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El tema que elegí fue el de la mitología, ya que este hace parte de todas las comunidades que han asentado la tierra, y a partir de ellas cada una demuestra su cultura, sus creencias y lo más importante: su identidad. Mitología viene del latín mythologĭa que busca contar una serie de relatos que vienen de los mitos respectivos de cada comunidad. Así pues, estos mitos que se crearon en los inicios de las culturas romanas, griegas, germanas, indígenas, entre otras han ido pasando a través de la historia por medio de narración oral, escrita y artística. Por lo tanto, la forma en la que se expresaba o se manifestaba la misma mitología hace 30,000 años no es de la misma forma que se expresó en el siglo XV o en el presente. De esta manera, es de mi interés descubrir como una misma historia puede ser manifestada de múltiples perspectivas dependiendo de la época del artista.

Por otro lado, aunque se esté representando algo irreal que no existió, para las culturas es de suma importancia para forjar su identidad y para entender muchos de los fenómenos que ocurren en su presente. En cada uno de los pueblos, estas historias mitológicas, estos personajes y estos símbolos representan valores, creencias, personalidades y características con los que se pueden sentir identificados o con lo que le pueden dar un razonamiento al origen de su creación. Por todas las anteriores razones es que escogí este tema para estudiarlo por medio de representaciones artísticas a través del tiempo; analizar las diferentes perspectivas con la que los pueblos creen es su creación.

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Ubicación: Wiltshire, Reino Unido.

Es una obra que se cree que fue creada en el meseolítico, y según las investigaciones realizadas se afirma que fueron funerarias, por lo tanto templos sagrados para las comunidades de la prehistoria. Después de algunos análisis astronómicos de la forma en que estaban ubicadas las piedras y como el sol en verano es posible verlo a través de estas, se cree -también- que allí se practicaron muchos rituales religiosos al rededor de este según las creencias del pueblo.

Estas son piedras de arenisca azul y de sílice que están ubicadas de una forma geométrica circular con la finalidad de diferentes creencias, entre esas una calculadora astronómica neolítica, para poder rendirle homenaje a sus dioses a través de la puesta del sol perfecto a través de las rocas en el verano.

Referencia:

Pascual, E., Bugallo, F., & Pascual, M. (2009). Arqueoastronomía: Stonehenge.

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Esfinge de Hatshepsut

Dinastía XVIII
Imperio Nuevo
ca. 1473–1458 a. C.
Museo Metropolitano de Arte, NYC.

ARTE EGIPCIA

Esta escultura estuvo presente para representar a la reina Hatshepsut  de la dinastía XVIII del Nuevo Imperio. Esta representación de arte significaba protección y guardián de las tumbas de los faraones de Egipto. Las medidas de esta son anchura: 343cm, altura: 164cm y peso 6789kg según el MET, con esto se puede evidenciar que es una figura imponente, amenazante que adicionalmente es  irreal / mitológico al combinar mitad cuerpo de animal mitad cuerpo de reina. De esta manera, al analizar la figura primero se evidencia que la dualidad del cuerpo está ubicada sobre una base o "pedestal", lo que le da imponencia y demuestra poder de la figura mitológico que quieren mostrar. En segunda instancia está la parte evidente, la cual es la combinación del cuerpo de un león y la cara de la reina (en este caso Hatshepsut); en Egipto utilizaban al león como animal salvaje que significaba dominancia,  autoridad y amenazante, ahora bien la representación de la reina cuenta con el neme lo cual es característico de divinidad, vínculo entre dioses y hombres y pertenecientes a la nobleza. Con lo anterior se evidencia que se quería demostrar fuerza y supremacia, esto con la finalidad de proteger el cuerpo de la difunta reina, para que descansara en paz en su vida del más allá. Asimismo, se establece la definición de esfinge en la mitología egipcia como guardianes espirituales y protectores de los pasajes, dichos pasajes tenían un valor muy alto dentro de los egipcios, pues para ellos para garantizar una vida tranquila y plena después de la muerte había que perpetuar y resguardar el cuerpo en las tumbas, junto a sus objetos materiales significativos para que su espíritu se pudiera proyectar después de haber muerto. Por tal razón la esfinge toma tanta fuerza en la mitología egipcia, pues eran las encargadas de garantizar y defender que este propósito se cumpliera para los faraones. Por último, también se podría analizar que la esfinge al estar representada con la cara de la reina se pretendía que esta se proyectara con la mitad del cuerpo del león con poderío, pues los egipcios tenían la creencia que la forma en que eran representado en las imágenes podía trascender al pasaje después de la muerte.

Referencias:
The MET. Esfinge de Hatshepsut. Tomado de: https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/544442

Thode, R., Mitología Egipcia. Tomado de: https://infolibros.org/libros-de-mitologia-egipcia-gratis-pdf/

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Descubierto por arqueólogo Theodor Makridi Bey
1450 - 1180 a. C.
Alaca, Turquía.

ARTE MESOPOTÁMICO.

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1600 a.C.
Altura: 30 cm.
Material: loza pintada
Ubicado en Palacio de Knossos
Creta

ARTE MESÓICO.

