# data[].attributes.attachment_link.title
GRUTIER (3) GRUE A TOUR  / AGRESSION ? REVENDICATION ? OU TENTATIVE DE SUICIDE  ?  OH SE BORDEL 🤔🤫!

# data[].attributes.body
『Kitsune』
【Pop-up en papier canson, encre, acrylique et gouache】

L’idée de ce projet est de mélanger différentes époques et cultures à travers le fond et la forme de chaque production. Le thème récurrent est la mythologie, ciblant donc la période antique. Le support de chacune de ces œuvres requiert des matériaux et outils plus ou moins modernes, ou du moins non contemporains à l'époque du sujet. Par exemple, l’animation qui a été utilisée pour représenter Apophis, divinité de l’Egypte antique.

Lors de la finalisation de la première création, le pop-up du Kitsune, un problème technique est survenu, contraignant le pop-up à rester sculpture de papier.
Cependant, ce petit imprévu a permis l’émergence d’un nouveau questionnement, celui du jeu des dimensions. Il a été alors décidé, que pour chaque travail il devait se dégager, en plus d’un mariage temporel, une mixité de dimensions.
Dans le premier, donc, on retrouve un composé des deuxième et troisième dimensions par l’assemblage de surfaces planes formant une structure en relief.
La seconde œuvre, l’animation d’Apophis, est divisée en trois étapes :
。Dans la première, le personnage est présenté telles les fresques égyptiennes, de façon plane.
。Dans la deuxième étape, celui-ci passe à un état de troisième dimension.
。Enfin, le protagoniste se jette sur le spectateur. Brisant le quatrième mur, il offre donc une perspective de quatrième dimension.

La dernière production, mettant en scène la métamorphose de Daphné, a pour but d’être un trompe-l'œil. Le personnage est présenté par une vue en plongée sur une surface plane, donc en 2D. Cependant, lorsque le dessin est vu sous une certaine perspective, il donne une impression de 3D, comme si le personnage sortait de la feuille.

# data[].attributes.body
Le carnet d'aquarelles est entièrement terminé ! Je suis tellement tellement tellement heureuse hihi
C'était la partie la plus lourde et la dense dans tout mon projet, la plus difficile et la plus technique surtout! Tout se jouait sur le medium que j'utilisais et le fait que je n'arrivais pas à trouver une manière de peindre me retardait du tout au tout dans mon projet. Mais il a été terminée et je suis plus que satisfaite du résultat. Je suis vraiment contente, et ces aquarelles m'ont aussi permise de travailler des choses que je n'ai pas l'habitude, d'acquérir de nouvelles compétences avec ce medium ( jouer avec la fluidité de l'eau, créer des effets de mélange de couleur etc... ), ou encore dessiner un homme, chose qui me paraît vraiment difficile, encore plus avec son anatomie ( et le sexe masculin QUE que je n'arrive vraiment pas à... Supporter ? ouais, le représenter était vraiment un challenge très rude haha. Au moins maintenant je sais en dessiner un, si jamais on me le demande. )
Bref, une fin qui s'avère très positive. Il ne me reste que mes collages ! Assez difficiles...

# data[].attributes.body
Couverture du carnet d'aquarelle peaufinée
Plus que 5 aquarelles à réaliser
photographies découpées
à coller + collage à réaliser
couverture du carnet de photographie achevée

plus que 2 nuits pour tout terminer à la maison
Toile à achever au lycée pour les 6 dernières heures de cours

# data[].attributes.body
Histoire de Fleurs = Histoire de cul
vulgarisation de l'acte charnel et de la sensualité qui en émane
remise en valeur du désir charnel et des corps qui s'entremêlent et s'unissent
figure de la Fleur, de la rose en particulier, représentant tantôt le sexe féminin, tantôt l'amour et la romance, tantôt la pureté et la fragilité, représentation religieuse de la Vierge Marie mais aussi la couleur rose qui domine mes productions.

" L'Art de faire l'amour " Nom du projet

faire l'amour = acte charnel
mais aussi façonner l'amour, le sculpter, le construire ( l'Art façonne l'amour, l'Art fait l'amour )

Sens plurivoque du titre qui est premièrement compris à son sens premier, l'acte charnel, mais qui va au-delà de cette représentation sexuelle du corps, celle des sentiments amoureux en outre.

# data[].attributes.attachment_link.description
'Tu rêves ?' - Où l'on s'évade de sa chambre en chevauchant un lit plein de pattes. Anecdote d'histoire de l'art sur $template_auteur_tableau_principal$, $template_auteurs_secondaires$. Racontée par Delphine Peresan-Roudil.

# data[].attributes.body
Aujourd'hui, j'ai réalisé les photographies qui complèteraient ma dernière réalisation ! C'était juste extraordinaire, mes mannequins étaient incroyables et j'ai vraiment été heureuse de les faire aujourd'hui ! tout s'est passé à merveille et l'esthétique est cent fois meilleures que ce que je cherchais et ce que j'avais en tête !
Tout est tourné vers cet aspect romantique, amoureux, à la fois sensuel et délicat, un amour subtile, un désir amoureux, naturel. Bref, incroyable. je suis vraiment heureuse !

Finalement, pour le carnet... Je l'ai crée moi même ! J'ai abandonné ce mini carnet que j'avais acheté il y a un mois ou deux, et je l'ai fait, avec du carton, des feuilles et du velours rouge. Bon, je ne suis pas créatrice de carnet professionnelle, ce n'est pas si beau, si propre, mais il vient de moi, il est fait par moi et avec mes propres moyens. Ce serait peut-être masochiste mais j'apprécie le fait de m'être piquée avec l'aiguille, m'être brûlée avec la colle chaude, avoir galéré à coller le tissu, lier les noeuds... Bref ! Je suis vraiment très contente. La prochaine étape est l'impression des photos et les collages ! et la finition des aquarelles, bien sûr !

# data[].attributes.body
Il est actuellement 3h26 du matin et je viens juste de mettre fin à la réalisation de mes nouvelles aquarelles ( j'ai mal au dos gneh )
j'en ai produit 9 ! incroyable !
je suis vraiment très très très contente. Il me reste encore la nuit de samedi et celle de dimanche, car je réserve la 2eme semaine des vacances à mon carnet de photographie.
Je les prendrai lundi, ainsi j'aurais tout le reste de la semaine + le lundi pour touuuuut finaliser.
J'aurais aimé prendre des photos mais j'ai cassé mon portable, dommage :/
En tout cas, je suis vraiment très satisfaite de ce que j'ai fourni cette nuit !
Par contre... Je n'avais emporté que 2 feuilles d'aquarelle et je suis un peu dans la mouise car je n'en ai plus... Or il me reste 10 pages dans le carnet + les aquarelles grands formats... Je suis très très embêtée, mais bon !

# data[].attributes.body
.3Il est actuellement 5h40 du matin et je viens de terminer deux aquarelles ! ( oui, deux. )
J'ajustais mon carnet d'aquarelle, la mise en place de telle ou telle aquarelle, la couverture, la présentation de la première page etcccc. BREF.
Ce qui m'étonne, c'est que, ce que j'ai produit en deux jours, je ne l'ai pas produit en 4 mois ! J'ai réussi à faire au moins six ou sept aquarelles en deux nuits, alors qu'en 4 mois je n'ai même pas su en finaliser une seule ! ( ou au moins 4. )
Donc je suis vraiment contente et je savais que ces vacances là seraient primordiales pour mes aquarelles, qui ont été la phase la plus difficile de tout mon projet. Ma manière de peindre est plus libre, plus sensible et plus efficace aussi. J'arrête de dessiner et je dépose directement mes tâches de couleur pour former les corps. Je ne me concentre plus sur l'aspect proportionnel mais sur l'aspect sensible des deux corps. Honnêtement, je suis vraiment contente de ce que je fournis et si je continue dans ce rythme, je vais tout terminer ! ( et avoir des heures de sommeil en moins, certes. )

La 2eme semaine des vacances, je m'occupe de mes photographies et du carnet sur lequel elles figureront en plus des collages. J'ai déjà mis en place la présentation du carnet, les tissus, l'esthétique... Bref, le plus important sont les photographies !

# data[].attributes.body
Inachevé
Très satisfaite malgré de petites imperfections
J'ai hâte de la terminer.

# data[].attributes.body
La toile se finalise, le fond est complété, les personnages sont entrain d'être retouchés. Le rose n'est plus le même, la qualité de la touche picturale non plus. Touche picturale contraste avec fond au couteau. Fluidité / furtivité

A COMPLETER AVANT MARS : 05/03

Carnet aquarelle débuté >>>> A compléter durant les vacances + carnet de photographies " Prière de toucher " avec la réalisation des collages ( ne pas dormir !!!!! )
ajouter croquis carnet de travail, le peaufiner

Après le 05/03
Passer à la maquette

# data[].attributes.body
Le pouvoir expressif de l'oeuvre. En quoi la matérialité d'une oeuvre est-elle porteuse d'un pouvoir expressif ? Comment puiser dans la matérialité d'une réalisation plastique pour alimenter une recherche d'expression multiples ?

Ne pas parler de thème

1
Chromatisme d'expressions
Préciser que le jury peut manipuler ce travail
Le carnet : réalisé par moi constitué de feuilles reliée par une couture centrale. Chaque feuille a été travaillée comme une surface, une zone colorée passant d'une teinte à une autre. il n'y a pas de représentation d'espace réel mais un travail de l'espace de la feuille en elle-même.
Sur ces surfaces colorées, un personnage en noir & blanc évolue. il est dessiné avec un graphisme en noir et blanc qui contraste avec le fond coloré. sa forme est stylisée et simplifiée de manière à valoriser les éléments expressifs de son visage. Il ne s'agit pas de créer une narration linéaire, une histoire particulière mais de faire passer ce personnage par des états émotifs multiples qui puissent être communiqués sans les mots par les lignes, les formes de son apparence et leur relation au fond coloré. le spectateur imagine ce qui pourrait le mettre dans ces états s'il le désire.
je me suis inspirée des têtes d'expressions de Messerchmidt, de la BD Légèreté de Catherine Meurisse notamment l'image où les personnages sont représentés de dos face à la nature comme dans le tableau de caspar david Friedrich Le Voyageur au-dessus de la mer de nuages 1818, où le paysage sublime les sentiments du personnage romantique face à l'immensité de la nature.
2
Travail de modelage en terre. Tenter de rendre visible le processus de création de l'artiste modelant successivement des expressions multiple à partir d'une même base. L'artiste est celui qui insuffle l'expression à la terre modelée, il fait passer parfois ses propres émotions. Les photos prises de chaque étape, montrent un état émotif pris à l'instant T mais qui disparait de suite dèslors que l'on modèle une autre expression. Nous sommes UN et MULTIPLE.

3
Maquillage, gif animé
un visage s'anime par le maquillage (en surface) qui en cache les émotions profonde.
Animer une image par le biais du gif animé c'est mettre en mouvement par le stop motion (image par image) ici les émotions qui s'animent (motion/émotion)

# data[].attributes.body
Comment passer des matériaux fil de et tissus, sortes de lignes et surfaces informelles à une forme qui exploite les qualités de ceux-ci ?

