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Sinfonie oder Symphonie (von griechisch σύμφωνος sýmphōnos ‚zusammenklingend', ‚harmonisch') ist eine Bezeichnung für Instrumentalwerke von über die Jahrhunderte wechselnder Form und Besetzung. Im 18. Jahrhundert bildete sich die klassische Form der Sinfonie aus, die bis ins 20. Jahrhundert eine dominierende Stellung im Bereich der Orchestermusik behauptete. Hierbei handelt es sich um ein aus mehreren (meist drei oder vier, seltener fünf) Sätzen bestehendes Werk für Orchester ohne Solisten. Seit der 9. Sinfonie von Ludwig van Beethoven ist auch der Einsatz von Gesangstimmen (Solisten und/oder Chor) gebräuchlich, ohne jedoch die dominierende Funktion des Orchesters aufzugeben.

In der Barockmusik des 17. Jahrhunderts bezeichnet der italienische Ausdruck Sinfonia ursprünglich ein Werk für Orchester, sehr selten mit Gesang. Sie findet sowohl in der Kirchenmusik als auch in der Oper oder im Ballett als Einleitungsstück ( Ouvertüre), Zwischenaktmusik oder musikalische Illustration des Geschehens (z. B. Schlachtmusik) Verwendung. Bis ins späte 18. Jahrhundert heißen Ouvertüren mit der Satzfolge schnell - langsam - schnell „Sinfonia", in Anlehnung an die Ouvertüren in neapolitanischen Opern, die neapolitanische Opernsinfonia (im Gegensatz zur französischen Ouvertüre).

Johann Sebastian Bach gebrauchte den Terminus Sinfonia nicht nur für instrumentale Eröffnungssätze in einigen seiner Kantaten, sondern auch für den Eröffnungssatz der zweiten Partita seiner Clavierübung und für seine 15 dreistimmigen Sinfonien für Klavier.

Galanter Stil/Frühklassik

Ab 1740 verfestigte sich die dreiteilige Form ( schnell - langsam - schnell) der Sinfonia und emanzipierte sich als eine eigenständige Satzform von der Neapolitanischen Oper, wo sie zuvor nur eine eröffnende und intermittierende Funktion hatte, indem sie meist auch zentrale Gedanken aus den vorkommenden Arien und Ensembles vorausnehmend exponierte. Im Gegensatz zur bisherigen Bindung an den Generalbass wird der sogenannte Oberstimmensatz stark, womit z. B. die Streicher eine (neue) zentrale Stellung in der Instrumentation einnehmen. Blasinstrumente wurden eher „begleitend" eingesetzt.

Zu den bedeutenden Komponisten der vorklassischen Sinfonie gehören die italienischen Komponisten Giovanni Battista Sammartini und Antonio Brioschi, sowie Johann Stamitz ( Mannheimer Schule) und Georg Christoph Wagenseil ( Wiener Schule). Im Laufe des 18. Jahrhunderts erweiterte sich mit der Verbreitung nach Nordeuropa die italienische dreisätzige Form der Sinfonia um das Menuett, einem zusätzlichen, vor dem Finalsatz eingeschobenen Satz - so vor allem in den Sinfonien der Mannheimer und der Wiener Schule.

Die klassische Sinfonie ab Mitte des 18. Jahrhunderts wird vor allem mit den Komponisten Joseph Haydn ( 104 Sinfonien), Wolfgang Amadeus Mozart ( über 50 Sinfonien) und Ludwig van Beethoven ( neun Sinfonien) in Verbindung gebracht. Gewichtigster Satz ist der erste, der sogenannte , der meist in Sonatensatzform mit evtl. (als Reminiszenz an die französische Ouvertüre) langsamer Einleitung gehalten ist und zwei gegensätzliche Themen (Hauptthema und Seitenthema) vorstellt und verarbeitet. Der zweite Satz ist ein langsamer Satz, oftmals in Liedform, der dritte ein Menuett oder später ein Scherzo (gesprochen: []). Seit Beethoven erscheint das Scherzo zuweilen auch an zweiter, der langsame Satz an dritter Stelle. Der vierte Satz - das Finale - ist meist ein Rondo, ein Sonatensatz oder ein Sonatenrondo, in Einzelfällen auch ein Variationensatz ( Eroica, Brahms Vierte)

Die Tonartenfolge wird in der klassischen Sinfonie meist streng gehandhabt. Für jede klassische Sinfonie kann eine Grundtonart angegeben werden, in der das Werk beginnt und (meistens) auch endet. Die Ecksätze ( Kopfsatz und Finale) sind in dieser Grundtonart komponiert sowie meist auch der dritte Satz. Der langsame Satz hingegen steht meist in einer verwandten Tonart, der Dominant-, Subdominant-, einer Parallel- oder Medianttonart.

