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Los alumnos desarrollaran una conclusión sobre lo trabajado en clases como si fuera un storytelling, es decir una breve y sencilla descripción que de cuenta del conocimiento abordado, pero que además deberán incorporar la realización de un retrato de algún compañero de acuerdo a los estilos trabajados.
El formato puede ser una historieta, una filmación, una fotosecuencia,  entre otras posibilidades.

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Articulo de la Nación que habla sobre el significado de la obra

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Articulo de la Nación que habla sobre el significado de la obra

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La obra del noruego Edvard Munch se convirtió en un símbolo de la angustia, pero ¿qué significa?

OSLO, Noruega.- "El grito", la obra maestra de Edvard Munch, se convirtió en un símbolo mundial de la angustia que aparece multiplicado en reproducciones, inscripciones en camisetas, muñecos inflables y una multitud de objetos, además de causar un debate incesante entre los expertos.

¿Pero exactamente qué está haciendo esa figura surreal en la pintura, agarrándose la cabeza con los brazos y abriendo la boca: grita o acaso oye un alarido?

Aunque el público general parece seguro de que grita, los expertos no están de acuerdo. Se avivió el interés en las obras del maestro noruego con el reciente robo de tres de sus piezas en Noruega, siete meses después que "El grito" y otra obra maestra, "Madonna", fueron robadas en un museo de Oslo.

La obra maestra de Munch, extraída de la página del museo.

Las obras más recientes, una acuarela y dos impresiones, fueron recobradas por la policía al día siguiente del robo, y cinco jóvenes sospechosos están presos pendiente juicio.

Una versión de "El grito", al igual que de la "Madonna", fueron escamoteadas por pistoleros del Museo Munch en Oslo en agosto y todavía no han sido halladas.

Varias versiones de la obra

Existen cuatro versiones de "El grito", una de las imágenes más reconocidas en el mundo, una figura angustiada con el trasfondo surrealista de un cielo rojizo, que provoca la ansiedad del espectador.

La versión robada de "El grito" fue pintada en 1893 como parte de la serie "Friso de vida" sobre los motivos centrales de enfermedad, muerte, angustia y amor.

El pintor, que murió en 1944 a los 81 años, no llegó a entrever la popularidad de la figura angustiada que se ha reproducido hasta el cansancio. Aun los adversarios de la reelección del presidente estadounidense George W. Bush en la campaña presidencial del 2004 usaron la imagen en camisetas, con la leyenda "¿Bush de nuevo?"

La mayoría cree que el icono de la angustia está gritando.

¿O acaso escucha un grito estridente?

Interpretación

En sus propios escritos sobre su cuadro, Munch dijo que estaba caminando junto con unos amigos cuando el cielo se tornó rojo sangre: "Me quedé paralizado temblando de ansiedad, y sentí que un grito infinito atravesaba la naturaleza".

Morten Zondag, un experto en Munch de la casa de arte Blomqvist en Oslo, consideró que tenía sentido. "Si uno examina los textos, advierte que es un grito de la naturaleza", expresó. ía que refleja un grito de la naturaleza, pero que esa persona o cosa es una personificación de ese grito".

Gunnar Soerensen, director del Museo Munch en Oslo, no está tan seguro.

"Podría ser un grito en la naturaleza o una persona que grita", opinó. "Es una cuestión de interpretación".

Soerensen dijo que los expertos conocen el lugar en Oslo que sirvió de telón de fondo para la pintura, y por cierto había gritos allí en esa época: los bramidos de un matadero cercano o los alaridos de los pacientes en un asilo siquiátrico, o ambos.

"El hecho es que logró pintar un sonido", dijo Soerensen en una entrevista telefónica. "Se trata de la ansiedad de una persona moderna".

Munch trabajó en Alemania como también en su Noruega natal, y su estilo de intensa carga emocional fue de gran importancia para el nacimiento del movimiento expresionista del siglo XX.

Hans-Martin Frydenberg Flaaten, cuya tesis en la Universidad de Oslo fue sobre "El grito", dijo que "Todos lo ven a su manera y eso provoca debate. Creo que fue parte del propósito".

Flaaten dijo que las manos de la figura parecen estar cubriendo las orejas, protegiéndolas de un grito. Pero también podría estar asiéndose la cabeza, gesto clásico de un grito.

Al igual que Zondag, Flaaten dijo que lo considera mayormente como un grito en la naturaleza y que la figura personifica el grito. Cree que lo importante es que Munch trataba de pintar un sonido, una idea que fascinó a su círculo de artistas y escritores, que también trataron de hallar los medios de "oír" colores.

