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Pieza de aluminio.

Esta enorme escultura pertenece a su última etapa artística en la que experimenta con todo tipo de materiales, en concreto se trata de una pieza de varios metros de altura que prácticamente en su totalidad está hecha de aluminio, es la única pieza que ha sobrevivido de los grandes encargos que hizo Barbara en sus últimos años de vida. Se encuentra en exposición permanente en The Wepwoth Wakefield. (9)

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Óleo sobre tabla.
Propiedad del "The Met Museum" (NY, EEUU)

Es una de sus obras tempranas, realizada tras su vuelta a Nueva York, en ella vemos en qué dirección irá su obra, siempre de mano de la abstracción, una abstracción basada  en la simplicidad, en las líneas puras, la gama cromática en sus trabajos será muy reducida. Unos principios semejantes al cubismo pero con una dirección mucho más constructivista. (10)

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Tanto Dorothy como Barbara son ejemplos de mujeres que lucharon por su libertad y la del resto de mujeres, es su ejemplo fuerza que debería empujarnos a replantear nuestra historia y a situar a la mujer en el lugar que le pertenece después de tantos años de silencio. Ambas artistas mantuvieron su independencia y no sucumbieron a la crítica pública ni a los prejuicios que a lo largo de la historia han recaído sobre la mujer, su voz ha de llegar a nosotros y hacernos ver que aún queda mucho por hacer. (15)

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Tanto Dorothy como Barbara son ejemplos de mujeres que lucharon por su libertad y la del resto de mujeres, es su ejemplo fuerza que debería empujarnos a replantear nuestra historia y a situar a la mujer en el lugar que le pertenece después de tantos años de silencio. Ambas artistas mantuvieron su independencia y no sucumbieron a la crítica pública ni a los prejuicios que a lo largo de la historia han recaído sobre la mujer, su voz ha de llegar a nosotros y hacernos ver que aún queda mucho por hacer. (15)

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 Ya por fin en los años 50 consigue una exposición individual, que la haría despegar en el mundo artístico llegando a tener un reconocimiento internacional y siendo muy querida en Inglaterra. En sus últimos años de carrera dejó los materiales clásicos y empezó a experimentar con materiales nuevos como el bronce o el aluminio, ya que según dijo ella, había encontrado la verdadera libertad. En su vejez se dedicó a parte de continuar con su trabajo artístico amplio a más artes como el teatro emprendiendo una carrera académica en artes escénicas. En uno de sus viajes a Italia se produce un accidente que la deja parcialmente inmóvil. Finalmente muere el 22 de mayo a los 72 años de edad por un accidente incendiario en su estudio. (1-3,15,17)

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 Ya por fin en los años 50 consigue una exposición individual, que la haría despegar en el mundo artístico llegando a tener un reconocimiento internacional y siendo muy querida en Inglaterra. En sus últimos años de carrera dejó los materiales clásicos y empezó a experimentar con materiales nuevos como el bronce o el aluminio, ya que según dijo ella, había encontrado la verdadera libertad. En su vejez se dedicó a parte de continuar con su trabajo artístico amplio a más artes como el teatro emprendiendo una carrera académica en artes escénicas. En uno de sus viajes a Italia se produce un accidente que la deja parcialmente inmóvil. Finalmente muere el 22 de mayo a los 72 años de edad por un accidente incendiario en su estudio. (1-3,15,17)

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Después de su divorcio en los años 30 ella entro en un círculo de artistas en los que se encontraba Henry Moore y Ben Nicholson con el que emprenderá una carrera artística. Viaja a Francia y se junta con varios artistas como Mondrian y Kandinsky de los que recibirá futura influencia. Tras varios viajes por toda Europa consigue en varios de ellos compartir galerías con importantes artistas reconocidos de la época (Miro, Calder Gabo...). Ya a finales de década se centra en las creaciones de esculturas con impresiones de los paisajes, mezclando las sensaciones del ser humano con el paisaje y su relación con él. (1-3,15,17)

