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1. Autores de la Generación del 27

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1. Características

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Aun teniendo en cuenta las diferencias entre los distintos autores, pueden señalarse, en conjunto, las siguientes etapas: - Primera etapa (hasta 1929): esta etapa de juventud, en la que el grupo se formó como tal, coincidió con el esplendor de las vanguardias, aunque los poetas del 27 no rechazaron el pasado literario, logrando un equilibrio entre vanguardia y tradición. En estos años cultivaron la poesía pura, sobre todo en su rechazo del exceso retórico. - Segunda etapa (desde 1929 hasta 1936): hacia 1929, autores como Lorca, Alberti o Cernuda sufrieron profundas crisis personales y encontraron en el surrealismo una forma de plasmar sus conflictos. Los nuevos temas produjeron un proceso de rehumanización poética con la exploración del yo y de las emociones humanas. Este hecho coincidió con una complicada situación política, que no permitía que los artistas se mantuvieran al margen. Se dejó sentir la influencia del chileno Pablo Neruda, por entonces residente en España, que reclamaba una “poesía impura”, comprometida, cuyo ideal no era la belleza, sino la comunicación. - Tercera etapa (desde 1939): en 1939 la generación del 27 se desintegró como grupo de forma dramática. Uno de sus miembros (Lorca) había sido asesinado, otros debieron exiliarse y algunos permanecieron en España. En el exilio, la nota dominante será, al correr de los años, la nostalgia de una patria perdida (sobre todo en Cernuda y Alberti). En España, la poesia deriva hacia un humanismo angustiado (Dámaso Alonso) o abiero hacia una nueva solidaridad (Aleixandre).

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1.4. Temas y formas de la Generación del 27

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1.4. Temas y formas de la Generación del 27

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Los grandes asuntos del ser humano – el amor, el universo, el destino, la muerte- pueblan las obras de los poetas del 27. Aun así, se observa que los motivos temáticos están relacionados con la apreciación de los avances técnicos, del desarrollo urbano, de la eclosión artística. Y también del sentido de la libertad como principio que abarca todas las vivencias del individuo: - La ciudad. Aparece unida a la visión futurista, impregnada de optimismo. Los poetas del 27 amaron la ciudad, valoraron el confort, el cine, la publicidad; pero también observaron el aspecto negativo del desarrollo urbano. - El amor. Se presenta como la plenitud del individuo y admite todas las manifestaciones posibles, con un sentido de libertad: amor heterosexual y también homosexual. Sin embargo, el choque entre esta actitud y la realidad en que vivían llevó muchas veces al dolor. - Las artes. Influidos claramente por las vanguardias literarias, las artes se convirtieron en tema de creación poética. - La naturaleza. Concebida unas veces como entorno, en otras se convierte en parte del yo poético, que llega en algunos casos a una visión panteista.

hablaban por imágenes”.Con ellas consiguieron la renovación del lenguaje poético. Los poetas del 27 cultivaron tanto la imagen como la imagen visionaria, que relaciona los objetos, no por su semejanza física, sino por las emociones que despiertan. Si comparamos la métrica de estos poetas con la del Modernismo, la primera impresión es que se ha operado una reducción: se renuncia a muchas de las brillantes y sonoras variedades de versos que usaron los modernistas; se prefieren formas más sencillas, pero, junto a las formas tradicionales y clásicas, los poetas del grupo desarrollaron ampliamente el verso libre y el versículo. También en esto contaron con precedentes: Juan Ramón Jiménez -en su madurez- y los vanguardistas.

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En los jóvenes poetas de la Generación del 27 ejercieron un magisterio fundamental dos figuras clave en la cultura de la época: - Juan Ramón Jiménez. Fue un verdadero guía en la iniciación literaria de muchos de ellos a través de la revista Índice y de sus observaciones críticas. Su poesía pura constituyó el referente poético más claro del panorama español, sobre todo a partir de Diario de un poeta recién casado. - José Ortega y Gasset. La influencia de Ortega fue ideológica y teórica. En La deshumanización del arte (1925) estableció los rasgos del nuevo arte a partir de la observación de la literatura de su época: deshumanización y autonomía de la obra artística, arte de minorías, intranscendencia, juego, ironía y predominio de la metáfora.

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Como señalaba Dámaso Alonso, “lo primero que hay que notar es que esa generación no se alza contra nada”. Junto a su cosmopolitismo y apertura hacia las aportaciones que llegaban de Europa y América, los poetas del 27 valoraron el pasado y rescataron autores y estilos diversos, realizando una verdadera síntesis de vanguardia y tradición. Del pasado literario español rescataron formas de la poesía tradicional (canciones, villancicos, romances), en la tendencia llamada neopopularismo de la poesía del Siglo de Oro prestaron especial atención a Góngora, en quien reconocían la capacidad de crear una realidad poética propia y de renovar una retórica estereotipada, pero también a Gracilaso de la Vega, san Juan de la Cruz, Lope de Vega o Quevedo; de la poesía del siglo XIX recibieron la influencia del intimismo de Bécquer, de las innovaciones métricas y el uso de las imágenes de Rubén Darío, de la concepción de la realidad como algo que puede serpensado, soñado o imaginado de Unamuno y Machado, y establecieron relación directa con la poesía simbolista, especialmente la de Mallarmé y Valéry. La estancia de muchos de ellos en países europeos y el dominio de otras lenguas les permitió conocer a los grandes poetas contemporáneos. De las vanguardias incorporaron diferentes temas y recursos, aunque no se decantaron por ninguna en particular. Se denominan vanguardias a los movimientos artísticos que se desarrollaron a principios del siglo XX con la voluntad de rebeldía frente a la concepción del arte basada en la imitación de la realidad. El término vanguardia procede del lenguaje militar y hace referencia a la parte de una fuerza armada que va por delante de la fuerza principal.

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El nacimiento de estos poetas en fechas cercanas, el compañerismo y la amistad que se profesaron, la influencia y el intercambio cultural entre ellos hicieron que Dámaso Alonso divulgara la expresión Generación del 27. La fecha hace referencia a acontecimientos significativos. El 1927 se conmemoró el tercer centenario de la muerte de Góngora, y un acto celebrado en el Ateneo de Sevilla reunió a la mayoría de los miembros del grupo. En él reivindicaron al poeta cordobés y la relación de éste con la poesía pura. En torno a 1927 y 1928 se publicaron revistas importantes: Verso y Prosa, Carmen y Lola, junto con Litoral (1926), y libros significativos: Perfil del aire (Cernuda), El alba del alhelí (Alberti), Romancero gitano (Lorca), Ámbito (Aleixandre) y Cántico (Guillén). Entre los poetas más destacados del grupo figuran Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Luis Cernuda, Emilio Prados, Manuel Altolaguirre y Dámaso Alonso. Pero hay otros nombres estrechamente unidos al grupo que no aparecen en la relación del 27 porque la Guerra Civil motivó su muerte o los obligó al exilio: entre ellos, María Teresa León, Juan Larrea, Pedro Garfias, Juan José Domenechina y Juan Chabás. A esta nómina de autores hay que añadir a José Bello, único miembro con vida de la Generación, que no escribió poesía pero que sirvió como nexo de unión entre ellos. Recientemente ha fallecido con más de cien años de edad.

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En los años veinte se abrió paso una excepcional promoción de poetas que condujo a las letras españolas a uno de sus momentos más brillantes. Este grupo vivió en un contexto cultural común, con las vanguardias como trasfondo.

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La Generación del 27

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ULTRAÍSMO

Aparece en España hacia 1918 por influencia de Cansinos Assens. El primer manifiesto aparece en 1919, en la revista Cervantes. Su nombre (Ultra o Ultraísmo) indica su voluntad de ir “más allá” del Novecentismo imperante. Sus rasgos característicos son: integración de diferentes artes, sustitución de los signos de puntuación por signos matemáticos, exaltación de las máquinas y del mundo moderno, uso del caligrama, ruptura de la disposición tipográfica tradicional y renovación de la metáfora. Autores y obras: Helices (1923), de G. de Torre; El ala del sur (1926), de P. Garfias; Espejos (1921), de J. Chabás; Poemas póstumos (1924), de J. de Ciria y Escalante, etc.

CREACIONISMO

Este movimiento se inició en París a cargo del poeta chileno Vicente Huidobro y el francés Pierre Reverdy. En 1918, Huidobro lo dio a conocer en España. Su principal divisa es “hacer un arte que no imite ni traduzca la realidad” (Huidobro), “crear lo que nunca veremos” (G. Diego), es decir, romper con la realidad visible para crear una nueva realidad que tenga sentido por sí misma. El poema será un objeto autónomo, “creación” absoluta. El poeta cultivará el “juego de azar de las palabras". Pueden destacarse los siguientes recursos en este movimiento: total libertad en la elaboración de imágenes, desconexión de los referentes racionales, supresión de puntuación, escritura ideográfica, distintos tipos de letra en un poema. Obras destacadas dentro del creacionismo son Altazor, de V. Huidobro, Versión celeste, de Juan Larrea e Imagen y Manual de espumas, de G. Diego.

