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è una grande collezione privata esposta a Roma (via del Corso 305, angolo con via della Gatta) nel Palazzo Doria Pamphilj.

La collezione comprende un’ampia raccolta di pitture, arredi e statue di autori come Tintoretto (1519-1594), Tiziano (1488-1576), Raffaello Sanzio (1483-1520), Caravaggio (1571-1610), Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), Gaspard Dughet (1615-1675),  e Velazquez (1599-1660).

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La galleria Doria Pamphilj nacque nel 1651 quando Giambattista Pamphilj diventato papa col nome di Innocenzo X vincolò le pitture e gli arredi del Palazzo Pamphilj a Piazza Navona con la restituzione ereditaria, così investì suo nipote Camillo della primogenitura.

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Ritratto di Innocenzo X (Velazquez, 1650)

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Ritratto di Innocenzo X (Velazquez, 1650)

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Considerato il capolavoro della galleria, il ritratto olio su tela raffigura Papa Innocenzo X seduto su una preziosa poltrona ampio schienale imbottito di colore rosso e decorata con due grossi pomelli dorati.
Il pontefice è rivolto verso destra, con le mani poggiate sui braccioli della poltrona e reggendo nella mano sinistra un foglio sul quale è scritto “alla Santà di N.ro Sign.re / Innocentiox / per Diego de Silva / Velàzquez de la Camera di S. M.tà Catt.ca”.
Indossa sulle spalle una mozzetta chiusa da un colletto bianco e un abito in lino, che scende in basso coprendogli le gambe.
Il suo volto è orientato a destra ma lo sguardo è puntato sull’osservatore: i suoi occhi hanno un’espressione decisa, sottolineata dalle sopracciglia corrugate.

Il colore dominante è sicuramente il rosso, declinato in ogni sua sfumatura: il fondo è rosso scuro opaco, lo schienale è leggermente più chiaro, la papalina presenta dei deboli riflessi e la mozzetta è illuminata da alcune pennellate di rosso chiaro. Anche l’incarnato è realizzato con del rosso, che contrasta con altre parti del viso chiarissime.

Lo spazio è limitato alla sola figura del pontefice ed il volto non si trova al centro della composizione: la figura infatti è sbilanciata per lasciare spazio al foglio con la dedica.

Con questo ritratto il pittore cercò di rendere sulla tela non solo l’effige, ma anche la psicologia di Giovanni Battista Pamphilj, considerato un uomo dal carattere difficile e riservato.

Probabilmente fu dipinto d’estate (giustificato dalla veste leggera) mentre Velazquez era in visita in Vaticano e il pittore, per mostrare le sue abilità, avrebbe mostrato al pontefice un ritratto che aveva appena concluso, il Ritratto del suo servitore, Juan de Pareja, oggi al Metropolitan Museum di New York. Dopo che il ritratto fu concluso, secondo varie fonti il Papa avrebbe esclamato: "Troppo vero!".

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Busto di Innocenzo X  (Bernini, 1650-53) 

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Busto di Innocenzo X  (Bernini, 1650-53) 

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Questo ritratto in marmo del pontefice venne eseguito da Gian Lorenzo Bernini come simbolo di riappacificazione con la famiglia Pamphilj in seguito a qualche piccolo malinteso.
Infatti, quando Gian Battista Pamphilj venne incoronato Papa (15 settembre 1644), estese un processo contro la famiglia Barberini (ovvero quella del pontificato precedente, Urbano VIII) in quanto avrebbero dilapidato il patrimonio papale: Bernini, artista preferito dei Barberini, venne coinvolto e per riappacificarsi con il nuovo pontefice fece questo ritratto.

Il busto è realizzato in marmo di Carrara e molto probabilmente è la seconda versione del ritratto poichè, durante l'esecuzione del primo, emerse un'imperfezione della barba. E' possibile che questo errore sia dovuto alla velocità delle imprese berniniane, a sua volta dovuta alla pressione continua che il mercato esercitava sull'artista.

L'espressione del pontefice, incorniciate da alcune rughe d'espressione intorno agli occhi e sulla fronte, è vagamente eroica e costituisce un termine di paragone con il ritratto fatto da Velazquez.
Particolare è l'effetto traslucido che Bernini conferisce al marmo della veste per poter rappresentare al meglio il lino e che fa sembrare altamente reale il busto.

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Salone del Poussin            (Sala d'ingresso)

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Salone del Poussin            (Sala d'ingresso)

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è la sala da cui si accede al palazzo ed è tappezzata di dipinti paesaggistici, la maggior parte dei quali realizzati da Gaspard Dughet, soprannominato Poussin, che da il nome alla sala.

