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Sonia Bazanta Vides (Talaigua Nuevo, Bolívar, Colombia, 1 de agosto de 1940),²​³​ más conocida como Totó la Momposina, es una cantante de música folclórica de la Costa Caribe de Colombia.⁴​

Biografía[editar]

Su música combina elementos africanos e indígenas tal como sucedió durante la época de la colonización española en América. Los ritmos que nacieron de esa fusión fueron múltiples siendo los más representativos tal como la gaita, la cumbia, el porro, la chalupa, el sexteto y el mapalé.

Pertenece a la cuarta generación de una familia dedicada a la música, aprendió a bailar y cantar desde niña pues su padre, Daniel Bazanta, era percusionista y su madre, Libia Vides de Bazanta (fallecida el 22 de septiembre en 2018), cantadora y bailarina. En 1964, junto a sus padres y hermanos conforma su primer grupo. Después de estudiar en el conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y de realizar varias giras internacionales, en 1982 acompañó a Gabriel García Márquez a recibir el Premio Nobel de literatura en Estocolmo, Suecia.

Grabó su primera producción en Francia en el año 1983. Posteriormente se dedicó a recorrer Europa y a estudiar en la universidad de La Sorbona de París, así como en otras instituciones de Santiago de Cuba y La Habana.

En 1991 participó en el Festival Cervantino de Guanajuato y en el festival de música del Caribe en Cancún, ambos en México. Ese año es invitada por WOMAD (World Music Arts and Dance), la fundación de Peter Gabriel, para grabar con el sello Real World el álbum “La Candela Viva” que apareció en el año 1993. En 1992 representa a Colombia en la Feria Mundial realizada en Sevilla, España .

En 2002 fue nominada al Premio Grammy Latino en la categoría mejor álbum tropical tradicional por Gaitas y Tambores. Posteriormente, en el año 2010 fue invitada a participar de la noche latinoamericana de los festejos por el Bicentenario de Argentina, el 22 de mayo, junto con grandes cantantes latinoamericanos. Ha hecho colaboraciones con artistas como Calle 13, Lila Downs, Celso Piña, Mónica Giraldo, Alfonso Espriella y Jorge Celedón

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Totó La Momposina - El Pescador (live at Real World Studios)

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Teddy Swims es un cantante y compositor estadounidense nacido el 25 de septiembre de 1992 en Conyers, Georgia. Su nombre real es Jaten Collin Dimsdale. Su música combina géneros como R&B, soul, country y pop.

Comenzó su carrera musical en 2019, cuando su amigo Addy Maxwell lo invitó a rapear sobre algunos ritmos que había hecho. Esto lo llevó a actuar como telonero en una gira por Estados Unidos con Tyler Carter. En esta gira, comenzó a actuar bajo el nombre de Teddy Swims, que se refiere a un apodo de su infancia que hace referencia a su tamaño y a un acrónimo en Internet para “alguien que a veces no soy yo”, en referencia a la idea de integrar diferentes partes de su personalidad.

Saltó a la fama en 2023, después de que su sencillo "Lose Control", encabezara las listas musicales y alcanzara el top diez en Europa y Estados Unidos. Se considera su sencillo revelación como artista. Fue precedido por el lanzamiento de su primer álbum de estudio, I've Tried Everything but Therapy , que alcanzó el top 10 en Australia y Países Bajos. En 2024, fue nombrado "Artista Push de febrero" por MTV.²​

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-Víctor Lidio Jara Martínez (1932-1973), conocido como Víctor Jara fue un músico, cantautor, profesor, escritor, y director de teatro chileno.
La figura de Víctor Jara es un referente internacional de la canción protesta. Fue uno de los más emblemáticos del movimiento músico-social llamado «Nueva canción chilena», y uno de los pilares en la música latinoamericana.

-Después de cumplir el servicio militar, ingresó en el coro de la Universidad de Chile, participando en el montaje de Carmina burana, comenzando así su trabajo de investigación y recopilación Folclórica

-En 1961 compuso su primera canción, "Paloma quiero contarte."

-Con la canción «Plegaria a un labrador» ganó el primer premio en el primer festival de la Nueva Canción Chilena.

- Al asumir Salvador Allende como presidente de Chile, Jara fue nombrado embajador cultural, y en 1971 compuso la música, junto con Celso Garrido Lecca, para el ballet Los siete estados, de Patricio Bunster que se puso en el Ballet Nacional (Banch). Junto con Isabel Parra e Inti-Illimani, entró en el Departamento de Comunicaciones de la Universidad Técnica del Estado. Con la discográfica Dicap, editó el disco El derecho de vivir en paz, que le valió el Laurel de Oro a la mejor composición del año.

Trabajó como compositor de música para continuidad en la Televisión Nacional de Chile de 1972 a 1973, e investigó y recopiló testimonios en Herminda de la Victoria, en los cuales basaría su disco La población. También viajó a la Unión Soviética y a Cuba, y dirigió el homenaje a Pablo Neruda por la obtención del Premio Nobel.

Discos de estudio

1966: Víctor Jara

1967: Canciones folclóricas de América (con Quilapayún).

1967: Víctor Jara

1969: Pongo en tus manos abiertas...

1970: Canto libre

1971: El derecho de vivir en paz

1972: La población

1973: Canto por travesura

Discos grabados en vivo

1978: El recital

1996: Víctor Jara en México

1996: Víctor Jara habla y canta

Muerte:
Jara fue detenido por las Fuerzas Armadas de la dictadura militar recién establecida, debido a su militancia en el Partido Comunista de Chile. Fue torturado y asesinado en el antiguo Estadio Chile, que con el retorno de la democracia fue renombrado «Estadio Víctor Jara».

ALBUM LAUREL DE ORO A LA MEJOR COMPOSICION DEL AÑO 1971:

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Victor Jara - El Derecho de Vivir en Paz (Álbum completo)

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Marta Gómez (Girardot, Cundinamarca, Colombia, 11 de septiembre de 1978) es una cantautora colombiana radicada en Barcelona (España) desde 2009. ​ Su trabajo entrelaza los distintos colores y timbres de la guitarra, así como lo armónico-melódico de sus canciones y sus letras con los principales ritmos folklóricos latinoamericanos y aires de jazz.

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"Manos de Mujeres" - Marta Gómez (Feat: Martirio, Andrea Echeverry & Anat Cohen)

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Dimmu Borgir es una banda noruega de black metal sinfónico, fundada en 1993

"Dimmu Borgir" proviene de dimmuborgir, que significa "Ciudades Oscuras" en islandés, también es un conjunto de cuevas formadas por la lava en Islandia que según los noruegos son la entrada al averno infernal.

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DIMMU BORGIR - Mourning Palace (LIVE FORCES OF THE NORTHERN NIGHT)

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Marcelo Berbel                   Nació el 19 de abril de 1925 en Plaza Huincul, en Neuquén, Argentina. Fue poeta, compositor, escritor de obras inéditas y músico folklorista de la Patagonia. Sus padres, Juan Berbel y María Teresa Arriagada, natural del Neuquén y descendiente de Mapuches.Fue uno de los poetas más influyentes de la Patagonia, de hecho fue quien compuso los himnos oficiales de la provincia de Neuquén y de su capital, junto al compositor Osvaldo Arabarco.Sus famosas canciones han sido interpretadas por reconocidos artistas de la Argentina y con una amplia difusión, inclusive han sido adaptadas a diversos estilos. Por ejemplo: La Pasto Verde, El embudo, Amutuy, Soledad, son tan solo algunos de sus temas que han ganado gran popularidad de la voz de cantantes como Jorge Cafrune, José Larralde, Soledad Pastorutti, León Gieco, Malón y Rubén Patagonia. Además de componer temas con autores tales como Pablo Neruda, a quien se lo consideró el “Más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma”.Es interesante notar como Marcelo Berbel también cumplió funciones legislativas, donde se desempeñó como convencional constituyente en la redacción de la constitución de esa provincia patagónica. Marcando su postura firme, una vez declaró lo siguiente:“Mi política es celeste y blanca y mi patria son los mapuches”.Además es padre de los integrantes del dúo Hermanos Berbel, que fue conformado primero por Néstor Armando Berbel (Guchi) y Hugo Marcelo Berbel (Chelito). Luego del fallecimiento de “Guchi”, el dúo continuo de la mano de “Chelito” y se sumó Marité Berbel, quienes lograron llevar a la música a tantos escenarios nacionales como internacionales.Marcelo Berbel falleció el 9 de abril de 2003, por una afección pulmonar en la capital neuquina. Sin duda alguna, Marcelo Berbel le dejó un legado invalorable al folklore argentino. 

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Marcelo Berbel                   Nació el 19 de abril de 1925 en Plaza Huincul, en Neuquén, Argentina. Fue poeta, compositor, escritor de obras inéditas y músico folklorista de la Patagonia. Sus padres, Juan Berbel y María Teresa Arriagada, natural del Neuquén y descendiente de Mapuches.Fue uno de los poetas más influyentes de la Patagonia, de hecho fue quien compuso los himnos oficiales de la provincia de Neuquén y de su capital, junto al compositor Osvaldo Arabarco.Sus famosas canciones han sido interpretadas por reconocidos artistas de la Argentina y con una amplia difusión, inclusive han sido adaptadas a diversos estilos. Por ejemplo: La Pasto Verde, El embudo, Amutuy, Soledad, son tan solo algunos de sus temas que han ganado gran popularidad de la voz de cantantes como Jorge Cafrune, José Larralde, Soledad Pastorutti, León Gieco, Malón y Rubén Patagonia. Además de componer temas con autores tales como Pablo Neruda, a quien se lo consideró el “Más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma”.Es interesante notar como Marcelo Berbel también cumplió funciones legislativas, donde se desempeñó como convencional constituyente en la redacción de la constitución de esa provincia patagónica. Marcando su postura firme, una vez declaró lo siguiente:“Mi política es celeste y blanca y mi patria son los mapuches”.Además es padre de los integrantes del dúo Hermanos Berbel, que fue conformado primero por Néstor Armando Berbel (Guchi) y Hugo Marcelo Berbel (Chelito). Luego del fallecimiento de “Guchi”, el dúo continuo de la mano de “Chelito” y se sumó Marité Berbel, quienes lograron llevar a la música a tantos escenarios nacionales como internacionales.Marcelo Berbel falleció el 9 de abril de 2003, por una afección pulmonar en la capital neuquina. Sin duda alguna, Marcelo Berbel le dejó un legado invalorable al folklore argentino. 

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Marcelo Berbel - El Embudo (Homenaje a la Patagonia)

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ZITTO SEGOVIA          Cantante, guitarrista, autor y compositor, Ramón Andrés “Zitto” Segovia nació en Resistencia, Provincia del Chaco el 19 de julio de 1953. Criado en un ambiente de músicos, Zitto Segovia era hijo de Ramón de la Rosa Segovia, integrante por muchos años del conjunto de Don Marcos Bassi. Su infancia transcurrió en el barrio “Villa Libertad” de la capital chaqueña, y en la adolescencia siguiendo los pasos de su Padre, comienza a amenizar fiestas familiares cantando acompañado de su guitarra. Su primer conjunto formal fue el dúo “Las Voces del Quebrachal“  a mediados de los 70. Posteriormente viaja a Buenos Aires buscando horizonte como músico, presentándose en las peñas “"La Peña de Fanny”, “El Hormiguero” y "La Cuesta". Por aquella época comienza a musicalizar trascendentes poetas como Miguel Hernández y José Pedroni, etapa en la que funda el dùo "Nuevo Tiempo" con el chaqueño Tito Gómez . En el año 1979 viaja a Méjico contratado por el Fondo Nacional para las Artes del gobierno de aquel país. Allí formó el trío "Los Huincas” junto a Jorge Basulto y Cacho Rud, formación con la que grabó 2 discos. A finales de 1980, Zitto Segovia vuelve a su Resistencia natal donde estaba naciendo el GIACH (Grupo Independiente de Artistas Chaqueños). Por entonces participa activamente en la “Peña Martín Fierro”. Con integrantes de esta cofradía grabò en formato cassete "Chaco Canto Vivo". Esta etapa fue el génesis de un movimiento que se conoció como “La Nueva Trova Chaqueña”, movimiento que lo contó entre sus principales cultores junto a Vera Azar, Marta Quiles, Lino Mancuello, Raúl Cerrutti, Carlos Alberto Báez Salcedo, Carlos Aguirre, Víctor García del Val y Eduardo Black, entre otros. Con ellos compartió la autoria de sus más grandes sucesos como autor con obras como “Charanda de la Libertad”, “Lucía de Arena“ “Ricarda raíz“, “Canto a Paso de la Patria“ y “Charanda Negra”. En el año 1986 le llega la consagración nacional con su presentación en el Festival Nacional de Cosquín, donde fué ganador como “Solista Vocal Masculino". Grabó para el sello “Polygram“ los discos "El Varón que ya no Existe" y "Las Voces de mi Gente", y en forma independiente "El Cristo de los Villeros". En 1989 vuelve a Cosquín para recibir el premio “Consagración”, premio otorgado por el público y en el esplendor de su carrera artística lo sorprende la muerte en la tragedia de Bella Vista, acaecida el 8 de Septiembre de 1989.