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Autor: Réplica de Fidas
Material: Mármol
Fecha: 450 a.C
Lugar: Staatliche Kunstsammlungen Dresde, Alemania.
Corriente artística: Grecia Clásica

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Autor: Réplica de Doidalsas de Bitinia.
Material: Mármol
Fecha: 265 a.C
Lugar: British Museum, Londres, Inglaterra.
Corriente artística: Grecia Helenísitca

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Temática: La Atenea de Lemnia de Fidas se muestra como una escultura tranquila, que está posando para que sea admirada junto a su atuendo. Por el contrario, la Venus Lely de Doidalsas de Bitinia tiene una posición agachada casi de rodillas, tocándose y agarrándose el hombro para taparse el busto. Por lo anterior se dice que es Afrodita bañándose como si acabara de ser descubierta y por eso se cubre, su rostro en la segunda imagen no se muestra posando a diferencia de Atenea sino con ceño fruncido y labios disgustados (Joy of Museums Virtual Tours, 2019).

Características formales: Al ser réplicas, ambas están hechas en mármol, lastimosamente ninguna de las originales existe hoy en día. Como se expresó anteriormente la figura de Atenea tiene un finalidad de exhibición, de hecho estaba ubicada en la Acrópolis ateniense y en los escritos encontrados se quería mostrar la belleza eximia en frente del templo como forma de protección (ArteHistoria). Adicionalmente es imprescindible destacar que Atenea no tiene el casco de guerra con el que siempre la muestran, sino que por el contrario en la figura original lo tenía en una de sus manos y el escudo en la otra para representar paz. Asimismo, su cabeza da una impresión de movimiento y simetría con el cuerpo, tiene facciones finas por lo que en ese entonces era considerado como bello, que -como se afirmó en la clase- es un placer estético. Por otro lado, su atuendo también tiene finalidad de admiración, tiene un: "peplo abierto por un costado y ceñido por encima del apoptygma, con la égida terciada sobre el pecho" (ArteHistórico) con detalles muy reales con dobleces normales encontrados en una prenda.
Por otro lado, la Venus Lely no posee ningún atuendo sino que está desnuda por lo que se afirma que estaba dándose un baño, por la forma en que se encuentra el cuerpo (casi arrodillada), cubriéndose los senos y con gestos más disientes de inconformidad es porque pudo haber sido descubierta bañándose, deseo de muchos pues es la diosa de la sensualidad y belleza. En esta obra Helenística se observan detalles más específicos, por ejemplo en sus extremidades cómo los dedos tanto de sus pies como de sus manos tienen detalles de pliegues en ellos. De esta manera también se observa el  abdomen que no es tan perfecto sino que también tiene pliegues, no es plano sino más realístico, así como el pelo más elaborado con los "mechones" y la caída sobre los hombros.

Referencias:

Greek and Roman sculpture. Tomado de: https://www.britishmuseum.org/collection/galleries/greek-and-roman-sculpture

Atenea Lemnia. Arte Historia. Tomado de: https://www.artehistoria.com/es/obra/atenea-lemnia

Lely Venus – Crouching Aphrodite. Joy of Museums Virtual Tours. Tomado de: https://joyofmuseums.com/museums/united-kingdom-museums/london-museums/british-museum/lely-venus-crouching-aphrodite/

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Roma Imperial

Material: Mármol blanco

Museo Pio Clementino, Museos Vaticanos en Roma, Italia.

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Esta obra de arte fue descubierta en 1785 en Otricoli, Italia. Se caracteriza primero por ser un busto lo cual es de la época romana. En ella se identifica al Zeus de Grecia del siglo IV a.C que como se hizo en esta época en Roma se reconocía al pasado glorioso que tuvo dicho imperio, siguiendo sus canones. En esta época no era llamado Zeus sino Jupiter pero seguí representando al dios supremo. Cuando se analiza el busto primero se evidencia el pelo con mucho volumen, los detalles de los mechones están presentes al igual que en la barba, es voluptuosa y muy bien diseñada, esto es característico del imperialismo con una cara idealizada y que quiere ser perfecta. Sin embargo, no llega al perfeccionismo de Egipto sino que continua con la realidad de la época de la República con arrugas en la frente, en las sienes y con ojeras que además demuestran sabiduría, alguien experimentado como lo es el Dios principal. Asimismo, contiene una simetría de sus dos ojos, la nariz, labios carnosos mostrando un placer estético y un perfeccionismo del Imperialismo. Finalmente, se alcanza a ver en el busto la vestimenta en el hombro izquierdo de Zeus para demostrar posicionamiento, importancia y poder como rey creador de la civilización

Referencia:
Amelung, W., Holtizinger, H., & Strong, E. (1906). The museums and ruins of Rome.London: Duckworth.

Library, C. U. (2020). Zeus Otricoli . Cornell University .