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Tras esto siguió las recomendaciones de emprender un viaje a Italia para allí aprender a tallar siendo admitida en el taller de un relevante artista, conociendo allí a su primer marido John Skeaping; aprendió las técnicas de tallado renacentista emprendiendo varios viajes por la península adquiriendo varias técnicas. Regresaron a la capital inglesa donde ella y su marido participaron en una exhibición en St. Ann`s Terrace, consiguiendo Bárbara  más reconocimiento en ella,  vende allí su primera escultura “Mother and Child” a un famoso coleccionista.  (1-3,15,17)

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En los últimos tiempos de su vida, Denher fue entrevistada varias veces, en diferentes medios. En algunas de sus respuestas podemos vislumbrar, su independencia y personalidad, en ellas da muestras de lo que los críticos de arte, siempre detectaban en sus obras y que son tan potentes que se insinúan en ella, a pesar de tratarse de un estilo abstracto.

A pesar de su larga y prolífica carrera, Dehner rara vez dio explicaciones para su trabajo, prefiriendo en cambio dejar que hable por ella, en una entrevista que dice: "Lo que sea que esté en el papel o en bronce, salió de mis dedos y mi corazón o alma ".

Ante la pregunta ¿cómo le había cambiado envejecer? realizada a los 91 años. Su respuesta fue tajante: “Como cuando tenía treinta o catorce o seis y medio. La persona es lo que estás haciendo y haciendo, de forma constante, a menos que esté haciendo un esfuerzo por ser alguien más". (14,16)

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The intimate gesture (el gesto íntimo) es un conjunto de trabajos en estos medios, en los que explora nuevas técnicas constructivas. Para ello, combinó salpicaduras de pintura desde un pincel sobre un papel mojado, contrastando imágenes borrosas con líneas finas bien definidas que ensamblaba con formas geométricas, el resultado aparente fue muy innovador.

Para los estudiosos del arte, Denher destacó como dibujante por su empleo tanto en sus dibujos como en sus esculturas, del volumen y del espacio a partir de los mismos preceptos visuales, de tal forma que su dibujo tiene una calidad escultórica, aunque no son estudios para la escultura. (14,16)

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Aunque Denher es más conocida en el mundo del arte por sus esculturas de bronce y madera, a lo largo de su vida artística utilizo también el papel como soporte, tanto para el dibujo como para el grabado. Aunque al principio fue un miembro significativo dentro del grupo de artistas reconocidos como los expresionistas abstractos. Al igual que otras mujeres artistas de ese período, su faceta como dibujante y grabadora ha sido poco reconocida. (14,16)

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Aunque Denher es más conocida en el mundo del arte por sus esculturas de bronce y madera, a lo largo de su vida artística utilizo también el papel como soporte, tanto para el dibujo como para el grabado. Aunque al principio fue un miembro significativo dentro del grupo de artistas reconocidos como los expresionistas abstractos. Al igual que otras mujeres artistas de ese período, su faceta como dibujante y grabadora ha sido poco reconocida. (14,16)

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Miles de mujeres han sido silenciadas, se han visto pisadas por sus compañeros, escondidas tras seudónimos y calladas por la norma. Aún hoy en día la historia no refleja ni la mínima parte de todas       las mujeres que  conformaron nuestro pasado y construyeron las bases de nuestro presente.
Es momento de hacer sonar sus nombres y reivindicar su lugar en la historia

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Por último, se ha de destacar una cita suya referida a su trabajo: “Creo que cada escultura debe ser tocada, es parte de la forma en que la haces y realmente es nuestra primera sensibilidad, es el sentido del sentimiento, es lo primero que tenemos cuando nacemos. Creo que cada persona que mira una escultura debería usar su propio cuerpo. No puedes mirar una escultura si vas a pararte rígido como una barra de ariete y mirarla fijamente, con una escultura debes caminar alrededor de ella, inclinarte hacia ella, tocarla y alejarte de ella.” (1-3,15,17)

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Artísticamente, pasó de una serie de estilos conceptuales a otros, así llegó a realizar obras con estilo de inspiración cubista, también trabajó en una técnica conocida como cera perdida. Se ocupó de esculpir en madera y produjo obras a gran escala en acero (tipo Corten) y otras  más reducidas en bronce.