SURREALISMO

El surrealismo es la Vanguardia histórica más perdurable. España es posiblemente el país europeo en que la repercusión del surrealismo fue mayor. El movimiento fue conocido tempranamente en nuestro país, al publicar en 1925 la Revista de Occidente la traducción del Manifiesto Surrealista que André Breton había dado a conocer en Francia un año antes. A ello hay que añadir las visitas de Breton a Barcelona en 1922 y de Louis Aragon a la Residencia de Estudiantes de Madrid en 1925 (donde vivían Lorca, Buñuel, Dalí, etc.). La difusión del Surrealismo en España debe mucho al poeta Juan Larrea. Su obra se inicia en el Ultraísmo y el Creacionismo, pero ya en 1924 conoce a los surrealistas en París,donde residirá desde 1926. A Larrea debe atribuirse la orientación surrealista de varios poetas del 27. Para otros es fundamental la influencia de Dalí o de Buñuel. Lo cierto es que casi todos los componentes del grupo en cierto momento de su evolución quedaron fuertemente marcados por el Surrealismo. Destacamos dos libros fundamentales: Sobre los ángeles de Alberti y Poeta en Nueva York de Lorca. Ambas son obras maestras de la poesía española. Entre la temática y las técnicas surrealistas destacan la libertad, el azar, el reflejo del mundo interior a través de metáforas arriesgadas y oníricas, lo instintivo, lo maravilloso, la asociación de ideas, la representación extrema de estados de angustia o confusión producidos por las experiencias personales o el mundo; la crítica a los convencionalismos y a la sociedad burguesa, las asociaciones absurdas y humorísticas en las que se pueden mezclar lo macabro y lo naif o ingenuo, los contrastes, la fascinación por los objetos, el verso libre o versículo.Debe señalarse, sin embargo, que en general el Surrealismo español no es “ortodoxo”: los poetas españoles no llegaron a los extremos de la pura creación inconsciente, ni practicaron la “escritura automática”, salvo algún grupo como el grupo de Santa Cruz de Tenerife. Lo que sí hubo es una liberación de la imagen y un enriquecimiento del lenguaje poético. La irrupción del Surrealismo significa la crisis del ideal de pureza y deshumanización que había prevalecido durante muchos años. Lo humano e incluso lo social, lo político y lo popular penetrarán de nuevo en la literatura, precisamente por los cauces de la expresión surrealista: así lo prueban, entre otras, las trayectorias de Lorca, Alberti o Neruda. En la obra poética del Grupo del 27 el surrealismo es esencial, además de los aludidos, todos los componente de este grupo se vieron influidos en mayor o menor medida por el movimiento, su espíritu o sus técnicas. Esta fue la gran aportación de la literatura de Vanguardia a la literatura española.

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Las vanguardias europeas se hicieron notar muy rápidamente en España. Ya en 1910 se publicó un manifiesto futurista y se notó actividad en tertulias literarias. Gómez de la Serna, Ortega y Gasset, y en general, algunos novecentistas, contribuyeron decisivamente a su expansión. Así en 1923 Ortega funda la Revista de Occidente, y en 1925 escribe la Deshumanización del arte que será fundamental para el surgimiento de la Generación del 27. Importante papel tuvo La Gaceta Literaria de Ernesto Giménez Caballero. La característica más notable y original de las vanguardias en España es el hecho de no ajustarse por completo a las características cerradas de los movimientos europeos. De este modo, futurismo, creacionismo, surrealismo se mezclaron dando lugar a originalísimas obras. Asimismo los poetas del 27 mezclaron la vanguardia con la tradición logrando unas obras de una altísima calidad estética y humana. En España el periodo culminante de las vanguardias coincidió con una nueva fase del reinado de Alfonso XIII, en la que se dio una progresiva descomposicióndel sistema de la Restauración a partir de 1917, año de la huelga revolucionaria. Otros acontecimientos esenciales fueron en 1921, el asesinato del presidente Eduardo Dato, el pavoroso desastre militar de Annual y la dictadura de Primo de Ribera (1923-1929), a la que sucede la II Republica y el estallido de la Guerra Civil. Todo esto tuvo su reflejo en el mundo de la cultura y del pensamiento. Se tenía conciencia de las causas, de vivir un tiempo nuevo y de que ello afectaba al arte. Los historiadores suelen distinguir cuatro ETAPAS en el desarrollo del VANGUARDISMO ESPAÑOL:

§ De 1908 a 1918. Primeras manifestaciones de la vanguardia, protagonizadas esencialmente por Ramón Gómez de la Serna.

§ De 1918 a 1925 (o 1927), desde la llegada de Huidobro a España hasta los primeros ecos del Surrealismo. Son los años del Ultraísmo y el Creacionismo. Predomina lo, lúdico, la exaltación vital y la deshumanización.

§ De 1925 (o 1927) a 1930. Influjo dominante del Surrealismo, con lo que se inicia una “rehumanización” acompañada de cierta angustia o rebeldía ante los efectos “deshumanizantes” de la sociedad moderna.

§ De 1930 a 1936. Las inquietudes del momento llevan hacia un “nuevo romanticismo”. Tras ciertos intentos de conciliar vanguardia estética y vanguardia política, la situación del momento llevará a un ocaso del vanguardismo español. Abordaremos la exposición de estos periodos atendiendo a los autores y movimientos más que a las fechas, ya que es difícil sistematizar un movimiento, que si precisamente se caracteriza por algo, es por la ausencia de orden y sistema.

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4.3. Los movimientos de vanguardia en Europa

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4.3. Los movimientos de vanguardia en Europa

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El EXPRESIONISMO (1905) surgió en los países germánicos. Hace hincapié en la expresión de las emociones interiores en los sentimientos más íntimos del ser humano (frente al “impresionismo” que captaba la realidad conocida a través del sentido de la vista). Los temas se refieren a la angustia, el miedo, la opresión,el mundo moderno masificado e inhumano. Se caracteriza por el uso de imágenes intensas y violentas y la insistencia en el poder de lo irracional. Se situarían en esta línea cuadros como El grito, del pintor noruego E. Munch, aunque es algo anterior.

El CUBISMO literario fue creado por el escritor francés Guillaume Apollinaire en 1913 como derivación del cubismo pictórico (Picasso, Braque, Gris). Se basa en los siguientes presupuestos: descomposición de la realidad para recomponerla después libremente mediante la simultaneidad de planos y el collage; importancia de la disposición tipográfica visual-espacial de las palabras, como en los famosos caligramas de Apollinaire, cuyos versos dibujan el objeto del que hablan. Son también rasgos característicos el antisentimentalismo y el humor.

El FUTURISMO (primer manifiesto en 1909) lanzó una estética que ensalzaba la civilización urbana y las máquinas. “¡Matemos el claro de luna!”, decían; “un automóvil es más bello que la Victoria de Samotracia”, decía MARINETTI, el creador del futurismo. Los aviones, las fábricas, las muchedumbres, las ciudades se convirtieron en temas predilectos (poemas dedicados a automóviles, a una máquina de escribir...). En el Manifiesto del Futurismo, dicen: “Cantaremos las grandes multitudes agitadas por el trabajo, por el placer y por la insurrección [...]; las fábricas erguidas a las nubes por las retorcidas espirales de sus humaredas; los puentes semejantes a gimnastas gigantes, que cabalgan sobre los ríos, relampagueantes al sol con esplendor de puñales...”

El DADAÍSMO (1917). El nombre de Dadá surgió abriendo un diccionario al azar; ‘dada’ es una voz infantil, un balbuceo; su líder es el rumano TRISTÁN TZARA. Rechazaba no sólo los valores estéticos aceptados, sino el estado de cosas que había conducido al desastre de la Guerra Mundial. Reivindicaron la negación total, la rebeldía pura, la destrucción del arte tradicional. Llega un momento en el que muchos artistas se alejan de Dadá, porque comprenden que no sólo hay que destruir sino construir algo distinto, y de esa ruptura nacerá el SURREALISMO.