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ZITTO SEGOVIA          Cantante, guitarrista, autor y compositor, Ramón Andrés “Zitto” Segovia nació en Resistencia, Provincia del Chaco el 19 de julio de 1953. Criado en un ambiente de músicos, Zitto Segovia era hijo de Ramón de la Rosa Segovia, integrante por muchos años del conjunto de Don Marcos Bassi. Su infancia transcurrió en el barrio “Villa Libertad” de la capital chaqueña, y en la adolescencia siguiendo los pasos de su Padre, comienza a amenizar fiestas familiares cantando acompañado de su guitarra. Su primer conjunto formal fue el dúo “Las Voces del Quebrachal“  a mediados de los 70. Posteriormente viaja a Buenos Aires buscando horizonte como músico, presentándose en las peñas “"La Peña de Fanny”, “El Hormiguero” y "La Cuesta". Por aquella época comienza a musicalizar trascendentes poetas como Miguel Hernández y José Pedroni, etapa en la que funda el dùo "Nuevo Tiempo" con el chaqueño Tito Gómez . En el año 1979 viaja a Méjico contratado por el Fondo Nacional para las Artes del gobierno de aquel país. Allí formó el trío "Los Huincas” junto a Jorge Basulto y Cacho Rud, formación con la que grabó 2 discos. A finales de 1980, Zitto Segovia vuelve a su Resistencia natal donde estaba naciendo el GIACH (Grupo Independiente de Artistas Chaqueños). Por entonces participa activamente en la “Peña Martín Fierro”. Con integrantes de esta cofradía grabò en formato cassete "Chaco Canto Vivo". Esta etapa fue el génesis de un movimiento que se conoció como “La Nueva Trova Chaqueña”, movimiento que lo contó entre sus principales cultores junto a Vera Azar, Marta Quiles, Lino Mancuello, Raúl Cerrutti, Carlos Alberto Báez Salcedo, Carlos Aguirre, Víctor García del Val y Eduardo Black, entre otros. Con ellos compartió la autoria de sus más grandes sucesos como autor con obras como “Charanda de la Libertad”, “Lucía de Arena“ “Ricarda raíz“, “Canto a Paso de la Patria“ y “Charanda Negra”. En el año 1986 le llega la consagración nacional con su presentación en el Festival Nacional de Cosquín, donde fué ganador como “Solista Vocal Masculino". Grabó para el sello “Polygram“ los discos "El Varón que ya no Existe" y "Las Voces de mi Gente", y en forma independiente "El Cristo de los Villeros". En 1989 vuelve a Cosquín para recibir el premio “Consagración”, premio otorgado por el público y en el esplendor de su carrera artística lo sorprende la muerte en la tragedia de Bella Vista, acaecida el 8 de Septiembre de 1989.

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The Beatles, también conocida en el mundo hispano como los Beatles, fue una banda de rock británica formada en Liverpool durante los años 1960, estando integrada desde 1962 a su separación en 1970 por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

https://www.youtube.com/watch?v=SyNt5zm3U_M&pp=ygUPdGlja2V0IHRvIHJpZGUg

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La música en Colombia, como la mayor parte de las manifestaciones artísticas del país, está influenciada por elementos españoles, indígenas y africanos que formaron dicha nación. Este país tiene una gran diversidad musical, por lo que es conocido como el país de los mil ritmos, con más de 1025 ritmos folclóricos.

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La música en Colombia, como la mayor parte de las manifestaciones artísticas del país, está influenciada por elementos españoles, indígenas y africanos que formaron dicha nación. Este país tiene una gran diversidad musical, por lo que es conocido como el país de los mil ritmos, con más de 1025 ritmos folclóricos.

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Algunos de los principales son:

Aguabajo: Baile y canto de la región del Baudó, en el Chocó. Canto propio de los bogas. El baile es una especie de juego trenzado entre hombres y mujeres.

Bambuco: El aire musical más popular de la región Andina de Colombia, como también el ritmo nacional más representativo y es emblema nacional. Ejemplo: El Trapiche (Emilio Murillo), Antioqueñita (Pedro León Franco), Soy Colombiano (Rafael Godoy). Los instrumentos más usados son el tiple la guitarra y la bandola.

Bullerengue: Ritmo variante de la cumbia, de agitados ademanes, en el que las mujeres llevan el compás con la palma de las manos. Difiere de la cumbia por la coreografía.

Bunde chocoano: Aire folclórico del Litoral Pacífico, de procedencia africana.

Bunde tolimense: Mezcla de ritmos como la guabina, el torbellino y el bambuco. Ejemplo: Bunde Tolimense (Alberto Castilla), El Republicano (Luis A. Calvo), etc.

Calipso: Música típica del Archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina.

Chandé: es un aire musical folclórico originario de la Costa Atlántica Colombiana. Es un ritmo alegre y fiestero que hace parte de la idiosincrasia costeña y de los carnavales. Proviene de la fusión de ritmos indígenas con la música negra africana y se ejecuta de manera tradicional con una tambora, un tambor alegre, un tambor llamador, flautas de millo o gaitas. Al ser interpretado por una orquesta, la tambora sería reemplazada por un timbal (paila) o una batería, y los otros tambores por congas. es un aire musical folclórico originario de la Costa Atlántica Colombiana. El chandé es un baile de cortejo y no importa la manera del cortejo si no la forma en la que se demuestra. Ej: Te Olvide del Maestro Antonio María Peñaloza Cervantes, uno de los grandes folcloristas colombianos, a él se le debe este ritmo.

Contradanza: Baile muy popular al sur de la Costa Pacífica. Tiene gran acogida en los montajes de danzas típicas por su vistosidad y elegancia plástica.

Cumbia: aire folclórico más representativo del Litoral Atlántico de origen indígena y africano, ritmo de gran riqueza expresiva, las mujeres lo bailan con velas en la mano. Tiene variaciones según la región. Se baila en Barranquilla, Mompós, El Banco, Ciénaga, San Jacinto, Soledad, Sincelejo y Sampués. Ejemplo: Cumbia Cienaguera (Luis E. Martínez), El Alegre Pescador (José Barros P.), La Piragua (José Barros), Navidad Negra (José Barros), etc.

Currulao: Es el ritmo más destacado del Litoral Pacífico. Posee danza y canto con instrumental típico correspondiente, como: El Cununo, El Guasá y La Marimba. Ejemplo: Los Cununos (N. Lambuley), Mi Buenaventura (Petronio Álvares), Tormenta (Begner Vásquez Angulo), etc.

Chichamaya: Danza aborigen de la Guajira. Se manifiesta en las ceremonias o ritmos de iniciación a la pubertad. Danza de gran destreza y resistencia física, que se desarrolla en forma de pugilato y entraña un significado especial del matriarcado guajiro.

Danza: Baile del folclor Andino. Se relaciona la danza como una transformación de la contradanza europea y la habanera cubana. Ejemplo: Negrita (Luis Dueñas Perilla), etc.

Galerón: El baile y canto más antiguo del folclor de los Llanos Orientales. Su ritmo de gran utilidad en las labores de Vaquería y de frecuente interpretación en las fiestas llaneras. Ejemplo: El Galerón Llanero (Alejandro Wills), etc.

Guaracha: La guaracha es un género de canción bailable, en tiempo rápido y texto cómico o picaresco

Guabina: Aire musical de los Departamentos de Santander, Boyacá, Tolima y Huila. Canto propio de las montañas, en que el grito, la cadencia y los calderones son características principales. Se destaca el festival Nacional de la Guabina en Vélez (Santander) como una de las fiestas más populares y auténticas de Colombia. Ejemplo: Guabina Santandereana (Lelio Olarte), Guabina Chiquinquireña (Alberto Urdaneta), Guabina Huilense (Carlos E. Cortés), Los Guaduales (Jorge Villamil C.), etc.

Guaneña: La guaneña es un género de canción del sur de Colombia, específicamente de la región de Nariño.

Joropo: El llanero colombo-venezolano llama joropo a las reuniones o fiestas donde se canta, baila y toca el arpa, el cuatro, las maracas o instrumentos típicos de la región. En el joropo las parejas bailan zapateando y cogidas. El canto son mensajes que expresan los valores propios de la raza llanera. Ejemplo: A sus horas, Ay, sí, sí (Luis Ariel Rey), Carmentea (Miguel A. Martín), etc.

Mapalé: Danza de origen africano que se baila en la Costa Atlántica y a las orillas del río Magdalena, de ritmo rápido, con palmoteo constante de los participantes y de marcada tendencia lúbrica.

Merengue: Popularmente en el Departamento del Magdalena, se toca con acordeón, tambor, maracas, y guacharaca.

Merecumbé: Creado por Pacho Galán, este ritmo musical es la mezcla del merengue colombiano y la cumbia del departamento del Atlántico, del nombre "merecumbé"; su tema más representativo es "Cosita Linda", grabado en 1954 y consolidado en 1955, esta pegajosa obra musical cuenta con más de 400 versiones en el mundo.

Pasaje: Joropo lento y cadencioso en el que los textos o letras son de carácter descriptivo, amoroso o lírico. Ejemplo: Ay! Mi llanura (Arnulfo Briceño), Luna Roja (Jorge Villamil C.), etc.

Pasillo: Aire musical del folclor andino derivado del vals. A principios del siglo XX se convirtió en el ritmo de moda de los compositores colombianos. Son muy famosos los pasillos: La Gata Golosa, Vino Tinto, Esperanza, Espumas, Chaflan, etc.

Porro: Ritmo más rápido que la cumbia. De ritmo monótono pero alegre. El porro antiguo se tocaba con instrumentos indígenas. El porro moderno es ejecutado con “bandas papayeras”, comúnmente con el uso del clarinete.

Pregón: Canto popular del Litoral Pacífico, utilizado como mensaje o anuncio de mercancías en las ventas callejeras. Tiene una base melódica que acompaña un texto breve.

Rajaleñas: Coplas picarescas de los Departamentos del Tolima y Huila, en las cuales los copleros expresan sus sentimientos amorosos, su manera de vivir, sus problemas y ambiciones. Las coplas son interpretadas con flauta, tiple, tambora y carangano.

Sanjuanero: Aire folclórico del “Tolima Grande”. Mezcla de Bambuco y Joropo, de ritmo agitado e interpretado con especial alegría en las fiestas de San Juan y San Pedro.

Seis: Variedad musical del joropo. Algunos nombres del seis: Seis por derecho, el Seis por numeración, el Seis figurado y el Seis corrido.

Torbellino: Danza y canto representativo de los departamentos de Boyacá, Cundinamarca y Santander. Ritmo usado en las romerías, bailes, fiestas patronales, viajes y correrías. Con la melodía los campesinos expresan en forma sencilla sus sentimientos religiosos, sus amores, como también la descripción del paisaje. Ejemplo: Del otro lado del río (Milciades Garavito), Tiplecito de mi vida (Alejandro Wills), Viva la fiesta (Luis María Carvajal), etc.

Vallenato: Aire musical originario de Valledupar. El vallenato reúne al paseo, el son y la puya. Es importante el carácter narrativo de los cantos de amor o descripciones de personas. Su interpretación con acordeón (instrumento importado), caja y guacharaca, (instrumentos autóctonos).

Carranga: La carranga, música carranguera o música campesina, es un género de música folclórica surgida en la región andina colombiana, más exactamente en el departamento de Boyacá en los años 70, de mano del compositor Jorge Velosa y los Carrangueros de Ráquira. En la ejecución de la música carranguera se utiliza la guitarra, el tiple, requinto-tiple, la guacharaca y la voz.

Música Popular Colombiana Aunque Proviene de ritmos como la Rancheras, Corridos y Huapangos es un género musical colombiano del Eje cafetero, Antioquia y Cundinamarca, anteriormente era conocida como música guasca o carrilera.

Pueden dividirse en dos grandes tipos: música del interior y música de los litorales Atlántico y Pacífico. En la del interior hay dos grandes grupos: andina y llanera.
En la música andina suelen predominar las cuerdas: guitarra, tiple y bandola, aunque se han agregado violín, flauta y otros; en la llanera, los instrumentos principales son el arpa llanera y el cuatro; en la música de los litorales predominan las percusiones.

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-Víctor Lidio Jara Martínez (1932-1973), conocido como Víctor Jara fue un músico, cantautor, profesor, escritor, y director de teatro chileno.
La figura de Víctor Jara es un referente internacional de la canción protesta. Fue uno de los más emblemáticos del movimiento músico-social llamado «Nueva canción chilena», y uno de los pilares en la música latinoamericana.

-Después de cumplir el servicio militar, ingresó en el coro de la Universidad de Chile, participando en el montaje de Carmina burana, comenzando así su trabajo de investigación y recopilación Folclórica

-En 1961 compuso su primera canción, "Paloma quiero contarte."

-Con la canción «Plegaria a un labrador» ganó el primer premio en el primer festival de la Nueva Canción Chilena.

- Al asumir Salvador Allende como presidente de Chile, Jara fue nombrado embajador cultural, y en 1971 compuso la música, junto con Celso Garrido Lecca, para el ballet Los siete estados, de Patricio Bunster que se puso en el Ballet Nacional (Banch). Junto con Isabel Parra e Inti-Illimani, entró en el Departamento de Comunicaciones de la Universidad Técnica del Estado. Con la discográfica Dicap, editó el disco El derecho de vivir en paz, que le valió el Laurel de Oro a la mejor composición del año.

Trabajó como compositor de música para continuidad en la Televisión Nacional de Chile de 1972 a 1973, e investigó y recopiló testimonios en Herminda de la Victoria, en los cuales basaría su disco La población. También viajó a la Unión Soviética y a Cuba, y dirigió el homenaje a Pablo Neruda por la obtención del Premio Nobel.

Discos de estudio

1966: Víctor Jara

1967: Canciones folclóricas de América (con Quilapayún).

1967: Víctor Jara

1969: Pongo en tus manos abiertas...

1970: Canto libre

1971: El derecho de vivir en paz

1972: La población

1973: Canto por travesura

Discos grabados en vivo

1978: El recital

1996: Víctor Jara en México

1996: Víctor Jara habla y canta

Muerte:
Jara fue detenido por las Fuerzas Armadas de la dictadura militar recién establecida, debido a su militancia en el Partido Comunista de Chile. Fue torturado y asesinado en el antiguo Estadio Chile, que con el retorno de la democracia fue renombrado «Estadio Víctor Jara».

ALBUM LAUREL DE ORO A LA MEJOR COMPOSICION DEL AÑO 1971:

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Victor Jara - El Derecho de Vivir en Paz (Álbum completo)

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La Máquina de Hacer Pájaros fue un supergrupo argentino de rock progresivo, que estuvo activo entre 1976 y 1977. Sus integrantes fueron Charly García, Oscar Moro, Carlos Cutaia, Gustavo Bazterrica, y José Luis Fernández.

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La Máquina de Hacer Pájaros fue un supergrupo argentino de rock progresivo, que estuvo activo entre 1976 y 1977. Sus integrantes fueron Charly García, Oscar Moro, Carlos Cutaia, Gustavo Bazterrica, y José Luis Fernández.