Su trabajo ha recibido cierta consideración. Ha expuesto en el Museo Metropolitano de Arte, en el Instituto de Arte de Chicago y también algunos museos han comprado sus obras para sus fondos como el Museo of Modern Art. (14,16)

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Para ello, estudió la técnica del grabado Taller 17 de Stanley William Hayter, y donde retomó su deseo de ser escultora y dedicándose ya plenamente a esta arte, complementándolo con dibujos y grabados. Los críticos de arte conceptúan a Dehner como escultora a pesar de que consiguió visibilidad como artista de la escultura al alcanzar los 50 años. (14,16)

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No debemos olvidar St. Ives, The Hepworth Wakefield, que, formado por su estudio y jardín de esculturas, alberga un rico archivo del trabajo de la escultora y rinde homenaje al entorno que fue tan importante en sus años de formación. El paisaje alrededor de St Ives se convirtió en parte de la forma en que sus obras se presentaban en los medios; St Ives Bay, Godrevy Lighthouse y The Island son herramientas de composición para quienes documentan sus obras, creando un diálogo adicional entre las formas y su entorno. Aunque es conocida principalmente como escultura, es destacable el interés que presentaba la artista en la fotografía, utilizada principalmente como medio para documentar su propio trabajo. Críticos como Alan Bowness nos hablan de que ella simplemente pidió ser tratada como artista, independientemente del sexo.  (1-3,15,17)

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Sin embargo, es probable que la mujer surrealista naciese de esa postura encontrada en Freud en sus reflexiones sobre ella; un punto de vista ambivalente y dualista en el que la mujer se encuentra en el centro de los poderes creativos del instinto amoroso, esa figura madre y portadora de la vida, que a su vez se hace incompatible al reconocerla éste como destructora del hombre.  (1-3,15,17)

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Fuentes:

1.-  Barbara Hepworth. The Hepworth Wakefield [fecha de consulta: 17 de febrero de 2021, 17:21]. Disponible en: https://hepworthwakefield.org/

2.- Barbara Hepworth [consulta 17 de febrero de 2021,18:01]. Disponible en: http://barbarahepworth.org.uk/

3.- Hepworth, Dame Jocelyn Barbara (1902-1975), artist, sculptor. The National Archives, ©Crown [fecha de consulta: 17 de febrero de 2021, 18:29]. Disponible en: https://discovery.nationalarchives.gov.uk/details/c/F60698

Imágenes:

4.- National Museum of Women Arts, Retrato Dorothy Dehner, [consulta: 26 marzo 2021]. Disponible en: https://nmwa.org/art/artists/dorothy-dehner/

5.- Vein Magazine, Retrato Barbara Hepworth, [consulta: 26 marzo 2021]. Disponible en: http://vein.es/barbara-hepworth-la-escultora-que-combatio-la-guerra-con-escudos-concavos-y-convexos/

6.- Tate: Three Forms. 1935. [consulta: 26 marzo 2021]. Disponible en: https://www.tate.org.uk/art/artworks/hepworth-three-forms-t00696

7.- The Hepworth Wakefield: Mother and child. 1934. [consulta: 26 marzo 2021]. Disponible en: https://hepworthwakefield.org/our-art-artists/collections/highlights/mother_and_child/

8.- The Hepworth Wakefield: Pierced Hemisphere. 1937. [consulta: 26 marzo 2021]. Disponible en: https://hepworthwakefield.org/artist/barbara-hepworth/

9.- Google Arts & Culture: Winged Figure Prototype. 1961. [consulta: 26 marzo 2021]. Disponible en: https://artsandculture.google.com/asset/winged-figure-prototype-barbara-hepworth/IQFT46myrGYMHQ

10.- The Art Institute of Chicago: Moscovite. [consulta : 26 Marzo 2021]. Disponible en: https://www.artic.edu/artworks/117322/moscovite.