El SURREALISMO: se considera su creador al poeta francés ANDRÉ BRETON, quien en 1924 publica su primer manifiesto surrealista (“Surrealismo: Automatismo psíquico por el que nos proponemos expresar verbalmente el funcionamiento real del pensamiento [...] dictado del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón y libre de toda preocupación estética o moral [...] El surrealismo se basa en la creencia de la realidad superior de ciertas formas de asociaciones [...] en lo poderoso del sueño”). El surrealismo estuvo influido por las teorías psicoanalíticas y muy vinculado al movimiento comunista internacional. Más que una revolución estética, pretende ser un movimiento de liberación total del hombre: liberación de los impulsos reprimidos (según FREUD) y de las trabas impuestas por la sociedad burguesa (a partir del Segundo manifiesto recibieron el influjo de MARX). Pretenden descubrir y reflejar la auténtica realidad, la “superrealidad” (en francés “sur-realité”, de donde viene “surrealismo”) que está reprimida. De ahí la escritura automática (dejar que la mano vaya anotando lo primero que le dicta la cabeza, por incoherente que pueda resultar), la transcripción de los sueños (escritura onírica, ya que el inconsciente se libera en los sueños), la asociación libre de palabras; en definitiva, la libertad de la imaginación contra el reinado de la lógica. El lenguaje surrealista (“verso libre” y “versículos” con metáforas irracionales, imágenes de tipo onírico, uniones inesperados de palabras, enumeraciones caóticas...) no se dirige a nuestra razón, sino que quiere despertar en nosotros sentimientos y reacciones subconscientes. Las imágenes surrealistas están faltas de coherencia y de lógica, y es difícil explicarlas. El poema hay que “sentirlo” más que “entenderlo”, captarlo de forma intuitiva, dejarse llevar por sus significados connotativos y por lo que las imágenes sugieran ; ejemplo: “A veces las monedas en enjambres furiosos taladran y devoran abandonados niños” (“Poeta en Nueva York” de LORCA).

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Los ismos no forman un sistema coherente y cerrado; antes al contrario, son muy diversos y, a veces, contradictorios entre sí, pues frecuentemente una vanguardia se enfrenta a la anterior. Sin embargo, podemos señalar algunos rasgos comunes a todos ellos: · Su carácter de ruptura y revolución artística contra el arte del pasado, en especial contra el realismo. Pero también reaccionan contra la sensibilidad romántica y hacen gala, como los novecentistas, de un marcado antisentimentalismo. · Es innegable su pretensión de originalidad y novedad absolutas, su rechazo de normas y tradiciones y, en consecuencia, la búsqueda y experimentación constante de nuevas técnicas expresivas, a menudo por la vía de la provocación. Los vanguardistas, efectivamente, son provocadores: desprecian al gran público y a la burguesía, a la que buscan escandalizar con sus actitudes insolentes y agresivas. De lo anterior se deriva un alejamiento del gran público: el arte vanguardista es un arte para minorías. · Un rasgo común es su escasa duración: si exceptuamos el expresionismo y el surrealismo, los distintos movimientos se siguen unos a otros en intervalos de pocos años y duran poco en el panorama artístico. · La conciencia de grupo se expresa a través de los respectivos manifiestos con los que se dan a conocer y que, además de impugnar la tradición cultural, dejan traslucir frecuentemente la idea de que la revolución estética forma parte de un cambio más profundo, de carácter moral y social.aísmo y el creacionismo).

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Con el nombre de vanguardias se designa una serie de movimientos artísticos que se desarrollan en Europa durante el primer tercio del siglo XX. El término surge en Francia durante los años de la Primera Guerra Mundial [1914- 1918]. Su origen está precisamente en el vocablo francés avant-garde, término de origen militar y político, que venía a reflejar el espíritu de lucha, de combate y de confrontación que el nuevo arte del siglo reivindicaba frente al llamado arte decimonónico o académico. De hecho, el propósito común que anima a todos los movimientos vanguardistas es el de renovar radicalmente el arte y la literaturaanteriores, abriendo nuevos caminos y creando nuevas formas estéticas, en consonancia con la quiebra del sistema socio-político decimonónico que tiene en la Guerra del 14 su expresión más cruenta. En muchos casos, el espíritu de ruptura -o de provocación, a veces- no se limita al ámbito artístico, sino que se manifiesta también en la rebeldía contra las normas y convenciones sociales. Los llamados ismos se sucederán, uno tras otro, en el periodo de mayor intensidad social e ideológica del siglo XX, el de entreguerras: despuntan inmediatamente antes o durante la Primera Guerra, llegan a su apogeo durante la década de los años 20, entran en crisis a partir de 1929 y desaparecerán en la década de los 30. Los vanguardismos más importantes fueron éstos: futurismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo y surrealismo (a los que hay que añadir, en el ámbito de la literatura española, el ultraísmo y el creacionismo).

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3.3. Etapa suficiente o verdadera (1936-1958)

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3.3. Etapa suficiente o verdadera (1936-1958)

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El proceso de abstracción se intensifica en sus últimos libros: En el otro costado (1936-1942), que contiene el poema en prosa “Espacio”, Romances de Coral Gables (1948), centrado en el dolor de la soledad, y Dios deseado y deseante (1948-1949), poemario traspasado por un extraño misticismo “neoplatónico” donde ese “dios” se identifica con la naturaleza, con la belleza o con la propia conciencia creadora. Utiliza el verso libre y un lenguaje conceptual, profundo y oscuro. Crece, pues, en estos libros escritos en el exilio, la intensidad y la profundidad en el camino del conocimiento y la aspiración al absoluto. Se considera a Juan Ramón Jiménez el mayor renovador de la lírica española del siglo XX, ya que facilitó la aparición de las vanguardias y de la Generación del 27 al acercar a España la obra de los poetas extranjeros más innovadores (T. S. Eliot, Paul Valery, etc.). Pero su concepto elitista e íntimo de la poesía, dirigida “a la inmensa minoría”, le atrajo la crítica y el distanciamiento de autores más comprometidos con lo humano, como Pablo Neruda, que abogaron posteriormente por la “rehumanización” del arte. En definitiva, el inclasificable Juan Ramón se convierte en el escritor destacado de una generación sin otras figuras de primer orden, por lo que el novecentismo se puede considerar como un movimiento inaugural del siglo XX con más brillo por su esfuerzo teórico que por sus frutos literarios. A caballo entre el 98 y el 27, un poco oscurecido por ambos, sentó las bases de lo que será nuestra época contemporánea.

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3.2. Etapa intelectual: hacia la poesía “desnuda” (1916-1936)

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3.2. Etapa intelectual: hacia la poesía “desnuda” (1916-1936)

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Tras Esto (1916) y Sonetos espirituales (1917), que auguraban el cambio de orientación poética, se inicia esta nueva etapa con Diario de un poeta recién casado (1917), escrito durante su viaje en barco a Nueva York y más tarde titulado Diario de poeta y mar. El océano y su boda con Zenobia representaron una experiencia extraordinaria que cuajó en esta obra fundamental que marca la transición a una nueva época. En este libro, influido por la poesía pura del francés Paul Valéry, Juan Ramón abandona el léxico brillante, la adjetivación sensorial y los ritmos sonoros, propios del modernismo, que dejan paso a una expresión más escueta, caracterizada por la concentración conceptual: como él mismo afirma, necesita encontrar “el nombre exacto de las cosas”. Utiliza el verso libre o alguna asonancia en poemas breves y, a veces, el poema en prosa: “El verso libre vino con el oleaje, con el no sentirse firme, bien asentado”, dijo el poeta. El mar descrito enel libro, un mar siempre cambiante, se convierte en el reflejo del poeta que inicia su andadura de adulto, su madurez afectiva. Otros libros importantes de esta etapa de poesía desnuda son Eternidades (1918), donde manifiesta su desacuerdo con toda su poesía anterior, que consideraba demasiado ornamental, Piedra y cielo (1919), Poesía (1923) y Belleza, del mismo año, en los que continúa el proceso de interiorización y depuración. Apunta ahora a la realidad profunda o escondida de las cosas o a los enigmas de su alma y del mundo. Esta etapa se corona con un libro publicado en 1946, La estación total. Su título alude a lo que es ya la obsesión dominante del poeta: el anhelo de abolir el tiempo y de llegar a una posesión total de la belleza, de la realidad y del propio ser. En suma, ansia de eternidad: “Sólo en lo eterno podría / yo realizar esta ansia / de la belleza completa”.

