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Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson.

Escultura gigante construida en 1970 y emplazada en el Gran Lago Salado del desierto de Utah (EE.UU) La obra inicia su desarrollo en la orilla del lago y penetrando en él, crea una espiral en sentido Como toda obra perteneciente al , está fuertemente sometida a los agentes climáticos, hecho previsto
para cuya realización se utilizaron 5.000 toneladas de bloques de basalto negro.

contrario al de las agujas del reloj, dejando entre las líneas de piedra un doble pasillo en la arena.

por los artistas realizadores de este arte (en este caso Robert Smithson) que desde un principio
saben que la duración de su obra será limitada.

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El Land art es una corriente del arte contemporáneo que utiliza materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua...) así como el marco del paisaje natural para desarrollar sus obras artísticas. Una corriente que comenzó a gestarse en los años sesenta con algunas obras realizadas en los paisajes desérticos del Oeste de EE.UU en lo que parece que fue una respuesta por parte de algunos artistas al rentabilísimo negocio en el que se había convertido el mundo del arte y su manera de valorar el objeto artístico únicamente como objeto canjeable y no por su valor artístico.

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Rift 1 de Michael Heizer

El lago Jean Dry, al sur de Las Vegas, ha absorbido totalmente Rift 1 (1968), primera de obras
realizada por Michael Heizer de su serie Nine Nevada Depressions

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Nombres como Robert Smithson, Michael Heizer, Denisse Openheim o Richard Long fueron pioneros de esta corriente artística que interactúa con el medio ambiente alterando o transformando el paisaje con fines estéticos, en la búsqueda de producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a la naturaleza, a la obra. Unas obras expuestas a los elementos y sometidas a la erosión natural por lo que desde su planteamiento cuentan con un carácter efímero.

South Bank Circle, de Richard Long (1991)

Richard Long consiguió fama internacional durante la década de los setenta con
esculturas hechas como resultado de sus caminatas épicas, que lo llevaron a través de las zonas rurales
y remotas de Gran Bretaña,o por lugares tan distantes como las llanuras de Canadá, Mongolia y Bolivia. Guiado
por un gran respeto por la naturaleza y por la estructura formal de las formas básicas, Long
nunca hace alteraciones significativas en los paisajes que atraviesa. En su lugar, marca el suelo o ajusta los
accidentes naturales de un lugar, levantando piedras, por ejemplo, o haciendo trazos simples. Por lo general
trabaja en el paisaje, pero a veces como enSouth Bank Circle, pieza expuesta en la Tate Liverpool
utiliza materiales naturales en la galería.

Una manera de entender y crear el arte perfecta para trabajar con nuestros niños mostrándoles caminos en los que crear a través de la interacción con el medio ambiente. Nuestros niños aprehenderán de la naturaleza y de sus múltiples posibilidades de creación, construyendo a partir de ella. Como dice Tania Abril en Land Art en Infantil:

"Los niños creativos no sólo son aquellos que dibujan con espontaneidad, que realizan trabajos intuitivos desde el punto de vista del adulto también son aquellos que ordenan realidades conocidas y las transforman en otras realidades más ricas, más complejas y más efectivas."

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Imagen sacada del blog decopeques

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Os dejo algunas de las opciones que más me han interesado de lo que he visto en la red y que tienen como objetivo trabajar con nuestros chavales desde la naturaleza y con ella como material. La inmensa mayoría son intervenciones en el espacio de la naturaleza que utilizan los recursos que tienen a su alrededor para crear la obra de arte.

En el blog Babytribu (pinchad aquí) encontraréis un artículo con 6 estupendas propuestas con los que podréis trabajar esta corriente artística con los más pequeños.

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La idea, por supuesto, si no tenéis la posibilidad de intervenir un espacio, podéis llevarla al aula. En este sentido el libro del que ya os hablamos hace tiempo, (aquí) es una excelente propuesta.

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Siguiendo esta estela de crear únicamente con materiales de la naturaleza os cuento un proyecto en el que los tres miembros que componemos la familia Ramos Zugasti -Sofía, Miguel y yo- nos embarcamos en unas vacaciones en Almería. Por aquel entonces estábamos fascinados por los monstruos mitológicos y decidimos ilustrar cada una de nuestras historias en las que un monstruo era el protagonista únicamente con los materiales que encontrábamos cada día camino de la playa. Así una preciosa piedra ovalada y multitud de ramitas nos sirvieron para dar forma a Medusa; el León de Nemea tenía por caballera petálos de flores; Cancerbero lo hicimos con las ramas de una palmera... así hasta trece. Solamente conservo dos: El León de Nemea y Escila, mi preferida, un gran remolino hecho con hojas alargadas a la que el paso del tiempo le ha hecho perder un ojo. Prometo otro día mostraros las fotos.