El artista pudo haberse inspirado en muchas imágenes y sonidos, que combinó en una pintura, opinó Soerensen.

"Se ha convertido en un icono. Es notablemente fácil de comprender", dijo. "¿Grita u oye un grito? ¿Acaso importa?

Fuente: AP
En lnternet: www.munch.museum.no/

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OSLO, Noruega.- "El grito", la obra maestra de Edvard Munch, se convirtió en un símbolo mundial de la angustia que aparece multiplicado en reproducciones, inscripciones en camisetas, muñecos inflables y una multitud de objetos, además de causar un debate incesante entre los expertos.

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Qué es el Cuadro El grito de Edvard Munch:

El grito es el título de una serie de cuadros del pintor noruego Edvard Munch, cuyo título original en noruego es Skrik. Debido a su fuerza expresiva, esta obra es considerada precursora del movimiento expresionista. Es el cuadro más famoso de este artista.

Existen cuatro versiones de esta pintura, siendo que la más famosa, terminada en 1893, se encuentra en la Galería Nacional de Oslo, Noruega; otras dos versiones se encuentran en el Museo Munch de la misma ciudad; y la cuarta, que fue recientemente vendida en subasta a un precio récord, pertenece a una colección privada.

La imagen de El grito se ha convertido en un ícono cultural. Es una de las imágenes más reconocidas el mundo, incorporada a la cultura popular, y ampliamente parodiada por artistas recientes.

Sobre la obra

Edvard Munch se inspiró para pintar esta obra una tarde en que paseaba junto con dos amigos por un mirador de la colina Ekeberg, desde donde se podía apreciar el paisaje de Oslo. Escribe Munch en su diario en 1891:

El cuadro La desesperación (1892), previo a El grito, retrata precisamente ese momento. En él, aparece en primer plano un hombre con sombrero de copa de medio lado, en actitud contemplativa, en un escenario similar.

Sin embargo, Munch siguió experimentando, y pintó un nuevo cuadro, con el mismo título, que muestra esta vez a un hombre, que esta vez muestra el rostro, pero en una actitud más desesperada, en medio de una escena más sombría.

No satisfecho con los cuadros anteriores, Munch siguió pintando, en busca de la que sería su obra maestra. Probó entonces con una figura andrógina, que está de frente y se lleva las manos a la cabeza con una expresión de profunda angustia, que parece emitir (¿u oír?) un grito.

En los años sucesivos, es decir, entre 1893 y 1910, Munch probaría nuevas variantes de este cuadro, llegando a pintar cuatro diferentes versiones.

La pieza original sería expuesta en 1893 como parte de un conjunto de seis pinturas titulado Amor, que representaba las distintas fases de un idilio. El grito había sido concebido con la idea de colocarlo en la última etapa, la de la angustia y desesperación.

Análisis de la obra

El grito presenta a una figura andrógina en primer plano con un gesto de angustia que transmite gran expresividad y fuerza psicológica.

La escena donde se encuentra es un sendero con vallas que se aleja en perspectiva diagonal. En el fondo, se pueden apreciar dos figuras con sombrero que parecen ajenas a lo que ocurre con la figura principal.

En el cuadro prevalecen los colores cálidos de fondo. En el cielo, fluido y arremolinado, predominan los tonos naranjas. El sendero y el paisaje, por su lado, parecen iluminados por una luz semioscura. Las formas se retuercen y los colores están dispuestos de una manera arbitraria. Antes que trasponer la realidad, los colores buscan expresar un sentimiento de angustia y desesperación, más vivamente reflejada en la figura de primer plano, en la intensidad de su gesto de tribulación y espanto.

En esta pintura se ha solido reconocer la angustia existencial del hombre moderno en la transición del siglo XIX, de grandes avances tecnológicos, al siglo XX; su sentimiento de soledad y desaliento, su desesperación. Asimismo, se ha solido ver en este cuadro la condición del artista como hombre profundamente atormentado.

También hay quien considera que el grito de la obra es el grito de la naturaleza, que se encuentra personificado en la figura principal. Otros, por su parte, piensan que, independientemente de lo demás, el mayor logro de esta obra es que logró retratar un sonido. Uno de los más viejos debates en torno a este cuadro es si la figura grita u oye un grito.

Ficha técnica de la obra

La versión más conocida de El grito data de 1893. A continuación, algunos datos de interés sobre la obra:

Técnica mixta: óleo y pastel sobre cartón.

Medidas: 91 cm x 73,5 cm.

Colección: Galería Nacional de Oslo, Noruega.

