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O modernismo no Brasil teve como marco inicial a Semana de Arte Moderna, em 1922, momento marcado pela efervescência de novas ideias e modelos.

Lembre-se que o modernismo foi um movimento cultural, artístico e literário da primeira metade do século XX.

Ele situa-se entre o Simbolismo e o Pós-Modernismo - a partir dos anos 50 - havendo, ainda, estudiosos que considerem o Pré-Modernismo uma escola literária.

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Anita Malfatti foi o estopim da vanguarda do Modernismo brasileiro ao realizar sua exposição com quadros de tendência expressionista, em 1917.  Ela fez parte do movimento até os anos 1930, quando a partir daí, dedicou-se á arte do retrato e passou a representar,  as festas e as procissões. Dos anos 1950 até sua morte, em 1964, Malfatti viveu muito distante das polêmicas artísticas, recolhida em seu sítio.

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Emiliano Di Cavalcanti (1897-1976) foi um dos principais incentivadores da realização da Semana de 1922 e da transformação da pintura brasileira aos moldes modernos. Além da pintura, seu portfólio também é recheado de desenhos e caricaturas, pois ele também era um grande artista somente com traços, tendo feito várias caricaturas de pessoas conhecidas e charges que criticavam os problemas sociais e políticos do país. Suas telas têm na cor um dos principais pontos de expressividade. No geral, ele fez uso de tons quentes, linhas sintéticas e formas livres, influências do cubismo, Fauvismo e Pós-impressionismo, associados ás noções pessoais de fazer arte para retratar a população brasileira da maneira que lhe convinha.

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Oswald de Andrade escreveu um manifesto chamado Antrofopofagia, que encorajava os brasileiros a aceitar a cultura europeia, daí vem o termo "antropofágico". E esse manifesto foi re-apresentado depois em outros movimentos, como nos concretistas, neoconcretistas e no tropicalismo.

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Alguns artistas que consolidaram o modernismo na pintura foi, Tarsila do Amaral (1886-1973), Emiliano Di Cavalcanti (1897-1976), Candido Portinari (1903-1962) e Ismael Nery (1900-1934).

Candido Portinari ganha destaque pela inovação e criatividade, usando delas para mostrar a desigualdade social no brasil, mostrando em seus projetos, corpos humanos com pés enormes, simbolizando a ligação com a terra e mostrando a realidade da população rural do Brasil. Seus traços tornam as imagens dramáticas e vigorosas, ilustrando a realidade do brasileiro.

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Em 1930, o Brasil enfrentava uma grande instabilidade política e econômica, culminando na Revolução Constitucionalista de 1932, por meio desse quadro de instabilidade, o artista plástico Flávio de carvalho criou, 24 de novembro de 1932, o Clube de Artistas Modernos (CAM), que seria um clube para promover reuniões e sessões de pinturas com modelos vivos. Também tinha o objetivo de expandir e conquistar um novo público para a arte moderna.

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O Tropicalismo, foi uma atmosfera de brasilidade e otimismo que surgiu, entre 1960 e 1970 e que se espalhou em diversas manifestações artísticas: artes visuais, música, moda, cinema e etc. O marco do movimento foi o lançamento do disco, Manifesto Tropicália. O Tropicalismo também seguia o mesmo pensamento da Antropofogia de Oswald, tendo uma combinação entre o antigo e o moderno, além da mistura cultural do brasil com o internacional.

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O Teatro Oficina foi fundado em 1958, na Faculdade de Direito do Largo São Francisco, Inicialmente encenando peças escritas por seus próprios componentes, o grupo se apresentava em pequenos espaços e residências particulares. O grupo apesar de não se propor a nenhuma revisão ou revolução no teatro brasileiro, acabou firmando-se pela capacidade técnica e intelectual do grupo. Em 1963, o Teatro de Oficina resolveu assumir o caminho de profissionalização e passou a administrar cursos de interpretação baseados nos ensinamentos do russo Stanislavski.

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Depois do movimento tropicalista, os cineastas procuraram inventar  modos alternativos de distribuição e exibição, criando diferentes linguagens cinematográficas e utilizando a arte cinematográfica como manifesto a favor da modernização. O cinema novo, tinha como principal ideal, transmitir a emoção do cinema, de uma maneira mais acessível, podendo até mesmo fazer filmes caseiros, já que seu principal lema era "Uma câmera na mão, e uma ideia na cabeça."

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A partir da metade do século XX, surgiu no Brasil um pensamento revolucionário, que hora contestava o ostracismo formal em que se encontrava a arte moderna brasileira, e outra o regime político vigente no país, a Ditadura Civil-militar. Além do contexto de desenvolvimento industrial do país, crescimento populacional e construção de uma nova capital.

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O concretismo e o neoconcretismo são dois movimentos voltados diretamente para a história da arte brasileira, surgindo nos anos 1950, provocando uma ruptura com a tradição modernista de apresentação da realidade, sendo bem mais radical. Os artistas que se propuseram a evolução artística por meio da redução de elementos pictóricos e plásticos, criticando a arte moderna, figurativa que se matinha hemogênica desde 1922.

