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Qu'est-ce que le ragtime ? Le ragtime est un genre musical originaire de la communauté afro-américaine, qui voit le jour aux États-Unis en 1897 et s'éteint en 1917. Il est considéré comme l'un des précurseurs de la musique jazz et la première forme purement instrumentale de la musique afro-américaine.

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Afro 3 (9)-Rythm and Blues, Soul ou Funk (mix 1-2+3) ? (9 audios: 3X3)

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Ecoute les 9 extraits et place dans la bonne colonne : Rythm and Blues, Soul ou Funk ?
Il y a 6 extraits déjà entendus dans les quiz 1 et 2 plus 3 nouveaux extraits.

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14 minutes

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1/WORK SONG  HAMMER RING, Texas 1965 [Commenté]

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2/ LE NEGRO SPIRITUAL: NOBODY KNOWS THE TROUBLE I'VE SEEN- Commenté [ Louis Armstrong, 1938]

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The Five Blind Boys (Archie Brownlee and Rev. Percell Perkins) - Jesus Is A Rock In A Weary Land

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Exemple de prêche dans une église à Harlem

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Exemple de prêche dans une église à Harlem

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Le texte est parlé, mais entrecoupé d'accords d'orgue et construit comme un texte de chanson (accents réguliers, "when I think about" répété au début de plusieurs phrases consécutives"). Le public intervient spontanément de façon ponctuelle comme dans un chant responsorial.

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2(8)-Work song, spiritual ou Gospel ? 8 audios

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Ecoute chaque extrait et glisse le dans la bonne colonne. (8 extraits)

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Oh Freedom! - The Golden Gospel Singers (Lyrics in Description)

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"I've Got The Victory" Summer Jam Praise Break 2018!

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"Oh Happy Day" Edwin Hawkins - Anthony Brown w/ FBCG Combined Choir

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Charley Patton - Spoonful Blues (Delta Blues 1929)

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Charley Patton, au commencement du blues du Delta - Les Grands Macabres, par Bertrand Dicale

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Bessie Smith - Nobody Knows You When You're Down and Out (Official Audio)

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En anglais

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What is Ragtime? Ragtime Explained in 2 minutes (Music Theory)

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Exercice : blues, ragtime ou work-song ?

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Exercice : blues, ragtime ou work-song ?

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Les origines du Jazz : Blues, Ragtime ou Work Song ?

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Écoute chaque extrait. Détermine à quelle catégorie il appartient : Blues, Ragtime ou Work Song. Fais glisser le fichier dans la colonne de ton choix. Vérifie tes réponses en cliquant sur le carré bleu en bas à droite.

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LE RHYTHM'N'BLUES, SOURCE DU ROCK'N'ROLL

Apanage des orchestres noirs, le rhythm'n'blues est un terme générique désignant un style de musique issu du blues et du gospel. Joué par des musiciens noirs au début des années 1940, ce style est d'abord appelé "race music" ("musique de noirs"). En 1949, conjointement à un article de Jerry Wexler dans le magazine américain Billboard qui en pose les bases, le hit-parade de la "race music" devient le hit-parade du rhythm'n'blues ; une musique mariant au mot " rhythm" - qui désigne un tempo accéléré - avec " blues", qui rappelle la sacro-sainte règle des 12 mesures.

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Cependant, le rhythm'n'blues signifie moins une nouvelle forme d'expression musicale qui la cristallisation des barrières sociales dans l'Amérique des années 1940. Jeunes Blancs et jeunes Noirs écoutent des musiques de plus en plus proches, mais ils ne le savent pas. Le rhythm'n'blues sera le vecteur qui permettra à la musique noire d'irriguer la musique populaire blanche et de favoriser l'éclosion du rock'n'roll. Les maisons de disques accompagneront fortement ce mouvement, passant, en l'occurrence, du statut de labels indépendants spécialisés (comme Chess à Chicago ou Speciality à Los Angeles), à celui de puissantes majors (comme Atlantic).