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Los primeros libros (1903-1907)

La lectura de unos poemas de Rubén Darío alentó sus tendencias renovadoras, y los poetas románticos – Bécquer, Byron, Heine – cargaron sus versos de una melancolía muy acorde con sus aprensiones y temores. Llamado a Madrid en el año 1900 por Rubén y Villaespesa para apoyar el Modernismo, allí viajó con el manuscrito de su libro Nubes. Aconsejado por Rubén y Valle-Inclán, dividió la obra en dos volúmenes: Ninfeas y Almas de violeta, cuyo sentimentalismo adolescente le movió a repudiarlos en años posteriores. Después de estos libros de aprendizaje, toda su producción es una búsqueda incansable del absoluto a través de la poesía. Ya en Rimas de sombra (1902) se atenúa el tono exaltado inicial. Sus temas son la nostalgia, la persecución de algo misterioso y la presencia de la muerte, y conectan con el clima de esteticismo y decadentismo de la época. En 1903 publicó Arias tristes, y de este periodo son también Jardines lejanos y Pastorales, donde pese a la melancolía y el cromatismo, los metros sencillos (octosílabos, romances) y el lenguaje sobrio alejan a esta poesía del modernismo ornamental; se trata más bien de un intimismo simbolista con influencia de Bécquer, el Romancero y poetas catalanes y gallegos. Ensaya nuevas formas métricas e introduce elementos orientales (Las hojas verdes, 1905).

Los ropajes del Modernismo (1908-1915)

A partir de 1908 (Elejías) y hasta 1915 (La soledad sonora, Melancolía, Laberinto, Poemas májicos y dolientes…), se produce en su poesía un enriquecimiento de la métrica – alejandrinos, endecasílabos – una vigorización de los sentimientos y una variación en los colores, con uso destacable de la sinestesia; son los ropajes del Modernismo, como él los llamará, aunque su lenguaje es más intimista y depurado, con lo que adelanta la desnudez que caracterizará la siguiente etapa. Están presentes en sus versos el amor, la tristeza y la nostalgia. Le inquieta la fugacidad de lo vivo y reflexiona sobre el tema de su propia muerte.

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2. La novela y el ensayo novecentistas

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Grosso modo, podemos establecer la siguiente nómina: -Pensadores: José Ortega y Gasset, Eugenio D’Ors, Manuel Azaña. -Novelistas: Ramón Pérez de Ayala, Gabriel Miró, Ramón Gómez de la Serna, Wenceslao Fernández Flores, Benjamín Jarnés. -Teatro: Carlos Arniches y los hermanos Álvarez Quintero. -Poesía: por su intelectualismo e interés por el lenguaje, también podemos incluir aquí a Juan Ramón Jiménez y su producción poética. Se trata de autores nacidos en los años 80 del s. XIX, que buscan reafirmar lo propio del nuevo siglo rechazando lo característico del anterior: romanticismo, realismo e incluso el modernismo. Guillermo Díaz Plaja lo define como «lo que ya no es ni modernismo ni noventayochismo y no es todavía vanguardia -de difícil delimitación y confluirá en la generación del 27».

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1. El Novecentismo o Generación del 14

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4. Las Vanguardias

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Su primera etapa se caracteriza por la influéncia de Góngora, en forma de metáforas, en sus obras como en Perito de lunas.

Su segunda etapa coincidió con la madurez, donde los temas principales son, el amor, la vida y la muerte. Destaca por concentrar mucho el poema, ya que usa una estructura formada por sonetos clásicos. Unas de sus mejores composiciones de esta época són: El rayo que no cesa y Elegía a Ramón Sijé. Durante este período, también escribió las odas a Pablo Neruda y Vicente Aleixandre.

Su tercera etapa de poesía se sitúa durante la Guerra Civil, con sus obras pretendía representar los pensamientos de la gente. Escribió un teatro de carácter político y varios poemas, entre ellos, Viento del pueblo y El hombre acecha.

Su cuarta etapa fue la última, escrita en la cárcel. Habla de la nostalgia de la vida de la muerte y del amor hacia su esposa e hijo, utilizando un estilo sencillo, concentrado y rítmico.  Esta etapa es representada por, Cancionero y romancero de ausencias, escrita entre 1937 y 1942, y por Nanas de la cebolla.

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Miguel Hernández se identifica por utilizar un tono cálido y emotivo y por utilizar con frecuencia metáforas, además confunde lo culto y lo popular. También, destaca por el cambio de la lírica a lo largo de su vida, que se ve reflejado en sus obras, comenzando por los temas de deshumanización y acabando por el compromiso social.

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Nació el 30 de octubre de 1910 en Orihuela, Alicante.
Miguel Hernández, hijo de un pastor, empezó a estudiar en la escuela, aunque lo dejó temprano para trabajar como lechero y pastor y así ayudar a sus padres. Des de pequeño se interesó por la poesía clásica y el teatro, de hecho, acostumbraba a ver obras de teatro e incluso participo en alguna de ellas.
Publicó algunos poemas en periódicos de Orihuela y en Gallo Crisis, una revista. También partició en una tertulia entre Ramón Sijé (Fue muy amigo del escritor) y Efrén Fenoll.
En los años treinta se mudó a Madrid buscando trabajo pero una de las mejores revistas literarias, La Gaceta Literaria, rechazó sus poemas, hasta que en Cruz y Raya, una revista que había tenido colaboraciones con poetas como Luis Cernuda, Pablo Neruda o Rafael Alberti. Esta le publicó el poema Quién te ha visto y quién te ve y sombra de lo que eras.
Perito en Lunas, publicado en 1933, fue su primer libro de poemas y tres años más tarde publicó El rayo que no cesa, una de sus mejores obras. Durante la guerra escribió poemas de sufrimiento, como El hombre acecha, en 1938, y poemas de amor cuando lo encarcelaron, como Cancionero y romancero de ausencias.
Hernández mantuvo una relación con Maruja Mallo, una pintora, y colaboró con la Revista de Occidente.
Se casó con Josefina Manresa en 1937, mientras que participaba en las misiones pedagógicas del Partido Comunista Español, durante la República, consistía en culturizar zonas concretas de España. En 1937, se alistó en el ejercito Republicano pero al acabar la guerra, en 1940, fue capturado en la frontera con Portugal y condenado a muerte, aunque finalmente decidieron una pena de treinta años en la cárcel.
Pasó por varias cárceles hasta que, en 1941, lo ingresaron en el Reformatorio de Adultos de Alicante. Allí sufrió bronquitis, después tifus y la tuberculosis lo complicó.
Miguel Hernández falleció en la enfermería de la prisión el 28 de marzo de 1942, y fue enterrado dos días después en el cementerio de Nuestra Señora del Remedio, Alicante.

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1.9. Miguel Hernández (1910-1942)

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Su primera etapa destaca por ser poeta y crítico literario, éste último cogió relevancia cuando publicó La lengua poética de Góngora. La poesía siempre tuvo importancia en la vida de Alonso, y Poemillas de la ciudad y El viento y el verso, son algunas de las obras que le dieron protagonismo en su vida.

Su segunda etapa se identifica por la evolución de pensamiento y estilo de Dámaso Alonso, del carácter de la Generación del 27, que el mismo nombró, hasta la esencia existencial de la posguerra. El mismo reconoció haberle aburrido centrarse en la belleza, así que lo haría en el ser humano. Este cambio se refleja en la obra Hijos de la ira, publicada el 1944.

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Dámaso Alonso comenzó con un estilo similar al de la Generación del 27 pero fue cambiando a lo largo de los años hasta conseguir unos temas parecidos a los de la posguerra, en los que la existencia era más importante que la esencia, a la vez, valorando más lo subjetivo que lo objetivo.

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Nació el 22 de octubre de 1898 en Madrid.
Antes de la Guerra Civil, Dámaso Alonso estudió Derecho, Filosofía y Letras, en el Centro de Estudios Históricos de Madrid y participó en diversas actividades que organizó la Residencia de Estudiantes. Allí conoció a Salvador Dalí, Federico García Lorca y Luis Buñuel.
Alonso participó en dos revistas: Revista de Occidente y Los Cuatro Vientos. Además el escritor dio nombre a la Generación del 27, con la obra en homenaje a Góngora, La lengua poética de Góngora, publicada el 1927.
Trabajó en muchas universidades como profesor de literatura y lengua, una de ellas fue Oxford. También trabajó como catedrático en la Universidad de Valencia y en la Universidad de Madrid. En 1945 empezó a ejercer como director en la Real Academia de la Lengua y en 1959 trabajó como director en la Academia de la Historia, también ha sido director de la Revista de Filología Española, además fundó la Biblioteca Románica Hispánica, una colección literaria.
Cabe destacar que Alonso fue obsequiado con decenas de premios pero los más relevantes son: el Premio Nacional de Literatura, en 1927, y el Premio Cervantes, en 1978.
Dámaso Alonso falleció el 25 de enero de 1990 en Madrid.

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1.8. Dámaso Alonso (1898-1990)

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Su primera etapa destaca por la poesía pura, parecida a la de Salinas y Guillén, fue inaugurada por Ámbito.

