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 "Shocking" Elsa Schiaparelli, créatrice de mode majeure et fantasque du début du XXe siècle, dont le Palais Galliera

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 "Shocking" Elsa Schiaparelli, créatrice de mode majeure et fantasque du début du XXe siècle, dont le Palais Galliera

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Park In-kyung, artiste coréenne créatrice d'une œuvre contemplative, oscillant entre abstraction et figuration... mais totalement invisibilisée dans la société coréenne

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Park In-kyung, artiste coréenne créatrice d'une œuvre contemplative, oscillant entre abstraction et figuration... mais totalement invisibilisée dans la société coréenne

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Sarah Bernhardt, un impact immense sur l'art au XIXe siècle

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Sarah Bernhardt, un impact immense sur l'art au XIXe siècle

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George Sand, "la Grande femme de son siècle"

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George Sand, "la Grande femme de son siècle"

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Marie Laurencin, peintre adulée des années folles

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Marie Laurencin, peintre adulée des années folles

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Louise Abbéma, peintre révolutionnaire du XIXe s

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Louise Abbéma, peintre révolutionnaire du XIXe s

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Un hors-série avec des albums thématiques variés.

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Des collectionneuses dans le monde de l'art

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Des collectionneuses dans le monde de l'art

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Invisibles. Les femmes et leurs collections sont longtemps passées inaperçues au yeux de la société, en Europe davantage qu'aux Etats-Unis ou des historiennes se sont déjà penchées sur les traces de leurs existences. Julie Verlaine, historienne et enseignante chercheuse à l'université Paris I, a voulu pallier cette lacune au travers de son ouvrage Femmes collectionneuses d'art et mécènes (Editions Hazan 2014).

Si l'auteure s'intéresse à la période allant de 1880 à nos jours, l'histoire des collectionneuses est bien antérieure : " La Renaissance, c'est le moment où se constituent les premières collections d'art, nous explique Julie Verlaine. J'aurais pu remonter à la Rome et à la Grèce antiques où existaient des villas meublées et ornées d'objets d'art. Mais c'est vraiment au XVIe siècle - et notamment en Italie - que l'on voit apparaître des collections privées. Ce sont souvent celles de souverains, qui servent l'image extérieure que ces hommes et ces femmes [de pouvoir, ndlr] donnent d'eux-mêmes d'amateurs avec un goût artistique affirmé et qui passent des commandes aux artistes. "

Parmi ces figures de collectionneurs, une femme se détache : la marquise de Mantoue, davantage connue sous le nom d'Isabelle d'Este. " Elle a servi de modèle à énormément de femmes les siècles suivants. Elle est idéalisée mais on peut historiquement défendre l'idée que c'est la première grande collectionneuse d'art des temps modernes ", souligne Julie Verlaine.

S'affranchir des codes sociaux

Pour elle comme pour d'autres après : Catherine de Médicis, Isabella Stewart Gardner, Nélie Jacquemart, Gertrude Stein, Peggy Guggenheim, Agnès b., ... collectionner ne représente pas un passe temps futile et frivole. Toutes n'y trouvent pas une " activité de compensation " à défaut d'être une artiste ou un moyen de combler le " vide affectif " pour celles qui n'ont pu avoir des enfants, clichés habituellement galvaudés sur ces femmes.

La plupart de celles qui sont présentées dans l'ouvrage de Julie Verlaine embrassent cette activité comme un " outil de singularisation, d'expression de soi et de légitimation sociale, et participent donc d'une stratégie de déploiement public de soi, de sa culture et de son goût ", écrit Julie Verlaine. En d'autres termes, s'affranchir des conventions de la société occidentale pour s'émanciper et obtenir une reconnaissance sociale.

Mais leur démarche n'est pas seulement personnelle. Elle s'inscrit dans un souci de partage de la culture. De nombreux musées privés sont créés par des collectionneuses d'art comme la maison-musée à Boston d' Isabella Stewart Gardner, celle de Nélie Jacquemart à Paris, mais aussi le Museum of Modern Art (MoMA) et le Whitney Museum of American Art à New York qui voient le jour entre la fin du XIXe siècle et le milieu du XXe siècle. Une période qui marque un tournant pour les collectionneuses comme nous l'explique Julie Verlaine dans l'entretien ci-dessous.

"Les femmes sont ainsi sorties de l'espace privé où elles étaient confinées"

Entretien avec l'historienne Julie Verlaine

propos recueillis par Léa Baron

Pourquoi la fin du XIXe siècle marque-t-elle un tournant ?

Julie Verlaine : C'est la transformation des sociétés occidentales. On passe d'une période aristocratique d'Ancien régime à une période industrielle. Cela a des influences sur la société en général. On passe des élites aristocratiques avec des privilèges, une fortune héréditaire et des titres à une société où les fortunes se font dans la finance, l'industrie.

Ces nouvelles élites bourgeoises vont avoir besoin de justifier leur position sociale dominante et la culture va en être un moyen de justification. Beaucoup d'hommes, mais aussi des femmes, se lancent dans des collections d'art pour légitimer leur capital symbolique et pas seulement financier. Pour marquer son appartenance à l'élite, il est de bon ton d'avoir une collection d'art ou d'autres loisirs.

Dans le même temps, de plus en plus de femmes se mettent à collectionner. D'abord, ce sont des femmes qui héritent d'une fortune que leur famille leur a transmise ou parce que leur mari est décédé. Ce sont des veuves pour beaucoup d'entre elles. Elles ont l'usage d'une fortune qu'elles vont utiliser pour acheter des objets ou des œuvres d'art.

Il y a une correspondance entre la condition féminine en Occident et l'évolution de ces pratiques. Progressivement, on vote des lois dans les années 1880/1890 qui permettent aux femmes de gérer leur fortune, de posséder des biens ce qui était impossible avant juridiquement. Les femmes possèdent désormais de l'argent et peuvent en disposer librement. Cela a un effet d'entraînement sur des pratiques de collections. Et puis, quand on avance dans le XXe siècle, l'accès au travail, à des carrières qui permettent à certaines de gagner énormément d'argent, leur offre la possibilité d'avoir leur propre collection.

Collectionner serait-il alors lié à l'émancipation des femmes ?

Un parallélisme très fort existe entre l'histoire des collectionneuses et celle des femmes en Occident. Dans cette société bourgeoise du XIXe siècle, collectionner pour une femme, reste un loisir attaché à l'espace domestique.

On ne dit pas qu'elle collectionne, on dit qu'elle orne sa maison. Les femmes sont des décoratrices. Ce sont des objets plutôt décoratifs (vases, verreries, bibelots) que des beaux arts au sens très légitime du terme qu'elle rassemble. Mais progressivement, quand une valeur artistique est reconnue à cette collection et un goût de la collectionneuse, elle va sortir de la maison, être exposée, donnée à des musées, vendue aux enchères.

Cela va permettre à des femmes de sortir de l'espace privé dans lequel elles sont, jusque-là, très confinées. A la fin du XIXe siècle, la collection devient un instrument d'émancipation car cela permet le contact avec l'espace de la cité, l'espace politique.

Hélène Kröller-Müller, née en Allemagne et vivant aux Pays-Bas par exemple, se met à collectionner très tardivement. A 40 ans, elle découvre l'art, et à 45 ans, elle se met à en acheter. Elle se spécialise progressivement sur Van Gogh et une peinture très avant-gardiste. Le fait que ses peintures fassent l'objet d'un intérêt considérable de la part des historiens d'art, des marchands d'art, etc, la légitime elle-même - et non pas comme femme de, fille de - dans ses choix. Cela lui permet aussi de donner des conférences, d'écrire des livres, et donc d'avoir une vie publique qu'elle n'avait pas avant.

Quel rôle tiennent ces collectionneuses dans la vie culturelle occidentale ?

Pour la génération de la fin du XIXe - début XXe, il y a un souci de la transmission et que cette collection, très personnelle dans un premier temps, soit accessible au public.

Beaucoup de collectionneuses vont donner leurs œuvres à des musées, ouvrir leur propre maison plus ou moins transformée en musée comme celle d' Isabella Stewart Gardner ou Nélie Jacquemart. La pensée de la diffusion de l'art dans la société est une caractéristique répandue parmi ces femmes.

Elles ont un souci altruiste de partager ce qu'elles aiment au public. Cela passe par la volonté d'éviter que la collection soit vendue aux enchères. Pour la majorité de ces femmes, la dispersion post mortem de leur collection aux enchères, c'est la négation de tout ce qu'elles ont fait.

Alors, elles anticipent, écrivent des testaments dans lesquels tout est prévu pour que la collection soit préservée comme telle, qu'il y ait des fonds pour l'entretenir ainsi que le lieu où la collection va être exposée dans un souci de la postérité.

Comment ces femmes si soucieuses de la transmission vont-elle progressivement sortir de l'ombre ?

Les conventions bourgeoises engendraient une invisibilité sociale de ces collectionneuses. Il y a sans doute des centaines de femmes dont on n'a pas idée qu'elles étaient collectionneuses car à l'époque ce n'était pas jugé convenable de s'afficher comme telle. Un présupposé négatif existait sur cette pratique, considérée comme de la frivolité, dilapider de l'argent, sortir de son rang, ...

Après le début du XXe siècle, certaines d'entre elles vont avoir des comportements publics, s'inscrire dans l'avant-garde, dans la transgression, l'émancipation. Elles vont porter le flambeau, se rendre visibles. Gertrude Stein, Peggy Guggenheim font parties de ces grandes figures de femmes qui ne cachent absolument pas qu'elles collectionnent, soutiennent des artistes, tiennent salon. Leur activité publique va entraîner une plus grande visibilité des collectionneuses.

Quelle place tiennent aujourd'hui les collectionneuses ?

Il y a de grandes collectionneuses très médiatiques. Depuis 30 ans, la figure du collectionneur est très valorisée et quel que soit son genre.

Beaucoup de collectionneuses sont dans l'ombre et souhaitent y rester car cela reste une pratique privée, discrète. Dans les enquêtes, on constate qu'il y a peu de femmes mais beaucoup fonctionnent en couple. L'attention médiatique s'attache peut-être davantage encore à la figure masculine qu'à la figure féminine.

Qui sont aujourd'hui les grandes femmes collectionneuses ?

J'en ai choisi quatre mais j'aurais pu en prendre une dizaine pour mon ouvrage. Agnès b. pour l'intérêt des femmes sur la photographie et la réflexion sur le corps. Patrizia Sandretto parce qu'elle a la volonté de créer une fondation et de montrer des œuvres tout en participant à la création par son soutien aux artistes. La Russe Tatiana Kolodzei (lien en anglais) prouve qu'il y a un élargissement géographique. On n'est plus occidentalo-centré pour la période contemporaine. Enfin l'Allemande Ingvild Goetz montre bien comment on peut devenir collectionneuse professionnelle. Cette femme galeriste a arrêté sa galerie pour commencer sa collection de manière très professionnelle.

Avant, collectionner pouvait être un loisir discret et privé, là où maintenant on voit apparaître des figures de collectionneuses expertes. Leur collection représente le socle sur lequel elles s'appuient pour affirmer leur position, leur goût, leur choix d'artistes, et donc influencer aussi le marché de l'art. En fait du pouvoir culturel.

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Collectionneuses d'art ou l'histoire d'une émancipation féminine

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Invisibles. Les femmes et leurs collections sont longtemps passées inaperçues au yeux de la société, en Europe davantage qu'aux Etats-Unis ou des historiennes se sont déjà penchées sur les traces de leurs existences. Julie Verlaine, historienne et enseignante chercheuse à l'université Paris I, a voulu pallier cette lacune au travers de son ouvrage Femmes collectionneuses d'art et mécènes (Editions Hazan 2014).

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Des figures de l'architecture contemporaine

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Des figures de l'architecture contemporaine

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"J'ai fait un film sur quatre femmes mais j'aurais pu faire quatre films sur chacune d'elles. Elles ont un bagage extrêmement riche, avec chacune environ soixante-dix ans de vie professionnelle," explique le réalisateur Joseph Hillel.

Se faire une place parmi les hommes

Ces quatre femmes, ce sont Denise Scott Brown, d'origine sud-africaine, et les trois Canadiennes Phillys Lambert, Blanche Lemco van Ginkel et Cornelia Hahn Oberlander. Dans Rêveuses de ville, elles racontent la genèse de leur vocation d'architectes : comment se sont-elles fait une place dans cet univers exclusivement masculin, ou presque ? Quels combats ont-elles dû mener dans leur carrière ?Quelles forces de caractère et détermination ont-elle dû déployer ?

C'est en faisant la connaissance de Blanche Lemco van Ginkel que ce projet de documentaire a germé dans la tête de Joseph Hillel. Avec son mari Sandy van Ginkel, cette souriante Montréalaise a fondé, en 1957, la société van Ginkel et associés, qui a marqué le développement urbain du Montréal des années 1960 et 1970.

Dans un premier temps, il a envisagé de faire un documentaire sur Blanche Lemco van Ginkel qui, naguère, a aussi travaillé avec Le Corbusier. Et puis de fil en aiguille, il a finalement inséré les trois autres architectes dans le projet, avec, en filigrane, le développement des villes et toutes les questions que cela soulève.

Quatre femmes dans la ville

Phyllis Lambert, architecte montréalaise également, a aussi œuvré au développement de Montréal au cours des dernières décennies, notamment avec le Centre canadien d'Architecture, qui recèle de riches archives et organise régulièrement des expositions sur l'architecture. Elle a consacré une partie de sa carrière à protéger le patrimoine urbain de Montréal et participé à la construction du Seagram Building avec Mies van der Rohe, à New York.

Denise Scott Brown, qui a quitté son pays natal - elle est née en Zambie, autrefois appelée Rhodésie du Nord - pour s'installer aux États-Unis, reste l'une des architectes les plus influentes du 20 ème siècle. Avec son mari, Robert Venturi, ils ont conçu des plans d'urbanisme pour plusieurs villes et universités américaines. "Ses théories novatrices ont redéfini les limites de l'architecture", dit le documentaire.
Elles ne se sont jamais vues en victimes dans ce monde masculin. Joseph Hillel, réalisateur
Cornelia Hahn Oberlander est une architecte-paysagiste qui, depuis plus de soixante ans, crée des parcs et des jardins. Elle est l'une des premières à avoir conçu des toits verts, des jardins sur les toits d'édifices, comme ceux du Robson Square, à Vancouver. On lui doit aussi les jardins du Musée d'anthropologie de Vancouver et ceux du New York Times à New York, entre autres. A l'âge de 11 ans, elle savait déjà qu'elle voulait être architecte-paysagiste et que rien ne l'en empêcherait.

Phyllis, Blanche et Cornelia sont de grandes amies depuis des décennies. " Ce que je retiens, c'est la passion, la force de caractère de ces femmes, remarque le réalisateur. Elles ne se sont jamais vues en victimes dans ce monde masculin. Peut-être que Denise va se dire féministe, mais pas les trois autres, ce n'est pas dans leur vocabulaire. Elles font ce qu'elles ont à faire et on dirait même que l'adversité les stimule, les pousse à aller plus vite et plus fort encore. C'est inspirant et motivant de côtoyer ces femmes-là".

Conscience sociale

Ce qui a aussi fasciné Joseph Hillel, c'est la conscience sociale de ces quatre femmes : "Elles n'ont jamais été motivées par l'argent, ces femmes-là. Toute leur vie, elles ont œuvré pour développer des villes plus viables, plus durables. Ce sont des personnes qui se donnent pour leurs concitoyens, et c'est cette générosité-là que je vois chez chacune d'elles - elles ont d'ailleurs été extrêmement généreuses lors du tournage".
Les femmes ont plus à cœur le bien-être de leur congénères. Les hommes pensent davantage à dessiner le plus haut gratte-ciel, la plus grande autoroute. Joseph Hillel, réalisateur
Un autre regard

"Je crois que les femmes ont un regard sur l'architecture différent de celui des hommes, ajoute Joseph Hillel. Elles ont plus à cœur le bien-être de leur congénères que les hommes qui, eux, pensent davantage à dessiner le plus haut gratte-ciel, la plus grande autoroute, sans vraiment penser aux autres. Cela m'a frappé en réalisant ce documentaire".

Chacune de ces architectes a mené ses propres combats au cours de sa carrière : Blanche Lemco van Ginkel et son mari ont sauvé, à la fin des années 1950, le Vieux-Montréal menacé de disparition par la construction d'une autoroute. Ce sauvetage, dira Blanche Lemco van Ginkel, fut son plus beau succès professionnel. Elle dit avoir voulu devenir architecte parce que c'était utile pour la société : "J'étais très engagée socialement, construire pour le peuple et ce genre de chose".

Phyllis Lambert s'est elle aussi battue dans les années 1970 contre la destruction d'un quartier populaire du centre-ville de Montréal. Denise Scott Brown a œuvré dans les années 1960 pour sauver South Street, à Philadelphie, où elle vit toujours.

Quant à Cornelia Hahn Oberlander, elle n'a eu de cesse de créer des parcs et des jardins dans de nombreuses villes nord-américaines. Elle porte d'ailleurs un regard très critique sur le développement actuel de Vancouver, qui se fait au détriment des plus pauvres. La détresse humaine des sans-abri dans son Robson Square, justement, ou quand elle traverse la ville en voiture, l'indigne :"Tout cela va devenir des gratte-ciels, tout le pâté de maisons..." Dans une conférence, elle s'interroge : "Nous vivons dans des espaces plus restreints, avec trop peu d'espaces verts pour nous détendre et rester sains et équilibrés. Qu'allons-nous devenir ? Nous n'avons pas de plan d'urbanisme, ni de plan d'espaces verts. Nous plantons des tours partout. Au 21ème siècle, nous devons rétablir une relation plus saine entre l'humain et l'environnement."

"Comment faire une ville où les habitants sont fiers de vous, une ville où vous leur donnez la possibilité de s'ouvrir sur le monde, de voir ce qu'il y a autour. Comment habite-t-on dans une ville ? Comment les gens s'approprient-ils leur espace ? Comment penser un espace qui rend la ville magnifique, pour tout le monde, pas juste pour les riches ? renchérit Phyllis Lambert.

Pas de Pritzker pour Denise Scott Brown

En 1991, Robert Venturi, le mari de Denise Scott Brown, et partenaire dans son cabinet d'architectes, se voit récompensé du prix Pritzker, qui est à l'architecture ce que le Nobel est à la littérature. Il demande alors à ce que sa partenaire, elle aussi, soit primée - en vain. " Il a fallu 23 ans avant qu'ils accordent le prix Pritzker à une femme. C'était Zaha Hadid", fait remarquer Denise Scott Brown. C'était en 2004 ! En 2013, Women in design, un groupe d'étudiantes de l'Université de Harvard, lance une pétition pour décerner rétroactivement le prix à Denise Scott Brown, en reconnaissance de son travail.
Les femmes ont appris à être gentilles, à parvenir à leurs fins par la ruse. Cela a un effet très néfaste sur l'âme. Denise Scott Brown
L'architecte explique qu'elle a toujours refusé de rentrer dans le petit jeu de la complaisance et de la flatterie pour avancer dans sa carrière et plaire à ces messieurs : " Quand j'ai commencé à travailler avec Bob, raconte Denise Scott Brown, on me disait : 'Nous voudrions prendre une photo des architectes, pouvez-vous vous éloigner ?' 'Mais je suis architecte !' disais-je. Et ils répétaient : 'Pouvez-vous vous éloigner s'il vous plait' ? Les femmes ont appris à être gentilles, à parvenir à leurs fins par la ruse. Cela a un effet très néfaste sur l'âme. Je m'y suis refusée. Je ne souriais pas en m'exclamant 'Oh oui !' et 'Comme c'est intelligent !" parce que je savais que cela me détruirait. Il devrait y avoir d'autres modèles de comportement offerts aux femmes."

Cette passion qui fait vivre

Joseph Hillel dit avoir réalisé ce documentaire dans l'urgence. Les quatre architectes ont entre 87 et 97 ans, mais les yeux qui pétillent encore et la passion chevillée à l'âme.

Quand on demande à Cornelia Hahn Oberlander si elle compte s'arrêter de travailler un jour, elle répond du tac au tac :"Pourquoi je travaille ? C'est ma passion ! Croyez-vous que j'aimerais prendre ma retraite pour boire du thé et jouer au bridge à longueur de journée ? Je m'ennuierais à mourir !"

Denise Scott Brown dit de son côté qu'elle est fière d'être vieille et que cela comporte aussi des avantages, dont celui d'avoir déjà"tout vu trois fois !" Phyllis Lambert continue, elle, à gérer le Centre canadien d'architecture qu'elle a fondé à Montréal. Elle a monté il y a deux ans une exposition sur les "pierres grises" avec des photos qu'elle prend depuis des décennies des édifices de pierres grises typiques de Montréal, c'était en l'honneur du 375 ème anniversaire de la métropole québécoise. Sur les quatre donc, seule Blanche Lemco van Ginkel a arrêté de travailler.

