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Dossier des spectacles Espèces et Le Plus Faibles des Deux

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Dossier des spectacles Espèces et Le Plus Faibles des Deux

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Récompensée par un Molière jeune public pour son spectacle In 1 et 2, Isabelle Hervouët a imaginé une série de duos adulte-enfant, à la suite des nombreux séjours qu'elle a effectués en Chine, en Égypte et au Liban. Alliant théâtre, danse et arts visuels, Espèces réunit ainsi sur scène le comédien et danseur libanais Aurélien Zouki et un jeune adolescent libanais dans un parcours initiatique où il est question de construire un monde meilleur, ensemble...

Un adolescent bricole dehors. Il peint, cloue, scie. Mais il a besoin d'autres outils et de deux autres mains pour tenir, tendre, porter. Un homme lui apporte une chaise bancale, une écharpe et un tas de terre. C'est peu mais tout ce que l'homme possède, tout ce qui lui a été transmis. Espèces d'humains, ils évoluent dans une espèce d'espace pas toujours confortable. Dehors, ils sont toutes les espèces à la fois, c'est une question d'envie et de survie. Comme les plantes, ils ont froid, chaud, soif, ils poussent, re-poussent, respirent, griffent, s'accrochent. Puis l'homme se souvient de quelques pas de dabké, cette danse libanaise pour tasser la terre sur les toits après la pluie. Alors ils inventent ensemble un dabké imaginaire...

Riche en images et sensations, ce duo libanais interroge l'hypothèse selon laquelle un monde habitable serait celui où un adulte et un enfant peuvent avancer ensemble en toute confiance, imaginer un futur. Une tranche de vie poétique et sensible qui parle à nos enfances et à celle des enfants qui grandissent aujourd'hui.

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Récompensée par un Molière jeune public pour son spectacle In 1 et 2, Isabelle Hervouët a imaginé une série de duos adulte-enfant, à la suite des nombreux séjours qu’elle a effectués en Chine, en Égypte et au Liban.

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©Éric Deniaud

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SKAPPA ! & associés est une compagnie de théâtre créée en 1998 par Isabelle Hervouët et Paolo Cardona : ensemble, ils conçoivent des spectacles " tout public ", adressés aux enfants autant qu'aux adultes qui les accompagnent. S'ils refusent cette catégorisation systématique de " jeune public ", c'est qu'ils ont choisi de porter une parole entière, sans concession sur le contenu, s'attachant à ne rien retrancher au sens sous prétexte d'une adresse à l'enfant.

Depuis vingt ans, ils réussissent ensemble un véritable travail de fildefériste, proposant un théâtre de pensée et de sensation adressé à tous, dès le plus jeune âge. La nécessité de rendre accessible leurs spectacles aux plus jeunes est devenue une gageure formelle, un enjeu dramaturgique ; être artiste et choisir de parler à l'enfant depuis sa place d'adulte, c'est se donner les moyens de créer du " tout-public " au sens noble, un théâtre dont les niveaux imbriqués de lecture et de sens sont une richesse.

Dès ses premières créations, Skappa ! a proposé un pont entre arts plastiques et arts de la scène : l'utilisation de l'image sous diverses formes est devenue la matière même du processus scénique, une image évolutive, porteuse du sens avec laquelle les comédiens construisent un échange physique et sensuel. Uccellini , l'une des premières créations de la compagnie, a été comme un manifeste posant les fondements de l'esthétique Skappa ! Dix-huit saisons après sa création, cette petite forme tourne toujours avec le même succès (plus de 1000 représentations).

Depuis plusieurs années, Skappa ! s'est agrandie en un collectif d'associés et les propositions artistiques se font de plus en plus transversales : théâtre d'objet, installations plastiques et visuelles, photographies, vidéo, chant et musique, danse ...

Ces formes résolument contemporaines ont forgé la reconnaissance de Skappa ! tant par les professionnels du secteur qu'au-delà des frontières du jeune public : depuis 20 ans, les créations de Skappa ! ont été accueillies par de nombreux théâtres et festivals notoires de France, Scènes Nationales, Scènes Conventionnées, mais aussi dans les plus grands festivals internationaux jeune public : Allemagne, Belgique, Canada, Chine, Danemark, Egypte, Espagne, Italie, Japon, Lituanie, Luxembourg, Portugal, Suisse, Liban...

Skappa ! a reçu le Molière jeune public en 2009 pour son spectacle IN 1 & 2, qui parle de ce qu'on empêche de pousser et de ce qui pousse malgré nous, mais aussi de ce qu'on est capable de faire pousser n'importe où parce qu'on prend le temps de regarder où on pose les pieds.