Su segunda etapa se conoce por un pesimismo surrealista creado por la reflexión del dolor de los humanos. Esto se refleja en las obras: Espadas como labios y Nacimiento último. Pero en esta etapa también existe el amor y la naturaleza, con su sello de imagenes ricas, surrealismo y verso libre. Eso se ve reflejado en la obra La destrucción o el amor.

Su tercera etapa es humanista, por lo que se centra en el ser humano y en la comunidad, esta poesía es llamada de testimonio. Los temas se representan en las obras: Historia del corazón y En un vasto dominio

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Vicente Aleixandre se caracteriza por la riqueza surrealista de sus imagenes y por usar el verso libre. Según el escritor, la poesía es un idioma, mucho más que belleza,con la función de conectar con el universo y con los humanos, tal y como menciona en su aforismo: “La poesía es comunicación. Algo que sirve para hablar con los demás hombres”.

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Nacido en Sevilla el 26 de abril de 1896, Vicente Aleixandre pasó su infancia en Málaga y a los trece años se mudó a Madrid.
Su padre fue ingeniero de ferrrocarriles, mientras que Vicente Aleixandre escogió estudiar Derecho y Comercio.
Aleixandre conoce a Dámaso Alonso al presentarle una obra de Rubén Darío, en 1917, fue entonces cuando empezó a escribir poesía. En 1920, publicó su primer poema en la revista Grecia, lo llamó Noche.
En 1920 comienza a dar clases de Derecho Mercantil durante dos años. Sufrió una tuberculosis renal en el año 1925 y en 1928 publicó Ámbito, que le iniciaría en una constancia como escritor. Escribió diversas novelas, entre ellas, Sombra del Paraíso, que publicó en 1944 con la intención de expresa la tristeza de la Guerra Civil española. Su última obra fue En gran noche, un libro de poemas que publicó en 1991.
A lo largo de su vida recibió varias recompensas por su poesía: el Premio Nacional de Literatura, en 1934, Des de 1949 fue miembro de la Real Academia Española y, en  1977 le entregaron el Premio Novel de Literatura.
Vicente Aleixandre falleció el 14 de diciembre de 1984, en una clínica de Madrid, debido a un problema renal

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1.7. Vicente Aleixandre (1898-1984)

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Su primera etapa es conocida por escribir poesía clasicista, como Égloga, elegía y oda y por escribir poesía pura, como Perfil del aire.

Su segunda etapa se sitúa en Francia, y se caracteriza por ser influenciada por el surrealismo. También transmite un sentimiento de amor, soledad y nostalgia a otro mundo, a consecuencia de cuestionarse la vida y sus objetivos. Esta etapa se conoce por los poemas densos y emotivos, escritos con un registro coloquial. Algunos ejemplos son: Un rio, un amor y Los placeres prohibidos.

Su tercera etapa transcurre durante la Guerra Civil, cuando comienza a escribir Las nubes, en 1937 y la acaba en el exilio.

Su cuarta etapa coincide con el exilio y se identifica por mezclar dos temas, soledad y destierro, manteniendo su estilo romántico. Algunas de sus mejores obras en esta etapa son: Como quien espera el alba, Vivir sin estar viviendo, con las horas contadas y Desolación de la quimera.

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Cernuda escribe poesía romántica y con un tono íntimo. Siempre aparecen el deseo y la realidad como dos mundos paralelos, y eso da nombre al libro que recoge toda la poesía de Luiss Cernuda, La realidad y el deseo.

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Nació el 21 de septiembre de 1902 en Sevilla, España.
Su padre fue militar y educó a su hijo con disciplina, como a un militar.
luis Cernda conoció a Pedro Salinas en la Universidad de Sevilla, donde estudiaba Derecho. A los veinte años decide mudar-se a Madrid, allí conocerá a varios escritores de la Generación del 27. Durante su juventud fue influenciado por Garcilaso de la Vega, Keats, Bécquer, etc.
Comenzó trabajando durante un año como lector de español en la Universidad de Toulouse, en Francia. Más tarde, cuando se formó la República Española, se ofreció a diferentes trabajos, para una España más libre y más culta. Cernuda participó en el II Congreso de Intelectuales Antifascistas de Valencia durante la Guerra Civil, hasta que en 1938 se exilió a Inglaterra, aunque posteriormente se fue a Escocia, para quedar-se definitivamente en México, en 1952.
Escribió su primer poema en 1927, Perfil del aire. Durante los años siguientes escribió más obras, y en 1936 resumió toda su poesía en un libro llamado La realidad y el deseo. Durante el exilio escribió diversos poemas y algún ensayo, además participó en algunas revistas, como Excélsior y Novedades.
Luis Cernuda falleció el 5 de noviembre de 1963 en Ciudad de México.

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1.6. Luis Cernuda (1902-1963)

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Su primera etapa de poesía neopopular se refleja en las obras, Marinero en tierra, La amante y El alba del alhelí. En estas se observa un gran parentesco con la lírica popular, des de la sencillez del léxico, hasta la expresividad y paralelismos que transmite y usa.

Su segunda etapa de Vanguardismo destaca por ser un homenaje a diversos personajes del cine mudo, como por ejemplo, Charlot. El cine se representa en las obras, Cal y canto, Sobre los ángeles y yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos.

Su tercera etapa de poesía comprometida la estrena con Con los zapatos puestos tengo que morir, fue revolucionaria por su crítica a la represión y la injusticia. Continuo esta etapa con Un fantasma recorre Europa y Madrid, capital de la gloria.

En su cuarta etapa de la poesia en el exilio, los temas políticos quedan en un segundo plano, mientras resurge la actitud lírica de la mano con el exilio. El nuevo tema se representa en Pleamar, Ora marítima y Canciones y baladas del Paraná.
En esta etapa también escribe sobre temas muy diversos e incluso escribe algunas novelas en prosa, como La arboleda perdida, y algunas obras de teatro político, como El hombre deshabitado.

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Rafael Alberti se distinge por la gran variedad de temas y estilos que tratan y personalizan sus obras, además, domina muy bien la técnica y ha escrito una gran cantidad de obras. A menuda se le compara con Gerardo Diego, por la similitud de sus rasgos, y con Lorca, por confundir lo tradicional y lo vanguardista.

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Nació el 16 de diciembre de 1902 en Puerto de Santa María, Cádiz.
Hijo de María Merello y Agustín Alberti, fue el quinto de seis hermanos. Comenzó en el mundo de la pintura. En 1917 se mudó a Madrid para sustituir el Bachillerato por la pintura. Después de un tiempo fue al Salón Nacional de Otoño, su primera exposición de arte en Ateneo.
La muerte de su padre hizo que Alberti se refugiara en el mundo de la poesia y dejara la pintura, después de una tuberculosis se fue a la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde conocería gran parte de la Generación del 27.
Rafael Alberti recibió el Premio Nacional de la Literatura por su primer libro publicado, Marinero en tierra, en 1924. Después escribiría un gran número de obras más, des de El poeta en la calle, en 1937 (fue escrita mientras estaba afiliado en el Partido Comunista Español), pasando por sus obras de teatro Fermín Galán, en 1931, hasta Roma, peligro de caminante, en 1968, su primera obra después del regreso a España.
Cuando la República Española fracaso, Rafael Alberti, junto a su compañera María Teresa León, se exiliaron en Argentina, hasta el 1962 que se mudó a Roma, para, en 1977 regresar a España como Diputado de Cádiz. Toda esta experiencia en el extranjero, Alberti la representa en  La arboleda perdida, en1987.
El Premio Lennin de La Paz, en 1966, y el Premio Cervantes, en 1983, fueron dos de los varios premios que recibió. En 1989 la Diputación de Cádiz creó en su ciudad natal una fundación, donde restan gran parte de los archivos de Alberti.
El escritor se casó por segunda vez con María Asunción Mateo, quien le cuidó sus últimos días. Rafael Alberti falleció el 28 de octubre de 1999 en Puerto de Santa María.

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1.5. Rafael Alberti (1902-1999)

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Su primera etapa destaca por combinar lo popular y lo culto, la tradición y la modernidad. Este estilo se ve reflejado en Libro de poemas, Canciones, El poema del cante jondo y El romancero gitano. Sobretodo El romancero gitano resume muy bien esta etapa, ya que habla de los gitanos y el respecto que necesitan y no tienen. Lo escribe de una forma trágica que confunde la tradición y la renovación.