Voilà des femmes qui ont beaucoup donné à la collectivité, qui ont leur vie durant travaillé pour améliorer le quotidien de leurs concitoyens, toujours animées par une profonde conscience sociale. A la force de leur caractère et de leur talent, elle ont ouvert des sillons dans un domaine longtemps réservé aux hommes - pour faciliter le chemin des générations suivantes. Voilà des femmes inspirantes, dont Rêveuses de villes honore la mémoire de leur vivant. La preuve que oui, la passion fait vivre...

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"Rêveuses de villes" : quatre pionnières de l'architecture dans un monde d'hommes

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"J'ai fait un film sur quatre femmes mais j'aurais pu faire quatre films sur chacune d'elles. Elles ont un bagage extrêmement riche, avec chacune environ soixante-dix ans de vie professionnelle," explique le réalisateur Joseph Hillel. Ces quatre femmes, ce sont Denise Scott Brown, d'origine sud-africaine, et les trois Canadiennes Phillys Lambert, Blanche Lemco van Ginkel et Cornelia Hahn Oberlander.

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Charlotte Gould  : Histoire de l’art et féminisme : la fin d’un oxymore ? Les pratiques et théories féministes des années soixante-dix comme héritage

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Charlotte Gould  : Histoire de l’art et féminisme : la fin d’un oxymore ? Les pratiques et théories féministes des années soixante-dix comme héritage

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Charlotte Gould

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Histoire de l’art et féminisme : la fin d’un oxymore ? Les pratiques et théories féministes des années soixante-dix comme héritage

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Voir/être vu Les arts visuels semblent avoir très tôt connu une répartition des rôles joués par leurs protagonistes en fonction du genre et de la différence sexuelle. à l’homme la position créatrice et subjective dans laquelle, œil et main travaillant de concert, il se fait regardeur, quand…

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Camille Morineau, fondatrice et présidente de l'association AWARE ((Archives of Women Artists, Research and Exhibitions), association destinée à rendre visible les artistes femmes du 20e siècle.

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Camille Morineau, fondatrice et présidente de l'association AWARE ((Archives of Women Artists, Research and Exhibitions), association destinée à rendre visible les artistes femmes du 20e siècle.

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Quelle place les femmes occupent-elles dans l'art ?

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Camille Morineau (CM) : Je suis actuellement directrice des Expositions et des Collections à la Monnaie de Paris et présidente d' AWARE (Archives of Women Artists, Research and Exhibitions), association destinée à rendre visible les artistes femmes du 20 e siècle. CM : L'association AWARE existe depuis trois ans.

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Article sur l'exposition Terres de femmes à la galerie Praz-Delavallade , 2018

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Article sur l'exposition Terres de femmes à la galerie Praz-Delavallade , 2018

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L’exposition Terres de femmes à la galerie Praz-Delavallade met à l’honneur 25 artistes femmes parmi lesquelles Marlene Dumas, Louise Bourgeois ou encore Niki de Saint Phalle. Elle interroge la place des femmes dans le monde de l’art et leur regard sur la société.

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Faut-il que les femmes soient nues pour entrer au Metropolitan Museum ?

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L’exposition Terres de femmes à la galerie Praz-Delavallade met à l’honneur 25 artistes femmes parmi lesquelles Marlene Dumas, Louise Bourgeois ou encore Niki de Saint Phalle. Elle interroge la place des femmes dans le monde de l’art et leur regard sur la société. À découvrir jusqu’au 12 janvier.

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Artistes peintres, plasticiennes ou sculptrices, 50 femmes créatives, aux parcours exemplaires mais surtout des vies consacrées aux Arts Plastiques. Cela fait plus ou moins longtemps que ces femmes exceptionnelles nous ont quittées. Heureusement les documents d'archives sont là, pour fixer à jamais leurs parcours et démarches artistiques remarquables.

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Arte, une série de Manga qui met en scène le parcours d'une jeune femme qui veut devenir peintre dans l'Italie de la Renaissance

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Arte, une série de Manga qui met en scène le parcours d'une jeune femme qui veut devenir peintre dans l'Italie de la Renaissance

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Arte (アルテ, Arute?) est une série de manga écrite et dessinée par Kei Ohkubo¹. L'histoire suit le parcours d'une jeune femme issue d'une famille de nobles, nommée Arte, qui est déterminée à devenir une véritable peintre malgré les mœurs de l'époque, en pleine Renaissance

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Un article de Wikipédia, l’encyclopédie libre.

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Cours d'histoire de l'art sur des artistes femmes

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Cours d'histoire de l'art sur des artistes femmes

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"association préfigurations" "franck senaud" conférence "histoire de l'art" interviews "conférence philo" "conférence avant concert" préfigurations "droit de...

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Vous êtes sur la chaîne de l'association Préfigurations : L'association développe son activité autour d'Evry-Courcouronnes dans l'Essonne. Préfigurations, créée par Franck SENAUD, c'est d'abord une équipe de Bénévoles, c'est aussi le point de rencontre d'artistes et de passionnés d'art souhaitant faire découvrir le territoire par la culture urbaine, découvrir l'histoire de l'art et promouvoir des artistes locaux.

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Séquence 1 : De l’autoportrait au portrait : Le portrait au fil du temps-introduction

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Haywon Forgione, dresse un large panorama de ces artistes (peintres, sculptrices, plasticiennes, photographes…) qui ont su briser les interdits et imposer leur personnalité ainsi que leur vision artistique sur le devant de la scène. Cette conférence a été enregistrée le 18 mars 2021.

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COURS D'HISTOIRE DE L'ART: Les Femmes artistes et l'Abstraction

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NaRt : Femmes artistes, artistes féministes - Partie 1

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[Visite privée] Exposition "Peintres femmes" au musée du Luxembourg

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Pour introduire l'histoire de la reconnaissance des femmes dans l'art

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Pour introduire l'histoire de la reconnaissance des femmes dans l'art

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Frida KAHLO | Portrait d'une ARTISTE - Documentaire COMPLET en Français (Art, Peinture)

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ART et FÉMINISME : Women House à la Monnaie de Paris

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Le discours intime et féministe d'Agnès Jaoui

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L'art et la Femme avec Caroline Vigneaux - Culture Prime

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Quelques femmes artistes modernes oubliées

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Quelques femmes artistes modernes oubliées

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Femmes artistes : sortir des oubliettes de l'Histoire #ActuElles

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Documentaire Arte, diffusé en 2019 à l'occasion de "Créatrices, l'émancipation par l'art", exposition du musée des beaux-arts de Rennes

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Documentaire Arte, diffusé en 2019 à l'occasion de "Créatrices, l'émancipation par l'art", exposition du musée des beaux-arts de Rennes

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Des créatrices Millenials à l’assaut des archétypes de la féminité

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Des créatrices Millenials à l’assaut des archétypes de la féminité

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Un article du média Switch (on Paper) signalé par Vincent

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Ewa Partum a ouvert la voie à la performance féministe et au body art, témoins de l’engagement politique de l’ancienne Europe de l’Est.

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Ewa Partum a ouvert la voie à la performance féministe et au body art, témoins de l’engagement politique de l’ancienne Europe de l’Est.

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Villa Vassilieff - 21, avenue du Maine 75015 Paris (France) - info[at]aware-art[.]org - +33 (0)1 55 26 90 29

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Ewa Partum - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Issue de la première génération des artistes conceptuels polonais, Ewa Partum a ouvert la voie à la performance féministe et au body art, témoins de l'engagement politique de l'ancienne Europe de l'Est. Affirmant que " tout acte de la pensée est un acte de l'art...

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Le dictionnaire universel des créatrices

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Le dictionnaire universel des créatrices

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De nombreuses biographies

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Le Dictionnaire universel des Créatrices

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Quarante siècles de création des femmes à travers le monde, dans tous les domaines de l’Histoire humaine, des arts, de la culture, de la science.Une contribution inédite au matrimoine culturel mondial

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La femme préhistorique : artiste, muse et modèle

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La femme préhistorique : artiste, muse et modèle

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Jennifer Kerner

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Vénus préhistoriques. Jennifer Kerner, Author provided

Au sein des œuvres paléolithiques, la figure de la femme s'impose dès les plus anciennes productions artistiques européennes (vers -40 000 ans) et jusqu'à l'aube du Néolithique où la femme conservera une place prépondérante dans l'iconographie.

Lors de la naissance de l'art moderne, les artistes se tourneront d'ailleurs volontiers vers ces représentations pour s'en inspirer, de Picasso à Louise Bourgeois. La sublime exposition Préhistoire, une énigme moderne, actuellement à l'affiche au Centre Georges Pompidou,s'en fait le juste reflet.

Le modèle

La femme a été allègrement représentée par les artistes du Paléolithique. Sur tous les supports (serpentine, ivoire, paroi en pierre), grâce à toutes les techniques (gravure, peinture, sculpture) et sous toutes les coutures (de la femme entière à la vulve isolée). Bref, quand l'homme n'est qu'une figure approximativement anthropomorphe traitée en 2D, la femme, elle, a mobilisé toutes les forces artistiques en présence pour sublimer sa plastique.

Femme peinte de Chauvet et vulve

La femme a donc été le modèle préféré des artistes du passé. Mais n'était-elle que cela ? De Lee Miller à Flora Mayo, les femmes artistes qui ont eu le malheur d'être aussi des modèles ont été cataloguées plus aisément dans la seconde catégorie... Et pourtant, les photographies d'Elizabeth et les sculptures de Flora n'avaient rien à envier aux œuvres de leurs glorieux amants Man Ray et Alberto Giacometti. Tout comme nos femmes préhistoriques artistes qui ont peut-être produit les œuvres les plus emblématiques de l'art paléolithique.

L'artiste

Lorsqu'on pense à l'art paléolithique, l'image des mains positives et négatives sur les parois des grottes s'impose à l'esprit. Ces motifs se retrouvent en Europe mais également dans certaines îles de l'archipel malais.

Face à cette abondance de témoignages, deux chercheurs en médecine et un archéologue ont exploré la possibilité de déterminer le sexe des artistes paléolithiques à travers ces fameuses mains. Grâce à l'étude de populations contemporaines, ils ont réalisé qu'une diagnose sexuelle pouvait être proposée sur la base de l'observation du ratio digital chez certaines populations de sapiens.

Le principe est simple : l'index et l'annulaire des femmes sont sensiblement de taille égale alors que, chez les hommes, l'index est plus court que l'annulaire. Une observation du ratio digital a donc été appliquée aux mains de la grotte Gua Masri II de Bornéo avec des résultats concluants.

La mixité était donc a priori de mise parmi les artistes du Paléolithique. Évidemment, la méthode n'est pas parfaite car des adolescents mâles adultes peuvent avoir des mains particulièrement féminines. De nombreux auteurs appellent ainsi à la prudence interprétative en contexte archéologique mais la présence féminine parmi les artistes n'est généralement plus remise en doute par les préhistoriens.

Les courbes généreuses des vénus laissent rêveur... mais également perplexe ! On constate en effet que les proportions ne sont pas souvent naturelles et que certaines parties du corps sont carrément omises. Mc Dermott souligne en 1996 que ces accentuations des proportions de certaines parties des corps féminins (seins hypertrophiés, fesses surélevées) pourraient être liées au regard subjectif de l'artiste qui se regarderait elle-même - de haut donc, à une époque où la glace en pied n'existe pas - afin de se représenter.

Adhérer à l'analyse de Mc Dermott, c'est envisager que l'auto-portrait était de mise et que les femmes ne se seraient pas regardées entre elles pour se représenter de manière plus naturaliste. Même si l'hypothèse de l'auto-portrait est largement discutée, elle n'en demeure pas moins passionnante car elle pose pour la première fois la question d'une représentation artistique de soi !

Des représentations de soi donc, imaginons-nous et des représentations peut-être également POUR soi. En effet, plusieurs vénus sont destinées à être portées en pendentif et auraient pu constituer des parures féminines. Évidemment, nous savons que la parure n'est pas l'apanage des femmes au Paléolithique : une plantureuse vénus attachée au cou ou au vêtement d'un homme n'est donc pas une hypothèse à exclure. Cependant, une vénus fait figure d'exception, celle de Mal'ta (Russie, période gravettienne).

Elle est entaillée de plusieurs sillons. Si l'on considère les plus nets d'entre eux, ils sont au nombre de 21, ce qui a amené certains chercheurs à voir ce pendentif comme un mémo permettant aux femmes de maîtriser leur fertilité en comptant les jours qui les séparent de leur prochain cycle d'ovulation par observation empirique de leur période de fertilité personnelle au sein de leur cycle menstruel. Une interprétation controversée mais qui a le mérite de remettre la femme au centre de la production d'objet esthétique, non plus seulement en tant que simple motif mais bien en tant qu'utilisatrice !

La muse

Plus qu'un sujet parmi d'autres pour réaliser quelques études rapidement croquées, la femme semble avoir dépassé le statut de modèle pour atteindre celui de muse. Le phénomène le plus emblématique de ce règne féminin est probablement celui des vénus paléolithiques, ces statuettes de femmes en ronde-bosse à la silhouette schématique produites de l'Oural à l'atlantique, et de l'Aurignacien (-40 000) au Magdalénien (-15 000).

Vénus. C'est le nom qu'on leur donne à la fin du XIX e siècle au moment de leur découverte, comme une évocation de leur divine sensualité. Alors, divinité, la vénus paléolithique ? Assurément les abbés-archéologues bâtisseurs de la science préhistorique lors de ses balbutiements ne souhaitaient pas voir autre chose dans ces femmes aux formes étourdissantes et à la nudité sublimée.

Mais elles pourraient plus largement être des symboles de fécondité : la représentation de plusieurs femmes enceintes et la focalisation dont fait l'objet la vulve pourrait le suggérer. Mais ces femmes voluptueuses ont également pu être les témoins d'un érotisme dont les rarissimes représentations de coït se font aussi l'écho.

Qu'elle soit symbole de fertilité, déesse-mère, ou plus simplement une beauté mystérieuse dont la perfection des courbes vaut à elle seule d'accaparer l'inspiration des artistes, la femme est au centre de la représentation anthropomorphique paléolithique. Et quelles que soient les interprétations fluctuantes des préhistoriens, il est fort à parier que ces statuettes feront tourner les têtes des scientifiques et des esthètes pendant encore quelques millénaires.

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La femme préhistorique : artiste, muse et modèle

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Qu'elle soit symbole de fertilité, déesse-mère, ou plus simplement une beauté mystérieuse, la femme est au centre de la représentation anthropomorphique paléolithique.

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Les pionnières de la Renaissance, de l'ombre à la lumière

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Les pionnières de la Renaissance, de l'ombre à la lumière

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LA femme artiste n'existe pas. Les femmes artistes à l'Académie.

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LA femme artiste n'existe pas. Les femmes artistes à l'Académie.

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Blog BNF

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Plusieurs millions de documents consultables et téléchargeables gratuitement : livres, manuscrits, cartes et plans, estampes, photographies, affiches, revues, fascicules de presse et journaux, enregistrements sonores, partitions

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Femmes artistes : Peintres, sculptrices, copistes : qui sont les femmes artistes au XVIIIe siècle ? 

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Femmes artistes : Peintres, sculptrices, copistes : qui sont les femmes artistes au XVIIIe siècle ? 

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La fabrique de l'Histoire, E. Laurentin

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L'Age mûr (1893), oeuvre de Camille Claudel (1864-1943), Musée Rodin (Paris) ©Getty - Chesnot

La Fabrique de l'Histoire carré

Qui sont les femmes artistes aux XVIIIe et XIXe siècles ? Quelle promotion sociale peuvent-elles envisager grâce aux métiers d'art ? Quelles stratégies déploient-elles face aux discours masculinistes dominants à partir de 1850 ? Et quelles règles - voire quelles limites - leur sont imposées ?

Charlotte Foucher-Zarmanian historienne, chargée de recherches au CNRS

Séverine Sofio sociologue, chargée de recherche au CNRS

Emmanuel Laurentin et Séverine Liatard s'entretiennent avec Charlotte Foucher-Zarmanian, historienne, chargée de recherches au CNRS, spécialiste des femmes dans le monde de l'art et Séverine Sofio, sociologue, chargée de recherche au CNRS.

Le XVIIIe siècle voit se développer un mouvement de féminisation des arts, avant et après la Révolution française, avant de connaître un coup d'arrêt au milieu du XIXe siècle.

Séverine Sofio : En effet, sous la Monarchie de Juillet, 1 peintre sur 5 est une femme et 30% des copistes qui travaillent pour l'administration, pour les tableaux d'histoire qui sont produits pour le musée voulu par Louis Philippe, sont des femmes. Et elles bénéficient d'une reconnaissance relativement importante puisqu'elles sont médaillées dans les salons dans les mêmes proportions que les hommes. Après la Révolution française, les femmes ne sont plus seulement peintres d'histoire mais commencent également à investir les genres mineurs comme la peinture de fleurs, la peinture de miniatures ou sur porcelaine. Des écoles se créent pour former les jeunes filles et les familles ont conscience, à une époque où les femmes n'ont pas accès à l'enseignement secondaire, que l'art est le seul moyen - avec le mariage - d'ascension sociale. D'autant que ces artistes femmes ne sont pas victimes du stigmate social qui frappent les écrivaines à la même époque : la peinture est un métier honorable. Depuis le portrait en miniature jusqu'à la peinture sur porcelaine en passant par le coloriage de gravures, un grand nombre de débouchés, de métiers sont ouverts aux femmes, y compris de condition modeste.

Après cette période d'ouverture, de légitimation de la présence de femmes artistes dans la société, on assiste à un moment de clôture dans les années 1850 ?

Charlotte Fouchet-Zarmanian : En effet, au tournant du XIXe et du XXe siècle, la création artistique est envisagée selon un puissant clivage : la création serait du côté des hommes tandis que les femmes sont reléguées à la procréation, en vertu d'une théorie de la complémentarité, ou des " vases communicants " : aux hommes les grands genres, la grande technique, les grands sujets, et aux femmes les petites dimensions, les petits sujets. On observe à cette époque chez les critiques d'art, mais aussi chez les médecins, les prêtres, de nombreux discours misogynes, biologisant, essentialistes qui relèguent la femme du côté de sa vocation maternelle et conjugale. Selon ces discours, les femmes ne peuvent prétendre à l'originalité, elles sont condamnées à l'imitation, à la copie. Une femme belle qui peut procréer ne peut donc pas créer. Et pour celles qui toutefois parviendraient à créer, elles ne peuvent alors qu'en venir à se déféminiser, à se masculiniser, à avoir " un cerveau d'homme " comme on le disait des écrivaines.

Textes lus par Daniel Kenigsberg

Edmond Picard, " Les femmes artistes ", L'Art moderne, 21 septembre 1884

Abbé de Fontenay, article paru dans le Journal général de France le 14 juin 1785

Antoine Renou, article paru dans le Journal de Paris le 9 juillet 1785

Agenda

L'équipe

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Peintres, sculptrices, copistes : qui sont les femmes artistes au XVIIIe siècle ? : épisode 2/4 du podcast Femmes artistes

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L'Age mûr (1893), oeuvre de Camille Claudel (1864-1943), Musée Rodin (Paris) ©Getty - Chesnot Charlotte Foucher-Zarmanian historienne, chargée de recherches au CNRS Séverine Sofio sociologue, chargée de recherche au CNRS Emmanuel Laurentin et Séverine Liatard s'entretiennent avec Charlotte Foucher-Zarmanian, historienne, chargée de recherches au CNRS, spécialiste des femmes dans le monde de l'art et Séverine Sofio, sociologue, chargée de recherche au CNRS.

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Georges de Feure et la représentation de la féminité

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Georges de Feure et la représentation de la féminité

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Art nouveau

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Le rôle et le statut des femmes dans la société ont énormément évolué à la fin du XIXe siècle (comme nous l'avons constaté au fil de l'exposition Faces of Europe en 2016). Les femmes ont acquis davantage d'indépendance et bon nombre de citadines appartenant à la classe moyenne disposaient d'un revenu. À la même période, les artistes et designers (majoritairement masculins) d'Art nouveau ont représenté les femmes dans des formes extrêmement idéalisées, féminines et séduisantes. Les femmes cheveux au vent, élancées, attirantes, et souvent nues, étaient très présentes dans la bijouterie, les peintures et ouvrages de l'Art nouveau.

La publicité a joué un rôle prépondérant dans l'image des femmes auprès du public et, exactement comme aujourd'hui, elle a utilisé le corps des femmes pour vendre des modes de vie et des produits aux consommateurs.

De nombreux artistes de l'Art nouveau ont utilisé l'érotisme dans leurs œuvres, mais aucun de manière aussi rentable que le peintre et artiste décoratif tchèque Alphonse Mucha (1860-1939). L'œuvre de Mucha, designer polyvalent de papiers peints, textiles, argenterie et bijouterie, est immédiatement reconnaissable et a été largement reproduite après la publication de deux volumes de ses designs graphiques en 1902.