Paolo Cardona et Isabelle Hervouët assurent la direction artistique des projets de la compagnie depuis sa création. Mais le processus de recherche s'appuie plus sur le collectif que sur une structure pyramidale : une voix pour chacun et le théâtre, la musique, les arts plastiques, la danse, la philosophie comme des couleurs appliquées aux mouvements. Les spectacles sont les partitions des actions humaines de création et d'invention du vivant développées par les artistes travaillant à l'unisson.

Les acteurs, musiciens, photographes, techniciens, le personnel administratif, sans oublier le public, tous participent à la création.
Chaque rencontre est donc l'occasion d'un échange entre artistes, une nécessité partagée.

Un grand nombre d'associés, artistes ou non, ont accompagné SKAPPA ! de leurs savoirs depuis la création de la compagnie

Fabrizio Cenci : musicien et comédien, Olive Guillemain : vidéaste et plasticien, Thérèse Angebault : costumière, Check-ça ! : design graphique, Francesca Bettini : comédienne et auteur, Collectif 201 : musiciens électroacoustiques et performeurs, Armelle Désoche : costumière, Joëlle Driguez : chorégraphe, danseuse et chanteuse, Sylvette Ego : philosophe, Géraldine Keller : chanteuse et improvisatrice, Charlot Lemoine : comédien, Gyula Molnar: comédien et metteur en scène, Marie-Hélène Popelard : maître de conférences en philosophie et histoire de l'art, Flop : bricologue, René Sauloup : comédien, Annette Scheibler : comédienne, Jacques Templeraud : comédien, Carol Vanni : danseuse, Patrick Vindimian : concepteur et constructeur, Paolo Cafiero: régisseur son et lumière, Stéphane Delaunay : plasticien, Anne-Sophie Perrot : plasticienne, Adrien Merer : musicien et ingégneur du son, Marie Salémi : comédienne, Aline Maclet : comédienne et auteur, Christophe Loiseau : photographe et vidéaste, Judith Bouchier-Vegis : comédienne, Etienne Rey : plasticien, Philippe Domengie : vidéaste et comédien, Virginie Coudoulet : comédienne, Christophe Bruyas : régisseur lumière, Julie Dumont : régisseuse lumière, Nicolas Le Bodic : créateur lumières et machineries, Alain Gautré : auteur, Benoît Fincker : thechnicien, Catherine Poher : metteuse en scène, Mory Diallo : constructeur, Thibaut Boislève : régisseur lumière, Noémie Privat : plasticienne, Philippe Dorin : auteur, Francesca Sorgato : comédienne, Vania Dombrowsky : musicien

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SKAPPA ! & associés est une compagnie de théâtre créée en 1998 par Isabelle Hervouët et Paolo Cardona : ensemble, ils conçoivent des spectacles " tout public ", adressés aux enfants autant qu'aux adultes qui les accompagnent.

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Créations de la compagnie Skappa ! & associés 

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Créations de la compagnie Skappa ! & associés 

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Interview d'Aurélien Zouki, danseur dans le spectacle Espèces

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Interview d'Aurélien Zouki, danseur dans le spectacle Espèces

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A lire sur L'orient le jour

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De père libanais et de mère française, Aurélien Zouki commence par fréquenter très tôt le centre culturel que Lionel Ghorra avait créé dans sa propre maison, à Zouk Mikaël, et qu'il avait baptisé tout simplement " Art et culture ". À cette époque, dans les années 90, les activités culturelles sont peu nombreuses en région et le jeune homme écoute attentivement les conseils et recommandations donnés par son " guide ". Ces conseils et recommandations, qui l'accompagneront toute sa vie, lui permettront de développer non seulement une envie de travailler dans ce domaine, mais aussi cette conscience que le théâtre " peut agir à notre échelle, dans notre société, pour améliorer les choses ".

Baccalauréat en poche, Zouki s'installe en France pour poursuivre des études de théâtre, sans jamais perdre de vue son retour au pays natal. " Issu de la très dynamique et entreprenante génération des années 90, je sentais qu'il fallait apprendre quelque chose de différent pour revenir au Liban et participer à ce changement. " Tout en travaillant en France et en Italie, il ne cessera de passer par le Liban pour sonder le terrain et créer finalement, avec Camille Brunel, Rima Maroun et Éric Deniau, le collectif Kahraba. Cet ensemble artistique voit le jour officiellement en 2007, quelques mois après la guerre de 2006. Juste avant, les trois amis venaient de créer un spectacle qui s'intitulait Min wadi la wadi, mais quand la guerre éclate, ils sont séparés.