Sobre el autor

Edvard Munch (1863-1944) fue un pintor y grabador noruego cuyas obras ejercieron una influencia notable en el expresionismo alemán de inicios de siglo XX. Sus obras se caracterizan por reflejar la angustia y desesperación del hombre moderno. En ella son representados temas como la soledad, el erotismo, la angustia o la muerte. Pese a haberse encontrado influenciado por el simbolismo y el impresionismo, es considerado como uno de los precursores del expresionismo. Entre sus principales obras destacan El grito (1893), Madonna (1894-1895) y Ansiedad (1894), entre muchas otras.

Sobre los robos

En los últimos años, dos de las versiones de esta obra han sido robadas. En febrero de 1994, fue robada la versión más famosa, que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo. Ocho semanas más tarde fue recuperada. En agosto de 2004, se produjo el robo de una de las versiones que se encontraban expuestas en el Museo Munch. Solo fue recuperada dos años después.

Sobre el precio

Una de las versiones de El grito fue subastada en mayo de 2012 en la ciudad de Nueva York. El ganador de la subasta pagó 119,9 millones de dólares, lo que supone la cifra más alta pagada jamás por una obra artística.

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Significado del Cuadro El grito de Edvard Munch

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El grito es el título de una serie de cuadros del pintor noruego Edvard Munch, cuyo título original en noruego es Skrik. Debido a su fuerza expresiva, esta obra es considerada precursora del movimiento expresionista. Es el cuadro más famoso de este artista.

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TESIA ORTIZ: Un análisis de La cara de la guerra.

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TESIA ORTIZ: Un análisis de La cara de la guerra.

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"La pintura representa una cara flotando en un desierto estéril. En el centro de la cara, se ha secado como la de un cadáver y tiene una expresión de la miseria. En su boca y los ojos son caras idénticas implícitas a ser infinita. Un enjambre en torno al cara grande están picando serpientes. En mi opinión, las serpientes simbolizan todo el mal durante la guerra. En la esquina inferior derecha hay una impresión de la mano que Dalí insistía fue dejado por su propia mano".

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Enlace que habla de la obra y su contexto en la Guerra Civil Española.

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Enlace que habla de la obra y su contexto en la Guerra Civil Española.

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copia de la pintura arte fino el cara de la guerra - aceite de salvador dali

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el cara de la guerra, aceite de Salvador Dali (1904-1989, Spain)

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el cara de la guerra, aceite de Salvador Dali (Arte fino copia de la pintura Salvador Dali)

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Es pertinente señalar que los autorretratos de Fader nunca fueron incluidos en las exposiciones públicas realizadas durante su vida: ni en los envíos a los salones provinciales ni en las exposiciones periódicas de Müller ni siquiera en las muestras-homenaje organizadas en Rosario y Buenos Aires en 1932. Reservados para la esfera íntima, con el fin de pasar el rato cuando el mal tiempo impedía salir a concretar las campañas de pintura, estos autorretratos funcionaban como terrenos de indagación plástica a la vez que habilitaban la proyección más personal del ser artista, aquella que se jugaba en las horas muertas de la domesticidad ruda de la vida serrana, arreciada por el frío, el viento, la salud precaria y fundamentalmente por el aislamiento del mundo del arte y los artistas.

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1925
óleo sobre tela- 75 x 65 cm

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Hace un siglo, desde su primera exposición en Galería Müller, que Fernando Fader es el artista más deseado por nuestros coleccionistas. Desgraciadamente sus obras son escasas, ya que solamente pudo realizar menos de 800 pinturas en los 23 años que se dedicó a la misma, superando su enfermedad y quiebres económicos.

Nació en Burdeos, Francia, el 11 de abril de 1882, y cuando contaba tres años, se instaló con su familia en Mendoza. Realizó la primaria en Francia, la secundaria en Alemania y estudió Pintura en Múnich, muy a pesar de su padre que lo prefería con una educación liberal como sus cinco hermanos. Los Fader fueron pioneros en el desarrollo de la industria del petróleo y crearon el primer oleoducto del país (42 kilómetros entre Cacheuta y Mendoza). También dieron energía y transporte a la ciudad de Mendoza y hasta realizaron una represa hidroeléctrica que no llegaron a inaugurar.

Fernando era el menor y vuelto de estudiar dibujo y pintura en Alemania, con pujantes 22 años, quiso contagiar su entusiasmo a los mendocinos, haciendo exposiciones, abriendo una Academia de Pintura y hasta ofreciéndose a realizar retratos allí, pero fracasó, ante la austeridad cuyana. Su primera exposición en Buenos Aires, en el Salón Costa, donde sus obras se ofrecían en bajísimos precios, tuvo la suerte que fuera elogiada por el brillante Cupertino del Campo quien escribió que era el mejor pintor de estas tierras y se estaba refiriendo a un joven de 23 años.