Buen fin de semana.

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ARTE PARA NIÑOS: Land art o como crear con y en la naturaleza.

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El Land art es una corriente del arte contemporáneo que utiliza materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua...) así como el marco del paisaje natural para desarrollar sus obras artísticas. Una corriente que comenzó a gestarse en los años sesenta con a

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A lo largo de la historia del arte el paisaje ha sido una temática que ha llegado a ser infravalorada en ocasiones. Sin embargo, diferentes artistas contemporáneos se han basado en él aportándole protagonismo al utilizar la naturaleza como medio de sus obras. El Land Art surgió como vía de escape al comercialismo y buscando un entorno expositivo que estaba sin explotar hasta el momento.

La valoración de las obras de arte se ha visto influenciada por los temas representados. Durante gran parte de la historia del arte, el paisaje ha sido una temática con una valoración inferior a otras; siendo necesario el uso de diferentes recursos para justificar este tipo de representaciones. Sin embargo, no es hasta la llegada del Romanticismo y, posteriormente durante las primeras vanguardias, con la del Impresionismo cuando se revaloriza esta categoría que había sido rechazada tras un largo período de tiempo. No obstante, con la formación de otros movimientos y sus respectivas investigaciones, el paisaje queda nuevamente relegado como temática o representación.

Entre otras corrientes que cuestionan la materialidad de la obra de arte, surge el Land Art en torno a la década de 1960 y 1970, buscando una vía de escape y ante el cuestionamiento del comercialismo que se estaba produciendo sobre las obras de arte contemporáneo. El paisaje pasa de ser un elemento de representación, que aparece como protagonista o elemento secundario en la obra, a elemento fundamental y soporte sobre el que intervenir directamente.

Coetáneamente a las manifestaciones que caracterizan a los años 60 y 70 surgen diversos movimientos sociales fundamentalmente en Estados Unidos y Europa occidental. Entre los cuales podemos destacar el movimiento ecologista, que busca la defensa del medio ambiente. El Land Art tiene sus orígenes entre Estados Unidos e Inglaterra, con una extensión al resto de Europa tras su popularización. De este modo podemos considerar que el movimiento ecologista pudo tener cierta influencia en algunos de los artistas relacionados con el Land Art. Robert Smithson en 1967 realiza un retrato de su ciudad natal, a través de la serie de fotografías Monumentos de. Passaic, donde no triunfó el porvenir industrial que había sido esperado años atrás, dando lugar a ruinas que fueron captadas por Smithson de una forma equivalente a como representaron los románticos el paisaje y la arquitectura decadente.

Sin embargo, a pesar de que los artistas son conscientes de estos procesos de peligro y destrucción que se están llevando a cabo en la naturaleza, como consecuencia de los procedimientos industriales, no todos se ven afectados por esta preocupación y es por ello que, mientras unos utilizan esta manifestación como una reivindicación de forma no violenta, otros se limitan al interés personal de investigar en un campo que no había sido explotado hasta el momento. Al mismo tiempo, no todos los artistas se sentían identificados dentro de esta actividad artística[1] aunque hoy en día estén considerados como representantes fundamentales, y es que, a pesar de las similitudes que podemos encontrar en ocasiones, al tener en cuenta solo la obra final -momento en el que podemos cuestionar la similitud en función de las características estéticas de la obra-, los planteamientos que tienen algunos artistas para la concepción y la consideración de la obra en sí misma marcan la diferencia.

La característica principal de las obras, que podemos englobar en el Land Art, es que están relacionadas directamente con la naturaleza y el entorno que las rodea; siendo tan diversas como las ideas que les pueden surgir a los artistas que se engloban en esta disciplina. Tal y como indica Gómez Martín, debido a la carencia de un manifiesto artístico cada artista tendrá un exponente diferente "en la particular relación que. establece cada artista con la naturaleza"[2], no obstante, ante la gran variedad de posibilidades que pueden surgir en relación a este tipo de obras, cada artista mantendrá la búsqueda en su línea de investigación durante su trayectoria hasta la extenuación. Sin embargo, las obras que relacionamos con esta actividad artística, se caracterizan no sólo por utilizar el entorno natural sino por alterarlo en mayor o menor medida. Por lo general son obras de proporciones monumentales, sin embargo, aunque se lleguen a utilizar materiales o elementos naturales es necesaria herramienta y maquinaria industrial para llegar a materializar las ideas de los artistas. Debido a esta cuestión, también observamos que, por lo general la producción de la obra de arte se prolonga en varios años desde el comienzo hasta que el artista la da por finalizada.