I quadri sono posizionati sulle pareti come elemento decorativo globale, abitudine in voga nel VII secolo, per coprire interamente le pareti perfino negli angoli; vennero commissionati per avere armonia fra loro e rappresentano paesaggi boschivi con poca presenza di elementi figurativi: solamente un paio di quadri infatti presentano animali o persone.

Lo stile di Dughet in questi dipinti si risolve nel paesaggismo eroico, con una perfetta composizione del paesaggio e macchie alberate eseguite con pennellata libera e veloce. Inoltre la coloritura brunastra utilizzata è tipica di quasi tutte le opere dell'artista.

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La Maddalena penitente (Caravaggio, 1594-1595)

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La Maddalena penitente (Caravaggio, 1594-1595)

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è un dipinto olio su tela raffigurante Maria Maddalena: la donna è seduta al centro della scena, con le mani sul proprio grembo e lo sguardo verso il basso, mentre sta facendo penitenza.
SI può notare la presenza di una piccola natura morta, alcuni gioielli ed una boccetta di vetro con del liquido; sommati tra loro, questi oggetti sono molto importanti, poiché simboleggiano il rifiuto del peccato, dell’avidità e della vanità da parte di Maria Maddalena.

La donna che posò come modella per il Caravaggio in questo quadro, fu, Anna Bianchini, una prostituta che il pittore frequentò per un lungo periodo molto nota nell’ambiente romano.
Questa stessa modella venne raffigurata dal pittore in "Riposo durante la fuga in Egitto".

Caravaggio si concentra particolarmente sull'espressione della donna poiché sa bene che è  il volto, il miglior strumento per rappresentare le espressioni; la protagonista rivolge lo sguardo in basso, ricordando Gesù crocifisso, e, guardando con attenzione, si riesce a scorgere una lacrima sulla sua guancia, che conferisce estremo realismo alla figura.

Per quanto riguarda invece l’illuminazione nell’opera, sembra quasi che sia giunto un raggio di sole ad illuminare tutta la stanza, spazzando via le tenebre del peccato che circondavano Maria Maddalena.

La Maddalena che Caravaggio ci fa conoscere si presta però molto bene ad un’altra interpretazione.

È fine ‘500 quando il pittore dipinge Anna nei panni della Maddalena e siamo nel pieno della Controriforma: la Chiesa sta cercando di darsi un tono e di cancellare qualsiasi traccia di peccato presente a Roma e nelle altre città, poiché i Protestanti, con le loro tesi stanno conquistando sempre più fedeli.

La prostituzione a Roma è ormai una piaga: c’è un giro d’affari molto vasto dietro queste donne, e la Chiesa non può più tollerare una condotta del genere; le prostitute ormai sono troppe, e così i pontefici, in questo periodo, cominciano a far punire fisicamente le donne che esercitano questo lavoro.

Con queste premesse, il quadro di Caravaggio assume tutto un altro significato: Anna sta piangendo perché è stata picchiata violentemente.

Le lacrime per il dolore, i suoi orecchini strappati dal lobo ancora arrossato, la collana di perle rotta in tanti frammenti nella colluttazione ed il suo vestito fatto cadere fino alle spalle sono chiari particolari della punizione inferta ad Anna.

Infine, il suo volto abbassato, trasmette quasi una sensazione di “abbandono” nei suoi confronti, come se ormai Anna/Maddalena, dopo l’attacco, fosse lasciata lì, in balia del suo destino.

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Riposo durante la fuga in Egitto (Caravaggio, 1595-96)

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Riposo durante la fuga in Egitto (Caravaggio, 1595-96)

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è un dipinto olio su tela in cui è rappresentata la Sacra Famiglia che si riposa all'ombra della vegetazione in un locus amoenus, mentre in primo piano è presente un angelo che costituisce l'asse visivo centrale della composizione.

Alcuni studiosi ritengono che questo quadro fosse stato realizzato per Girolamo Vittrici, cognato di Prospero Orsi, un grande amico di Caravaggio; dopo la morte di Girolamo, sua sorella vendette il Caravaggio a Camillo Pamphilij, arrivando, di conseguenza nell’omonima galleria.
Altri studiosi, invece, ipotizzano che il dipinto sia frutto della committenza del cardinal Pietro Aldobrandini (nipote di papa Clemente VIII) il quale si dilettava di musica. Tuttavia, nell'Inventatario dei dipinti del Cardinal Pietro non vi è traccia dell'opera del Caravaggio.

I colori sono molto luminosi e permettono una perfetta visione di tutta la scena (elemento molto raro nei quadri di questo artista che solitamente utilizzava il chiaroscuro).

