# data[].attributes.body
Se puede argumentar que la violencia va de la mano con el desarrollo de la raza humana. La mayoría de los hitos de la historia de la humanidad han empezado o terminado haciendo uso de diferentes formas de violencia. En la prehistoria los Homo erectus desarrollaron las primeras herramientas y realizaron la primera expresión de violencia plasmada en la caza de animales y en la defensa en contra de los grandes depredadores. Por el contrario, en tiempos modernos, la violencia ha tomado la forma de conflicto bélico, utilizada bajo la finalidad de alcanzar objetivos geopolíticos o religiosos. He seleccionado este tema puesto que considero que el arte es una fuente de información primaria muy relevante a la hora de descifrar cómo se percibía la violencia en las diferentes épocas de la humanidad y qué funcionalidad le atribuían las personas durante dichos tiempos. Así mismo, considero que estudiar la violencia a través del arte es una especie de oxímoron, ya que por un lado está lo que muchos consideran que es la máxima expresión humana (el arte), mientras que por otra parte se encuentra la expresión más deshumanizante de los seres humanos (la violencia).

# data[].attributes.headline
Escena de caza de ciervo  Cova Remigia, España           ca. 6.000 a.C – 3.000 a.C Descubierta en 1934 

# data[].attributes.subject
Escena de caza de ciervo  Cova Remigia, España           ca. 6.000 a.C – 3.000 a.C Descubierta en 1934 

# data[].attributes.body
Podemos apreciar en la presente obra cuatro figuras principales. La figura que más resalta en toda la obra es la de un animal con unos cuernos considerablemente grandes, torso largo y patas medianas, atributos característicos de los ciervos. Por otra parte, se encuentran tres figuras bípedas y erguidas que se asimilan a la figura de tres hombres. Los dos hombres en la esquina izquierda llevan en sus manos un objeto que parece ser un arco y una flecha mientras que el hombre en la esquina derecha parece cargar una especie de herramienta similar.

Debido a la postura tanto de los hombres como la del ciervo, se puede evidenciar que existe un conflicto entre el animal y los humanos; ambos parecen tener una actitud ofensiva. Los humanos que tienen el arco están apuntando sus flechas al cuerpo del animal mientras que el animal parece estar acercándose a una alta velocidad a los humanos. Por lo tanto, y debido al contexto de la época, se puede afirmar que la persona que pintó esta obra quería emular una escena de caza de un ciervo.

El hecho de que cada hombre tenga un arma en sus manos descarta la posibilidad de que la pintura buscara emular una interacción pacífica entre los humanos y el animal. Por el contrario, la presencia de los arcos y la dirección a la que apuntan sus flechas implica que los hombres tenían la intención de hacer daño al ciervo y que se prepararon previamente para el encuentro con el animal.

La obra está representando lo que sería durante la época la expresión más común de violencia. En otras palabras, la obra demuestra que la violencia se utilizaba principalmente como un método de supervivencia y de defensa frente a las amenazas de los seres humanos. Los conflictos y la violencia entre humanos aún no se manifestaban tan frecuentemente como para despertar el interés de los artistas para emularlo en sus obras.

Referencias imagen
Sarriá Boscovich, Elisa. “Las pinturas rupestres de Cova Remigia: (Ares del Maestre, Castellón)”. Universidad de Barcelona.

# data[].attributes.body
Título: Paleta del Campo de Batalla
Autor: Desconocido
Material: Piedra mudstone gris
Dimensiones: 28.70 x 19.60 centímetros
Fecha: 3100 a.C. (aprox.)
Estilo o corriente artística: Egipcio
Lugar donde se encuentra: British Museum. Londres, Inglaterra.

# data[].attributes.body
Título: Boxing Children Fresco
Autor: Desconocido
Técnica: Fresco
Dimensiones: 0.94 x 2.75 metros
Fecha: Entre 1700 y 1600 a.C.
Estilo o corriente artística: Minoico
Lugar donde se encuentra: Museo Arqueológico Natural. Atenas, Grecia

Análisis visual
He decidido seleccionar el criterio de la temática para analizar la obra Boxing Children Fresco debido a que representa la violencia desde un punto de vista muy interesante y particular. En la obra se encuentran dos sujetos que, debido a su contextura y su color de piel, se puede determinar que se trata de un par de hombres. Además de los taparrabos, se puede evidenciar que ambos personajes tienen en la cabeza un tipo de artefacto decorativo y que cada uno tiene en una de sus manos un guante. Los dos personajes están realizando el mismo movimiento en simultáneo con el brazo derecho y ambos se encuentran parados en una postura muy similar. Cada uno está lanzando un puño directamente a la cara del otro, con el objetivo de golpearlo y posiblemente desestabilizarlo.

A partir de los componentes mencionados anteriormente se puede identificar que el tema que el autor quería plasmar en su obra era una alegoría a la violencia como forma de entretenimiento. La postura y la forma en la cual están lanzando los golpes evidencian el hecho de que ambos comparten una forma de luchar similar, como si posiblemente se hubiesen entrenado bajo un mismo entrenador o bajo los mismos lineamientos. Los guantes que están utilizando indica que, a pesar de que se tratara de una actividad violenta, contaba con un elemento de seguridad para amortiguar los golpes.