On distingue souvent trois courants dans le rhythm'n'blues : celui de New York et de Los Angeles, à base de petites formations et de chant "hurlé" dans la tradition des "blues shouters" ; celui du Sud et du Middle West, qui marque la synthèse du blues rural et de la guitare électrique ; enfin, celui des groupes vocaux, proches du doo-wop.

© Gottlieb, William P - Louis Jordan (Paramount Theater de New York - 1946)

L'artiste qui incarne le mieux le rhythm'n'blues, dans ses origines comme dans ses influences, est sans conteste Louis Jordan. Saxophoniste venu du jazz, dans la tradition swing, il pratique à partir des années 1940, une musique appuyée sur le blues et développant des mélodies bien charpentées, mais sur un mode répétitif et syncopé, qui est l'essence même du rhythm'n'blues. Jordan chante souvent des textes salaces, mais dans un argot noir impénétrable au public blanc, qui peut ainsi les écouter sans risquer la condamnation des ligues de vertu.

D'autres artistes vont aussi préparer le chemin : Fats Domino, pianiste dans la tradition boogie, ragtime et dixieland ; Big Joe Turner et sa voix puissante de baryton hurleur. Plusieurs de leurs chansons seront reprises par des artistes blancs ( Ain't That A Shame, de Fats Domino, par Pat Boone, Shake, Rattle and Roll par Bill Haley et Elvis Presley).

FATS DOMINO

LES TROIS BROWN : ROY, CHARLES ET RUTH

Dès le début, le rhythm'n'blues va construire une sorte de pont entre nouvelles musiques populaires noires et blanches. Il en sera ainsi, par exemple, des trois Brown, qui outre un patronyme commun, partageront le même destin : artistes de rhythm'n'blues largement repris par les musiciens blancs. En 1948, Roy Brown se fait connaître avec le titre, ö combien précurseur Good Rockin' Tonight (repris plus tard par Elvis Presley).

Ancien boxeur, Roy Brown est un noir qui aimait tout autant Frank Sinatra et Bing Crosby, que le blues et le gospel. De ce mélange sortiront les prémices du rock'n'roll. À peu près au même moment, un autre Brown, Charles cette fois, fait un tabac en 1945 avec Driftin' Blues. Certaines de ses compositions mélancoliques, inspirées par Nat King Cole, seront reprises plus tard par Elvis, puis par The Eagles. Enfin, Ruth Brown, qui sera baptisée "Miss Rhythm", gagnera son premier concours à l' Apollo Theater avec une chanson de Bing Crosby et fera la fortune, une décennie plus tard, de Cliff Richard, le 'Elvis anglais', lorsque celui-ci reprendra plusieurs de ses morceaux. Par ailleurs, alors que Chuck Berry et Little Richard inventent le rock'n'roll, Bo Diddley impose son blues hypnotique, marqué par les grands artistes de Chicago, mais si novateur qu'il marquera durablement bien des artistes noirs ainsi que des rockers blancs.

L'ARRIVÉE DES "SOUL MEN"

Durant les années 1950, deux artistes noirs, étiquetés alors rhythm'n'blues, vont connaître un tel succès auprès de tous les publics que la notion de rhythm'n'blues va perdre quelque peu de sa spécificité. Il s'agit de Ray Charles et de Sam Cooke. I Got A Woman, Lonely Avenue, Hit The Road Jack pour Ray Charles ou You Send Me et Chain Gang pour Sam Cooke vont à la fois confirmer ce qui fait la spécificité de la musique noire, c'est-à-dire une émotion venant de l'Afrique et de l'esclavage. Ces deux artistes vont poser les bases d'un genre nouveau, englobant le rhythm'n'blues et la soul music. On passe alors à une autre histoire, celle des Noirs américains des années 1960 et 1970, ceux des labels ' Tamla Motown' ou 'Stax', qui espèrent un avenir meilleur, comme James Brown, qui affirme être "proud to be black" ("fier d'être noir").