La publicité de Mucha pour les cigarettes Job, ci-contre, illustre l'idée selon laquelle " le sexe est vendeur " : une femme voluptueuse tient une cigarette allumée, avec les yeux fermés et les lèvres légèrement entrouvertes pour suggérer l'extase. Le simple fait que cette femme fume pourrait être qualifié de scandaleux étant donné que peu de femmes respectables fumaient en public à l'époque.

La vie personnelle de la comédienne et actrice française Sarah Bernhardt (1844-1923)

a été aussi spectaculaire que sa carrière. Elle était une icône du style Art nouveau, dont l'image a été représentée sur divers produits, dont des cosmétiques, vêtements et produits alimentaires comme les biscuits Lefèvre-Utile.

S. Bernhardt a inspiré et a commandé plusieurs œuvres d'Alphonse Mucha, comme , ainsi que de la bijouterie, porcelaine et d'autres œuvres d'artistes comme René-Jules Lalique.

Des femmes célèbres comme S. Bernhardt ont été des muses importantes pour de nombreux artistes et certaines étaient très demandées, à l'image de la danseuse de cabaret Jane Avril et de la danceuse Loie Fuller.

Souvent considérée comme la personnification de l'Art nouveau, L. Fuller a fait ses débuts sur scène en 1892 aux Folies Bergères. Ayant pratiqué la danse libre très jeune, elle a créé une série de chorégraphies qu'elle réalisait sur scène sur la musique de Debussy, Chopin et Schubert, sous un éclairage très vivant.

Voilà un court métrage de la célèbre Danse serpentine de L. Fuller, 1891, réalisé par les Frères Lumière en 1896. La danseuse du film pourrait être Caroline Hipple Holpin, connue sous le nom de Papinta " The Flame Dancer ".

Pendant cette période, la mode féminine a changé alors que la réforme de la mode prenait de l'ampleur. Les créateurs de mode de l'Art nouveau ont créé des vêtements féminins moins restrictifs, plus légers et plus faciles à porter. Tissus doux et transparents, lignes sinueuses et couleurs modernes puis, après 1900, un nouveau style de corset créant une silhouette en forme de S.

Les vêtements de sport, de plage et de cyclisme pour femmes sont apparus sur le marché. Les chaussures possédaient des motifs Art nouveau avec des détails stylisés sur les talons. Les dernières tendances étaient présentées dans les magazines de mode, les journaux et les grands magasins et se répandaient très vite en Europe.
Explorez notre tableau Pinterest créé spécialement sur la mode de l'Art Nouveau (c.1890-c.1910) ci-dessous.

En accord avec les évolutions artistiques contemporaines, de nombreux artistes travaillant dans le style Art nouveau ont réalisé des portraits de femmes à teneur mystique et symbolique. À l'époque, la fascination de la culture européenne pour la psychologie et le symbolisme est née de sa poésie et de sa littérature décadentes et des écrits de Sigmund Freud. Les théories de Freud sur l'inconscient et l'interprétation des rêves ont offert de nouveaux thèmes palpitants à explorer aux artistes. Nombre d'entre eux ont rejeté les contraintes du réalisme et se sont davantage tournés vers les mondes intérieurs.

La vision de la Femme comme symbole de pureté, ou de son contraire, constituait un thème récurrent dans l'art et la littérature de la fin de siècle. Les femmes étaient souvent représentées comme des êtres éthérés, séduisants et meurtriers, comme Médusa et Salome. Le tableau de Franz von Stuck, Le baiser du Sphinx, 1895 (illustré ci-dessus) représente une créature féminine qui embrasse fougueusement un homme tout en en l'enserrant avec ses griffes de lion.

Le peintre autrichien et membre de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) était l'un des artistes les plus célèbres de l'ère de l'Art nouveau. Les œuvres de G.Klimt, tel que le Danae de 1907-08 ci-dessous, représentaient souvent la femme nue de manière extrêmement décorative et sensuelle. Il y incorporait des matériaux précieux, comme de l'or et de l'argent, pour créer des surfaces brillantes évoquant la mosaïque.

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Le rôle et le statut des femmes dans la société ont énormément évolué à la fin du XIXe siècle (comme nous l'avons constaté au fil de l'exposition Faces of Europe en 2016). Les femmes ont acquis davantage d'indépendance et bon nombre de citadines appartenant à la classe moyenne disposaient d'un revenu.

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Femmes artistes au tournant du XXe siècle : l’art de l’émancipation

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Femmes artistes au tournant du XXe siècle : l’art de l’émancipation

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Armelle Fémelat

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Suzanne Valadon, La Chambre bleue, 1923

huile sur toile * 90 cm × 116 cm * Coll. Musée des Beaux Arts, Limoges * © Centre Pompidou, MNAM CCI, RMN Grand Palais Centre Pompidou

Suzanne Valadon est moins connue pour son œuvre que pour ses frasques et sa vie sentimentale mouvementée. Femme libre et libérée, elle aima passionnément Henri de Toulouse-Lautrec, entre autres, rendit fou d'amour Erik Satie, entre autres, avant de partager les trente dernières années de sa vie avec le peintre André Utter, un ami de son fils, Maurice Utrillo, de vingt-et-un ans son cadet.... Modèle et muse, artiste autodidacte formée auprès des peintres de Montmartre, Valadon s'est vite imposée comme une icône de l'émancipation féminine. Dessinatrice avide, peintre inimitable, elle a frayé son chemin à travers la modernité, imposant son style fait de cernes, de couleurs vives, de vigueur et d'humanité. Elle n'a pourtant encore jamais fait l'objet d'une rétrospective...

" Nous voulons sortir toutes ces femmes de l'oubli, de l'amnésie collective de l'histoire d'art. "

Magali Philippe-Briat

" Elle n'a jamais été montrée pour elle-même ", explique Magali Briat-Philippe, conservatrice à Brou et commissaire de l'exposition. " Il est grand temps de réparer cette injustice et de la sortir de la tutelle masculine Utrillo-Utter. Dans l'exposition, Valadon a sa section à elle, mais on la retrouve tout au long de l'accrochage, c'est en quelque sorte un fil rouge ! Nous montrons qu'elle est l'arbre qui cache la forêt. Son parcours a beau être exceptionnel, il est celui d'une femme artiste qui a œuvré dans les années 1880-1940, tout comme Camille Claudel, à peu de choses près - mais cette dernière a passé la fin de sa vie abandonnée dans un asile... Nous voulons sortir toutes ces femmes de l'oubli, de l'amnésie collective de l'histoire d'art, d'autant plus qu'elles ont bénéficié d'un réel succès de leur vivant. " Les œuvres de quarante-et-une d'entre elles sont ainsi mises en lumière et remises en perspective dans l'ancien réfectoire du monastère de Brou. Déterminées, ces femmes se sont donné les moyens d'être reconnues comme artistes à part entière.

Il n'est pas inutile de rappeler qu'à la fin du XIXe siècle, les femmes sont dénuées de tout droit civique et sont priées de se cantonner à la sphère domestique. Pour travailler, elles seront dépendantes de l'autorisation de leur mari jusqu'en 1965... Certaines cependant ne l'entendent pas de cette manière et veulent faire profession d'artistes. Ce qu'elles arriveront à être, à force d'effort, de travail et d'entraide. " Les années 1880 se sont avérées un moment clé, où l'on passe de trajectoires personnelles à des luttes plus collectives, ce qui suit une évolution de la société " précise Magali Philippe-Briat. La première manifestation féministe est en effet organisée à Paris, en 1881, par Hubertine Auclert. " Jusque là le fait d'être artiste pour une femme était accepté comme un hobby pour les femmes de la bonne société. N'étaient considérées comme " professionnelles " que les femmes issues de familles d'artistes, via leur père ou leur mari. "

Une telle transformation passe notamment par la création de lieux de formation. Ce sont d'abord des académies privées, Julian ou Colarossi (la Grande Chaumière), l'atelier d'Auguste Rodin... Mais elles entendent bien accéder à l'École nationale des Beaux-Arts, raison pour laquelle la sculptrice Hélène Bertaux fonde, en 1881, l'Union des femmes peintres et sculpteurs. Il leur faudra attendre dix-sept ans, et 1903 pour accéder au Prix de Rome, à un moment où ce dernier est sur le déclin... Les femmes elles-mêmes contribuent activement à la formation de leurs homologues, que ce soit Élisa Blondel - qu'il serait temps de sortir des oubliettes, avis aux amateurs ! - ou Marie Vassilieff, élève d'Henri Matisse qui ouvre une académie à son nom en 1911 à Montparnasse, vite devenu un lieu incontournable de la vie artistique et intellectuelle. Magali Philippe-Briat le répète : " il faut insister sur la dimension collective de ce mouvement, sur la sororité, qui se traduit par de véritables réseaux de solidarité féminine. "

Marie Vassilieff, Scipion le noir, 1916

huile sur toile * 100 x 120 cm * Coll. particulière * © Galerie Françoise Livinec, Paris

Mais l'accession des femmes au statut d'artiste, à la professionnalisation, passe également par la diffusion. Leur travail doit être connu, voire même reconnu, et leurs œuvres montrées dans des expositions. Et là encore, l'entraide et les réseaux de sociabilité se sont avérés essentiels. Ainsi, en 1893, un groupe d'artistes françaises expose à l'Exposition universelle de Chicago tandis qu'au même moment, plusieurs Américaines séjournent à Paris, en quête de liberté, à l'instar de Mary Cassatt ou Romaine Brooks. " Nous avons voulu mettre en avant le côté cosmopolite de cette féminisation du métier d'artiste. Paris était la capitale artistique du monde et nombreuses sont les peintres et sculptrices qui sont venues y séjourner, toutes nationalités confondues ! Nous nous sommes fixé comme limite de ne choisir que des artistes qui ont passé une partie significative de leur carrière en France ", précise la commissaire, soit Leonor Fini venue d'Argentine, Louise Breslau et Marguerite Peltzer d'Allemagne, Rita Kernn-Larsen et Gerda Wegener du Danemark, Irène Codréano de Roumanie, Tamara de Lempicka et Sonia Lewitska de Pologne, Chana Orloff et Sonia Delaunay d'Ukraine, Nadia Léger-Khodossiévitch de Biélorussie et enfin Marie Vassilieff de Russie.

Autre élément clé dans la diffusion : les galeristes, qui ont parfois été des marchandes à l'instar de Berthe Weil, pionnière des avant-gardes. Au masculin : elle a été la première à vendre des toiles de Picasso et de Matisse dans sa petite boutique de Montmartre, puis à dédier une exposition à Modigliani de son vivant. Et bien sûr au féminin, ayant montré et défendu Suzanne Valadon, Émilie Charmy, Marie Laurencin, Jacqueline Marval et Valentine Prax, comme elle le raconte dans ses mémoires Pan !.. dans l'œil ! Ou trente ans dans les coulisses de la peinture contemporaine 1900-1930 (réédité en 2009 par L'Échelle de Jacob).

La grande majorité de ces femmes artistes ont en commun la défense de leur liberté, leur affranchissement des conventions. Ce qui se traduit autant sur le plan artistique - nombre d'entre elles participent aux avant-gardes dans leurs différentes déclinaisons : impressionnisme, fauvisme, cubisme, surréalisme... - que du point de vue de la sociabilité et des mœurs. Les amours libres sont légion et celles féminines ne sont pas rares. Parmi les couples de femmes assumés et affichés : Louise Abbéma et Sarah Bernhardt ou encore Louise Breslau et Madeleine Zillhardt, qui puisent leur inspiration dans la culture lesbienne, partagée notamment au sein du " Temple de l'amitié ", salon de l'écrivaine Natalie Clifford Barney et de sa compagne peintre Romaine Brooks.

L'iconographie fait naturellement écho à cette liberté gagnée et à cette sororité. Les créatrices n'ont en effet pas manqué de multiplier les portraits et les autoportraits : une excellente manière de se faire connaître et reconnaître ! Particulièrement émouvant, Lily (1922) par Gerda Wegener, une effigie du mari de la peintre danoise, premier homme à avoir été opéré pour devenir femme. En toute logique, les créatrices n'ont pas hésité non plus à proposer de nouvelles images des femmes, nues ou vêtues, affranchies du regard des hommes et des conventions sociales.

Parmi les quarante-et-une peintres et sculptrices exposées à Brou, certaines sont déjà très connues du grand public : Camille Claudel, Berthe Morisot, Mary Cassatt, Marie Laurencin, Séraphine de Senlis, Tamara de Lempicka, Sonia Delaunay ou Sophie Taeuber-Arp. D'autres moins voire pas du tout... Auxquelles s'ajoutent des créatrices régionales à découvrir ou à redécouvrir : les Lyonnaises Jeanne Bardey, Germaine de Roton, Henriette Morel et Marguerite Miraillet, la Stéphanoise Émilie Charmy ou la Grenobloise Henriette Deloras. " Il y a plein de recherches à mener, de monographies à écrire ", s'enthousiasme Magali Philippe-Briat, qui précise aussitôt qu'un parcours spécial au féminin est également proposé au sein des collections du musée. " Nous n'avons pas la prétention d'être exhaustifs, nous avons choisi des axes, des thèmes, mais tant de choses restent à faire, d'artistes à redécouvrir et d'histoires à écrire... "
www.monastere-de-brou.fr
Monastère royal de Brou * 63, boulevard de Brou * 01000 Bourg-en-Bresse
www.monastere-de-brou.fr

Plus d'informations :

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Femmes artistes au tournant du XXe siècle : l'art de l'émancipation

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Suzanne Valadon est moins connue pour son œuvre que pour ses frasques et sa vie sentimentale mouvementée. Femme libre et libérée, elle aima passionnément Henri de Toulouse-Lautrec, entre autres, rendit fou d'amour Erik Satie, entre autres, avant de partager les trente dernières années de sa vie avec le peintre André Utter, un ami de son fils, Maurice Utrillo, de vingt-et-un ans son cadet....

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Être femme ET artiste, le nœud du problème…

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Être femme ET artiste, le nœud du problème…

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Alexandrine pour le blog de Studio Àartus

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Ressources sur la thématique

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éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

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De nombreuses ressources muséales et pédagogiques permettent d' envisager la femme comme objet de représentation et d' aborder la réappropriation de l'art par les femmes comme vecteur d'émancipation.

Comment ancrer une culture de l'égalité entre les filles et les garçons au sein de l'enseignement d'histoire des arts ? L'exposition virtuelle Les femmes artistes sortent de leurs réserves, publiée sur le site du ministère de la Culture en 2019, reste la ressource la plus complète pour aborder le thème en classe avec les élèves. Elle se décline en cinq entrées : chronologie, milieu artistique, statut, affirmation, icônes. Un dossier numérique Femmes artistes de la BnF complète utilement cette exposition.

Plusieurs musées mettent à disposition des parcours sur le thème des femmes artistes conçus à partir de leurs collections permanentes. Le musée des Beaux-Arts de Bordeaux propose un parcours intitulé L'art au prisme des inégalités hommes-femmes, accessible dès l'école primaire résultat d'un travail partenarial avec l'académie de Bordeaux. Le musée des Beaux-Arts de Lyon met en ligne une exposition virtuelle consacrée à leur représentation. Le musée des Beaux-Arts de Nantes a publié un dossier pédagogique Où sont les femmes ?. Un parcours Femmes, arts et pouvoir au musée d'Orsay interroge le rôle des femmes de 1848 à 1914. Une fresque interactiveElles@CentrePompidou conçue par l'INA et le Centre Pompidou questionne les démarches créatrices des femmes artistes au XX e siècle.

En complément, la base Joconde propose une recherche par nom d'auteurs femmes et le site AWARE indexe une riche information sur les femmes artistes ou les artistes féminines du XX e siècle par ordre alphabétique d'artistes.

Plusieurs scénarios pédagogiques publiés dans Édubase abordent également cette question :

Enfin, des ressources d'accompagnement sur éduscol proposent des pistes de réflexion :

pour le lycée, dans le cadre l'enseignement de spécialité histoire des arts, en classe de première, une analyse de Maman de Louise Bourgeois.

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Femmes, féminité, féminisme : au carrefour des pratiques, des revendications et des civilisations

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Formats courts animés proposés par la plateforme AWARE

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L’histoire de Baya — AWARE Women artists / Femmes artistes

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Petites histoires de grandes artistes est un projet original de vidéos d’animation ludiques et éducatives, destinées aux enfants à partir de 7 ans ainsi qu’aux plus grands. L’objectif de chaque épisode ? Faire découvrir en 3 min environ la vie et l’œuvre d’une artiste femme…

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Les anti-muses du surréalisme via Schirn Kunsthalle frankfurt

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SOURCES AND PICTURE CREDITS

QUOTATIONS

Frida Kahlo: „Nothing is absolute [...]", quoted from: https://www.daskreativeuniversum.de/frida-kahlo-zitate/

Leonora Carrington: „I didn't have time to be anyone's muse [...]", quoted from: Whitney Chadwick: Women Artists and the Surrealist Movement, 1985, p. 66.

Frida Kahlo: „Painting completed my life.", quoted from: https://www.daskreativeuniversum.de/frida-kahlo-zitate/

Jacqueline Lamba: „The line does not exist, [...]", quoted from: Jacqueline Lamba, Galerie Norlyst, NY 1944, in: Lexikon phantastischer Künstlerinnen, ed. Gerhard Habarta. 2017, p. 42.

Leonora Carrington: „People under seventy [...]", quoted from: https://beruhmte-zitate.de/autoren/leonora-carrington/

Meret Oppenheim: „Freedom is not given to you, [...]", quoted from: https://www.emma.de/artikel/meret-oppenheim-sie-ist-so-frei-263956

ILLUSTRATIONS

© VG Bild-Kunst, Bonn 2019, for all the illustrated works by: Lola Álvarez Bravo, André Breton, Louise Bourgeois, Leonora Carrington, Leonor Fini, Jane Graverol, Frida Kahlo, Jacqueline Lamba, Dora Maar, Meret Oppenheim, Man Ray, Kay Sage, Yves Tanguy, Toyen and Remedios Varo.

In spite of our best efforts, it has not always been possible to discover the owners of the rights to the pictures. Any justified claims in this regard will of course be recompensed under the usual agreements.

Frida Kahlo
Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird, 1940
Oil on canvas
62.2 × 48.3 cm
Collection of Harry Ransom Center, The University of Texas at Austin, Nickolas Muray Collection of Modern Mexican Art
© Harry Ransom Center, The University of Texas at Austin
© Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust.

Meret Oppenheim
Mona Lisa's Eye, 1967
Oil on canvas
23 × 32 cm
Private collection
© Private collection.

Leonor Fini
In the Tower, 1952
Oil on canvas
90.8 × 64.8 cm
Rowland Weinstein, Weinstein Gallery
© Weinstein Gallery.

Jane Graverol
The Holy Spirit, 1965
Oil on canvas
63.5 × 54.5 cm
Private collection, Dilbeek, Belgium
© Private collection, Dilbeek, Belgium.

Rachel Baes
The Polka, 1946
Oil on canvas
81 × 65 cm
Private collection, Écaussinnes
© Private collection, Écaussinnes
© Rachel Baes.

Ithell Colquhoun
Tree Anatomy, 1942
Oil on wood
57 × 29 cm
The estate of the late Dr. Jeffrey Sherwin and the Sherwin family
© The Estate of the late Dr. Jeffrey Sherwin and the Sherwin Family / Bridgeman Images
© Samaritans, © Noise Abatement Society & © Spire Healthcare.

Louise Bourgeois
Femme maison, 1945/47
Oil and ink on linen
90.1 × 34.9 cm
Private collection, New York
© Private collection
© The Easton Foundation.

Claude Cahun
Self-portrait (I Am in Training ... Don't Kiss Me), c.1927
Vintage gelatin silver print
11.7 × 8.9 cm
Private collection
© Private collection
© Claude Cahun.

Leonora Carrington
Self-portrait at the Auberge du Cheval d'Aube, 1937/38
Oil on canvas
65 × 81.3 cm
The Metropolitan Museum of Art. The Pierre and Maria-Gaetana Matisse Collection, 2002
© bpk / The Metropolitan Museum of Art.

Bridget Tichenor
The Surrealists/The Specialists, 1956
Oil on Masonite
40 × 30.2 cm
Private collection, Mexico
© Schirn Kunsthalle Frankfurt, photo: Francisco Kochen
© Estate of Bridget Tichenor.

Frida Kahlo
Self-portrait on the Borderline Between Mexico and the United States, 1932
Oil on metal sheet
31.8 × 34.9 cm
Modern Art International Foundation. Courtesy: Maria and Manuel Reyero Collection, New York
© Maria and Manuel Reyero Collection, New York
© Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust.

Jacqueline Lamba
Sunflower, c.1942
Coloured pencil on paper
56.2 × 76.3 cm
Oscar Román Gallery
© Schirn Kunsthalle Frankfurt, photo: Francisco Kochen.

Frida Kahlo
Sun and Life, 1947
Oil on Masonite
40 × 49.5 cm
Private collection, courtesy Galería Arvil
© Galería Arvil
© Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust.