Für die später folgende Romantik ist Ludwig van Beethoven der wichtigste Bezugspunkt in der früheren Musikgeschichte. Einige Komponisten verzweifelten gar an dem „titanischen" Vorbild, so wagte sich beispielsweise Johannes Brahms lange nicht an die Komposition einer Sinfonie. Beethoven führte die so genannte thematisch-motivische Arbeit (d. h. die Verwendung von aufeinander bezogenen musikalischen Elementen und Fragmenten) zu einer nahezu jeden Takt beherrschenden Dichte. Der emotionale Gehalt erfuhr auf diese Weise vor allem in den sinfonischen Kopfsätzen eine intensivierte Kontrastierung, bisweilen eine dem tragischen Schauspiel verwandte Konflikthaftigkeit (vor allem 3. Sinfonie und 5. Sinfonie).

Im Zuge dieser Dramatisierung des musikalischen Ausdrucks verstärkte Beethoven den Orchesterapparat um weitere Hörner (drei Hörner in der 3. und vier Hörner in der 9. Sinfonie), gab diesen Melodiefunktionen ( 3. Sinfonie), fügte Posaunen, eine dritte Pauke sowie ein Kontrafagott und eine Piccoloflöte hinzu. Alle Instrumente können jede Funktion erfüllen, ein Motiv kann durch alle Stimmen wandern. In der 9. Sinfonie stellte er das Scherzo dem langsamen Satz voran, in der 5. Sinfonie verband er die beiden letzten Sätze. In der 9. traten außerdem Chor und Solisten zum Orchester. Eine weitere Neuerung war das oftmalige Verwenden von Terzverwandtschaften.

Auch der Einbezug außermusikalischer Inhalte in die Klassische Sinfonie geht auf Beethoven zurück: In der 6. Sinfonie ( Pastorale) bezog er klangliche Naturereignisse ein (zum Beispiel Vogelrufe im 2. Satz, welcher den Titel Szene am Bach trägt; Sturm und Gewitter im gleichnamigen 4. Satz). In der 9. Sinfonie verwendete er die explizite Textvorlage des Gedichts An die Freude von Friedrich Schiller für einen groß angelegten Gesangsabschnitt (Solisten, Chor) im 4. Satz. Dabei wurden dem Gesangsabschnitt musikalische Zitate aus den drei vorangegangenen Sätzen sowie die einleitenden Worte „Oh Freunde, nicht diese Töne!" voraus geschickt.

Diese von Beethoven initiierte Vokalsinfonik wurde später von Gustav Mahler in einigen seiner Sinfonien fortgeführt.

Die romantische Sinfonie kann in zwei Bereiche eingeteilt werden. Auf der einen Seite wird die klassische Sinfonie in romantischer Tonsprache weitergeführt - hier sind vor allem Franz Schubert ( acht Sinfonien), Felix Mendelssohn Bartholdy (fünf Sinfonien, dazu zwölf Streichersinfonien), Robert Schumann (vier Sinfonien), Anton Bruckner (acht Sinfonien, dazu zwei Frühwerke und eine unvollendete), Johannes Brahms (vier Sinfonien), Felix Draeseke (vier Sinfonien), Pjotr Iljitsch Tschaikowski (sechs Sinfonien, dazu Manfred-Sinfonie), Antonín Dvořák (neun Sinfonien), Gustav Mahler (neun Sinfonien, dazu eine unvollendete) und Jean Sibelius (sieben Sinfonien) zu nennen, auf der anderen Seite wird versucht, die Form der Sinfonie durch Einbindung eines außermusikalischen Programms aufzubrechen, was zur sogenannten Sinfonischen Dichtung führte - so vor allem bei Hector Berlioz (Symphonie fantastique), Franz Liszt und Richard Strauss.

Die Gattung der Sinfonie löste sich im Laufe der romantischen Epochen zunehmend von der tradierten, viersätzigen Sinfonie der Klassik. Die Reihenfolge der Sätze wurde oft vertauscht, die Anzahl der Sätze variiert. Auch die Einheit der Tonarten wurde nicht mehr als bindend angesehen: So beginnt Gustav Mahlers 5. Sinfonie etwa in cis-Moll, endet aber in D-Dur. Als neues Ordnungsprinzip des sinfonischen Zyklus wurde oft die motivische Verschränkung gewählt: Motive und Themen wurden übergreifend in mehreren Sätzen eines Werks verarbeitet oder im Übergang ins 20. Jahrhundert zum Gestaltungsprinzip einer ganzen Sinfonie erhoben, so dass ein einheitlicher, in sich differenzierter musikalischer Organismus entstand. Die Erweiterung des Aufführungsapparats führte auch zur Entwicklung der Sonderform der Sinfoniekantate, die die Sinfonie mit dem menschlichen Gesang verbindet.