Los artefactos decorativos que tienen en las cabezas podrían indicar bien que ambos sujetos tienen un alto poder adquisitivo, o bien que esta decoración era parte del espectáculo para entretener a un grupo de personas ricas que los observaban luchar. En conclusión, se puede determinar que el autor quería hacer referencia a que la violencia en el período minoico se utilizaba como medio de entretenimiento para la clase alta. A su vez, se puede llegar a pensar que este tipo de violencia podía ser vista como un arte en sí misma debido a que era necesaria una técnica y poseer ciertas habilidades.

# data[].attributes.body
Título: Relieve del Palacio de Tiglatpalasar III en representación de los Guerreros Asirios
Autor: Desconocido
Material: Piedra caliza
Dimensiones: 82 x 77 centímetros
Fecha: Entre 744 y 727 a.C.
Estilo o corriente artística: Asirio
Lugar donde se encuentra: Museo Hermitage. San Petersburgo, Rusia.

# data[].attributes.body
Título: Terracotta Nolan amphora (jarra)

Autor: Desconocido

Material: Terracota con figuras rojas

Dimensiones: 34.8 centímetros

Fecha: Entre 480 y 470 a.C

Estilo o corriente artística: Grecia Periodo Clásico

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos

# data[].attributes.body
Título: Urna cineraria en Terracota

Autor: Desconocido

Material: Terracota

Dimensiones: 39.4 x 55.9 x 27.9 cm

Fecha: Entre 300 y 200 a.C

Estilo o corriente artística: Helénico

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos

Análisis visual

Seleccioné el criterio de características formales con el fin de resaltar las diferencias entre las técnicas aplicadas.

La obra Terracotta Nolan amphora del periodo clásico es un ánfora de figuras rojas. Esta técnica le brinda una mayor cantidad de luz a las figuras ya que el contraste con el fondo negro hace resaltar particularmente el color rojo de los personajes. Por otra parte, la obra Urna cineraria en Terracota del periodo Helenístico es una urna hecha en terracota utilizada para depositar cenizas. Los colores que aún se pueden percibir están en la indumentaria de los guerreros y en una inscripción en la parte superior. En el centro de la obra ocurren todas las acciones, dándonos a entender que el autor quiere que el espectador enfoque su atención en esta parte.

La diferencia más notable que hay entre ambas obras es que en la urna los movimientos de los guerreros son más detallados y naturales en comparación con los movimientos rígidos en el ánfora. Asimismo, en el ánfora no se puede visualizar expresividad en el rostro de los hombres mientras que, debido a la tridimensionalidad de la urna, se puede evidenciar cómo algunos de los guerreros tienen el ceño fruncido. En el ánfora sólo están interactuando las dos figuras a través de la lanza, mientras que en la urna todos los guerreros están interactuando y luchando entre sí. Finalmente, en el ánfora se puede visualizar el cuerpo entero de los personajes, mientras que en la urna hay un realismo mucho mayor, en el cual ciertas partes del cuerpo de algunos guerreros no se pueden ver ya que hay objetos sobrepuestos.

A partir de estas características formales, se puede evidenciar que en el periodo helenístico la violencia era plasmada de la manera más realista posible. Es decir, se quería transmitir no sólo las acciones violentas sino también los sentimientos y el drama que estas traían consigo. Por otro lado, en el período clásico plasmaban la violencia simplemente como las acciones violentas. Es decir, debido a la falta de emotividad de los personajes, se le restaba la característica humana de la violencia que se encuentra en las obras helenísticas.

# data[].attributes.body
Título: Sarcófago Ludovisi

Autor: Desconocido

Material: Mármol blanco

Dimensiones: 2.73 x 1.15 metros

Fecha: 250-260 d.C

Estilo o corriente artística: Arte romano

Lugar donde se encuentra: Museo Nazionale Romano. Roma, Italia.

Análisis visual
Para esta entrega decidí realizar el análisis del criterio de contexto histórico debido a la relevancia que tiene el motivo de esta obra frente al periodo en la cual fue hecha.

En primer lugar, la obra fue creada entre 250 y 260 después de Cristo, lo cual corresponde al periodo del Imperio Romano. Particularmente durante este siglo, el Imperio Romano estaba siendo constantemente atacado por pueblos bárbaros que buscaban debilitar el poder de Roma. Se puede argumentar que la escena del sarcófago hace referencia a una de las múltiples batallas que ocurrieron durante el periodo imperial entre Roma y los bárbaros. Lo más probable es que este objeto hiciese parte de una campaña de propaganda militar, mediante la cual se buscaba exaltar la grandeza del ejército y del imperio romano.

Puesto que el sarcófago fue encontrado hasta el año 1621, no se puede determinar a ciencia cierta dónde se encontraba la obra originalmente o si hacia parte de una colección privada. No obstante, debido al contexto de la época y al uso del arte como propaganda, se puede pensar que estaba dirigida al público. Por lo tanto, el autor quería transmitir a los ciudadanos la fuerza que tenía el ejército romano sobre sus rivales. Los romanos portaban armaduras finas, estaban en posición erguida, y tenían una expresión seria y determinada. Por el contrario, los bárbaros tenían expresiones de súplica o de dolor, y la mayoría se encontraban sometidos por un romano. Adicionalmente, en el centro de la obra se encuentra el líder de los soldados montado en un caballo, quien podría representar al emperador.