SAM COOKE

Par C. Eudeline (Cadence Info - 09/2018)

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Apanage des orchestres noirs, le rhythm'n'blues est un terme générique désignant un style de musique issu du blues et du gospel. Joué par des musiciens noirs au début des années 1940, ce style est d'abord appelé "race music" ("musique de noirs").

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Emission de radio : histoire du Rhythm and Blues

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Emission de radio : histoire du Rhythm and Blues

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Le rhythm and blues, le remède contre la morosité

On pourrait dire que le rhythm and blues, c'est du blues qui s'est trouvé un rythme... Mais c'est plus compliqué que cela.
Après la seconde guerre mondiale, une nouvelle vague de population noire du Sud monte vers les villes du Nord et de l'Ouest, attirés par l'espoir de trouver un travail. Laissant derrière elle l'agriculture, elle se "citadinise". Le président Rooselvelt avait amorcé un espoir en annonçant la fin de la discrimination raciale dans le monde du travail. Les Noirs avaient envie de se sentir Américains. Et comme la musique est toujours l'expression du désir, ce désir était d'oublier le blues rural, une musique trop triste, trop liée à l'esclavage. Il fallait donc inventer une musique "anti cafard", joyeuse, une musique pour danser, pour faire la fête, avec des paroles légères et souvent pleines d'humour... Et c'est ainsi qu'est né le rhythm and blues.

Mais cette envie de faire table rase de son histoire ne va pas de soi. Le Rhythm and Blues est composé de tout ce qui fait la musique noire : du blues, du boogie-woogie, du jazz, ses saxos et le swing des big bands.

Dans le rhythm and blues, on trouve des guitares électriques, des cuivres, et ce qu'il faut de rythme pour que les gens dansent. Les voix sont soit hurlantes soit crooneuses. Ce sont essentiellement des petites formations. Louis Jordan, considéré comme le père du rhythm and blues estimait qu'avec son petit groupe, il en faisait autant qu'un big band...

En 1949, le magazine BillBoard - la bible de l'industrie du disque américain -, abandonne l'ancienne et peu élégante appellation "race music" pour une nouvelle classification : le terme Rhythm and blues apparaît officiellement pour la première fois, le 25 juin 1949 pour décrire l'ensemble de la production musicale noire.

Un des premiers morceaux qui reçoit cette appellation c'est une balade "I wonder" de Cecil Gant.

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L'histoire du Rhythm and blues, de Ruth Brown à James Brown

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On pourrait dire que le rhythm and blues, c'est du blues qui s'est trouvé un rythme... Mais c'est plus compliqué que cela. Après la seconde guerre mondiale, une nouvelle vague de population noire du Sud monte vers les villes du Nord et de l'Ouest, attirés par l'espoir de trouver un travail.

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Sous-genres

Genres dérivés

Le funk est un genre musical ayant émergé à la fin des années 1950 aux États-Unis, dans la lignée du mouvement hard bop, et qui s'est développée au cours des années 1960 et années 1970. Selon certaines interprétations, le terme funk proviendrait de l'argot anglo-américain , qui signifie littéralement " puant ", " qui sent la sueur ", reproche traditionnellement adressé aux noirs par les WASP, et repris ensuite à leur compte par les artistes noirs tel que Horace Silver dans son morceau Opus de Funk (1953). Issu principalement de la soul et du jazz, le funk se caractérise par la prédominance de la section rythmique ( guitare, basse, batterie) qui joue des motifs syncopés, la présence fréquente de cuivres ou de saxophones sur des ponctuations rythmiques ( riffs) ou bien des solos, et de manière générale, par la grande place accordée aux instruments.

Avec son concept développé à la fin des années 1960, " " (c'est-à-dire l'appui rythmique sur le premier temps), James Brown, au carrefour du gospel, du rhythm and blues, de la soul, du blues et du rock, synthétisant toute la musique noire américaine du xx e siècle, fut considéré comme le parrain du funk, notamment avec des titres comme Say It loud, I Am Black and I Am Proud, Licking Stick, Give It Up or Turnit a Loose, There Was a Time, Super Bad, I Got the Feelin, Funky Drummer, Talking Loud and Saying Nothing, Soul Power, Mother Popcorn, et Sex Machine.