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https://youtu.be/uAE6Il6OTcs?si=rnE_IXnYUv3alIfc

Alice in Chains es una banda de grunge estadounidense fundada en 1987 en Seattle, por Layne Staley (voz), Jerry Cantrell (guitarra/voz), Mike Starr (bajo/voz) y Sean Kinney (batería/percusión). En 1993 Mike Inez se uniría como reemplazo de Starr. Posteriormente William DuVall sería el vocalista, tras el fallecimiento de Staley en 2002

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João Gilberto Prado Pereira de Oliveira conocido como João Gilberto (Juazeiro, 10 de junio de 1931-Río de Janeiro, 6 de julio de 2019)​ fue un cantante, compositor y guitarrista brasileño, considerado junto a Antônio Carlos Jobim como uno de los creadores de la bossa nova a fines de los años 1950.

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Hugo Fattoruso                        Es un compositor, arreglador, multiinstrumentista y vocalista, siendo fundamental su aporte a la música uruguaya.Ha desarrollado una gran carrera solista, así como también ha participado de distintas bandas músicales: Los Shakers, Opa, Grupo del Cuareim, Los Pusilánimes, Trío Fattoruso, entre otros.Durante varios años tocó y colaboró con artistas internacionales como Chico Buarque de Holanda, Milton Nascimento, Djavan, Fafá de Belém, Miucha, María Betanha, Arismar do Espirito Santo, Joao Bosco, Naná Vasconcelos, Fito Páez, Luis Salinas, Jaime Roos, Larbanois-Carrero, No Te Va Gustar, entre otros.Ha grabado más de 90 albums (vinilos, cassetes, cds, dvds) con grupos, solistas, en dúo, en trío, etc y también participó como invitado, en diversas grabaciones en sus viajes al exterior.En 2004, junto a su hermano Osvaldo, fueron premiados por su trayectoria en los Premios Graffiti y nombrados ciudadanos ilustres de Montevideo en 2009 por la IMM.En el 2013, fue elegido como Embajador de la Cultura Iberoamericana, también por la IMM.En 2019 recibió el premio Grammy Latino a la Excelencia Musical por su trayectoria y aporte a la cultura musical. 

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Hugo Fattoruso                        Es un compositor, arreglador, multiinstrumentista y vocalista, siendo fundamental su aporte a la música uruguaya.Ha desarrollado una gran carrera solista, así como también ha participado de distintas bandas músicales: Los Shakers, Opa, Grupo del Cuareim, Los Pusilánimes, Trío Fattoruso, entre otros.Durante varios años tocó y colaboró con artistas internacionales como Chico Buarque de Holanda, Milton Nascimento, Djavan, Fafá de Belém, Miucha, María Betanha, Arismar do Espirito Santo, Joao Bosco, Naná Vasconcelos, Fito Páez, Luis Salinas, Jaime Roos, Larbanois-Carrero, No Te Va Gustar, entre otros.Ha grabado más de 90 albums (vinilos, cassetes, cds, dvds) con grupos, solistas, en dúo, en trío, etc y también participó como invitado, en diversas grabaciones en sus viajes al exterior.En 2004, junto a su hermano Osvaldo, fueron premiados por su trayectoria en los Premios Graffiti y nombrados ciudadanos ilustres de Montevideo en 2009 por la IMM.En el 2013, fue elegido como Embajador de la Cultura Iberoamericana, también por la IMM.En 2019 recibió el premio Grammy Latino a la Excelencia Musical por su trayectoria y aporte a la cultura musical. 

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Cuarteto Oriental : "Funkiando" _ Grabación en vivo del disco "Sin Corbata"

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El punto cubano o punto guajiro – o simplemente punto – es un género cantado de música cubana y canaria. Ganó popularidad en las regiones occidentales y centrales de Cuba en el siglo XVII​ y se consolidó como género en el siglo XVIII, aunque sus orígenes radican en Andalucía y sobre todo en Canarias. De Canarias tomó las coplas de cuartetos, la décima espinela y el laúd, de Cuba, fruto del encuentro entre emigrantes canarios y población local, tomó elementos musicales africanos.En cualquier caso, el punto cubano es un canto tan cubano como canario, de manera que el proceso de su nacimiento debe verse como un fenómeno de ida y vuelta.

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El punto cubano o punto guajiro – o simplemente punto – es un género cantado de música cubana y canaria. Ganó popularidad en las regiones occidentales y centrales de Cuba en el siglo XVII​ y se consolidó como género en el siglo XVIII, aunque sus orígenes radican en Andalucía y sobre todo en Canarias. De Canarias tomó las coplas de cuartetos, la décima espinela y el laúd, de Cuba, fruto del encuentro entre emigrantes canarios y población local, tomó elementos musicales africanos.En cualquier caso, el punto cubano es un canto tan cubano como canario, de manera que el proceso de su nacimiento debe verse como un fenómeno de ida y vuelta.

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(44) punto cubano - YouTube

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El joropo es un género musical y danza tradicional de Venezuela.
El origen del joropo es el fandango español y la música melismática (grupo de notas cantadas sobre una misma sílaba) árabe.
Se utilizan instrumentos como la bandurria, el cuatro, el clavecín y la bandola.
Los campesinos venezolanos   aprendieron la música imprimiendo la fuerza rítmica del negro con los bordones de un arpa rústica hecha de bambú y en las maracas se identifica la huella indígena.

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Había nacido el 5 de noviembre de 1953 en Humahuaca y cuando falleció, el 19 de junio de 2007, el municipio de su ciudad natal declaró tres días de duelo con bandera a media asta y lo lloró como se llora a quienes dejaron una marca imborrable en la vida de la gente. Se había cumplido aquello que el maestro alguna vez anhelara: “Mi sueño más grande es poder dejar el mensaje que me inculcaron los abuelos: que todos y cada uno valoren su lugar, sus cosas y en el tiempo que corresponde”.

La de Vilca es una clara muestra de una obra arraigada al paisaje y la gente. Desde los diez años de edad, su interés por la música lo llevó a pedirle a sus abuelos -quienes lo criaron- un acordeón, pero lo que obtuvo fue una guitarra, más económica y acorde a las posibilidades familiares. Así fue como este instrumento lo acompañaría siempre y lo llevaran a dar sus primeros pasos musicales al frente de un grupo de rock y cumbia mostrando gran habilidad para la guitarra eléctrica.

Por casi dos décadas, Vilca fue docente. Trabajó como maestro rural de música y más tarde llegó a desempeñarse como profesor en la Escuela Superior de Música de San Salvador de Jujuy. sin nunca olvidar que sus primeros pasos en la música eran los mismos que muchos de sus alumnos que aprendían a tocar de oído por necesidad, para ganarse unas monedas con los turistas.

“Cuando los niños me dicen: Maestro, ayer lo vi en la tele, yo me río y contesto: No, yo no soy, debe ser alguien parecido, qué voy a estar haciendo yo ahí, en la televisión. Y ellos se ríen conmigo. No quiero que piensen que la tele es más importante que la música que aprenden”, relató en una entrevista.

Muchas veces daba clases gratuitas a personas de diferentes edades que se lo solicitaban y en varias oportunidades dijo que su experiencia como maestro le sirvió de inspiración a la hora de componer. A sus alumnos siempre les hablaba de la relación entre el arte y la naturaleza porque consideraba fundamental el hecho de que su música estuviera ligada a los paisajes de su Quebrada.

En 1983, llegó un primer gran reconocimiento para Vilca cuando la UNESCO lo premió por su “contribución cultural a la Quebrada” y esto lo llevó a transformarse en uno de los grandes animadores del rescate cultural y artístico de la región.

Para sorpresa del propio maestro, el otro gran reconocimiento le llegó de la mano de los músicos de rock cuando en el 2000, tras compartir escenario en el Pucará de Tilcara con Divididos, uno de sus temas más conocidos, Guanuqueando, se convirtió en un clásico del repertorio de la banda. Por su parte, León Gieco, le puso letra a “Plegaria de sikus y campanas” y lo rebautizó “Rey mago de las nubes”, para incluirlo en su álbum Orozco. El maestro Vilca estaba muy reconfortado con esas versiones porque eran un camino para que la gente pudiera escuchar sus temas y acercarse a su música.

En sus últimos años de vida, también se destacó como compositor de bandas sonoras para películas como Una estrella y dos cafés, de Alberto Lecchi; Río arriba, de Ulises de la Orden; y El destino, de Miguel Pereyra.

Cuando se le preguntaba por su estilo, Vilca tenía muy claro que no lo suyo no podía encasillarse en un género único y que, por ese motivo, responder “fusión” era lo adecuado. “Cuando empecé a estudiar, empecé a hacer fusión con otros ritmos. Ahí conocí a Bach y, desde entonces, siempre he soñado hacer alguna de mis melodías con violines y cellos”.

En 2003, ese sueño se hizo realidad para generar un fenómeno inusual en Buenos Aires que lo recibió con avidez: Vilca tocó seis veces en tres días siempre a sala llena. Su serie de recitales comenzó junto a la Orquesta Juvenil de Jujuy en el Salón Dorado del Teatro Colón, continuó en La Plata, en el Centro Nacional de la Música, participó del cierre conjunto de las orquestas juveniles en el Colón y finalizó en el íntimo círculo de la Peña del Colorado que tuvo que agregar una nueva fecha para el dia siguiente, porque las entradas estaban agotadas.

Cabe destacar que en el primer concierto, el del Salón Dorado del Teatro Colón, el músico tocó junto a la Orquesta Juvenil de su provincia, integrada por chicos de entre 8 y 15 años, dirigida por Sergio Jurado. Esta propuesta orquestal ya se había presentado en el teatro Mitre de Jujuy, con dos funciones a lleno total, en una de las salas conocidas por su antigüedad y su dificultad para colmarla de público: “el repertorio de tintes regionales se destacó y sorprendió por su calidad, en un ámbito donde la vedette de la jornada era la música clásica”, señalaba el diario La Nación.

Para agregar: “Como un maestro, Vilca transmite con sus composiciones la forma de vida y los elementos cotidianos de la cultura andina, con las que encandila a la audiencia. Cada canción tiene una historia. Vilca las cuenta con serenidad y profunda simplicidad. ‘Muchas de las canciones están basadas en las cosas más simples y hermosas de nuestra cultura, como el andar de las llamas, los misachicos, las campanas de la iglesia de nuestro pueblo, el sonido del tero que representa a la puna, el misterio de los antigales o instrumentos como la flautilla o la matraca’. La música de Vilca no necesita vestirse de coya para mostrar exotismo. Lo suyo es muy distinto. El músico lleva el andar natural y la vibración de su tierra a las canciones, y ofrece un momento de encuentro con la fuerza suave de la quebrada. Melodías sugerentes donde cada nota irrumpe con respeto y certeza en el silencio universal.”

Basta volver a sus temas para entender que el impresionante paisaje quebradeño y su particular silencio quedaron firmemente impresos en la música que Ricardo Vilca nos dejó en su paso por el mundo.

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Falta y Resto es una murga originaria de Uruguay formada en junio de 1980. Esta murga marcó desde sus inicios, una tendencia renovadora en la categoría de murgas y de la mano del músico, publicista y letrista uruguayo Raúl "Tintabrava" Castro y Hugo Brocos, se identificó como La murga de las cuatro estaciones.
Corrían los últimos años de la dictadura cívico-militar en Uruguay; Falta y Resto encontró la manera de expresar lo censurable en muy pocas palabras, arrancando el inolvidable aplauso del público.

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Falta y Resto   Baile de las máscaras | Encuentro en el Estudio HD

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Géneros musicales folclóricos del NOA (Noroeste Argentino)

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Géneros musicales folclóricos del NOA (Noroeste Argentino)

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La Region del NOA ofrece una apreciada variedad en géneros musicales, algunos están muy difundidos en nuestra sociedad,sin embargo ,otros casi nada. La característica principal del folklore Argentino se encuentra  en las divisiones rítmicas ,ya que es una fusión  del compas binario de 3/4  con el compas ternario de 6/8.

Algunos de sus géneros mas populares son: carnavalito,huayno,cueca norteña ,sikuris y yaraví.

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Alberto Aguilera Valadez (Parácuaro, Michoacán, 7 de enero de 1950-Santa Mónica, California, 28 de agosto de 2016), conocido como Juan Gabriel, fue un cantautor y actor mexicano.​

Es considerado como uno de los artistas con mayor éxito en América Latina, así también como uno de los mayores compositores y personajes más conocidos en el medio musical dentro de México. Sus ventas totales se estiman en más de 150 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los artistas latinos con mayores ventas discográficas de la historia.

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Björk ha logrado que 41 de sus sencillos lleguen a los primeros 30 en listas musicales de todo el mundo, también ha posicionado 22 éxitos en el top 20 en el Reino Unido, incluidos algunos de sus mayores éxitos como «It's Oh So Quiet», «Army of Me» e «Hyper-ballad». Björk ha vendido más de 20 millones de álbumes en todo el mundo, siendo una de las cantantes alternativas con más álbumes vendidos de todos los tiempos. En ese mismo año respectivamente Björk fue incluida en la lista de los 100 artistas más influyentes del siglo. Así mismo, también fue incluida por la revista Rolling Stone como una de las cantantes y compositoras más influyentes de la época actual, incluyendo su presencia en la lista de los 200 artistas más influyentes de los últimos 25 años por Pitchfork en 2021. Björk también ha sido nominada 16 veces a los Premios Grammy.

Pasó sus primeros años en Reikiavik Islandia, donde se convirtió en vocalista profesional a los doce años al publicar su primer álbum, Björk. El álbum tuvo éxito en Islandia, pero no fue publicado fuera del país. Tras haber formado algunas bandas post-punk, Björk saltó a la fama como una de las cantantes principales del grupo de rock alternativo The Sugarcubes, manteniendo un seguimiento de culto en Estados Unidos y Reino Unido. Tras la desintegración del grupo, Björk se mudó a Londres, donde comenzó una carrera en solitario.