Fallece el padre de Fader y, curiosamente, sus hermanos no se ocupan de continuar los emprendimientos y todo queda en manos del "artista" de la familia, quien abandona el arte durante cinco años para dedicarse a los negocios familiares, fracasa y tanto la fortuna de la familia como la herencia de su mujer, Adela Guiñazú, cae en manos de los acreedores.

Sobre llovido, mojado, ya que a los dos años le detectan tuberculosis y otros males y le dan meses de vida. Son las épocas de la Primera Guerra Mundial y nadie compra nada; y ni siquiera podía firmar las obras porque se las embargaban.

El doctor Llobet le aconseja que pase sus últimos días en el mejor aire: las sierras de Córdoba. Allí parte nuestro genial paisajista y Dios le da 20 años más de vida, donde realiza unas 200 obras que podemos considerar lo mejor del paisaje argentino. Debemos agradecer a un alemán el tener a Fader pintando, ya que Federico Müller le hace un contrato y con esfuerzo le aporta un estipendio de $ 500 mensuales (unos u$s 5000 de hoy) y durante dos décadas vende 161 obras del artista en un promedio de u$s 20.000, convirtiéndolo en el número uno de nuestros pintores, junto con su amigo Quirós.

Fader pensaba y estudiaba el modelo largamente, pero su ejecución era rápida. Dudo que haya una obra que le haya llevado más de tres horas, pero era más lo que destruía que lo que terminaba. Realizó menos de una obra por mes en sus últimos 20 años cordobeses.

Logró fusionar con maestría la figura en el paisaje, fue además un hombre culto y profundo y sufrió con su enfermedad y las fuertes drogas para mitigar los dolores. Vivía en un rincón alejado del mundanal ruido –se puede visitar–, siendo Dean Funes la ciudad más cercana, construyó su casa, una represa, una cancha de tenis, su salón de música. Fue un solitario. Por su enfermedad ni siquiera hablaba de frente a la gente. Tuvo tres hijos, quienes estaban la mayoría del tiempo en Buenos Aires con su madre. Fue admirado y reconocido por todos sus contemporáneos. Falleció en 1935 y desgraciadamente no pudo pintar ni viajar en sus últimos años. Tengo la dicha de haber sido su biógrafo y haber expuesto unos cinco centenares de sus obras en veinte exposiciones en el interior del país y en Buenos Aires. Hace un siglo sus obras se vendían en un promedio de u$s 800 de hoy y la más cara se vendió en el equivalente a u$s 70.000 (hoy vale un millón). Gracias a su amigo y marchand logró tener un ingreso mensual aproximado a u$s 10.000 de hoy, con altas y bajas y con la crisis de 1929 entre otros males. Sólo cinco obras se ofrecen a la venta anualmente en subastas y se venden en un promedio que quizás sea el más alto del mercado argentino. Muchas de sus obras están en museos, siendo el Museo Guiñazú, casa de Fader, en Lujan de Cuyo (Mendoza), el que tiene la colección con mayor cantidad de obras (42).

Pero es el Museo Nacional de Bellas Artes el que tiene las de mayor calidad y desde hoy se pueden ver algunas en el primer piso del Museo. Una serie maravillosa son las ocho obras de "La Vida de un día", que se encuentran en el Museo Castagnino de Rosario: su modesto rancho de adobe y piso de tierra pintado a las diferentes horas de un día fue su primera buena venta. Las obras la compraron coleccionistas rosarinos en cuotas mensuales. Hombre ejemplar, creador mágico y ejemplo de pasión y amor por la vida, mi querido y admirado Fernando Fader.

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Fernando Fader, el artista preferido y más deseado por los coleccionistas internacionales

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Hace un siglo, desde su primera exposición en Galería Müller, que Fernando Fader es el artista más deseado por nuestros coleccionistas. Desgraciadamente sus obras son escasas, ya que solamente pudo realizar menos de 800 pinturas en los 23 años que se dedicó a la misma, superando su enfermedad y quiebres económicos.

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En este corto vídeo el canal encuentro hace un resumen de la vida y obra del artista argentino y su legado artistico.

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La historia del arte argentino y sus manifestaciones plásticas: de la pintura rupestre a la década de los ochenta. Una propuesta que recorre el camino y la experiencia artística de la Argentina, desde el arte prehispánico argentino, la presencia del arte colonial en la actualidad y la función del retrato en el siglo XIX hasta los primeros modernos, la escultura, los impresionistas, el realismo, la llegada del arte abstracto -y más tarde del pop art-, la historieta y la caricatura.

