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Se atesoraban objetos en lugares recónditos e inaccesibles. Estos terminaban siendo parte del ajuar funerario del propietario, estaban destinados a acompañarlo hasta el más allá como parte de una creencia de ultratumba.

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Réplica de la tumba de Tutankamón. National Geographic.

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Desde las primeras dinastías se ve presente el coleccionismo en su culto a los muertos y sus creencias religiosas. Las tumbas eran decoradas con relieves, dibujos, grabados, inscripciones y representaciones plásticas en relación con el difunto. Tenían un valor representativo y ornamental que servía como muestra de su prestigio.

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Se obtenían objetos de botines de guerra y se hacía una exhibición de estos. Surge la organización sistemática de obras de arte (pre-museístico).

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Durante este periodo hay una gran producción y comercio de obras de arte. Se obtiene arte por intercambios y no por saqueos o victorias armadas.

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Surgen los primeros núcleos museológicos, los templos a los dioses, solo que por motivaciones religiosas y no estético-artísticas. Se crean las Thesaouroi, que eran espacios en los cuales los fieles depositaban ofrendas a sus dioses y se convirtieron en espacios de gran riqueza artística.

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Aparece la Pinacoteca griega, templo en el cual se exponían representaciones de los dioses. En la pinacoteca ateniense de las propileas se exhibieron paneles pintados de increíble belleza.

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En el 285 a.C. surgió el Museion de Alejandría, un santuario de las musas. Aquí se investigaba, discutía y se realizaban concursos en torno a estos temas. El Museion contaba con objetos y muestras de distintas disciplinas. En este periodo se observa una democratización del arte. Las exposiciones se abren al público y aumenta el interés por el arte y la figura de coleccionista amplió su espectro social.

Muchos coleccionistas privados almacenaron en sus casas: esculturas, pinturas, cerámicas y joyas y exponían sus obras una vez al año.

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Los primeros nombres de artistas que pasan a la posteridad, se vuelven más importantes e influyentes. Sus firmas se vuelven un valor añadido, en consonancia con el prestigio del artista.

Se deja de dar valor a las obras únicamente por el material del que estaban hechos y se comienza a tomar en cuenta: el firmante, la rareza o singularidad, antigüedad e historicidad.

Se instaura la copia o reproducción. Los personajes ilustres acaparan las colecciones privadas existentes.

Nacen dos papeles importantes: el marchante, quien era el encargado de llevar piezas a los coleccionistas y el crítico de arte.

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Se realiza compra, venta y exposición de obras de arte. Surge el Museum Romano, pero las razones artísticas siguen siendo secundarias. Surgen las dactilotecas que resguardan gemas. Se comienzan a acaparar las obras de arte, generales y emperadores se convirtieron en los principales coleccionistas ya que las exposiciones reafirmaban su posición social. Los militares usan las exposiciones con fines propagandistas. Las obras se obtienen por saqueos, botines o como trofeos de guerra.

Se crea un vínculo entre el mercado de arte y las propiedades inmobiliarias.

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Subastas como centro de compra-venta de piezas artísticas. Se comienzan a hacer copias legales de obras de arte lo que le da dinamismo al mercado. El marchante se vuelve una pieza clave, son expertos en el arte griego, y ejercen las transacciones. Las colecciones son bienes nominales, en su mayoría privadas y se encuentran en las salas de recreación de los pudientes.

Aunque en su mayoría las colecciones era privadas varios romanos intentaron ver las colecciones como un bien del patrimonio cultural público.

Surge el interés por coleccionar libros o bibliofilia, en su mayoría eran libros de los cuales los dueños desconocían la temática y contenido ya que las clases altas los  utilizaban para esconder su ignorancia intelectual.

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Corona de Recesvinto, parte del Tesoro visigodo de Guarrazar. Museo Arqueológico Nacional de España

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Con la caida de Roma surgen nuevas culturas en Europa iniciando la formación de tesoros: Objetos variados como relicarios, piezas de orfebrería litúrgica, manuscritos etc. Guardados en los ábsides de las Iglesias o salas especiales de catedrales y monasterios.

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Mitra de plata con piedras preciosas, Tesoro de San Jenaro. Catedral de Napoles

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Se inicia un nuevo coleccionismo desarrollado de una manera especial por la Iglesia-Institución, que se convierte en el centro del mundo artístico. El arte como forma de enseñanza en los monasterios y tiene reflejos también en los campos de la literatura y las ciencias

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San genaro Mitra de PLata Matteo Treglia

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Caballos de San Marcos, estatuas ecuestres del Hipodromo de Constantinopla llevadas a San Marcos, Venecia. 