1
trois éléments dans un cadre vidé
cadre noir, couleur sobre qui amène à se focaliser sur l'intérieur
objet cadre est dédié à l'encadrement de réalisations en 2D
l'évider c'est utiliser le vide pour faire ressortir l'aspect 3D du cadre
il va servir de support à une suspension d'objets qui seront visibles de toutes parts
trois éléments :
deux champignons et une forme  pyramidale
les champigons donnent à voir 2 aspects l'un lourd et plein, l'autre léger et détouré, jouant sur le contour et le vide
la pyramide en tissus rassemble en sa pointe les 4 parties qui font volume, elle est légère
les champignons appartiennent au registre de la nature alors que la forme pyramidale appartient au registre mathématique et géométrique, donc culturel
le noir et blanc fait référence au théâtre d'ombre (Ombres chinoises, Boltanski, cabaret du Chat noir)
le cadre est posé sur un socle conçu comme un dispositif de présentation permettant au spectateur de tourner autour

2
idée de 2nd projet : des photographies d'ombres projetées sur le mur issues de mon premier travail
ramène vers la 2D

# data[].attributes.body
Croquis

# data[].attributes.body
Croquis

# data[].attributes.body
mise en tension lourdeur des matériaux d'un point de vue impact écolo et transparence des matériaux

ne pas mélanger matériel et matériau
parler de matérialité
pas de SUPER dans tes propos

translucidité plutôt que transparence des mouchoirs dédoublés
teinture plutôt que TEINTAGE
différence avec l'origami : surprise de la mise en forme qui ne suit pas un protocole de pliage
LED : évoquer la dimension non écolo

idée du prototype à aborder ou non pour le sac

parler de la mise en lumière des objets créés : est-ce une oeuvre à part entière isolée et valorisée telle une sculpture ou un prototype dédié à être décliné et édité en série

Doudoune, ref à Angélique

Conclure sur le statut de l'objet, sa finalité, tu travailles à la lisière des arts plastiques et des arts appliqués, sans vouloir trancher mais en ayant conscience d'une distinction aux limites parfois floues

# data[].attributes.body
Transparence et translucidité
pas OEUVRE
pas THèME
pas SUJET mais Argument
le calque est translucide
travail sur la perception, voir à travers et montrer ce qu'on ne voit p
1
rapport au corps, le calque et les différentes couches
pas MEDIA mais support
la peau et ses sutures, le fil rouge relie les parties, ce sont des lignes qui "dessinent" en même temps qu'elles cousent les parties de "peau"/calque
coudre ici c'est reconstituer une surface
2
les mvt de l'eau, les ricochets d'objets sonores, recto/verso dessus/dessous
le mouvement de l'eau distord l'objet, tu représentes les distorsions de l'objet en évoquant l'impact sonore de sa fonction musicale
3
les 5 sens attention à ne pas confondre le rapport du sens au cerveau, les connexions qui appellent des images mentales et la synesthésir
idées des images thermiques avec le support transparent qui se colore

ne pas oublier des références d'oeuvres et de démarches artistiques

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Cinéma / Animation

Estampe. Art / Fibre textile. Numérique, jeu vidéo. Proportions. FICHES ludiques. Théâtre d'ombres & de silhouettes, cinéma d'animation. Photographie. Dessin.

to experience pearltrees activate javascript.

# data[].attributes.attachment_link.description
Estampe. Art / Fibre textile. Numérique, jeu vidéo. Proportions. FICHES ludiques. Théâtre d'ombres & de silhouettes, cinéma d'animation. Photographie. Dessin. to experience pearltrees activate javascript.

# data[].attributes.body
MOUVEMENTS
partir de l'idée d'apparition/Disparition comme une préoccupation qui t'a guidée vers l'idée de mouvement
Idée du mouvement figé dans le fait de créer une image qui arrête le temps (photographie arrête le temps)
Ref Henri Cartier-Bresson
Comment mettre en scène le mouvement ?
Comment figer le mouvement ?
Cet aller_retour entre ces deux pôles de réflexion alimente ton travail

Animer l'inanimé, faire bouger l'immobile par le biais de la création plastique :
Flip book
Stop motion, idée de la transformation des formes et des couleurs, de l'évolution et de la métamorphose qui te fait passer du simple déplacement dans l'espace à la narration, le début d'une histoire qui inscrit ton stop motion dans une narration et une temporalité, avec un début, un milieu et une fin. le mouvement est en lien avec le temps

Ref Chronophotographie

Autre projet possible : un rouleau déploie le mouvement dans une forme dynamique qui se déroule sous les yeux et la manipulation du spectateur

# data[].attributes.body
Pas oeuvres  mais réalisation ou production
1-graphique, avec plusieurs éléments de TA vie, la portée comme une ligne de vie qui se déroule
2-vidéo associant la vue des doigts et de couleurs associées
CF les références au piano occulaire du père Castel, etc, voir ci-dessous
tu crées un parallèle entre les rythmes sonores et visuels
3-photographie d'un collage
Ref au piano de Beuys
CF ci-dessous
tu cherches à impliquer les autres dans ta création, idée d'une oeuvre collaborative les auditeurs deviennent acteurs de la création d'une réalisation plastique

Intérêt pour le mouvement, l'expression de la durée, et le son
Tu es musicienne, dis-le !
Neums idée de mélodie et de rythme, origine du nom des notes

https://www.francemusique.fr/musique-classique/mais-d-ou-vient-le-nom-des-notes-65

LES arts musicaux
Mes arts plastiques

Rapport de la technique à la sensibilité et l'expression des sensations
Tu transcis mais ne composes pas

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
100 oeuvres nouvelles 1974-1976 : Musée national d''art moderne.- Paris : éd. du Centre Pompidou, 1977 (Cachin (Françoise).- Joseph Beuys "Infiltration homogène", cit. et reprod. coul. p. 13) . N° isbn 2-85850-026-6
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Aufbrücke : Manifeste Manifestationen : Positionen in der bildenden Kunst zu Beginn der 60er Jahre in Berlin, Düsseldorf und München, Düsseldorf, Kunsthalle, 1984 (cat. n° 33, reprod. coul. pp. 98-99)

Libération, Paris, 1986, 8-9 mars (Dobbels (Daniel).- Arrêt sur l''oeuvre : L''art de regarder une oeuvre d''art. Aujourd''hui: "Infiltration homogen für Konzertflügel" de Joseph Beuys visible à Beaubourg, cit. et reprod. p. 30)

La Collection du Musée national d''art moderne. Catalogue établi par la Conservation du Musée .- Paris : éd. du Centre Pompidou, 1986 / rééd. 1987 (sous la dir. d''Agnès de la Beaumelle et Nadine Pouillon) (Dadid (Catherine).- Joseph Beuys " Infiltration homogène pour piano à queue", cit. et reprod. coul. p. 72) . N° isbn 2-85850-292-7
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Martin (Jean-Hubert), Hergott (Fabrice).- Le Musée national d''art moderne : Peintures et sculptures.- Paris : Musées et monuments de France; éd. du Centre Pompidou, 1989 (cit. p. 108) . N° isbn 2-85850-524-1
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Les Cahiers du Musée national d''art moderne, 1992, hiver, n°42 (n° consacré à l''exposition Manifeste) (reprod. p. 30) . N° issn 0181-1525-18
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Severi (Carlo).- "Présences du Primitif : masques et chimères dans l''oeuvre de Joseph Beuys", in Les Cahiers du Musée national d''art moderne, hiver 1992, n°42 (reprod. p.30) . N° issn 0181-1525-18
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Joseph Beuys : Paris, Centre Georges Pompidou, Musée national d''art moderne, 1994 (cit. p. 76, 160-163, 281-282, reprod. pp. 161-162)

La Collection du Centre Georges Pompidou : les chefs-d''oeuvre du Musée national d''art moderne : Tokyo, Museum of Contemporary Art, 20 septembre-14 décembre 1997 (cat. n° 119, cit. et repr. coul. p. 152)

Rendezvous : Masterpieces from the Centre Georges Pompidou and the Guggenheim Museums : New York, Solomon R. Guggenheim Museum, 16 octobre 1998-24 janvier 1999.- New York : Guggenheim Museum Paris/Centre Georges Pompidou, 1998 (cat. n° 319, cit. p. 602, reprod. coul. p. 552) . N° isbn 0-89207-213-X
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Rochlitz (Rainer).- "Beuys entre symptôme et symbole" in [catalogue] Joseph Beuys : Multiples, Paris, Galerie Tendances, 2001 (cit. p. 18-21, repr. coul. p. 10) . N° isbn 2 9084 58 00 10
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

AMZALLAG-AUGE (Elisabeth).- Peaux tissus et bouts de ficelles, Un parcours en zigzag dans les collections du Centre Pompidou.- Paris, éditions du Centre Pompidou, 2002 (reprod. coul. p. 29) . N° isbn 2-84426-148-5
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Sons et lumières, une histoire du son dans l''art du xxè siècle : Paris, Centre national d''art et de culture Georges Pompidou, 22 septembre 2004 - 3 janvier 2005. - Paris : éditions du Centre Georges Pompidou, 2004 (cit. p. 346-347, repr. coul. p. 347) . N° isbn 2-84426-244-9
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Big Bang. Destruction et création dans l''art du XXe siècle : Paris, Centre Pompidou, Musée national d''art moderne-Centre de création industrielle, 15 juin 2005-22 février 2006 .- Paris : éd. du Centre Pompidou, 2005 (sous la dir. de Catherine Grenier) (cit. p. 177, reprod. coul. p. 122) . N° isbn 2-84426-286-4
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Collection art contemporain : Paris, Musée national d''art moderne, sous la dir. de Sophie Duplaix. - Paris : Centre Pompidou, 2007 (cit. et repr. coul. p. 64) . N° isbn 978-2-84426-324-7
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

L''invention de l''oeuvre : Rodin et les ambassadeurs : Paris, Musée Rodin, 2011 (cit. p. 168, 172, repr. coul. 173) . N° isbn 978-2-7427-9591-8
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Phares: oeuvres majeures de la collection du Centre Pompidou: Metz, Centre Pompidou-Metz, 29 janvier 2014 - 15 février 2016. - Metz: éd. du Centre Pompidou-Metz, 2014. (Cit. p.20,22, reprod. coul. p.21, reprod. p. 22,23) . N° isbn 978-2-35983-029-3
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Musicircus : oeuvres phares du Centre Pompidou : Centre Pompidou-Metz, 20 avril 2016 -17 juillet 2017 / [direction d''ouvrage Anne Horvarth et Emma Lavigne]/ - Metz : Centre Pompidou-Metz, 2016 (cit. p.100, reprod. coul. p. 101) . N° isbn 978-2-35983-042-2
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

Joseph Beuys : Greetings from the Eurasian : Anvers, Musée d''Art Contemporain (MHKA), 13 octobre 2017 - 21 janvier 2018. - Londres : Koenig Books, 2017 (cit. p.137 (oeuvres exposées), reprod. p.114 et couv. intérieure arrière et reprod. coul. p.47) . N° isbn 978-3-96098-264-7
Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky

# data[].attributes.attachment_link.title
Infiltration homogen für Konzertflügel (Infiltration homogène pour piano à queue) - Centre Pompidou

# data[].attributes.attachment_link.description
100 oeuvres nouvelles 1974-1976 : Musée national d''art moderne.- Paris : éd. du Centre Pompidou, 1977 (Cachin (Françoise).- Joseph Beuys "Infiltration homogène", cit. et reprod. coul. p. 13) . N° isbn 2-85850-026-6 Voir la notice sur le portail de la Bibliothèque Kandinsky Aufbrücke : Manifeste Manifestationen : Positionen in der bildenden Kunst zu Beginn der 60er Jahre in Berlin, Düsseldorf und München, Düsseldorf, Kunsthalle, 1984 (cat.