Debut, su segundo álbum, lanzado en 1993, no solo estableció su nueva dirección artística, sino que también se convirtió en un éxito internacional. Debut Tour fue su primera gira internacional, en 1993-1994. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que adoptó diversos géneros musicales, desde el jazz hasta la electrónica y la música experimental, obtuvo la aclamación de la crítica y siguió trabajando con importantes diseñadores de moda, productores y fotógrafos. Sus videos musicales, dirigidos por reconocidos directores como Michel Gondry, también han sido aclamados por la crítica. Sus mayores éxitos incluyen temas como «It's Oh So Quiet», «Human Behaviour», «Hyper-ballad», «Army of Me», «Violently Happy», «Big Time Sensuality», «Pagan Poetry», «Hidden Place» y «Bachelorette».

Björk protagonizó la película Dancer in the Dark (2000), de Lars von Trier, la cual ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Su interpretación le valió el premio a la mejor actriz de dicho festival y una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz. Sin embargo, decidió no volver a actuar, optando por centrarse exclusivamente en la música.

Su disco Biophilia se convirtió en el primer álbum de la historia en ser lanzado en formato app-album, el cual es un eBook con objetos 3D interactivos, películas, animaciones y diagramas basado en datos científicos reales, con imágenes de la NASA, la Agencia Espacial Europea y la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial.

En 2011 se hizo oficial que la cantante había vendido más 40 millones de álbumes en todo el mundo con sus primeros 6 álbumes de estudio, convirtiéndose en la cantante alternativa con más álbumes vendidos en la historia. Ha ganado cuatro Premios Brit, cuatro MTV Video Music Awards, un premio MOJO, tres UK Music Video Awards y, en 2010, el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música en reconocimiento por su "música y letras profundamente personales, sus arreglos precisos y su voz única". En 2001, Björk recibió la Orden Nacional del Mérito francesa. Además, ha sido nominada a un Premio Óscar y Globo de Oro a la mejor canción original. Ocupó el puesto veintinueve en "Las 100 mujeres más grandes en la música" de VH1, el octavo lugar en "22 mejores voces de la música" de MTV, y el sexagésimo puesto de las "100 más grandes cantantes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone. En agosto del 2016, Björk anunció un espectáculo adicional (en el Hammersmith Apollo, el 24 de septiembre de 2016) a su presentación, el 21 de septiembre de ese año, en el Royal Albert Hall, en Londres.

Considerada como una de las figuras más importantes en la música contemporánea, Björk es conocida por su música ecléctica, videos provocadores, estilo vanguardista y sentido de la moda extravagante. Cada uno de sus álbumes incluye una estética y mensaje propios y únicos, y su voz ha sido elogiada por su habilidad para el scat, estilo vocal único y entrega.

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Björk - Greatest Hits: Volumen 1993-2003 (Official Music Video) (Remastered in HD)

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Ella Marija Lani Yelich-O'Connor (Auckland, 7 de noviembre de 1996), más conocida por su nombre artístico Lorde, es una cantante, compositora y productora discográfica croatoneozelandesa. A los 12 años de edad, firmó un contrato con la discográfica Universal Music Group, gracias a Scott Maclachlan, su futuro representante. Poco tiempo después, empezó a componer sus propias canciones, y se alió con Joel Little, quien las produjo. Lorde publicó su extended play (EP) debut, The Love Club, en noviembre de 2012, de forma gratuita en Soundcloud. Después de que más de 60 mil personas lo descargaran, Universal decidió lanzarlo oficialmente en iTunes el 8 de marzo de 2013. Este debutó en el número dos de la principal lista de álbumes de su país, e ingresó en las primeras veinticinco posiciones del Billboard 200 de Estados Unidos. El primer sencillo del EP, «Royals», alcanzó el número uno en Nueva Zelanda, y tiempo después ingresó a las primeras diez en más de veinte países. Asimismo, en 2014 recibió tres nominaciones en la 56.ª edición de los Premios Grammy en las categorías de grabación del año, canción del año y mejor interpretación pop solista. Ganó las dos últimas, lo que convirtió a Lorde, de entonces 17 años, en la artista neozelandesa más joven en ganar un Grammy, así como la tercera más joven en general.

La discográfica lanzó su primer álbum de estudio, Pure Heroine, el 27 de septiembre de 2013. Este contó con buena recepción crítica y comercial, y para finales de ese año había vendido aproximadamente 1.5 millones de copias en todo el mundo. «Tennis Court», el primer sencillo de este, y «Team», su sucesor, lograron una buena recepción comercial. El primero logró debutar en el número uno en Nueva Zelanda, y el segundo vendió más de dos millones de copias en los Estados Unidos. En 2014, Lorde grabó «Yellow Flicker Beat» para la banda sonora de Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 1, y estuvo encargada de escoger a los demás artistas que participarían en esta. Su sencillo recibió nominaciones en los Premios Globo de Oro en la categoría de mejor canción original y en los Critics' Choice Movie Awards por mejor canción. Para noviembre de 2014, Lorde había vendido aproximadamente 17 millones de sencillos en todo el mundo convirtiéndose en una de las artistas más jóvenes en lograrlo.

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Noelia Recalde nació en Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos en 1987.

Cantante y guitarrista autodidacta desde los 9 años de edad, comenzó a realizar composiciones propias a partir de los 14 y un año  más tarde inició sus presentaciones en vivo en diferentes bares de la ciudad.

Su formación musical ha sido desde entonces una enseñanza de la mano de sus amigos, sus libros y discos. Ha tocado y grabado con diferentes músicxs del país y el extranjero. Ha compuesto música para obras de teatro, series de TV, radio y documentales.

Editó 3 discos con su trío Valbé, un disco solista (Palabra) y un disco homónimo con su reciente proyecto Triángula.

Fundó y coordinó uno de los ciclos más representativos de la canción: Martes Rueda durante 4 años consecutivos. Produjo el Festival Sonora 2017 en BsAs y Gualeguaychú (Festival internacional de mujeres compositoras).

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Raffaella Maria Roberta Pelloni (Bolonia, 18 de junio de 1943-Roma, 5 de julio de 2021), conocida por su nombre artístico Raffaella Carrà, fue una cantautora, compositora, bailarina, coreógrafa, presentadora de televisión y actriz italiana.

Considerada «la reina de la televisión italiana», y definida como «ícono de la cultura pop» en Europa y América Latina por la crítica italiana e internacional, entre los años setenta y ochenta se convirtió en precursora del feminismo y de la libertad sexual de la mujer en la industria televisiva y musical italiana y española, así como en defensora de la comunidad LGBT.

A lo largo de su carrera, publicó 25 álbumes de estudio en 37 países, vendiendo más de 60 millones de discos en todo el mundo y debutando en numerosas listas internacionales, gracias a las canciones Tanti auguri, Fiesta, Lucas, En El Amor Todo Es Empezar, interpretadas por la cantante en inglés, español, francés y alemán, además de italiano.

Carrà estuvo presente en las parrillas televisivas desde finales de los años sesenta en Italia RAI, España TVE y Latinoamérica, siendo reconocida con doce Telegatti y dos TP de Oro. Tras debutar como actriz en Italia, firmó un contrato de interpretación con la 20th Century Fox de Hollywood, protagonizando también películas francesas y españolas, y trabajando con Mario Monicelli, Marcello Mastroianni, Frank Sinatra Jr., Edward Mulhare, Trevor Howard, Jean Marais y James Coburn.

Tras su muerte, Rafaella Carrà fue galardonada con el Premio Sorriso Diverso Venezia en el Festival Internacional de Cine de Venecia por su contribución a la industria italiana de la música y el espectáculo.

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Raffaella Carrà - Hay Que Venir Al Sur (Video Oficial)

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(Luis Manuel Ferri Llopis; Ayelo de Malferit, Valencia, 1944 - Villarrubio, 1973) Cantante español, considerado como la mejor voz del pop nacional en el final de la década de los sesenta y principios de los setenta.

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Nino Bravo - Un Beso Y Una Flor (1972) Clip

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Zaz (cantante)

cantautora francesa

Isabelle Geffroy (Chambray-lès-Tours, Francia, 1 de mayo de 1980), conocida por su nombre artístico Zaz, es una cantautora francesa que fusiona la canción francesa con el gypsy jazz. Se hizo famosa con su canción Je veux, segundo tema de su primer álbum, Zaz, que fue lanzado al mercado el 10 de mayo de 2010. Actualmente cuenta con cinco álbumes de estudio: Zaz (2010), Recto verso (2013), Paris (2014), Effet miroir (2018) e Isa (2021); y dos álbumes en vivo: Sans tsu tsou (2011) y Sur la route (2016).

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La región cuyana comprende las provincias de San Juan, Mendoza, San Luis, con influencia en el sur de Córdoba, Catamarca, La Rioja y el norte de La Pampa.

Los compositores e intérpretes más representativos de la música cuyana son: Alfonso y Zabala, Carlos Montbrun Ocampo, Los Trovadores de Cuyo, Ernesto Villavicencio, Hilario Cuadros, Buenaventura Luna, Felix Dardo Palorma.
La  importante  circulación  de instrumentistas,  cantantes  y  repertorios  de  las  distintas  provincias  cuyanas  propició  en las décadas desde el 1930 hasta aproximadamente 1955 la cristalización de estructuras y formas interpretativas que hasta hoy son consideradas como cuyanas.
Los géneros característicos tradicionales de la música cuyana son: Tonada, Gato (cuyano), cueca y vals. Siendo el primero uno de forma canción que no tiene coreografía. La cueca, el gato y el vals se bailan.
Los temas tratados en gran medida en los textos de las músicas de cuyo son sobre el paisaje, la viña, el patriotismo, el amor, amistad, la belleza, la mujer, el desengaño amoroso.
La instrumentación típica está conformada por guitarras (a dúo) y cantantes, también a dúo.

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Carlos Gardel es el más genuino ícono del tango. Fue compositor, intérprete y actor de innumerables canciones y musicales. Con él, el cadencioso ritmo porteño ganó un aire de romanticismo y dio la vuelta al mundo.

Reza la historia que Carlos Gardel nació Charles Romuald Gardes el 11 de diciembre de 1890, en Toulouse, Francia. Hijo de padre desconocido, llegó a Buenos Aires con su madre Berthe Gardes cuando tenía tan sólo 2 años.

Con una voz particular, más de 900 grabaciones de tango y otros estilos musicales como folclore, milongas y rancheras, una gran cantidad de discos vendidos, entradas vendidas de cine y sus composiciones le dieron reconocimiento mundial.

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Simón Díaz fue un cantante, músico, compositor, poeta, uno de los mayores exponentes musicales que ha tenido Venezuela.

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Sitio de AMICHA Asociación de Músicos Independientes de Chaco

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Sitio de AMICHA Asociación de Músicos Independientes de Chaco

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AMICHA - Asociación de Músicos Independientes de Chaco

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Artistas - AMICHA - Asociación de Músicos Independientes de Chaco

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Si querés formar parte de la asociación de músicos independientes del Chaco, solamente tenés que llenar un formulario.

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El merengue es un estilo musical y de baile originado en la República Dominicana a finales del siglo XIX. En sus orígenes, el merengue es interpretado con guitarras. Años más tarde, las guitarras fueron también sustituidas por el acordeón conformándose, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto,esta con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora (tambor de dos parches), y la taína o aborigen por la güira.

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El merengue es un estilo musical y de baile originado en la República Dominicana a finales del siglo XIX. En sus orígenes, el merengue es interpretado con guitarras. Años más tarde, las guitarras fueron también sustituidas por el acordeón conformándose, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto,esta con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora (tambor de dos parches), y la taína o aborigen por la güira.

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(44) Merengue tradicional dominicano - YouTube

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La tonada es el ritmo más libre y usualmente habla sobre el amor.

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Donde te encuentres. Felix Dardo Palorma

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"La música es el arte mas directo, entra por el oído y va al corazón."

Nacido el 11 de marzo de 1921 en Mar del Plata, provincia de Buenos Aires. Fue bandoneonista y compositor.

Su contacto con la música se inició en Nueva York, donde su familia vivió entre 1925 y 1936.

En Buenos Aires forma el "Octeto Buenos Aires”, un ensamble de vanguardia que incluye una guitarra eléctrica y es una primicia en el mundo del tango. La nueva meta de Piazzolla: modernizar el tango, interpretarlo de manera contemporánea, como la "música contemporánea de Buenos Aires". Proclama que su tango no es para bailar, sino para escuchar. Siempre con ganas de reinventarse, añade elementos del jazz y el folklore. Experimenta con el dodecafonismo y la música clásica.

https://www.piazzolla100official.com/

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Astor Piazzolla en el Teatro Colón, 1983 (fragmento)

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Luis Silva es un cantante venezolano de música criolla, conocido en los medios artísticos como El Barinés de Oro. Inició su carrera a finales de la década de los años 1980 como intérprete de música folclórica, logrando obtener en 1993 el reconocimiento de "Mejor Cantante de Música Criolla".

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LOS GÉNEROS MÁS PULARES EN LA ACTUALIDAD

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Ema Cuañerí vive en Formosa. Es música, artesana y actriz. Lleva el canto Qom por el mundo. Ha trabajado en múltiples escenarios, obras de teatro, películas, documentales, publicó libros y artículos en diversas revistas. Es hablante de la lengua materna y desde hace años recibe los cantos ancestrales de sus mayores que generosamente comparte con su público.

¿Cómo te presentás?

Ema Cuañerí: Mi nombre Ema Cuañerí, nací el 12 de octubre de 1954 en Colonia Aborigen de Quitilipi, Chaco. Por mi identidad pertenezco al Pueblo Originario Qom. Desde chica vinimos con la familia desde el Chaco.