Rottodigital.com. Tomado de: https://www.rottodigital.com/roma_museos_vaticanos_13/museos_vaticanos_13.html (Library, 2020)

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La traditio Clavium mosaico en la iglesia de Santa Costanza

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La traditio Clavium mosaico en la iglesia de Santa Costanza

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Artística específico desconocido, cristianos.
Dimensiones: 11,8 x 7,9 inches
Siglo V d.C
Pelaocristiano
Iglesia Santa Constanza, Roma, Italia

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En este mosaico se puede evidenciar a Cristo dándole a uno de sus discípulos un artefacto que se ve muy sagrado por la superioridad en la cara de Él y la rendición del segundo. Se podría suponer que son las llaves de Los Reinos de Los Cielos, por lo que el discípulo sería Pedro; en Mateo 16 18-19 se afirma lo siguiente: "Y yo te digo: «Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi iglesia, y el poder de la Muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo»." (Biblia Sagrada).

Ahora bien, a Cristo se le puede identificar; por la barba con la que siempre lo pintan en dicha época, por la aureola (circunferencia azul que es puesta para identificar a los santos), por la orbe (circunferencia que representa el dominio de Cristo sobre el pueblo) en la que está sentado y por la túnica de color púrpura y fue utilizado en Roma para vestir a los emperadores y de la nobleza. Asimismo, como pintaron los ojos de Cristo hacen que se le vea una cara de compasión y misericordia al entregarle las llaves a Pedro. Por su parte, aunque se le conozca como San Pedro, en ese momento era solamente un discípulo por lo que no cuenta con la aureola, tiene una túnica de color blanco para mostrar que es del pueblo, se encuentra en una posición más abajo que Cristo y al mirarlo con superioridad con las manos hacia él se evidencia su posición como inferior y de discípulo.

Estos mosaicos fueron pintados por cristianos en la época paleocristiana con la finalidad de hacer murales religiosos que representaran lo divino. Como se evidencia, no era para mostrar figuras estéticamente bonitas y que generaran placer, pues sus rasgos no son definidos, sino que se pretende contar una historia, un momento específico entre lo divino y mundano. Adicionalmente aquí ya todo queda plasmado con color, a diferencia de las anteriores épocas, lo que da un mejor entendimiento de la situación que quieren mostrar en la Iglesia. Finalmente, al ser representado en una Iglesia era porque los Romanos ahora reconocían el cristianismo como religión y dejan de admirar los dioses de Grecia.

REFERENCIAS:

Farago, Claire (ed.). Reframing the Renaissance: Visual Culture in Europe and Latin America, 1450-1650. New Haven: Yale University Press, 1995. 709.024 R236 Gombrich, Ernst. Historia del arte. Madrid: Phaidon, 1997.

En Roma. (2017). Mausoleo de Constanza.

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Anastasis en la Iglesia San Salvador del Cora

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Anastasis en la Iglesia San Salvador del Cora

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Artística específico desconocido, cristianos.
1305-1320
Imperio Bizantino
Iglesia San Salvador del Cora, Estambul, Turquía.

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Este mosaico fue pintado en lo que en un momento fue Constantinopla,  al ser una Anastasis significa el descenso de Cristo a los Infiernos para salvar a la humanidad del pecado original de Adán y Eva y mostrar la victoria sobre la muerte (García, La Anástasis, descenso a los infiernos, 1). Por lo tanto, se evidencia a Cristo descendiendo por Adán y Eva y poder salvarlos de sus sepulcros. Asimismo, se evidencia que es Cristo por la representación visual de la areola y la tuna color blanca que ahora representa la muerte y resurrección. Los colores aquí juegan un importante papel, pues Cristo se ve muy iluminado, representando el cielo, el paraíso y la salvación. Los acompañantes también se ven inmersos dentro de la iluminación y aureolas para representar la propagación de Cristo sobre el pecado, del lado de Adán se ve a Salomón, David y Juan el Bautista y del lado de Eva a Abel y otros nobles (García, La Anástasis, descenso a los infiernos, 6). En esta época ya se hace más énfasis en el contar historias a partir del arte, por lo que este mosaico es toda una representación de lo hablado en la biblia y de una situación con varias escenas, es el inicio de lo que se contaría en el renacimiento. Adicionalmente, a partir del juego entre las luces, las posiciones de Cristo, Adán, Eva, los discípulos y acompañantes se evidencia un dinamismo en la escena el cual era el propósito de los Cristianos, al pintarlo en una superficie con "hueco" se quiere dejar de darle es imagen plana sino dinámica ya que no se representa solo a personajes en específico sino a toda un situación.

REFERENCIAS:

Andrea Imaginario. Arte Bizantino. (Cultura General).

Francisco de Asís GARCÍA GARCÍA. LA ANÁSTASIS – DESCENSO A LOS INFIERNOS. (Universidad Complutense de Madrid, 2011).

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Autor: Geoffrey Abad
Material: Mármol y piedra masciza
Fecha: Siglo XI-XII
Plena Edad Media, Arte Románico
Basílica de Vézelay, en Borgoña, Francia.

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Autores: Werner I de Habsburgo y obispo Guillermo.
Fecha: Siglo XIII
Baja Edad Media, Arte Gótico
Catedral de Notre-Dame de Estrasburgo en Estrasburgo, Francia.