# data[].attributes.body
Quatrième toile représentant le printemps, mélangeant des teintes roses et violettes.

# data[].attributes.body
Troisième toile représentant l'automne avec un mélange de teint orangé et de rouge

# data[].attributes.body
Deuxième toile représentant l'été au mélange de teintes vertes et jaunes

# data[].attributes.body
Première toile représentant l'hiver avec plusieurs teintes de bleu mélangées.

# data[].attributes.body
"Instinct de création"
Créer comme se laisser porter par ce que j'aime faire, se laisser porter par le hasard de ce qui se produit lors de la pratique en arts plastiques

ôter DIVERTIR !

Différents médiums pour mettre en forme mon projet

Travailler les effets de FLOU

Mots clés :
carnet
formes géométriques précises, formes déchirées et floues (la déchirure comme découpage flou)
Couleur

La dimension sensible de l'oeuvre ce qui m'intéresse , plus que la dimension réflexive

Création en lien avec le plaisir, dimension relaxante, se laisser porter par la création

L'oeuvre abstraire permet d'échapper à la contrainte de la représentation formelle du réel qui me semblait trop guider l'interprétation
L'oeuvre abstraite comme ouverture vers une réflexion sensible et personnelle moins guidée par l'auteur
Réf Umberto Ecco L'oeuvre ouverte
CF Pollock, interprétattion ouverte

Voir W. Laib, carré de pollen ou de lait, aspect minimal et abstrait de ses installations avec dimension contemplative

Réf G. Richter 1024 Colours au Centre Pompidou
http://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-Richter-EN/
Tracey Emin, mixed media, typographie

Idée du Flou dans la consultation du carnet, les pages qui tournent, le temps de consultation qui efface les pages précédentes

Garder à l'esprit la relation rigueur/flou : le carnet est un mode assez rigoureux de rangement de tes créations qui peuvent déborder et rendre flou les limites de ses feuilles. Le début de ton travail avait aussi de la rigueur dans le cerne au feutre.
2nd projet :
Piste de la photo, dont le flou est une donnée importante, parfois vue comme un défaut et que tu peux travailler à valoriser
Piste des techniques mixtes, de l'usage de la typographie (ce qu'on met habituellement dans un carnet)
Piste du diptyque qui reprend la double page du carnet avec deux productions en regard

Ref
James Turell, joue sur les limites de la perception rétinienne des couleurs pour rendre les limites de l'espace réel floues.

# data[].attributes.body
L'origine du monde avec une connaissance du monde incomplète

l'image scientifique peut-elle être objective ?
Attention à l'idée de l'erreur,
faire des erreurs et rater en arts plastiques est-ce que ça peut faire avancer la recherche artistique ?

Ref
Foncuberta
Magicien d'Oz
Douanier Rousseau
Chimère

# data[].attributes.body
pas OEUVRE mais réalisation, production, travail

perspective : la Renaissance

rapport Pluralité/Unité :
pluralité ( variation autour des motifs de décors, personnages, couleurs : camaïeux) et unité (les catégories de sujets représentés : des lieux, des personnages, des couleurs traitées en camaïeux ; les images rassemblées en un triptyque fonctionnent ensemble)

Idée de triptyque : dynamique visuelle (3 temps c'est le rythme de la valse)

Y aurait-il d'autres agencements possibles que ceux que tu as conçus ? idée des variations des triptyques qui se retrouveraient rassemblées dans ton grand format

Rapport des parties avec le tout, idée de l'agencement, de la composition, de la variation

ref
retable : 3 parties
la série : Monet
Camaïeu : Monory

# data[].attributes.body
L'assemblage de deux univers opposés
matériaux neufs et d'autres "non nobles", de récupération

Attention à la différence entre matériau et matériel !

Robe ne me représente pas assez : évoquer que c'est surtout le rapport aux matériaux qui t'intéresse, la création de support de travail différents

penser à l'accrochage de ton travail

Tu abordes la relation entre le motif représenté (manga) et son support de représentation constitué d'un assemblage de matériaux recyclés. tu recycles l'image manga que tu reproduit et recycles les matériaux qui lui servent de support

Ref
Nouveaux réalistes
Manga : aller chercher dans l'histoire du manga quelques grandes références pas seulement actuelles

# data[].attributes.body
DES MOTS /
érotisme
sexualité
sensualité
pornographie
publicité
romance

Huile, aquarelle, collage

Ref
Mappletorpe
Rodin
Kamasutra
Duchamp, Prière de toucher
Courbet L'origine du monde
Marlène Dumas
F. Petrovitch

Le rose
La rose, la rosace (Marie)

# data[].attributes.body
Ancrage personnel de ton histoire à valoriser
rapport entre fiction et réalité

Place de la BD : suis le fil d'une narration
Voir à travailler le recto en une grande image pour le fanzine déplié

Volume : tête d'ours

Lire le livre de Pastoureau !!!!

# data[].attributes.body
Mythologie
question de la temporalité
mixer plusieurs époques
POP UP 2D/3D : mixer deux réalités d'une même image à deux moments différents, jeu entre le vide et le plein fait passer de la 2D à la 3D (sculpture relief)

Animation : dimension temporelle
chronophotographie

Métamorphose de Daphnée : idée du passage d'un état à un autre, de la transformation, transition

# data[].attributes.body
Recherche sur les stéréolypes de l'attirance sensuelle et de la perfection qui y est associée
réf univers cinématographique et des personnalités spécifiques

idée de la muse/modèle, débat toujours actuel de la place de la femme dans l'univers de la création artistique
cf les Guerilla girl https://fr.wikipedia.org/wiki/Guerrilla_Girls

idée d'altérer le modèle pour questionner le stéréotype de beauté qu'incarne l'image de ces femmes (il s'agit d'une image créée de toute pièce pas forcément la réalité de la personne en elle-même lorsqu'elle est sortie des projecteurs)
Comme en miroir aborder les stéréotypes de la laideur, du monstre de la défiguration au sens littéral du terme dans son rapport à la figure humaine

passer de la question de l'attirance
à
l'idéal de beauté
au
stéréotype
à
la place du modèle (le visage ou le corps féminin, mais aussi ce qui modèle les esprits des regardeurs)

Aborder que l'univers cinématographique c'est le lieu par excellence d'une mise en lumière des corps et des visages (art de la lumière)
ref Studio Harcourt

L'art est le terrain d'une remise en cause des stéréotypes (tout comme le lieu d'une création de modèle)

les reproductions des visages que tu as faites tentent de saisir l'esthétique du cliché par des lignes nettes et des contours précis, une image assez froide et contrôlée. travailler la surface, la superficialité

Réf
Joconde
Duchamp LHOOQ

# data[].attributes.body
Relation de l'artiste à son lieu de création, relation de l'oeuvre à l'atelier

Maquette = reproduction

Ref
Bacon
Mondrian
Hockney
Rockwell

Lieu comme une métaphore du bouillonnement intellectuel et sensible de l'artiste à l'oeuvre
réf à la salle d'arts plastiques du lycée comme mon lieu de création

animation stop motion travaille la mise en abîme et l'enchâssement des univers et du corps de l'artiste au travail

# data[].attributes.body
Le dessin comme parallèle de vie

réf
Kehinde Wiley
https://www.petitpalais.paris.fr/expositions/kehinde-wiley

Messerschmidt, têtes de caractères

Schiele
Van Gogh

Sculpture : figer une émotion, exploration d'une nouvelle pratique,
donner à voir l'émotion dans la dimension tactile du rapport à la matière

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pour le Petit Palais, Kehinde Wiley poursuit son exploration de l'iconographie religieuse en faisant référence au Christ et pour la première fois à la figure de la Vierge. Ainsi, six vitraux seront installés sur une structure hexagonale au sein de la Galerie des Grands formats. Ils seront accompagnés par quatre peintures monumentales qui habilleront les murs d'une des salles des collections du XIXe siècle au rez-de-chaussée.

# data[].attributes.attachment_link.description
Pour le Petit Palais, Kehinde Wiley poursuit son exploration de l'iconographie religieuse en faisant référence au Christ et pour la première fois à la figure de la Vierge. Ainsi, six vitraux seront installés sur une structure hexagonale au sein de la Galerie des Grands formats.

# data[].attributes.body
Art visuel : attention distinction arts plastiques
Attention expression : plus classique. De quoi s'agit-il ? époque classique = 17e siècle !

Citer des réf art abstrait
Kandinsky
Dora Vallier "L'art abstrait", lire son livre
Surréalisme : impression
J. Mitchell

Pour les magazines, évoquer la qualité du matériau dans ses couleurs, sa brillance

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Savez-vous que la couleur n'existe pas ? Savez-vous qu'on ne perçoit pas tous de la même façon les couleurs ? Et pourquoi les couleurs primaires ne sont pas les même pour un photographe que pour un peintre ? Comment certaines couleurs s'harmonisent-elles mieux avec d'autres ? Voici la couleur et son vocabulaire.

La couleur n'existe pas

Ah ? Alors pourquoi les voit-on ?

Par exemple, nous percevons une orange de couleur orangé à cause d'un phénomène physique : l'orange fruit absorbe toutes les couleurs du spectre sauf le orange qu'elle renvoie. Ainsi, notre œil décèle la couleur renvoyée.

L'objet qui reçoit la lumière se caractérise par certaines substances appelées pigments qui vont selon leur nature et leur structure absorber certaines radiations et en réfléchir d'autres.

Les feuilles des arbres paraissent vertes car la chlorophylle qu'elles renferment n'absorbe pas la lumière verte. La page du cahier qui n'absorbe aucune radiation paraît blanche tandis que l'encre noire de notre stylo les absorbe toutes.

Il n'y a que des rayonnements d'intensité et de longueur d'onde différentes. Comme les ondes radio.

Les couleurs sont simplement des sensations crées au niveau du cerveau à partir de stimuli détectés sous une lumière particulière par trois des pigments de la rétine (cônes).
La couleur est une sensation visuelle associée aux longueurs d'onde de la lumière visible reçue par l'œil.
Il est nécessaire que la lumière serve d'intermédiaire.