Alors que le projet est totalement chamboulé par les événements, Zouki et Deniau, loin de se décourager, rejoignent à nouveau Rima Maroun restée au Liban et forment alors le collectif avec Camille Brunel. " Collectif pour que le Liban se relève et qu'il doit travailler main dans la main. Et Kahraba, parce qu'à part la crise d'électricité qui avait ressurgi, le mot évoque l'énergie, tellement nécessaire au pays ", précise Aurélien Zouki. Le collectif leur permettra d'approfondir leurs collaborations tout en finesse en cherchant continuellement ce mélange entre théâtre, marionnettes, danse et " un amour pour les objets et la poésie des matières ". En constante recherche de cette poésie contenue dans un mouvement, un geste, une parole ou une impression, l'artiste surfe entre les disciplines. En 2010, il suit la formation de danse contemporaine Takween mise en place à Beyrouth pendant trois mois et il écrit un petit solo de 20 minutes qu'il interprète avec le même plaisir ressenti au théâtre. " Je ne suis pas un danseur académique, dit-il, mais le langage du corps est une autre expression poétique et décalée par rapport au réel et je la tenterai certainement encore une fois. " Générosité et partage sont les leitmotive du groupe. Pour le collectif Kahraba, l'essentiel est d'être dans un langage sensible accessible à tous. C'est ainsi qu'a été créé le festival multidisciplinaire, de plein air et gratuit Nihna wel amar jiran. Ce travail, né en 2011, n'a de sens que s'il est dans cette conscience du commun et du collectif qui vient à rebours d'une culture clanique et structurée. Comme un long poème où chacun écrit son quatrain. Pour toucher tout le monde, " le collectif est en permanence une éponge à sons et à rencontres, dont il s'abreuve ".
(Pour mémoire : Aurélien Zouki : " Une maison à la croisée des cultures ")
Un projet de culture
Aurélien Zouki a gardé ses rêves d'enfant intacts, non corrompus. Il se donne, tout au long de ses projets, les moyens de mettre en œuvre ces rêves-là. Un défi difficile dans un monde où l'on traite ces rêveurs de naïfs. " Je suis conscient d'être naïf et que ces rêves d'enfant sont parfois de l'ordre de l'utopie. Mais je suis dans la naïveté de vouloir croire que c'est possible et non dans celle de ne pas voir la réalité ", dit le jeune homme, décidé à s'éloigner du cynisme, de la désillusion et du découragement qui bloquent toute possibilité d'action.

" Est-ce parce que j'ai grandi dans une époque où j'ai été témoin d'événements qui n'ont finalement pas abouti à grand-chose ? Est-ce en raison de mes allers-retours avec la France pour me former et connaître d'autres sociétés? Est-ce parce que j'ai vu que même dans d'autres systèmes politiques, on retrouve le même appauvrissement culturel et la même misère dans les rapports humains ? Et qu'il est inutile de s'évader, car tout n'est pas rose de l'autre côté de la Méditerranée ? " s'interroge l'artiste.

Toujours est-il qu'Aurélien Zouki a choisi de rester au Liban et de construire, en faisant revivre un quartier ou récemment un village, comme le Hammana Artist House, un havre où l'art et la culture viennent se ressourcer pour établir des passerelles entre les hommes. C'est probablement pour cette raison que Robert Eid, fondateur de cet espace culturel, a fait confiance au collectif Kahraba afin de redéfinir ensemble les frontières illimitées de l'art. " Comment créer un objet théâtral qui ferait vivre une belle expérience autant à un enfant qui découvre pour la première fois ce qu'est un spectacle qu'à un public initié, tout en ne faisant pas de compromis sur la qualité. " Tel est l'objectif d'Aurélien Zouki pour qui le spectacle n'est pas une simple recette qui marche. En résonance avec le monde dans lequel il vit, l'artiste voudrait, toujours, " créer un moment de vie commune, revendiquant une certaine idée de la culture. Un vrai développement de la société pour élaborer l'imaginaire. Un projet qui s'inscrit dans la continuité du travail de nos aînés comme Zico House, Shams ou le Théâtre de Beyrouth qui étaient dans une dynamique d'entraide et de solidarité. Et qui perdurera, j'en suis certain, jusqu'aux plus jeunes générations ".