Secondo Maurizio Calvesi, l’artista ha voluto rappresentare un percorso della salvezza per i Cristiani dall'inanimato minerale (il sasso) all'animale (l'asino), all'essere umano (Giuseppe), passando per l'angelico (l'angelo violinista), sino alla meta finale: il divino (la Vergine che abbraccia il Bambino Gesù).

L'angelo è il perno della raffigurazione che divide in due parti distinte la scena: a sinistra il vecchio Giuseppe con elementi di povertà, seduto sulle sue masserizie e con i piedi nudi posati sul terreno scuro, veglia - stanco - reggendo la partitura affinché l'angelo apparso possa leggere e suonare mentre lo fissa estasiato e poi a destra la Vergine con il Bambino che sono circondati da elementi di natura rigogliosa, alludono alla beatitudine

Questo quadro potrebbe essere legato al celebre Cantico dei Cantici, poiché ci sono alcune evidenti somiglianze tra il testo e la scena rappresentata da Caravaggio che, secondo l'interpretazione mariana data dalla Chiesa Cattolica, celebra l'amore mistico dello sposo (Cristo) per la sposa (la Vergine, la Chiesa).

L’angelo di spalle in primo piano sta suonando mentre legge lo spartito retto da Giuseppe, questo presenta i tradizionali attributi divini, ma indossa un piccolo velo che permette di vedere le forme del suo corpo, rendendolo molto simile ad un semplice ragazzo (a parte per le ali).
È un ermafrodito, ovvero una persona che ha delle caratteristiche sia maschili che femminili.
Sul violino che l’angelo sta suonando c’è una corda spezzata, ed è un’allegoria della fragilità della vita, costantemente in bilico tra la povertà (simboleggiata da san Giuseppe) e la Vita Eterna (simboleggiata dalla Vergine ed il Bambino).

Il colorismo e i molti brani di natura morta presenti in questo dipinto e realizzati con estrema verosimiglianza dimostrano l'adesione del giovane Caravaggio alla cultura pittorica lombardo-veneta.

Il mirabile paesaggio sullo sfondo (unicum nella pittura caravaggesca), la cui trattazione (il cielo cupo, nuvoloso e carico di pioggia) ricorda la Tempesta di Giorgione, pur raffigurando uno scorcio della campagna sulle rive del Tevere infatti la natura e il paesaggio svolgono un ruolo simbolico di rilievo: gli elementi naturali accanto all'anziano Giuseppe rimandano all'aridità e alla siccità, mentre la natura ed il paesaggio sono più rigogliosi a destra, dove si trova la Vergine col Bambino.
Ai piedi della Vergine il pittore ha dipinto piante simboliche che alludono alla verginità di Maria (l'alloro), alla Passione (il cardo e la spina della rosa) e alla Resurrezione (il Tasso barbasso).

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Paesaggio con guado (Domenichino, 1605 - 1607)

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Paesaggio con guado (Domenichino, 1605 - 1607)

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è un dipinto olio su tela raffigurante un fiume attraversato da figure maschili e femminili.

La composizione propone grandi quinte arboree, con un borgo antico sul fondo, secondo una formula di stampo classicista.

L'artista compì l’esecuzione ancora sotto lo stretto influsso di Annibale Carracci, dal quale riprende l'idealizzazione del paesaggio.

Rappresenta tre aspetti della vita (passato, presente e futuro).
Sono presenti: una figura statica che è appoggiata ad un albero mentre guarda verso il fiume, al cui interno ci sono due ragazzi in movimento con davanti la testa di un cane sporgente dall’acqua, mentre sulla riva è presente una donna con i suoi quattro figli mentre li indirizza verso il fiume.

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Lunette Aldobrandini (Carracci - Domenichino, 1604)

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Lunette Aldobrandini (Carracci - Domenichino, 1604)

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La serie descrive l’uomo e lo spazio naturale con grande armonia e toni classicheggianti.
Nei primissimi anni del Seicento il pittore ricevette l'incarico dal cardinale Pietro Aldobrandini di realizzare sei dipinti per decorare la cappella privata del palazzo di famiglia. A causa della forma delle pareti, vennero realizzati a lunetta.
Ogni lunetta risulta classicamente bilanciata nella composizione e ricorda edifici antichi, concorrendo alla creazione del cosiddetto “paesaggio ideale”. Si tratta di una concezione eroica e aulica della natura, vista in termini dotti.