Il n'y pas de correspondance exacte entre une couleur telle que l'on la définit en physique et les couleurs que perçoit le cerveau.
Les couleurs sont des mouvements vibratoires, ces ondes arrivent à nos yeux, qui envoient à leur tour l'information au cerveau.
Notre œil enregistre les ondes lumineuses dont les variations de fréquence et d'intensité communiquent les différentes couleurs à notre cerveau. Ces couleurs vont donc provoquer chez nous une réponse émotionnelle et mentale.

Ainsi, les sensations colorées sont toujours tributaires des caractéristiques suivantes :

· La Luminosité C'est la source lumineuse utilisée pour observer le sujet.

· la géométrie d'observation, avec ses variables telles que : angles d'éclairement et d'observation;

· le sujet lui-même, et ses caractéristiques physiques;

· l'œil de l'observateur, avec les qualités et les défauts propres à chaque individu;

· le cerveau de l'observateur, dont la capacité de discernement des couleurs évolue en fonction de l'âge et de l'expérience acquise.

La couleur est une impression produite sur l'œil par la lumière. La couleur est une sensation. Ce n'est ni une matière (colorant) ni même le résultat de la décomposition de la lumière blanche (lumière colorée). C'est une sensation transmise à notre cerveau par la vision d'un objet coloré éclairé.
Nous ne voyons pas toutes les couleurs ou plutôt toutes les ondes électromagnétiques

Notre œil peut appréhender un spectre coloré qui va du rouge au violet. Au-delà nous ne décodons pas les ondes en tant que couleurs.

Nous ne voyons pas forcément les mêmes couleurs

Toutes anomalies de la vision doivent être prises en considération parce qu'elles gênent à des degrés différents la bonne perception des couleurs. Par exemple, le daltonisme engendre une confusion de groupes de couleurs, verts et rouges le plus souvent.

Edward Munch - " Le cri " (Vision normale et vision daltonienne)

Et les animaux voient-ils les couleurs ?

On peut le savoir assez facilement : Si dans les yeux d'un animal il a des cônes, cela signifie qu'il voit certaines couleurs. Ce qui est difficile c'est de déterminer quelles couleurs il voit et s'il les voit de façon forte ou faiblement.

Nous avons vu que la vision résulte de l'interprétation par le cerveau des signaux nerveux qui lui sont envoyés par les organes des sens. On sait dire quelles couleurs un animal détecte, mais on ne sait pas entrer dans sa tête et son cerveau pour vraiment savoir ce qu'il voit comme couleurs. Donc, on ne sait pas avec précision comment les couleurs apparaissent dans le cerveau d'un animal.

Nous pouvons tout de même en déduire les grandes lignes suivantes :

Source : https://askabiologist.asu.edu/les-couleurs-que-les-animaux-voient

Pour découvrir comment voient nos animaux de compagnie

Nickolay Lamm, un jeune artiste américain a reproduit en photos la manière dont nos félins domestiques perçoivent leur environnement.

Vision humaine en haut et celle du chat dessous. Le chat a une vue comparable à celle d'un daltonien : il percevrait essentiellement le bleu et le vert, le rouge est absent de leur vision. Crédit photo Nickolay Lamm

Le Projet All Eyes est une expérience 3D qui permet de voir à travers les yeux de nos animaux familiers. Basée sur des données scientifiques, l'application sensibilise l'utilisateur à la vision animale par immersion dans un milieu 3D interactif. Pour apprendre en s'amusant, le projet inclut des petits jeux pour chaque animal, où le joueur doit gérer les contraintes visuelles pour obtenir le meilleur score.

La perception de la couleur n'est pas le seul facteur qui diffère de notre vision humaine, vous verrez...

Un peu d'histoire

· Isaac Newton (1642-1727) énonce sa théorie des couleurs, fondée sur l'étude de la décomposition de la lumière blanche par un prisme. Il établit les six couleurs du spectre. Il montra, en utilisant un prisme, que la lumière solaire, dite blanche, peut être séparée en plusieurs couleurs bien visibles à l'écran. Ce spectre coloré, dégradé d'une façon continue présente ce que l'on appelle des teintes pures. Se fondant successivement les unes dans les autres, rouge, jaune, bleu s'imposent d'emblée mais une observation plus attentive permet de distinguer rouge, orangé, jaune, vert, bleu, violet.

Ses travaux en optique ne seront publiés qu'en 1704, dans Treatise on the Reflexions, Refractions, Inflexions and Colours of Light.

· Après Newton, Young recompose et classifie les couleurs du spectre en primaire et secondaire.

· En 1730, le graveur allemand Jakob Le Blon, prouve la relation entre les composantes de la lumière et les pigments de couleur utilisés en peinture, en démontrant que n'importe quelle couleur peut naître de trois pigments primaires.

Elle est composée par les couleurs du spectre.

La lumière peint les corps en réfléchissant toutes ou une partie des couleurs du spectre.

Les couleurs de base utilisée par le peintre sont les mêmes que celle du spectre. Il est donc possible, en théorie, de reproduire toutes les couleurs de la nature.

Addition et soustraction des couleurs

Mélanger des couleurs pour en obtenir de nouvelles est une pratique connue de tous les amateurs de peinture. Dans d'autres secteurs, comme celui de la reproduction d'images, l'imprimerie ou la télévision, on s'appuie aussi sur le mélange des couleurs.

Il y a deux possibilités de les combiner soit par addition, soit par soustraction, les domaines d'applications étant différents dans les deux cas.

Le système additif

Les couleurs primaires du système additif sont le rouge, le vert et le bleu outremer.

Trois faisceaux de lumière, un bleu foncé, un rouge vif et un vert vif superposés les uns au-dessus des autres donnent une lumière blanche.

Ces trois faisceaux colorés recomposent la lumière.

Ce système est employé par exemple pour générer les images sur un téléviseur couleur qui fabrique ses images sur un tube écran à partir de minuscules rayons de lumière.

Le physicien procède ainsi:

Il dispose de trois projecteurs qu'il équipe l'un d'un filtre rouge, l'autre d'un filtre bleu et le dernier d'un filtre vert.

Allumés l'un après l'autre, les projecteurs produisent sur l'écran une lumière rouge, une lumière bleue, une lumière verte.

Allumés en même temps, il oriente ces projecteurs pour obtenir sur l'écran des superpositions: là où deux faisceaux lumineux se recouvrent apparaît une nouvelle couleur plus claire.

· Le faisceau de lumière rouge et le faisceau de lumière verte provoquent l'apparition du jaune.

· Le faisceau de lumière verte et le faisceau de lumière bleue provoquent l'apparition du cyan.

· Le faisceau de lumière bleue et le faisceau de lumière rouge provoquent l'apparition du magenta

· Là où les trois faisceaux colorés se superposent apparaît la lumière blanche.

Pour obtenir la lumière blanche le physicien a fait l'addition des lumières colorées il a fait une synthèse additive.

Les lumières colorées qui agissent par synthèse additive se rencontrent fréquemment autour de nous, des faisceaux croisés des projecteurs éclairant une scène de spectacle ... à l'écran du téléviseur.

C'est bien ce principe de l'addition des couleurs qui est utilisé pour la télévision en couleurs. L'écran d'un téléviseur est tapissé de grains. Ces grains, très rapprochés l'un de l'autre sont regroupés par trois. Sous l'effet d'excitations électroniques les trois grains émettent de la couleur : un grain émet de la lumière rouge, un autre de la lumière verte et le dernier de la lumière bleue. L'œil ne peut les distinguer mais il perçoit une seule couleur qui est le mélange des trois. Ainsi en utilisant les trois couleurs de base, il est possible d'obtenir sur l'écran toutes les nuances ou tous les coloris.

Le système soustractif

Les couleurs primaires du système soustractif sont le bleu cyan, le rouge magenta, le jaune primaire

Pietr Mondrian, un des représentants de l'art abstrait, utilise des couleurs primaires comme une base de son vocabulaire pictural (pictural vient de peinture)

C'est le système par soustraction de lumière, utilisé par les artistes lorsqu'ils mélangent de la peinture. On obtient un éventail coloré en enlevant graduellement la luminosité de la surface sur laquelle les pigments sont appliqués.

Si nous plaçons l'un sur l'autre, devant une lumière blanche des filtres colorés (cyan, magenta et jaune) ou plus simplement trois morceaux de cellophanes l'un jaune, l'autre magenta, l'autre bleu cyan, nous constatons que chaque morceau de cellophane soustrait une partie de la lumière, obtenons le résultat suivant:

· Le transparent jaune nous transmet des radiations jaunes et absorbe, retient les autres radiations

· Le transparent magenta nous transmet les radiations magenta et absorbe, retient les autres radiations.

· Le transparent bleu-cyan nous transmet les radiations bleu-cyan et absorbe, retient les autres radiations.

· La superposition des transparents magenta et jaune nous transmet du rouge et retient la radiation cyan.

· La superposition des transparents magenta et bleu-cyan nous transmet le violet et retient la radiation jaune.

· La superposition des transparents bleu-cyan et jaune nous transmet le vert et retient la radiation magenta.

Nous constatons que le rouge, le violet et le vert sont plus foncés que le jaune, le bleu-cyan et le magenta.

La superposition des trois cellophanes transparents au centre ne nous transmet aucune couleur. Toutes les couleurs sont retenues tour à tour par chacun des trois transparents. La lumière ne passe pratiquement plus, nous avons agi par soustractions successives, nous obtenons l'obscurité. Nous avons fait une synthèse soustractive.

L'imprimeur qui passe successivement des couleurs sur une trichromie, le peintre qui mélange des pigments bleus et jaunes pour obtenir un vert opèrent en synthèse soustractive.

Pour le peintre qui ne considère pas les couleurs de la lumière mais celles de sa palette et pour l'imprimeur les trois couleurs de base ou primaires sont le magenta, le jaune et le cyan. Ce sont en effet ces trois couleurs qui leurs permettent de reconstituer toutes les autres teintes.

Le principe de la quadrichromie

Pour reproduire une image en couleurs l'imprimeur commence par la photographier. Il en tire trois films. Chacun d'eux correspond à la fixation d'une couleur: le jaune, le magenta, le cyan. A l'impression, la superposition des différents films recompose les nuances de l'original. Ce processus d'impression est complété par une plaque noire qui augmente la profondeur et le contraste de l'image ainsi obtenue. C'est le principe de la quadrichromie.

Le cercle chromatique

Le cercle chromatique ou roue chromatique est utilisé pour classer les couleurs de façon pragmatique et permet de situer les couleurs les unes par rapport aux autres. Il est constitué de plusieurs secteurs qui comprennent les couleurs du spectre lumineux. Il peut être constitué de six, douze ou vingt-quatre secteurs.

Couleurs pures ou saturées

Les couleurs du cercle chromatique se rapprochent par leur vivacité et leur franchise des couleurs du spectre solaire, c'est pourquoi nous pouvons dire que ce sont des couleurs pures ou saturées.

Les couleurs complémentaires

Le cercle chromatique nous permet de trouver et de repérer les couleurs diamétralement opposées que l'on appelle les couleurs complémentaires.