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En la primera obra se identifica la interpretación de la historia contada en la Biblia sobre David y Goliat. Esta cuenta la victoria del pequeño David, es decir literalmente por tamaño y capacidades era muy inferior en comparación contra su contrincante y Goliat quien contaba con una flecha y un escudo, siendo mucho más grande, es derrotado por David. En la obra de arte se evidencia que son muy fieles a las proporciones para poder representar el mensaje que se quiere dar con esta historia, por lo que se ve a David pequeño cortándole la cabeza al Goliat que tiene un tamaño mucho mayor y se ve su rendición.
Esta representación se da en una época que se pensaba que llegaría el fin del mundo, por lo que hay un ambiente de perdón y arrepentimiento en el pueblo francés cristiano, por lo que al representar obras como estas se quiere dar una enseñanza y moraleja: el que aparenta menos puede derrotar al que aparenta más, no se puede menospreciar. Asimismo, como la mayoría de la población todavía no leía y no contaba con una amplia formación, los líderes cristianos al pensar que el fin del mundo estaba por llegar debían educar y transformar a la población, por lo que por medio de estas interpretaciones en las iglesias se pensaba llegar a esa formación de la palabra de la biblia. Por esa misma línea, esta obra de arte está ubicada en los capiteles, lo que tiene un simbología porque es la base de las columnas de la iglesia, es el que soporta todo el peso de la columna, considerado el pilar, por lo que allí se mostraba la palabra para poder representar la base de los valores cristianos, sus pilares.
Adentrándonos otra vez en la forma, aunque quieran mostrar las proporciones de la historia con un David pequeño y un Goliat gigante, se sigue evidenciando la proporción entre un mismo cuerpo, así pues la mano de Goliat es igual o más grande que su cabeza, y el torso y extremidades de David son mucho más pequeños que su cabeza. Continúan siendo figuras tridimencionales con un alto relieve, característico también de la Alta Edad Media y del arte Románico.

Ahora bien, la segunda obra perteneciente al arte gótico, en este se muestra la Adoración a los Reyes Magos que ha sido representado múltiples veces por diferentes artistas. Allí se puede ver a los 3 Reyes Magos trayéndole las ofrendas a Jesús en los brazos de María. Se sigue viendo la misma línea del arte románico en querer contar una historia, educar por medio de la esculturas, son ilustraciones de los manuscritos. Sin embargo sí se evidencia una clara diferencia con el arte románico con respecto a las representaciones de dichas ilustraciones.
En primera instancia, como para dicha época se pasa de la iglesia militante a la iglesia triunfante, se evidencia una mayor imponencia con las representaciones, ahora se quiere mostrar el poder de la iglesia, por lo que son más grandes. Asimismo, el cambio del estilo es drástico, pues se quiere hacer una representación de los cuerpos más fidedigna, de esa manera ya no se evidencia una desproporción tan grande como antes entre un mismo cuerpo aunque se llega a poner a las figuras muy alargadas por la misma finalidad de mostrar grandeza con las ilustraciones. En esta nueva época del arte gótico también se maneja mucho más la luz y la experiencia religiosa, por lo que se ve una figura mucho más iluminada y que tiene el propósito de dar una experiencia religiosa para el creyente. Como para dicha época estaban entrando en guerras y desacuerdos, los artistas pretendían que el individuo que entrara a la iglesia pudiera despejarse del mundo real que no era placentero y se pudiera adentrar y sumergir en la misa. Finalmente se evidencia en el tallaje de estas figuras que son mucho más realistas a comparación de como se ve a David y Goliat, adicionalmente se puede identificar a los personajes, hecho que antes no era característico en las ilustraciones.

Referencias:

Farago, Claire (ed.). Reframing the Renaissance: Visual Culture in Europe and Latin America, 1450-1650. New Haven: Yale University Press, 1995. 709.024 R236 Gombrich, Ernst. Historia del arte. Madrid: Phaidon, 1997.

Alamy Foto de stock. David matando a Goliat representado en el capitel románico data del siglo XII en la Basílica de Santa María Magdalena. (2019).

Marchuk, Ivan. Escultura Adoración de los Reyes Magos. St. Laurent portal de la Catedral de Nuestra Señora de Estrasburgo.

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Autores: Artistas empleados por la corte imperial.
Fecha: 844-855
Material: Marfil
Alta Edad Media, Imperio de Carlomagno

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Análisis visual con criterio de temática

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Análisis visual con criterio de temática

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Corresponde a la portada de un libro que fue hecho personalizado para el hijo de Carlomagno. Este texto contiene los textos de sacramento en forma de ilustración. Esa imagen corresponde a la portada que está dividida en nueve plaquetas esculpidas en relieve. Las plaquetas ilustran los sacramentos principales (placa superior) y escenas de la liturgia eclesiástica (placa inferior) (Biblioteca mundial digital., 2018). Allí se evidencia otra vez una forma de comunicar la palabra para los que no podían leer. En las primeras tres se muestra cómo se da la ordenación sacerdotal, en la segundo de ellas "están recibiendo la queirotonía del prelado, se inclinan ante él, en señal de respeto y veneración" (Gallart, Pascal., LA VISUALIDAD ARTÍSTICA DEL SACRAMENTO DEL ORDEN EN LA LITURGIA DE LA IGLESIA LATINA (SS. XIII-XVIII)). Mostrando así elementos sustanciales y claves para la misa.