En conclusión, la violencia y la guerra durante el periodo de la Roma Imperial eran plasmadas en el arte como un símbolo de gloria y de honradez. En otras palabras, se puede evidenciar a través del arte que la guerra era utilizada como un medio para alcanzar la grandeza del imperio y la fascinación de su pueblo. En este sentido, la violencia no era vista como un acto de discordia, sino como un acto de valentía y honor.

# data[].attributes.body
Título: Sansón asesina a los filisteos con una quijada de asno

Autor: Desconocido

Técnica: Fresco

Dimensiones: No calculadas

Fecha: 400 d.C

Estilo o corriente artística: Arte paleocristiano

Lugar donde se encuentra: Catacumba de Vía Latina. Roma, Italia.

Análisis visual
Para analizar esta obra seleccioné el criterio de características formales puesto que, en la técnica utilizada, se puede evidenciar una combinación de varias técnicas de épocas anteriores.

En primer lugar, cabe resaltar que esta obra se encuentra dentro de la Catacumba de Vía Latina en Roma y fue pintada sobre una roca haciendo uso de la técnica de fresco. La obra no contiene insinuación alguna de profundidad ni una representación del espacio tridimensional. Los colores son principalmente opacos y no hay mucho contraste entre estos (aparte de la casa) puesto que el artista utiliza en toda la obra un número reducido de colores. Debido al hecho que se encuentra dentro de una catacumba, el artista probablemente no le importaba mucho que existiera un contraste de colores, sino que la obra fuera fácil de visibilizar y que transmitiera efectivamente su mensaje.

Por otro lado, en las figuras de los hombres es donde se puede evidenciar los vestigios de diferentes técnicas artísticas utilizadas en épocas anteriores al arte paleocristiano. En primera instancia, el personaje del centro que está representando a Sansón se encuentra en contraposto y se puede visualizar el escorzo de los pies. El origen de esta técnica se puede trazar hasta el período clásico de la antigua Grecia. En segunda instancia, se puede evidenciar que los rasgos que más resaltan en las personas son los ojos y las manos ya que son significativamente más grandes de lo normal. Al contrario de la primera técnica, esta era utilizada principalmente en el arte mesopotámico, especialmente en la cultura de los sumerios.

La distribución de las figuras es utilizada por el artista para enfatizar la tenacidad y la fuerza de Sansón. Sansón se encuentra sólo en un espacio en el centro de la obra mientras que sus víctimas se encuentran amontonadas en el rincón izquierdo de la pintura. Por lo tanto, se puede concluir que la violencia fue utilizada en esta obra con el fin de exaltar la fuerza y el poder que poseía Sansón, el cual fue capaz de asesinar un grupo entero de hombres usando simplemente la quijada de un asno.

# data[].attributes.body
Título: El martirio de San Marcos en Alejandría

Autor: Desconocido

Técnica: Mosaico

Dimensiones: No calculadas

Fecha: Finales de 1200 d.C

Estilo o corriente artística: Arte bizantino

Lugar donde se encuentra: Basílica de San Marcos. Venecia, Italia.

Análisis visual
Para analizar esta obra seleccioné el criterio de Temática debido a que la obra presenta una narrativa muy interesante y utiliza a la violencia como un medio para obtener algo particular.

En primer lugar, se puede evidenciar que la obra contiene dos escenas principales que ocurren en momentos diferentes debido a que aparece el mismo personaje principal en dos espacios diferentes. Se puede identificar que este personaje principal es San Marcos puesto que tiene una aureola alrededor de su cabeza y lleva una toga sacerdotal. La obra sigue una secuencia de izquierda a derecha, es decir que la escena del extremo izquierdo ocurre antes que la escena del extremo derecha.

En la primera escena se puede evidenciar que San Marcos se encontraba dentro de un templo religioso ya que frente a él hay una mesa con una cruz en la cual reposan un cáliz y un libro (probablemente una escritura religiosa). Al mismo tiempo, dos hombres ingresan al templo para atar a San Marcos alrededor del cuello. Por otra parte, en la segunda escena se puede evidenciar que San Marcos fue arrastrado hasta el exterior del templo, donde acostado en el suelo, lo atan nuevamente en las piernas. El hombre que está arrastrando a San Marcos por el cuello también está golpeándolo con la rama que tiene en su mano. A partir de los gestos y la posición de las manos de San Marcos, se puede determinar que se encontraba suplicando por misericordia.

Como bien lo menciona el título, la escena que se está representando en la obra es el martirio de San Marcos en Alejandría. Según el Nuevo Testamento de la Biblia, San Marcos fue el obispo encargado de evangelizar Alejandría y estableció allí la primera iglesia cristiana. En este sentido, se puede visualizar cómo la violencia era utilizada en el arte para representar la persecución y tortura que experimentaron los profetas durante sus vidas. Por lo tanto, la violencia en el arte era utilizada durante el periodo bizantino como un medio para generar compasión y gratitud entre los feligreses a los antiguos personajes religiosos.