Alice Rahon
Corn Festival, 1954
Oil on canvas
115.5 × 89 cm
Rowland Weinstein, Weinstein Gallery
© Weinstein Gallery
© Alice Rahon.

Leonor Fini
Chtonian Deity Watching over the Sleep of a Young Man, 1946
Oil on canvas
27.9 × 41.3 cm
Weinstein Gallery, San Francisco, and Francis Naumann Gallery, New York
© Weinstein Gallery.

Frida Kahlo
The Little Deer, 1946
Oil on Masonite
22.5 × 29.8 cm
Private collection
© MCA Chicago, photo: Nathan Keay
© Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust.

Leonora Carrington und José Horna
La Grande Dame (Cat Woman), 1951
Oil on wood
H: 202 cm
Private collection
© Imaging4Art.

Leonora Carrington
Portrait of the Late Mrs. Partridge, 1947
Oil on board
100.3 × 69.9 cm
Private collection
© MCA Chicago, photo: Nathan Keay.

Remedios Varo
Emerging Light, 1962
Oil on Masonite
65.5 × 28.6 cm
Private collection
© Imaging4Art.

Toyen
The Paravent, 1966
Oil and collage on canvas
116 × 73 cm
Musée d'art moderne de la ville de Paris
© Julien Vidal / Musée d'art moderne / Roger-Viollet.

Yves Tanguy, André Breton und Jacqueline Lamba
Cadavre exquis, 8 February 1938
Collage of engravings and magazine illustrations cut out on paper
25 × 16.8 cm
Achat en vente publique en 1986
Centre Pompidou, Paris, Musée national d'art moderne/Centre de création industrielle
© bpk / CNAC-MNAM / Philippe Migeat.

Leonora Carrington
The Pleasures of Dagobert, 1945
Egg tempera on Masonite
75 × 87 cm
Private collection
© Imaging4Art.

Jheronymus Bosch
Temptations of St. Anthony (central panel), 1505-1506
Oil on oak
131.5 × 119 cm
Museu Nacional de Arte Antiga, Lissabon
Luisa Oliveira and Direção-Geral do Património Cultural / Arquivo de Documentação Fotográfica (DGPC/ADF).

Meret Oppenheim
Daphne and Apollo, 1943
Oil on canvas
140 × 80 cm
Lukas Moeschlin, Basel
© Privat, Lukas Moeschlin, photo: Christian Baur.

Emila Medková
A Hand with Watches, 1949
Photograph
30 × 40 cm
Eva Kosáková Medková
© Eva Kosáková Medková.

Lee Miller
Impasse des deux anges, Paris, c.1930
Photograph
29.2 x 22.7 cm
Lee Miller Archives
© Lee Miller Archives, England 2019. All rights reserved. leemiller.co.uk.

Lola Álvarez Bravo
Architectural Anarchy in Mexico City, 1950s
Gelatin silver print
21.4 × 17.7 cm
Center for Creative Photography, University of Arizona: Lola Álvarez Bravo Archive
© Center for Creative Photography, The University of Arizona Foundation.

Dora Maar
29, rue d'Astorg, 1936
Photomontage, gelatin silver print
85 × 80 cm
Dation Pablo Picasso, 1979. Musée national Picasso - Paris
© bpk / RMN - Grand Palais / Dora Maar.

Jane Graverol
The Prosperity of Vice, 1967
Painting-collage on panel
81 × 60 cm
Rosine Ortmans
© Schirn Kunsthalle Frankfurt, photo: Renaud Schrobiltgen.

Kay Sage
Tomorrow Is Never, 1955
Oil on canvas
96.2 × 136.8 cm
The Metropolitan Museum of Art, Arthur Hoppock Hearn Fund, 1955
© bpk / The Metropolitan Museum of Art
© Estate of Kay Sage.

PHOTOGRAPHS

Unknown photographer
Diana Brinton Lee, Nusch Éluard, Eileen Agar, Sheila Legge, and a friend of Salvador Dalí (sitting) in the „International Surrealist Exhibition", New Burlington Galleries, London, 1936
© National Galleries of Scotland.

Man Ray
„Exposition surréaliste d'objets", exhibition view, Galerie Ratton, Paris, 1936
© Collection David et Marcel Fleiss, Galerie 1900-2000, Paris
© Man Ray 2015 Trust / VG Bild-Kunst, Bonn 2019.

Unknown photographer
Breton with Trotski, Rivera and Lamba in Mexico City, 1938
Photo 12 / Alamy Stock Foto.

Bessi Carrara
Louise Bourgeois, 1967
© The Easton Foundation / VG Bild-Kunst, Bonn 2019
Photo: Studio Fotografico I. Bessi Carrara.

Eileen Agar
Ceremonial Hat for Eating Bouillabaisse, 1936
Private collection
© Estate of Eileen Agar / Bridgeman Images.

André Ostier
Portrait of Leonor Fini, 1951
The Museum of Fine Arts, Houston, Museum purchase funded by Mr. And Mrs. Harry B. Gordon, 80.22
© Indivision A. et A. Ostier.

Dora Maar
Nusch Éluard, c. 1935
bpk / CNAC-MNAM / Dora Maar.

Unknown photographer
Emila Medková, n. d.
Private collection
© Eva Kosáková Medková.

Claude Cahun
Self-portrait, 1938
© Jersey Heritage Collections, Claude Cahun.

Hugo van Wadenoyen
Ithell Colquhoun, n. d.
© Courtesy Light Cone & the right-holder Hugo van Wadenoyen, Ithell Colquhoun, n. d.

Claude Cahun
André Breton and Jacqueline Lamba with reflections, 1935
© Jersey Heritage Collections, Claude Cahun.

Kati Horna
Leonora Carrington, 1957
Private collection
© 2019 ANA MARÍA NORAH HORNA Y FERNÁNDEZ.

Man Ray
Dora Maar, 1936
bpk | CNAC-MNAM | Man Ray
© Man Ray 2015 Trust.

Man Ray
Valentine Hugo solarisée, 1935
bpk / CNAC-MNAM / Man Ray
© Man Ray 2015 Trust.

Unknown photographer
Remedios Varo, n. d.

Meret Oppenheim
Portrait with Tattoo, June 1980
Heinz-Günter Mebusch, Meret Oppenheim
© The Mebusch Estate I Artforum Culture Foundation.

Wolfgang Paalen
Alice Rahon, 1932
Wolfgang Paalen, Portrait Alice Paalen, Paris 1932
® Succession Wolfgang Paalen et Eva Sulzer.

Man Ray
Toyen, 1935
bpk | CNAC-MNAM | Man Ray
© Man Ray 2015 Trust.

Claude Cahun
Marcel Moore, 1915
© Jersey Heritage Collections, Claude Cahun.

Georges Thiry
Jane Graverol, c. 1955
Private collection
© Collection Musée de la Photographie, Charleroi/Yellow Now
Photo: Georges Thiry.

Unknown photographer
Frida Kahlo, 1948
© Bridgeman Images.

Kati Horna
Bridget Tichenor, 1967
Private collection
© 2019 ANA MARÍA NORAH HORNA Y FERNÁNDEZ.

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SOURCES AND PICTURE CREDITS QUOTATIONS Frida Kahlo: „Nothing is absolute [...]", quoted from: https://www.daskreativeuniversum.de/frida-kahlo-zitate/ Leonora Carrington: „I didn't have time to be anyone's muse [...]", quoted from: Whitney Chadwick: Women Artists and the Surrealist Movement, 1985, p. 66.

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Podcast AWARE « Les grandes dames de l’art »

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Fanny Michaëlis, Anna-Eva Bergman, 2021
© Fanny Michaëlis

The podcast "Les grandes dames de l'art" ("Great Women in Art") gives a voice to women artists of the 20th century. They speak of their work, their lives, the world around them and their achievements. Let us go in search of their presence, their secrets. Let us rediscover the hidden history of women artists through their voices.

Following the episode on Maria Helena Vieira da Silva, let's carry on discovering the history of female abstraction. Anna-Eva Bergman was born in Norway in 1909 and died in 1987. She was remarkable in her strength and singularity: after practising figurative painting she moved onto abstract painting, whilst refusing the expression "abstract art". She called her work non-figurative and talked about the art of abstracting.

From 1920 to 1940 her painting was inhabited by quirky characters, but also darker ones when it came to criticising the German army's occupation of Norway. She also painted urban landscapes. At the end of the 1940s, she shifted towards abstraction, still working from recognizable shapes and forms originating in nature or Scandinavian mythology.

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Anna-Eva Bergman - AWARE Women artists / Femmes artistes

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The podcast "Les grandes dames de l'art" ("Great Women in Art") gives a voice to women artists of the 20th century. They speak of their work, their lives, the world around them and their achievements. Let us go in search of their presence, their secrets....

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Podcast AWARE « Les grandes dames de l’art »

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Maria Helena Vieira da Silva

Fanny Michaëlis, Maria Helena Vieira da Silva, 2021
© Fanny Michaëlis

The podcast "Les grandes dames de l'art" ("Great Women in Art") gives a voice to women artists of the 20th century. They speak of their work, their lives, the world around them and their achievements. Let us go in search of their presence, their secrets. Let us rediscover the hidden history of women artists through their voices.

Up until very recently, it was believed that abstraction was invented and practised solely by men. However, after re-examination, it seems like it was the other way around: many women abandoned figurative art, as did their male colleagues at the time, to singularly inhabit the vast continent that is art. Maria Helena Vieira da Silva is one of them. Her story is quite extraordinary. Her work was recognised very early on when she was in her forties. She received many prizes, the Grand Prix National des Arts in 1966 and the Legion of Honour in 1979. Her work has been shown worldwide and is now part of some of the most prestigious museum collections in the world: the Guggenheim in New York, the Tate Modern in London, and the Pompidou Centre in Paris. In short, Vieira da Silva is one of the rare female artists to have risen to fame during her lifetime.

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Maria Helena Vieira da Silva - AWARE Women artists / Femmes artistes

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The podcast "Les grandes dames de l'art" ("Great Women in Art") gives a voice to women artists of the 20th century. They speak of their work, their lives, the world around them and their achievements. Let us go in search of their presence, their secrets....

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Podcast AWARE « Les grandes dames de l’art »

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Fanny Michaëlis, Niki riding Death, 2021
Illustration inspired by the work of the same title by Niki de Saint Phalle from the Jardin des Tarots in Tuscany, © Fanny Michaëlis

The podcast "Les grandes dames de l'art" ("Great Women in Art") gives a voice to women artists of the 20th century. They speak of their work, their lives, the world around them and their achievements. Let us go in search of their presence, their secrets. Let us rediscover the hidden history of women artists through their voices.

The subject of the first episode of the podcast "Les grandes dames de l'art" is sculpture, a technique that has long been considered one reserved for men. Women have ventured in it, created on a monumental scale, and some have even taken over public space. Niki de Saint Phalle, one of the best-known women artists of the 20th century, was a sculptor. She proclaimed herself to be one and prided herself on the imposition of her women in the streets: her Nanas sculptures.

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Niki de Saint Phalle - AWARE Women artists / Femmes artistes

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The podcast "Les grandes dames de l'art" ("Great Women in Art") gives a voice to women artists of the 20th century. They speak of their work, their lives, the world around them and their achievements. Let us go in search of their presence, their secrets....

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Podcast AWARE « Les grandes dames de l’art »

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"Les grandes dames de l'art" is a podcast produced by AWARE: Archives of Women Artists, Research and Exhibitions, in collaboration with the Institut national de l'audiovisuel, with the support of Maison Veuve Clicquot and the Ministry of Culture's Délégation à la transmission, aux territoires et à la démocratie culturelle.

Coordinated by: Mathilde de Croix and the AWARE team
Directed by: Élodie Royer
Music by: Juliano Gil
Credits: Andrew Nelson
Sound Editing: Basile Beaucaire
Scientific Advisors: Catherine Gonnard and Marjorie Micucci
Translation: Beth Gordon
French Voice: Camille Morineau
English Voice: Lou Doillon
Translation of the Artist's Voice: Eve Dayre

Extracts: L'art et la vie, coll. RDF/RTF/Autres (1949-1963), rubrique " L'atelier de Germaine Richier, sculpteur ", émission du jeudi 8 septembre 1955, producteurs : Louis Cheronnet, Georges Charensol, Jean Dalevèze. La Tribune des arts, coll. RDF/RTF, émission du 17 octobre 1956, producteur André Parinaud.

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Germaine Richier - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Podcast AWARE « Les grandes dames de l’art »

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"Les grandes dames de l'art" is a podcast produced by AWARE: Archives of Women Artists, Research and Exhibitions, in collaboration with the Institut national de l'audiovisuel, with the support of Maison Veuve Clicquot and the Ministry of Culture's Délégation à la transmission, aux territoires et à la démocratie culturelle du ministère de la Culture.

Coordinated by: Mathilde de Croix and the AWARE team
Directed by: Élodie Royer
Music by: Juliano Gil
Credits: Andrew Nelson
Sound Editing: Basile Beaucaire
Scientific Advisors: Catherine Gonnard and Marjorie Micucci
Translation: Katia Porro
French Voice: Camille Morineau
English Voice: Lou Doillon
Translation of the Artist's Voice: Eve Dayre

Extracts: Otte, Lyrics and singing by Louise Bourgeois, music by Satch Hoyt and Ramuntcho Matta; produced by Brigitte Cornand, Les Films du Siamois, Paris, 1995

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Louise Bourgeois - AWARE Women artists / Femmes artistes

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The podcast "Les grandes dames de l'art" ("Great Women in Art") gives a voice to women artists of the 20th century. They speak of their work, their lives, the world around them and their achievements. Let us go in search of their presence, their secrets....

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L'art et les femmes - Bibliographie proposée apr la BNF

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L'art et les femmes - Bibliographie proposée apr la BNF

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Pour l’histoire des femmes artistes : historiographie, politique et théorie

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Pour l’histoire des femmes artistes : historiographie, politique et théorie

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Mary D. Sheriff

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Statuette de femme-vulve dite Baubo, terre cuite, provenant de Priène, Asie Mineure, IVe siècle av. J.-C.

Une publicité pour des produits " d'hygiène intime " évoquant la vulve - et les règles - de façon réaliste et sans tabou fait actuellement polémique en France, alors que les symboles phalliques, culturellement, ne provoquent pas la même réprobation. Pourquoi cette différence de traitement ? Et depuis quand la vulve est-elle considérée comme obscène ?

Que ce soit dans l'art ou dans la publicité, les images de sexes masculins ne choquent guère. Nous y sommes habitués. Des statues viriles exposent leurs pénis - assez réalistes - dans nos parcs depuis des siècles, tandis que Perrier fait régulièrement la promotion de ses bouteilles aux formes phalliques.

Au contraire, les symboles vulvaires brillent plutôt par leur absence. Il n'est donc pas étonnant que la campagne de publicité " Vive la vulve " de la marque Nana fasse polémique. Le phallus est vu comme une image de puissance, tandis que la vulve dérange. Mais il n'en a pas toujours été ainsi.

La divine vulve d'Ishtar : un symbole de fertilité

Au III e millénaire av. J.-C., les Sumériens, peuple de l'Irak actuel, adoraient une déesse nommée Ishtar. Des textes poétiques évoquent la vulve mouillée de la déesse, fertilisée par le sperme de son amant, le berger et roi Dumuzi dont elle était l'épouse divine.

Voici ce que la déesse dit à son amant :

Quant à moi, à ma vulve, à moi, tertre rebondi,
Moi, Jouvencelle, qui me labourera ?
Ma vulve, ce terrain humide que je suis,
Moi, Reine, qui y mettra ses bœufs ?

Les bœufs précédant la charrue désignent le phallus du roi, tandis que la vulve représente le territoire à semer. L'amant royal répond : " C'est le Roi Dumuzi qui te labourera ". Alors l'excitation de la déesse est à son comble. Elle s'écrie : " Laboure-moi donc la vulve, ô homme de mon cœur ! "

Ils font l'amour et, quand Dumuzi éjacule, partout des plantes naissent et se mettent à pousser. La vulve joue ici un rôle positif, complémentaire du phallus. Elle est tout autant indispensable que le pénis pour fertiliser le pays.

Dans l'Egypte antique, la vulve était vue comme une source de bonheur et de régénération.

Le dieu du Soleil, Rê, donne parfois quelques signes de faiblesse ; ce qui met en danger l'humanité tout entière, car le Soleil est la lumière du monde. Heureusement, la séduisante déesse Hathor se déshabille devant lui, dévoilant sa vulve. Alors le Soleil éclate de rire et retrouve tout son rayonnement, grâce à la déesse. Encore une vulve bénéfique.

En Grèce et à Rome : la vulve effacée

C'est en Grèce puis dans le monde romain que la vulve est méprisée. Alors que le phallus est très représenté dans l'art, la vulve en est quasiment absente. Les dieux et les héros nus exhibent leurs pénis, alors que les déesses sont moins souvent dévêtues ; et quand elles le sont, comme Aphrodite, leurs triangles pubiens sont parfaitement lisses, sans lèvres ni clitoris. Des vulves effacées, censurées...

Le phallos en grec ou fascinus en latin avait, au contraire, une valeur extrêmement positive. On lui accordait même des pouvoirs magiques. C'est pourquoi on l'exhibait et on le vénérait comme une idole, capable de protéger la cité et ses habitants contre tous les maux, chassant les intrus et les voleurs.

Dans ce but, chaque année, les Athéniens organisaient des phallophories, c'est-à-dire des processions solennelles de citoyens qui portaient sur leurs dos des phallus géants taillés dans des troncs de bois. Des sexes en érection, sculptés ou moulés en terre cuite, étaient aussi érigés aux angles des rues, à l'entrée des boutiques et des maisons.

" Ici habite le bonheur " ( Hic habitat felicitas), proclame une inscription encadrant la représentation d'un fascinus, retrouvée dans une boulangerie de Pompéi. L'épouvantail phallique était censé revêtir une fonction apotropaïque. Grecs et Romains portaient également des sexes masculins de bronze en pendentif. Sous toutes ces formes, le phallus était toujours synonyme de force, de bonheur et de prospérité.

La vulve confinée dans l'univers féminin

Dans l'art grec, la vulve n'est représentée que sur quelques objets destinés à des femmes dont elle était censée favoriser la fécondité.

Certaines statuettes, retrouvées en Égypte, représentent des femmes enceintes accroupies touchant leurs vulves. On connaît aussi quelques statuettes de femmes-vulves, découvertes en Asie Mineure, sans doute utilisées comme des amulettes pour protéger les femmes enceintes. Elles n'ont pas de têtes. Leur visage est inscrit sur leur ventre. Georges Devereux a mis ces œuvres en relation avec le mythe de Baubo, une prêtresse qui, dans la mythologie, montre sa vulve à la déesse Déméter, désespérée d'avoir perdu sa fille.

Le geste de Baubo fait rire Déméter, comme dans le mythe égyptien mettant en scène Hathor, sauf que pour Baubo, le dévoilement de la vulve n'est qu'un geste de solidarité entre femmes, dénué de toute dimension érotique.

En dehors de cet univers féminin, la vulve est dépréciée. C'est ce que révèle le mythe de la naissance de la déesse Athéna. Zeus, père d'Athéna, porte sa fille dans sa tête. Pour accoucher, il demande au dieu Héphaïstos, armé d'un ciseau et d'un marteau, de lui fendre le crâne, taillant une sorte de vulve improvisée.

De cette fente jaillit soudain la déesse tout armée. Le maître des dieux est ainsi parvenu à faire naître sa fille, preuve que la vulve des femmes n'est pas utile. Le mythe traduit un rêve de paternité solitaire : procréer sans passer par une vulve.

La vulve raide de la nymphomane

Mais le comble de la vision négative de la vulve dans l'Antiquité se trouve dans les écrits latins. Les auteurs romains ont imaginé des figures de nymphomanes, présentées comme des femmes entièrement dominées par leurs organes sexuels déréglés.

Ainsi, l'impératrice Messaline, épouse de l'empereur Claude (41-54 apr. J.-C.) est devenue après sa mort l'héroïne d'une légende noire, la présentant comme un puits sans fond.

C'est le poète Juvénal qui créa cette figure orgiaque. À la faveur de la nuit, écrit-il, la jeune impératrice délaissait les ors du palais. Elle sortait en cachette, afin d'aller assouvir son puissant appétit de sexe dans un infâme bordel de Rome (Juvénal, Satires VI, 116-130).

Durant toute la nuit, Messaline s'offrait à une foule de clients jusqu'à la fermeture du lupanar. Alors seulement elle rentrait au palais " brûlante encore de la tension de sa vulve raide " ( adhuc ardens rigidae tentigine vulvae). Elle était épuisée, " mais toujours pas repue " ( sed non satiata ; la fameuse expression qui, plus tard, inspirera Baudelaire dans le poème du même nom).

Jamais satisfaite, car nulle étreinte ne peut apaiser sa vulve, Messaline entraîne son entourage dans les vertiges de sa libido sans fin. Selon Pline l'Ancien, elle faisait l'amour 25 fois par jour (Pline l'Ancien, Histoire naturelle 10, 83, 172).