Adicionalmente, como era característico de dicha época, la portada de los libros era llamativa y pesada, pues esto mostraba la importancia del libro. Se evidencia cierta desproporción en los cuerpos ya que la idea no es mostrar belleza o placer visual para  la persona. No existe un reconocimiento de los rostros, solo a partir de la aureola y que hacen el cuerpo de Cristo más grande se le  identifica a él.

Referencias:

Gallart, Pascual. LA VISUALIDAD ARTÍSTICA DEL SACRAMENTO DEL ORDEN EN LA LITURGIA DE LA IGLESIA LATINA (SS. XIII-XVIII). 2017.

Biblioteca Digital Mundial. El sacramentario de Drogo. 2018.

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Autor: Giotto Di Bondone Giotto
Material: Fresco
Fecha: 1290-1300
Época medieval
Basílica de San Francisco den Asís, Italia.

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Análisis visual con criterio de temática

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Análisis visual con criterio de temática

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En la obra se expresa el éxtasis que presentó el Santo Francisco cuando estaba recorriendo las calles desde Santa María de la Porciúncula alabando y anunciando el Reino de Dios. En este recorrido muchas personas se consagraban al Señor, por lo que Francisco era considerado por su pueblo como Santo, aunque él humildemente afirmaba que era un pecador. Francisco estaba dando un sermón en en una iglesia en Bovara cuando entró en un estado de "éxtasis" como se observa en la obra, elevándose a lo que es la figura de Dios. En esa conversación se afirma que San Francisco vio muchos tronos y se preguntaba de quién era, a lo que escuchó en una voz «Este trono perteneció a uno de los ángeles caídos, y ahora está reservado para el humilde Francisco». (San Buenaventura y Giotto, VIDA DE SAN FRANCISCO DE ASÍS, 17). Cómo se puede analizar en la obra, es una figura muy plana, es decir que no juego con los colores y las luces para que se cree un volumen, sino que por el contrario se ve bidimensional. Esto fue característico de esta época ya que para los cristianos de esa época se trataba que las imágenes en vez de fomentar una admiración, motivaran a la fe, por lo que se trata de cumplir un patrón que no se ambiguo para comunicar un mensaje. Así pues, existía menos libertad y flexibilidad de las obras para que fuera contundente y preciso el mensaje para el pueblo. Finalmente, también se ve como las externalidades de los cuerpos (manos y pies) son dibujados en desproporción con el resto del cuerpo ya que no se pretende mostrar una imagen real e idealizada, sino un hecho en específico contado en la biblia para los creyentes. Es así, como a Dios se le ubica con la Aureola y porque sale del cielo, a San Francisco por la elevación en la nube y el aureola de Santo, y a los oyentes del sermón por su ubicación de su cuerpo con asombro por el éxtasis del Santo.

REFERENCIAS:
San Buenaventura y Giotto. VIDA DE SAN FRANCISCO DE ASÍS.

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 The Tribute Money and Expulsion in the Brancacci Chapel

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 The Tribute Money and Expulsion in the Brancacci Chapel

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Autor: Masaccio

Fecha: 1427
Técnica: Fresco
Lugar: Brancacci Chapel, Santa Maria del Carmine, Florence

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Autor: Jan van Eyck
Técnica: Óleo
Fecha: 1438-1440
Renacimiento de Países Bajos
Museos Estatales de Berlín

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Ambas obras hacen parte del renacimiento, sin embargo la primera corresponde al renacimiento italiano y el segundo al renacimiento en Países Bajos. En el primero se puede evidenciar varios aspectos de dicha época, uno de ellos es la perspectiva que se le quiere crear al creyente. Allí se observan 3 focos principales con una finalidad específica y es narrar la historia en tres escenas, de esta manera para la persona que ve la pintura hay una mayor claridad en cuestión de la narrativa y la organización de ls historia. El primer foco se encuentra con Jesús y la situación de cobrar los impuestos a los apóstoles, en esta escena se sigue evidenciando la influencia de los griegos al ubicar a un apóstol en contrapossto para generar peso y movimiento en él. Asimismo se encuentra de espaldas, que deja la impresión al creyente de poder ser participe de la escena y poder adentrarse en ella. La segunda escena que se encuentra en el foco dos (el más lejano) se ve a un apóstol tratando de sacar el dinero de la boca de un pez como les había dicho Jesús que lo hicieran, su proporción es mucho más pequeña por lo que da la impresión que va después del foco principal donde se ubican los ojos (centro en la mitad). Finalmente, en la escena número tres se evidencia al apóstol el pago al cobrador de impuestos, esto también se puede identificar porque la misma persona es dibujada 3 veces en los 3 escenarios. Como se puede evidenciar, la composición del espacio mejora en cuestión de la altura, las montañas y el edificio que se encuentra detrás de ellos. Asimismo se crea una visión de profundidad característico de este autor al jugar con perspectivas lineares y atmosféricas (Zucker, y Harris., Masaccio, The Tribute Money and Expulsion in the Brancacci Chapel, 2)