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EMA CUAÑERI & ULI GOMEZ - CAMINOS Q'AEC ( ALBUM COMPLETO)

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Músicas Esenciales - Región Patagonia - Neuquén

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La música de Jamaica engloba la música folclórica jamaicana así como multitud de géneros de música popular, como mento, ska, rocksteady, reggae, dub, dancehall, reggae fusion y otros estilos relacionados. La cultura musical jamaiquina es el resultado de la fusión de elementos estadounidenses (rhythm and blues, rock and roll, soul), africanos y de islas caribeñas cercanas como Trinidad y Tobago (calipso y soca).El reggae es especialmente popular gracias a la fama internacional de artistas como Bob Marley. La música jamaiquina ha ejercido una importante influencia sobre otros estilos de diferentes países. En particular, la práctica del toasting por inmigrantes jamaiquinos en Nueva York evolucionó hasta convertirse en el origen del rap. Otros géneros que han recibido la influencia jamaiquina son el lovers rock y el jungle.

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La música de Jamaica engloba la música folclórica jamaicana así como multitud de géneros de música popular, como mento, ska, rocksteady, reggae, dub, dancehall, reggae fusion y otros estilos relacionados. La cultura musical jamaiquina es el resultado de la fusión de elementos estadounidenses (rhythm and blues, rock and roll, soul), africanos y de islas caribeñas cercanas como Trinidad y Tobago (calipso y soca).El reggae es especialmente popular gracias a la fama internacional de artistas como Bob Marley. La música jamaiquina ha ejercido una importante influencia sobre otros estilos de diferentes países. En particular, la práctica del toasting por inmigrantes jamaiquinos en Nueva York evolucionó hasta convertirse en el origen del rap. Otros géneros que han recibido la influencia jamaiquina son el lovers rock y el jungle.

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(44) bob marley - YouTube

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Violeta Parra                         (San Carlos, Chillán, 1917 - Santiago, 1967) Cantautora y folclorista chilena. Hija de Nicanor Parra y Clara Sandoval y hermana del poeta Nicanor Parra, realizó sus primeros estudios en Lautaro y en Chillán, y en 1934 ingresó a la Escuela Normal, donde permaneció menos de un año. En 1938 se casó con Luis Cereceda, el padre de sus hijos Ángel e Isabel, que adoptarían el apellido de su madre.Violeta ParraDesde pequeña sintió afición por la música y el folclore chilenos; su padre, profesor de escuela primaria, fue un conocido folclorista de la región. Tras instalarse en Santiago, Violeta Parra comenzó a actuar con su hermana Hilda en el Dúo Hermanas Parra. En 1942 ganó el primer premio en un concurso de canto español organizado en el Teatro Baquedano, y a partir de entonces fue contratada con frecuencia hasta que partió a Valparaíso, donde encontró su verdadera vocación.El constante viajar por todo el país le puso en contacto con la realidad social chilena, plagada de desigualdades económicas. Violeta Parra adoptó una postura política de militante de izquierdas que le llevó a buscar las raíces de la música popular. En 1952 recorrió los barrios más pobres de Santiago de Chile, las comunidades mineras y las explotaciones agrarias, recogiendo las canciones anónimas que después repetiría, ya en 1954, en una serie de programas radiofónicos para Radio Chilena, emisora que la proyectó al primer plano del folclore nacional. En 1954 recibió el premio Caupolicán; ese mismo año contrajo matrimonio con Luis Arce, del que nacieron Carmen Luisa y Rosa Clara. En 1953 había conocido a Pablo Neruda.A mitad de los años cincuenta realizó un viaje por los países de la Europa socialista y de regreso, a su paso por Francia, tuvo la oportunidad de plasmar temas del folklore chileno para el catálogo del sello Le Chant Du Monde. En 1956, ya de regreso a Chile, grabó el primer álbum de la colección El folclore de Chile, serie que garantizaría la conservación de multitud de temas populares de autoría anónima. Fue designada directora del Museo de Arte Popular de la Universidad de Concepción y retomó sus actuaciones en Radio Chilena.Pasó los primeros años de la década de 1960 en Europa, donde realizó actuaciones en diversos países. En 1964 tuvo la oportunidad de organizar una exposición individual de su obra plástica en el Museo del Louvre, la primera realizada por un artista latinoamericano. Nuevamente en Santiago, junto con su hermano Nicanor Parra y sus hijos mayores, animaron la "Peña de los Parra", un nombre de resonancias legendarias en la música popular de América Latina. 

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Violeta Parra                         (San Carlos, Chillán, 1917 - Santiago, 1967) Cantautora y folclorista chilena. Hija de Nicanor Parra y Clara Sandoval y hermana del poeta Nicanor Parra, realizó sus primeros estudios en Lautaro y en Chillán, y en 1934 ingresó a la Escuela Normal, donde permaneció menos de un año. En 1938 se casó con Luis Cereceda, el padre de sus hijos Ángel e Isabel, que adoptarían el apellido de su madre.Violeta ParraDesde pequeña sintió afición por la música y el folclore chilenos; su padre, profesor de escuela primaria, fue un conocido folclorista de la región. Tras instalarse en Santiago, Violeta Parra comenzó a actuar con su hermana Hilda en el Dúo Hermanas Parra. En 1942 ganó el primer premio en un concurso de canto español organizado en el Teatro Baquedano, y a partir de entonces fue contratada con frecuencia hasta que partió a Valparaíso, donde encontró su verdadera vocación.El constante viajar por todo el país le puso en contacto con la realidad social chilena, plagada de desigualdades económicas. Violeta Parra adoptó una postura política de militante de izquierdas que le llevó a buscar las raíces de la música popular. En 1952 recorrió los barrios más pobres de Santiago de Chile, las comunidades mineras y las explotaciones agrarias, recogiendo las canciones anónimas que después repetiría, ya en 1954, en una serie de programas radiofónicos para Radio Chilena, emisora que la proyectó al primer plano del folclore nacional. En 1954 recibió el premio Caupolicán; ese mismo año contrajo matrimonio con Luis Arce, del que nacieron Carmen Luisa y Rosa Clara. En 1953 había conocido a Pablo Neruda.A mitad de los años cincuenta realizó un viaje por los países de la Europa socialista y de regreso, a su paso por Francia, tuvo la oportunidad de plasmar temas del folklore chileno para el catálogo del sello Le Chant Du Monde. En 1956, ya de regreso a Chile, grabó el primer álbum de la colección El folclore de Chile, serie que garantizaría la conservación de multitud de temas populares de autoría anónima. Fue designada directora del Museo de Arte Popular de la Universidad de Concepción y retomó sus actuaciones en Radio Chilena.Pasó los primeros años de la década de 1960 en Europa, donde realizó actuaciones en diversos países. En 1964 tuvo la oportunidad de organizar una exposición individual de su obra plástica en el Museo del Louvre, la primera realizada por un artista latinoamericano. Nuevamente en Santiago, junto con su hermano Nicanor Parra y sus hijos mayores, animaron la "Peña de los Parra", un nombre de resonancias legendarias en la música popular de América Latina. 

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Violeta Parra Biografía Violeta Parra fue una artista multifacética, recolectora y difusora del folclor y patrimonio de Chile. Conoce su Vida Junto a su hermano Nicanor Parra. Con su madre Clarisa Sandoval. Su Obra Arpilleras, bordados, papel mache, canto o décimas: la técnica no fue lo importante. Violeta buscaba expresarse.

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Agarrate Catalina es la murga uruguaya más premiada, popular, reconocida y convocante de los últimos años. Ha trascendido las fronteras de la fiesta carnavalera local transformándose en uno de los máximos referentes de la escena artística de su país.

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Una gran porción de la música de cuyo habla sobre el vino.

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La refranera (cueca) (F. D. Palorma) Félix Dardo Palorma

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Reynaldo Armas es un cantante y compositor de música folclórica Venezolana. Fue galardonado con el Premio Grammy Latino, en el año 2013 por el álbum El Caballo de Oro, convirtiéndose así en el segundo cantautor de música llanera en obtenerlo.

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La Muerte Del Rucio Moro- Reinaldo Armas

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Egberto Gismonti (Carmo, 5 de diciembre de 1947) es un compositor, pianista y guitarrista brasileño cuyo estilo abarca diversos estilos musicales que transitan desde la música popular brasileña, al jazz y la música académica. Poseedor de una extraordinaria técnica y de un estilo propio, es también reconocido como un eximio e innovador pianista y guitarrista.

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Ignacio Boreal es el seudónimo de Ignacio Cano, un músico fueguino con una amplia trayectoria en el ámbito del rock local. Psicólogo de profesión, su actividad musical ha sido constante desde el año 1996 cuando formó junto con Pablo Ferrante (bajo) y Juan Manuel Oyola (Batería) Braunekühen, una banda que participó activamente de la escena del Rock fueguino. Además fundó Boreal 54 con otros estudiantes fueguinos (Pablo Ferrante, Lucas Giotta y Martín Barrantes) y desde 2006 comparte con el guitarrista fueguino Máximo Lobo distintos proyectos musicales que fueron presentados en los veranos de 2006 y 2007 en Ushuaia bajo dos conformaciones diferentes: Animal Boreal junto a Pablo Ferrante (Bajo) y Maximiliano Abt (Batería); y Los pájaros del Garage con Violeta Lobo (Piano), Marcos Silvestrini (Batería), Elías Segovia (Bajo) y Martin Pereyra (Percusión). Miscelánea es el primer disco solista de Ignacio Cano y ha sido pensado, grabado y producido en su mayoría por artistas fueguinos.

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Ignacio Boreal es el seudónimo de Ignacio Cano, un músico fueguino con una amplia trayectoria en el ámbito del rock local. Psicólogo de profesión, su actividad musical ha sido constante desde el año 1996 cuando formó junto con Pablo Ferrante (bajo) y Juan Manuel Oyola (Batería) Braunekühen, una banda que participó activamente de la escena del Rock fueguino. Además fundó Boreal 54 con otros estudiantes fueguinos (Pablo Ferrante, Lucas Giotta y Martín Barrantes) y desde 2006 comparte con el guitarrista fueguino Máximo Lobo distintos proyectos musicales que fueron presentados en los veranos de 2006 y 2007 en Ushuaia bajo dos conformaciones diferentes: Animal Boreal junto a Pablo Ferrante (Bajo) y Maximiliano Abt (Batería); y Los pájaros del Garage con Violeta Lobo (Piano), Marcos Silvestrini (Batería), Elías Segovia (Bajo) y Martin Pereyra (Percusión). Miscelánea es el primer disco solista de Ignacio Cano y ha sido pensado, grabado y producido en su mayoría por artistas fueguinos.

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RESUENA, músicas del sur - Temporada 1 - Capítulo 1: Ignacio Boreal

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Pedrito Martínez es un percusionista, baterista, cantante, bailarín, director de orquesta, compositor, compositor y educador cubano. Nació y creció en La Habana, Cuba. Es un conguero cubano que interpreta rumbas cubanas clásicas, música folklórica y religiosa afrocubana.

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The Pedrito Martinez Group: NPR Music Tiny Desk Concert

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Documental acerca de la vida y la musica de VIOLETA PARRA.

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Dueña de una voz única, ronca, scat sing, Elza comenzó a cantar con 13 años de edad. Con una ropa más grande que su talle, prestada por su madre, llegó al programa del gran Ari Barroso que, viendo aquella imagen, preguntó: “¿de qué planeta viniste, querida?” A lo que Elza respondió, sin reparos: “¡del Planeta hambre!”
En 1999, fue elegida la cantante del milenio por la BBC. Su nombre también aparece en la lista de las 100 mayores voces de la música brasileña, elaborada por la revista Rolling Stone. En la música, viene presentado un trabajo cada vez más de vanguardia. Su último trabajo, “Deus é Mulher” (Dios es mujer), de 2018 es una oda optimista a la mujer, sus alegrías y tormentos.
(https://graoespecial.com.br/es/2428-2/)

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Chewelche (Gente Bravía) es un trío de heavy metal de la Patagonia con poco más de un año de trayectoria. Sin embargo, en ese breve período no sólo ensayaron y grabaron demos sino que llegaron a lanzar un álbum con doce canciones, «Nunca Amututy, ¡quedémonos!», que ya se editó en formato físico.Ariel Basualto, cantante y bajista de Chewelche, repasó para Barricada TV la historia del trío. La banda es oriunda de Neuquén, y se completa con Juan Bruno Basualto (hijo de Ariel) en guitarra y Sebastián Figueroa en batería, quién también formaba parte de Aonikenk, formación con muchos años en la escena metalera del sur argentino. Desde marzo de 2019, tras ensayos, grabación de demos y varias fechas a cuestas, las composiciones fueron tantas que llegaron completando un disco, «Nunca Amuituy, ¡quedémonos!», en agosto de ese mismo año.

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Chewelche (Gente Bravía) es un trío de heavy metal de la Patagonia con poco más de un año de trayectoria. Sin embargo, en ese breve período no sólo ensayaron y grabaron demos sino que llegaron a lanzar un álbum con doce canciones, «Nunca Amututy, ¡quedémonos!», que ya se editó en formato físico.Ariel Basualto, cantante y bajista de Chewelche, repasó para Barricada TV la historia del trío. La banda es oriunda de Neuquén, y se completa con Juan Bruno Basualto (hijo de Ariel) en guitarra y Sebastián Figueroa en batería, quién también formaba parte de Aonikenk, formación con muchos años en la escena metalera del sur argentino. Desde marzo de 2019, tras ensayos, grabación de demos y varias fechas a cuestas, las composiciones fueron tantas que llegaron completando un disco, «Nunca Amuituy, ¡quedémonos!», en agosto de ese mismo año.

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《CHEWELCHE》En Vivo [Para Músicas Esenciales 2020]

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Daymé Arocena es una cantante de jazz afrocubana de La Habana, que ha sido descrita como "la mejor cantante joven de Cuba". Ganó el premio Juno 2015 al mejor álbum de jazz, como miembro de la banda de jazz Maqueque actuando con la música canadiense Jane Bunnett.