Mais les origines du funk remontent aux années 1950 à La Nouvelle-Orléans où l'idée de ces rythmiques est venue des bars de La Nouvelle-Orléans qui étaient pauvres et ne possédaient qu'un piano pour distraire la clientèle. Le piano était pour les musiciens l'instrument idéal pour synthétiser à la fois la basse, la batterie, la guitare, le chant ou les cuivres sur un seul instrument. Le funk débarqua ensuite dans les rues de La Nouvelle-Orléans, interprété par les Brass Band bien avant que James Brown et le saxophoniste Maceo Parker ne popularisent son style. À l'instar des joueurs de hard bop, les musiciens de funk construisent une œuvre collective autour de la section guitare, basse et batterie qui jouent le , une figure rythmique extensible et modulable à volonté qui permet aux vocalistes et instrumentistes d'intervenir à volonté.

Années 1960

Au milieu des années 1960, le funk prend vie depuis ses racines rhythm and blues et soul, les paroles insistant sur la défense des Noirs et les difficultés du ghetto. James Brown est considéré comme l'initiateur d'un funk urbain et revendicatif, d'abord avec le titre Papa's Got a Brand New Bag , sorti en 1965 pour King Records, suivi du célèbre , en 1970. Brown est suivi de près par des formations telles que Dyke and The Blazers ou Archie Bell and The Drells, Sly and the Family Stone, The Counts, The JB's, Wilson Pickett, dans cette veine, citons également The Meters, un groupe de La Nouvelle-Orléans, ville autrefois française dont l'histoire musicale et l'existence de son carnaval prédisposaient à être un des berceaux du funk. L'instrumentation y est dépouillée, le jeu y est débridé et foisonnant, aux croisements du rhythm and blues, de la soul et du jazz.

Années 1970

Le développement commercial du funk accompagne, à partir de la fin des années 1960, celui de la culture afro-américaine, à l'image de James Brown, qui signe en 1973 la bande originale du blaxploitation film Black Caesar. Le mouvement funk reste dans un premier temps ignoré du public blanc, qu'il parvient finalement à toucher, surtout grâce à la disco, dans la seconde moitié des années 1970. Le grand public est finalement converti, notamment par les groupes Commodores avec Lionel Richie et Chic, de Nile Rodgers (guitare) et Bernard Edwards (basse), qui enchaîne les succès à partir de 1977 ( Chic Cheer,, , pour ne citer que les plus connus). Des groupes fondés à la fin des années 1960, comme Kool & The Gang, ou encore Earth, Wind and Fire, jusque là connus des amateurs, connaissent alors un succès public considérable.

Le funk commence alors à se diversifier :

Le mouvement jazz-funk : dans les années 1970, dans le prolongement du mouvement HardBop, des musiciens de jazz s'inspirent du funk. Et, le jazz-funk s'ouvre aux balbutiements de la musique électronique, du fait principalement de Miles Davis, d'Eumir Deodato et de Herbie Hancock, pianiste de jazz de formation classique, qui sort en 1973 l'album Head Hunters, son plus grand succès commercial. On peut également citer le guitariste Jeff Beck (ancien membre des Yardbirds), qui sort l'album Blow by Blow en 1975, le bassiste Stanley Clarke, le groupe Funk Inc., ou encore le pianiste Hubert Eaves. Il faut encore mentionner, dans un style qui reste plus proche du jazz classique et de la soul, certaines œuvres de Stevie Wonder, comme du guitariste George Benson, dont le morceau Give Me The Night est devenu un classique du genre. Les femmes ne sont pas non plus en reste, on notera notamment les performances de Betty Davis et de Gwen McCrae pendant les années 1971 et 1972 ou de Patti Austin. Françoise Hardy elle-même se prêtera à l'exercice le temps d'un morceau :J'écoute de la musique saoûle (1978). Toujours côté français, on peut également citer, surtout pour l'utilisation des guitares,Bernard Song de Véronique Sanson et Où sont les femmes de Patrick Juvet, deux titres de la deuxième moitié des années 1970.