Por otro lado, en la segunda obra se evidencia ahora una técnica del óleo que genera en la obra algo mucho más realístico que el renacimiento de Italia con Masaccio. Este autor fue el primero en generar detalles absolutamente reales que hacen que el creyente pueda pensar que es una figura real, en ella juega con la técnica del óleo para generar pliegues, luz y un espacio real dentro de la obra. A diferencia de la otra obra, no es tan real en cuestión de proporciones y espacio, aquí se evidencia una clara diferencia entre la Virgen y Jesús, pues se trata de resaltar más el tamaño de ella y que está cargando al bebé que al propio Cristo, eso con una finalidad de resaltar el hecho de la maternidad más que los personajes (The Art Story., Jan van Eyck Artwork, 4). Asimismo, la proporción de ella con el espacio de la iglesia tampoco es proporcional, ella supera los marcos de la iglesia en una clara dimensión, esto también con un fin simbólico y es resaltar a la Virgen como la importante dentro de la obra y no la Iglesia, hay mayor peso y valor en ella que en la iglesia. Finalmente, este autor también es característico por usar la técnica de renacimiento norte de la cámara oscura en el que enfoca la atención en algo particular, por lo que la atención de Jan van Eyck es específico en la virgen y no en el bebé o en el espacio en el que se encuentra, otra vez con una finalidad simbólica. Es así como aunque ambas hacen parte de la misma época, la ubicación (Italia vs Paises Bajos) hace que se difiera en el uso del espacio, lo que se quiere mostrar y la técnica.

REFERENCIAS:
Steven Zucker., y Beth Harris.

Masaccio, The Tribute Money and Expulsion in the Brancacci Chapel. (2019)

The Art History.

Jan van Eyck Artworks. (2017)

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Autor: Jean Goujon
Material: Mármol
Fecha: 1549
Siglo XVI en Museo del Louvre

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Análisis visual con criterio de temática

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Análisis visual con criterio de temática

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Esta figura corresponde a Diana la diosa cazadora de Roma, se caracterizaba por la destreza como cazaba animales. Allí se puede evidenciar que hacen referencia a la caza con su arco junto al ciervo que se puede interpretar como recién casado. Dentro de la técnica de dicha época en Italia se identifica el parecido a como los romanos pintaban los cuerpos en su época, por lo que este autor se basó en una obra de Leocares para pintar tanto el pelo como el cuerpo (González, Jean Goujon, “Diana apoyada en un ciervo”. Mármol, 1549, 3). Se puede inferir que ha sido recién cazado por la postura tanto del ciervo como la Dios, pues él no tiene rasgos de movimiento y a Diana se le observa con una postura descansada. Asimismo, en este artista se evidencia el movimiento del manierismo por la misma posición en la que se encuentra Diana y el ciervo, la perspectiva da una concepción geométrica perfecta de las dos figuras. Adicionalmente, se percibe un equilibrio perfecto en cuestión de espacio, simetría de las figuras y posturas de ellas mismas, Diana se apoya en el ciervo sin generar una tensión para el que ve la figura observando una diagonal entre la pierna de Diana y los cuernos del ciervo, característico de esa época y del manierismo.

Referencia:
Julián Gonzáles Gómez. Jean Goujon, “Diana apoyada en un ciervo”. (2018)

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Autor: Diego Velásquez
Material: Óleo sobre lienzo
Fecha: 1656
Siglo de Oro

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Autor: Antonio Mengote
Técnica: Caricatura
Fecha: 1996

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Se evidencia una escenografía similar, una historia semejante, sin embargo con una técnica diferente y una manera distinta de contar una misma situación. En la primera imagen de Velásquez se pueden hacer múltiples interpretaciones, una de ellas es que los papás de Margarita Teresa están observando como Velásquez la está pintando, otra versión es que el pintor está viendo a los reyes desde nuestra posición y los está pintando. Dentro de esta pintura tan famosa de Velásquez se crean tres focos, uno con Margarita Teresa que es enfocada con la luz blanca, otro de quien está saliendo de la habitación, donde también se juega con la luz y por último el espejo donde se encuentran los reyes por generar un reflejo dentro de una obra que nunca se había hecho antes. De esta manera, Velásquez incursiona con el metatexto, en el que se hace referencia de otros dentro de sí mismo, lo que hace el pintor al dibujarse dentro de la obra pintando otra obra. Asimismo, referencia otros cuadros que se encuentran dentro de la corte para hacer referencia que esa obra es pintada allí.

Dentro de las meninas de Mingote vemos una interpretación similar con los personajes solo que su significado en la obra es un poco más irónica y sarcástica. Empezando por el perro y la niña, en esta ella está siendo mordida por él, Margarita Teresa sigue siendo el foco de atención de las personas allí pero esta vez es porque está volando, de forma más dramática cada individuo la está viendo, los reyes se cogen la cabeza sorprendidos y la persona que está saliendo de la habitación se detiene a ver a la niña volar. Mingote fue un periodista español que se caracterizó por dibujar gráficamente la ironía y la sutileza. Esto se evidencia acá porque demuestra lo que puede ser una interpretación original de la obra de Velásquez (toda la atención hacia Margarita Teresa) pero de forma exagerada y hasta con comedia y ficción. Sigue siendo fiel al tamaño de las personas, los cuadros, los objetos y a jugar de la misma manera con la luz, sin embargo contando esta versión de una manera más irónica.