# data[].attributes.body
Título: Inicial A con la Batalla de los Macabeos

Autor: Desconocido

Técnica: Temple, oro y tinta sobre pergamino

Dimensiones: 20.4 x 15.1 centímetros

Fecha: Entre 1360 y 1370 d.C

Estilo o corriente artística: Manuscritos e ilustraciones medievales

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos.

Análisis visual
He decidido analizar esta obra utilizando el criterio de función debido a que la obra fue creada bajo un propósito específico además del artístico.

En primer lugar, cabe resaltar que esta obra hace parte de un manuscrito acerca de la Batalla de los Macabeos. La obra, la cual ahora se encuentra separada del manuscrito, corresponde a la A, letra con la que comenzaba la primera palabra del relato. Según Boehm (2009), “los monjes cristianos de la Edad Media consideraban a los macabeos, quienes recuperaron El Templo de Jerusalén para el culto judío, como los predecesores de los guerreros cruzados cristianos, los cuales buscaban recuperar la Tierra Santa del control musulmán.” De hecho, en la ilustración se puede evidenciar cómo los macabeos expulsaban exitosamente a los soldados griegos de Jerusalén.

El propósito original de la obra completa (el manuscrito) era ser leída durante las misas en el monasterio y, por lo tanto, estaba dirigida específicamente a los monjes que formaban parte de este. Al ser la primera letra de una palabra, la obra no necesariamente debía verse bajo algunas condiciones específicas además del idioma en el cual estaba escrito el manuscrito. No obstante, es importante resaltar el hecho de que la ilustración de la letra se relaciona con el contenido que será relatado en el manuscrito y, por consiguiente, aporta algo de contexto previo. Aunque no se sabe con certeza dónde se encontraba originalmente la obra, existe evidencia de que podía pertenecer a un monasterio italiano, probablemente cerca de Boloña.

Ahora bien, resulta interesante analizar el papel que juega la violencia en esta obra. En la ilustración se puede evidenciar cómo los monjes hacían alusión a un conflicto muy antiguo debido a que este contaba con el mismo fin de las cruzadas, las cuales estaban ocurriendo en el momento en que la obra se realizó. En ambos casos, la violencia y la guerra eran bien vistas por la institución cristiana debido a que este era el medio principal para que la iglesia recuperara Tierra Santa. En otras palabras, la violencia era permitida y alentada por los miembros de la iglesia ya que estaba siendo realizada en el nombre de Dios.

Referencias

Boehm, Barbara Drake. "Choirs of Angels: Painting in Italian Choir Books, 1300-1500." The Metropolitan Museum of Art Bulletin, n.s., 66, no. 3 (Winter 2009). p. 42, fig. 52, p. 42, fig. 52.

# data[].attributes.body
Título: Placa con el Martirio de la Hermana de San Vicente de Zaragoza

Autor: Desconocido

Material: Marfil

Dimensiones: 6.2 x 11.2 x 0.9 centímetros

Fecha: 1100

Estilo o corriente artística: Arte románico

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos.

# data[].attributes.body
Título: Políptico con escenas de la Pasión de Cristo

Autor: Desconocido

Material: Marfil, pintura y dorado con monturas de metal.

Dimensiones: 23.9 x 32.2 x 1 centímetro

Fecha: 1350

Estilo o corriente artística: Arte gótico

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos.

Análisis visual
He decidido realizar el análisis comparativo para estas obras utilizando el criterio de Características formales debido a que ambas están hechas a partir del mismo material, pero la técnica es completamente distinta.

En primer lugar, se puede evidenciar las grandes diferencias que existen en la composición entre las obras. En la obra del periodo románico los personajes no se pueden individualizar debido a que el autor no se enfocó en detallar las caras o las vestimentas. Por lo tanto, la expresividad de la obra es mínima, en la cual solo se puede evidenciar el martirio de la Hermana de San Vicente de Zaragoza debido a que esta se encuentra debajo de una columna y está levantando la mano en lo que podría ser un símbolo de implorar piedad. Por el contrario, en la obra del periodo gótico, los personajes si se pueden individualizar ya que hay un alto grado de detalle tanto en las vestimentas como en los rostros. Por consiguiente, es fácil identificar las emociones que el autor estaba buscando transmitir e individualizar a los personajes de la obra. En este caso, se puede identificar cuál de los personajes es Cristo y cómo es su sufrimiento.

En segundo lugar, aunque en la obra gótica hay más de una escena, se puede evidenciar que el autor buscaba maximizar la utilización del material, mientras que el autor de la obra románica se limitó simplemente a utilizar una parte. En la obra del período gótico, en cada escena los personajes se encuentran interactuando entre ellos, donde en ciertos casos hay partes del cuerpo de una sobre partes del cuerpo de otros. Por el contrario, en la obra del periodo románico los personajes no están interactuando entre si, solamente están realizando una acción la cual no representa bien un movimiento natural del cuerpo humano.