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Las Cruzadas son acontecimiento importante en la formación de tesoros: Saqueo de Constantinopla en 1204 que origina los tesoros de San Marcos en Venecia y Sainte Chapelle en París.  Esta acción de "atesorar" más que de coleccionar será el germen de los Museos de la Iglesia: diocesanos, catedralicios, parroquiales y conventuales

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Tapiz en la sala de las piñas del Alcazar de Segovia. Museo del Alcazar de Segovia

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Siglo XV: Fin del coleccionismo medieval

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Siglo XV: Fin del coleccionismo medieval

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Comienza a abandonarse la idea del tesoro que considera al objeto sólo en su valor material y simbólico. Alejándo sus fondos del concepto de tesoro y acercándose, progresivamente, al de colección. La obra de arte comienza a contemplarse desde un sentido más hedonista, valorándose como pieza en sí y en la medida en que respondía al gusto de su poseedor, no solo o no siempre por su sentido simbólico o representativo.

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Castillo Sforza, actual sede del Museo de Arte Antiguo, Milan. Hisour

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Supuso la revalorización del mundo clásico y las culturas antiguas. Las colecciones renacentistas se conciben como elemento de prestigio. Grandes familias italianas sienten gran interés por la adquisición de obras de arte.
En Italia el coleccionismo se alimenta, además de obras de arte, de objetos del mundo natural (minerales, plantas y animales) pero se diferencia lo hecho por el hombre (artificialia) de lo hecho por la naturaleza (naturalia) dando más valor al primero

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Detalle decorativo de la Galería de Francisco I, palacio de Fontainebleu.  La Camara del Arte

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Renacimiento artistico cultural en Francia

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Renacimiento artistico cultural en Francia

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El eco cultural y artístico llega a Francia e inicia el coleccionismo de manos de Francisco I por la pintura. Colecciona pinturas de Da Vinci, Michelangelo y Tiziano quedando instaladas en el palacio de Fontainebleau. Por su contenido, puede considerarse como una colección renacentista, pero el tipo de presentación preludia ya el manierismo que se impondría en la segunda mitad del siglo XVI en el propio palacio de Fontainebleau.

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José y Jacob en Egipto, Pontormo. Arte LaGuía

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El Manierismo, parte del Bajo Renacimiento, es un estilo que surgió a mediados del Siglo XVI y estuvo vigente hasta finales del mismo. Su nombre viene de maniera (manera en italiano) y hace referencia a un enfoque estilizado y exagerado hacia la pintura y escultura, Siendo un período de transición entre el arte renacentista y arte barroco

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Cardenal Granvela, coleccionista con estilo del manierismo y mecenas de las artes. Museo del Prado

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A medida que avanza el siglo XVI, el coleccionismo adquiere cada vez mayor importancia y significación para las monarquías europeas. La colección de objetos del soberano se convierte no sólo en un manifiesto de su gusto artístico, sino que, al ir incorporándose otras piezas no estrictamente artísticas, se convierte en la manifestación de su total concepción del mundo, del arte, de la naturaleza y de la ciencia.

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Gabinete de curiosidades zoológicas (Gabinete de historia natural), Ferrante Imperato. Dell'Historia Naturale

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En la segunda mitad del siglo XVI y parte del XVII cuando aparezcan las "cámaras artísticas"

Se trata en todos los casos de colecciones muy variadas, constituidas por plantas, minerales, objetos artísticos y otros elementos de interés, formando un tipo de coleccionismo ecléctico que tendrá su momento álgido en el Manierismo.

Se instalan en los grandes palacios, se clasifican y se ordenan. Al mismo tiempo, existe una mayor preocupación por su colocación. el siglo XVI como el momento, a partir del cual, se forman los grandes patrimonios artísticos nacionales de Europa en torno a las Casas Reales, donde se gestaron los grandes Museos Europeos.

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Burgueses neerlandeses retratados. Nicolaes Eliasz Pickenoy. EL PAIS

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El siglo XVII es la consolidación de las colecciones monárquicas del siglo XVI, va a suceder un intenso movimiento de obras en toda Europa que dará lugar a importantes transformaciones de las mismas.
Lo más destacada de este siglo es el acceso al coleccionismo de una nueva clase social:la burguesía que surge en los Países Bajos. Sus símbolos lo constituirán la posesión de grandes viviendas, y los objetos valiosos como muebles, orfebrería, cristales venecianos o las obras artísticas de pintura, escultura, dibujo y grabado

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Impresión del Antiguo Edificio del Ashmolean Museum. Rare Old Prints

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Antes de finalizar el siglo XVII, concretamente en 1683, tuvo lugar la creación del primer museo organizado como Institución Pública, el Ashmolean Museum de Oxford. El museo se instaló en un edificio construido para este fin en 1683, se amplió con un laboratorio de química y una biblioteca y se nombró un conservador cuyo primer encargo fue elaborar un catálogo en latín.
En 1713, se redactó un reglamento que contemplaba una serie de normas en las que se hacía referencia a la administración del museo, la elaboración de catálogos e inventarios, las funciones del conservador, las horas de visitas y el precio de la entrada.