Referencias:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. Biografia de Antonio Mingote. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mingote.htm (2004)

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Autor: Antonio Canova
Técnica: Óleo
Fecha: 1805-1808
Neoclasicismo

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Es una escultura semidesnuda de Pauline Bonaparte, quien es la hermana menor de Napoleón Bonaparte. Fue una mujer conocida por ser muy hermosa, tenía ojos azules, piel muy blanca y se decía que era muy sensual. Por tales razones se tenía rumores que tuvo mucho amoríos con múltiples hombres, por lo que a raíz de esto Napoleón considera que lo mejor es que se case con Camilo Borghese, del que se termina enamorando eventualmente y teniendo una hija con él. Por su matrimonio, Camilo solicita dicha escultura, que termina ejecutándose durante esos tres años para su boda. Se establece que Pauline tuvo que posar desnuda frente Antonio Cánova, con el que cuenta muy orgullosa que no se sintió incómoda, sino que el ambiente del cuarto estaba caluroso (Borghese Gallery, Venus Victrix by Canova, 2018, 2).

A partir de esta escultura se esperaba darle más importancia y renombre a los Bonaparte, precisamente para 1804 Napoleón se declaró emperador de Francia. Ahora bien, para analizar la técnica de Cánova se observa primero que se basa en la diosa griega Venus, como Pauline lo pidió, hecho que era característico del neoclasicismo: basarse en obras de la antigua Roma, específicamente la técnica de estos. De esta manera se evidencia un cuerpo idealizado, una expresión en su rostro por la sonrisa con la que la dibuja y la mirada profunda que trata de imitar. Se evidencia asimismo que es Venus por la manzana de la discordia otorgada por Paris por el debate de la divinidad. Antonio es fiel a lo que el Neoclasicismo muestra, como una forma de equilibrio en la obra, armoniosa y con belleza, cómo los Romanos hicieron en su época. Cánova utilizó un mármol de Carrara, permitiendo la admiración de la posición de la diosa desde todos los ángulos.

Referencia:

Borghese Gallery. En Venus Victriz by Cánova. Recuperado de: https://borghese.gallery/collection/sculpture/venus-victrix-by-canova.html. (2018).

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Autor: John William Waterhouse
Técnica: Óleo en canvas
Fecha: 1892
Prerrafaelismo

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Esta obra muestra a Circe, un personaje de la mitología griega, ella era una diosa hechicera que tenía el poder de convertir a las personas en animales, lo que hacía comúnmente con sus enemigos. En esta obra en específico está convirtiendo a Escila -una ninfa de la mitología griega- en un monstruo por considerarla su enemiga. Como se evidencia, el autor utiliza colores fuertes, entre azul verdoso y verde turquesa, transportando al que ve la obra en un mundo más allá del mundano. Con estos colores también quiere mostrar los sentimientos que tenía Circe en ese instante, que aunque no sea un secreto por su mirada, los colores fundamentan la intensidad de sus sentimientos y de su magia, que se combina con el líquido que está usando y su vestido. Asimismo, se le dibuja la cara de la diosa muy clara, donde se evidencia sus sentimientos y cómo lo está proyectando, De esa manera en sus ojos y boca se ven la cara de odio y rabia con la que carga la hechicera, pues está envenenando a su enemiga, así como la posición del mentón abajo y los ojos arriba es un ceño que transmite malicia. Esto es característico del movimiento prefarraelismo pues es un movimiento inglés que se deja llevar por sus sentimientos y en sus figuras: "traducen sus movimientos anímicos en la expresión de sus rostros" (Rivas, Prerrafelismo, Impresionismo, Modernismo, 2015, 7). De la misma manera, se evidencia la representación de la naturaleza donde se encuentra la hechicera, pues ella acude a un lago para poder verter la magia, al final se evidencia que la pócima ya está haciendo efecto en el lago por lo burbujeante. Lo anterior también es de dicha corriente artística pues los autores tratan de mostrar la naturaleza en su máxima expresión con muchos detalles y técnica precisa.

Referencias:
Jonanathan Ricas. Prerrafelismo, Impresionismo, Modernismo. (2015)

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Autor: Pablo Picasso
Técnica: Óleo
Fecha: 1900

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Como se ha establecido, Picasso ha sido un artista que dentro de sus obras ha mostrado a la mujer y a la sexualidad de esta de forma explícita y con extravagancias. Esta es una obra de esas, que de por sí ya demuestra mucho con el nombre pues dentro de este habla de una violación. En la obra podemos identificar los cuerpos de muchas mujeres, por los senos dibujados explícitamente por Picasso, así como el cabello largo de estas. Dentro del dibujo de las mujeres se ve que sus cuerpos no son claros, sus brazos y manos tienen una forma desproporcional, lo cual también es característico de Picasso al descomponer la imagen del cuerpo humano. Asimismo, la mujer de por ejemplo abajo a la izquierda se puede ver desde una perspectiva de frente por los senos, pero desde unas perspectiva lateral por como están ubicados la pierna y los pies. Lo anterior también hace parte de Picasso, ya que él mezcla las perspectivas ya que se puedan ver todos los puntos de vista de un mismo objeto desde la misma obra. En la parte derecha vemos que el artista representa a un Minotauro por los pies que parece que tuvieran pezuñas, pero que en la parte de arriba continúa siendo hombre. Se interpreta que con esto Picasso hace referencia a la criatura mitológica para representar su hombría, fuerza y protección con lo que es descrito este personaje en la mitología griega. Asimismo, se puede inferir que Marie-Thérèse Waltes también está dibujada allí cuando él representado como un minotauro le está haciendo el amor, mostrando sus deseos intimos hacia su amante.