En el caso de ambas obras se puede evidenciar que la violencia era un tema central en las escenas religiosas que querían ser transmitidas a la sociedad. En estos dos casos en específico, se utilizaba a la violencia como un medio para generar piedad y misericordia entre los feligreses frente a dos personajes religiosos que pasaron por diferentes martirios.

# data[].attributes.body
Título: Retrato de un joven de perfil
Autor: Masaccio
Técnica: Óleo sobre tabla
Dimensiones: 42 x 32 centímetros
Fecha: 1430
Estilo o corriente artística: Arte renacentista italiano
Lugar donde se encuentra: Galería Nacional de Arte. Washington, Estados Unidos.

# data[].attributes.body
Título: Hombre con clavel
Autor: Jan Van Eyck
Técnica: Óleo sobre madera
Dimensiones: 40 x 31 centímetros
Fecha: 1435
Estilo o corriente artística: Arte flamenco
Lugar donde se encuentra: Gemäldegalerie. Berlín, Alemania

Análisis visual
En primer lugar, decidí realizar este análisis visual utilizando las obras Retrato de un joven de perfil de Masaccio y Hombre con clavel de Jan Van Eyck con el fin de comparar las características formales en los retratos realizados por cada autor.

Aunque ambas obras fueron realizadas utilizando la pintura en óleo, la obra de Masaccio fue realizada sobre tabla y la de Van Eyck sobre madera. Ambos artistas utilizan pinceladas finas, sin embargo, la técnica de Van Eyck le permite plasmar las texturas de los diferentes materiales presentes en el cuadro de una manera más fidedigna. Es decir, se puede diferenciar claramente que el sombrero está hecho a partir de terciopelo mientras que el collar está hecho a partir de algún tipo de metal.

La distribución de la luz en la pintura de Masaccio es mucho más homogénea que en la pintura de Van Eyck. Es decir, la pintura de Van Eyck posee contrastes fuertes de lo claro a lo oscuro y utiliza colores más opacos, lo cual le brinda a la obra una mejor insinuación de profundidad y tridimensionalidad. A su vez, esta utilización de colores permite que el retrato de Van Eyck no sea tan rígido como el de Masaccio y que sean más detalladas las expresiones faciales.

La principal diferencia en la forma de presentar el retrato es que en la obra de Masaccio, la persona se encuentra de perfil mientras que en la de Van Eyck el hombre está de frente. Por este motivo, a través de la mirada del hombre en Hombre con clavel, hay una conexión directa con el espectador. Contrario a lo que ocurren en la obra de Masaccio, los objetos como el anillo, el clavel y la cruz hacen que el cuadro de Van Eyck no posea un enfoque exclusivo en la cara del hombre, sino que se espera que el espectador también dirija su mirada a las manos.

En conclusión, aunque ambas obras son retratos y están realizadas bajo la misma técnica de pintura, se puede evidenciar que ambos artistas plasmaban lo que querían transmitir de distintas maneras debido a la corriente artística a la que pertenecían.

# data[].attributes.body
Título: La derrota de los pisanos en la Torre San Vincenzo
Autor: Giorgio Vasari
Técnica: Fresco
Dimensiones: 130x76 centímetros
Fecha: 1572
Estilo o corriente artística: Manierismo
Lugar donde se encuentra: Palazzo Vecchio. Florencia, Italia.

Análisis visual
He decidido realizar el análisis visual de esta obra utilizando el criterio de temática ya que busca transmitir cómo ocurrió un combate específico y cuál fue la estrategia utilizada por uno de los bandos.

La obra es una representación de la batalla que se libró entre las tropas de Florencia en contra de las tropas de Pisa en la ciudad de San Vincenzo en el año 1505. La narrativa de la obra consiste en diferentes escenas que ocurren de manera simultánea, las cuales se encuentran separadas de acuerdo con la perspectiva. Vasari, al hacer uso de estas diferentes perspectivas, buscaba reproducir la estrategia que utilizó el ejército florentino con el fin de derrotar a los pisanos. Como se puede ver reflejado en la obra, la estrategia se basó en atacar a los pisanos desde todos los lados terrestres y desde el mar, y utilizar tres cañones cerca del bosque como línea de defensa.

Entre los territorios conquistados por los florentinos se encontraba la ciudad de Pisa, la cual en el año 1494 se levantó en armas y logró separase de la República. No fue sino hasta 1505 que la República de Florencia pudo derrotar en armas a los rebeldes pisanos y restaurar así el territorio del estado. Existen múltiples elementos en la obra que nos permiten identificar que esta era la temática de la obra. En primer lugar, la torre que se ve en el fondo al lado de la costa nos indica que el sitio donde ocurrió el enfrentamiento era San Vincenzo, una comuna perteneciente a los pisanos. En segundo lugar, la bandera blanca que se encuentra en la esquina superior izquierda corresponde a la bandera de la República de Florencia, mientras que la bandera roja de la esquina superior derecha corresponde a la bandera de Pisa.

Resulta interesante analizar cómo la violencia en esta obra se encuentra plasmada ya que, además de representar un conflicto bélico, está tratando de transmitir una estrategia militar. Haciendo uso de muchos detalles, el autor tenía como objetivo individualizar la batalla y precisar cuál fue la estrategia utilizada por los florentinos.