Les demoiselles d'Avignon, 1907 ; une harmonie complémentaire entre le bleu (primaire) et sa complémentaires le orange. Le bleu tranche pour mettre en évidence les corps.

Vincent Van Gogh, autoportrait réalisé selon une harmonie complémentaire

Les couleurs tertiaires

6 couleurs tertiaires sont obtenues par le mélange d'une couleur primaire et secondaire.

· Rouge + violet = pourpre

· Bleu + violet = indigo

· Bleu + vert = turquoise

· Jaune + vert = vert chartreuse

· Jaune + orange = doré

· Rouge + orange = écarlate

Les Nuances

Entre les couleurs primaires et les couleurs secondaires se positionnent de nouvelles nuances colorées.

Les couleurs chaudes et froides

En observant le cercle chromatique, on constate qu'entre deux couleurs voisines, le vert et le jaune par exemple, il peut exister des couleurs intermédiaires allant du vert légèrement coloré de jaune au jaune légèrement coloré de vert.

Le cercle chromatique nous permet de mettre en évidence deux familles opposées: les couleurs chaudes et les couleurs froides.

Cette classification paraîtrait arbitraire si les couleurs de ces deux familles n'étaient mises en rapport avec les éléments naturels : le feu, la matière en fusion, le soleil / L'espace, le ciel, l'eau, l'élément végétal.

Elle désigne le degré de clarté ou d'obscurité d'une couleur.

Les couleurs aux valeurs les plus claires sont le blanc et le jaune.

Pour voir la valeur d'une couleur, il suffit de plisser les yeux. Sinon imaginez l'image en noir et blanc.

Exemple : la valeur du jaune est plus claire que celle du bleu outremer

La saturation

Terme qui désigne le degré d'intensité chromatique, de pureté d'une couleur. Elle décrit la distance qui sépare les couleurs vives de leur décoloration complète, soit vers le noir, soit vers le blanc.

Les couleurs " fluo " en sont des exemples très saturés.

Différents niveaux de saturation d'une image CC BY-SA 3.0

Les couleurs rompues

Rompre une couleur, c'est la transformer en la mélangeant avec sa complémentaire. C'est faire disparaître son état pur, intense, saturé. C'est la ternir, la désaturer. On parle de couleurs rompues.

C'est le passage progressif d'une couleur à l'autre ou d'une valeur à l'autre.

Exemples :

· Un dégradé d'une couleur à l'autre

Un dégradé du blanc au noir. Il est aussi un dégradé des valeurs claires aux foncées.

C'est un procédé de peinture utilisant plusieurs tons et valeurs d'une même couleur. Exemple un camaïeu de bleu.

Pablo Picasso, autoportrait, 15 ans, une peinture en camaïeu de bruns

Le monochrome

Il n'a qu'une seule couleur. La peinture monochrome est devenue une catégorie artistique au XX° siècle (Yves Klein).

Picasso, durant sa période bleu, ici un monochrome de bleu qui accentue l'atmosphère froide et dépouillée

Yves Klein, monochrome, sans titre, 1960, 199 x 153 cm. Ici le monochrome a davantage vocation d'espace infini, de vide et d'immatérialité.

Contrastes

Contrastes de valeurs

Georges de La Tour, Madeleine pénitente,1640, un contraste en clair-obscur

Contraste de couleurs

Georges Braque, " l'Estaque " appelé aussi " Le Port de la Ciotat "- 1906. En plissant les yeux, vous pouvez voir à quel point les couleurs claires apportent de la lumière et contrastent avec les couleurs aux valeurs plus foncées.

Vocabulaire supplémentaire

· Deux couleurs complémentaires juxtaposées forment des contrastes

· Deux couleurs complémentaires mélangées l'une à l'autre se neutralisent ou se détruisent, il y a désaturation.

Des livres sur la couleur

Si vous avez aimé cet article vous aimerez aussi peut-être

# data[].attributes.attachment_link.description
Les fondements de la couleur, son vocabulaire et des exemples, un tableau récapitulatif

# data[].attributes.body
expressivité formes et couleurs

ne pas passer trop de temps à définir les termes
préciser la place de la lumière dans la perception de la couleur

multiplier les qualités de surfaces dans leurs manières d'accrocher la lumière et de valoriser les couleurs
papier, collage, relief, terre
travailler la visibilité des sujets représentés au regard de ces choix de couleurs et de textures

relation entre abstraction et figuration

évoquer le rapport du corps à son support, verticalité, horizontalité des supports travaillés, fluidité de la couleur, coulures

Ref
K. Grosse
Matisse, les Fauves
Bauhaus, Kandinsky
Itten
Albers
l'expressionnisme
color field

# data[].attributes.body
Images du corps féminin dans la société

Attention à bien se positionner d'un point de vue artistique et non dans une optique d'analyse sociologique.
Rappeler que tu situes ton regard par rapport au point de vue d'une jeune fille de 18 ans

Aborder la relation quantité (de corps féminins exposés dans la société de consommation actuelle) et la qualité de cette exposition (la place du nu)

Aborder le travail graphique qui est le tien (assez net, neutre, efficace, voire froid) comme une manière de réaliser une image lisible, compréhensible de tous, dans un rapport à l'imagerie médicale, la cartographie, le répertoire, l'affiche, la liste de caractéristiques, le recensement des injonctions esthétiques

# data[].attributes.body
Documentaire/Création

Attention à aborder la question d'un point de vue artistique.
Réfléchir au fait que l'oeuvre d'art fait implicitement le portrait de son auteur
Travailler le montage avec à l'esprit l'idée de la relation entre l'image fixe (tes dessins) et l'image animée (autres)

Voir l'auto-fiction
Ref.
Annette Messager
Sophie Calle

Aborder l'autoportrait

faire un premier petit montage pour le 27 janvier
me pas dépasser 2 minutes 30 de film

# data[].attributes.body
La conception et la représentation de l'oeuvre d'art
La rendre accessible à tous, aux handicapé.e.s
Aveugle, histoire personnelle
Attention à faire une intro pas trop longue, ne pas passer trop de temps à la périphérie de tes réalisations.

Deux questionnements/ points de vue : de dedans/en dehors du sujet.
Comment réaliser une oeuvre accessible à tou.te.s ?
Comment l'art représente-t-il les maladies mentales ?

M'imposer une manière de faire particulière, une maîtrise nouvelle et inconnue. Me mettre dans une situation difficile comme les personnes handicapées peuvent parfois l'être. Développer une relation nouvelle à la création.

Pourquoi commencer par une recherche sur les maladies mentales plutôt que sur des oeuvres mêmes de malades mentaux ?

Maison : illustration, mais pas seulement, perception tactile du volume, approche sensible d'un volume en 3D. Penser aux cartels invitant le jury à TOUCHER

Pastels : ce que je sais faire
Question : est-ce que la maîtrise technique peut parfois être un handicap

Ref.
Duchamp, Prière de toucher

# data[].attributes.body
Un titre "Le temps dans le temps"
Idée de la mise en abîme
au lieu de Jouer avec le vrai et le faux : jouer sur la relation entre le vrai et le faux (rapport à la danse, au théâtre, à la scénographie : ne pas hésiter à signaler que tu aimerais te diriger vers ces métiers) ce sont des arts du temps, de la prise en compte de la temporalité d'une création artistique, qui donnent une forme au temps
pas oeuvre mais réalisation
pas vs mais versus
idée de l'électrocardiogramme, intensité et rythme visuel, place du fil d'or par contraste avec le fond
plutôt que faire voir : évoquer
idée de la tournette, dispositif scénique d'un plateau de scène tournant
cycle de vie:mort, rapport au temps : le jeu repousse le terme de la vie, repousse la mort, métaphore de la vie, de la création ? question à poser
oeuvre comme une trace du temps qui passe, de ce qui a été un temps de création pour l'artiste, d'un processus créatif qui s'est déroulé
réf.
Alechinsky
les vanités du 17ème siècle, memento mori, nature morte (still alive en anglais!)
Désert de Retz

# data[].attributes.body
En 1974, à une époque où la vidéo n'est pas un média encore très investi, Delphine Seyrig fonde l’association Les Muses s’amusent qui se consacre à la création militante jusqu'au début des années 1980. "Elles filment la vie des femmes, mais aussi des sujets difficiles, à l'époque, comme la prostitution," 

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Medium

14 photographs, black and white, silver bromide print, on paper

Dimensions

Frame: each 707 × 612 × 34 mm

Acquisition

Purchased with funds provided by Wendy Fisher 2009

Summary

She/She consists of fourteen black and white photographs, nine of which are portraits of Linder and the remaining five are photographs of short sections of text written in a typewriter font. The prints are presented in black frames, usually displayed in two horizontal rows of seven to be viewed in the sequence top row left to right, bottom row left to right, with the text pages interspersing the portraits. The photographs of Linder are by the Swiss photographer Christine Birrer, with whom Linder collaborated at this time on a number of different projects. The work was first produced in a booklet Pickpocket: SheShe 1981 to coincide with the release of a six-track cassette tape, Pickpocket, by the group Ludus, of which Linder was a member. The booklet format was slightly different to that originally conceived, and as it has now been printed and editioned. The fragments of text are written by Linder and taken from three of the songs on the cassette, Mutilate, The Fool and Mouthpiece. They refer to the themes of hiding, searching and finding evoked in the images.

The pictures show the artist, heavily made up in the New Romantic style fashionable in the early 1980s, wearing a black dress with lace shoulders and a several strings of pearls around her neck. In two of the images she 'hides' behind a torn photograph - the lower part of a model's face taken from a magazine and substituting for the same part of her own face, creating live montages that she has referred to as 'self montage' and 'myself as a found object' ( Linder: Works 1976-2006, p.84). The first of these - the first photograph in the displayed series - featured on the front cover of the Pickpocket booklet. The second image in the series shows her again covering the lower part of her face, this time with clingfilm which she pulls taut across her mouth and chin. In the following picture it features as a veil, covering her entire head, through which she gazes seductively at the viewer. Three subsequent images show her draping a length of bandage around her head and face, covering one or both eyes. Further references to fashion magazines feature in a side shot of her face, close up, emphasising the stark contrast between white skin and dark hair, eyes and mouth, and in the final image, which shows her wearing a different black dress, admiring her image in a hand mirror.