Desde el punto de vista formal, como indica Raquejo[3], podemos ver como los artistas tienen en común el uso de formas geométricas simples. Mientras que Raquejo hace hincapié en la relación de este tipo de representaciones basadas en las formas utilizadas en el arte prehistórico, teniendo en cuenta la procedencia de los artistas, podemos considerar que los autores del Land Art están más influenciados por otros movimientos más cercanos a ellos, como son el Minimalismo o el Arte Pop, a los cuales algunos pertenecieron antes de comenzar con obras que actualmente englobamos en la actividad que estamos revisando. Observamos como las formas más utilizadas van desde la línea, hasta la espiral, pasando por el círculo y el cuadrado, llegando a crear obras con formas geométricas tridimensionales. Sin embargo, en ocasiones, las formas se limitan a las propias de la naturaleza, es decir, de los materiales que se están utilizando y no se manipulan en gran medida. Observamos el uso de tierra, piedras, arena, rocas, madera, e incluso, raíces.

Mientras que algunos artistas se centran, como clasifica Maderuelo, a "Marcar el. lugar, tallar el suelo, ocupar el espacio o transformar el territorio"[4], otros en ocasiones van más allá de estas finalidades, ya que aportan el valor artístico no sólo al resultado sino también a la acción que realizan; como medio para la obtención de dichos efectos que actualmente consideramos dentro del Land Art. A pesar de esta forma de englobar, distinguimos que además de la finalidad, el método de realización de la obra también es diferente y vendrá determinado por la idea que el artista quiera materializar; es por ello que los materiales que son utilizados en estas obras no siempre son los mismos. Podemos distinguir entre el empleo de materiales de la naturaleza y los materiales industriales u obtenidos mediante un proceso industrial. El uso de materiales de la propia naturaleza e incluso la inmaterialidad al utilizar el paisaje en sí mismo, para que formen como parte de la obra, determina una diferente durabilidad respecto a cuando se incorporan materiales de un origen industrial; sin embargo, podemos encontrar todas estas variantes. La perdurabilidad es un aspecto importante en las obras de Land Art, sobre todo cuando esta ligado al comportamiento y a la evolución de estos elementos ante los fenómenos climáticos, cuestión que también interesó a distintos artistas. Mediante el aspecto de los materiales, el grado de intervención y la durabilidad también podríamos hacer una clasificación de las distintas obras.

Richard Long, A line made by walking, 1967. Noddboee

En una época, donde la acción en sí misma estaba comenzando a tomar presencia en el ámbito artístico, observamos el caso de Richard Long, que cambia la localización del Happening o Arte de Acción, fundamentada generalmente en las galerías para trasladarlo a la naturaleza. Mediante estas piezas evidenciamos la importancia que toma la acción de andar por el territorio, al incluir la palabra Walking en muchos de los títulos de sus obras. Del mismo modo que en otras piezas de estas características, el artista lleva a cabo el registro de la obra mediante la fotografía. Tomando como referencia la obra A line made by walking de 1967, observamos lo que el propio título indica, una línea recta creada al andar. No observamos al artista en dicha acción sino el resultado obtenido tras el proceso, una línea perfecta en un campo que aporta veracidad y trascendencia a la acción. Richard Long mantiene el binomio técnica-título hasta la actualidad para indicar explícitamente el método de realización y la importancia que adquiere este método en sí mismo, que es considerado obra de arte; como también podemos percibir en Cut daises de 1968 o una obra posterior de 1988 titulada Dusty boots line. Este tipo de obras las podríamos catalogar como primer grado de intervención o intervención leve. La perdurabilidad de este tipo de obras es baja debido a la mínima intervención sobre el paisaje, sin embargo, este tipo de recursos, fueron muy utilizados por otros artistas para realizar otro tipo de marcas sobre el territorio, aunque a diferentes escalas. Un caso similar al de Richard Long es el de Dennis Oppenheim, con sus Snow projects, donde podemos englobar la obra de 1968 Annual Rings, en la cual no sólo toma parte el territorio, sino también la estación en la que se encuentra. Utiliza la nieve como material para ejecutar la acción de andar y dejar su huella tan efímera como el propio elemento. A pesar de ser necesaria la maquinaria industrial, podemos mantener la obra de Walter de Maria en esta categoría. Con una idea más ambiciosa el artista realiza en 1969 Las Vegas piece, donde es necesario el uso de una máquina Bulldozer para poder llevar a cabo dicha obra, basada en la consecución de líneas zigzagueantes y paralelas.