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts gibt es kaum mehr einen einheitlichen Sinfoniebegriff. Es entstanden zwar - wenn auch in immer geringerer Zahl - weiterhin Sinfonien, diese sind allerdings hinsichtlich Stilistik, Spieldauer und Orchesterbesetzung äußerst variabel. Eine Extremposition nehmen die kammermusikalisch besetzten Sinfonien von Darius Milhaud ein, die jeweils nur wenige Minuten dauern. Außerdem wurden Sinfonien geschrieben von Komponisten wie Sergei Prokofjew, Dmitri Schostakowitsch, Bohuslav Martinů, Nikolai Mjaskowski, Karl Amadeus Hartmann, Roger Sessions, Anton Webern, Hanns Eisler, Richard Mohaupt, Martin Scherber, Alan Hovhaness, Fritz Geißler, Friedrich Goldmann, Max Butting, Siegfried Matthus, Günter Kochan, Friedrich Schenker, Giselher Klebe, Hans Werner Henze, Wilhelm Kaiser-Lindemann, Peter Maxwell Davies, Philip Glass, Krzysztof Meyer, Krzysztof Penderecki, Allan Pettersson, Alfred Schnittke, Heinrich Sthamer, Mieczysław Weinberg oder Robert Simpson.

Christoph von Blumröder, Wolfram Steinbeck (Hrsg.): Die Symphonie im 19. und 20. Jahrhundert. Handbuch der musikalischen Gattungen 3/1 u. 3/2.

Ludwig Finscher: Symphonie, MGG Prisma, Verlage Bärenreiter (Kassel) und J. B. Metzler (Stuttgart) 2001, ISBN 3-7618-1620-0 und ISBN 3-476-41037-4; mit ausführlichem Literaturverzeichnis zur Symphonie-Geschichte.

Gernot Gruber, Matthias Schmidt (Hrsg.): Die Sinfonie zur Zeit der Wiener Klassik. Handbuch der musikalischen Gattungen 2. Laaber-Verlag, Laaber 2006, ISBN 978-3-89007-284-5

Rudolf Kloiber: Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie. 2. erweiterte Auflage. Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 1976 (1964), ISBN 3-7651-0017-X

Stefan Kunze: Die Sinfonie im 18. Jahrhundert. Von der Opernsinfonie zur Konzertsinfonie. Handbuch der musikalischen Gattungen 1. Laaber-Verlag, Laaber 1993, ISBN 978-3-89007-125-1

Ursula Rauchhaupt (Hg.): Die Welt der Symphonie, Polydor International GmbH Hamburg und Georg Westermann Verlag Braunschweig 1972, ISBN 3-14-509082-8; eine musikalische, soziologische und historische Darstellung.

Wilhelm Gemoll: Griechisch-Deutsches Schul- und Handwörterbuch. München\Wien 1965.

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Sinfonie oder Symphonie (von griechisch σύμφωνος sýmphōnos ‚zusammenklingend', ‚harmonisch') ist eine Bezeichnung für Instrumentalwerke von über die Jahrhunderte wechselnder Form und Besetzung. Im 18. Jahrhundert bildete sich die klassische Form der Sinfonie aus, die bis ins 20. Jahrhundert eine dominierende Stellung im Bereich der Orchestermusik behauptete.

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Die hier abgebildete Grafik zeigt das Schema der klassischen Sonatenhauptsatzform.

Die wichtigsten Elemente sind zwei gegensätzliche Themen. Aus der Spannung dieses Gegensatzes gewinnt die ganze Sonate ihre Kraft. Deshalb ist nicht nur die Aussagefähigkeit der einzelnen Themen wichtig, sondern auch in welcher Beziehung diese zueinander stehen. Es kann also durchaus sein, dass ein Komponist zwei starke Themen hat, deren Gegenüberstellung aber nicht genug Spannungspotential hergibt, um daraus eine Sonate zu bilden.

Die Sonatenhauptsatzform als ganzes betrachtet ergibt eine Dreiteiligkeit:
Exposition - Durchführung - Reprise.
Manche Sonaten haben am Schluss noch eine Coda, die mehr oder weniger lang ausfallen und sich sogar noch zu einem vierten Teil ausweiten kann.