The deconstruction of the feminine ideal represented by the media, in the home as a housewife or as a consumer object of male desire, is a central theme in Linder's collage work of the late 1970s. A further picture deriving from the same photoshoot but not included in the She/She edition includes collage elements - a fork over one eye, a spoon over the other and an outside mouth covering her lips - relating it directly to the Untitled photomontages that she made in 1976-8 using material taken from a combination of women's magazines and pornographic publications (see Tate -502). Living in Manchester, having just graduated from the Polytechnic where she studied Graphic Design (1974-7), Linder was intimately involved with the activities of the Manchester punk band, Buzzcocks, whose founding member Howard Devoto was her partner at that time. One of her photomontages, , used as the basis for the Buzzcocks' 1977 single Orgasm Addict, became an icon of pop culture. Linder herself formed the band Ludus in 1978 with three men, creating gritty, experimental sound to accompany her lyrics exploring sexual politics and cultural anxiety. Such words as 'am I your death / behind my flesh / does my skull smile', 'I am messy' and 'life is too short / still we make a show / we are unhealthy and fragile', which feature in She/She, embody the alienated spirit of punk, itself informed by the anti-establishment spirit of Dada. Speaking of this time, Linder has commented: 'Punk was for me a form of transformative raiment ... I found that drawing on my face or paper were really one and the same thing' (quoted in Wood, pp.5 and 6). The influence of Berlin Dada artists Hannah Höch (1889-1978), John Heartfield (1891-1968) and George Grosz (1893-1959), may be seen in Linder's use of the politically subversive medium of photomontage. In She/She, the presentation of the performative photoshoot featuring the artist as subject and the covering of her face, particularly with bandages, recalls the work of Viennese actionist as Rudolph Schwarzkogler (1940-69) whose 'actions' of the mid 1960s were created specifically for the camera (-8). Her heavy makeup and feminine dress relate to the celebrated essay 'Womanliness as Masquerade' (first published in the International Journal of Psychoanalysis, vol.10, 1929)in which Joan Riviere discusses the identity of woman as being dependent on a kind of costumed role play to conceal her threatening masculine attributes. During the early 1980s Linder abandoned collage, turning instead to her own identity examined through photography and performance explored in parallel with activities of Ludus.

She/She was produced in an edition of three of which Tate's copy is the third.

Further reading:
Paul Bayley, Jon Savage and others, Linder: Works 1976-2006, Zurich 2006, reproduced pp.88-9.
Catherine Wood, 'The Working Class Goes to Paradise: Linder interviewed by Catherine Wood', Untitled, issue 40, spring 2006, pp.4-9.

Elizabeth Manchester
September 2008

Does this text contain inaccurate information or language that you feel we should improve or change? We would like to hear from you.

# data[].attributes.attachment_link.title
'She/She', Linder, 1981, printed 2007 | Tate

# data[].attributes.attachment_link.description
Medium 14 photographs, black and white, silver bromide print, on paper Dimensions Frame: each 707 × 612 × 34 mm Acquisition Purchased with funds provided by Wendy Fisher 2009 She/She consists of fourteen black and white photographs, nine of which are portraits of Linder and the remaining five are photographs of short sections of text written in a typewriter font.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Aujourd'hui reconnu comme un des plus grands maîtres de la photographie d'art, Robert Mapplethorpe a su laisser une empreinte durable dans le monde de l'image argentique, alors qu'il pratiqua cet art pendant un peu moins de dix-neuf ans. Doté d'un œil aiguisé, d'un sens critique très aigu et d'une sensibilité aux jeux d'ombre et de lumière, le photographe ne tarda pas à affirmer son style, unanimement salué de nos jours.

S'illustrant dans la nature morte et dans le portrait (avec sa modèle de prédilection Patti Smith), l'américain traîne cependant encore une réputation qui sent le souffre, en particulier lorsqu'on évoque son milieu de carrière. C'est en effet au cours de cette période qu'il centre son travail sur l'esthétique gay, les nus masculins, voire parfois l'univers obscur des pratiques sadomasochistes.

À noter que le curateur de l'exposition n'est autre que l'architecte d'intérieur et designer Peter Marino. Célèbre pour ses conceptions de boutiques de luxe autant que pour son look... atypique, Marino est à la tête de son cabinet d'architecture depuis 1978 et jouit d'une reconnaissance internationale depuis près de vingt ans. Après Isabelle Hupert, Sofia Coppola, Bob Wilson et Hedi Sliman, c'est donc au tour de l'excentrique designer d'organiser un accrochage des images de Mapplethorpe, en choisissant quelles photos accrocher et en dessinant la scénographie de l'exposition.

Sexualité et corps antiques

Et c'est précisément sur cette étape de sa carrière que la galerie Thaddaeus Ropac a décidé de se centrer. Car c'est bien la puissance érotique qui a fait la réputation de Mapplethorpe, sa quête effrénée de la perfection esthétique décelable dans tous les sujets y compris ceux que l'on a tendance à taire, comme la sexualité. Travaillant à une époque où les États-Unis se montraient encore particulièrement pudibonds en matière d'érotisme, Mapplethorpe a dû (à de nombreuses reprises) essuyer les foudres de groupuscules extrémistes et religieux qui voyaient dans son travail de la simple pornographie. Mais les choses ont-elles réellement changé ?

Si la galerie Thaddaeus Ropac a fait le choix de cet angle pour son accrochage, c'est peut-être bien justement pour critiquer cette tendance à cacher ces attributs que l'on ne saurait voir. Dans un choix radical de dix-sept polaroïds et soixante photographies, la galerie d'art contemporain sait qu'elle va choquer ses visiteurs par des images souvent très crues (les accessoires de bondage et autres sexes masculins en érection sont légion !), mais qu'elle refuse de juger à l'aune de ce qu'elles représentent simplement.

À une époque où la sexualisation des corps est partout, qu'un simple clic sur internet permet d'accéder à d'indénombrables films pour adultes, Thaddaeus Ropac brocarde le paradoxe évident d'une société qui continue pourtant de se sentir mal à l'aise face à un tableau comme L'origine du monde ou qui place en garde à vue une activiste qui se dénude en référence à un tableau célèbre.

Photographie et sculpture

Il faut donc savoir dépasser le nu artistique et le choc premier que peuvent représenter ces sujets peu communs. Car un regard attentif ne peut qu'être bluffé par des compositions structurées au millimètre près, à des effets de lumière absolument sensationnels qui viennent souligner avec maestria les muscles, torses et épidermes huilés à la manière de lutteurs de la Grèce antique. Mapplethorpe d'ailleurs, se revendiquait souvent de cette esthétique gréco-romaine qui sublimait le corps masculin à l'extrême ; il souhaitait sincèrement un recours à cette plastique qu'il affectionnait tant.

Fasciné par le sculpteur Michel-Ange, Mapplethorpe sculpte avec la lumière et l'ombre ces corps de Tyrannoctones . En demandant à ses modèles de prendre des poses exigeantes, propres à faire saillir la musculature, il démontre son grand talent à souligner ce qu'il faut, ou il faut, dans un noir et blanc encore plus intense que la plus vive des couleurs.

# data[].attributes.attachment_link.title
Sulfureux Robert Mapplethorpe à la galerie Thaddaeus Ropac

# data[].attributes.attachment_link.description
Aujourd'hui reconnu comme un des plus grands maîtres de la photographie d'art, Robert Mapplethorpe a su laisser une empreinte durable dans le monde de l'image argentique, alors qu'il pratiqua cet art pendant un peu moins de dix-neuf ans.

# data[].attributes.headline
Tableau de références et idées fait sur pinterest

# data[].attributes.subject
Tableau de références et idées fait sur pinterest

# data[].attributes.attachment_link.title
70+ idées de Transparence en 2021 | design de mode, meubles bizarres, s'habiller

# data[].attributes.attachment_link.description
2 janv. 2021 - Découvrez le tableau "Transparence" de Zoé sur Pinterest. Voir plus d'idées sur le thème design de mode, meubles bizarres, s'habiller.

# data[].attributes.body
Démarrage concret de la couture, après réception du tissu et découpe des pièces (le sac en plastique au fond contient 1kilos de plumes)

# data[].attributes.body
Le détour au marché St-Pierre :
J’ai pris en photo les tissus qui m’intéressaient chez Reine

# data[].attributes.body
mesures pr patron

# data[].attributes.body
Recherche et achat du matériel

# data[].attributes.body
Lumière essentielle pr la compréhension et l’esthétique du sac, sûrement présentation avec lumière/leds à l’intérieur, dans environnement blanc, pendu par des fils transparents : effet mi-boule disco, mi-projecteur

# data[].attributes.body
Rendu final sac (réfléchir à la présentation)

# data[].attributes.body
Rendu final, un peu kitsch à cause des couleurs mais c’est un parti pris

# data[].attributes.body
J'irai m'acheter des feuilles d'aquarelles, j'ai ressenti le besoin d'en acheter, combien même la classe est remplie de feuilles. Je ne sais pas pourquoi, mais j'avais l'impression qu'acheter moi même le papier me permettrait de mieux sentir mon aquarelle... Enfin, une impression mentale.

Je pense que je peux arriver en cours sous un nouveau jour, avec un meilleur visuel de mes aquarelles en tête, car après avoir regardé des vidéos, parler avec une artiste à propos de mon projet, le mot que je dois avoir en tête est " IMPERFECTION ", autrement, il me faut avoir des gestes plus naturels et plus fluides... Enfin, Mme Mongo me l'a dit ça, mais bon, il s'avère qu'il faut écouter, réécouter et encore réécouter la même chose pour qu'elle soit enfin imprimée dans la tête.

Avec du recul, ma toile ne me plait plus tant que cela... Je n'en suis plus vraiment satisfaite du moins. Enfin, elle raconte tout de même le parcours de mon projet, l'évolution, mais aussi une petite histoire à travers la peinture et les personnages, qui donnent ensuite à voir des aquarelles moins fines, moins subtiles.

# data[].attributes.body
Matière de la carte, test de gravure avec une pointe de compas

# data[].attributes.body
Test de carte pour le jeux

# data[].attributes.headline
Formes géométriques et nuance de couleurs 

# data[].attributes.subject
Formes géométriques et nuance de couleurs 

# data[].attributes.body
Maison représentant the house of usher de Edgar Allan Poe. Cette maison représente elle même les angoisses et anxiété de l’artiste.

# data[].attributes.body
" Jouer c'est expérimenter le hasard" poète allemand Novalis

# data[].attributes.body
et étude de Messerschmidt

# data[].attributes.body
LMM

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
À partir de 1999, Laurent Chambert travaille sur un programme vidéo qu'il nomme Le Moteur. Il s'agit du déroulement régulier autour d'un axe vertical des pages d'un livre virtuel en continu. Le motif de départ est le schéma technique simplifié d'un moteur, et chaque page est découpée selon les contours d'un profil humain stylisé.

Lors d'une résidence, au Lycée Loewy de La Souterraine, en Creuse, Laurent Chambert taille une réplique papier du Moteur dans un bottin téléphonique périmé de ce département.

# data[].attributes.attachment_link.description
À partir de 1999, Laurent Chambert travaille sur un programme vidéo qu'il nomme Le Moteur. Il s'agit du déroulement régulier autour d'un axe vertical des pages d'un livre virtuel en continu. Le motif de départ est le schéma technique simplifié d'un moteur, et chaque page est découpée selon les contours d'un profil humain stylisé.

# data[].attributes.body
https://www.instagram.com/p/CFM6FGFn1K3/?igshid=1l2t8u37g5l83

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Textes d'après l'exposition " Marionnettes, territoires de création ", née de la volonté de sept partenaires de partager avec le grand public la vitalité des arts de la marionnette
contemporaine.
C'est un objet inerte devenant figurine animée grâce au mouvement donné par le marionnettiste. Le spectateur perçoit l'objet comme un personnage à part entière. Les arts de la marionnette sont un théâtre de l'émotion, un théâtre visuel et une discipline exigeante : ils mêlent manipulation et jeu.