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Autor: Michelangelo Pistoletto
Técnica: Arte Povera
Fecha: 1967

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En la imagen se evidencia a Venus de espaldas, dándole la cara a una pila de ropa que por el título se sabe que serían 262 trapos. Esta rama artística que nace en Italia se caracterizaba por utilizar materiales de bajo costo como arena, piedras, paja y ramas. Dentro de ella se manejan dos perspectivas, cómo manipular el material y el mismo material (Tapies, Knuzt Gallery, ¿Qué es el arte povera?, 2018, 1). De esta manera, los artistas buscan darle atención a dicho material que no tiene mucho valor económico y darle la atención y el valor artística que ellos sí consideran pertinentes. En el caso de esta obra de Pistoletto el autor usa ropa y trapos más que todo como el material principal de admiración artística. También se encuentra allí Venus, la cual tiene la misma postura y matices que la Venus de Bertel Thorvaldsen del siglo XIX. La relación entre ambos protagonistas en la obra es hacer parecer como si Venus sostuviera dichos trapos, lo cual es característico de dicha rama artística en la que se muestra el uso o la acción de algún material de la cotidianidad.

Asimismo, se debe tener en cuenta que la Venus está dándole la espalda a quien está viendo la obra, por lo que se vuelve a usar este concepto al finalizar el Renacimiento de ubicarlos así para adentrar al público dentro de la obra misma. Esta obra es característica del arte contemporáneo pues los autores de dicha época tratan de mostrar el arte como una forma de representación mas no de la realidad que los rodea.  En los 60's se muestran artefactos de la cotidianidad -tanto en Norte América como en Europa- que al sacarlo de su contexto (simples trapos) se convierte en una obra de arte y de admiración dentro del mismo arte.

REFERENCIAS: Antoni Tapies. Knuzt Gallery, ¿Qué es el arte povera?, (2018)

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La mitología según Orlando Chirino -investigador científico- es: "el estudio de los mitos, estos son cuentos o relatos que todos los pueblos de la tierra, desde el comienzo de la civilización han ido reuniendo, se han tejido al rededor de dioses, seres humanos, animales, rocas, eventos, seres inanimados; surgieron del comienzo de la civilización, se usaron para explicar situaciones u eventos que no se entendían con claridad (Chirinio, Jesus Angulo,

¿Qué es la mitología? ¿Cuán antigua es la mitología? Prof.Chirino, 2013). Ahora bien, el arte es definido por Gombrich como "no es ser bello o no, sino poder ejecutar esa magia requerida en una obra, en su representación" (Gombrich, Historia del Arte, 1950, 40).

Con esto, pretendo crear una analogía y complemento entre lo que es el arte y la mitología, ambas son creadas a partir de la magia.

La mitología, trata de explicar el origen de cada pueblo por medio de eventos mágicos e irreales, pero que el ser humano cree y tiene fe en ellos. El arte, por su parte, es empleada con fines mágicos para así dar a entender lo que nos rodea y nuestra realidad. Dentro de cada una, el hombre la ha moblado y creado a su gusto y deseos, por lo que así, en el arte durante algunos movimientos mostraron la realidad, idealizaron cuerpos o mostraban lo que tenían en su subconsciente. Lo mismo ocurre con la mitología, el hombre fue produciendo estos mitos a semejanza de lo que veía en el hombre y en la naturaleza, según sus sentimientos y ánimos.

Me parece convincente mostrar en la obra artística creada dos manos, las cuales representan por un lado el arte y por el otro la mitología; ellas convergen en una sola: la magia. Esta magia es la analogía y el complemento que las une, ambas la usan para poder mostrarse al mundo como  una corriente o creencia unificadas. Ahora bien, dentro de este vínculo están las obras escogidas en todo el semestre sobre cómo cada movimiento artístico muestra la mitología y su convergencia se crea a partir de la magia y crea magia. Dentro de lo que afirma Orlando Chirino en el vídeo, este dice que en la mitología se usa una imaginación sin límites del ser humano donde nos pone en contacto con seres sobrenaturales que pueden trabajar para nuestro bien o nuestro mal. De esta forma, ocurre algo similar con el arte, cada artista usa su imaginación sin límites para crear sus obras, esta se ha ido transformando a partir de los sucesos ocurridos en su contexto, y se pueden beneficiar o no de ella. La mitología y el arte, creamos o no en ella, existen y existieron para hacer que el ser humano escape de esta realidad que a veces le cuesta entender; al igual que la magia.

REFERENCIAS:

Orlando Chirino.  Jesus Angulo,

¿Qué es la mitología? ¿Cuán antigua es la mitología? Prof.Chirino, (2013).

Ernest Gombrich, Historia del Arte, (1950).