Dans la même rubrique Yazan Halwani, rebelle pour la bonne cause Oussama Baalbaki, mi-aérien, mi-terrestre Bassam Geitani, l'art, la guerre et la matière http://galeriecherifftabet.com/fr/alterner-home/
De père libanais et de mère française, Aurélien Zouki commence par fréquenter très tôt le centre culturel que Lionel Ghorra avait créé dans sa propre maison, à Zouk Mikaël, et qu'il avait baptisé tout simplement " Art et culture ". À cette époque, dans les années 90, les activités culturelles sont peu nombreuses en région et le jeune homme écoute attentivement...

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De père libanais et de mère française, Aurélien Zouki commence par fréquenter très tôt le centre culturel que Lionel Ghorra avait créé dans sa propre maison, à Zouk Mikaël, et qu'il avait baptisé tout simplement " Art et culture ".

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Article sur le dabké, danse traditionnelle libanaise

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Article sur le dabké, danse traditionnelle libanaise

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La dabké est une danse folklorique commune à plusieurs pays du levant. On la retrouve au Liban, en Palestine, en Syrie en Jordanie mais également en Irak.

Traditionnellement dansée lors de célébrations, elle connaît plusieurs variations régionales. Le principe est l'alignement en arc de cercles de femmes et d'hommes se tenant par le bras principalement rythmé par des frappes énergiques au sol. Le meneur de la dabké donne le ton en entraînant l'ensemble des danseurs avec lui.

La dabké en tant que danse traditionnelle est un puissant vecteur d'identification culturelle pour nombre de ces pays.

Pour aller plus loin :
https://ich.unesco.org/fr/exemples-de-patrimoine-vivant-de-la-region-00379

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Le dabké, danse populaire du Liban, de la Palestine, de Syrie, de Jordanie et d'Irak

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La dabké est une danse folklorique commune à plusieurs pays du levant. On la retrouve au Liban, en Palestine, en Syrie en Jordanie mais également en Irak. Traditionnellement dansée lors de célébrations, elle connaît plusieurs variations régionales. Le principe est l'alignement en arc de cercles de femmes et d'hommes se tenant par le bras principalement rythmé par des frappes énergiques au sol.

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À découvrir sur Numéridanse

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" La danse, dans son approche de co écriture avec les technologies numériques, ne pourrait-elle ou ne serait-elle pas être un des moyens possibles de réincarner un corps désincarné par ces mêmes technologies, devenues aujourd'hui de plus en plus intrusives et ubiquitaires "

Créations de spectacles, performances participatives et installations mêlant danse contemporaine et arts numériques interactifs. Une constante dialectique entre le corps vivant (vécu) et le corps visuel (donné à voir ou virtuel).

Spectacles immersifs où la technologie est au service d'une amplification des sens, une augmentation de la perception.

Myselves, spectacle chorégraphique interactif, met en scène un dialogue entre une danseuse et ses moi multiples, incarnés dans une créature visuelle et sonore autonome et imprévisible, émanation de sa psyché telle qu'interprétée par des capteurs corporels et optiques.
Co conçu avec le plasticien numérique Antoine Schmitt et la danseuse Marianne Masson.
Une œuvre contemplative, métaphysique. Un voyage intérieur. Un contact avec le mystère du souffle de vie.

Un lieu, une date clé : festival international des Arts Vidéo, FIAV, Casablanca, Maroc, avril 2019

Spectacle combinant danse contemporaine et médias numériques interactifs basés sur une relecture de " La Maison d'Astérion " de Jorge Luis Borges (inspiré du mythe du Minotaure). Le spectacle peut être vu de l'intérieur (public au centre de la scénographie sur le plateau) ou de l'extérieur.
En étroite collaboration avec 1minute69, Illusion audiovisuelle interactive : Aurélie Dumaret & Emilie Villemagne, artistes numériques.
Créé avec et dansé par Marianne Masson & Mario Sáez.

Un lieu, une date clé : Hiroshima Theater, Barcelone, festival Fenomens, octobre 2015

Spectacles participatifs dans lesquels c'est la technologie elle-même qui est questionnée, directement.
Son utilisation impose ainsi une réflexion sur l'esthétique de masse et la responsabilisation du public face à une œuvre collective.

Performance chorégraphique participative avec interaction via smartphones, à désir...
" Une dramaturgie ouverte, dynamique, aléatoire et jubilatoire "
Co conçue avec Sarah Fdili Alaoui (scientifique et artiste)

Collaboration technologique : Arnaud Courcelle (concepteur du dispositif interactif de téléphonie mobile)
Créé avec et dansé par Ambre Cazier, David Mazon Fierro, Izaskun Insausti Lorente et Mario Garcia Sáez.