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La Rumba Me Llamo Yo - Daymé Arocena - Cubafonía (Official video)

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Jaime TorresJaime Torres nació el  21 de septiembre de 1938 en San Miguel de Tucumán.Es un músico tucumano que ha ganado gran repercusión mundial por su gran destreza con el charango. Fue discípulo del maestro boliviano Mauro Núñez, que fue quien le construyó sus primeros instrumentos. En 1974 el instrumentalista, junto con su banda, participo en el show de apertura del campeonato mundial de futbol en Alemania. Un año después, Jaime Torres organizo un encuentro local de instrumentalistas, repitiendo la misma experiencia con niños en 1980. En 1988 el músico compuso la música para la película La Deuda Interna que fue nominada al Oscar.Torres ha tocado en toda clase de escenarios con idéntico fervor y dignidad, su extensa actuación abarca desde los modesto escenarios del Tantanakuy, (las calles de los pueblos, al pie de monumentos o bajo centenarios árboles), hasta el prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, pasando por la Filarmónica de Berlín, la Sala Octubre de Leningrado y el Lincoln Center.

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Jaime TorresJaime Torres nació el  21 de septiembre de 1938 en San Miguel de Tucumán.Es un músico tucumano que ha ganado gran repercusión mundial por su gran destreza con el charango. Fue discípulo del maestro boliviano Mauro Núñez, que fue quien le construyó sus primeros instrumentos. En 1974 el instrumentalista, junto con su banda, participo en el show de apertura del campeonato mundial de futbol en Alemania. Un año después, Jaime Torres organizo un encuentro local de instrumentalistas, repitiendo la misma experiencia con niños en 1980. En 1988 el músico compuso la música para la película La Deuda Interna que fue nominada al Oscar.Torres ha tocado en toda clase de escenarios con idéntico fervor y dignidad, su extensa actuación abarca desde los modesto escenarios del Tantanakuy, (las calles de los pueblos, al pie de monumentos o bajo centenarios árboles), hasta el prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, pasando por la Filarmónica de Berlín, la Sala Octubre de Leningrado y el Lincoln Center.

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Otro tópico eran las referencias patrióticas o hacia el general San Martin que se encontraban en los textos literarios de algunas composiciones que pondera el protagonismo cuyano en la participación en el proceso de independencia. Se observa una caracterización heroica acerca de por ejemplo los granaderos en la cueca "sesenta granaderos"

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LOS TROVADORES DE CUYO con HILARIO CUADROS - LOS 60 GRANADEROS

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Elis Regina Carvalho da Costa (Porto Alegre, 17 de marzo de 1945 - São Paulo, 19 de enero de 1982) fue una de las cantantes brasileñas más populares en los años 1960 y 1970.

Elis Regina empezó su carrera en Porto Alegre como cantante a los 11 años en un programa de radio para niños, Rádio Farroupilha.

En 1959, fue contratada por la Rádio Gaúcha y al año siguiente viajó a Río de Janeiro donde grabó su primer LP, Viva a Brotolândia. Su segundo LP, con Jair Rodrigues, Dois na Bossa, fijó un récord de ventas nacional.

A finales de los años 1960 y principios de los 1970, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.

Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.

En 1974 editó con Antonio Carlos Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.

Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli, hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli, y de su posterior matrimonio con el pianista y compositor César Camargo Mariano son otros dos hijos: Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano, quien ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.

En un país como Brasil, que ha producido numerosos músicos, compositores y cantantes de grandísima categoría, Elis Regina quizás haya sido la cantante que reunió una voz prodigiosa y una técnica insuperable, en un momento en que el país atravesaba una etapa de creatividad musical irrepetible.

Elis Regina murió por una sobredosis de cocaína en 1982, a los 36 años.

Ella canta con sentimiento, razón por la que sus canciones siempre, siempre producen algo.

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La música típica de las Bahamas es el Goombay, que es una mezcla de ritmos africanos de tambor con canciones tradicionales de esclavos que han ido evolucionando a través de los años.

Otro tipo de música que se encuentra en las Bahamas es el “raken´n´scrape”, que se toca en bares y festivales. Esta música se toca con acordeón y guitarras.
Otros ritmos de las Bahamas son el Reggae, el Rap, Soca, Hip-Hop, R&B y Calypso.
La música espiritual y de iglesia también forman parte de los habitantes de las Bahamas.
https://www.youtube.com/watch?v=XvEUVPj3Bpk
Los bahameños son también amantes del baile, suelen interpreta un tipo de danza en cuadrillas y también una especie de polca.

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Andrés Chazarreta nacido en Santiago del Estero un 29 e mayo de 1876.Recopilador, guitarrista y empresario. Huérfano de madre a los cuatro años, se crió junto a su abuela y a sus hermanos.En 1895 se recibió de maestro y ejerció la docencia de niños y adultos hasta 1906, llegando a ser Inspector de Escuelas en 1905. También fue maestro y ocupó cargos directivos en escuelas militares. Dé niño tocaba la armónica y el acordeón. Ya adolescente, sus hermanos le enseñaron rudimentos de guitarra con los que aprendió a rasguear zambas, chacareras, escondidos, vidalas y gatos.En 1902 comenzó estudios de teoría y solfeo y técnica guitarrística, lo que le llevó a interesarse por un tiempo en música académica europea entonces en boga. Como integrante de una pequeña orquesta, conoció la ejecución de danzas como valses, mazurcas, schotis, lanceros, serenatas y otras que se bailaban entonces en los salones aristocráticos.En 1960 interpretó públicamente en un teatro de esa ciudad la Zamba d Vargas, un tema tradicional que había transcripto y arreglado para guitarra y que hizo editar en Buenos Aires en 1908 por la Casa Medina, firmándolo como propio.Influído por la Literatura tradicionalista y por las representaciones gauchescas de los circos criollos, formó un elenco con bailarines y músicos santiagueños aficionados para poner en escena las danzas y canciones tradicionales de la época.En Julio de 1911 debutó en teatro Pasatiempo del Aguila, obteniendo un clamoroso éxito, a pesar de la oposición oficial y de ciertas aristocracias locales, que veían en estas representaciones un resabio del pasado 'bárbaro". poco después repitió la presentación en Tucumán, donde se renovó el rechazo oficial y la aprobación popular.La compañía dio otros espectáculos en diversos puntos de las provincias del noroeste. Mientras tanto, Chazarreta continuaba con su labor docente y su tarea de recopilación y transcripción de las obras de las cuales iba tomando conocimiento.En 1918 viajó a Buenos Aires con el fin de interesar a literatos y empresarios en la presentación de su compañía, pero no tuvo eco. En 1920 se asoció con el empresario teatral Juan Mauri, quién más tarde se casaría con la cantante de la orquestaLa compañía debutó en el Teatro Politeama en Marzo e 1921, y permaneció en cartel por más de un mes a razón de 2 funciones diarias. Este éxito posibilitó la realización de giras por ciudades como La Plata, Rosario, Paraná, Córdoba y Montevideo. Desde entonces y hasta 1939, ya fuera con su compañía o con sus grupos de niños, Chazarreta retornaría año por medio a la Capital.Fundó allí en 1941 la Academia de Danzas Nativas y en 1942 la Orquesta de Arte Nativo. En 1937 y 1943 encabezó audiciones en las radios Nacional, Belgrano, El Mundo y Stensor. Desde 1929 hasta 1959 grabó innumerables discos para la RCA Víctor en solos, dúo, tríos, cuartetos o con la orquesta, que llegó a tener veinte integrantes.OBRA EDITADA: En Santiago del Estero: Álbum musical santiagueño de piezas criollas coleccionadas para piano, publicado en homenaje al Centenario de la Independencia Argentina, 1916; En Buenos Aires: Segundo Álbum musical santiagueño de tonadas y bailes criollos para canto y piano, en 1920; Tercer Álbum musical de tonadas y bailes criollos para canto y piano, 1923; Cuárto Álbum para piano y canto, 1927; Quinto Álbum de Música nativa, 1934; Sexto Álbum de Música Nativa, 1935; Séptimo Álbum de Música Nativa, 1940.Fallece en su Santiago natal un 24 de abril de 1960.Fuente: Diccionario Biográfico de la Música Popular de Raíz  Folklórica

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Andrés Chazarreta nacido en Santiago del Estero un 29 e mayo de 1876.Recopilador, guitarrista y empresario. Huérfano de madre a los cuatro años, se crió junto a su abuela y a sus hermanos.En 1895 se recibió de maestro y ejerció la docencia de niños y adultos hasta 1906, llegando a ser Inspector de Escuelas en 1905. También fue maestro y ocupó cargos directivos en escuelas militares. Dé niño tocaba la armónica y el acordeón. Ya adolescente, sus hermanos le enseñaron rudimentos de guitarra con los que aprendió a rasguear zambas, chacareras, escondidos, vidalas y gatos.En 1902 comenzó estudios de teoría y solfeo y técnica guitarrística, lo que le llevó a interesarse por un tiempo en música académica europea entonces en boga. Como integrante de una pequeña orquesta, conoció la ejecución de danzas como valses, mazurcas, schotis, lanceros, serenatas y otras que se bailaban entonces en los salones aristocráticos.En 1960 interpretó públicamente en un teatro de esa ciudad la Zamba d Vargas, un tema tradicional que había transcripto y arreglado para guitarra y que hizo editar en Buenos Aires en 1908 por la Casa Medina, firmándolo como propio.Influído por la Literatura tradicionalista y por las representaciones gauchescas de los circos criollos, formó un elenco con bailarines y músicos santiagueños aficionados para poner en escena las danzas y canciones tradicionales de la época.En Julio de 1911 debutó en teatro Pasatiempo del Aguila, obteniendo un clamoroso éxito, a pesar de la oposición oficial y de ciertas aristocracias locales, que veían en estas representaciones un resabio del pasado 'bárbaro". poco después repitió la presentación en Tucumán, donde se renovó el rechazo oficial y la aprobación popular.La compañía dio otros espectáculos en diversos puntos de las provincias del noroeste. Mientras tanto, Chazarreta continuaba con su labor docente y su tarea de recopilación y transcripción de las obras de las cuales iba tomando conocimiento.En 1918 viajó a Buenos Aires con el fin de interesar a literatos y empresarios en la presentación de su compañía, pero no tuvo eco. En 1920 se asoció con el empresario teatral Juan Mauri, quién más tarde se casaría con la cantante de la orquestaLa compañía debutó en el Teatro Politeama en Marzo e 1921, y permaneció en cartel por más de un mes a razón de 2 funciones diarias. Este éxito posibilitó la realización de giras por ciudades como La Plata, Rosario, Paraná, Córdoba y Montevideo. Desde entonces y hasta 1939, ya fuera con su compañía o con sus grupos de niños, Chazarreta retornaría año por medio a la Capital.Fundó allí en 1941 la Academia de Danzas Nativas y en 1942 la Orquesta de Arte Nativo. En 1937 y 1943 encabezó audiciones en las radios Nacional, Belgrano, El Mundo y Stensor. Desde 1929 hasta 1959 grabó innumerables discos para la RCA Víctor en solos, dúo, tríos, cuartetos o con la orquesta, que llegó a tener veinte integrantes.OBRA EDITADA: En Santiago del Estero: Álbum musical santiagueño de piezas criollas coleccionadas para piano, publicado en homenaje al Centenario de la Independencia Argentina, 1916; En Buenos Aires: Segundo Álbum musical santiagueño de tonadas y bailes criollos para canto y piano, en 1920; Tercer Álbum musical de tonadas y bailes criollos para canto y piano, 1923; Cuárto Álbum para piano y canto, 1927; Quinto Álbum de Música nativa, 1934; Sexto Álbum de Música Nativa, 1935; Séptimo Álbum de Música Nativa, 1940.Fallece en su Santiago natal un 24 de abril de 1960.Fuente: Diccionario Biográfico de la Música Popular de Raíz  Folklórica

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Nacida en 2001, Fernández Fierro es una orquesta de doce músicos más cantora que ha revolucionado la escena del tango con su violenta sonoridad y puesta en escena, así como por el inédito proyecto colectivo que llevan adelante: el grupo se organiza en forma cooperativa, mantiene una radio on-line (RadioCAFF) edita sus discos de manera independiente y administra su propio club: el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF), espacio ineludible de la escena musical independiente, donde brinda sus potentes shows regularmente.

Su trabajos discográficos se inician en el 2002 con Envasado en Origen y le siguen Destrucción Masiva (2003), Vivo en Europa (2005), el DVD Tango Antipánico (2005) y Mucha mierda (2006), elegido por el diario La Nación como uno de los diez mejores discos editados en ese año y su tema "Las Luces del Estadio/Buenos Aires Hora Cero" como uno de los cien mejores temas del año 2006 por la edición argentina de la revista Rolling Stone. Asimismo, ese mismo año, Mucha mierda fue nominado para los Premios Gardel como Mejor Album Orquesta de Tango. En 2009 editan Putos, su cuarto disco de estudio, que fue elogiado unánimemente por la prensa y elegido por la edición argentina de la Rolling Stone como uno de los cinco mejores cds de tango de ese año. En 2013 presentaron con unánimes elogios y numerosos conciertos su sexto disco, TICS.

Fernández Fierro ha llevado su música por Europa, Oceanía y América trascendiendo la escena estrictamente tanguera e ingresando a escenarios históricamente vedados al tango y más relacionados con el rock. Se han presentado en Joe's Pub de New York, NASA de Reykjavic, Teatro Solís de Montevideo, Teatro Ibirapuera de Sao Paulo, Tropentheater de Amsterdam, Barbican Centre de Londres, Festival Cervantino de México, entre otros destacados escenarios del mundo. En 2011 se han presentando con gran éxito en el Womex, la feria más importante de la música del mundo. En 2012 han tocado en diferentes festivales del verano europeo como el emblemático Roskilde Festival, junto a figuras como The Cure, Rufus Wainright, Lou Reed o Björk. En 2014, han sido parte del Sydney Festival en Australia y el MOFO Festival en Tasmania. En 2015 han participado del line-up del WOMAD Chile, Lollapalooza Argentina, Juegos Panamericanos en Toronto, WOMAD UK, VAQ en Quito y Oslo World Music Festival en Noruega.