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Hélio Oiticica (1937-1980) é considerado um dos artistas mais revolucionários de seu tempo, com uma produção experimental e inovadora reconhecida internacionalmente.

Pode-se dizer que Oiticica passou por duas fases na sua carreira: uma bem visual, de meados dos anos 1950 até 1960, diretamente ligada ao Concretismo; e outra sensorial, indo até os anos 1980, fazendo parte desta os Parangolés. Enquanto puramente concretista, Oiticica criou, a partir de 1957, a série denominada Metaesquemas, pinturas de guaches sobre papel que, segundo o artista, apresentam o conflito entre o espaço pictórico e o extrapictórico.

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A Ditadura civil-militar imposta no Brasil em 1964, buscou abafar o processo cultural, em desenvolvimento. O Ato institucional n°5, promulgado em 13 de dezembro de 1968 decretou censura prévia em todos os meios de comunicação e difusão cultural.

Na década de 60 as artes plásticas sofreram grandes alterações, os artistas brasileiros assimilaram alguns procedimentos técnicos da Pop Art americana, no Brasil para denuncias politicas e sociais.

A censura da arte era difusa e imprevisível, o que gerou um ambiente de autocensura pelos artistas. Cada vez que uma exposição era fechada ou cancelada, muitos artistas eram calados. Como exemplo de censura, várias obras foram tiradas da II Bienal da Bahia, e na exposição de trabalho dos artistas brasileiros no Museu de Arte Moderna do Rio, criou uma criou uma polêmica e tanto, proibindo obras em um evento de escala internacional.

Apesar de toda censura imposta, os artistas não ficaram calados, e de forma criativa se opuseram contra a Ditadura em suas obras.

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As ideias concretistas no Brasil, veio após os intercâmbios culturais com a Europa, que foi interrompido devido a segunda guerra mundial. O movimento concreto irradiou-se para a América latina, primeiro para Argentina e depois para o Brasil, no Brasil o movimento concreto se dividiu em dois grupos, o Ruptura de são paul e o Frente do Rio de janeiro.

O grupo de Ruptura acreditava em uma arte visual mais geométrica, com efeito de construção seriada, ideia rítmica do movimento e um fundo plano onde a forma se desenvolveria na abstração.

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No dia 23 de março de 1959, no Suplemento Dominical do Jornal do Brasil, foi publicado o Manifesto Neoconcreto, nesse manifesto eles proclamavam a arte como uma atividade autônoma, vital e de elevada missão social. Tendo em vista a necessidade de educar os homens para conhecer suas emoções plenas.

Os neoconcretistas cariocas apresentaram tendências construtivistas generalizadas graças a maior flexibilidade das concepções de seus artistas, diferente do grupo paulista que era mais fechado.

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Lygia Clark (1920-1988), pintora e escultora, era uma figura complexa, cuja característica se refletiu em sua vida e em suas obras.

Originalmente, seus trabalhos estavam voltados para a pintura, mas seu maior destaque na arte foi com esculturas abstratas que eram tanto proposições como objetos fixos. Suas obras se situam entre o orgânico e o geométrico, entre a forma e a ausência desta.

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No fim da década de 60, os festivais de Canção concurso de música brasileira, foram eventos de grande importância popular por reunirem multidões que defendiam seus intérpretes e músicas favoritos. O festival fez tanto sucesso, que várias emissoras criaram seus próprios festivais.

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Nelson Rodrigues (1912-1980) nasceu em Recife, Pernambuco, mas logo mudou-se para o Rio de Janeiro, onde desenvolveu seu trabalho. Foi repórter policial no jornal A Manhã, de propriedade de seu pai, durante muitos anos. Provavelmente foi nessa profissão que ele acumulou vasta experiência sobre a sociedade urbana, da qual fez uso na composição das suas peças.

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Cacilda Becker (1921-1969), considerada uma das atrizes mais importantes do teatro brasileiro, nasceu em uma família de imigrantes italianos.

Em 1948, ela ingressou no Teatro Brasileiro de Comédia (T BC), contratada para a peça Mulher do próximo, de Abílio Pereira de Almeida. Sua excelência no palco fez com que, em pouco tempo, assumisse papéis de protagonista. Pode-se citar, nesse período, seu desempenho em obras como Seis personagens à procura de um autor, de Luigi Pirandello, e Antígona, de Sófocles.Durante a Ditadura Civil-Militar, ela foi presidente da comissão Estadual de Teatro de São Paulo, agindo em defesa dos direitos dos artistas e dos produtores de teatro.