L'impératrice consomme ses amants à la chaîne. Mais surtout, c'est elle qui prend l'initiative de toutes ses relations sexuelles. Elle bouleverse les codes de la société phallocratique romaine. Prédatrice sexuelle hyperactive et femme dominante, elle se comporte un peu comme un homme. Ce qui est proprement scandaleux du point de vue des Romains.

Heureusement, son époux Claude, alerté de ces débordements inadmissibles, finira par faire taire cette vulve obscène, en commanditant l'assassinat de son épouse.

Mais qu'est-ce que l'obscénité ?

L'obscénité n'existe pas en elle-même. C'est une convention sociale qui varie selon les époques et les lieux. Ainsi, au Japon, les images de vulves sont toujours considérées comme obscènes d'un point de vue juridique, comme en témoigne la condamnation de l'artiste Megumi Igarashi en 2014.

Sous l'influence de mouvements féministes, la vulve est néanmoins de retour dans l'art de notre XXI e siècle. La publicité " Vive la vulve " s'inscrit dans cette évolution, en faisant la promotion d'images vulvaires à des fins commerciales.

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Depuis quand la vulve est-elle obscène ?

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Une publicité pour des produits " d'hygiène intime " évoquant la vulve - et les règles - de façon réaliste et sans tabou fait actuellement polémique en France, alors que les symboles phalliques, culturellement, ne provoquent pas la même réprobation. Pourquoi cette différence de traitement ?

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- la figure féminine et ses statuts au service des œuvres, une hyper présence comme sujet ; muse, image, symbole ; représentation fantasmée, érotisée, idéalisée ; modèle aux multiples fonctions sociales ; incarnation de la sensualité, de la maternité, des figures allégoriques liées au sacré, à la dimension politique ou aux vertus.

- la femme créatrice, une relative invisibilité : approche transhistorique, évolutions récentes du contexte social, politique et culturel ; porter un regard nouveau sur ces créatrices trop souvent restées dans l'ombre d'artistes masculins, voire anonymisées.

- les présences féminines dans le domaine des arts, une grande richesse : contribution à la connaissance, la diffusion et la préservation - collectionneuses, mécènes, érudites, historiennes, théoriciennes ou conservatrices ; revendication d'une place pour les femmes dans les arts

https://www.education.gouv.fr/bo/21/Hebdo26/MENE2117451N.htm

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Détricoter les stéréotypes femmes/hommes dans les musées normands

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Détricoter les stéréotypes femmes/hommes dans les musées normands

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Un mur académique de ressources

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Une petite histoire des femmes dans l'architecture

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Une petite histoire des femmes dans l'architecture

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Planifier et mettre en œuvre un bâtiment semblent une affaire de femmes. Elles se perfectionnent avec succès dans le monde de l'architecture. Par ailleurs, la présence féminine ne date pas d'hier malgré l'omniprésence des hommes dans ce domaine. De Katherine Briçonnet à Zaha Hadid en passant par Signe Hornborg, l'architecture au féminin regorge d'histoires à travers différentes époques. Vue d'ensemble des femmes possédant l'art de concevoir des édifices.

Les Précurseuses de l'architecture ...

Les premières femmes architectes viendraient des peuples amérindiens

Au temps de l'Amérique médiévale, les femmes amérindiennes étaient considérées comme des véritables architectes (Les sociétés matriarcales d'Heide Goettner-Abendroth, " Chapitre 13. Amérique du Nord : peuples matriarcaux d'immigrants venus du sud "). Elles savaient planifier et construire des maisons typiquement façonnées au style Pueblo. Cette architecture traditionnelle apparaît au sud-ouest des États-Unis vers le VIIème siècle avec la formation de maisons attachées et faites de blocs ou briques en pierre. D'ailleurs, ces habitations à plusieurs étages sont reliées par des échelles. Chez les Hopis, un peuple d'agriculteurs, on y trouve ce type de construction pour organiser le village. Ces femmes sont donc précurseuses de l'envie de bâtir un foyer pour les générations suivantes. Après quelques siècles, une minorité se lance dans la construction lors de la transition vers les temps modernes comme Katherine Briçonnet et Plautilla Bricci.

Katherine Briçonnet et son " Château des Dames " style Renaissance

Venant d'une famille noble de France, Katherine Briçonnet œuvre à la conception du Château de Chenonceau à Touraine. En effet, elle s'impose en tant qu'architecte pour superviser le déroulement des travaux entre 1513 et 1521. En réalité, le château prend racine au moment de la destruction d'une forteresse médiévale située sur le lit du Cher, appartenue à la famille Marques : la Tour des Marques. Le mari de Katherine Briçonnet, Thomas Bohier, achète le terrain et finance la construction du futur domicile en style Renaissance.

Briçonnet entreprend toutes les décisions architecturales, de l'orientation du château à l'ornement en passant par les lucarnes au toit et même les tourelles. Ce logis Renaissance, patrimoine mondial de l'Unesco, se nomme " Le Château des Dames " à la suite des aménagements et transformations faites par Diane de Poitiers (le pont) et Catherine de Médicis (élévation de trois étages). À l'instar de Briçonnet, la marquise de Rambouillet s'illustre avec un salon mondain pour femme à l'hôtel qui porte son nom.

La touche baroque de l'Italienne Plautilla Bricci

Le croquis de la Villa del Vascello dessiné par Plautilla Bricci (Source photo : archive d'État)

Née à Rome, Plautilla Bricci prend part au mouvement baroque en devenant la première femme architecte d'Italie au XVIIème siècle. La bâtisseuse s'expérimente à la peinture et au dessin à l'aide son père, Giovanni Briccio, un artiste qui se distingue par ses œuvres théâtrales et musicales. Dans l'Accademia nazionale di San Lucas, Plautilla apprend et se forge dans l'architecture. D'ailleurs, on lui donne quelques édifices de renoms sur les terres italiennes. En 1663, elle planifie les premiers contours de la Villa del Vascello à Rome (Porta San Pancrazio).

En style baroque, ce bâtiment s'apparente à un voilier avec une coque immergée de vagues, à l'intérieur des décorations picturales disséminées sur les murs grâce à une initiative de l'architecte à l'aide du peintre Pietro da Cortona. Ensuite, elle récidive un an plus tard avec la construction d'une chapelle de San Luigi à l'église San Luigi dei Francesi. Malgré ses deux travaux, l'impact de Bricci n'a pas fait écho à cette époque. Dans la même période, la Belge Antoinette Desmoulins a dressé le plan de construction de l'Abbaye Notre-Dame de la Paix et Lady Elizabeth Wilbraham a eu une importance sur la fondation de plus de 400 édifices religieux à travers la Grande-Bretagne.

... laissent le flambeau aux femmes modernistes et diplômées

La discipline académique s'ouvre aux femmes

Entre le XVIIIème et XIXème siècle, elles sont beaucoup à parvenir à cette profession bien que l'enseignement artistique soit destiné aux hommes. Cet inconvénient n'a pas arrêté les prouesses de l'Anglaise Mary Townley qui a architecturé les nombreuses bâtisses de la ville de Ramsgate dont le Townley House construit en 1780. De même pour Sara Losh qui se distingue avec son projet réussi du St Mary's Church à Wreay bâti sur un style mêlant le gothique et le byzantin. Il faudra attendre la fin du XIXème siècle pour que les écoles d'architecture intègrent enfin des étudiantes. En ce sens, Julia Morgan est devenue la première femme architecte en France (les Beaux-Arts de Paris), pareillement pour Esther Marjorie Hill au Canada (Université de Toronto) ou encore Flora Crawford (ETH à Zurich) en Suisse. Néanmoins, il faut noter que la première diplômée au monde est Finlandaise.

Louise Blanchard Bethune marque aussi l'histoire en étant la première femme architecte aux États-Unis.

Signe Hornborg, la première diplômée au monde

En Finlande, les femmes possèdent une place prépondérante dans la société scandinave à l'image du gouvernement actuel. Leurs droits ont évolué au fil du temps afin d'établir l'égalité des sexes. Par ailleurs, elles peuvent maintenant étudier l'architecture grâce à Signe Hornborg. Pourtant, la Finlandaise reçoit une autorisation exceptionnelle pour intégrer l'Institut polytechnique d'Helsinki en 1888 et obtient son diplôme deux ans plus tard. Hornborg contribue à un nouvel urbanisme au service de son pays sous la domination russe avec le nationalisme romantique associant le style nordique et l'art nouveau. Dans la profession, elle démontre son savoir-faire avec la fondation du Newander House à Prior et à la contribution au design d'un édifice pour le département incendie de Porvoo et d'Hamina. Au sein d'un domaine artistique exclusivement aux hommes, Signe Hornborg a rivalisé dans ce contexte défavorable pour s'imposer avec succès.

À lire aussi : Les 10 Françaises au pouvoir qui nous inspirent

La situation actuelle des femmes dans architecture

Femme architecte, un documentaire de Thierry Mercadal (Source YouTube : la chaîne demaintv).

Talentueuses mais désavantagées face aux hommes

En France, elles sont seulement 25 % dans la profession contre 17% en 2000 mais qui reste inférieur par rapport aux hommes. Ces derniers sont dominants sur plusieurs critères au regard de la situation au Canada. Dans le documentaire Rêveuses de villes de Joseph Hillel qui rend hommage à quatre femmes, on révèle l'inégalité des sexes. Par ailleurs, ce déséquilibre se manifeste concrètement en matière de salaire.

Selon les études de la CIPAV (Observation de la profession d'architecte, p. 42), on apprend que le revenu moyen des femmes s'évalue à 26 924€ contre 47 469€ pour les hommes en 2014. En plus, la gent féminine pâtisse d'un plafond de verre dans les postes de dirigeant. Il y a seulement 8% des femmes qui dirigent une agence, ce qui montre un manque de visibilité. Néanmoins, on relate quelques initiatives pour saluer leurs projets comme dans les musées, à travers les ouvrages et les récompenses.

Des prix décernés aux femmes

Pour faire reconnaître le rôle de la femme dans l'architecture et le bâtiment en France, le Prix femmes architectes fut crée en 2013. Lors de la première édition du concours, Aurélie Filippetti, ministre de la culture et de la communication de l'époque, a délivré trois prix dont un à Odile Decq, actrice de projets remarquables : le Study Hall à Lyon ou le Pullman Berlin en Allemagne. À l'international, on connaît le prix de Pritzker qui valorise depuis peu les femmes. Cette année, on a vécu une première : un duo féminin a remporté cette récompense internationale.

Yvonne Farrell et Shelley McNamara, toutes deux Irlandaises, ont triomphé avec des travaux architecturaux basés sur la transmission des cultures. Elles mettent en lumière leur concept par la construction du Toulouse School of Economics ou de l'Institut Mines-Télécom de Paris-Saclay. Chez les femmes, elles ne sont pas les seules lauréates avec Kazuyo Sejima en 2010 et Carme Pigem en 2017. En outre, la première femme qui a reçu cette distinction en 2004 est Zaha Hadid, une icône très respectée.

Zaha Hadid, une renommée importante dans l'art déconstructivisme

Décédée à l'âge de 66 ans, Zaha Habib a tout de même laissé son empreinte en prenant part au mouvement déconstructiviste. Le déconstructivisme fonde sa pensée sur la décomposition de l'espace avec le refus de mettre en avant la rationalité. Ainsi, elle développe cette idée moderne sur ses créations architecturales très imposantes visuellement. Parmi ses réalisation Vitra Fire Station (1993), Contemporary Arts Center (2000) ou encore Port Authority (2016), le gigantisme imposé fait la part belle au talent de l'architecte reconnue au niveau international.

En effet, le Prix Pritzker que Hadid a gagné en 2004 résume la grandeur de la bâtisseuse qui a intégré le classement des 100 femmes les plus puissantes du monde en 2008. Primée à nombreuses reprises pour ses travaux, l'architecte fut aussi une entrepreneuse avec la création de sa propre agence en 1979. C'est une grande personnalité féminine à ne pas oublier au même titre que Norma Merrick Sklarek ou Charlotte Perriand.

Du Moyen-Âge à nos jours, bâtir son chemin fut difficile pour les femmes. Bien que minoritaires et dévalorisées, certaines ont montré néanmoins leur savoir-faire à l'image de Bricci et Mary Townley. Finalement, elles ont dorénavant leur place dans l'architecture aux côtés des hommes. La quête à l'égalité sera longue mais l'avenir devrait sourire facilement aux futures générations.

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L'architecture au féminin : tout un chef-d'œuvre

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Planifier et mettre en œuvre un bâtiment semblent une affaire de femmes. Elles se perfectionnent avec succès dans le monde de l'architecture. Par ailleurs, la présence féminine ne date pas d'hier malgré l'omniprésence des hommes dans ce domaine. De Katherine Briçonnet à Zaha Hadid en passant par Signe Hornborg, l'architecture au féminin regorge d'histoires à travers différentes époques.

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Les plus belles architectures réalisées par des femmes

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Les plus belles architectures réalisées par des femmes

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Si Charlotte Perriand, à l'honneur d'une rétrospective à la Fondation Louis Vuitton, s'affiche comme une pionnière de la modernité ou si Zaha Hadid, qualifiée de " starchitecte ", est connue dans le monde entier, il n'en va pas de même pour nombre de leurs consœurs. C'est sur cet écueil que revient l'ouvrage " Je ne suis pas une femme architecte, je suis architecte ", tout juste paru aux éditions Phaidon, en révélant le travail de 150 grandes architectes.

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Les plus belles œuvres architecturales réalisées par des femmes

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Si Charlotte Perriand, à l'honneur d'une rétrospective à la Fondation Louis Vuitton, s'affiche comme une pionnière de la modernité ou si Zaha Hadid, qualifiée de " starchitecte ", est connue dans le monde entier, il n'en va pas de même pour nombre de leurs consœurs.

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Quatre émissions pour quatre femmes d'exception : Eileen Gray, Andrée Putman, Ray Eames et Zaha Hadid ont chacune, à des époques et dans des styles différents, su marquer de leur patte le monde très masculin de l'architecture et du design.

Quatre émissions pour quatre femmes d'exception : Eileen Gray, Andrée Putman, Ray Eames et Zaha Hadid ont chacune, à des époques et dans des styles différents, su marquer de leur patte le monde très masculin de l'architecture et du design.

Épisode 1 : Eileen Gray ou l'art de vivre

Avec Tim Benton, professeur d'histoire de l'art à la Open University (Royaume-Uni), spécialiste de l'histoire de l'architecture moderne et auteur du livre livre Cap Moderne. Eileen Gray et Le Corbusier, la modernité en bord de mer (Éditions du Patrimoine, 2020).

Épisode 2 : Andrée Putman est une fête

Avec Sylvie Santini, auteure notamment de Andrée Putman. La diva du design (Tallandier, 2020).

Épisode 3 : Le plaisir sérieux de Charles et Ray Eames

En compagnie de Maryse Quinton, architecte et journaliste, auteure de " Charles & Ray Eames" (La Martinière, 2015).

Épisode 4 : Les métamorphoses de Zaha Hadid

En compagnie de Richard Scoffier, architecte, professeur à l'École nationale supérieure d'architecture de Paris-Val de Seine, auteur notamment de Les Quatre concepts fondamentaux de l'architecture contemporaine (Norma), et d'Odile Decq, architecte et urbaniste.

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Femmes architectes : un podcast à écouter en ligne | France Culture

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Quatre émissions pour quatre femmes d'exception : Eileen Gray, Andrée Putman, Ray Eames et Zaha Hadid ont chacune, à des époques et dans des styles différents, su marquer de leur patte le monde très masculin de l'architecture et du design.

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« Exceptionnelles » Ep. 12 : Femmes photographes de guerre

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Des ressources et des actualités proposées par le site de la BNF

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Une histoire des femmes du XVIe au XXe siècle. Et de nombreux portraits de femmes singulières

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Une histoire des femmes du XVIe au XXe siècle. Et de nombreux portraits de femmes singulières

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Gallica

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Plusieurs millions de documents consultables et téléchargeables gratuitement : livres, manuscrits, cartes et plans, estampes, photographies, affiches, revues, fascicules de presse et journaux, enregistrements sonores, partitions

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Des portraits de femmes artistes

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Articles traitant de Artistes écrits par Eve

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Une émission imaginée et produite par Mathilde Doiezie

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Du côté des autrices | Radio Campus Paris

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Du côté des autrices, c'est un format court dans lequel les femmes passent enfin devant Proust, Zola et cie. Trop longtemps invisibilisées, elles ont pourtant laissé des œuvres ayant elles aussi la puissance de classiques de la littérature. La lecture d'extraits de leurs ouvrages parlera pour elles.

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Les « bas-bleus » au XIXe : les femmes de lettres face à la misogynie de la presse

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Les « bas-bleus » au XIXe : les femmes de lettres face à la misogynie de la presse

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Rétronews, site de la BNF

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Les " bas-bleus " au XIXe : les femmes de lettres face à la misogynie de la presse

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Au XIXe siècle, les " femmes qui écrivent " héritent du qualificatif méprisant de " bas-bleu ". Elles sont l'objet des moqueries systématiques de la part des journalistes masculins, omnipotents dans la presse de l'époque.

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Étudier les figures de femmes dans l'Antiquité, au collège au lycée : Journée internationale des droits des femmes et Égalité filles/garçons

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Étudier les figures de femmes dans l'Antiquité, au collège au lycée : Journée internationale des droits des femmes et Égalité filles/garçons

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Dans Façons tragiques de tuer une femme (Paris, Hachette, 1985), Nicole Loraux constate que l'histoire officielle des cités grecques ne manque pas d'évoquer les héros morts sur les champs de bataille, en leur conférant une gloire immortelle, tandis que pour les femmes " leur gloire est de ne pas en avoir ". Anonymes, comme ces femmes de Troie qui tentent de protéger leurs enfants massacrés par les guerriers sortis du cheval de bois : figées dans une ronde macabre sur la panse d'une très ancienne jarre en terre cuite (675 avant J.-C.) découverte dans l'île de Mykonos, elles incarnent le malheur des vaincues - celui de toutes les femmes prises dans les guerres, qu'elles soient d'hier ou d'aujourd'hui - dont Euripide fait un thrène ininterrompu dans ses Troyennes.

À l'exception de Sapphô, la première femme à dire " je " - cela dans des temps presque aussi anciens (VII e-VI e siècle avant J.-C) - le devoir d'une femme est de mourir en silence. Dans son livre magistral, Nicole Loraux donne ainsi à comprendre que la tragédie, depuis Eschyle jusqu'à Euripide, s'est substituée pour une part à l'histoire, afin de faire entendre aux citoyens d'Athènes, sur la scène de la fiction théâtrale, les récits des morts illustres de leurs héroïnes.

Et ce n'est pas un des moindres paradoxes de voir que celles qui sont exclues de la vie politique et du récit historique se mettent à exister au théâtre et se voient accorder, par Euripide notamment, une gloire immortelle semblable à celle que l'on attribue au héros mort à la guerre. Il suffit d'écouter dans Hécube le récit de la mort de Polyxène par Talthybios : la tension extrême qui naît de la violence des mots et de la difficulté à les proférer brise le silence de l'histoire. La mort de l'héroïque Polyxène fige en un instant ce que la vie pouvait offrir de plus achevé - beauté, grâce, arétè. Si la gloire reste, pour les Grecs de ce temps, par essence masculine, dans nos mémoires aujourd'hui le théâtre fait cependant résonner toujours plus fortement les noms fameux de ces héroïnes comme Antigone, Alceste, Iphigénie, Électre, Polyxène, ...

Aussi, pour la journée des femmes, Odysseum entend-il rendre hommage à ces héroïnes et à ces femmes de l'Antiquité en les donnant à voir et à entendre dans les classes des collèges et des lycées : qu'elles soient mythiques comme Psychè, les Amazones, Penthésilée, qu'elles soient humbles et anonymes ou bien célèbres comme Sappho la poétesse, Hypatia, l'astronome et mathématicienne, assassinée pour son savoir, Théodora, l'impératrice. Toutes peuplent encore notre imaginaire et toutes, à leur façon, s'adressent à nous pour nous parler de notre présent et de notre futur. Pour nous rappeler qu'il ne faut jamais céder ou reculer sur la question de l'égalité entre filles et garçons, car si dans le mot "humanité", l'on peut déjà entendre la même appartenance à la condition humaine, les "Humanités" au pluriel expriment, quant à elles, la réverbération totale, unique et égale de l'humain.

Le comité éditorial d'Odysseum

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Étudier les figures de femmes dans l'Antiquité, au collège au lycée : Journée internationale des droits des femmes et Égalité filles/garçons

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Dans Façons tragiques de tuer une femme (Paris, Hachette, 1985), Nicole Loraux constate que l'histoire officielle des cités grecques ne manque pas d'évoquer les héros morts sur les champs de bataille, en leur conférant une gloire immortelle, tandis que pour les femmes " leur gloire est de ne pas en avoir ".

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Femmes artistes : Musiciennes et compositrices : une histoire en mode mineur ?

