, une autre forme de parasite. La purification du corps pourrait être ainsi une évocation de la purification de l’âme.

Plus d'infos sur https://www.musee-lorrain.nancy.fr/fr/hors-les-murs/expositions/georges-de-la-tour/catalogue-numerique/la-femme-a-la-puce-233

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© Nancy, palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain, cliché M. Bourguet

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Au lycée, en lien avec le programme de Seconde, Thème 2 (XVe-XVIe siècles), chapitre 2/ Renaissance, Humanisme et réformes religieuses: les mutations de l'Europe.

Au Collège, en lien avec le programme de 5ème, thème 3/ Transformations de l'Europe et ouverture sur le monde aux XVIe et XVIIe siècles

-> Dans le cadre d'un travail qui combine Histoire et Histoire des Arts, on peut faire travailler les élèves sur:

- l'image et le texte d'Homère ( extraits relatifs à l'enlèvement d'Hélène et au siège de Troie) : dans quelle mesure l'image est-elle en accord avec le texte mythologique ? Dans quelle mesure le choix de Gerung témoigne-t-il des aspirations des Humanistes et de l'Humanisme ?

- la confrontation de la vision de la guerre de Troie de Gerung et celles des peintures représentées sur des céramiques grecques de l'antiquité : dans quelle mesure armes et équipements des combattants ont-ils changé au cours de la période qui va de l'antiquité au XVIe siècle ? Quels points communs toutefois peut-on relever sur le plan des techniques de combat ?

- L'architecture du temple dédié à Vénus : montrer que Gérung s'inspire plutôt librement des réalisations monumentales antiques.

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Après l'avoir séduite, le jeune prince de Troie, Pâris, enlève la belle Hélène, femme du roi de Sparte, Ménélas, et ils s'enfuient tous deux à, gauche du tableau, en direction de navires qui mouillent dans un port situé en contrebas, pour gagner Troie. Sur le reste de la composition, au premier comme à l'arrière-plan, la bataille fait rage sous les murailles d'une cité qui pourrait être Sparte. Des soldats lourdement équipés s'affrontent à l'arme blanche, tandis que d'autres s'attaquent à des femmes et pillent un temple dédié à Vénus.

INTERPRETATION

Nourris de références mythologiques en phase avec la Renaissance humaniste qui touche tant l'Italie que le reste de l'Europe, ces épisodes juxtaposés de l'Iliade sont  prétexte à une méditation morale sur les malheurs des temps modernes, marqués dans l'Allemagne de Gerung, par la crise religieuse protestante (1517, thèses de Luther) et les conflits sociaux brutaux (1524-1528, guerre des paysans).

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© Nancy, musée des Beaux-Arts, cliché G. Mangin

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Au lycée, dans le chapitre 2 du thème 4 (dynamiques et ruptures dans les sociétés des XVIIe et XVIIIe siècles) consacré aux « tensions, mutations et crispations de la société d’ordres » où il s’agit de montrer la complexité de la société d’ordres.

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Cet impressionnant portrait équestre représente une femme vêtue et montant à cheval comme un homme (et non pas en amazone).  A l’arrière-plan, on la voit représentés de nombreuses fois dans des petites saynètes sur fond de paysage rural parsemé de châteaux. En haut du tableau, des anges surmontent la scène tandis que sur la gauche apparaît la Vierge tenant l’enfant Jésus.

INTERPRETATION

Claude Déruet (1588-1660), portraitiste à la cour de Lorraine, a peint ici Alberte-Barbe d’Ernecourt (1606-1660), épouse de Jean-Jacques de Haraucourt, seigneur de Saint-Baslemont. Après l’extension de la Guerre de Trente ans à l’Europe entière, Madame de Saint-Baslemont et s’oppose aux tentatives de pillage et d’exaction menées par les armées et les bandes de mercenaires qui traversent ses terres autour de son château de Neuville-en-Verdunois.

Très pieuse, l’« amazone chrétienne » met également à l’abri la statuette de la Vierge conservée dans la chapelle Notre-Dame de Benoîte-Vaux, lieu de pèlerinage situé à quelques kilomètres de Neuville. C’est sous sa protection que Deruet place ici son héroïne. Engagée aux côtés des armées françaises, Madame de Saint-Baslemont, à qui Louis XIII aurait proposé le commandement d’une compagnie, voit sa notoriété croître à partir du milieu des années 1640. Pour autant, les conditions de la commande de ce portrait, présent en 1653, à Nancy, au palais ducal, parmi les biens du maréchal français Henri de La Ferté Senneterre, restent mystérieuses. Il constitue une œuvre particulièrement audacieuse pour l’époque : l’artiste y peint une femme en utilisant un format et une posture d’ordinaire réservés aux portraits d’hommes.
Multimédia: https://www.nancy.fr/documents/musee-lorrain/multimedia/z21/#/app/570ccc63bcb8e/sc/wzobj-scenario_570cbf379507e

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© Nancy, palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain, cliché G. Mangin

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Portrait de Madame de Saint-Baslemont, 1646

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Portrait de Madame de Saint-Baslemont, 1646

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En classe de 4ème dans le thème 1 "le XVIIIe siècle, expansion des Lumières et révolution".