Aumentando en el grado de intervención sobre el paisaje, tendríamos las obras de segundo grado o intervención moderada. Podemos encontrar obras que realizan modificaciones en los lugares seleccionados utilizando elementos que los artistas encuentran en ese mismo entorno como Road Stone line (2010) de Richard Long para la cual recoge piedras que están a su alcance para marcar aspectos que caracterizan ese site specific; otros materiales utilizados son tierra, madera, etc. Andy Goldsworthy presenta sus obras sobre lagos, los cuales mediante el efecto óptico completan la figura que comienza construyendo, creando unas obras totalmente poéticas, como es el caso de la obra de 1979 Forced sticks in water. No obstante, en base a otros planteamientos comienzan a utilizarse elementos no naturales y de origen industrial; como el hormigón, asfalto, etc. El uso del asfalto permite distintas aplicaciones, según la idea a materializar, como por ejemplo podemos diferenciar en las obras Asphalt. Rundown (1969) de Robert Smithson o Identity Strecth (1970) de Dennis Oppenheim. Mientras que Smithson derrama asfalto, dejando que se produzca el mismo efecto que el de la lava de un volcán -para cubrir un montículo de escombros-, Oppenheim aplica el asfalto de forma premeditada para dejar marcado ese lugar, confeccionando su huella y la de su hijo, como si el terreno se tratase de una hoja de papel.

La intervención de los espacios sigue en aumento llevando a cabo ideas que modifican en gran medida el paisaje llegando a transformar la orografía, clasificando a estas en el tercer grado o intervención grave. Ante estas intervenciones las técnicas aplicadas incluyen la excavación o la adición de tierra. Michael Heizer y Robert Smithson intervienen de esta forma para crear Replaced Mass y Broken. Circle respectivamente. Se crean formas en la naturaleza que tienen poco que ver con las formaciones que pueden darse de modo natural. Sin embargo, la orografía no se ve afectada en gran medida. Además, en estas intervenciones vemos que no solo se produce la excavación o la adición de la materia, sino que se añaden elementos de grandes dimensiones; como piedras, que pueden haber sido encontradas durante estos procesos. Casos como la Spiral Jetty aportan mayor cambio, por el hecho de que la obra se introduzca de una forma más abrupta sobre el lago en el cual se encuentra, además de la gran innovación que suponen este tipo de obras.

Mientras que algunas de las obras monumentales nos pueden recordar a las obras de culturas primitivas, las que tienen una relación más directa con el propio paisaje y están realizadas a una escala inferior, tienen mayor relación con el minimalismo, debido al uso de formas geométricas puramente perfectas y a la repetición de los elementos dentro de la misma obra siguiendo un patrón. A pesar de esta similitud el objetivo es diferente, como podemos apreciar en la obra del artista Walter De Maria Lightning Field de 1977, donde observamos la composición de 400 postes de acero exactamente iguales dispuestos sobre un campo. Sin embargo, en este montaje no tienen la categoría de obra hasta que no entran en juego los fenómenos climáticos, y concretamente en este caso, los rayos; ya que De Maria utiliza la disposición de este tipo de postes para la búsqueda y atracción de este fenómeno natural. Este artista realiza el registro fotográfico en este momento de máxima actividad y es lo que posteriormente expone en las galerías. De esta forma, observamos que los artistas del Land Art también buscan la exaltación de la naturaleza, utilizando recursos necesarios en función del elemento que quieran subrayar.

Al mismo tiempo se ocuparon otros espacios, más relacionados con los lugares de culto primitivos. Bien es cierto que, algunas de las representaciones nos recuerdan a las construcciones que realizaban los prehistóricos y que al parecer, los artistas del Land Art retoman como método de redescubrimiento y contemplación del entorno, creando estos nuevos templos en honor a la naturaleza y a los órdenes cósmicos. Este es el caso de algunas de las obras monumentales de Robert Morris y Nancy Holt, como por ejemplo Observatorio, 1970-77 y Sun Tunnels, 1973-76 respectivamente, a través de las cuales podemos recordar construcciones similares a las de Stonehenge, en las cuales apreciamos la importancia que tiene el entorno e incluso el sol, al entrar en juego con los elementos añadidos de forma premeditada en estos espacios que también adquieren un valor cercano a lo sagrado. El sol se relaciona directamente, sobre las esculturas de Nancy Holt, creando formas que se van modificando con el trascurso del día.