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Femmes artistes : Musiciennes et compositrices : une histoire en mode mineur ?

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La fabrique de l'Histoire, E. Laurentin

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Votre expérience sur le site radiofrance.fr risque d'être dégradée.

A la fin du XVe siècle, Sainte Cécile devient la patronne des musiciens (à dr. représentée par Guido Reni, 1607) ©Getty - Universal History Archive/UIG/DeAgostini

"Epouse de Robert Schumann", "muse du Groupe des Six", "excellente pédagogue", "gracieuse" : comment les discours sur les femmes musiciennes et compositrices ont-ils contribué à minorer leurs œuvres comme leur place dans l'histoire de la musique, voire à les en effacer simplement ?

Mélanie Traversier Historienne

D'Euterpe à Sainte Cécile en passant par Elisabeth Jacquet de la Guerre et Germaine Taillefer, Emmanuel Laurentin revient avec Mélanie Traversier sur les instruments et les genres qui ont longtemps été réservés aux femmes comme sur les processus d'invisibilisation qui ont marqué les œuvres et les trajectoires des musiciennes et des compositrices . Une mémoire empêchée qui s'origine à la fois dans des discours théoriques (les femmes pratiqueraient la musique sur un mode mineur) mais aussi dans des réalités institutionnelles (ce n'est qu'en 1774 qu'une femme, Maria Rosa Coccia, fut admise pour la première fois au sein de la congrégation romaine de Sainte Cécile et put accéder au titre de maître de chapelle).

Mélanie Traversier : Toutes les femmes artistes qu'elles soient musiciennes, autrices, peintres, cinéastes, ont subi les mêmes processus d'invisibilisation - ou en tout cas de disqualification. Si leur stade suprême est l'oubli total, ils passent aussi par des discours qui minorent le rôle des femmes dans l'histoire des arts, les plaçant par exemple sous une tutelle masculine, réduisant ces artistes à n'être que " la sœur de ", " la fille de... ", " l'épouse de... ", " la muse de... ", " la maîtresse de... " comme on l'a vu avec Germaine Taillefer, grande compositrice mais souvent qualifiée de " mascotte du Groupe des Six ". Une autre forme de dénigrement consiste à exclure les musiciennes des formes réputées ambitieuses comme la symphonie pour les reléguer à des genres supposés mineurs, à des petites formes considérées comme gracieuses et élégantes comme la cantate par exemple.

Musiques diffusées

Lili Boulanger, D'un matin de printemps, par l'Ensemble The Women's Philharmonic

Gaetano Latilla, Romolo (extrait), par Flavio Ferri-Benedetti

Fanny Mendelssohn, Aus meinen Tränen sprießen, duo pour soprano et mezzo soprano, par Barbara Bonney et Angelika Kirchschlager

Agenda

Pour aller plus loin

L'équipe

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Musiciennes et compositrices : une histoire en mode mineur ? : épisode * 1/4 du podcast Femmes artistes

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AUDIO * 1/4 : Musiciennes et compositrices : une histoire en mode mineur ?. Femmes artistes est une série inédite proposée par France Culture. Écoutez gratuitement en ligne ce podcast et parcourez tout notre catalogue.

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Femmes artistes : Ecrivaines, dramaturges, autrices : la longue histoire des femmes de lettres

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Femmes artistes : Ecrivaines, dramaturges, autrices : la longue histoire des femmes de lettres

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La fabrique de l'Histoire, E. Laurentin

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Ecrivaines, dramaturges, autrices : la longue histoire des femmes de lettres : épisode 3/4 du podcast Femmes artistes

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AUDIO • 3/4 : Ecrivaines, dramaturges, autrices : la longue histoire des femmes de lettres. Femmes artistes est une série inédite proposée par France Culture. Écoutez gratuitement en ligne ce podcast et parcourez tout notre catalogue.

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Femmes artistes : Renée Lebas, la chanson française qui vient de loin

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Femmes artistes : Renée Lebas, la chanson française qui vient de loin

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La fabrique de l'Histoire, E. Laurentin

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Renée Lebas, au volant de "Baby", la plus petite voiture de France, Paris, 23 octobre 1947 ©Getty - Keystone-France/Gamma-Keystone

La Fabrique de l'Histoire carré

Sur les traces de Renée Lebas, grande voix de la chanson française qui règne, avec Edith Piaf, sur le tout Paris musical des années 50, quitte la scène en pleine gloire, en 1963, l'année où Piaf disparait.

Renée Lebas, la chanson française qui vient de loin, un documentaire de Claire Zalamansky et Séverine Cassar

Claire Zalamansky s'est lancée sur les traces de Renée Lebas, grande voix de la chanson française qui règne avec Edith Piaf, sur le tout Paris musical des années 50, quitte la scène en pleine gloire, en 63, l'année où Piaf disparait. Renée Lebas, celle qui d'un formidable coup de cymbales fait passer la musique yiddish pour de la chanson française, point d'orgue d'un véritable " klezmer français ", selon l'expression de son complice Charles Aznavour. Renée Lebas, Leiba, Lieben, la plus belle diction des années 50, naît à Paris en 1917, de parents juifs roumains émigrés dans le quartier de la Bastille. Son père est tailleur et sa maman couturière. Un peu comme dans la chanson de Trenet, Papa pique et maman coud. Trenet qui l'appelle la chanteuse irréaliste car elle n'a ni la gouaille ni l'accent de la Mouffe, Trenet qui lui confie le soin de créer sur scène sa célèbre chanson la Mer... Renée Lebas, la mère de la Mer. Amertume des années de guerre qui la contraignent à l'exil en zone libre puis en Suisse alors que sa carrière connaît une ascension rapide et prometteuse. La Shoah. Elle est la première à l'évoquer à travers une chanson, La Fontaine endormie, en 1956. Chanteuse prodigue, on lui doit une discographie impressionnante. Un pied sur la rive droite, avec des chansons populaires comme Java, et l'autre sur la rive gauche, elle est la première à chanter Boris Vian ou Léo Ferré. C'est le culot, la " khoutzpe " en yiddish, pour une chanteuse populaire, d'interpréter des textes difficiles comme ceux du poète Francis Carco. Et pourtant quelque chose cloche, quelque chose qui, selon certains, la cantonne à la place d'éternelle n°2, une diva que la postérité ne retient pas à sa juste valeur, pas suffisamment, et qui disparaît au loin, dans les mémoires. A cause, peut-être de cette ombre dans la voix, qui la rend trop sombre, chambre froide, inaccessible. Elle met fin à sa carrière du jour au lendemain et sans transition, elle fait tout autre chose. Productrice de jeunes talents, distributrice de films d'animations pour enfants venus d'Europe de l'Est. Pollux le manège enchanté, oui, c'est elle ! Elle ne remonte jamais sur scène, jamais vraiment, et s'éteint en 2009 dans la quasi indifférence générale.

Avec Jérôme Collet, chanteur, Bertrand Dicale, journaliste, Philippe Gumplovicz, musicologue, Hélène Hazera, spécialiste de la chanson française et Serge Lama, chanteur.

L'équipe

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Renée Lebas, la chanson française qui vient de loin : épisode 4/4 du podcast Femmes artistes

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Renée Lebas, au volant de "Baby", la plus petite voiture de France, Paris, 23 octobre 1947 ©Getty - Keystone-France/Gamma-Keystone Sur les traces de Renée Lebas, grande voix de la chanson française qui règne, avec Edith Piaf, sur le tout Paris musical des années 50, quitte la scène en pleine gloire, en 1963, l'année où Piaf disparait.

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Musiciennes Enquête sur les femmes et la musique

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Musiciennes Enquête sur les femmes et la musique

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Un ouvrage de Hyacinthe Ravet

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Musiciennes de Hyacinthe Ravet - Editions Autrement

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Musiciennes : présentation du livre de Hyacinthe Ravet publié aux Editions Autrement. Sur le devant de la scène : une diva ovationnée, une chanteuse de pop adulée, une pianiste célèbre faisant onduler ses longs cheveux. Mais sur le podium, point de femme dirigeant de la baguette un orchestre symphon…

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Maria Callas à Amsterdam en juillet 1959, précédée du chef d'orchestre Nicola Rescigno. Wikipédia

Le rapport 2018 du Haut conseil à l'égalité entre les femmes et les hommes commence sur ces chiffres : les femmes artistes représentent " [60 %] des étudiant·e·s, [40 %] des artistes effectivement actif·ve·s, [20 %] des artistes aidé·e·s par des fonds publics, [20 %] des artistes programmé·e·s ". Comme les chiffres sont accablants, on aurait tort de se priver des alarmes qualitatives.

Pour autant, celles-ci ne disent rien des problèmes de mentalités dénoncés par le manifeste " Femmes engagées des métiers de la musique " (FEMM) en avril 2019. Si le manifeste concerne surtout les musiques actuelles, le monde apparemment policé de la musique classique connaît aussi comportements déplacés, dissymétrie des processus promotionnels et sous-représentation des femmes au plus haut des hiérarchies symboliques. Comme l'écrit Laure Marcel-Berlioz en ouverture de l'ouvrage Compositrices : " 45 % des compositeurs en activité en France sont de nationalité étrangère - preuve que l'attractivité et de l'ouverture de la vie musicale et culturelle française, une vraie exception dans le monde - et seules 10 % sont des femmes ".

Il y a 40 ans, dans Musique sorcière, Meri Franco Lao dénonçait l'attribution d'un pouvoir sorcier à la femme : " à tel point que, pour la culture occidentale, où la sorcellerie et sa répression ont été les plus évidentes, on a parlé de massacre des femmes. " Alors qu'elle dénonçait les assignations thématiques ou stylistiques qui viennent peser sur les œuvres musicales composées par les femmes, Meri Franco Lao semblait revendiquer, dans une plainte ironique, une émancipation musicale libérée des critères masculins :

" Je vais encore me nier comme femme en affrontant un problème intellectuel (comme lorsque j'étais pianiste et que j'aimais m'entendre dire que je jouais comme un homme). "

Tendue entre un refus de l'assignation et un refus des schémas d'émancipation calqués sur le modèle des hommes, Meri Franco Lao relève le masculinisme à l'œuvre dans les conditions de production de la musique : de la sexuation des instruments jusqu'à l'application de catégories genrées dans les théories musicales (quand, par exemple, Vincent d'Indy explique que la forme Sonate doit composer avec une bipolarité d'idées, les unes masculines, les autres féminines).

De Musiciennes de Hyacinthe Ravet (Autrement, 2011) à l'ouvrage collectif Pratiques musicales féminines dirigé par Caroline Giron-Panel et Catherine Deutsch (Symétrie, 2016) en passant par De la harpe au trombone de Catherine Monot (Presses universitaires de Rennes, 2012), les ouvrages se sont multipliés ces dernières années pour montrer les corrélats formels du masculinisme dans les musiques savantes. Ces travaux prolongent une volonté de remettre de la mixité dans l'histoire de la musique revendiquée par l'association Femmes et musique, où des universitaires comme Danièle Pistone et Florence Launay ont systématisé l'incitation de leurs étudiantes et étudiants à travailler sur les compositrices pour encourager une vision plus mixte de l'histoire de la musique.

Renforcement des stéréotypes

Mais si elle promet d'être vertueuse et si elle peut souvent s'illustrer pour telle, la parité peut aussi renforcer un jeu d'identité stéréotypée. Ainsi, la couverture journalistique de grandes figures féminines offre des exemples de sexisme médiatique insistant. Dans l'ouvrage collectif La musique a-t-elle un genre ?, Viviane Waschbüsch relève dans un journal allemand cette phrase au sujet de la violoniste Anne-Sophie Mutter : " La silhouette arrondie et les bras montrent encore des traces de rondeurs de bébé. " Un cliché genré du même style que " les femmes sont meilleures que les hommes pour les agonies poignantes " pour reprendre, en substance, un argument de Catherine Clément dans La défaite des femmes (1977) repris par le collectif La Barbe à l'Opéra de Paris en 2013 :

" Tant de femmes, tant de drames... Lucia, Aida, Violetta, Cho-Cho-San, Mimi... Le drame sied à l'opéra qui ne saurait séduire sans la fin tragique de ses héroïnes. Vous l'avez bien compris, vous, Messieurs de l'Opéra, qui dans un entre-soi élégant et sélectif, jouez chaque année la partition de l'émotion, en conduisant les femmes à l'autel du martyre, car telle est leur destinée... "

L'argument est incontournable. L'opéra force les traits et semble amplifier les stéréotypes attachés aux genres. Les héroïnes citées par La Barbe montrent que, sur les scènes lyriques, on voit les femmes souffrir de crises d'hystérie beaucoup plus massivement que les hommes qui, eux-mêmes, y sont présentés beaucoup plus couramment pervers et manipulateurs que les femmes ( Rigoletto, Luna, Scarpia).

L'attribution des caractères par genre peut aussi se retourner contre les velléités égalitaristes. Quand les hommes se mêlent d'égalité à la place des victimes, certaines postures de sauveur peuvent en effet poser question. Dans l'ouvrage collectif Compositrices, l'égalité en acte, Jacques Amblard retrace l'histoire des compositrices comme une " conquête en dents de scie " où l'affirmation d'une femme se fait, le plus souvent, au prix d'une alliance stratégique avec un " champion ". Ainsi, le " champion " Saint-Gabriel publie un Mérite des dames en 1640. S'il ne s'agit pas de dire ici que la domination masculine est reconduite sur la scène du combat pour l'égalité, il s'agit de bien souligner que certaines époques ont laissé si peu de place aux femmes que la conquête de la reconnaissance nécessitait l'aide des hommes. Dès lors, y a-t-il des âges esthétiques plus égalitaires que d'autres ? " Ce qui libère, un peu, les compositrices au moins jusqu'à la Renaissance, est-ce l'oubli relatif du genius au Moyen Âge, se demande Jacques Amblard ? " Partant du principe que le mythe du génie est une forme de masculinisme, il devrait suffire de se libérer de tout culte de la personnalité pour faciliter la progression de l'égalité femmes-hommes.

D'un côté, les conservateurs qui veulent bien entendre plus de femmes à condition qu'elles se montrent aussi géniales que les hommes reconnus ; de l'autre, les esthéticiens de l'égalité voient des progrès dans toutes les démasculinisations du langage musical (qu'elles soient l'œuvre des femmes ou des hommes). En creux, un horizon normatif d'un nouvel ordre se dessine sur une logique bancale, si ce n'est volontiers instable : l'égalité femmes-hommes devrait supposer une sortie du paradigme viriliste du génie, sans pour autant assigner quiconque à quelque fébrilité alors paradoxalement militante. Peut-être s'agit-il en effet d'apprendre à se réjouir de ladite fébrilité, dans un étrange héroïsme de l'ambiguïté, à l'instar de la folle lyrique de Wayne Koestenbaum qui arbitre ses projections lyricomaniaques sur des échelles juste assez artificielles pour relever d'un style très inattendu :

" Dans Aïda, à Mexico en 1950, elle [Maria Callas] déploya un contre- mi bémol sans prévenir, dominant le ténor et le chœur à la fin de la scène du triomphe. Malgré la fureur de son médiocre partenaire, le ténor Kurt Baum, le public adora cette domination inattendue. "

Qu'un retournement de domination lyrique soit thématisé comme une embuscade semble vouloir en dire long sur la puissance de la musique à braver les rapports de force les plus ancrés.

Ambiguïtés stratégiques

Cette hyperstylisation des transferts symboliques traduit peut-être le malaise des postures alternatives au masculinisme. En tant que dominée, la chanteuse est alors prise dans une injonction paradoxale : si elle se laisse faire, l'auditeur est frustré de la voir se victimiser ; si elle change la donne, il est bon à crier au génie (sur un modèle précédemment thématisé comme masculiniste).

Sachant que le public pourra toujours se diviser sur la force spectaculaire de sa posture, quelle est la stratégie la plus efficace sur scène : rejouer la dialectique sempiternelle du Maître et de l'Esclave ou surjouer l'habitus de la victime complice de son oppression ? Pour Pierre Bourdieu, dans La Domination masculine :

" Rappeler les traces que la domination imprime durablement dans les corps et les effets qu'elle exerce à travers elles, ce n'est pas apporter des armes à cette manière, particulièrement vicieuse, de ratifier la domination qui consiste à assigner aux femmes la responsabilité de leur propre oppression, en suggérant, comme on le fait parfois, qu'elles choisissent d'adopter des pratiques soumises (" les femmes sont leurs pires ennemies ") ou même qu'elles aiment leur propre domination, qu'elles " jouissent " des traitements qui leur sont infligés, par une sorte de masochisme constitutif de leur nature. "

Si elle n'employait pas le terme de Bourdieu d'" habitus dominé ", Simone de Beauvoir soulignait dans Le Deuxième Sexe comme les combats portés par des femmes, passaient moins par l'affirmation d'idées que par des attitudes

" Pendant la guerre de Sécession, nul parmi les sudistes n'était aussi passionnément esclavagiste que les femmes ; en Angleterre au moment de la guerre des Boers, en France contre la Commune, ce sont elles qui se montrèrent les plus enragées ; elles cherchent à compenser par l'intensité des sentiments qu'elles affichent leur inaction ; en cas de victoire, elles se déchaînent comme des hyènes sur l'ennemi abattu ; en cas de défaite, elles se refusent âprement à toute conciliation ; leurs idées n'étant que des attitudes, il leur est indifférent de défendre les causes les plus périmées : elles peuvent être légitimistes en 1914, tsaristes en 1949. "

Dans un article à paraître, Andrei Minzenatu s'attarde sur cette distinction pour détailler ces attitudes et expliquer la frustration dans laquelle peut nous laisser le débat public contemporain qui, réduit aux échanges d'attitudes, ne laissent pas les idées s'exprimer : " Dès qu'elle surgit dans un espace de discussion, l'idée se voit réduite brutalement à l'attitude qui la sous-tend ; à partir de là, on ne retrouve que des petites phrases, des effets d'annonces, des pirouettes rhétoriques, un désir de revanche et de victoire, bref, un interminable dialogue de sourds. "

De même, les mises au point historiques et esthétiques sont reprises en phrases-chocs ou marronniers rituels à la merci de la bonne vieille lutte des places. Dans la confusion des attitudes et des postures, les institutions musicales se félicitent de leurs progrès paritaires indéniables, tout en les utilisant comme autant de cache-sexe d'un conservatisme esthétique (ou éditorial) qui préfère phagocyter l'ampleur des questions posées, déplacées, mais en rien dépassées.

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Le sexisme en musique : avec ou sans conservateurs ?

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Le rapport 2018 du Haut conseil à l'égalité entre les femmes et les hommes commence sur ces chiffres : les femmes artistes représentent " [60 %] des étudiant·e·s, [40 %] des artistes effectivement actif·ve·s, [20 %] des artistes aidé·e·s par des fonds publics, [20 %] des artistes programmé·e·s ".

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ivre manifeste publié par la Philharmonie sous le label "La rue musicale”

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Sous son label “La rue musicale”, la Philharmonie publie un livre manifeste qui propose une méthode et un cadre de pensée pour aborder la question du genre et de la sexualité en musique. En voici l’avant-propos.

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Festival itinérant qui réhabilite des œuvres de compositrices

Dans le Val d'Oise

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Au château de Villarceaux dans le Val d'Oise seront jouées des oeuvres de compositrices dans le cadre du Festival "Un temps pour elles" ©Getty - Alain Kubacsi

Au fil de l'actu

Du 25 juin au 1er août, le festival "Un temps pour Elles" investit les châteaux de Villarceaux et de Méry-sur-Oise, ainsi que l'abbaye de Maubuisson, pour y jouer un répertoire peu connu, parfois inédit. La directrice artistique Héloïse Luzzati nous parle de cette deuxième édition du festival.

Tous les week-ends jusqu'au 1er août cet été, le festival dédié aux compositrices oubliées Un temps pour Elles prend place pour sa deuxième édition dans le Val d'Oise. Comme pour la première édition, le fil conducteur reste le même, la programmation est basée sur des recherches et lectures, déterrant des partitions et manuscrits, uniquement de compositrices.
Les programmes ne sont donc pas montés seulement par les artistes, mais bien avec l'aide artistique du festival. Cela peut poser problème, notamment pour les artistes qui s'y produisent devant apprendre un programme de concert entier. " Ce n'est pas difficile de convaincre les musiciens lorsque la musique est bonne", assure Héloïse Luzzati.
Côté public, on pourrait se poser la question suivante : un répertoire peu joué et peu connu attire-t-il tout de même ? Pour cette deuxième édition, le festival observe une fidélité chez ses spectateurs.

Ces programmes éveillent la curiosité.

Une des différences majeures avec la première édition l'an dernier, est l'itinérance du festival, à travers tout le Val d'Oise. En effet, la directrice artistique souhaitait " aller sur les pas des femmes qui ont été importantes dans ce département", notamment Blanche de Castille à l'Abbaye de Royaumont, Ninon de Lenclos au domaine de Villarceaux ou encore la Comtesse de Ségur au château de Méry.
A ce festival, le public pourra ainsi découvrir des œuvres comme la sonate de Louise Héritte-Viardot, qui n'a pas été jouée depuis sa création par la compositrice elle-même, dont la partition considérée comme perdue, fut retrouvée cette année.