Un lieu, une date clé : inauguration de la Scène de recherche de l' ENS Paris-Saclay, Évènement EXPLORE!, 31 janvier 2020

Version réalisée en extérieur dans le cadre du Festival Tomorrow Stories (Storygraphes), Centre Culturel Bellegarde, Toulouse, septembre 2019

Voir d'autres versions sur https://vimeo.com/359647099 : dans le cadre du 50ième anniversaire du premier pas sur la Lune - Apollo Day, Cité de l'espace, Toulouse, juillet 2019

Spectacle de danse participatif via smartphones.
Confrontation ludique entre les valeurs judéo-chrétiennes ancrées dans notre culture et les nouvelles valeurs de notre société individualiste qui légitime le narcissisme et le culte de soi.

Les interactions avec le public prennent la forme de messages envoyés sur les smartphones des participants, grâce à un réseau de téléphonie mobile local.
Scénographie numérique, conception du dispositif participatif : Arnaud Courcelle

Danseurs-performeurs, partenaires de création : Fabien Gautier & Marianne Masson

Compositeur : Emmanuel Mondolfo.

Un lieu, une date clé : Institut Français, Barcelone ( Festival Fenomens), novembre 2017

Projets hybrides, à la fois installations interactives, pièces chorégraphiques et espaces multi sensoriel.
Le ou les performeur.ses invitent le public, par leur présence et leur danse, à s'approprier de l'environnement et vivre par eux-mêmes l'interaction physique.

Installation performance mêlant " danse et intelligence artificielle " de Jean-Marc Matos (chorégraphe) Clément Barbisan (programmeur), Thomas Guillemet (artiste et designer) en co conception & création, avec Pauline Lavergne (danseuse-performeuse).
" Le corps comme limite du code ". Une installation interactive grandeur nature dans laquelle le visiteur, par ses " qualités de mouvements inhabituels", a la capacité d'épuiser le code informatique et mener au " crash " le système numérique qui le suit à la trace et analyse ses moindres gestes.
Portfolio dédié : https://www.k-danse.net/portfolio/bodyfail

Site descriptif dédié : http://bodyfail.com/

Un lieu, une date clé : Entretiens de Royaumont, La Sorbonne Abu Dhabi, Émirats Arabes Unis et l'Institut Français, septembre 2018

Un processus théâtral immersif, numérique et physique.

Une utopie de l'échange.

Une chorégraphie augmentée se donnant à sentir par des visions décentrées grâce à l'interactivité et au contact entre danseurs et public.

Un espace concret de fiction que le spectateur ne peut saisir d'un seul point de vue. Metaphorá crée un univers utopique et tangible où coexistent, dans une composition ouverte, théâtre, corps sensible et communauté complice et suscite à la fois un " monde sans lieu " et un lieu vivant " quelque part ".
Partenaires de création : Aurélie Dumaret & Emilie Villemagne (création vidéo, images génératives)
Danseurs, performeurs, interprètes : Marianne Masson & Mario G. Sáez
Programmation système interactif : Arnaud Courcelle

Création musicale : Emmanuel Mondolfo

Un lieu, une date clé : Quai des Savoirs, Toulouse, pour Metabody_Toulouse, dans le cadre de la Nuit Européenne des Chercheur.e.s, septembre 2016

Projets traversés par la question du rapport corps-technologie dans l'espace relationnel humain, l'évolution de l'être, la liberté dans l'espace contraint, les relations homme-femme.

Escales Tactiles, Gameplay, Echo Room, Para_site, Lovely User

Projet en collaboration avec le duo Scenocosme (Grégory Lasserre et Anaïs met den Ancxt)
Créé avec et interprété par : Aude Miyagi, Julien Lecuziat
Spectacle chorégraphique qui convoque la vision et le toucher, dans un dispositif sonore et lumineux interactif où se rencontrent les corps augmentés de deux danseurs
L'innovation technologique concerne la conception d'un costume sensitif inédit et d'un tapis de danse câblé sur mesure rendu sensitif, la réalisation d'une musique interactive originale, et d'un dispositif lumineux réactif, ainsi que le développement d'une plateforme électronique et logicielle capable de traiter et traduire en temps réel toutes les données provenant des zones de contact entre les corps, en fonction de l'évolution de la chorégraphie.
Un lieu, une date clé : Festival Les Bains Numériques #7 - Enghien Les Bains, juin 2012

En collaboration avec le plasticien-programmeur Antoine Schmitt
et le danseur Benjamin Aliot-Pagès.