Solo il Paesaggio con la Fuga in Egitto e, almeno parzialmente, il Paesaggio con la Sepoltura di Cristo furono realizzati personalmente dal Carracci. Le restanti quattro lunette furono affidate da Annibale ai suoi allievi che lavorarono sulla base di suoi disegni.
La prosecuzione di questa impresa decorativa fu merito soprattutto di Francesco Albani che sostituì il maestro nella titolarità della commessa.
In seguito i dipinti vennero rimossi e la cappella andò distrutta: il Paesaggio con la fuga in Egitto (con le restanti cinque lunette del ciclo) entrò nelle collezioni Pamphilij come parte della dote di Olimpia Aldobrandini, sposa, nel 1647, di Camillo Pamphilij.

Le lunette sono:

1. “Paesaggio con l’Assunzione della Vergine” di Francesco Albani

2. “Paesaggio con la Visitazione” di Francesco Albani e Sisto Badalocchio

3. “Adorazione dei Pastori” di Sisto Badalocchio e Francesco Albani

4. “Paesaggio con l’adorazione dei Magi” di Francesco Albani, Giovanni Lanfranco e Sisto Badalocchio

5. “Paesaggio con guado” di Domenichino

6. “Paesaggio con la fuga in Egitto” di Caracci

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Paesaggio con la fuga in Egitto (Carracci, 1602)

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Paesaggio con la fuga in Egitto (Carracci, 1602)

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è una delle Lunette Aldobrandini e raffigura la Santa Famiglia in un paesaggio idealizzato con una città antica immaginaria sul fondo e che introduce i protagonisti come per caso.

Si riconosce che sia in Egitto grazie ad un piccolo dettaglio raffigurante dei cammelli.
Per la sua interpretazione bilanciata e razionale e per l'idealizzazione della natura, rappresenta una pietra miliare, un archetipo, della pittura di paesaggio del seicento: Si tratta del più tipico esempio di paesaggio ideale in cui ogni singolo elemento naturale viene inserito in una composizione perfettamente calibrata e bilanciata, alla ricerca dell'equilibrio formale e della bellezza idilliaca.
L'effetto ricercato è quello della perfetta fusione sentimentale tra i personaggi sacri, la loro storia e il paesaggio circostante che per questo viene ricreato e ricostruito idealmente anche se mantiene una verità di visione, per la luce, il colore e gli effetti atmosferici.
I personaggi si evidenziano anche per la loro posizione rialzata rispetto allo sfondo.
Gli alberi sulla sinistra sono in penombra e sottolineano le loro sagome tramite un effetto di controluce che permette di vedere oltre in profondità lo specchio d'acqua e l'atmosfera circostante, la loro presenza è perfettamente bilanciata dai due alberi in lontananza sulla destra.
Questo metodo che procede tramite il bilanciamento di singoli elementi lungo le diagonali compositive ricrea artificiosamente il paesaggio secondo l'ideale classicheggiante in voga al tempo.
A chiudere la visione è l'immagine di una città con edifici all'antica, tra i quali si scorge anche una citazione della cupola del Pantheon.

Come è tipico della pittura di Annibale Carracci l'invenzione non è priva di riferimenti alla grande tradizione rinascimentale: infatti era stato colto l'influsso dei bellissimi affreschi di Polidoro da Caravaggio realizzati per la chiesa di San Silvestro al Quirinale, a Roma.

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Doppio ritratto di Andrea Navagero e Agostino Beazzano                    (Raffaello Sanzio,  1516)

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Doppio ritratto di Andrea Navagero e Agostino Beazzano                    (Raffaello Sanzio,  1516)

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è un dipinto a olio su tela di Raffaello.
L'identificazione di Andrea Navagero e Agostino Beazzano, scrittori veneti, non è certa, ma accettata quasi concordemente dalla critica. I due sono effigiati su sfondo scuro in posizioni complementari di tre quarti, uno di schiena con la testa ruotata, l'altro frontale. Entrambi rivolgono lo sguardo allo spettatore ed hanno un braccio poggiato su un parapetto, che coincide pressappoco col bordo inferiore del dipinto. La tipologia del doppio ritratto è insolita ma non rara per l'epoca, ed ebbe ulteriori sviluppi in seguito.
I due sono abbigliati alla moda, con abiti scuri di materiali diversi, uno lanoso e uno di velluto o seta, che permisero all'autore di dedicarsi a un diverso modo di rifrazione della luce. Intensa è l'individuazione fisica: uno ha la barba e gli occhi scavati dall'età, sulla cinquantina, l'altro è leggermente più pingue con un caschetto, occhi sporgenti e mento aguzzo con fossetta e un accenno di doppio mento.

L’attribuzione a Raffaello è sempre stata molto discussa, ma lo straordinario approfondimento psicologico del ritratto viene considerata una conferma per l’autografia.

L'opera apparteneva ad uno di essi, poi passò a Bembo come simbolo d'amicizia.