Programmation musicale

MENDELSSOHN - trio avec piano - trio Sora

MENDELSSOHN - trio avec piano - trio Sora

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Dans le Val d'Oise, le festival itinérant "Un temps pour Elles" réhabilite des œuvres de compositrices

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Du 25 juin au 1er août, le festival "Un temps pour Elles" investit les châteaux de Villarceaux et de Méry-sur-Oise, ainsi que l'abbaye de Maubuisson, pour y jouer un répertoire peu connu, parfois inédit. La directrice artistique Héloïse Luzzati nous parle de cette deuxième édition du festival.

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Dédié à la création féminine

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Exposition du musée du Luxembourg

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VISITES VIRTUELLES : Billet, place, pass & programmation | Expo

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Imprimez votre billet à domicile ou téléchargez-le sur votre mobile ! .

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Musée Georges Pompidou

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Premier chapitre du Passage du siècle (les grands bilans que le Centre Georges Pompidou proposera en 1996 et 1997), cette exposition renoue avec des expériences décisives comme par exemple "Eros", organisée en 1959 par Marcel Duchamp et André Breton.

A travers le titre "Féminin - Masculin, le sexe de l'art" s'exprime un double enjeu : celui de réhabiliter le terme dévalué d'une opposition inscrite dans la tradition des couples hiérarchiques de la pensée occidentale (forme/matière, vérité/mensonge, être/paraître, profondeur/surface, etc.) ; celui de montrer qu'au delà d'un simple sujet-motif artistique, le sexe est partie prenante des processus de l'art lui-même.

L'ambition de cette exposition est de montrer, en dehors de toute approche chronologique, comment les productions artistiques du XXe siècle n'ont eu de cesse de venir brouiller les fatalités biologiques, anatomiques et culturelles traditionnellement liées au sexe. Aborder l'art dans la perspective de la différence sexuelle, ce n'est pas mécaniquement opposer un art "masculin" à un art "féminin", mais tenter de donner à voir comment les oeuvres se trouvent traversées par cette question, au-delà du sexe - du genre - des artistes qui les produisent.

Féminin - Masculin, le sexe de l'art montrera aussi la coexistence dans ce siècle de deux généalogies artistiques concernant le sexe. L'une, à partir de Picasso, s'inscrit dans la tradition classique de la différence des sexes, conçue comme une opposition dialectique et organique du masculin et du féminin. L'autre, à partir de Marcel Duchamp, inaugure un nouveau type de relations, selon une logique asymétrique, faisant circuler les intensités masculines et féminines sur un mode proliférant qui opère une déterritorialisation des entités anatomiques, identificatoires et formelles.

Les artistes de la jeune génération (tant américaine qu'européenne) semblent très sensibles à cette manière de déstabiliser les polarités traditionnelles du masculin et du féminin, mettant en oeuvre de nouvelles configurations éthiques et formelles qui se situent au-delà de la différence sexuelle, et en cela se distinguant en radicalement des positions identitaires des années 70.

Féminin - Masculin c'est aussi ...

- X/Y, exposition orientée sur les projets des jeunes artistes utilisant les nouveaux médias, s'inscrit dans le cadre de l'exposition "Féminin - Masculin". Espace de recherche sur les nouvelles procédures de création mais aussi sur les nouveaux modes de diffusion, "X/Y" propose au public un parcours entre différents écrans, du Forum au 5e étage, du Grand Foyer à l'Espace de consultation vidéo, pour permettre une confrontation interactive avec les oeuvres proposées. Du 26 octobre 1995 au 12 février 1996.

- Le cinéma est aussi Féminin - Masculin avec une programmation de films de fiction et expérimentaux présentée au Studio 5 (5e étage), du 1er décembre 1995 au 15 janvier 1996.

- Un colloque : "Manières de voir, manières d'aimer" les 1er et 2 février 1996.

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Le Centre Georges Pompidou présente du 26 octobre 1995 au 12 février 1996 l'exposition "Féminin - Masculin, le sexe de l'art" dans la Grande Galerie, 5e étage (2500 m2). 500 oeuvres d'une centaine d'artistes internationaux seront exposées : peintures, sculptures, dessins, photographies, vidéos, films. De nombreux artistes créeront une oeuvre spécialement pour l'exposition.

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Les femmes artistes de 1900 à nos jours. Cours proposé par le Centre Pompidou

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Les artistes femmes dans les collections du Musée national d'art moderne

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Accueil

De mai 2009 à mai 2010, l'exposition Elles@centrepompidou a présenté au public les œuvres de plus de 200 artistes femmes du vingtième siècle. Ce site, réalisé par l'Institut national de l'audiovisuel et le Centre Pompidou, propose de revisiter ce moment inédit à travers de nombreux documents, portraits d'artistes, vidéos d'archives ou œuvres commentées.

Bande annonce

Plan de l'exposition

Fresque chronologique

Parcours d'exposition

Découvrez les autres fresques interactives

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Conçu comme un prolongement de l'accrochage du Musée national d'art moderne consacré aux artistes femmes, ce site, réalisé conjointement par l'Ina et le Centre Pompidou, réunit des portraits d'artistes en vidéo, une sélection d'œuvres majeures et des archives audiovisuelles de l'Ina.

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dans les collections permanentes interrogeant le rôle des femmes pour la période couverte par le musée (1848-1914).

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En raison du mouvement national de grève, jeudi 19 janvier, le musée d’Orsay fermera ses portes à 17h. Dernière entrée au musée à 16h00 et évacuation des salles à partir de 16h30
Merci de votre compréhension.

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"L'art du féminisme" : 180 ans de féminisme à travers les arts

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"L'art du féminisme" : 180 ans de féminisme à travers les arts

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" Why Have There Been No Great Women Artists ?" L'historienne de l'art Linda Nochlin posait cette question en titre d'un texte qui s'est révélé fondateur de l'art féministe. S'il est difficile de citer spontanément de grandes artistes, ce n'est pas qu'elles n'ont pas existé ou qu'elles n'ont jamais atteint le même niveau d'excellence que les hommes. C'est avant tout parce qu'elles sont restées dans l'ombre dans un univers dominé par les hommes. Occultées, les artistes femmes sont demeurées inconnues des générations suivantes. Ainsi l'imaginaire collectif cultive-t-il l'idée qu'une femme ne peut pas devenir une grande artiste.

Le principal objectif de l'art féministe est de repenser la place des femmes dans le monde.
Amy Tobin, historienne de l'art
L'art féministe reste une notion difficile à définir et à dater, et qui n'existe pas en tant que mouvement. " L'art féministe dépend de l'artiste, et de la part de féminisme qu'il ou elle a mis dans son travail, de celle ou celui qui le regarde, et de la manière dont il lit le féminisme dans l'oeuvre," explique Amy Tobin, professeure à l'université de Cambridge et autrice d'une thèse sur le lien entre art et féminisme. " L'art est très important pour le féminisme, parce que, comme les politiques féministes, son principal objectif est de repenser la place des femmes dans le monde," explique-t-elle.

L'art féministe, c'est également un combat pour la visibilité et la reconnaissance des femmes artistes. Un potentiel énorme, explique Amy Tobin : " Au XVIIe siècle, Artemisia Gentileschi, par exemple, était une femme qui réfléchissait au genre et à la représentation des femmes dans ses tableaux. Mais à l'époque, déjà, l'histoire ne retenait pas les femmes artistes. La plupart exerçait sous des pseudonymes ou leur travail restait anonyme."

Dans L'art du féminisme, les trois autrices britanniques ont sélectionné des oeuvres d'art présentant une dimension féministe assumée. Des oeuvres qui mettent les femmes au centre de la société, celles qui mettent en images cette même société qui réduit les femmes aux tâches ménagères et à la maternité, celles qui réclament la liberté et l'autodétermination des corps et des esprits. Le livre fait aussi une place aux artistes issues de minorités et discriminées dans le monde de l'art pour leur orientation sexuelle, couleur de peau, classe sociale... A côté des Frida Kahlo, Niki de Saint-Phalle ou Suzanne Valadon, L'art du féminisme expose ouvrières, queers, artistes d'origine africaine, femmes indiennes contre le viol...

La présentation des tableaux, affiches, dessins et photos est méthodique : trois époques divisées en quatre chapitres, développant chacun la fabrique de l'art de l'époque. L'art du féminisme commence dans les années 1850, aux débuts de l'art moderne. Une époque où la peintresse et précurseuse du féminisme Rosa Bonheur, en pantalon et cheveux courts à la garçonne, défrichait des sujets traditionnellement masculins, comme le Marché aux chevaux, tandis que, quelques années plus tard, la Britannique Elizabeth Thompson, peignait des scènes militaires.

Au tournant du XXe siècle, c'est la lutte pour le droit de vote des femmes qui occupe l'art et les esprits. Les femmes iront ensuite à la guerre, aux champs, à l'usine. Dans l'entre-deux-guerres, elles commencent à investir l'espace public, tandis que, derrière l'objectif, des photographes comme Vivan Meier, Dora Maar ou Germaine Krull proposent un nouveau regard.

Spécialiste de l'art féministe aux Etats-Unis et en Grande-Bretagne, Amy Tobin, elle, nous plonge dans une période cruciale pour l'émancipation des femmes, celle qui s'étend du début des années 1960 à 1985. Un seul exemple : dans les années 1970, encore, les revues d'art n'accordaient pas plus de 5% de leurs pages aux plasticiennes, les principaux salons d'expositions n'en comptaient que 14 à 20%.

Cette période très politique et militante est celle de la revendication et du Mouvement de libération des femmes, de la seconde vague féministe, centrée sur les droits liés aux corps des femmes et la redéfinition de leurs rapports aux hommes. La représentation des femmes dans la publicité, le cinéma, la musique n'en était que plus importante. Mais pour innover, pour aller au-delà de la critique, il fallait des artistes féministes : " J'ai voulu montrer la grande diversité de l'art de cette période et surtout la diversité de ce que l'on peut concevoir comme l'art féministe, en allant au-delà des exemples classiques," explique Amy Tobin. Alors elle a râtissé large pour débusquer une matière originale. En Europe, en Afrique, dans le monde entier, elle a glané affiches, magazines, sculptures, manifestations, performances, peintures...

C'est l'une des plus belles découvertes qu'Amy Tobin a faite en réalisant ce livre : Lala Rukh, artiste et militante pakistanaise décédée en 2017. " Je connaissais l'artiste, mais je n'avais jamais vu les affiches qu'elle a réalisé pour les actions féministes au Pakistan dans les années 1970. Elles font écho aux idées et à l'iconographie de l'art européen, en les tournant vers d'autres problématiques politiques. Je n'avais jamais rien vu de tel dans ce contexte, comme cette image d'une femme en hijab qui veut se défaire des chaînes de l'oppression contraste avec l'image occidentale de de la femme musulmane," explique l'historienne.

Du militantisme radical au musée, beaucoup d'artistes françaises ont contribué au féminisme, soit sur le plan théorique, soit par leur engagement dans l'action militante, notamment à travers les manifestations. " Ces actions comportaient d'importants éléments visuels, comme des affiches et d'autres objets qui descendaient dans la rue."

En 1974, à une époque où la vidéo n'est pas un média encore très investi, Delphine Seyrig fonde l'association Les Muses s'amusent qui se consacre à la création militante jusqu'au début des années 1980. " Elles filment la vie des femmes, mais aussi des sujets difficiles, à l'époque, comme la prostitution," explique Amy Tobin. D'autres artistes sont plus facilement associées aux beaux-arts, comme Lea Lublin, qui vivait en France, à Paris, dans les années 1970 : " Elle a beaucoup travaillé sur les enfants, les sentiments qui l'habitaient quand elle était au foyer, les injonctions et les attentes les qui pèsent sur les femmes", dit l'historienne.

Si Amy Tobin ne devait garder qu'une oeuvre féministe ? Ce serait la série de portraits de Linder intitulée She/She, une oeuvre de 1981 où l'artiste joue avec sa propre image en coupant son visage avec d'autres images, d'autres textures. Car pour l'historienne : " Ces portraits en disent long sur la culture visuelle qui nous entoure, sur la manière dont le vêtement nous enferme dans un carcan et dont le choix vestimentaire peut être un acte de libération."

A l'ère des réseaux sociaux, alors que l'image et le visuel n'ont jamais eu autant d'importance, l'art féministe assume un rôle essentiel : créer un nouveau langage, une nouvelle iconographie pour représenter le genre et les différences. L'art féministe nous invite à réfléchir à la question : Quelle image voulons-nous donner ?

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"L'art du féminisme" : 180 ans de féminisme à travers les arts

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" Why Have There Been No Great Women Artists ?" L'historienne de l'art Linda Nochlin posait cette question en titre d'un texte qui s'est révélé fondateur de l'art féministe. S'il est difficile de citer spontanément de grandes artistes, ce n'est pas qu'elles n'ont pas existé ou qu'elles n'ont jamais atteint le même niveau d'excellence que les hommes.

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Faire que les Femmes artistes sortent de leur réserve

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Faire que les Femmes artistes sortent de leur réserve

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Faire que les Femmes artistes sortent de leur réserve, tel est l’objectif premier de cette exposition virtuelle mise en ligne par le ministère de la culture.

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Présentation

Ancrées dans l'Histoire

A partir du seizième siècle, quelques femmes, principalement italiennes, s'imposent sur la scène artistique. En France, les institutions artistiques sont liées à l'Académie, créée en 1648, ouverte - avec parcimonie - aux femmes à partir de 1663, et un peu plus largement au siècle suivant. L'Académie se ferme aux femmes au dix-neuvième siècle. Quelques " femmes énergiques sont arrivées quand même à étudier sérieusement et à produire des œuvres intenses et originales " constatera Virginie Demont-Breton, présidente de l'Union des femmes peintre et sculpteur, et militante de l'ouverture de l'Académie aux femmes.

La place des femmes artistes en France au XIXe siècle

Le principal lieu d'exposition, à Paris, est le Salon, lui aussi placé sous la responsabilité de l'Académie. Si le jury du Salon tend à renforcer l'emprise de l'Académie, un nombre croissant - mais bien relatif - de femmes parviennent à être admises. Dans les années 1800-1830, elles ne représentent jamais moins de 14 % des exposants. Mais elles perdent du terrain et, en 1855, elles ne représenteront plus que 6,7 %. En 1880, elles sont plus de 600 exposantes, mais elles ne représentent que 12,5 % du total des artistes participants. C'est au Salon que l'État achète, souvent pour déposer dans des musées de région.

Construire sa renommée

Les impressionnistes, groupe d'artistes auquel appartiendront trois femmes : Berthe Morisot, Mary Cassatt et Marie Bracquemond, tentent d'échapper au monopole de l'Académie. Si leur esthétique choque, leur démarche indépendante est assez largement saluée. En 1881, l'État décide de libéraliser la situation : les associations d'artistes et les salons se multiplient, investis par de nombreuses femmes. L'État ne dédaigne pas d'y acheter des œuvres, parfois à des femmes, y compris des artistes étrangères qui, bien qu'ayant fait toute leur carrière en France, et y étant souvent mortes et enterrées, sont aujourd'hui totalement méconnues. Qui se souvient de la Suédoise Julia Beck, de la Britannique Beatrice How, de la Polonaise Olga Boznanska, de l'Américaine Elisabeth Nourse ? Pourtant, des oeuvres de ces artistes sont conservées dans des musées de France. Certaines, par crainte de n'être jamais représentées dans nos collections publiques, offrent des œuvres à l'État français, telles les Américaines Mary Cassatt et Cecilia Beaux.

Etre présente dans les collections publiques

Trois femmes, encore, françaises celles-ci, offrent l'ensemble de leurs collections pour créer des musées. L'une était peintre, Nélie Jacquemart, créatrice du musée Jacquemart-André, à Paris. La deuxième, Marie Grobet, fut l'initiatrice du musée Grobet-Labadie, à Marseille. Jeanne Magnin, qui pratique l'émail sur verre, constitue avec son frère Maurice une importante collection d'oeuvres d'art. Jeanne Magnin meut en 1937, son frère deux ans plus tard. Maurice lègue leur collection à l'Etat. Le musée portera longtemps le seul nom de Maurice Magnin. Plus récemment, il y eut le prestigieux legs de la comédienne Jacqueline Delubac (1907-1997) au musée des Beaux-Arts de Lyon.

Développer la visibilité des collections de femmes artistes

La représentativité des femmes dans le catalogue collectif des collections des musées de France, Joconde, est le reflet de cette histoire. Sur un total de 511.979 notices relevant de près de 35.000 artistes, les femmes artistes sont au nombre de 2.304, avec 20.575 œuvres. Elles représentent donc 6,6 % des artistes de la base de données, avec 4 % du nombre d'œuvres. Même s'ils sont très faibles, ces pourcentages de juillet 2021 n'en sont pas moins supérieurs aux chiffres connus pour la seconde moitié du dix-neuvième siècle. En France, elles étaient alors 3.818, soit 1,74% des artistes répertoriés...

Puisse cette exposition virtuelle encourager la mise en ligne de notices et d'images d'œuvres de femmes artistes conservées dans les musées de France.

Si elle suscite, en outre, des études, des publications et des expositions, non virtuelles celles-ci, alors nous aurons atteint notre second objectif.

Anne-Solène Rolland, cheffe du service des musées de France

Visiter l'exposition

Découvrez la chronologie de l'empreinte des femmes artistes dans l'histoire de l'art français de l'Ancien Régime à nos jours.

Ce chapitre traite particulièrement de ces questions : Comment se forment et se font connaître les femmes artistes ? Se sont-elles illustrées dans des sujets particuliers ? Quelle a été leur place dans la commande publique, le mécénat et les institutions ?

Artisanes, graveuses, dessinatrices et imprimeuses, peintres, photographes ou encore sculptrices, les femmes artistes - et les inspiratrices - se sont illustrées dans toutes les formes d'art.

Ce chapitre met l'accent sur la quête de la reconnaissance des femmes en tant qu'artistes et citoyennes à part entière.

Retrouvez sur ces pages les notices biographiques des femmes artistes recensées dans cette exposition.

Une sitographie, une bibliographie et un mémo des dates clés de l'histoire des femmes artistes vous sont ici proposés.

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Les femmes artistes sortent de leur réserve

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Ancrées dans l'Histoire A partir du seizième siècle, quelques femmes, principalement italiennes, s'imposent sur la scène artistique. En France, les institutions artistiques sont liées à l'Académie, créée en 1648, ouverte - avec parcimonie - aux femmes à partir de 1663, et un peu plus largement au siècle suivant.

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Des artistes s'expriment contre les violences faites aux femmes 

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Des artistes s'expriment contre les violences faites aux femmes 

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5 artistes pour dénoncer les violences faites aux femmes - Manifesto XXI

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Des violences physiques et sexuelles aux violences verbales et sociales, voilà des œuvres de femmes qui n’ont pas attendu le 25 novembre pour en parler.

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Les femmes et l'art

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Découvrez la ressource pédagogique de la chaîne ARTE dédiée aux enseignants et aux élèves des collèges et lycées !

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La Sirène", le site de la bibliothèque numérique patrimoniale de Versailles

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La Sirène", le site de la bibliothèque numérique patrimoniale de Versailles

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"Jenny de Vasson, une photographe à Versailles en 1900" ou le développement d'une pratique amateur féminine.

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La Sirène - Bibliothèque numérique patrimoniale de Versailles

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Catalogue en ligne de la bibliothèque numérique patrimoniale de Versailles. Parcourez les collections rares et anciennes numérisées de la bibliothèque municipale de Versailles, et suivez les actualités patrimoniales.

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L’art sous l’angle du genre ou révéler la normativité des mondes de l’art  

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L’art sous l’angle du genre ou révéler la normativité des mondes de l’art  

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Marie Buscatto

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Genre et Histoire des Arts Quelle place pour le genre en Histoire des Arts ?

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Genre et Histoire des Arts Quelle place pour le genre en Histoire des Arts ?

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Académie de Strasbourg_Journée d'études

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Nouvelles Perspectives sur l’art et le genre. IETM - Réseau International des Arts du Spectacle, Bruxelles

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Nouvelles Perspectives sur l’art et le genre. IETM - Réseau International des Arts du Spectacle, Bruxelles

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Pascale Charhon

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L'art au prisme des inégalités Femmes-Hommes

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L'art au prisme des inégalités Femmes-Hommes

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Parcours dans les collections du MBA de Bordeaux

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2. Articles en vrac
3. Problématiques de genre dans l’histoire de l'art
4. Femmes dans l'histoire de l'art
5. Y a-t-il un art féminin ?
6. Femmes et monde de la culture et des arts
7. Femmes et place dans la peinture
8. Femmes et littérature:
9. Femmes et musique
10. Femmes et arts visuels : photo et cinéma
11. Femmes et architecture-design
12. Femmes et Art contemporain
13. Art et féminisme
14. Femmes et arts dans les société extra-occidentales
15. Blogs et sites de collègues dédiés à la place de la femme dans l'art
16. Ressources de sites nationaux et internationaux
20. Articles en vrac

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Peintres, muses, photographes, elles ont marqué l'histoire et sont toutes réunies dans une playlist vidéo à visionner sans modération !