Gameplay transpose le langage et la technologie des jeux vidéo dans un environnement chorégraphique pour opérer une remontée à l'une des sources communes de ces deux médiums, la notion d'épreuve physique. Plongé dans des tableaux visuels, sonores, perceptifs et surtout semi-autonomes, le danseur s'y confronte dans une chorégraphie ancrée aux racines initiatiques de la danse.

Un lieu, une date clé : festival DID, Milan, Italie, février 2009

Echo Room questionne la domination de l'autre, le comportement humain, les structures relationnelles. La chorégraphie puise dans une dialectique entre le corps à la fois construit socialement et hérité - et le corps vécu et libre de ses choix. L'incontrôlable se juxtapose au contrôlé et s'impose comme un écho du passé.

Trois versions d'un duo de danse sont données à percevoir en simultané : un duo "live" et deux autres visions visuelles et sonores entre lesquelles le regard et l'écoute des spectateurs peuvent circuler librement. Grâce aux capteurs physiologiques embarqués la relation qui se déroule sous nos yeux nous renvoie à une perception augmentée de nos propres relations.

Un lieu, une date clé : Centre National des Ecritures du Spectacle, La Chartreuse de Villeneuve-Lès-Avignon, 2009

S'inspirant de " Surveiller et punir : naissance de la prison " de Michel Foucault, Para_site interroge la liberté surveillée dans un environnement chorégraphique.
La danseuse, observée dans un espace réduit, est contrôlée par des capteurs corporels et physiologiques qui déclenchent des effets visuels et sonores selon son comportement.
En collaboration avec l'artiste-programmeur Ivan Chabanaud, le compositeur Roland Cahen et la danseuse Yuko Yamada.
Un lieu, une date clé : festival IDN, Caixa Forum, Barcelone, Espagne, mars 2007

Spectacle danse-théâtre-image-dispositifs interactifs, avec Melina Faka et Claudio Stellato.

Collaboration avec le plasticien David Coste.
Entre réalité et fiction les deux danseurs-comédiens, par un jeu continuel de mises en abîme, de décadrages, et de capteurs optiques et sonores, entrent en relation avec le visible/invisible, le réel/imaginé et leur propre espace mental.

Un lieu, une date clé : festival Monik, Odyssud, Blagnac, avril 2005

K. Danse réalise d'autres projets hybridant danse contemporaine et arts numériques :
- Des spectacles et performances " en ligne " connectant par téléprésence des sites distants
- Des installations utilisant la Réalité Virtuelle

Voir les projets Danse e-Toile (chorégraphie partagée en simultané entre la France et l'Inde) et RCO Remixed, expérience interactive en VR (2019-2020)

Danse e-Toile
Chorégraphie télé-partagée en simultané entre la France et l'Inde
Un lieu, une date clé : Festival La Novela, Cité de L'Espace (Toulouse), France et Institut Indien d'Astrophysique (Centre Crest, Hoskote), Inde, octobre 2009

RCO Remixed
Expérience interactive en VR (2019-2021)
Un lieu, une date clé : Festival International d'Art et Réalité Virtuelle @Recto_VRso du @lavalvirtual, Laval, avril 2020

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Danse et arts numériques| Numeridanse tv

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Créations de spectacles, performances participatives et installations mêlant danse contemporaine et arts numériques interactifs. Une constante dialectique entre le corps vivant (vécu) et le corps visuel (donné à voir ou virtuel).

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L’histoire de la danse orientale, entre fantasme et réalité à lire sur Francemusique.fr

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Qui dit danse orientale dit déhanchement, ondulation, sensualité. Mais d'où nous vient cette représentation de la danse orientale ? Existerait-il une seule et même danse d'Orient ?

Scène de danse dans le film "Le Chant du Désert" (1943). , © Getty / John Florea/The LIFE Picture Collection

" Les paupières entre-closes, elle se tordait la taille, balançait son ventre avec des ondulations de houle, faisait trembler ses deux seins " : en 1877, Gustave Flaubert décrit avec ces mots la danse de Salomé, princesse orientale, dans le conte Hérodias.

Depuis, la représentation ordinaire de la danseuse orientale n'a pas (ou que très peu) changé : sensuelle, instinctive et séductrice, incarnation du charme et d'une certaine féminité. Selon Mariem Guellouz, maître de conférences à l'université Paris Descartes, sociolinguiste et danseuse, toutes ces images ne sont pas nécessairement fausses, stéréotypées, " mais la danse orientale évoque un imaginaire qui s'est construit, fabriqué tout au long d'une histoire bien particulière. "

C'est cet imaginaire, que nous allons tenter de comprendre et de déconstruire.