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Augusto Boal (1931-2009) foi um dramaturgo brasileiro cujo trabalho ganhou grande destaque internacional, principalmente como ativista político e teórico do teatro. Boal foi convidado para dirigir o Teatro de Arena, em São Paulo, quando retornou ao Brasil em 1956, depois de terminar seu doutorado na Universidade de Columbia, nos Estados Unidos.Depois do golpe no Brasil, em 1964, ele começou a desenvolver uma forma radical e popular de teatro para discutir publicamente as condições sociais cada vez mais opressivas impostas pela ditadura. Esse método foi denominado Teatro do Oprimido — uma forma de representação que utiliza exercícios, jogos e técnicas teatrais com o objetivo de desconstruir a atitude física e intelectual da encenação.Em 1971, Boal, por seu ativismo político, foi preso, torturado e exilado. Ele persistiu com sua abordagem revolucionária no teatro enquanto viveu e trabalhou em outros países da América do Sul, antes de se mudar para a Europa.

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O brasileiro Alfredo Dias Gomes (1922-1991) nasceu na cidade de Salvador, na Bahia. Junto com Jorge Amado, tornou-se mundialmente conhecido por conciliar seus trabalhos com as preocupações sociais e também por exaltar a vida em suas obras. Durante vários anos, Dias Gomes compôs peças de teatro de rádio sob vários pseudônimos. Em 1959, ele escreveu aquela que se tornou sua peça de maior sucesso, O pagador de promessas. A peça foi adaptada para 0 cinema pelo diretor Anselmo Duarte e, em 1962, tornou-se a única produção brasileira a ganhar a prestigiada Palma de Ouro, no Festival de Cinema de Cannes. A produção também foi indicada ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro pela Academia de Cinema de Hollywood.

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A Arte é desenvolvida com o intuito de mostrar o pensamento do artista e expressar os sentimentos, por meio de correntes de estilo e estéticas diferentes.

Tradição é um conjunto de costumes, comportamentos, memórias, rumores, crenças, lendas, música, práticas, doutrinas e leis que são transmitidos para pessoas de uma comunidade, sendo que os elementos passam a fazer parte da cultura.

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Influência das culturas indígena, europeia e africana na América latina

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Influência das culturas indígena, europeia e africana na América latina

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A  cultura da América latina é uma verdadeira salada, tantas etnias passaram, pregando suas próprias culturas, Os europeus colonizando, as crenças e tradições dos próprios nativos, e a cultura dos escravos africanos.

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Apesar de existir músicas dos nativos latinos-americanos, foi no final do século XIX que começou a ser moldado por uma mistura de gêneros e ritmos europeus e africanos, multiplicando o número de gêneros que existia na época. A principal  característica responsável pela popularização da música latino-americana foi a sensualidade e a alegria de seus ritmos.

No Brasil, o samba, nossa-nova e a MPB ganharam o mundo como estilos genuinamente brasileiros.

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A maioria da dança latino-americana foi influenciada pelos ritmos de rituais africanos e os bailes europeus, essas heranças culturais, ao se unirem criaram contradanza criolla, que utiliza sons e instrumentos musicais europeus e africanos para marcar a expressão corporal dos dançarinos.

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A arte dos povos nativos das Américas foi, com rara exceções, preservada principalmente pela arte da cultura popular, as obras conseguiam unir as influências das vanguardas europeias ao artesanato local trazido por etnias indígenas que habitaram a região.

Nas artes plásticas latino-americana se destacam dois caminhos: o do academicismo, que utilizava soluções institucionais pela tradição acadêmica, e o do artesanato, que, firmou-se como arte popular e manteve algumas características da arte produzida pelos nativos.

A grande reviravolta nessa arte, vem nas épocas de regime que impuseram no continente em 1950, a partir dai, os artistas desse período passaram a incluir em suas obras o caráter revolucionário e contestador dos regimes, transformando o que seria crise em revolução.

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Os movimentos de arte latino-americana surgiram fundamentalmente ligados ao contexto sociopolítico do continente, alguns estudiosos sugerem que os movimentos artísticos foram marcados pelo caráter revolucionário das manifestações da América latina.

Da mesma forma que os movimentos de vanguarda foram as fontes de inspiração para os movimentos da América Latina, também saiu daqui uma das revoluções que influenciaram a Europa: a Revolução Mexicana. Esta, junto com a Revolução Russa, foi responsável por grandes transformações no mundo no início do século XX.

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As festas populares e tradicionais da cultura brasileira

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As festas populares e tradicionais da cultura brasileira

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As festas populares deram ao Brasil reconhecimento internacional, como é o caso do Carnaval, que atrai turistas de todo o mundo, sobretudo no Rio de Janeiro, onde são realizados os famosos e pomposos desfiles das escolas de samba. Além do Carnaval, centenas de outras festas compõem o rico universo de festas populares brasileiras, como as grandes Festas Juninas do Nordeste, as festas de Congado, a Festa do Divino, a Festa do Boi, em Parintins, e também a Festa do Círio de Nazaré, em Belém.

Essas festividades refletem a diversidade cultural do país e
o grande fluxo migratório que formou a nação brasileira. Por isso. as festas não se concentram em uma única região do país.