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Elles s'appellent Néfertiti, Vigée le Brun, Niki de Saint-Phalle, Agnès Varda... et elles ont marqué l'histoire de l'art par leur influence ou leurs oeuvres ! Découvrez notre playlist sur ces femmes d'exception !

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Prix « J’aime le livre d’art » pour «400 femmes artistes», vision neuve de l’histoire de l’art et des femmes avec des génies comme Frida Kalho, Nadia Léger

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Non classé Archives | Connaissance des Arts

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Connaissancedesarts.com est le site de vos expositions. Grâce au kiosque des expositions, trouvez et réservez directement votre billet pour une expo à Paris, Lille, Nantes, Rennes, Strasbourg, Lyon, Marseille, Bordeaux, Toulouse... et partout en France, et retrouvez une sélection d'expositions à l'international.

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12 femmes qui ont bouleversé l'histoire de l'art | Magazine Barnebys

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12 femmes qui ont bouleversé l'histoire de l'art | Magazine Barnebys

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Femme sculpteur, Camille Claudel a eu une vie plus que mouvementée. Pendant une dizaine d'années, elle vit une passion amoureuse avec le sculpteur Auguste Rodin. Complices dans la création, ils modèlent ensemble plusieurs sculptures, dont Le Baiser (1886).

Malgré leur rupture, elle inspirera toute sa vie Rodin qui ne doute pas de son génie artistique. Avec ses sculptures, Camille Claudel innove. Elle saisit le vif du moment et l'intensité du mouvement dans un style jamais vu jusque là. " J'ai beaucoup d'idées nouvelles ", confie-t-elle à son frère Paul.

Fragile, un avortement clandestin en 1892 la pousse vers la folie. Elle terminera ses jours dans la solitude et l'isolement, à l'asile de Montfavet dans le Vaucluse. Malgré son internement, ses sculptures continuent d'attirer les collectionneurs. Elle est aujourd'hui considérée comme l'une des plus grandes sculptrices du XXe siècle.

Gertrude Stein (1874-1946)

Gertrude Stein, écrivaine américaine, est plus connue pour sa collection d'art que pour ses talents de dramaturge. Amoureuse de la France et de Paris, Gertrude défend l'art moderne, notamment les cubistes et Picasso.

En couple avec Alice B. Toklas pendant près de quarante ans, Gertrude Stein devient progressivement l'une des plus grandes collectionneuses de son temps. Son talent pour dénicher les talents de demain fascine déjà à l'époque. Matisse, Picasso, Picabia, Balthus... tous viennent décorer l'appartement du 27 rue Fleurus, où se pressent les amateurs d'art, et notamment les Américains de passage dans la capitale.

Coco Chanel (1883-1971)

Symbole de l'élégance française, Gabrielle Chanel dite Coco Chanel a révolutionné la mode par ses créations. Résolument moderne, elle monte à cheval non pas en amazone mais en jodhpurs de peau et cravate.

Elle se lance dans la création de chapeaux originaux et sobres qu'elle porte bas sur le front. Partout où elle va, elle se fait remarquer : les pièces qu'elle arbore, ses propres créations, sont à contre-courant du style traditionnel des femmes de l'époque.

Jouant avec les codes féminins-masculins, Chanel crée des vêtements confortables, élégants et pratiques. Adieu les froufrous et autres plumes ! Si ses créations restent sobres, Chanel revendique les accessoires pour dynamiser l'ensemble.

Suzanne Belperron (1900-1983)

Suzanne Belperron est une créatrice de bijoux qui a marqué l'histoire de la joaillerie française. Styliste de la maison Boivin, elle chamboule les codes avec des bijoux aux formes toujours très féminines, sensuelles et sans fioritures.

Avant-gardiste jusque dans les matériaux qu'elle utilise, Suzanne Belperron affectionne les pierres fines (citrines, péridots, améthystes) et les bijoux polychromes. Les bijoux Boivin sont rarement signés car la créatrice trouvait cela très ordinaire. Elle disait à ce sujet : " Mon style est ma signature ".

Inspirée par la nature et les cultures lointaines, Belperron joue des influences et des styles. Ses bijoux deviennent vite la touche luxueuse qui vient agrémenter les tenues de mode des grands couturiers de l'époque.

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12 femmes qui ont bouleversé l'histoire de l'art | Magazine Barnebys

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Si, dès l'Antiquité, les femmes ont contribué à la production artistique, elles sont restées marginalisées ou peu considérées jusqu'au début du XIXe siècle. Progressivement, grâce à l'ouverture des écoles d'art, l'affirmation de l'égalitarisme et l'emergence d'un marché de l'art, elles atteignent enfin la reconnaissance qui leur est due.

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La femme n'a pas toujours été admise dans le champ artistique comme "artiste" à part entière. Pourtant, déifiée, représentée en héroïne durant la Préhistoire et l'Antiquité, c'est assez tardivement qu'elle s'est hissée au rang de créatrice à l'égal de l'homme. L'art du textile était par exemple une de ses activités songeons à Pénélope.

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LES ARTISTES FEMMES DANS L’HISTOIRE DE L’ART

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LES ARTISTES FEMMES DANS L’HISTOIRE DE L’ART

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Très rapide historique

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LES FEMMES, LES ARTS ET LA CULTURE Frontières artistiques, frontières de genre

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LES FEMMES, LES ARTS ET LA CULTURE Frontières artistiques, frontières de genre

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Marlaine Cacouault-Bitaud, Hyacinthe Ravet

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Quelques ressources proposées par le magazine Beaux-Arts

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En écho au 8 mars, journée internationale des droits des femmes, Beaux Arts célèbre durant un mois entier la création au féminin ! Trop longtemps passée sous silence, l’histoire des artistes femmes est désormais mieux connue. Récits, portraits, analyses d’œuvres, vidéos : partons à la (re)découverte…

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Un numéro de la revue Travail, genre et sociétés, Janvier 2019

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Virginia Woolf à Monk's House. Wikipédia

On entend beaucoup dire en ce moment, en sinistre contexte, qu'il faut " séparer l'homme de l'artiste " : par là, on entend en principe défendre l'idée que les œuvres d'art ou les productions culturelles doivent être appréciées indépendamment du jugement que l'on porte sur leurs auteurs, afin de garantir à notre évaluation esthétique son impartialité et son objectivité. On demande alors de juger l'œuvre, surtout pas l'homme qui l'a produite, et celui-là est censé disparaître derrière sa réalisation - quand bien même il aurait été le premier à s'y être comparé et même si c'est bien à lui qu'on donne des récompenses ensuite.

En littérature, le débat court depuis longtemps : sur ce site-même on en reparlait récemment à travers l'analyse des idées de Saint-Beuve. C'est un grand classique de la critique littéraire que de se demander si on doit ou non s'intéresser aux biographies des écrivain·es pour juger leurs textes - Sainte-Beuve jugeait que oui et le mettait largement en pratique, Proust en réponse prônait la distinction entre le " moi social " et le " moi profond " de la personne qui écrit. Cette opposition, en réalité ne recouvre pas exactement celle qui propose de " séparer l'homme de l'artiste " mais a souvent été comprise ainsi. Vieilles idées, vieux débats sans fin : la réalité est toujours trop complexe pour être réduite à des schémas binaires.

Il y a pourtant une phrase qu'on prononce moins souvent : on parle peu de " séparer la femme de l'artiste ". Pourquoi ? D'abord parce que, évidemment, dans " séparer l'homme de l'artiste " on est censé devoir comprendre qu'on parle de l'être humain en général - femmes comprises. Peut-être aussi parce que de fait, d'un point de vue statistique, les grands scandales liés à des agressions sexuelles dans les milieux artistiques ont jusqu'à présent moins accusé de femmes que d'hommes.

Cet article voudrait avancer un autre élément de réponse. Si l'on ne cherche pas particulièrement à " séparer la femme de l'artiste ", c'est peut-être parce que c'est impossible : en tant que " femme " une écrivaine écrit dans des conditions matérielles précises, qui déterminent en partie l'œuvre qu'elle produit ; en tant que " femme " en plus, il y a des chances qu'elle soit lue et reçue de manière particulière, d'une façon différente des œuvres produites par des hommes. Dans ce sens, les femmes qui créent sont toujours autant " artistes " que " femmes ", et de manière inséparable (comme leurs collègues masculins sont aussi à peu près inséparablement " artistes " et " hommes ").

Les conditions matérielles de l'écriture : " femme " avant " artiste "

Virginia Woolf a été l'une des premières écrivaines occidentales à le dire et à être vraiment entendue (quoique tardivement) : créer, quand on est une femme, en raison précisément des conditions de vie et tâches sociales liées au sort des femmes dans la société, ça ne peut pas avoir le même sens que créer, quand on est un homme. Dans Un lieu à soi (A room of one's own, 1929), elle interroge : comment écrire quand on n'a pas de pièce à soi pour s'isoler travailler ? Comment écrire quand on n'a qu'un bout de table pour le faire et qu'on est sans cesse interrompue dans son geste - par les sollicitations d'un époux, les jeux d'un enfant, des préoccupations domestiques ? Quand, en outre, l'activité elle-même est mal considérée par l'entourage - car elle détourne la femme des activités dont on juge qu'elles devraient être ses principales occupations ?

" Dans la classe moyenne au début du XIX e on ne disposait que d'une seule pièce où s'asseoir pour toute la famille[.] Si une femme écrivait, elle devait le faire dans ce salon commun. Et, comme Miss Nightingale devait s'en plaindre de façon si véhémente - " les femmes n'ont jamais une demi-heure... qu'elles puissent déclarer à soi " -, elle était toujours interrompue. [...] Jane Austen écrivit comme ça jusqu'à la fin de sa vie. " Il est surprenant qu'elle ait été capable de mener tout cela à bien, écrivit son neveu dans sa biographie, car elle n'avait pas d'étude séparée où se retirer, et la plus grande part de son travail a dû être faite dans le salon commun, sujet à toutes sortes d'interruptions fortuites. Elle prenait garde à ce que son occupation ne soit pas soupçonnée par les domestiques ou les visiteurs ou toute autre personne hors du cercle familial. " Jane Austen cachait ses manuscrits ou les couvrait avec un morceau de buvard. [...] Pourtant Jane Austen était contente que grince un gond de porte, qui lui permettait de cacher son manuscrit avant qu'on entre. "

Virginia Woolf, " Un lieu à soi ", traduction de Marie Darrieussecq, Denoël, Paris, 2015 (1929), p. 107-109.

Les mêmes constats sont valables en littérature française : Christine Planté l'a magistralement montré dans La Petite sœur de Balzac. Dans le geste matériel, concret, de la création, il n'y a longtemps pas eu de séparation possible entre " la femme " et " l'artiste " : même les plus grandes ont été bousculées et ont dû batailler pour écrire malgré la toute petite place qu'on a bien voulu laisser à cette activité dans leurs vies. Toujours femmes, à peine ou très difficilement artistes.

La réception critique : " femme " avant " artiste "

Virginia Woolf formulait certes tout cela au début du siècle dernier : les choses n'ont-elles pas évolué depuis ? Peut-être, mais bien lentement. Quand Simone de Beauvoir publie Le Deuxième sexe en 1949 et parle des femmes qui écrivent, le constat reste le même :

" Aujourd'hui, les femmes ont déjà moins de peine à s'affirmer ; mais elles n'ont pas encore tout à fait surmonté la spécification millénaire qui les cantonne dans leur féminité. "

Simone de Beauvoir, " Le Deuxième sexe ", tome 2, Gallimard, Paris, 1976 (1949), p. 634
Dans les années 1970-1980, on n'y est toujours pas non plus : c'est le constat que fait par exemple Benoîte Groult. Les femmes qui écrivent sont considérées comme des " créatures " semi-monstrueuses, à moitié " folles " et " criminelles ", pour les mêmes raisons que soulevait déjà Virginia Woolf - parce qu'en écrivant elles se détournent de leur rôle matériel domestique :

" Le génie artistique est un luxe, même s'il s'accompagne de misère matérielle, le luxe de la disponibilité de l'esprit et du cœur. Abandonner pour toujours sa famille comme Gauguin, vivre en pestiféré comme Van Gogh, en hors-la-loi comme tant d'autres, n'est pas encore à la portée des femmes : on les considérerait non comme des artistes mais comme des folles ou des criminelles. "

Benoîte Groult, " Ainsi soit-elle ", Grasset, Paris, 1975, p. 204
C'est d'ailleurs ce constat qui conduit Benoîte Groult à décider d'écrire finalement, non plus simplement en tant que femme artiste, mais en tant que féministe.

" Je sais tout cela. Quelle femme peut l'ignorer ? C'est donc bien consciente de mon démérite et sachant que je ne bénéficierai plus du sourire paternel réservé aux ouvrages de dames que j'entreprends d'écrire un ouvrage féministe. Je sais que j'aurais mieux fait d'écrire un roman féminin. On aurait continué à me dire galamment dans les salons - Ravi de vous connaître. Ma femme a adoré vos livres, le Piano à quatre mains surtout ... Et j'aurais continué à esquisser un humble sourire de remerciement, résignée au fait que les auteurs à seins ne soient lus que par des lecteurs à seins. Et si dans un sursaut d'amour-propre, tout en maintenant mon sourire aimable car une femme doit rester charmante, j'avais ajouté : " Parce que vous, bien sûr, les livres de femmes ne vous intéressent pas ? " les maris en question auraient souri avec courtoisie en s'excusant de n'avoir de temps que pour les choses sérieuses. Ils lisent bien sûr, ces hommes-là, mais des livres d'hommes, des livres normaux, quoi ! Évidemment, mes livres à moi parlent d'amour. C'est un sujet si féminin... quand il est traité par une femme. Mais quand c'est Flaubert qui décrit l'amour, cela devient un sujet humain. Il n'existe pas de sujet masculin pour la raison irréfutable que la littérature masculine c'est LA littérature ! "

Benoîte Groult, " Ainsi soit-elle ", op. cit., p. 30-31.
Ce que Benoîte Groult dit en somme, c'est que quand l'artiste est une femme, non seulement elle a eu un accès plus difficile à la création, mais qu'en plus l'on voit toujours la femme en elle avant l'artiste. Cela conditionne absolument la manière dont on juge à la fois la personne et l'œuvre, inséparablement. En 1975, si sur la couverture du livre on voit un nom féminin, cela suffit pour que l'on forme un jugement (négatif) ; si on concède à lire l'œuvre malgré tout, on la lira comme un " ouvrage de dame ", pas comme un livre d'auteur. Quand l'artiste est une femme, on ne cherche pas à distinguer l'art et la personne : on prend les deux en bloc dans le même mépris.

Et aujourd'hui ? Apparemment, les choses n'ont pas tellement changé : la condition sociale des " femmes " continue probablement de les empêcher de créer et d'être jugées comme de vraies " artistes " - sans quoi comment expliquer leur étrange absence des prix littéraires ou des manuels scolaires ? Le " plafond de verre " persiste en littérature, les prescripteurs restent des hommes et les femmes restent moins lues, quoiqu'elles soient nombreuses à créer. Femmes avant tout : artistes minorées.

De celles et ceux qui moralisent la littérature

Les personnes qui souhaitent " séparer l'homme de l'artiste " posent elles aussi une question morale. Quand on prétend devoir " séparer l'homme de l'artiste ", la tâche que l'on se donne prend une envergure éthique, au-delà de l'esthétique : il y a là l'idée qu'il faut préserver une certaine pureté de l'art, qu'il est intouchable à sa manière - et qu'on doit surtout se garder de le toucher.

C'est une lame de fond qui a traversé et modelé toute l'histoire littéraire, de manière particulièrement forte depuis le XIX e siècle et ce qu'on appelle depuis Bourdieu l'autonomisation du champ littéraire. Elle a participé à déterminer toute une série de grands partages dans l'histoire de l'art et de la littérature :

l'idée qu'on doit séparer l'homme de l'artiste,

l'idée que la création est l'œuvre d'un individu (d'un homme, généralement), comme jaillie de nulle part, diamant pur,

l'idée que toutes les formes d'art ne se valent pas - certaines étant plus " pures " et de plus grande valeur que d'autres -,

l'idée qu'il doit être possible de faire un " art pour l'art " qui soit à lui même son propre but et qui puisse se lire et s'apprécier comme langage parfaitement beau et détaché du réel,

l'idée au contraire que les écritures " engagées ", aux prises avec le réel de la société qu'elle décrivent, interrogent ou dénoncent, sont en quelque sorte de l'art de moindre qualité - impur.

Les écrivaines le soulignent aussi depuis longtemps, toutes ces distinctions et hiérarchisations sont factices : " les chefs-d'œuvre ne naissent pas isolés et solitaires ; ils sont le fruit de nombreuses années à penser en commun, à penser par le corps des gens, de sorte que l'expérience de la masse est derrière la voix solitaire. " (Virginia Woolf, " Un lieu à soi ", op. cit., p. 105)

" Vous réagissez comme s'il était impossible d'être à la fois artiste et féministe, comme si tout art n'était pas engagé, comme si le prétendu non-engagement de certaines options artistiques [...] n'avaient pas constitué des formes d'engagement. "

Suzanne Lamy, " Quand je lis je m'invente ", Hexagone, Montréal, 1984, p. 46.
Les féministes, qu'elles soient militantes, autrices, critiques d'art, actrices, chercheuses en littérature, refusent de considérer que le domaine de l'art et le domaine des affaires sociales soient des domaines absolument séparés - cela ne signifie pas qu'elles ne sachent pas porter des jugements purement esthétiques, ni qu'elles n'estiment pas elles aussi qu'il est parfois intéressant de s'y consacrer exclusivement, cela signifie qu'elles refusent que ceux-là soient les seuls à avoir droit de cité. Le contexte d'apparition d'une œuvre d'art, l'interprétation qu'en fait le public à sa sortie, les controverses qu'elle déclenche éventuellement, participent aussi à donner son sens à l'œuvre.

Cette position a elle aussi derrière elle une longue histoire et toute une culture méthodologique à l'appui. Pour le dire vite, c'est notamment toute une réflexion théorique sur le " point de vue situé " (Haraway, Hartsock, Harding, Hill Collins...) qui sous-tend les luttes féministes (entre autres, car en réalité cette réflexion est fondamentale pour toutes les luttes de minorités) ; réflexion élaborée collectivement depuis bien longtemps, établie scientifiquement depuis les années 1980 environ, selon laquelle tout ce qu'un individu produit de connaissance ou d'art est en partie déterminé par la position qu'il occupe dans la société. Quand on adopte les méthodes d'analyse proposées par les épistémologies féministes, on s'aperçoit s'il fallait encore le prouver qu'il est à peu près inepte de vouloir vraiment comprendre un objet de culture - un savoir, une œuvre - sans réfléchir à qui l'a produit et dans quelles conditions.

Les Césars 2020 ont été l'occasion de multiples prises de parole féministes. Adèle Haenel a expliqué que vouloir à tout prix " séparer l'homme de l'artiste " revenait en fin de compte à " sépare [r] les artistes du monde ", et que celles et ceux qui reprochaient aux féministes de moraliser l'art étaient les véritables " réactionnaires " ; Virginie Despentes a rappelé que c'était le même corps qui agressait, artiste ou homme - même agression, et même impunité derrière ; Aïssa Maïga a dénoncé la sur-représentation du public blanc lors de la cérémonie et a expliqué en réaction à l'ensemble des événements de la soirée que " l'art n'est pas plus important que tout. L'humain d'abord ".

C'est le même arrière-plan théorique et épistémologique qui soutient leurs différentes prises de parole : l'idée que toute création est forcément située, qu'elle s'inscrit dans un contexte dont elle n'est pas séparable parce que c'est bien là qu'elle prend forme et sens, et que la manière dont on la réceptionne (dont on la récompense ou non, par exemple) crée aussi du sens - du sens artistique et du sens politique.

Le slogan " il faut séparer l'homme de l'artiste " cache en fait un double standard et un mécanisme de domination sociale : aux femmes on ne cède que difficilement la place d'artiste - on n'utilise pas cette phrase pour elles parce qu'elles sont matériellement dominées, même dans leur carrière d'artiste, tout au long de leur vie -, les artistes masculins quant à eux sont autorisés à oublier leur identité, rôle social et responsabilités d'" hommes ", puisqu'ils sont " artistes ".

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Débat : Peut-on " séparer la femme de l'artiste " ?

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On entend beaucoup dire en ce moment, en sinistre contexte, qu'il faut " séparer l'homme de l'artiste " : par là, on entend en principe défendre l'idée que les œuvres d'art ou les productions culturelles doivent être appréciées indépendamment du jugement que l'on porte sur leurs auteurs, afin de garantir à notre évaluation esthétique son impartialité et son objectivité.