En classe de Seconde, dans le thème 3 (l'Etat à l'époque moderne) : "l'affirmation de l'Etat dans le royaume de France". L'objectif est de  faire comprendre comment s'est construit l'Etat moderne à travers le renforcement du pouvoir royal. La statue de Louis de Louis XV permet d'étudier la construction de l'image royale. Cette analyse peut compléter le point de passage et d'ouverture consacré à Versailles.

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En 1751, Stanislas fait édifier à Nancy une place dédiée à la gloire de son gendre Louis XV, sur le modèle des places royales françaises. Ce modèle est la réduction de la statue qui figurait au centre de la place Royale. Le roi de France est représenté debout avec une cuirasse, dans une attitude de commandement. Il est drapé dans un manteau royal, le regard tourné vers son royaume (Ouest) et le bâton de commandement pointé vers l’Empire (Est).

INTERPRETATION

La place royale et la statue qui la décorait ne correspondent pas seulement à la fantaisie de Stanislas. Il s’agit de présenter le roi comme un prince victorieux et pacifique et d’habituer les Lorrains à la présence française.

En savoir plus https://www.musee-lorrain.nancy.fr/fr/collections/les-oeuvres-majeures/modele-de-la-statue-de-louis-xv-79

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© Nancy, palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain, cliché M. Bourguet

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Modèle de la statue de Louis XV,                    1750

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Modèle de la statue de Louis XV,                    1750

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Au Lycée, en lien avec le Thème 2 : XVe-XVIe siècles: un nouveau rapport au monde, un temps de mutation intellectuelle

Chapitre 1: L'ouverture atlantique: les conséquences de la découverte du Nouveau Monde
Chapitre 2: Renaissance, Humanisme et réformes religieuses

- A partir du globe, montrer l'évolution et les facteurs des progrès dans le domaine de la représentation cartographique du monde et visualiser le planisphère de Waldseemüller de 1507 réalisé à l'abbaye de Saint-Dié-des-Vosges      (première mention du mot Amérique).Il convient d'évoquer aussi les progrès réalisés ( ainsi que les querelles)  dans le domaine de l'Astronomie et dans la connaissances des mécanisme de rotation et de révolution terrestres.

- A partir du portrait du Christ, montrer comment la représentation humaniste s'inscrit en rupture avec la vision souffrante du crucifié du XIIIe siècle par exemple et renoue avec celles de l'antiquité ou du début du Moyen-Age, celle du Bon Pasteur de certaines catacombes romaines par exemple,dont les traits pourraient s'apparenter à ceux d'Orphée.

Au Collège, en lien avec les thèmes 2 et 3  du programme de Cinquième (Cycle 4)
- Thème 2:  Société, Eglise et pouvoir politique dans l'Occident féodal (XIe-XVe siècles)
- Thème 3: Transformations de l'Europe et ouverture sur le monde aux XVIe et XVIIe siècles

A partir du portrait, on pourra montrer simplement comment évoluent les représentations du Christ au gré des périodes de l'histoire et notamment en fonction du contexte historique. Les "malheurs des temps" médiévaux sont propices à une représentation plutôt souffrante quand la Renaissance promouvrait une image plus lumineuse et plus confiante en lien avec l'esprit du temps.

A partir de l'orbe crucifère, montrer comment cet objet est un insigne du pouvoir politique et religieux de la fin de l'empire romain aux temps modernes.

Faire travailler les élèves, à partir de l'orbe crucifère , sur l'évolution des représentations de la terre de l'antiquité à la Renaissance ( d'une terre plate en T à une sphère aux terres émergées à contours plus précis) et sur les progrès opérés par les concepteurs de planisphères en lien avec les voyages transocéaniques des navigateurs-explorateurs des XVe-XVIe siècles.

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Un Christ jeune et imberbe, de rouge vêtu, effectue de la main droite le signe de bénédiction tandis qu'il tient dans sa main gauche un globe terrestre représentant en partie l'Europe, l'Afrique et l'Asie surmontées d'une croix chrétienne ( une sorte d'orbe crucifère).

INTERPRETATION

Cette représentation lumineuse d'un Christ, plutôt bel adolescent à la longue chevelure châtain, tranche nettement avec la représentation médiévale du crucifié souffrant et sanguinolent en vogue notamment au XIIIe siècle. Ce serait la marque de l'Humanisme, ample mouvement intellectuel, culturel et artistique de la Renaissance, qui tend au "rajeunissement" du monde et procède d'une confiance en l'Homme capable d'user de raison et de sagesse pour renouveler les arts et les savoirs. L'orbe crucifère révèle, quant à lui, une Europe occidentale encore sous emprise chrétienne, en particulier de l'Eglise catholique, puissance spirituelle et politique influente tant socialement que culturellement. L'objet révèle aussi les progrès scientifiques et astronomiques sinon cartographiques du temps malgré quelques erreurs.

Rotondité de la terre ainsi que révolution terrestre autour du soleil sont désormais choses reconnues sinon acceptées, tandis que la Chrétienté occidentale, figurée sur l'objet, se pense encore comme centre du monde au moment où ses navigateurs-explorateurs viennent de découvrir un nouveau continent.

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© Nancy, musée des Beaux-Arts, cliché C. Philippot

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Salvator Mundi (Le Sauveur du monde),   vers 1504

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Salvator Mundi (Le Sauveur du monde),   vers 1504