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Obra: "La cara de la guerra" de Salvador Dalí.

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Obra: "La cara de la guerra" de Salvador Dalí.

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Tema: Guerra, 1940. Museo Boijmais Van Beuningen.

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Uno de los artistas mas representativos del Estilo Surrealista:

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Uno de los artistas mas representativos del Estilo Realista:

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Y este un poco más de la relación de dicho autor con J.Gris, de dicha obra y del movimiento.

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Y este un poco más de la relación de dicho autor con J.Gris, de dicha obra y del movimiento.

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Juan Gris - "Retrato de Pablo Picasso" (1912, óleo... - El Cuadro del Día

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Juan Gris - "Retrato de Pablo Picasso" (1912, óleo sobre lienzo, 93 x 74 cm, Art Institute, Chicago) El pintor madrileño Juan Gris, que en realidad no era ni Juan, ni Gris, sino José Victoriano...

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Este enlace habla un poco de la obra y del movimiento.

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Este enlace habla un poco de la obra y del movimiento.

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En su adolescencia, el español Juan Gris estudió pintura por dos años, hasta que se muda a París en 1906. Allí trabaja como dibujante humorístico para varias publicaciones y conoce artistas de renombre tales como Matisse, Braque, Modigliani y Picasso. En 1910 toma la decisión de dedicarse a la pintura.

Lo curioso de la historia de Gris es que su obra fue estrictamente circunstancial y se desarrolló únicamente dentro del movimiento de moda: el cubismo. El Retrato de Pablo Picasso, de 1912, fue la primer obra cubista que no fue producto de la mano de Picasso o Braque. En ella, veremos al artista de 31 años, cuando aun tenia cabello, vistiendo un saco y sosteniendo una paleta. La composición esta creada exclusivamente a partir de colores terrosos, interrumpidos por los colores vibrantes de la paleta, tales como el azul, rojo, amarillo y negro. La obra es un buen ejemplo de las primeras épocas del cubismo, o cubismo analítico, en donde las formas y figuras eran descompuestas para ser "analizadas" en partes. En este retrato, la descomposición de la figura es relativamente simétrica y ordenada, lo que nos permite reconocer los rasgos del protagonista. Tiempo después, los cubistas rechazarían este tipo de ordenamiento, produciendo obras caóticas y desorganizadas.

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Retrato de Pablo Picasso | Juan Gris | 1912

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En su adolescencia, el español Juan Gris estudió pintura por dos años, hasta que se muda a París en 1906. Allí trabaja como dibujante humorístico para varias publicaciones y conoce artistas de renombre tales como Matisse, Braque, Modigliani y Picasso. En 1910 toma la decisión de dedicarse a la pintura.

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Uno de los artistas más representativos del Estilo
Expresionismo:

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Uno de los artistas mas representativos del Estilo Fauvista.

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Uno de los artistas más representativos del Estilo Cubista:

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1912- Juan Gris

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En este enlace habla un poco de esta obra, como la más emblemática del movimiento Fauvista. 

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En este enlace habla un poco de esta obra, como la más emblemática del movimiento Fauvista. 

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Henri Matisse - "La raya verde" (1905, óleo sobre... - El Cuadro del Día

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Henri Matisse - "La raya verde" (1905, óleo sobre lienzo, 42 x 32 cm, Museo Nacional de Arte, Copenhague) Henri Matisse fue uno de los principales impulsores del Fauvismo, un movimiento de vanguardia...

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En este otro enlace se comenta aspectos poco más especifico sobre la obra.

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En este otro enlace se comenta aspectos poco más especifico sobre la obra.

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La Línea verde, Madame Matisse - Obra - ARTEHISTORIA V2

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Retrato pintado por Matisse en 1905 dentro de la estética fauvista, aplicando una pincelada rápida y empastada que enlaza con el impresionismo. - ARTEHISTORIA

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1905- Henry Matisse

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En este sector los alumnos deben ir subiendo los trabajos realizados para luego dar el cierre

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VÍDEO CON LAS OBRAS PARA MOSTRAR A LOS ALUMNOS

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VÍDEO CON LAS OBRAS PARA MOSTRAR A LOS ALUMNOS

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Nombre obra: Autoretrato (1907)
Artista: Pablo Picasso

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Nombre obra: Joven dormida (1935)
Artista: Pablo Picasso

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Nombre obra: Tetè 1 (1926)
Artista: Pablo Picasso

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Nombre obra: Woman with pears (1909)
Artista: Pablo Picasso

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Nombre obra: El hijo de l`artiste arlequín (1924)
Artista: Pablo Picasso