À raconter des histoires, à satisfaire son besoin de rêve en accédant à un imaginaire sans limite. Pénétrer dans l'univers des arts de la marionnette, c'est entrer dans un monde en tout petit, s'inventer un autre monde.

C'est la sculpture du songe. L'acteur dans ce pays s'efface, scrupuleusement en retrait. Il met en scène, dans la lumière, images et personnages. Il les donne du bout des doigts, il les inspire et leur souffle un dessein du bout des lèvres.Pierre Blaise

[wp-svg-icons icon= "star-3″ wrap= "b "] Hier

L'appellation " marionnette " en France a une origine religieuse. Elle provient de petites statuettes de la Vierge Marie, présentées dans les églises au 16e siècle. Peu à peu, le terme a été appliqué à toute effigie animée pour un spectacle.

À la Renaissance, les marionnettes sortent des lieux de culte pour investir les places et les foires. Plus près du peuple, elles trouvent un nouveau public.

Au 17e siècle, des forains et montreurs italiens viennent en France pour donner des représentations sur les places publiques.

C'est au 18e siècle surtout que les marionnettistes et autres marchands se servent des marionnettes pour attirer les chalands. À la même époque, les nobles s'intéressent aussi au théâtre de marionnettes, mais se distraient en comités restreints.

C'est au 19e siècle que des personnages régionaux voient le jour comme Guignol à Lyon ou Lafleur en Picardie. Dans un contexte politique trouble, ils défendent la voix du peuple, s'élèvent contre l'autorité et les formes d'exploitation, suivant de jour en jour l'actualité. Parallèlement encore, le théâtre de marionnette devient une pratique des milieux littéraires et s'installe dans les Salons.

À la fin du 19e siècle, les marionnettistes tentent de rendre leurs marionnettes toujours plus humaines. À trop vouloir imiter, ils finissent par s'écarter du pouvoir de symbole de la marionnette. La marionnette ne trouve public que chez les enfants.

Il faudra attendre le début du 20e siècle pour que la marionnette intéresse les metteurs en scène et les plasticiens, voyant en elle une forme d'expression à explorer.

[wp-svg-icons icon= "star-3″ wrap= "b "] Aujourd'hui

Au 20e siècle, une période de renouveau est lancée !
Les marionnettistes détournent les techniques traditionnelles et renouvellent l'art de la marionnette. L'ensemble des arts de la scène travaille à de nouvelles inventions.

Dans les années 1950, les marionnettistes occidentaux découvrent la technique japonaise du bunraku*. Ils se libèrent des règles de manipulation et sortent des castelets*. Le manipulateur est désormais visible du public, il manipule " à vue ". Les compagnies travaillent sur l'image à construire, l'histoire à susciter dans l'esprit des spectateurs. Ils appellent l'imaginaire. Ils ne se spécialisent plus dans une technique mais choisissent celle qui conviendra le mieux à leur propos.

Avec l'émergence de la manipulation à vue et la naissance du théâtre d'objet dans les années 1970, le marionnettiste devient " comédien-manipulateur ", d'objets, d'images, etc. Aux côtés des poupées, automates, mannequins, ombres, s'ajoutent aujourd'hui d'autres réflexions sur le corps artificiel, les nouvelles technologies ou encore l'image virtuelle.

*Castelet. " Petit château ". Utilisé pour les techniques traditionnelles (à gaine ou à fils) : manipulation au dessous pour les marionnettes à gaine et au dessus pour les marionnettes à fils. Permet au marionnettiste d'être caché du public et offre un cadre de jeu.

*Bunraku. Technique traditionnelle japonaise. Les marionnettes sont manipulées à vue et animées par trois marionnettistes. Le maître marionnettiste manipule la tête et le bras droit de la marionnette, le second marionnettiste, le bras gauche et le troisième, le bas du corps. Ce sont des récitants qui donnent le texte. Les manipulateurs sont masqués mais visibles du public.

Une marionnette est un objet que le marionnettiste fait vivre grâce à l'énergie qu'il lui transmet. Il l'anime et dialogue avec lui. Il transforme son objet en personnage de théâtre. Le spectateur peut regarder tour à tour le marionnettiste et l'objet manipulé. Il peut aussi oublier complètement la présence du manipulateur.

Dans les arts de la marionnette, l'imaginaire est sollicité. Le " pacte " entre l'artiste et le public est simple : faire comme si la marionnette bougeait d'elle-même, le temps du spectacle.

La marionnette fait appel à cet art très simple et très archaïque de présenter les personnages ou de présenter la parole du monde à travers des objets, des effigies.François Lazaro

Désormais les marionnettistes bouleversent les traditions et les règles de manipulation.
Ils inventent d'autres manières de mettre en scène les marionnettes :

Marionnette à gaine
Traditionnellement jouées en castelet, les marionnettes à gaine sont gantées par le marionnettiste et habillées d'une robe de tissu. Le marionnettiste met son index dans la tête et ses doigts dans chacun des bras. Si elles possèdent des pieds, ils ne sont pas manipulés.

Manipulation sur table.
Les marionnettes sont manipulées sur une table, à hauteur des mains du manipulateur. Celui-ci est placé derrière elles.

Marionnette à tiges.
Les marionnettes à tiges sont manipulées sur table. La tige est la baguette placée sur certaines articulations, permettant de les faire bouger. Généralement derrière la tête, elle permet de l'incliner d'avant en arrière ou sur les côtés, derrière les coudes, pour faire bouger les bras, ou encore aux poignets pour faire bouger les mains.

Marionnette hyperréaliste.
Ces marionnettes, d'un réalisme troublant témoignent des prouesses plastiques de leur facteur (celui qui fabrique les marionnettes) ; elles ressemblent trait pour trait à des humains. Le double de l'homme est une thématique souvent traitée par les marionnettistes.

Marionnette et marionnettiste forment un couple inséparable, ils sont partenaires.
Le marionnettiste doit jouer le personnage comme un acteur, se dédoubler, prolonger son corps, faire la voix de sa marionnette et son regard. Il l'accompagne, tout en devant parfois jouer lui-même un rôle.

Le mouvement est la première expression de la vie.
Avec la manipulation à vue, le cadre qui était auparavant délimité par le castelet est modifié. Le cadre peut être créé par le corps du manipulateur qui se situe derrière. Le corps du manipulateur peut être un prolongement de celui de la marionnette, on appelle cette technique le " corps-castelet " ; ses mains ou ses jambes peuvent être celles de la marionnette. Le spectateur, grâce à son imagination, ne perçoit qu'un seul personnage.

Les marionnettistes inventent aujourd'hui de nouvelles techniques de manipulation, de nouvelles formes grâce aux nouveaux matériaux : même les décors et la scénographie bougent dans un spectacle. Grâce à ces nouvelles techniques, les marionnettistes peuvent occuper toute la scène de théâtre.

La notion d'espace est d'autant plus importante que les marionnettes ont besoin d'un sol pour se déplacer. Avec des marionnettes de grande taille, on utilise l'espace de la scène. Le spectateur peut replacer le personnage dans un contexte, grâce notamment au décor. Les décors, la lumière et les accessoires servent de référence pour donner des repères de taille ou d'échelle. Ils permettent, par exemple, de zoomer sur un détail.

Tout est possible, les codes sont à inventer ; le langage est à inventer.Hubert Jégat

J'attends que les matériaux aussi me révèlent quelque chose, quelque chose qu'inconsciemment je pressentais. Serge Boulier

Dans les arts de la marionnette, on peut aussi manipuler de la matière et des objets pour raconter des histoires.

Les artistes marionnettistes contemporains utilisent toutes sortes de matériaux pour construire leurs personnages et pouvoir les manipuler. Ils bricolent et assemblent objets et matières. En se mettant à l'écoute des différents sons ou mouvements qu'ils peuvent produire, ils permettent à la plus insignifiante matière (pâte à pain, papier toilette) de devenir un personnage très élaboré. De simples matières (bois, mousse, papier, fil de fer) peuvent raconter les plus grandes histoires et se révéler être très expressives.

On peut utiliser un objet pour sa fonction première (ex : une paire de ciseaux) ou le détourner pour en faire un personnage.

Le théâtre d'objet détourne des objets du quotidien dans le but d'en faire des personnages. Le théâtre d'objet joue avec l'espace et les différentes échelles. Il se construit souvent autour de jeux de mots (par exemple la mer ou la mère). Le manipulateur fait des bruitages pour accompagner les objets dans leurs actions.

Un objet marionnettique se différencie d'une marionnette car il n'a pas forcément d'articulations ; il est simplement déplacé. Cet objet est personnifié : le manipulateur lui attribue un caractère et une personnalité pour en faire un personnage à part entière.

Marionnette portée. La marionnette peut être fixée sur le corps du marionnettiste, ou tenue à l'écart à l'aide d'un bâton. Il prête généralement une partie de son corps à la marionnette. Avec la distance et l'illusion d'optique, les jambes ou les bras du manipulateur apparaissent dans la robe de la marionnette.

Marionnette à prise directe. Le manipulateur prend directement le corps de la marionnette pour la faire bouger. Par exemple, il prendra directement le coude pour lui faire lever le bras, sans l'intermédiaire d'une tige.

Manipulation à plusieurs. Inspirée par la technique du bunraku, certaines marionnettes, généralement de grande taille, ont besoin de plusieurs manipulateurs.

Alors que les arts de la marionnette sont de tradition orale, l'écriture a pris depuis une dizaine d'années une place importante. La parole est donnée aux objets, les auteurs contemporains offrent désormais un nouveau langage aux marionnettes. Ceux-ci tiennent compte des caractéristiques des marionnettes : leur personnalité, leur façon de se déplacer. Le travail d'écriture est un travail sur le rythme. En retour, les marionnettistes doivent penser à la construction des marionnettes en fonction des actions qu'elles devront accomplir. La marionnette, par ses caractéristiques plastiques et techniques ne peut jouer un texte destiné à des comédiens. Elle possède ses propres codes, son propre langage. Les dialogues courts et les textes rythmés sont mieux adaptés qu'un discours d'un seul personnage. Le travail entre auteurs et marionnettistes est donc souvent une collaboration de A à Z.

Lorsqu'elles reposent là sans vie, elles paraissent toutes simples et toujours vaguement familières. Et puis nous tentons, grâce aux auteurs, de provoquer des surprises. Ismaïl Safwan

La place laissée au texte dépend de la volonté du metteur en scène, mais il est généralement au cœur de l'oeuvre. Cependant, une marionnette peut aussi rester silencieuse et transmettre un propos par les actions qu'elle réalise.

Le théâtre de papier est né au 19ème siècle en Angleterre grâce aux " planches souvenirs ". Après les spectacles, les spectateurs ramenaient chez eux le texte et les figurines de la pièce sur des planches de papier à découper. Avec, ils reconstituaient les représentations et pouvaient rejouer les pièces en miniature et en famille. Les marionnettes de papier proviennent de cette pratique ancienne.