Mouvement P-Funk : durant toutes les années 1970 et jusqu'au début des années 1980, un autre style se déploie, qui prend ses distances avec la réalité. Amorcé par le funk psychédélique assaisonné au rock de Sly and the Family Stone, il aboutira a la naissance de la galaxie P-Funk (pour Parliament-Funkadelic et Plush Funk) de George Clinton qui mélangera toutes les influences du moment à un groove irrésistible. Parliament, Funkadelic, Bootsy Collins Rubber Band, P-Funk Allstars : ces groupes s'amusent à imaginer qu'ils débarquent d'un vaisseau spatial pour libérer les humains des forces négatives d'un monde sans funk ! Le nom des tournées est éloquent: " The P-Funk Intergalactic U.S. Tour " par exemple. Orchestre à géométrie variable (parfois plus de 40 musiciens sur scène!), expérimentations sonores, extravagances, délires et drogues à foison.

Le mouvement disco-funk opère la fusion entre les rythmes discos et les cuivres caractéristiques de la funk des années 1970. On peut notamment citer Michael Jackson et son album Off the Wall (1979), considéré comme un classique du genre, ainsi que les productions des frères Jackson sous le nom des Jacksons, avec les albums Destiny et Triumph. Des groupes comme Kool & The Gang et Earth, Wind and Fire, issus du jazz-funk, ont opéré leur mue et rejoint cette mouvance pour en devenir des références éclatantes. Chic, formé à la fin des années 1970, devient également une des grandes icônes du disco-funk.

Naissance du rap : à la fin des années 1970, le recours aux boîtes à rythme, aux platines vinyl et aux dernières générations de synthétiseurs est concomitant à la disparition des grands funkbands devenus trop chers à produire en concert. Armés de platines bricolées, les premiers DJ, comme Grandmaster Flash, jouent les disques de funk de leur enfance en les triturant via des tables de mixage et inventent les premières techniques de scratching. C'est la relève : les groupes comme Sugarhill Gang, Trouble Funk, et bien d'autres seront la base funky de la future révolution hip-hop. Finis les textes cosmiques et autres délires psychédéliques, la jeune génération reparle du ghetto et de son quotidien. On se trouve à la charnière entre le funk et le hip-hop, dont le meilleur exemple est le fameux Rapper's Delight de Sugarhill Gang, construit sur un sample de la légendaire ligne de basse du morceau Good Times, du groupe Chic. On peut également citer Drop the Bomb, de Trouble Funk, ou le morceau Rockit, signé par Herbie Hancock. Ils ouvriront la voie aux premières véritables stars du hip hop : KRS-One, Public Enemy...

Années 1980

UK Funk : funk anglais dont l'énorme production a réussi à imposer des standards tels que Delegation, Loose ends, Total contrast, Phil fearon and Galaxy, Central line, Imagination, Hi tension, The cool notes...

Italo Funk : funk produit en Italie. Il s'agit souvent de groupes dont les interprètes sont américains, anglais ou d'origine anglophone : Firefly, Armed Gang, Ago, K.I.D, Rainbow Team ou bien encore Kano (alias . Togo). Pino d'Angiò avec ses titres Okay Okay et Ma quale idea est l'un des rares à avoir fait du funk vraiment italien.

Electro-Funk : que l'on retrouve principalement à partir de 1985 et qui est un savant mélange entre instruments de tradition et sons numériques (ex: Midnight Star, etc.).

Modern soul ou northern soul : dérivé musical de la soul à mi-chemin entre le funk et la new jack que l'on retrouve principalement dans la deuxième moitié des années 1980.