Aunque comenzamos a ver como se realizan modificaciones importantes en el paisaje, los artistas no se conforman con estas actuaciones y van incluso más allá; continuando en esta línea. Llegando, como indica Maderuelo, a "ocupar" los espacios. Este tipo de intervenciones las podemos considerar de cuarto grado o intervención severa. Christo y Jeanne-Claude desde 1968 se adueñaron de los elementos realizando sus empaquetados a gran escala de monumentos, edificios e incluso elementos naturales. De esta forma el espectador tan solo puede contemplar las formas resultantes eliminando el resto de elementos que le pueden distraer. Sin embargo, la ocupación de los espacios llegó, no solo a lugares más o menos sencillos como lagos o campos, sino también a otros más escabrosos como volcanes y mesetas, como podemos comprobar por las obras de James Turrell Roden Crater y Double Negative de Michael Heizer, donde la excavación se produce directamente en la roca de estos parajes, obteniendo nuevas lecturas de estos paisajes.

Ante este nuevo tipo de planteamiento, las obras buscan la experimentación no solo de materiales y nuevos postulados, sino también, de los lugares y los métodos de investigación; ya que los artistas salen de sus estudios para crear y de las galería para exponer. A pesar de que el Land Art comienza a finales de la década de los 60 y sigue su evolución durante unas décadas más, su actividad no se limita a estas fechas. Algunos artistas siguieron explorando hasta el límite, como es el caso de Richard Long que en la actualidad continúa realizando obras de estas características y con los mismos planteamiento que en los años 70. En el territorio español algunos artistas también sintieron interés en esta línea de investigación artística; como es el caso de los artistas vascos Agustín Ibarrola y Eduardo Chillida.

Debido a ser obras que están dispuestas en lugares públicos, pertenecientes a las instituciones o por estar planteadas en entornos protegidos no siempre es posible realizar las obras agusto del artista. Numerosas obras planteadas concienzudamente no pudieron ser realizadas debido a estas cuestiones. Como es el caso del Proyecto. Tindaya propuesto por Eduardo Chillida en 1994. A diferencia de este proyecto sin realizar, Ibarrola comenzó pintando el Bosque de Oma en 1988, siendo necesaria la compra del terreno por la Diputación Foral de Bizkaia en el año 1990 para que dicha obra tuviese una protección institucional.

Esta disciplina efímera por origen suele tener una durabilidad en el tiempo limitada. Observamos como en función del grado de intervención que se realiza, según lo comentado anteriormente, la obra tienen una perdurabilidad variable. Es por ello que determinamos que a mayor grado de intervención la obra de arte tiene una mayor perdurabilidad; como podemos observar en base a la práctica. Es cierto, que en ocasiones las obras eran creadas para un tiempo determinado, y pasado este período son desmontadas incluso por los propios artistas. Sin embargo, las que no tienen esta intención sufren los efectos de una exhibición en el exterior al estar totalmente desprotegidas.

Como método de solución ante estos problemas los artistas consideraron imprescindible el registro de sus obras, una vez más, mediante fotografía y vídeo. Aunque estos registros tengan un valor estético y se encuentren en soportes totalmente aceptados actualmente como para ser considerados obras de arte, su finalidad a la hora de la creación no fue esta y, es por ello que, no hay que caer en la malinterpretación. A pesar de haber sido considerados elementos artísticos, el valor con el que se deben de tener en cuenta estos registros es el de ser los únicos elementos que atestiguan las acciones que fueron realizadas y los resultados obtenidos; que no se han podido conservar de forma material. Ya sea valorado por parte del artista el proceso o el resultado, en ninguno de los casos podría ser elevado a obra de arte el registro. A pesar de la contrariedad, los artistas utilizaron nuevamente los métodos tradicionales de exhibición, es decir, los museos y las galerías para mostrar las intervenciones que habían realizado en los sites-specifics. Por lo que siguen siendo dependientes de los museos, galerías e instituciones privadas para poder mostrar este tipo de arte. En relación a los métodos de exhibición tradicionales Robert Smithson dijo "Cuando una obra de arte se coloca en. una galería pierde su carga y se convierte en un objeto portátil o una superficie. desvinculada del mundo exterior".

En estas muestras el material que aportaban consistía en su mayoría de dibujos, planos, fotografías y vídeo. Algunos de estos artistas, además de este tipo de registros, realizaron las denominadas Earthworks -obras de menor tamaño, que en ocasiones recuerdan a las que podemos encontrar en plena naturaleza- compuestas por los mismos tipos de materiales. A través de estas obras se solucionaron los problemas de conservación, así como, la falta de valoración producida por la falsa consideración de ser necesaria la exposición en una galería o museo de la obra para poder ser considerada obra de arte.