Pas une, mais des danses orientales

" La danse orientale au singulier est pour moi un terme générique qui renvoie à une pluralité de pratiques. C'est dans ce sens que parfois, avec une petite touche de provocation, je dis que la danse orientale n'existe pas ", poursuit Mariem Guellouz. " Sous la même dénomination "danse orientale", on inclut par exemple toutes les danses du Maghreb. Or, bien que le Maghreb [Afrique du Nord] et le Machrek [Irak, Syrie, Liban, Jordanie] fassent partie de cette entité qu'on appelle le monde arabe, ils regroupent évidemment des cultures et pratiques bien différentes. "

Il y a autant de danses en Orient que de cultures, de territoires, ou de genres musicaux... Certaines traditions chorégraphiques sont festives, liées par exemple à des cérémonies (le chaâbi marocain), d'autres sont réservées à la scène. Certaines danses sont exclusivement masculines, comme le rasq tahtib en Egypte, d'autres s'exécutent en groupe mixte : c'est le cas notamment du Ahwash berbère...

Difficile de recenser la variété des danses d'Orient, d'autant que beaucoup d'entre elles sont désormais mélangées, nourries de métissages, de rencontres entre tradition et modernité. Aussi Mariem Guellouz préfère-t-elle employer l'expression " danses orientales " au pluriel, ou celle de " danses du monde arabo-berbères ", tout en continuant à s'interroger : " Pourquoi de toute cette diversité de pratiques, l'oeil occidental n'a-t-il retenu que la composante féminine, érotique et sensuelle ? "

Danse et Orientalisme

L'orientalisme est un courant artistique des XVIIIe et XIXe siècles : au temps des Lumières et des Romantiques, de nombreux peintres et écrivains européens (notamment Français) sont allés puiser leur inspiration dans les univers orientaux ou, du moins, dans la représentation fantasmée qu'ils pouvaient avoir de l'Orient.

Certains artistes - tels que Flaubert ou Chateaubriand côté plume, Delacroix ou Gérôme côté pinceau - ont plié bagages et voyagé vers l'Est, grâce notamment aux nouveaux moyens de transport. D'autres, Montesquieu et Victor Hugo pour ne citer qu'eux, ont imaginé l'Orient depuis leurs appartements parisiens et ont donné ainsi naissance à quelques chefs-d'oeuvre de la littérature : les Lettres Persanes pour le premier, Les Orientales pour le second.

Au XIXe siècle en particulier, " l'Orient, soit comme image, soit comme pensée, est devenu, pour les intelligences autant que pour les imaginations, une sorte de préoccupation générale " ( Les Orientales, Préface, Victor Hugo, 1829), une préoccupation entretenue notamment par les campagnes militaires de Napoléon en Egypte ainsi que par l'Empire Colonial.

Or, l'une des principales figures de cet univers artistique orientaliste, c'est la femme, la figure féminine. Shéhérazade dans les Mille et une Nuits (traduites en 1717 par Antoine Galland), l' Odalisque d'Eugène Delacroix (1825), Salammbô de Flaubert (1862), Dalila dans le grand opéra de Saint-Saëns ... La femme orientale, souvent fatale et tentatrice, incarne un fantasme. Elle est charnelle, dénudée, et à l'exact opposé de ce que ce doit d'être alors la femme bourgeoise européenne.

Et ce fantasme va bientôt prendre corps, à Paris, à l'occasion des grandes Expositions Universelles. En 1889, par exemple, c'est aussi bien l'architecture des maisons dites de style arabe que les belles danseuses du ventre que l'on vient admirer dans le quartier égyptien reconstitué, la fameuse Rue du Caire.

La danse du ventre

Ces danseuses du ventre qui fascinent tant les visiteurs de l'Exposition Universelle vont peu à peu se retrouver à l'affiche des cabarets et autres lieux de divertissements nocturnes. Mata Hari ( soleil en hindi, Margaretha Zelle de son vrai nom) danse et se dénude au Musée Guimet puis à l'Olympia ; Ida Rubinstein incarne Shéhérazade pour la compagnie de Serge Diaghilev, les Ballets Russes... Colette fait scandale en dansant à demi nue (et en embrassant sur scène son amante Mathilde de Morny) dans le spectacle Rêve d'Egypte au Moulin Rouge ... La Belle Epoque a soif d'érotisme et d'exotisme.

Mais ce n'est pas de danse orientale dont il est question alors : on parle plutôt de danse du ventre et le plus souvent ces chorégraphies incluent une forme d'exhibition, de semi nudité.