11.- The Phillips Collection: Dark Passage. [consulta : 26 Marzo 2021]. Disponible en:  https://www.phillipscollection.org/collection/dark-passage.

12.- MoMA: Dorothy Dehner. Encounter. 1969. [consulta : 26 Marzo 2021]. Disponible en: https://www.moma.org/collection/works/140333?artist_id=1467&page=1&sov_referrer=artist.

13.- The Metropolitan Museum of Art. Dorothy Dehner, Still Life with Shells. [consulta : 26 Marzo 2021]. Disponible en: https://www.metmuseum.org/art/collection/search/486820

Bibliografía:

14.- BUTT, Carrie. Dark Passage: Dorothy Dehner. JAMA. [en línea]. Octubre 2013 [fecha de consulta: 10 febrero 2021]. Disponible en: https://jamanetwork.com/journals/jama/article-abstract/1745652  ISSN: 1538-3598

15.- CHADWICK, Whitney. Women, Art and Society. Nueva York: Thames & Hudson, 1990

16.- MEEHAN, Jennifer. A Finding Aid to the Dorothy Dehner Papers, 1920-1987 (bulk 1951-1987), in the Archives of American Art. Archives of American Art [en línea]. Enero 2005 [fecha de consulta: 10 febrero 2021].  Disponible en: https://www.aaa.si.edu/collections/dorothy-dehner-papers-9686  ISSN: 0003-9853

17.- Tate. Who is Barbara Hepworth? [fecha de consulta: 3 de marzo de 2021, 18:33]. Disponible en: https://www.tate.org.uk/art/artists/dame-barbara-hepworth-1274/who-is-barbara-hepworth

Autores: Jose Manuel García Martín,  Nerea Falcón Alonso, Nuria García Davia y Olaya Fernández González.

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Talla en piedra Hoptonwood.

Esta obra representa varias de las técnicas que usara nuestra artista en la mayoría de sus obras a lo largo de su brillante carrera. En concreto esta pieza se concreta en mármol blanco con forma oval, que coge media esfera enrollada haciendo que muestre una cara plana . Estas formas para Hepworth representaban una muestra especifica de un paisaje, no sabemos con exactitud si existía uno que ella tomara como referencia, pero se puede concluir que quiera transmitir la tranquilidad y paz, el sentimiento que provoca un entorno bucólico, más cercano a nuestros orígenes. (8)

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Talla en mármol Serravezza.

intenta representar lo humano de la manera mas simplista posible, incluyendo el modelo abstracto. A pesar de la irregularidad de las formas se crea un espacio perfectamente proporcionado entre ellas, que puede representar la igualdad entre los seres a pesar de sus diferencias. Otra teoría es que este espacio represente las relaciones entre los seres. El material de esta obra representa una visión abstracta de la belleza. (6)

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Talla en piedra.

Figuras separadas , madre e hijo son dos sujetos permanentemente independientes. La piedra dota a la pieza de una expresión de delicadeza. Aunque estén separados la forma de la madre nos trasmite la sensación de cobijo, fuerza que protege y cuida al niño. (7)

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En cuanto a Hepworth, como mujer en un mundo artístico dominado por hombre, asumió un papel activo a la hora de crear y presentar sus trabajos. Estableció formas innovadoras de ampliar los límites de su técnica e investigaciones y mantuvo una carrera que la llevó a montar una retrospectiva en el Museo Kröller-Müller en 1965, representar a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia en 1950 y ganar el primer premio en la Bienal de São Paulo en 1959. Innumerables artistas, diseñadores, arquitectos e intérpretes como Linder Sterling, Peter Jensen y Rebecca Warren la citan como una figura influyente en su propia práctica creativa. (1-3,15,17)

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Ningún movimiento artístico desde el siglo XIX había resaltado la idea de la mujer y su creatividad con tanta pasión como el Surrealismo durante las décadas de 1920 y 1930. Fue el que mayor número de participantes femeninas presentó y desarrolló un papel más complejo para la mujer como artista en comparación con el resto de los movimientos modernos.