A través del Land Art exploraron nuevos métodos de exhibición, aunque en primer lugar podamos pensar que nos encontramos ante obras que pueden llegar del mismo modo a cualquier persona, ya que no se encuentran en los entornos que pueden considerarse elitistas -debido a que están en relación con el medio ambiente-, los críticos comentaron la falta de logro de este objetivo al no ser tan sencilla la contemplación de las obras de arte. En ocasiones no sólo son necesarios medios exclusivos para su perfecta contemplación, ya que al ser obras monumentales son necesarias perspectivas inusuales, sino que además, teniendo en cuenta que nos encontramos ante obras que son creadas para un emplazamiento concreto, no siempre es posible el acercamiento a este tipo de arte. Desiertos, lagos y cumbres fueron los emplazamientos preferidos, denotando de esta forma el interés de los artistas por una contemplación solitaria de estos espacios naturales, fuera de las aglomeraciones de los museos y exposiciones.

Portada: Agustín Ibarrola, Línea bidimensional destruyendo la ley de la perspectiva, 1988 © Daniel Blanco Alcalde
Bibliografía:

GOMEZ MARTIN, L. J. Breve introducción al Land Art. Revista de Claseshistoria. Nº47. 29 Septiembre 2009. ISSN 1989-4988.

MADERUELO, J. Marcar, ocupar, tallar y transformar el territorio. @pha.Boletim nº 3 "A Paisagem" Junio 2006. Lisboa: APHA - Associação Portuguesa de Historiadores da Arte, 2006. ISSN 1646-4680.

SAN MARTÍN, F. J. "Últimas tendecias: Las artes plásticas desde 1945" En: RAMÍREZ, J.A. (Dir) Historia del arte. El mundo contemporáneo. Vol.4. Madrid: Alianza, 1997. p. 337-393. ISBN: 84-206-9484-3.

RAQUEJO, T. El arte de esculpir el planeta: la geología y el Land Art Tierra y tecnología, nº 39, XX-XX. Primer semestre de 2011.

RAQUEJO, T. Land Art. Donostia: Nerea, 1998.

Para saber más:
[1] RAQUEJO, T. 2011, p. 85. Hace referencia a la consideración que tienen los propios artistas del movimiento en sí mismo. No lo consideran ni un movimiento ni un estilo al no tener programas ni manifiestos artísticos.

[2] GOMEZ MARTIN, L. J. 2009. p. 3.

[3] RAQUEJO, T. 1998. p. 24.

[4] MADERUELO, J. Lisboa, 2006. Título utilizado para la publicación sobre el Land Art en el boletín de APHA.

Conservador-Restaurador. Licenciado en Bellas Artes (UPV/EHU). Máster Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo en la misma Universidad (cursando). Experiencia profesional en los departamentos de Conservación y Restauración de los principales museos e instituciones del País Vasco.

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Land art: la naturaleza como lienzo del paisaje - Mito | Revista Cultural

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A lo largo de la historia del arte el paisaje ha sido una temática que ha llegado a ser infravalorada en ocasiones. Sin embargo, diferentes artistas contemporáneos se han basado en él aportándole protagonismo al utilizar la naturaleza como medio de sus obras.

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Instalaciones y happenigs arte contemporáneo en la educación artística

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ARTE CONTEMPORANEO Y LA ESCUELA INSTALACIONES - PERFORMANCE- JUEGO Yamile Olivas

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Inicio hoy en el blog un nuevo tipo de entradas para mostrar trabajos realizado por mis alumnos en alguna de las asignaturas que imparto. En este caso, quiero referirme al trabajo realizado por el grupo de 3º de Magisterio de Educación Primaria del Centro Universitario Cardenal Cisneros en la asignatura cuatrimestral Educación Artística y su Didáctica (curso 2011-12). Pienso que tanto el resultado como el proceso de trabajo y todo lo que aprendimos en él justifican el interés por compartir esta experiencia.

La propuesta, enmarcada en el trabajo-proyecto final de la asignatura, se basó en diseñar una instalación para llevar a cabo en cualquiera de los espacios de nuestro centro. La premisa era que esa instalación debería tratar de algún problema o asunto relacionado con la vivencia del espacio educativo, es decir, que deberíamos reflexionar, a través del arte, sobre el sentido, las experiencias, la memoria, los usos o los significados que estos espacios tenían para nosotros o para cualquiera de las personas que los usaban. Partimos del estudio de artistas contemporáneos que trabajan la instalación para después generar propuestas personales aplicadas a nuestro contexto.

Creo que la instalación puede ser un excelente medio para pensar de forma crítica y creativa sobre el significado de los espacios escolares y también un medio para actuar sobre ellos y transformarlos.