Su segunda etapa se inspira en el surrealismo y se puede presenciar en sus obras, en forma de injusticia, inconformidad y protesta. Todo esto es reflejado en su obra Poeta en Nueva York, donde muestra su crisis como escritor y el crack del 29, el cual convierte las ciudades en un mundo materialista y deshumanizado. En esta época también escribió otras obras como Llanto por Ignacio Sánchez Mejías,seis poemas galegos,Diván del Tamarit y Sonetos del amor oscuro.

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Fue dramaturgo y poeta el cual sus obras destacan por mantener unos temas concretos, como el amor, la frustración, etc. En sus escritos aparecen personas marginadas llenas de dolor, soledad y ganas de morir. Tiene un estilo muy peculiar.

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Nació el 5 de junio de 1898 en Fuente Vaqueros, Granada
Hijo del matrimonio de Federico García Rodríguez, un propietario agrícola, y Vicenta Lorca, una profesora que no ejercía.
Fue el mayor de cinco hermanos. Durante su infancia sufrió varios problemas físicos que le impedían correr y otros esfuerzos físicos, se dice que aprendió a caminar a los cuatro años.
La familia de Federico García Lorca se mudó a Granada y fue a estudiar al Colegio del Sagrado Corazón. Estudió bachillerato, Filosofía, Letras, Música y Derecho, y en 1919 se alojó a la Residencia de Estudiantes de Madrid donde conoció a Rafael Alberti, Salvador Dalí, etc.
Federico publicó su primer libro en 1918, Impresiones y Paisajes, y su primera obra de teatro fue estrenada en 1920, El maleficio de la mariposa, mientras que los poemas aparecen en la trayectoria de García Lorca en el Libro de poemas, de 1921.
En 1922 escribió el Poema del cantante jondo, al cual también le dedicó un festival, junto al compositor Manuel de Falla. Durante los siguientes años escribió numerosas obras, des de el Primer romancero gitano, en 1928 hasta La casa de Bernarda Alba, en 1936.
Cuando Federico comenzó su carrera escribió dos obras de teatro modernistas: El maleficio de la mariposa  y Mariana Pineda. En 1925 pasó una semana con Salvador Dalí donde escribió El paseo de Buster Keaton. En 1929 vivió una experiencia cuando se fue de viaje a Nueva York que le marcaria para siempre.En 1933 se mudó a Argentina y escribió Walt Whitman que fue publicada en México. Cuando volvió a España se dedicó a ser dramaturgo i director del teatro La Barraca.
Federico García Lorca era antifascista y, perseguido por la policia civil, el 6 de agosto se escondió en la casa de un amigo suyo, el 16 de agosto lo encarcelaron y el 19 de agosto de 1936 lo fusilaron. Lo enterraron en Viznar en una fosa comuna.

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1.4. Federico Garcia Lorca (1898-1936)

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Una de las caracteristicas de Gerardo Diego es que combinaba diferentes pensamientos, temas y estilos en una misma época.

Sus obras vanguardistas forman parte del Movimiento Creacionista como Imagen y Manuel de espumas.También, une lo tradicional con el creacionismo, acompañado de un caracter gongorino, en las obras: Fábula de Esquís, Zeda y en Poemas adrede.

Sus obras tradicionales se identifican por su gran variedad de temas; como el amor o la religión; y formas; como los sonetos, las canciones y los romances. Sus obras más famosas tradicionales son: El romancero de la novia, Soria, Versos humanos, Versos divinos, Ángeles de Compostela y Alondra de verdad. Ésta última se considera su mejor obra.

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Gerardo Diego es conocido por combinar diferentes estilos con gran talento, como por ejemplo, lo vanguardista y lo clásico, lo culto y lo popular, etc.

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Nació el 3 de octubre de 1896 en Santander.
Aprendió a tocar el piano y cursó filosofía y letras en la Universidad de Deusto, Madrid y Salamanca. Se graduó con Juan Larreda, el fundador del movimiento ultraísta en 1919.
En 1920 obtuvo el titulo de catedrático en el Instituto de Soria. Un tiempo después,cuando ejercía como profesor, escribió su primer libro de poemas, el romancero de la novia. Su timidez no le dejaba expresar sus sentimientos, así que el libro le permitíó desahogarse con una gran fuerza expresiva e innovadora.
Gerardo Diego descubrió el movimiento creacionista y su fundador chileno, Vicente Huidobro, lo que le convirtió en un referente de este movimiento.
En 1925 ganó el Premio Nacional de Literatura por su libro Versos Humanos, caracterizada por sus temas vanguardistas y las estructuras más clásicas de la poesia. En 1927 publicó dos revistas vanguardistas, llamadas Carmen y Lola. Mientras que en 1932 publica Poesía Española Contemporánea y se dedica a las críticas musicales.
Gerardo Diego se cambia al Instituto Beatriz Galindo en Madrid, el año 1939 hasta su jubilación en 1966.
Cabe destacar que en 1947 fue aceptado como miembro de la Real Academia Española. En 1956 ganó su segundo Premio Nacional de Literatura, mientras que en 1980 fue recompensado con el Premio Cervantes.
Gerardo Diego falleció en Madrid el 8 de julio de 1987.

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1.3. Gerardo Diego (1896-1987)

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La primera etapa se ve representada en Cántico. A diferencia de muchos autores, Jorge Guillén consiguió mantener una unidad de estilo y temas durante más de treinta años. Cántico se caracteriza por reflejar optimismo y ser deshumanizada e intelectual, ya que está inspirada en Juan Ramón Jiménez y el poeta francés Paul Valery. También destaca por tener un estilo elaborado y difícil de entender ya que es muy denso, usando gran variedad de nombres abstractos y exclamaciones. Aunque, todo lo anterior lleva a una falta de musicalidad. Usa un lenguaje moderno combinado con estrofas clásicas. Todas estas características indican una tendencia hacia el cubismo.

La segunda etapa se representa en Clamor, formada por Maremágnum, Que van a dar a mar y A la altura de las circunstancias. El tema principal es la crítica al caos y a la destrucción, escrito con un lenguaje más coloquial.

La tercera etapa la resume Homenaje, se caracteriza por disminuir el tono pesimista y por hablar sobre lecturas, escritores y la amistad con sus compañeros de la Generación del 27. Finalmente, resume sus tres obras en Aire nuestro.

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Cántico fue la novela que situó a Jorge Guillén como el máximo representante de la poesía pura, poesía que refleja el optimismo y las ganas de vivir. En cambio, Clamor se identifica por el pesimismo con un estilo más sencillo, ya que esta obra fue escrita cuando Guillén residía en el extranjero, a consecuencia del exilio.

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Nació el 18 de enero de 1893 en Valladolid.
Fue el mayor de cinco hermanos. A los dieciséis años e mudó a Suiza y estudió francés, también cursó filosofía y letras en la Universidad de Madrid, aunque se graduó en Granada en 1913.
En 1920 publicó sus escribió sus primeros poemas para revistas con cierto público, como Revista de Occidente. También fue lector de español en una universidad de París en 1917 durante seis años. Má tarde fue catedrático de lengua y literatura española en Oxford, Murcia y Sevilla.
Durante la Guerra Civil permaneció preso hasta que su padre consiguió, tras unos negocios, sacarle de la cárcel, aunque quedó inhabilitado por el Ministerio de Educación, no podía formar parte de ningún cargo público.
Después de abandonar España, se mudó a Estados Unidos en 1938, donde fue profesor en numerosas universidades de Estados Unidos y Latino América.
Guillén se casó en Bogotá con Irene Mochi Sismondi el 11 de octubre de 1961. Regresando a España en 1975.
Sus obras se caracterizan por estar bastante relacionadas, comenzó en 1928 con Cántico, la primera parte, la segunda parte fue llamada Clamor, la tercera es Homenaje, y finalmente, publicó en 1968 publicó Aire nuestro, recogiendo toda su poesía. Además, publicó obras críticas como Lenguaje y poesía.
Cabe destacar que Guillén ganó el Premio Cervantes en 1976, y en 1978 fue escogido como miembro académico de honor de la Real Academia Española.
Jorge Guillén falleció el 6 de febrero de 1984 en Málaga.

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1.2. Jorge Guillén (1893-1984)

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Su primera etapa es vanguardista, con las obras: Presagios, Seguro azar y Fábula y signo.

Su segunda etapa se ve reflejada por el amor, con La voz a ti debida, Razón de amor y Largo lamento. Así se convierte en el mejor poeta amoroso de la Generación.
Salinas ve el amor como una fuerza que da sentido al mundo, la correspondencia, donde sólo existe el amado y la amada. Utiliza un lenguaje conceptual ya que juega con paradojas, guiños, etc.

Su tercera etapa consiste en las obras que escribió cuando vivía exiliado. Predomina la crítica de tono trágico y humorístico, sobretodo en Todo más claro y El contemplado, aunque, finalmente, el optimismo acaba por escribir sus últimas obras, como Confianza.