André Breton, escritor, poeta y ensayista del Surrealismo, nos habla desde un punto de vista romántico de la unión perfecta con la mujer amada como fuente de un arte de desorientación que resolvería estados de experiencia y conciencia en una nueva surrealidad, tomada como respuesta a una cultura sacudida por la guerra. Breton realzó la imagen de mujer instintiva y espontánea en un contexto social en el que las mujeres reclamaban el derecho al trabajo y al voto, y encontramos gobiernos como el francés que impulsaba el “pronatalismo” como estrategia repobladora tras la guerra. En ese mismo país, un año más tarde se aprobaron leyes en contra del aborto y el control de la natalidad. En 1942, apareció el Primer Manifiesto Surrealista en el que Breton muestra total dedicación por la liberación de las mujeres. (1-3,15,17)

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Adrian Stoks, el pintor y ensayista, era miembro de del grupo de artistas al que pertenecía Barbara en Inglaterra; entre ellos encontramos figuras como la del pintor Paul Nash y el físico J. D. Bernal, donde se intentó consolidar o definir de una manera más formal este vocabulario. Tras la exposición de Hepworth en Reid and Lefevre de 1933, Stokes escribió en The Spectator: “Estas rocas están habitadas por el sentimiento, incluso si, al igual que la mayoría de los talladores avanzados, la señorita Hepworth ha sentido no solo el bloque, sino también su fruto potencial, ser siempre femenino”. Una metáfora que fue interiorizada por los artistas influenciados por el Surrealismo. (1-3,15,17)

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Estudio en el Leed’s School of Art y en el Royal College of Art en Londres, donde junto con Henry Moore despertó su interés por la interacción de masa y el espacio negativo.

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LA MUJER ARTISTA EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA

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Su obra es conocida por su uso magistral de las propiedades de los materiales ,  alcanzando gran sentido conceptual, además de por su uso de los espacios entre figuras, de los huecos, de la figura y el fondo. (1-3,15,17)

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Fue galardonada con numerosos premios a sus esculturas, aún viviendo en un mundo donde la mujer y el arte no eran bien vistas de la mano. Fue con Germaine Richier con quien Barbara despertó su interés por las conexiones entre los ciclos de generación y erosión de la naturaleza. Las visitas a los estudios de Constantin Brancusi y Jean Arp en París en 1931 motivaron a Barbara a explorar el biomorfismo dentro de un vocabulario cada vez más abstracto. Vivir con Ben Nicholson durante la década de los treinta le ayudó en el desarrollo de ese vocabulario de la abstracción inglesa. En 1934, tras el nacimiento de sus hijos trillizos ralentizó su trabajo escultórico, sin embargo, éste fue constante, y desarrolló gradualmente un vocabulario geométrico totalmente abstracto.  (1-3,15,17)

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Su padre fue un importante ingeniero, como era la costumbre de familias económicamente acomodadas la mandaron a estudiar en un colegio para señoritas de música y otras artes consideradas para mujeres, pero viéndose conquistada por las esculturas egipcias que allí se encontraban, siguiendo los consejos de profesora entro en la Real Academia de arte de Londres. (1-3,15,17)

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Pluma y tinta negra. Acuarela.

Exposición permanente en The Art Institute of Chicago

Dorothy se divorció de su primer marido en el año 1951. Hasta ese año la artista creó muchas abstracciones en una técnica denominada aguada, de la que la obra titulada Moscovite, inspirada en un viaje que realizó por Rusia, es una muestra de su arte en aquella época, muy dura artísticamente, ya que su obra quedaba relegada a la de su marido. (11)

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Bronce, en seis partes.

Exposición permanente en MoMA (Museum of Modern Art de Nueva York, EEUU)

El cuadro está pintado después del divorcio de su primer marido y se interpreta como un periodo de transición en su peripecia personal, no solo por el significado de como tituló su cuadro (pasaje oscuro) sino también por los aspectos formales de la obra, ya que su superficie texturizada aporta a la composición un aspecto imperfecto, como de degradación paulatina. (13)

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Óleo sobre lienzo.