Las diferentes propuestas recogieron diversos enfoques, algunos más críticos, otros más participativos, más sensoriales o más intimistas que paso detallar:

El trabajo de Sergio Álvarez, Maribel Martín, Carlos y Alberto Santa-Daría, consistió en plasmar visualmente las emociones que distintos lugares como el aula habitual, la cafetería, la biblioteca, la entrada, generaban en los estudiantes. Crearon un pequeño cuestionario basado en cinco emociones: alegría, tristeza, aburrimiento, sopresa y enfado y preguntaron a sus compañeros. Para la representación visual de las emociones utilizaron un recurso simbólico como el emoticón y pegatinas para adherirlos al suelo. El número de respuestas dadas por los alumnos se trasladó proporcionalmente al tamaño de cada símbolo y éstos se situaron en el suelo de las entradas a estos espacios.

La propuesta de Gloria Madrigal, Estefanía Martín, Mª José Machuca, Gema García y Victoria Luque consistió en preguntar a los estudiantes de la Escuela por un recuerdo especial asociado a los espacios del centro. Cada respuesta se escribió en una tira de papel, tiras que fueron introducidas en globos de helio. El conjunto de los globos, cada uno de ellos con una experiencia o recuerdo en su interior se situó en un pasillo, a diferente altura, creando un espacio lúdico y una metáfora de la memoria compartida al mismo tiempo. Simultáneamente se presentaron escritas todas las ideas plasmadas en uno de los paneles informativos.

Álvaro Roche, Marta Gil, Juan Manuel Obispo y Alba Navarro, propusieron una reflexión sobre la profesión docente centrándose en el espacio del aula como lugar en el que se piensa sobre el significado de la misma y en el que se transmiten valores, ideas, roles y métodos. Su instalación consistió en una mezcla de sonido e imagen. Mientras por los altavoces del aula sonaba el sonido real de un patio escolar de primaria durante un recreo, sobre la mesa del profesor se proyectaban frases alusivas a la educación de distinto tipo, algunas provocadoras otras con una intención más de despertar la actitud crítica, pero destinadas a generar la reflexión en el espectador. El contraste entre el sonido del patio, el aula y los textos, resultaba bastante inspirador.

Susana Castro, Ana I. Mercado, Carmen Mora y Rosa Delfín propusieron una reflexión sobre el ámbito de lo privado y lo público y sus interacciones en el espacio cotidiano. Para ello introdujeron una cama real, una mesilla de noche y una serie de objetos personales en uno de los pasillos. Los objetos hacían referencia a aspectos de la vida del estudiante, mientras que se enlazaba la idea del sueño con las diferentes significados de esta palabra en relación al futuro y sus incertidumbre laborales o a las ilusiones puestas en los estudios.

Silvia Luque, Alexandra Mesa y Roberto Ramos eligieron los pasillos como metáforas de la interacción entre los estudiantes. Mediante un lenguaje de flechas de colores, combinadas con huellas, se trató de plasmar los itinerarios y recorridos en las aulas y el pasillo del claustro central para, de forma simbólica, dejar constancia del paso del tiempo y de esa susperposición de relatos que son las experiencias de todos los que han pasado por estos lugares.

Laura Cristóbal y Cristina Lorenzana plasmaron simbólicamente, usando fotos personales, la transición que suponía el proceso de cambio de estudiante a profesor, representado metafóricamente por el uso de dos sillas, una de aula de infantil y otra una silla de la mesa del profesor de nuestro centro, en ese recorrido las fotos con elementos significativos de esa vida estudiantil eran enlazadas mediante hilos entre los dos extremos.

Finalmente, Alba de Miguel, Silvana Jado, Paula Pérez de Eulate y Marta Sánchez, propusieron una experiencia sensorial diferente de un espacio como la escalera de subida al primer piso. Las hojas con las que cubrieron los peldaños, además de proporcinar una experiencia muy diferente de un lugar habitual, se referían simbólicamente a la metamorfosis que supone para los estudiantes estos años de formación, uniendo así el objeto escalera con su valor metafórico a esta idea plasmada por las hojas

Se recogieron por escrito las impresiones del público sobre cada una de las obras, que en general fueron muy satisfactorias y que nos sirvieron como una herramienta importante para la evaluación y valoración posterior de la experiencia. El público destacó la transformación creativa, sensorial o lúdica del espacio habitual, la idea de usarlo como elemento educativo, la posibilidad de dar cabida a los sentimientos, a la crítica, a los recuerdos o las ideas de los estudiantes por medio del arte, etc.

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Instalaciones artísticas en espacios educativos: una experiencia

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Inicio hoy en el blog un nuevo tipo de entradas para mostrar trabajos realizado por mis alumnos en alguna de las asignaturas que imparto. En este caso, quiero referirme al trabajo realizado por el grupo de 3º de Magisterio de Educación Primaria del Centro Universitario Cardenal Cisneros en la asignatura cuatrimestral Educación Artística y su Didáctica (curso 2011-12).