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Jorge Antonio Cafrune, conocido como el Turco Cafrune, fue un cantante folclórico y músico argentino. Nació el 8 de agosto de 1937 (El Carmen, Jujuy, Argentina). Fue considerado un revolucionario musical y falleció el 1 de febrero de 1978 a sus 40 años. También fue investigador, recopilador y difusor de la cultura nativa de su país, donde su vida como artista era ser cantautor, actor, actor de cine, guitarrista y artista discográfico. Al ser un cantante revolucionario, en aquel momento, Argentina estaba bajo el mandato militar y Jorge Cafrune transmitia mensajes a través de las canciones que cantaba y por eso se ganó el apoyo de toda la población en contra del gobierno de turno, fue considerado como el cantor del pueblo y algunos creían que un cantor con una guitarra en mano, como él, era más peligroso que un pelotón de militares porque el pueblo lo seguía a él.

El día que el fallece, lo hace cuando estaba viajando hacia Yapeyú, Corrientes y un camión lo atropella al lado de la ruta, aun algunas personas y los medios creían y creen que fue un accidente pero todo el pueblo Argentino lo recuerda porque saben que su muerte fue obra de los militares. Uno de los mensajes que transmitió por medio de las canciones y que hasta el dia de hoy sigue vigente, fue “cantor que canta a los pobres, ni muerto se ha de callar, pues donde vaya a parar el canto de ese cristiano, no a de faltar el paisano que lo haga resucitar”

https://youtu.be/6ocYm6ZD7Ew

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Jorge Cafrune - Coplas del Payador Perseguido

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Queen es una banda británica de rock formada en 1970 en Londres, integrada por el cantante y pianista Freddie Mercury, el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon (el cual llegaría un año después al grupo para completar la formación clásica). Sus primeros trabajos estuvieron influenciados por el rock progresivo y el hard rock, pero la banda se aventuró gradualmente en trabajos más convencionales y amigables con la radio incorporando más estilos, como arena rock y pop rock.

Antes de formar Queen, May y Taylor habían tocado juntos en la banda Smile. Mercury se apegó a la banda y los animó a experimentar con técnicas escénicas y de grabación más elaboradas. Se unió en 1970 y sugirió el nombre de «Queen». Deacon fue reclutado en febrero de 1971, antes de que la banda lanzara su álbum debut homónimo en 1973. Queen apareció por primera vez en las listas de éxitos del Reino Unido con su segundo álbum, Queen II, en 1974. Sheer Heart Attack más tarde ese año y A Night at the Opera en 1975 trajeron a ellos el éxito internacional. Este último presentó «Bohemian Rhapsody», que se mantuvo en el número uno en el Reino Unido durante nueve semanas y ayudó a popularizar el formato de video musical.

El álbum de 1977 de la banda, News of the World, contenía «We Will Rock You» y «We Are the Champions», que se han convertido en himnos en los eventos deportivos. A principios de la década de 1980, Queen era una de las bandas de arena rock más importantes del mundo. «Another One Bites the Dust» de The Game (1980) se convirtió en su sencillo más vendido, mientras que su álbum recopilatorio de 1981 Greatest Hits es uno de los álbumes más vendido a nivel mundial con más de 50 millones de copias y en el Reino Unido es el álbum más vendido con más de 7 millones de copias y está certificado nueve veces platino en los EE. UU. Su actuación en el concierto Live Aid de 1985 y su concierto en Wembley Stadium en el año de 1986 están clasificadas entre las mejores de la historia del rock por varias publicaciones. En agosto de 1986, Freddie Mercury dio su última actuación con Queen en Knebworth, Inglaterra. En 1991 murió de bronconeumonía, una complicación del sida. Deacon se retiró en 1997. Desde 2004, May y Taylor han realizado giras como «Queen +», con los vocalistas Paul Rodgers y Adam Lambert.

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Queen – Bohemian Rhapsody (Official Video Remastered)

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Julio María Sosa Venturini, más conocido como Julio Sosa, fue un cantante de tango uruguayo que alcanzó la fama en las décadas de 1950 y 1960, siendo con Gardel los mayores íconos de la historia del género, apodado como «El varón del tango»

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Julio María Sosa Venturini, más conocido como Julio Sosa, fue un cantante de tango uruguayo que alcanzó la fama en las décadas de 1950 y 1960, siendo con Gardel los mayores íconos de la historia del género, apodado como «El varón del tango»

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https://www.youtube.com/watch?v=pxYGAbYfTVs

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Julio Sosa       Qué me van a hablar de amor

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https://youtu.be/yAv5mgUOHwk

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Lázaro Caballero Moreno, nacido el 4 de septiembre de 1992, en la capital del Formosa. Desde muy pequeño tuvo afición a las tareas de campo, pero también a la música, siendo sus ídolos Mario Boffil, Zilo Segovia, Jorge Cafrune.

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Lazaro Caballero en vivo- DESDE UN AYER A UN MAÑANA

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Omar Rúben Rada Silva (Montevideo, 16 de julio de 1943), también conocido como Rúben Rada o por su pseudónimo Negro Rada,¹​ es un músico, compositor, percusionista, cantante, actor y presentador de televisión uruguayo.²​³​

Biografía

Sus primeros pasos en la música fueron a los diez años como integrante de la comparsa de negros y lubolos Morenada.²​ Su primer pseudónimo fue Zapatito, originado en que a esa edad ya calzaba zapatos talla europea 43.⁴​ De los 15 a los 16 años salía en una murga que se llamaba La Nueva Milonga. Por esa época cantaba en la Orquesta tropical candombera Cubanacán de Pedro Ferreira, un importante compositor de candombe en Uruguay a quien Rada reconoció como una importante influencia en este género.⁵​ A los 17 debutó como frontman en la banda Los Hot Blowers, con el seudónimo Richie Silver

Entre 1958 y 1962, se incorpora como vocalista al conjunto de jazz The Hot Blowers, grupo formado por el pianista Paco Mañosa, como uno de los conjuntos del Hot Club de Montevideo. Integraron esta agrupación notables músicos como Federico García Vigil, Daniel "Bachicha" Lencina, los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso, Enrique "Pelo" de Boni, Ringo Thielmann, Dietrich Orttman, Morís Pardo, Tomás "Chocho" Paolini, Guillermo Facal, Moisés Rouso, Ramón "Bebe" Alfonso y el humorista Cacho De la Cruz.⁶​⁷​

Esta banda logró cierto reconocimiento regional, logrando editar tres álbumes EP y realizando una extensa gira por territorio chileno.

Ruben Rada.

En las frecuentes presentaciones del grupo, tanto en vivo como por la televisión, Rada se ganó al público no solo por sus dotes musicales sino también por su faceta humorística y bromista, asociada desde aquel entonces con su figura.⁵​⁸​

El Kinto

Artículo principal: El Kinto

En 1965 pasó a formar parte de El Kinto lo cual marcó sus inicios como músico profesional. Esta banda comenzó tocando música bailable en inglés, para paulatinamente comenzar a trabajar en temas propios, cambiando el estilo y el idioma. El Kinto es reconocido como pionero en ejecutar candombe con instrumentos eléctricos, tumbadoras, batería y, además, crear temas cantados en idioma español. El candombe beat, según definían ellos, era una mezcla de rock psicodélico, candombe, música brasileña y varios otros estilos. Se caracterizaron por un espíritu innovador, excelentes arreglos musicales. Las voces eran Rada, Eduardo Mateo, Urbano Moraes y Walter Cambón. Con grabaciones de El Kinto se editaron los discos Musicasión 4 ½, Circa 1968 y el CD Clásico.⁹​¹⁰​¹¹​

Totem

Artículo principal: Totem (banda)

Tras El Kinto integró el grupo Totem que, a pesar de que editó solo tres long plays y tuvo una trayectoria fugaz (1970 a 1973), se convirtió en una de las bandas más llamativas de la música rock uruguaya desde aquellos momentos hasta la actualidad. La fusión de elementos del rock and roll, la música latina y el candombe, a la que se unió la particular voz de Ruben Rada, conformaron al grupo como uno de los puntos más altos de la música joven uruguaya, raramente superado desde entonces. Junto a Tótem grabó los dos primeros álbumes del grupo y compuso temas como "Dedos" (con Eduardo Useta), "Biafra", "Heloísa" y "Negro".¹²​¹³​¹⁴​

Opa

Rada con la banda OPA.

A mediados de los años setenta participó, junto a los hermanos Hugo Fattoruso y Osvaldo Fattoruso y Ringo Thielmann, en la grabación de Magic Time, segundo Long Play del conjunto Opa producido en los Estados Unidos. El álbum presentó una música fuertemente influida por el jazz rock, muy en boga en esos días, fusionando el candombe.¹⁵​ El disco seguía la línea del trabajo anterior de la banda (sin Rada), Goldenwings, álbum que había sido muy bien recibido por la crítica especializada. Magic TIme contiene "Montevideo", de Rada y Hugo Fattoruso, que se convertiría en una de las canciones más representativas de la música uruguaya.¹⁶​ Rada participó, también, en el disco I'm Fine, How Are You? (1977) de Airto Moreira, músico vinculado a la banda Opa, y que con Hugo y Osvaldo Fattoruso y Ringo Thielmann había grabado el disco Fingers (Dedos) (1973), donde versionaban el tema “Dedos", incluso al tema lo titularon “Fingers (El Rada)”.¹⁷​ En 1981, Rada, ya en Argentina, grabó el álbum A Los Shakers con Opa, banda que figuró en ese disco con el nombre Otroshakers.¹⁸​ ¹⁷​ Ese mismo año Opa se presentó por primera vez en Uruguay, en dos recitales históricos.¹⁹​¹⁷​ El conjunto se reunió nuevamente el 17 de octubre de 1987 para ofrecer un recital en el Teatro de Verano de Montevideo ²⁰​ Del recital se desprendió el disco Opa en vivo, editado en 1988. En la década del ochenta, era común escuchar en la radio la expresión: "Opa con Rada" cuando pasaban temas de Magic Time, para diferenciarlo del primer trabajo de Opa.²¹​²²​ La última actuación del grupo fue en marzo de 2005 en el Teatro Solís.²¹​

Carrera solista

Rada en un concierto para niños en el Hotel Conrad de Punta del Este, el 30 de julio de 2005.

En Uruguay y Argentina

En 1969, con el tema "Si te vas" Rada representó a Uruguay en el IV Festival Mundial de la Canción de Río de Janeiro, que finalmente ganó Joan Manuel Serrat con "Penélope" de Augusto Algueró.²³​

En el mismo año, ante la gran popularidad lograda por Rada, principalmente por el éxito de su canción "Las manzanas", logró grabar su primer álbum como solista: Rada (conocido popularmente como Las manzanas e incluso reeditado en Argentina en 1983 y en CD en 1998 con ese nombre).²⁴​

Después de Totem, a mediados de los setenta, grabó dos discos reconocidos por la crítica: Ruben Rada y Conjunto S.O.S. en Buenos Aires y Radeces en Montevideo, además de participar como músico invitado en el disco Café Concert Vol. 2 de Camerata Punta del Este. Son de estos años canciones como “Ayer te vi”, “Upa nega”, “Chinga Chilinga”, “Malísimo” o “Pájaro africano”.

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"ruben rada" "negro rada" rada rubenrada

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Este es el canal Oficial de Ruben Rada. Aquí podrán encontrar mis videos mas recientes y también parte de mi historia. Los espero siempre con alguna novedad.

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El Litoral está conformado por las provincias de Misiones, Formosa, Chaco, Santa Fe y Entre Ríos.

La música de esta región es melodiosa; las letras tienen un tono amoroso y de carácter testimonial, tiene sus orígenes en la cultura guaraní prehispánica.

El acordeón, el bandoneón, la guitarra y, en algunos casos, el arpa india son los instrumentos musicales de preferencia.

Los estilos musicales que integran la música litoraleña son: el Chamamé, la Guarania, el Purajhei, la Polquita rural, la Galopa o Galopera, la Chamarrita, el Rasguido doble, el Valseado, el Chotis, la Ranchera y el Gualamba.

Algunos artistas destacados en estos estilos musicales son: Teresa Parodi, Tarragó Ros, Antonio Tarragó Ros. El Chango Spasiuk, Oscar Cardozo Ocampo, Emilio Chamorro, Loa Hermanos Cuesta, Ramona Galarza, etc.

El Chamamé abarca la provincia de Corrientes; Chaco; norte de Santa Fe; norte de Entre Ríos, parte de Misiones y parte del este de Formosa. Sus instrumentos mas comunes son el acordeón, bandoneón y guitarra.

La Chamarrita es muy popular en Entre Ríos y parte de Corrientes. Sus instrumentos mas comunes son el acordeón, el arpa, la guitarra y el piano.

La Galopa es popular en Misiones. Su instrumento mas común es el bandoneón, guitarra y bajo.

Chamamé: https://youtu.be/yqwkIypiqf8
Galopa:
https://youtu.be/mWwZ-V2sfS4
Chamarrita:
https://youtu.be/kbZZHb5TPqk

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Diomedes Díaz 'El Cacique de La Junta' dejó un importante legado en la música colombiana y sobretodo en el vallenato. En cualquiera de sus aires, Diomedes Díaz siempre será uno de los más grandes exponentes.

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Nació en Viedma, Rio Negro, Argentina en
1978.
Es considerado uno de los artistas más originales, versátiles y viscerales, admirado por la crítica especializada y sus colegas.
En su obra fusiona sonidos electrónicos, instrumentos acústicos, programaciones y arreglos de cuerdas.
Siempre inquieto, sus presentaciones en
vivo tienen la singularidad de versionar sus canciones, otorgándoles una nueva sonoridad a la magnitud artística de su propuesta.
Desde la independencia y la autogestión con su propio sello “Viento Azul” lleva editados 8 discos de estudio, 4 discos en vivo y 2 discos de proyectos alternativos: “Hermano  Hormiga” con Raly Barrionuevo, y “=EP8” con Fernando Kabusacky, el cual fue nominado en la categoría Música
Electrónica para los Premios Gardel 2022.
Fue el artista de apertura de los conciertos en Buenos Aires de Sting ( 2017) y
David Byrne ( 2018).
En Buenos Aires, agotó 8 veces el mítico Teatro Gran Rex y realizó 2 estadios en el
Luna Park.
Fue productor artístico de todos sus discos y produjo además a artistas de la talla de Fabiana Cantilo, Liliana Herrero, Fernando Barrientos, etc.
Participó en los más importantes festivales nacionales e internacionales como,
Lolla Palooza Argentina, Festival Grec Barcelona, Encuentro Cantautores Quito,
Mastai, Buena Vibra, entre otros.
El director Francis Ford Coppola eligió "El Búho" la canción de su Album "39°" para
musicalizar “ Tetro", la pelicula que escribió , produjo y dirigió en 2009.
Desde hace varios años desarrolla el servicio M. S. F. L ( Música sin fines de
lucro) para dar a conocer v acompañar la obra de nuevos compositores.
Obtuvo 7 veces el Premio Gardel en
mejor álbum de Rock y Pop Alternativo. Fue nominado a los Grammy Latinos por "Mundo Anfibio" y fue distinguido con el Premio Konex como una de las 5 figuras más importantes de la música popular argentina en la última década.