La musique funk sera bouleversée au début des années 1980 par l'arrivée massive de nouveaux instruments électroniques, comme les synthétiseurs et boîtes à rythme conçus par les usines Roland. Certains groupes, issus des années 1970, comme Earth, Wind and Fire ou Kool & The Gang, s'approprient ces instruments tout en prolongeant l'esprit de la musique funk des années 1970, proche de la disco noire américaine, centrée autour du groupe et propice au live. D'autres artistes, groupes ou producteurs émergent, générant une musique différente, davantage tournée vers l'électronique et le travail en studio, définissant une nouvelle forme de groove, mais qui, par la présence de grandes voix et de compositions souvent mélodiques, renvoie néanmoins à l'esprit soul des années 1970.

Parmi les nombreuses personnalités représentatives de cette vague plus électronique de la funk, citons des producteurs comme Prince Rogers Nelson, Jimmy Jam et Terry Lewis, Kashif, Leon Sylvers III, Paul Laurence, Lester et Rodney Brown, William Anderson et Raymond Reid, David Frank, Marcus Miller... des groupes comme D. Train, Change, Cameo, Zapp & Roger, B. B. & Q. Band, The S.O.S. Band, Mtume, Starpoint, One Way, Loose Ends, The Whispers, Midnight Star, The System... des artistes comme Howard Johnson, Melba Moore, Evelyn King, Sharon Redd, Alexander O'Neal, etc. Durant cette période de nouveaux labels apparaissent et un très grand nombre de Maxi sortent pour des groupes qui parfois ne font que quelques titres avant de disparaître. C'est une période extrêmement prolifique, avec finalement, une très grande variété de sons. C'est la partie cachée de l'iceberg, toute une galaxie d'artistes qui n'est que trop méconnue.

Cette mouvance, au côté du hip-hop, contribuera de manière importante à l'évolution de la musique dite électronique. Vers le milieu des années 1980 un déclin relatif du funk s'amorce, en 1985 on assiste à la naissance de l' electro avec des artistes comme Colonel Abrams ou Afrika Bambaataa. Puis le new jack swing initié par Guy, la new wave ou l' acid house contribuent à son éclipse. Plusieurs styles de funk sont actuellement reconnus par les amateurs du genre. Parmi ceux-ci on retrouve :

Depuis les années 1990

Aujourd'hui, le funk reste un genre qui insémine de nombreux morceaux : l'écoute successive de de George Clinton (1982), puis de What's My Name de Snoop Dogg (1993) en est un bel exemple. En effet, tout au long des années 1990 et 2000, les producteurs hip-hop et R'n'B puisent beaucoup de samples et de breakbeats dans les disques de funk de l'époque pré- disco (avant 1975). Parallèlement, des artistes tels que Maceo Parker et Fred Wesley, respectivement ex-saxophoniste et ex-tromboniste de James Brown, qui entament individuellement une brillante carrière solo depuis les années 1970, perpétuent les véritables sources du funk dans leurs compositions, suscitant ainsi l'intérêt des puristes du genre. Par ailleurs, la scène funk est aussi active au travers de festivals ou de concerts (comme le Smooth Jazz Cruise) regroupant des artistes de renommée mondiale comme Marcus Miller, Brian Culbertson ou David Sanborn.

Jacques Barsamian et François Jouffa, Encyclopédie (de la) black music, Michel Lafon, Paris, 1994.

Sebastian Danchin, Encyclopédie du rythm & blues et de la soul, Fayard, Paris, 2002, ISBN 2-213-61224-2

Florent Mazzoleni, James Brown, l'Amérique noire, la soul et le funk, Hors Collection, Paris, 2005.

Vincent Sermet, Les Musiques Soul et Funk. La France qui groove des années 1960 à nos jours, L'Harmattan, Paris, 2008,ISBN 978-2-296-05854-5

Marc Zisman, Le funk : de James Brown à Prince, J'ai Lu-Librio musique, Paris, 2003, ISBN 2-290-32724-7

Rickey Vincent, Funk: The Music, The People, and The Rhythm of The One, St. Martin's Griffin, 1996, ISBN, 978-0312134990