(Théâtre, cirque, danse, musique, opéra, cinéma, télévision, photographie, arts numériques,...)

Les arts de la marionnette entretiennent depuis toujours des rapports étroits avec les arts plastiques. Les éléments de base sont les mêmes : matières, couleurs, lumière. Ces deux pratiques sont complémentaires. La mise en volume des marionnettes, en 3D, permet d'inventer sans cesse de nouvelles formes.

Ils comprennent différentes techniques, différentes formes et se mélangent avec les autres arts. Il existe le théâtre de marionnette, le théâtre d'objet, le théâtre d'ombres, le théâtre de formes animées, le théâtre d'images, le théâtre de figures...

Croisements... Les arts de la marionnette peuvent rencontrer sur la scène d'autres arts et échanger des techniques. Ils s'influencent et se transforment, puis bouillonnent pour créer un univers où tout est possible !

Ce qu'il y a de formidable avec l'électro, c'est qu'on peut tout faire. Sylvie Baillon

Aujourd'hui, les arts de la marionnette se nourrissent d'autres disciplines. Ils englobent un travail du corps et du mouvement et entretiennent une proximité avec la danse. Des marionnettes de grande taille peuvent permettre de créer des duos.

L'émergence de nouvelles technologies et l'influence d'un quotidien largement composé d'images, a favorisé des interactions entre vidéos et marionnettes. Des décors peuvent être projetés en fond de scène ou sur divers objets. Le théâtre d'ombres dialogue ainsi avec la vidéo pour créer encore plus d'effets et de jeux de lumière.

Les arts de la marionnette se mêlent aussi avec le cirque ou le cinéma. Vous avez certainement déjà vu des figurines animées au cinéma...

La musique n'est pas seulement l'illustration d'un mouvement, elle retranscrit toute l'énergie du spectacle. Voix, sons, bruits, musiques, souvent joués en direct suscitent l'imaginaire. Par son pouvoir expressif, elle retient l'attention du spectateur, lui permet un focus sur certaines images. L'instrument est au musicien ce que la marionnette est au manipulateur...

Parce que c'est ce qui parle directement à l'émotion, la musique.Sylvie Baillon

En donnant la parole à des objets ou à des marionnettes, les artistes peuvent aborder des sujets complexes, faisant parfois débat. Qui mieux qu'une marionnette faisant fi d'être humaine pour critiquer notre société ? Les arts de la marionnette, ancrés dans l'actualité sociale et politique représentent de façon métaphorique la condition humaine. De Guignol aux Guignols de l'Info, la tradition contestataire perdure.

Plus seulement présents dans les théâtres, les arts de la marionnette investissent les bars, les places publiques, et même nos appartements ! Dans des espaces non dédiés à l'art, ils favorisent les rapports de proximité avec les spectateurs. Ces " petites formes " ou " formes légères " permettent aux artistes de jouer partout et proposent de vivre une expérience inédite.

Une seule école de marionnettistes existe en France à Charleville-Mézières depuis 1987, l'Ecole Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette (ESNAM). Cette formation en arts dramatiques accorde une place importante au jeu des "comédiens-manipulateurs ". Puisqu'avec la manipulation à vue, le marionnettiste peut aussi être personnage, il doit savoir
jouer la comédie

Les arts marionnettiques, théâtre d'objets, d'ombres, de lumière, d'images, d'arts plastiques en mouvement, de corps fabriqués, d'espaces manipulés ou l'acteur n'est que l'une des compos antes possibles, en un mot, la marionnette, est un art du territoire et des relations sociales formidables.Christian Chabaud

Bien avant la représentation, pour la création d'un spectacle, le travail se fait en équipe. Il y a des métiers qu'on ne soupçonne pas toujours...

Certains marionnettistes construisent eux-mêmes leurs marionnettes, d'autres les font fabriquer par des " facteurs de marionnettes ". Ce sont des artistes plasticiens qui créent des
marionnettes selon la demande des compagnies. Ils doivent prendre en compte les caractéristiques des personnages, l'esthétique du spectacle et s'assurer de leur bonne manipulation.

Un plasticien est un artiste qui appartient au domaine des arts plastiques.

Il veille à la réalisation d'un spectacle dans son ensemble. Il propose aux comédiens sa propre vision du texte à jouer et les dirige dans leur interprétation. Il organise l'agencement de l'espace scénique, de la musique, des décors et gère l'espace.

Avec le metteur en scène, il assure la cohérence du spectacle. Il organise l'espace de jeu, construit l'univers, aménage le plateau, choisit les matériaux et la façon de les coordonner.

avec la manipulation à vue, les marionnettistes doivent savoir jouer la comédie. Ils alternent parfois entre le rôle de manipulateur et celui de personnage. Le marionnettiste fait vivre et parler les personnages, grâce à son corps et ses gestes. Aujourd'hui avec la forte présence des objets sur scène, on les appelle aussi " comédiens-manipulateurs ".

Il construit les décors en fonction du thème du spectacle et des atmosphères à créer. Il a une bonne connaissance des périodes historiques, des matériaux pour réaliser l'ambiance la plus appropriée, et peut être un véritable créateur de mondes parallèles.

Il envoie la musique pendant le spectacle, règle les lumières et veille au bon enchaînement des effets techniques. Il supervise et rythme les représentations.

Il rassemble le matériel nécessaire à la représentation, assure sa maintenance, veille au bon déroulement technique du spectacle et dirige son équipe. Il installe les décors et prépare la scène.

Il s'occupe de la gestion financière de la compagnie. Il établit et suit les budgets, les projets et s'occupe de l'équipe artistique.
Les arts de la marionnette sont un élément majeur de notre culture. L'objet marionnette doit donc pouvoir être transmis de génération en génération. C'est la mission des conservateurs de musées que de préserver ce patrimoine.
Ressources pour aller plus loin...

Le Portail des Arts de la Marionnette [PAM] : www.artsdelamarionnette.eu
Réunit le patrimoine des arts de la marionnette, dans sa diversité géographique et culturelle et la création contemporaine. Une grande variété de documents : extraits de spectacles, reportages, maquettes de décors, périodiques, partitions, manuscrits, notes de mise en scène, photographies, une présentation du travail de chaque compagnie, notices biographiques et événementielles, lexiques...

Les centres de ressources :

L'Institut Internationnal de la Marionnette : www.marionnette.com
Centre de documentation : bibliothèque et vidéothèque spécialistes en arts de la marionnette : histoire, création, spectacle...

Le Mouffetard, Théâtre des arts de la marionnette à Paris : www.theatredelamarionnette.com
Programmation spectacles et sur place un fond documentaire spécialisé sur les arts de la marionnette, sur le spectacle vivant, des textes d'auteurs contemporains.

Le Musée Gadagne : www.gadagne.musee.lyon.fr
Programmation expositions et spectacles sur Internet et sur place un fond documentaire spécialisé sur les arts de la marionnette.

THEMAA : www.themaa-marionnette.com
THEMAA délivre l'actualité complète des arts de la marionnette : programmation des théâtres, festivals, événements, stages et colloques

Pour découvrir les arts de la marionnette traditionnelle, vous pouvez explorer :

# data[].attributes.attachment_link.title
La marionnette - Rencontres Nationales de la Marionnette

# data[].attributes.attachment_link.description
Textes d'après l'exposition " Marionnettes, territoires de création ", née de la volonté de sept partenaires de partager avec le grand public la vitalité des arts de la marionnette contemporaine. Curiosités. Les arts de la marionnette comme vous ne les avez peut-être jamais vus ! [wp-svg-icons icon= "star-3″ wrap= "b "] Qu'est-ce qu'une marionnette ?

# data[].attributes.body
LMM

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Peter Doig grandit à Trinidad et, à partir de 1966, au Canada. À 19 ans, il s'installe à Londres où il suit des études artistiques dans différentes écoles, d'abord à la School of Art de Wimbledon, de 1979 à 1980, puis à la St. Martin School of Art, de 1980 à 1983. Après un retour de trois ans au Canada, à Montréal, il reprend en 1989 des études à la Chelsea School of Art où il obtient une maîtrise en arts.

Une exposition à la Whitechapel Art Gallery en 1991 lui vaut rapidement une reconnaissance internationale. Il est nominé pour le prix Turner en 1994.Il vit depuis 2002 à Trinidad, " un tournant dans sa peinture ".

Peinture de grand format, en dehors de toute référence conceptuelle et loin d'un post-expressionnisme abstrait américain, l'œuvre de Peter Doig s'inspire des Romantiques allemands, du symbolisme de Munch ou du naturalisme d'Edward Hopper.

Fasciné par les espaces immenses où le rapport de l'homme à la nature est constamment en jeu, Peter Doig peint souvent des lieux sauvages, indéfinis, abandonnés, que l'homme traverse, laissant un signe de sa présence : canoës vides, maisons de travailleurs saisonniers, silhouettes solitaires devant des brumes flottantes.

Peter Doig ne peint jamais en plein air, pour composer ses toiles il exploite des sources photographiques variées : films d'horreur, journaux, cartes postales, dépliants touristiques, pochettes de disques... Souvent, il peut mettre plusieurs années à terminer un tableau. À d'autres occasions, il reprendra le même thème pour le traiter différemment.

S'appuyant sur un travail de la matière - jeu de textures, teintes pures et mélangées, effets de solarisation, halo, mises au point vagabondes -, ses œuvres échappent à une lecture univoque. Elles préconisent toujours une distance face au sujet. Les paysages sont noyés dans la nuit ou dans des halos de lumière et de brume, papillonnement des flocons ou des étoiles, labyrinthe des branches, reflets dans l'eau : il n'y a aucun rendu descriptif dans ces vues, Peter Doig peint des atmosphères, des contextes marqués par le malaise de l'homme réduit à l'étonnement et le trouble face à une nature idyllique où sa place ne va plus complètement de soi.

À la suite de la vente d'une de ses œuvres White Canoe, 1990-1991, pour 8,53 millions d'euros par Sotheby's (Londres) ³, il est devenu l'un des peintres vivants les plus chers.

En 2008, une grande exposition rétrospective lui a été consacrée, organisée par trois musées : la Tate Britain de Londres (février-mai) ⁴, le Musée d'art moderne de la ville de Paris (juin-septembre), et la Schirn (Schirn Kunsthalle ou Schirn Kunsthalle Frankfurt) de Francfort (octobre-janvier). Le Musée des beaux-arts de Montréal, en collaboration avec la Scottish National Gallery of Modern Art, présente sa propre exposition - la première d'envergure en Amérique du Nord - du 25 janvier au 4 mai 2014.

Dans le cadre de sa participation au ciné-club studiofilmclub, qui présente des films de répertoire dans son atelier, Doig a peint un grand nombre d'affiches pour les films projetés, sorte d'activité complémentaire à son travail de peintre.

# data[].attributes.attachment_link.description
Peinture de grand format, l'œuvre de Peter Doig s'inspire des Romantiques allemands, du symbolisme de Munch ou du naturalisme d'Edward Hopper.