Referencias
Google Arts & Culture. The rout of the Pisans at Torre San Vincenzo. Recuperado de: https://artsandculture.google.com/asset/the-rout-of-the-pisans-at-torre-san-vincenzo/pgFyFejv1OnoMA?hl=en://artsandculture.google.com/asset/the-rout-of-the-pisans-at-torre-san-vincenzo/pgFyFejv1OnoMA?hl=en

# data[].attributes.body
Título: Las Meninas (Self-Portairt after Velázquez)
Autor: Joel-Peter Witkin
Técnica: Fotografía
Dimensiones: 88x75.5 centímetros
Fecha: 1988
Estilo: Arte contemporáneo
Lugar donde se encuentra: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid, España

Análisis visual
El artista Joel-Peter Witkin realizó una reinterpretación de la obra de “Las Meninas” de Diego Velázquez haciendo uso de la fotografía. Aunque la técnica del cuadro original es óleo sobre lienzo y la técnica de la reinterpretación es fotografía a blanco y negro, Witkin mantuvo la esencia de la obra de Velázquez utilizando varios recursos artísticos.

En primer lugar, es importante resaltar que la única parte de la obra original que se ha dejado intacta es el retrato de los reyes Felipe y Mariana. El artista solamente le aumentó la saturación para que se vieran más nítidos los personajes y le cambió el marco. Por otra parte, la obra de Witkin también cuenta con pinturas colgadas en la pared trasera, pero le agrega una adicional entre las dos que están en la obra original. Estas pinturas no son las mismas del cuadro de Velázquez, pero también son pinturas del estilo barroco. Finalmente, pese a que está la silueta de Velázquez pintando, Witkin decidió difuminarle el rostro para no individualizar al personaje.

En segundo lugar, el artista utilizó la fotografía para representar a los personajes de José Nieto, la Infanta Margarita y al perro. José Nieto está reinterpretado como un hombre joven y semidesnudo, lo cual contrasta demasiado con la representación original. Por el contrario, la foto de la Infanta Margarita es de una niña de edad y características físicas similares a la de la obra original. No obstante, su vestido se encuentra recortado y está sujetando una cuerda mediante la cual amarra al perro acostado.

Finalmente, la obra reemplaza a María Agustina Sarmiento por la fotografía de un hombre joven, el cual está recostado en el piso en una postura de ballet. Del mismo modo, el artista elimina a Isabel de Velasco y a los enanos, y los reemplaza por una figura de arte moderno. Wtikin le agrega manchas negras en los bordes de la fotografía, lo cual genera una atmósfera lúgubre en toda la obra.

Considero que el significado de esta reinterpretación de “Las Meninas” tiene que ver con la yuxtaposición o confluencia de las corrientes artísticas y la fotografía. Se puede evidenciar que el artista toma varios estilos artísticos y la fotografía para representar diferentes aspectos de la obra original.

# data[].attributes.body
Título: Episodio de los Días de Septiembre de 1830 en la Grand Place de Bruselas
Autor: Gustave Wappers
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 660 x 444 centímetros
Fecha: 1835
Estilo o corriente artística: Romanticismo
Lugar donde se encuentra: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica. Bruselas, Bélgica

Análisis visual
Para esta obra he decidido realizar el análisis visual utilizando el criterio de contexto histórico y artístico ya que representa uno de los sucesos más importantes de la historia moderna de Bélgica.

Tras la caída de Napoleón, se convoca el Congreso de Viena en 1815 con el objetivo de restaurar las fronteras de Europa. En este evento se decide unificar a los Países Bajos con las provincias que hoy en día son Bélgica, dando origen al Reino Unido de los Países Bajos. Sin embargo, muchas tensiones surgieron entre ambas regiones por las diferencias en la religión y el idioma.

Según Rijksmuseum, en agosto de 1830, inspirados por la Revolución de Julio en Francia, las provincias del sur se alzaron en armas en contra del régimen autoritario del rey Guillermo I, dando inicio a la Revolución Belga. El día 23 de septiembre las tropas holandesas atacaron Bruselas, lo cual ocasionó un combate no solo con el ejército belga, sino también con las milicias urbanas. Luego de varias batallas y de obtener el apoyo de Francia y Gran Bretaña, Bélgica se proclamó independiente en 1831.

La obra representa una de las muchas batallas que se libraron en Bruselas durante el mes de septiembre de 1830. Según Velghe (2001), la obra le fue comisionada a Wappers en 1835 por el nuevo gobierno belga para exaltar el espíritu revolucionario y la reciente independencia obtenida por la nueva nación. El autor realiza una síntesis de los eventos ocurridos, enfatizando en la participación de los ciudadanos de Bruselas en la lucha en contra de los holandeses. La obra fue exhibida en el Antiguo Templo de los Agustinianos con el objetivo de despertar el sentimiento patriótico de la gente que pasaba por allí.