Prince est un des artistes qui, tout au long de sa carrière, a repris le flambeau du funk, particulièrement sur scène en s'adjoignant des musiciens comme Maceo Parker ou le bassiste Larry Graham, un des pères de la technique du slap. Le groupe anglais Jamiroquai connait encore un énorme succès (plus de 40 millions d'albums vendus) grâce à sa recette à base de funk ultra-speed mélangée à différents courants notamment acid-jazz, rock, electro, et disco. suivant les périodes du groupe (1991 - 2012). Des morceaux comme , , , , ou encore sont de vraies réincarnation de la Funk rythmé Disco. Leurs dernier album, Rock Dust Light Star présente un mélange notable de funk, de rock, de jazz et un peu d'électro. Pour beaucoup d'amateurs de Funk, Jamiroquai représente l'héritage d'une Funk moderne.

Depuis quelques années (début 2010), une scène se reforme outre Atlantique (Funk Freaks, Mo Funk, Voltaire Records) et en Europe dans un sous genre nommé Modern Funk. Parmi cette scène nous pouvons citer des artistes tels que Dam Funk, XL Middleton, Benedek, Freekwency ou encore d'autres artistes européens tels que Cool Million, The Funky Drive Band, Fanateek One. Les disques de la grande époque funk attirent toujours de nombreux amateurs, comme en témoignent les nombreux vinyles qui circulent sur les sites d'enchères ainsi que le nombre de conventions discographiques en France, qui réunissent les passionnés. Le funk est présent sur les radios et en discothèque notamment le vendredi et le samedi soir.

Actuellement, de nombreux collectionneurs investissent dans les LP mais aussi les maxi 45 tours (ou bien maxi 33 tours) en découvrant d'autres artistes et groupes ayant produit uniquement aux US pendant les années 1970 et une bonne partie des années 1980 tout comme de nombreux LP n'ont jamais été ressortis en compact disc ce qui leur ajoute encore plus de valeur pour les collectionneurs. Aujourd'hui, la funk se voit évoluer, elle doit ce changement à l'évolution du matériel musical qui renouvelle le genre avec des mélodies plus électro. La funk à évolué avec son temps. Il est vrai que nous n'avons plus affaire à de la Funk Classique (Exemple : The Godfather of Soul James Brown ) mais de la funk moderne, mais l'esprit Funk (Positive attitude et joie de vivre), lui, reste inchangé.

Notes et références

Bibliographie

Liens externes

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Sous-genres Genres dérivés Le funk est un genre musical ayant émergé à la fin des années 1950 aux États-Unis, dans la lignée du mouvement hard bop, et qui s'est développée au cours des années 1960 et années 1970.

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Say it loud : I'm black and Proud de James Brown, 1968

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Say it loud : I'm black and Proud de James Brown, 1968

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Say it Loud- I'm Black and Proud James Brown

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‎(1965) Blues by Big Mama Thornton - Hound Dog and Down Home Shakedown

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Got my Mojo Working de Muddy Waters, 1966

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Got my Mojo Working de Muddy Waters, 1966

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Musique soul

La musique soul (en anglais, soul music qui signifie " musique de l' âme ") ou soul est une musique populaire afro-américaine née à la fin des années 1950 aux États-Unis, dérivée, entre autres, du gospel et du rhythm and blues. Elle est considérée par certains comme un retour du rhythm and blues aux racines dont il est issu : le gospel (musique d' église).

Le terme soul est associé à la musique noire américaine et apparait pour la première fois dans le titre de deux albums de Ray Charles : Soul en 1958 et Soul Meeting en 1961. Le développement de la musique soul a été stimulé par deux tendances principales : l'urbanisation du rhythm and blues et la sécularisation du gospel. C'est Ray Charles qui mélangea sa passion pour le gospel avec les rythmes saccadés du rhythm and blues pour donner naissance à la soul. On retrouve donc dans le soul une partie de l'émotion sacrée mêlée à des thèmes profanes, souvent à forte connotation sexuelle. La soul puise ses racines dans le pop, le gospel et le negro spiritual. La jeunesse noire l'a utilisée comme un mouvement contestataire pour réagir face à la communauté blanche et à l'envahissement du rock 'n' roll, qu'il soit blanc ou noir.