Exposición permanente en The Phillips Collection (Washington, EEUU).

Es una obra característica de su primer estilo, creada a base de la técnica “cera perdida”, que según sus propias palabras, nadie le había enseñado, pero que el contacto de la cera en sus manos, le indicó todo lo que debía saber; palabras que demuestran la gran categoría que atesoraba esta artista. (12)

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Artísticamente, pasó de una serie de estilos conceptuales a otros, así llegó a realizar obras con estilo de inspiración cubista, también trabajó en una técnica conocida como cera perdida. Se ocupó de esculpir en madera y produjo obras a gran escala en acero (tipo Corten) y otras  más reducidas en bronce.

Su trabajo ha recibido cierta consideración. Ha expuesto en el Museo Metropolitano de Arte, en el Instituto de Arte de Chicago y también algunos museos han comprado sus obras para sus fondos como el Museo of Modern Art. (14,16)

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Una vez separada de su primer marido, su carrera artística revivió al recuperar su capacidad de trabajo sin el lastre de las cargas emocionales que esta relación le acarreaba. Para ello, estudió la técnica del grabado Taller 17 de Stanley William Hayter, y donde retomó su deseo de ser escultora y dedicándose ya plenamente a esta arte, complementándolo con dibujos y grabados. Los críticos de arte conceptúan a Dehner como escultora a pesar de que consiguió visibilidad como artista de la escultura al alcanzar los 50 años. (14.16)

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Una vez separada de su primer marido, su carrera artística revivió al recuperar su capacidad de trabajo sin el lastre de las cargas emocionales que esta relación le acarreaba. Para ello, estudió la técnica del grabado Taller 17 de Stanley William Hayter, y donde retomó su deseo de ser escultora y dedicándose ya plenamente a esta arte, complementándolo con dibujos y grabados. Los críticos de arte conceptúan a Dehner como escultora a pesar de que consiguió visibilidad como artista de la escultura al alcanzar los 50 años. (14.16)

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En esta academia, conoció a su primer marido (Smith), con el que pasó una larga estancia en Europa, donde Dorothy realizó bastantes dibujos en blanco y negro y que posteriormente servirían como base del diseño de las esculturas que más tarde realizaría.

Dorothy encauzó su experiencia artística durante este matrimonio hacia el dibujo y la pintura, conceptuada como de estilo realista e ingenuo. Aunque su deseo era expresarse como escultora, pero temía desencadenar un conflicto de celos artísticos por parte de su marido, dedicado a la escultura de forja. Aun así, sirvió de modeló para sus obras, les dio título y le ayudó a progresar en la confección de sus esculturas metálicas soldadas. (14,16)

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Posteriormente, al regresar a  Nueva York, se integra en la Liga de Estudiantes de Arte (Art Students League) estudiando dibujo, ya que la concepción estilística de la escultura que enseñaban los profesores de la Liga, le parecía anodina comparada con las ideas que expresaban los artistas modernistas que habían expuesto en París. (14,16)

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En esa época, viajó a Europa acudiendo a la exposición Internacional de Artes decorativas Industriales y Modernas que se celebró en el año 1925 en París, donde conoció de primera mano cómo se expresaba el movimiento vanguardista gracias las obras que allí se expusieron (especialmente obras cubistas y “fauvistas”), y que como después la propia artista comentaría, “la convertiría en una devota de la Vanguardia”. (14,16)

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Solo tiene que hacer las maletas e irse, pero no consigue visualizar lo que tiene delante.

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Sus padres promovieron las inquietudes artísticas de sus hijos, que en el caso de Dorothy se encauzó hacia la fotografía, la escultura y la pintura.
En la adolescencia realizó cursos de danza, música e interpretación dramática, arte hacia donde encaminó sus primeros pasos y para ello se trasladó a Nueva York con el fin de estudiar en la Academia Americana de Arte Dramático y llegando a participar en varias obras teatrales representadas en Broadway. (14,16)

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<- Vamos a descubrir a dos mujeres que lucharon por ser escuchadas mediante su arte ->

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