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Salinas destaca por su poesía intelectual, estructurada en diálogos. Esta técnica le permite ver la esencia de las cosas, dejando atrás las etiquetas.
También, se caracteriza por utilizar un lenguaje sencillo, moderno y cotidiano, que combina con un ritmo ligero, conseguido con versos cortos y sin rima o asonantados.

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Nació el 27 de noviembre de 1891 en Madrid.
En 1914 fue lector de español en una universidad de París durante tres años. Ejerció de catedrático español en 1918 hasta 1926 y más tarde en Murcia.
Durante un año fue lector en la universidad de Cambridge, hasta que 1933 participó en la Escuela de Idiomas de Madrid, en el Centro de Estudios Históricos, en la Universidad Internacional de Santander y fundó una revista, Índice Literario. Cuando comenzó la Guerra Civil se exilió y trabajó en una Universidad de Puerto Rico y Estados Unidos.
En 1924 público su primer poema, Presagios, influenciado por Juan Ramón Jiménez. Des de entonces escribió muchas más obras como su más famosa, La voz a ti debida, en 1933. También fue escritor en prosa e hizo diversos estudios de la literatura española, como La poesía de Rubén Darío.
Cabe destacar que fue uno de los mejores escritores de poemas amorosos, los cuales se dirigían a Katherine Whitmore, una profesora estadounidense.
Pedro Salinas falleció el 4 de diciembre de 1951 en Boston, Estados Unidos. Aunque sus restos restan en San Juan de Puerto Rico.

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1.1. Pedro Salinas (1891-1951)

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El Modernismo simbolista, al que pertenecen los primeros libros de Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez (Moguer, Huelva, 1881 – San Juan, Puerto Rico, 1958), se considera agotado a partir de 1915, aunque algunos poetas, los posmodernistas, sigan esta corriente varios años más. Le sucede el novecentismo, que en la lírica estará representado por la poesía pura de Juan Ramón, figura fundamental de este periodo en la que convergen todas las tendencias y cuyo magisterio fue indudable para poetas posteriores. Aspectos biográficos destacables son su formación con los jesuitas en Puerto de Santa María, su atracción por la pintura y la poesía, contra la voluntad de sus padres, que lo habían enviado a Sevilla para estudiar Derecho; la muerte de su padre, que le ocasionó trastornos nerviosos por los que hubo de permanecer internado en un sanatorio en Francia, donde tomó contacto con los simbolistas franceses; sus estancias en Moguer, durante su recuperación, y en Madrid, en la Residencia de Estudiantes. Fundamentales en su vida y en su obra fueron su matrimonio con Zenobia Camprubí Aymar y el viaje en barco a Nueva York, donde se casaron, en 1916. El contacto del poeta con el mar le inspiró una de sus obras clave y, el apoyo incondicional de su esposa le permitió aislarse del mundo y encerrarse en “la Obra”, como él la llamaba. Juan Ramón tuvo que exiliarse por sus ideas republicanas. Vivió en Cuba, Miami y Washington, y fijó su residencia en Puerto Rico en 1951. Zenobia murió en 1956, pocos días antes de que al poeta se le concediera en Nobel de Literatura, que premiaba “el ejemplo de alta espiritualidad y de pureza artística” que había sido. Su obra poética Juan Ramón sobresale como prosista en libros como Españoles de tres mundos (1942), colección de breves apuntes sobre la vida y la obra de algunos escritores, y en Platero y yo, elegía poética en prosa, pero es en la poesía donde encontramos sus mayores logros. Vivía consagrado por entero a su obra poética, despegado de la vida pública, encastillado en su “torre de marfil”, recluido en sus obsesiones personales, su hipocondría, su morboso temor a la muerte. Su costumbre de corregir, suprimir y reordenar su inmensa producción poética demuestra hasta qué punto le preocupaba cómo iba a leerse su obra, que es un caso acabado de poesía minoritaria, de dificultad creciente. Para él la poesía es belleza, un modo de conocimiento, de inteligencia, de penetración en la esencia de las cosas y, finalmente, es expresión de un ansia de eternidad; de ahí su obsesión por la fugacidad de las cosas y su especial idea de Dios, a quien identifica con la Naturaleza, con la belleza absoluta, o con la propia conciencia creadora.

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Es el género por excelencia. Además del propio Pérez de Ayala, Eugenio D’Ors, Manuel Azaña, Rafael Cansinos-Assens, Américo Castro, Salvador de Madariaga o Gregorio Marañón son algunos de los ensayistas destacados. Eugenio D’Ors (1881-1954) se formó en los ambientes literarios modernistas, pero más adelante rechazó el individualismo y el sentimentalismo propios de la estética modernista, y la esterilidad del tradicionalismo catalanista, anclado en un mundo rural y folclórico. Para la renovación de la sociedad propuso un proyecto esencialmente educativo que denominó noucentisme, “novecentismo” en castellano. En sus “glosas”, artículos breves e ingeniosos, vertió su pensamiento sobre arte, política y filosofía. Manuel Azaña (1880-1940), político y escritor español, fue un escritor sobrio, sagaz, dado a la polémica intelectual y a la crítica fría, precisa, a menudo irónica y desdeñosa. Destacan sus estudios sobre Juan Valera y sus ensayos críticos (Los gitanos en España, Plumas y palabras). Pero se considera a Ortega y Gasset (1883-1955) como “guía” indiscutible del grupo (“generación de Ortega”, se llegó a llamar). Es, a la vez, la máxima figura de la filosofía española del siglo XX y un espectador agudo de la vida, las artes y la cultura. Literariamente destaca por su estilo claro y elegante, en el que las metáforas y los símiles, manejados con maestría, hacen más plástica la idea. Desde el punto de vista filosófico, se opuso al irracionalismo imperante; sus teorías se sitúan entre el racionalismo y el vitalismo. Ensayos como “Meditaciones del Quijote”, donde habla de los géneros literarios, “La rebelión de las masas”, análisis sociológico de la realidad de su época, o “La España invertebrada”, donde encontramos su teoría de las fuerzas centrífugas y centrípetas al tratar sobre el problema de los nacionalismos, le dieron pronto fama, pero es “La deshumanización del arte” su obra sobre estética más importante. En ella describe el arte joven como un arte deliberadamente difícil, creador y no imitador, artístico en oposición a sentimental, deshumanizado frente al anterior arte naturalista: las características que él vio con lucidez en el arte de vanguardia. El arte moderno, nos dice, «no solo es impopular, sino que es también antipopular, siempre tendrá a las masas en contra». El arte moderno divide al público entre la minoría que lo entiende y una mayoría incapacitada que prefiere el arte puramente referencial del XIX, según Ortega, un planteamiento que lo vincula con el poeta de la generación, del que hablaremos a continuación.

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Los novelistas del 14 tienen en común el deseo de renovar el género aportando, con diferentes estrategias narrativas, una concepción distinta de la novela que, según Ortega, era un género condenado a morir. Hemos de mencionar a Ramón Gómez de la Serna (1888-1963), prolífico autor que introdujo el espíritu vanguardista y trasgresor en nuestro país. “El caballero del hongo gris” y “Automoribundia” quizá sean sus novelas más citadas. Por su parte, Wenceslao Fernández Flórez (1885-1964), no tan innovador, publicó unas cuarenta novelas y libros de relatos, caracterizados por un fino humor irónico a veces cercano a lo fantástico y con elementos simbólicos e incluso un profundo lirismo. “Volvoreta” y “El bosque animado” son sus títulos más conocidos.