De acuerdo con Velghe (2001), Wappers fue quien comenzó el movimiento del romanticismo en Bélgica bajo la influencia de pintores como Delacroix. La interpretación que realiza el autor de la violencia concuerda con las premisas del romanticismo, en tanto a que resalta los sentimientos y emociones fuertes de un pueblo heroico que se levantó en contra de su enemigo. Del mismo modo, utiliza elementos de la identidad del pueblo, tales como la bandera y la plaza principal de Bruselas, con el fin de exaltar la unión en la lucha por la libertad.

Referencias
Rijksmuseum. 1830-1831 The Belgian Revolution. Amsterdam, Países Bajos. Disponible en: https://www.rijksmuseum.nl/en/rijksstudio/timeline-dutch-history/1830-1831-the-belgian-revolution

Velghe, Brita. A Selection of Works, Brussels. Museum of Fine Arts of Belgium, 2001. Disponible en: https://artsandculture.google.com/asset/episode-of-the-september-days-1830-on-the-grand-place-of-brussels-gustave-wappers/vAF38_5uJUxD0g?hl=en

# data[].attributes.body
Título: La defensa de Champigny
Autor: Edouard Detaille
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 121.9 x 215.3 centímetros
Fecha: 1879
Estilo o corriente artística: Realismo
Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos.

Análisis visual
He seleccionado el criterio de características formales con el fin de realizar el análisis visual de la obra La defensa de Champigny del autor Edouard Detaille.

La obra es un óleo sobre lienzo, en donde solamente se logra distinguir las pinceladas en el cielo y en la infraestructura, pero no en las figuras de los soldados. La parte del cuadro que se encuentra más iluminada es el muro, y a medida que se va acercando hacia el extremo derecho, la luz se va atenuando. Por otra parte, la obra presenta en su mayoría colores opacos, con unos contrastes muy sutiles en los uniformes de los soldados.

Debido al punto de vista desde el cual se plasma el evento de la obra, las figuras no tienen una conexión directa con el espectador. No obstante, la mayoría de los soldados o se están dirigiendo hacia el muro, o están mirándolo, y por lo tanto hacen que el espectador dirija su mirada hacia allí. Esto, junto con el hecho de que el muro también es el punto más iluminado de la obra, demuestra que el artista buscaba enfatizar la obra en este punto. Esto puede estar relacionado con el tema de la obra, donde los soldados franceses estaban abriendo espacio en el muro para poner cañones y defenderse en contra de los prusianos.

En esta obra se puede evidenciar que el punto central no es la guerra o la violencia per sé, sino en la interacción que ocurre entre el conflicto bélico y la vida cotidiana. Es decir, la obra buscaba transmitir que la guerra no es ajena a la vida cotidiana y que la vida cotidiana no es ajena a la guerra. El artista logra esto al agregar objetos que hacen referencia a la cotidianidad tales como un perro, el muro de la ciudad, y los vidrios y ventanas rotas. Todos estos elementos confluyen con los soldados y caballos de batalla para plasmar la realidad de la guerra durante la época en las ciudades de Francia.

# data[].attributes.body
Título: El Osario
Autor: Pablo Picasso
Técnica: Óleo y carboncillo sobre lienzo
Dimensiones: 199.8 x 250.1 centímetros
Fecha: 1945
Estilo o corriente artística: Cubismo
Lugar donde se encuentra: Museum of Modern Arts. Nueva York, Estados Unidos.

Análisis visual
He decidido realizar un análisis de contexto histórico y artístico debido a que la obra estuvo inspirada en uno de los eventos más aterradores que ha atravesado la humanidad y también porque su composición estuvo basada en otra de las grandes obras del mismo artista.

En primer lugar, como es bien sabido, Pablo Picasso vivió en París en la ocupación Nazi y hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. A pesar de que intentaba mantenerse apolítico, las fotografías de las víctimas de la guerra, que circularon en el periódico local luego de la victoria de los aliados, conmovieron mucho a Picasso.

La obra El Osario estuvo inspirada por las fotografías que Picasso vio en el periódico de los campos de concentración que utilizaron los Nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Según el MoMa (2008), las figuras centrales de la obra representan las pilas de cuerpos encontrados en los campos de concentración luego de que fueran derrotados los alemanes. Del mismo modo, los cuerpos destrozados del bebé, la mujer y el hombre debajo de la mesa del comedor tenían como propósito transmitir el sufrimiento que ocasionó la guerra en las personas del común.

Por otra parte, la obra hace eco a la pintura Guernica, la cual también fue realizada por Picasso en 1937. Ambas obras están hechas en diferentes tonos de blanco y negro para emanar la esencia de una fotografía de periódico, y presentan figuras de cuerpos mutilados para evocar el sentimiento de horror y destrucción derivado de la guerra. Según el MoMa (2008), mientras que Guernica representa el inicio violento de la Segunda Guerra Mundial, El Osario representa su terrorífico final.

A diferencia de todas las obras analizadas hasta el momento, El Osario hace alusión a las consecuencias de la violencia y sirve como una crítica directa a la guerra. Específicamente, Picasso buscaba transmitir todo el dolor y el horror que trajo consigo la Segunda Guerra Mundial para los millones de víctimas que no hacían parte de los combatientes.