" Au singulier jeu de se balancer, à droite, à gauche, les genoux écartés, la taille roulant sur les reins, avec le frémissement continu d'une almée dansant la danse du ventre " Emile Zola, Nana, 1880.

A la même époque, le terme d' almée fait lui aussi son apparition à Paris pour désigner la danseuse du ventre, alors même qu'il faisait à l'origine référence, en Egypte, aux femmes savantes et instruites, maîtresses des arts, de la musique et de la danse. En fait, " on a mis en scène une danse qui jusque là était pratiquée dans un tout autre contexte, dans des lieux où régnait un tout autre rapport au corps et à la pudeur ", fait remarquer Mariem Guellouz.

Gloire et paradoxe

A Paris, la danse du ventre rencontre le ballet classique, et ses interprètes vont ainsi intégrer quelques arabesques et demi-pointes à leurs chorégraphies. Or ce même métissage va être reproduit à l'Est, en Egypte notamment, berceau de la danse orientale telle qu'on la pratique actuellement. En 1926, la danseuse libano-syrienne Badia Masabni s'inspire ainsi des cabarets parisiens et ouvre son célèbre Casino Opera au Caire.

Les spectacles de Madame Badia vont ouvrir la voie en Egypte à toute une génération de danseuses : Tahia Carioca, Samia Gamal, Naima Akef ... Dans les années 1930-1940, elles ont chacune contribué au rayonnement international de la danse égyptienne, notamment grâce au cinéma.

Avec ses 120 films et ses rôles de femmes fatales,Tahia Carioca se fait surnommée la Marilyn Monroe du Monde Arabe par la presse internationale et devient l'une des grandes ambassadrices de l'âge d'or du cinéma égyptien.

Pour Mariem Guellouz, c'est une étape paradoxale dans l'histoire de la danse : " On assiste à une forme de standardisation de la danse orientale d'après le modèle de la danseuse en costume deux pièces qui se produit devant des hommes, dans les cabarets ou restaurants, mais en même temps, c'est une période de gloire pour ces danseuses. "

Vers une reconnaissance artistique

Aujourd'hui " il ne s'agit en aucun cas de juger, précise Mariem Guellouz, mais de comprendre la fabrication de cette danse dite orientale. Tout cet imaginaire qui fait désormais partie de son histoire. Certains aiment la pratiquer ainsi, mais d'autres veulent aussi lui donner un nouveau statut, revendiquer un travail de création. "

Côté création, la chorégraphe Saâdia Souyah choisit par exemple de (re)couvrir les corps (notamment les ventres) au profit d'une rencontre entre tradition et contemporanéité. Le danseur libanais Alexandre Paulikevitch, lui, opte plutôt pour le dévoilement du corps, le mélange des genres et des représentations.

Si les cours de danse dite orientale rencontrent un franc succès, les artistes déplorent en revanche un manque de représentation sur scène, dans les théâtres et autres hauts lieux de diffusion.

" Il y a beaucoup de danseurs qui se battent aujourd'hui pour obtenir un statut d'artiste ", constate Mariem Guellouz, alors même que certaines danseuses sont aujourd'hui condamnées ou menacées, en Egypte par exemple, où plusieurs d'entre elles ont été accusées de provocation et d'incitation à la débauche dans un contexte d'instabilité politique et de durcissement religieux.

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L'histoire de la danse orientale, entre fantasme et réalité

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Qui dit danse orientale dit déhanchement, ondulation, sensualité. Mais d'où nous vient cette représentation de la danse orientale ? Existerait-il une seule et même danse d'Orient ? " Les paupières entre-closes, elle se tordait la taille, balançait son ventre avec des ondulations de houle, faisait trembler ses deux seins " : en 1877, Gustave Flaubert décrit avec ces mots la danse de Salomé, princesse orientale, dans le conte Hérodias.

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Corps dansants et nouvelles technologies : dépasser l'utile et l'agréable à lire sur La Terrasse

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Corps dansants et nouvelles technologies : dépasser l'utile et l'agréable - Journal La Terrasse

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Que dire de la relation qu'entretient aujourd'hui la danse avec les nouvelles technologies ? Entre outil pour le travail du corps, pour sa représentation ou pour la composition de la danse, et média ou discipline collaborative aux projets, les approches sont nombreuses. Sont-elles réellement créatrices de nouvelles formes ?

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Jeu pour créer sa "propre chorégraphie" en ligne avec des danseurs réels

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Make your move. Create your own unique dance video with Mix The Body, from British Council and Studio Wayne McGregor

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Jeu autour de la danse à faire en classe ou à la maison

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Jeu autour de la danse à faire en classe ou à la maison

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