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El Mambo presenta la muestra 'Diálogos con la colección'

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La exposición, curada por María Elvira Ardila, estará abierta al público hasta el 4 de diciembre. | Arte y teatro | ElTiempo.com

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Uploaded by Benedicto Ruiz on 2014-02-19.

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Sitio-instalación concreta por Dan Flavin, 1960, Menil Colección

La instalación artística, el arte instalación o el instalacionismo, es un género de arte contemporáneo que surge en la década de los años 1960 en la idea de que la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Es parte del arma experimental artística, puede ser temporal y se puede representar en cualquier espacio. Una instalación se realiza en un contexto y espacio determinado.​ Por definición, tiene una duración determinada y, por ende, entra dentro de lo que se conoce como arte efímero. En la mayoría de los casos permite una interacción activa con el espectador.

La intervención artística de espacios es una manifestación propia del arte contemporáneo conceptual. El artista propone el concepto dentro de un contexto dado; las instalaciones pueden presentarse en cualquier espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios físicos, visuales o sonoros, incluso en ocasiones intervienen otras disciplinas artísticas como la fotografía, el videoarte o la performance. Se utiliza cualquier medio para crear una experiencia de interacción con el espectador, para despertar sentimientos o reflexiones. Se motiva la percepción sensorial en cualquiera de los sentidos, ya sea vista, oído, gusto, tacto u olfato.

La instalación artística no solo es el montaje y el ordenamiento de objetos producidos o intervenidos en un espacio o ambiente; las instalaciones tienen sentido en las ideas fundamentadas que concibe y presenta el artista en su obra física o intangible y lo que estas provocan en la interacción con el espectador. La completa experiencia estética es parte fundamental de la instalación,​ a diferencia de obras que se ubican en una sala.

Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visual o espacial en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el espectador y este puede interactuar con ella. Las intervenciones en espacios naturales que incorporan el paisaje como parte integrante de la obra suelen enmarcarse en el denominado Land Art o arte de la tierra.​

Pueden incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o incluso energía pura como el plasma.

Algunas instalaciones son sitios específicos de arte ( site specific), creados para existir exclusivamente en el espacio para el cual fueron montados.

Se han señalado como los orígenes de este movimiento a artistas como Marcel Duchamp y su uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística; también forman parte de los antecedentes de la instalación el collage (bidimensional) y el assemblage (ya tridimensional y) cubistas y contemporáneos al dadá. Artistas tan diferentes como Helio Oiticica, Bruce Nauman, Joseph Beuys, Daniel Buren, Wolf Vostell, Nam June Paik, Marcel Broodthaers o Antoni Muntadas son artistas que han trabajado la instalación.

Allan McCollum, The Shapes Project, 2005/06

Wolf Vostell, Fiebre de Automóvil, 1973, Instalación, Museo Vostell Malpartida

Julio Hernández, Chile, 2016, Teatro de los mineros del carbón, Lota

Vasiliy Ryabchenko, "Big Bembi", installation, barrels, linear lamps, deer horns, 1994

1. Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. "Instalación". Glosario del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile.

2. Baltzer, Willi y Alfons W. Biermann: Treffpunkt Parnass Wuppertal 1949-1965. Rheinland-Verlag, 1980.

3. Sánchez Argilés, Mónica. "La instalación en Mexico 1970-2000". Alianza Editorial. 286 págs. Madrid. 2009. ISBN 9788420683874

Ferriani, Barbara. Ephemeral Monuments: History and Conservation of Installation Art. Los Angeles, Getty Publications, 2013. ISBN 978-1-60606-134-3.

Mondloch, Kate. Screens: Viewing Media Installation Art. University of Minnesota Press, 2010. ISBN 978-0-8166-6522-8.

Reiss, Julie H. From Margin to Center: The Spaces of Installation Art. MIT Press, 2001. ISBN 0-262-68134-X.

Rosenthal, Mark. Understanding Installation Art, St. Gallen, 2005.

Sánchez Argilés, Mónica. La instalación en México 1970-2000. Alianza Editorial. 286 págs. Madrid. 2009. ISBN 9788420683874.

Suderburg, Erika. Space, Site, Intervention: Situating Installation Art. Minneapolis London, University of Minnesota Press, 2000. ISBN 0-8166-3159-X.

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Instalación (arte) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La instalación artística, el arte instalación o el instalacionismo, es un género de arte contemporáneo que surge en la década de los años 1960 en la idea de que la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Es parte del arma experimental artística, puede ser temporal y se puede representar en cualquier espacio.