Die Exposition stellt die beiden Themen nacheinander vor, dergestalt, dass ihr charakterlicher Gegensatz mit formalen Gestaltungsmitteln verstärkt wird. Während das erste Thema immer in der Grundtonart (Tonika) steht ( Die Hauptfunktionen in Dur, Die leitereigenen Dreiklänge in Moll), macht es für das zweite Thema einen Unterschied, ob es in einer Dur- oder einer Moll-Sonate vorkommt. Handelt es sich um eine Sonate in Dur, erklingt das zweite Thema in der Dominante (D), ist die Grundtonart eine Molltonart, erklingt es in der Tonikaparallele (). D.h der charakterliche Gegensatz wird durch die tonartlichen Pole T - D in Dur bzw. t - tP in Moll verstärkt, wobei der Unterschied in Moll größer ist, da hier verschiedene Tongeschlechter erklingen.

Die Themen stehen am Beginn so genannter Themenkomplexe, in deren weiteren Verlauf die Weiterentwicklung des jeweiligen Themas erfolgt. Oft ist nicht zu unterscheiden, wann das Thema endet und wann die Weiterentwicklung beginnt.

Am Ende des ersten Themenkomplexes muss eine Modulation in die Tonart des zweiten Themas stattfinden, deren Ende oft die Wirkung eines Doppelpunktes in Form entschlossen klingender Akkorde hat, gefolgt von einer kurzen Pause steht. Dieser Vorgang lässt das zweite Thema erwarten:

Nach dem zweiten Themenkomplex endet die Exposition mit einer so genannten Schlussgruppe. Dabei handelt es sich meistens um eine Wiederholung kadenzierender Spielfiguren.

In der Durchführung gibt es keinerlei formale Vorgaben. Ihr Sinn besteht darin, sich mit dem Konflikt auseinander zu setzen, den die Gegensätzlichkeit der beiden Themen aus der Exposition ausgelöst hat. Hier ist Raum für die dabei nötige thematische Arbeit. Es können dabei beide Themen verarbeitet werden oder nur eines von beiden. Manchmal findet man in der Durchführung keines der beiden Themen, dann übernimmt ein anderes aussagestarkes Motiv aus der Modulation oder der Schlussgruppe deren Stelle. Welche Variante gewählt wird, erschließt sich aus dem jeweiligen Zusammenhang. Die Durchführung endet häufig mit einem "Stehenbleiben auf der Dominante". Hier werden einerseits die Wogen der Durchführung geglättet, andererseits der Beginn der Reprise vorbereitet.

Die Reprise ist eine Wiederholung der Exposition, allerdings mit einem entscheidenden Unterschied. Hier zeigt sich die Wirkung der Durchführung: Das zweite Thema erklingt nun auch in der Grundtonart, d.h. der Gegensatz zwischen den Themen wurde hier zu einem gewissen Grad ausgeglichen. In einer Moll-Sonate ist dieser Effekt stärker, da nun beide Themen in Moll erklingen. Damit das geschehen kann, muss die Modulation wegfallen, die in der Exposition den Tonartenwechsel ermöglichte. Diese Veränderung wird Einrichtung genannt. Die Einrichtung kann durchführungsartige Elemente enthalten. Auch die Reprise endet mit der Schlussgruppe, diesmal aber in der Grundtonart.

Die sich eventuell anschließende Coda kann den erreichten Ausgleich zwischen den Themen wieder zu Nichte machen, d.h. der Komponist hat hier die Gelegenheit, den Sonatenhauptsatz "schlecht" ausgehen zu lassen. Auch hier wird häufig auf Elemente der Durchführung zurückgegriffen.

Obwohl oft sowohl die Exposition einerseits, als auch die Durchführung, die Reprise und die vielleicht vorhandene Coda als zusammengefasster Teil andererseits wiederholt werden sollen, ist es eigentlich sinnvoll, nur die Exposition zu wiederholen. So können die Themen und der beinhaltete Konflikt noch einmal gehört werden, damit diese im weiteren Verlauf der Sonate gegenwärtiger sind. Hingegen ist es nicht folgerichtig, am Ende der Sonate alles noch einmal ab dem Beginn der Durchführung zu hören, da man so an einen Punkt der Entwicklung zurückgeworfen wird, der bereits erledigt ist. In der gängigen Spielpraxis wird aus diesem Grund die zweite Wiederholung meistens weggelassen.

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Die hier abgebildete Grafik zeigt das Schema der klassischen Sonatenhauptsatzform. Die wichtigsten Elemente sind zwei gegensätzliche Themen. Aus der Spannung dieses Gegensatzes gewinnt die ganze Sonate ihre Kraft. Deshalb ist nicht nur die Aussagefähigkeit der einzelnen Themen wichtig, sondern auch in welcher Beziehung diese zueinander stehen.