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Portada de Museographia escrito en Latín. Deutsches Textarchiv

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A lo largo del siglo XVIII van surgiendo ya algunos museos, se publica en 1727 un tratado con el nombre de "Museographia". donde se dan consejos o normas sobre la exposición de los objetos, la manera de conservarlos y su estudio.

Algunos autores fijan la evolución de los museos en tres etapas: la Alejandrina o creación del "Museion", la Renacentista o "Protohistoria" del Museo y la Revolución Francesa o creación del Museo del Louvre.

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Ilustración de Paris donde se observa el Louvre. Matthäus Merian 

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Creación del Museo del Louvre: Antecedentes

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Creación del Museo del Louvre: Antecedentes

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La creación del Museo del Louvre está estrechamente vinculada a las colecciones de la Corona. Estas se inician con Francisco I (1515-1547), quien formó una importante Pinacoteca en el Palacio de Fontainebleau.Continuador de este coleccionismo fue Luis XIV. Su ministro de Hacienda, Colbert, convierte la cultura y las artes en su programa político aumentando considerablemente las colecciones de la Corona dentro de los palacios de Louvre, Tullerías y Versalles.

La Revolución Francesa se da en 1789 lo que aceleró la creación del primer Museo público de Francia . Desde los inicios del movimiento revolucionario, se

incrementaron estas colecciones, se confiscaron todos los bienes de las Órdenes Religiosas y de la Nobleza y se formaron importantes depósitos en París y en algunas capitales de provincia de Francia.

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Museo del Louvre actualmente durante la noche. Behn Lien Song

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Por un Decreto de 1791, el Palacio del Louvre es destinado a funciones artísticas y científicas, concentrándose en él todas las colecciones que, hasta entonces, eran propiedad de la Corona.

La Institución, abre sus puertas al público el 10 de agosto de 1793 bajo la denominación de "Museo Central de las Artes" y también como el "Museo de la República". Esta fecha es clave porque será referencia obligada para el nacimiento de los grandes Museos Nacionales en Europa.

Puede decirse que el Museo del Louvre es el resultado histórico de una Nación que culmina con la Revolución Francesa. Las causas de su creación se deben al coleccionismo monárquico, a la labor científica de los hombres de la Ilustración y a la acción desamortizadora de la Revolución.

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Ilustración del Coleccionismo Burgues durante el siglo XIX. Pedro Martínez

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El coleccionismo americano es muy posterior al europeo. Su desarrollo tiene lugar entre 1880 y 1925. En el mercado del arte europeo aparecen coleccionistas privados. Surgen una serie de mecenas que por razones de prestigio y también porque con esta inversión en arte les supone desgravaciones fiscales muy altas, pretenden dotar al país de colecciones artísticas de las que carecen debido a su historia reciente.

El coleccionismo americano se inclina por la obra de arte maestra y única. Y esto, bien por el prestigio de la firma, bien por el valor artístico de la obra o, simplemente, por el precio.

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Dibujo de Fogg Art Museum, Museo de Arte más antiguo de Harvard. Autor Anónimo

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El origen de estos museos se entronca con una cierta actividad intelectual que se desarrolla a lo largo del siglo XVIII, momento en que se crean las Sociedades Eruditas, las Bibliotecas y los primeros núcleos museológicos bajo la forma de "gabinetes de curiosidades".

En ellos predominarán, sobre todo, ejemplares de historia natural, siendo raras las obras de arte. Será la Universidad de Harvard la pionera en este campo con la creación de uno de estos gabinetes, en 1750.

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Metropolitan Museum of  Art, el mayor museo de arte en Estados Unidos. THE MET MUSEUM

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El modelo americano de museo puede concretarse en las características siguientes:

desarrolla una financiación imaginativa, se da una participación de voluntarios en las diversas actividades que se llevan a cabo, se presta gran atención a los visitantes, se desarrollan programas comerciales y se atienden especialmente los servicios educativos, al tiempo que se da gran importancia al uso de técnicas de comunicación y marketing. Este sistema responde al estado particular de las estructuras culturales, políticas y económicas de la sociedad americana.

Sobre la gratuidad de los museos, existen dos opciones: la utilitarista y la humanista. La primera sostiene que, puesto que el museo aporta un servicio al visitante, éste debe pagar el precio por su consumición cultural. La segunda, por su parte, estima que los museos constituyen un servicio público que no debe pagarse obligatoriamente, aunque sí se podría realizar una contribución voluntaria.