Gabriel Miró (1879-1930) cultivó en “Nuestro padre San Damián” o “El obispo leproso”, que transcurren en Oleza (trasunto de Orihuela), lo que se llamó novela lírica: obras en las que la trama cede terreno a una elaborada descripción de ambientes y a un exquisito tratamiento de la psicología de los personajes. Miró recuerda el modernismo en su vertiente decadentista y entronca con la novela lírica de Azorín. Se puede destacar su excepcional capacidad para captar sensaciones, por la que Dámaso Alonso lo denominó “gran poeta en prosa”. Cabe destacar a Ramón Pérez de Ayala (1880-1962) Nacido en Oviedo, ciudad donde estudió Derecho y fue discípulo de Leopoldo Alas 'Clarín'. Realizó estudios en Inglaterra, Alemania e Italia. Durante la I Guerra Mundial fue corresponsal en Buenos Aires. En 1928 ingresó en la Real Academia Española. Estuvo vinculado con José Ortega y Gasset y con Gregorio Marañón a través de la Agrupación al servicio de la República, de la que fue embajador en Londres. Al estallar la guerra civil emigró a Buenos Aires, donde permaneció hasta 1954. Periodista y escritor de poesía, novela, ensayo y crítica, en su obra de ficción se reconocen dos etapas: En la primera, correspondiente a su época juvenil, aparece como un escritor realista con una visión pesimista de la vida, que se trasluce a través de una sutil ironía. Pertenecen a esta etapa una serie de novelas en parte autobiográficas (el protagonista, Alberto Díaz de Guzmán, es el alter ego del autor) como Tinieblas en las cumbres (1907), historia cruda de libertinaje, publicada con el pseudónimo de Plotino Cuevas; La pata de la raposa (1911), segunda parte de la anterior, análisis del amor puro y sensual; (1910), que causó cierto escándalo por su descripción de un internado administrado por jesuitas, y Troteras y danzaderas (1913), descripción de la vida bohemia de Madrid. En estas novelas se realizan algunos experimentos narrativos, como la alternancia de puntos de vista en contrapunto. De transición pueden considerarse las novelas cortas Prometeo, Luz de domingo, La caída de los limones y El ombligo del mundo, donde se encuentra una visión muy negra y sórdida de la brutalidad y violencia caciquista de la vida rural. Con Belarmino y Apolonio (1921) empieza su segunda etapa, donde abandona el realismo en favor del simbolismo caricaturesco y la novela se acerca al ensayo. En ella analiza el tema de la duda trascendental en un alma profundamente religiosa. Pertenecen también a esta etapa Luna de miel, luna de hiel (1923) y su segunda parte, Los trabajos de Urbano y Simona (1923). Se trata de la historia de dos jóvenes educados tan estrictamente que no saben qué es el sexo. Tigre Juan (1926) es considerada como la mejor novela de Pérez de Ayala, y refleja la evolución de un hombre extremadamente machista. La segunda parte, El curandero de su honra, constituye un sutilísimo examen psicológico del machismo, que coloca a Pérez de Ayala en la cima de la narrativa psicológica en castellano. El estilo de Ramón Pérez de Ayala se caracteriza por la ironía y un lenguaje donde abundan las alusiones, las citas encubiertas y la intertextualidad, así como, ocasionalmente, las técnicas degradantes del esperpento. También se sirve del perspectivismo y el contrapunto. Su afán innovador dio lugar a la llamada novela intelectual donde la acción no es lo más importante, sino los diálogos y las ideas que en ellos se defienden, así como el carácter alegórico de sus personajes.

Pérez de Ayala cierra pronto su obra narrativa. Publica sus novelas entre 1907 («Tinieblas en las cumbres») y 1929 («La revolución sentimental»), y se retira del género con esta última. A partir de entonces se dedica a asuntos públicos, a la política y a la diplomacia, y escribe preferentemente ensayos: género que se adecuaba mejor a su estilo pulido, artificioso, irónico, arcaizante, levemente humorístico, que se burla de sí mismo, que el género narrativo, muchas veces interrumpido por largos excursos o digresiones, a modo de expresiones ensayísticas intercaladas, que unas veces dispersan y otras detienen la acción. Como ensayista, Pérez de Ayala se manifiesta como uno de los escritores españoles más cultos de su tiempo.

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Lo que caracteriza a los autores novecentistas es, en primer lugar, el gusto por un arte racional, riguroso y analítico. Desprecian, por tanto, todo lo que recuerde los excesos románticos, incluidas las nostalgias noventayochistas o el exceso de fantasía modernista. Defienden el arte puro, que Ortega llamará “deshumanizado”, desprovisto de sentimentalismo, autónomo, válido por sí mismo. Un arte que será además minoritario, dirigido a una élite que lo comprende y disfruta, lejos del arte para el gran público que fueron el romántico y el realista. Poseen un estilo cuidado, elegante, que aspira a la “obra bien hecha”, con un lenguaje pulcro y riguroso, sin dejar por ello de ser brillante. Precisando un poco más, podemos aplicarle los siguientes rasgos: El arte ha de ser imaginativo y debe romper con las visiones apegadas a la realidad (rechazo del realismo). Es importante en ese sentido el papel del humor y la renovación de los géneros con nuevas técnicas: en la novela pierde importancia el argumento y tiende a la digresión o al lirismo; la poesía pretende ser creación absoluta, alejada de lo anecdótico. Todo ello contribuye a crear una literatura “para minorías”, con una actitud elitista. Dicho “elitismo” se compagina con una intención vanguardista en lo estético, pero también en lo intelectual y lo social.
El hecho artístico se plantea desde una postura intelectual. Se huye de lo sentimental (de ahí el rechazo a la estética romántica y modernista). En el devenir pendular de la historia de la cultura esta época significaría un retorno a los clásicos greco-romanos, a sus formas y a sus temas. Escapan de los aspectos más nacionalistas de la cultura: se aborda el tema de España con un interés desprovisto de patriotismo o exaltación. Los componentes de esta generación son conscientes del papel político que debe desempeñar la intelectualidad, tanto en la investigación de la realidad del país como en la defensa del avance liberal, pero creen que la creación artística debe desdramatizar su reflexión, y esto lo consiguen mediante una elegante prosa y el recurso del humor, que logra revertir el pesimismo noventayochista. Es el suyo un talante cosmopolita y europeísta. Así, frente al ruralismo de la generación de 1898 (que buscaba en el paisaje y el paisanaje, especialmente el de Castilla, la esencia de lo español), la atención se vuelve hacia la ciudad y los valores urbanos (civiles y civilizadores). Resulta muy significativo el discurso de Ortega en el Teatro de la Comedia, en marzo de 1914, a modo de presentación de la nueva generación, que se define sin ambiciones personales, austera, privada de maestros hispánicos, nacida de la reflexión de 1898 pero sin concesiones a los tópicos del patriotismo. Ortega sostiene que hay que emprender una cultura biológica, con sentido deportivo y festivo de la vida. Otros rasgos destacables de la concepción novecentista de la literatura son pulcritud, distanciamiento, equilibrio, «deshumanización» (Ortega), búsqueda del «arte puro», del arte por el arte, de la poesía pura y de la autonomía de la obra artística. Así mismo interesan a los escritores el orden, la perfección y la belleza. Por eso afrontan la renovación del lenguaje. El artista ha de huir de lo vulgar, de lo fácil y de lo monótono; ha de romper con las formas tradicionales. El género más abundante y cultivado es el ensayo, vehículo de sus ideas, que se extiende a los otros géneros (se diluyen las fronteras genéricas y la novela se hace ensayística, como en “Belarmino y Apolonio”, de Ramón Pérez de Ayala.

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Pasados los primeros años del siglo XX, comienza a surgir una nueva generación de escritores con una sensibilidad distinta y unos enfoques intelectuales más rigurosos que los hombres del 98. La crítica ha denominado a este nuevo grupo los “novecentistas”, término acuñado por Eugenio D’Ors, o Generación de 1914, por el nexo que supone para ellos la Primera Guerra Mundial.

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Las primeras manifestaciones de la vanguardia están protagonizadas esencialmente por Ramón Gómez de la Serna (1888-1963). Este autor es el máximo impulsor de las vanguardias en España. La obra de Gómez de la Serna es muy original y a menudo inclasificable. Su mayor aportación es la greguería. A la que él mismo la definió como humorismo + metáfora, y consiste esencialmente en una ingeniosa asociación de ideas o una metáfora insólita, resumida en una breve frase:

· La pistola es el grifo de la muerte.

· En las cejas tachó algo la naturaleza.

· La lechuga es toda enaguas.

· En la noche helada cicatrizan todos los charcos.

· Tocar la trompeta es como beber música empinando el codo.

· La ametralladora suena a máquina de escribir de la muerte.

· El cometa es una estrella a la que se le ha deshecho el moño.

· ¡Oh!: puñetazo por sorpresa en un ojo de lo escrito.

· El hielo se derrite porque llora de frío.

Gómez de la Serna pronuncia conferencias vestido de torero, o en un circo a lomos de un elefante; celebra un banquete en un quirófano, cultiva lo extravagante, lo grotesco, lo provocativo. Además de los varios tomos de greguerías, Ramón escribió multitud de cuentos y varias novelas, como El novelista (1923), El torero Caracho (1926) y El caballero del hongo gris (1928). En ellas, y siguiendo su idea de la novela libre, el argumento es sustituido por reflexiones, divagaciones, cuadros, etc. Es autor también de ensayos (El Rastro), biografías (Quevedo, Goya, Valle-Inclán), memorias (Automoribundia, su propia autobiografía) y teatro, completamente innovador: El drama del palacio deshabitado, Los medios seres, Escaleras.