Referencias
Mueseum of Modern Arts (2008). Pablo Picasso: The Charnel House. Disponible en: https://www.moma.org/collection/works/78752://www.moma.org/collection/works/78752

# data[].attributes.body
Título: Muerte a la bestia humana
Autor: Alejandro Obregón
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Dimensiones: 150 x 150 centímetros
Fecha: 1983
Corriente artística: Arte contemporáneo
Lugar donde se encuentra: Museo Nacional. Bogotá, Colombia

Análisis visual
Para esta entrega, he decidido utilizar el criterio de temática puesto que el cuadro trata acerca de un suceso que ocurrió en Colombia, de la cual surgió una gran indignación generalizada por parte de la sociedad.

Según Cobo (1983), Muerte a la bestia humana fue pintado a partir del secuestro y asesinato de Gloria Lara, quien fue la directora nacional de Acción Comunal y Asuntos Indígenas durante el gobierno de Julio César Turbay. En este cuadro, Obregón plasmó los sentimientos de rabia, asco y dolor que sintió en el momento exacto en el cual se enteró de la noticia del asesinato. A través del uso de los tonos rojizos y oscuros, y de los trazos bruscos, se puede dar cuenta del estado de exaltación que tenía el artista al momento de pintar la obra.

En el cuadro, el artista quería representar el asesinato del asesino de Gloria, para que no se olvidase la infamia de sus actos. Por esta razón, Obregón deja el párpado del hombre levantado con el fin de que el espectador mantenga su mirada en este. Según Medina (Banrep), esta obra hace parte de un conjunto de lienzos que el artista realizó en manera de protesta en contra de la violencia y la incivilidad característica de la época violenta que estaba atravesando Colombia. A raíz de esto, Muerte a la bestia humana también es considerada como un grito de clamor por justicia y un grito para parar la indiferencia frente a los crímenes que estaban ocurriendo en el país.

A pesar de que la obra, a simple vista, parece ser una representación de un soldado herido en guerra, el significado es mucho más profundo. La intención que tenía el artista era utilizar la violencia como un reflejo de la realidad y de los sentimientos que tenían las víctimas y aquellos que no estaban involucrados en el conflicto. Por lo tanto, el tema de la violencia fue utilizado como un medio para exigir justicia y para finalizar el conflicto que dejaba tantas personas inocentes afectadas.

Bibliografía
Cobo, Gustavo. (2010). Obregón: Entre la Guerra y la Paz. Revista Mundo (10) pp 24-25. Recuperado de: https://issuu.com/revistamundo/docs/10obregon

Medina, Álvaro. Violencia: Alejandro Obregón. Banrepcultural: Red cultural del Banco de la República (111). Recuperado de: https://www.banrepcultural.org/biblioteca-virtual/credencial-historia/numero-111/violencia-alejandro-obregon

# data[].attributes.body
Explicación
A través de la historia de la humanidad, la violencia ha sido utilizada como medio para alcanzar diferentes fines. El arte ha servido como testimonio de los múltiples sucesos violentos que han ocurrido a lo largo del tiempo y ha dejado en evidencia que la historia de la humanidad nunca fue ajena a los conflictos. Luego de haber estudiado los principales periodos de la historia del arte, y una vez culminado el ejercicio de las entradas de los diarios, se lograron identificar tres esferas principales sobre las cuales se enfocaron los artistas al momento de plasmar este tema.

El primero y menos frecuente fue la violencia en torno al entretenimiento, en el cual los artistas de ciertas culturas del mundo antiguo (tales como los griegos, los minoicos y egipcios) plasmaban en sus obras cómo se utilizaba la violencia para entretener a las élites de la sociedad. Actividades violentas tales como las peleas de gladiadores, la lucha con leones y el boxeo fueron los principales temas tratados por estos artistas al momento de realizar sus obras con base en este tema. La segunda esfera estuvo presente principalmente durante la Edad Media, en donde la iglesia católica plasmaba en el arte escenas violentas para evangelizar a la comunidad. La temática dentro de esta esfera podía variar, pero las obras siempre contaban con un componente religioso que tenía como finalidad informar, moralizar o influir a las personas a las cuales estaban dirigidas. Finalmente, la tercera y última esfera del arte consistía en representar el conflicto bélico y las guerras motivadas principalmente por la conquista de territorios. Las obras que hacen parte de esta esfera muestran los enfrentamientos que fueron motivados por el deseo de expansión y de conquistar nuevos horizontes.

Este ensayo visual busca plasmar estas tres esferas principales de lo que se podría denominar el “arte de la violencia”. Las obras que se encuentran dentro del televisor corresponden a la primera esfera de la violencia como entretenimiento. Las obras que se encuentran en el libro son aquellas que hacen parte de la segunda esfera de la violencia como mecanismo evangelizador. Las obras que están en la bandera en la luna son las pertenecientes a la tercera esfera de la violencia como conflicto bélico. Finalmente, se puso como fondo un cementerio puesto que, a pesar de que la violencia pudo haber sido utilizado como un mecanismo diferente dependiendo de la época o corriente artística, siempre hubo una constante ocasionada por esta: la muerte.