À la fin des années 1950, la volonté de proposer au public blanc des artistes noirs originaux conduit plusieurs labels à rechercher des versions commercialisables de la musique noire. Les deux labels les plus influents sont alors Stax (près de Memphis) et la Tamla Motown à Détroit. On les oppose souvent et l'on parle alors de southern soul avec Stax, plus proche des racines ( soul rapide et incisive), et de northern soul, plus dansante et plus influencée par la pop. De même, en termes de management, Motown - dont le slogan " la musique de la jeune Amérique " épouse les volontés d'émancipation de l'époque - est le premier label fondé et dirigé par un noir américain, le redoutable Berry Gordy. À l'inverse Stax est fondé par un blanc, Jim Stewart, et nombre de ses plus fameux musiciens de séance sont blancs eux aussi ( Steve Cropper, Donald " Duck " Dunn, Tom Dowd ...).

La soul explose véritablement dans les années 1960. Alors que, dans un style plus classique, s'impose le son du studio Muscle Shoals de Rick Hall et de ses compositeurs " maison " Dan Penn et Spooner Oldham (Muscle Shoals Recording: Aretha Franklin, Percy Sledge , Wilson Pickett,etc...), James Brown (" The Godfather of Soul ") et Curtis Mayfield introduisent des rythmes plus syncopés et donnent alors une nouvelle orientation à cette musique. C'est la création du , un style inséparable de la soul, qui atteindra son apogée dans les années 1970 et 1980, avec des groupes comme The JB's (les musiciens de James Brown), Sly and the Family Stone, Kool and The Gang, suivis par Bootsy Collins et George Clinton avec leurs formations déjantées ( Parliament et Funkadelic) : le P-Funk. Un son beaucoup plus axé sur les basses et les beats, les prémisses du nu soul.

En 1966, les latinos de New York inventent la latin soul, également appelée boogaloo.

Durant les années 1970, des Albums sont produits et deviennent des classiques du genre (notamment What's Going On de Marvin Gaye et Super Fly de Curtis Mayfield), mais la soul décline dans la seconde partie de la décennie, les ventes de disques étant alors dominées par le disco.

À la fin des années 1970 et au début des années 1980, de nouveaux artistes renouvellent le genre, à l'image de Michael Jackson avec Off the Wall(79), Rick James, Roger & Zapp, Prince et Luther Vandross. Ils popularisent définitivement la soul.

Un peu plus tard, en samplant les standards des années 1960 et 70, le rap contribuera à une nouvelle popularité de la musique soul. Certains groupes iront plus loin et fusionneront soul et rap, pour donner naissance au new jack swing, devenu , puis enfin au dans la seconde partie des années 1990 (fusion d'instrumentations organiques mais typées hip-hop et de textes et vocalises toujours dans l'esprit soul). D'Angelo, De La Soul, Erykah Badu, Maxwell et Omar, seraient à l'origine de ce mouvement.

Soul Labels

Articles connexes

Liens externes

Bibliographie

Jacques Barsamian et François Jouffa, Encyclopédie (de la) black music, Michel Lafon, Paris, 1994

Sebastian Danchin, Encyclopédie du rhythm & blues et de la soul, Fayard, Paris, 2002

Sebastian Danchin, Muscle Shoals, capitale secrète du rock et de la soul, Autour du livre-Les cahiers du rock, Paris, 2007

Phyl Garland, Les dieux du soul (the sound of soul), Buchet-Chastel, Paris, 1972

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Florent Mazzoleni, James Brown, l'Amérique noire, la soul et le funk, Hors Collection, Paris, 2005

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Florent Mazzoleni, L'odyssée de la soul et du R&B, Hors Collection, Paris, 2010

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Musique soul La musique soul (en anglais, soul music qui signifie " musique de l' âme ") ou soul est une musique populaire afro-américaine née à la fin des années 1950 aux États-Unis, dérivée, entre autres, du gospel et du rhythm and blues.