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Lisandro Aristimuño - Es todo lo que tengo - Encuentro En el Estudio

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Figura clave de la música contemporánea sudamericana, Dino Saluzzi nació en Camposanto, Salta, en el Norte de Argentina, en 1935.
Bandoneonista y compositor, autor de obras para diferentes formaciones e instrumentos musicales, Dino Saluzzi es el compositor argentino vivo de mayor reconocimiento y trayectoria internacional en la actualidad.
Su música, ovacionada en las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, posee profundas vinculaciones estilísticas con diferentes músicas de nuestro país.

Se inicia en la música por su padre, el folclorista Cayetano Saluzzi, a la edad de 7 años.

Desarrolló un lenguaje propio con un fuerte anclaje estilístico en el Noroeste argentino, que desvanece las fronteras entre música popular y la denominada música "culta" y entre composición e improvisación. Su obra incluye música solista, de cámara y orquesta.

https://youtu.be/3wSfVg9LKTY

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Don Osvaldo Pedro Pugliese fue un pianista, director y compositor argentino dedicado al tango.
Es recordado por ser uno de los exponentes más brillantes del tango.

Nació en Buenos Aires, en el barrio porteño de Villa Crespo, el 02 de diciembre de 1905 y falleció el 25 de julio de 1995.

De padre y hermano músicos, su primer instrumento que le regalaron fue un violín, pero rápidamente se enamoró del instrumento que lo acompañó toda su carrera: el piano.

Estudió con grandes maestros como Vicente Scaramuzza y Pedro Rubione.

Debutó ante el público a la edad de 15 años tocando en formato trío junto al bandoneonista Domingo Faillac y el violinista Alfredo Ferrito.

Luego integró varios orquesta famosas de la época, como por ejemplo la de Roberto Firpo, entre otros músicos.

El verdadero despegue de Osvaldo Pugliese se produce cuando presenta ante el público su propia orquesta, que lo acompañó durante 55 años y que hace su debut en el café El Nacional el 11 de agosto de 1939 dónde estuvo en la dirección de la orquesta desde el piano.

Osvaldo Pugliese compuso más de 150 temas, algunos muy famosos como Recuerdo, La Beba, Negracha, Malandraca y su himno La yumba. Además grabó más de 600 temas de otros autores.

Por su orquesta pasaron cantores de la talla de Roberto Beltrán, Roberto Chanel, Alberto Morán,  Jorge Vidal, Jorge Maciel, Miguel Montero, Alfredo Belusi, Adrián Guida y Abel Córdoba, este último cantó durante 30 años en la orquesta de Pugliese.

El 26 de diciembre DE 1985, para festejar su cumpleaños número 80, su orquesta tocaría en el Teatro Colón de la Ciudad de Buenos Aires.

Fue uno de los impulsores del Sindicato Argentino de Músicos, fue declarado Ciudadano Ilustre en 1996, en 1990, recibió el título de Académico Honorario de la Academia Nacional del Tango, entre otros logros del artista.

Desde 2011 tiene una estación de subte en Buenos Aires que lleva su nombre.

Su trayectoria lo llevó a tocar en toda América Latina y llevó el tango a países como Australia, Japón, Estados Unidos, Rusia, China, Finlandia y Turquía.

Falleció a los 89 años en la ciudad de Buenos Aires, el 25 de julio de 1995, a causa de una obstrucción intestinal que se complicó más tarde por una afección cardíaca y problemas respiratorios.

Sus restos fueron velados en el Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

https://youtu.be/lHbWqiVaUHY

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 4 pesos de propina Banda uruguaya de rock alternativo la cual me gusta mucho

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 4 pesos de propina Banda uruguaya de rock alternativo la cual me gusta mucho

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https://es.m.wikipedia.org/wiki/Cuatro_Pesos_de_Propina

La historia de Cuatro Pesos comienza por el 2000; aunque su formación termina de consolidarse en el 2004. Desde entonces ha tenido un constante crecimiento, como banda independiente, tocando en universidades, boliches, movidas sociales, y organizando producciones propias. Banda de varios estilos musicales como el ska, el reggae, la música mestiza y la fusión de géneros; con gran influencia de los cantautores populares más experimentales de la música uruguaya.

En el 2007 sale "Se está complicando", primer CD de la banda, editado de forma independiente. Coproducido por Chole Giannoti (Abuela Coca, Congo) y con invitados como Fermín Muguruza, Pitufo Lombardo, Queso Magro, etc. Llegan a Bs As por primera vez en el 2006 y en el 2008 hacen la presentación de "Se está complicando" en Bs As, en el Teatro Verdi (la Boca); y empiezan a tocar en el Gran Buenos Aires.

En 2010 editan su segundo disco “Juan”, también independiente, con Fernando Goicoechea (productor y músico de José Carbajal, “el Sabalero”) como productor artístico. En 2011 y 2012, tocan tanto en el interior como en el exterior del país: En Argentina en ciudades como Rosario, Santa Fe o Córdoba, compartiendo escenario con bandas como La Vela Puerca, No te va gustar, Arbolito, Todos Tus muertos, Gogol Bordello, La Chilinga, 2 Minutos, Las Manos de Filippi o Karamelo Santo, entre otras, participando de festivales masivos, y recorriendo varios boliches a lo largo de toda la provincia de BsAs.

A comienzos de 2013 sale su último disco de estudio Surcando, producido por Francisco Fattoruso, donde participan músicos como Hugo Fattoruso, Andrea Echeverri (Aterciopelados de Colombia) y Damny Baluteau (La Phaze de Francia), entre otros. Al igual que los anteriores, el disco es independiente, siendo ésta una de las características principales como banda, al igual que la autogestión como proceso grupal de funcionamiento.

En 2015 sale el primer DVD de la banda Muerto pero vivo, Dirigido por Rodrigo Labella y producido por Francisco Fattoruso. concierto grabado en el Teatro de Verano de Montevideo, uno de los mayores escenarios de la escena musical del país. Editado el 1 de octubre y presentado en varios países; Muerto pero vivo recorre la carrera artística de la banda en los últimos tiempos.[1]​[2]​[3]​

Han compartido escenario y grabaciones con varios artistas de la escena nacional e internacional, como Manu Chao, Fermín Muguruza, La Vela Puerca, Karamelo Santo, Todos Tus Muertos, Calle 13, Ataque 77, Aterciopelados, La Phaze, Kumbia Queers, Gogol Bordello, entre otros.

Tiempo después de editar su primer DVD en vivo, Muerto pero vivo, en 2015, la banda de rock mestizo Cuatro Pesos de Propina vivió algunas turbulencias, y su cantante y principal compositor, Diego Rossberg, el 4 de enero de 2017, se fue del grupo para emprender un camino como solista.

Después de superar una posibilidad de ruptura, la banda se reformuló y en mayo de 2019 el nuevo álbum de estudio “LA LLAMA”, producido por Rodrigo Calzada y Gastón Puentes, y cuenta con la participación de Andrea Dias (Colombia), Sara Hebe (Argentina), y varios músicos instrumentistas invitados. “La Llama” es el 4° disco de estudio de Cuatro Pesos de Propina. Transita por distintos géneros como es característico en la banda, animandose a fusionar ritmos y estilos pero manteniendo la raíz en la música mestiza y rioplatense. Composiciones donde la canción y la exploración instrumental siguen siendo protagonistas.

FormaciónEditar

IntegrantesEditar

Agustina García - Voz

Gastón Puentes - Voz

Rodrigo Calzada - Bajo y coros

Gastón Pepe - voz, coros, percusión y scratches en 12

"Tato" Bolognini - Batería.

Rodrigo Baleato - Saxo tenor, saxo soprano y saxo barítono, clarinete y coros

Miguel Leal - Trompeta y coros

Sabrina Diaz - Teclado y coros

"Sebo" Delgado - Guitarra

Otros integrantesEditar

Camilo Sequeira - Mánager

Joana Alonso - Producción

Martín Gaviglio - Producción

Daniela Beracochea - Arte y diseños

Emilio Ferraro - Técnico FOH (Front of House; quien se encarga del sonido que escucha el público)

Gustavo Gestido - Luces

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Jaques Morelenbaum es un artista que nació en 1954 en Brazil (Country).

Ha comenzado su carrera artística en 1991 con New Tango, Brazilian Touch. Luego continuaría con Piazzollando en 1992 (después de 1 año). Cuenta con 6 producciones discográficas en los formatos de CD, Vinyl y DVD.

Sus variados estilos de Jaques Morelenbaum son: Contemporary (Por ejemplo, en su álbum Piazzollando), Contemporary Jazz (Por ejemplo, en su álbum Alma), Fado (Por ejemplo, en su álbum Concerto Em Lisboa), Soundtrack (Por ejemplo, en su álbum Central Do Brasil - Original Motion Picture Soundtrack) y Tango (Por ejemplo, en su álbum New Tango, Brazilian Touch).

Su estilo se enmarca en los géneros: Classical, Folk, World, & Country, Jazz, Latin y Stage & Screen.

Jaques Morelenbaum se ha desempeñado como: Accompanied (Por ejemplo, en el sencillo Cucurrucucú Paloma), Arranged (Por ejemplo, en el sencillo Smile), Arranged [Strings], Cello (Por ejemplo, en el sencillo Medo De Amar (Vire Essa Folha Do Livro)), Arranged [Strings], Producer (Por ejemplo, en el sencillo Michelangelo Autonioni), Arranged [Winds], Producer (Por ejemplo, en el sencillo Onde O Rio E Mais Baiano), Arranged , Cello (Por ejemplo, en el sencillo Insensatez), Arranged , Conductor (Por ejemplo, en el sencillo Setembro), Backing Vocals (Por ejemplo, en el sencillo Iemanja (Hamilton & Yamandu Acoustic Version)), Cello (Por ejemplo, en el sencillo Bibounoaozora), Cello [Electric] (Por ejemplo, en el sencillo Berimbau), Cello [Guest] (Por ejemplo, en el sencillo Cómo Sé), Cello [Solo], Arranged [Strings], Producer (Por ejemplo, en el sencillo Manhata), Cello [Special Guest] (Por ejemplo, en el sencillo Para Ver As Meninas), Cello, Arranged (Por ejemplo, en el sencillo Tonada De Luna Llena), Cello, Arranged [Arranjo] (Por ejemplo, en el sencillo Fato Banal), Cello, Arranged [Strings] (Por ejemplo, en el sencillo Itapua), Cello, Conductor, Arranged (Por ejemplo, en el sencillo Que Nao Se Ve (Come Tu Mi Vuoi) (Live)), Cello, Producer (Por ejemplo, en el sencillo Fina Estampa), Cello, Soloist [Solo] (Por ejemplo, en el sencillo Sônia), Composed (Por ejemplo, en el sencillo Central), Conductor [Additional], Producer [Additional] (Por ejemplo, en el sencillo El Presente), Conductor [Orchestra] (Por ejemplo, en el sencillo En Aranjuez Con Tu Amor), Conductor [Strings], Arranged [Strings], Producer (Por ejemplo, en el sencillo Cucurrucucu Paloma (Live)), Contractor [Strings], Cello (Por ejemplo, en el sencillo Itapuã), Featuring (Por ejemplo, en el sencillo Oração De Amor), Handclaps, Producer (Por ejemplo, en el sencillo Na Baixa Do Sapateiro), Handclaps, Producer, Arranged (Por ejemplo, en el sencillo Um Tom), Performer [Accompanied] (Por ejemplo, en el sencillo Cucurrucucú Paloma), Producer (Por ejemplo, en el sencillo Você Esteve Com Meu Bem?), Producer [Caetano Veloso's Vocals] (Por ejemplo, en el sencillo Island Of Wonder), Soloist, Cello (Por ejemplo, en el sencillo Quando L'Aria Mi Sfiora), Synthesizer [Dx7] (Por ejemplo, en el sencillo Brigas Nunca Mais), Violin (Por ejemplo, en el sencillo The Last Emperor), Vocals [Whisper] (Por ejemplo, en el sencillo Vivo Sonhando - Dreamer), Written (Por ejemplo, en el sencillo Merica, Merica) y Written (Por ejemplo, en el sencillo Os Pilares Da Cultura).

Ha trabajado con los siguientes sellos discográficos: Bonsaï Music, Capitol Records, EMI Music Portugal, Kuarup Discos, Milan, Sony BMG Music Entertainment, Tǔk Music y World Connection.

Algunas de las colaboraciones de Jaques Morelenbaum fueron con Ryuichi Sakamoto en el año 1995 con el sencillo Bibounoaozora, con Various en el año 1998 con el sencillo Você Esteve Com Meu Bem?, con Nelly Furtado en el año 2003 con el sencillo Island Of Wonder, con David Byrne en el año 2001 con el sencillo Smile, con Antonio Carlos Jobim en el año 2000 con el sencillo Passarim, con Paula Morelenbaum en el año 2004 con el sencillo Berimbau, etc.

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Jaques Morelenbaum | Coração Vagabundo (Caetano Veloso) | Instrumental SESC Brasil

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Juan Fuentes es un Salteño, cantante, compositor y folclorista argentino, ex vocalista del grupo Los Huayras. Luego de esta separación, Juan se largó como solista sacando su primer canción denominada "fiel a tu corazón" el 21 de septiembre de 2019.

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Fiel a Tu Corazón - JUAN FUENTES (Link de descarga en la descripción abajo)

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Robert Nesta Marley, más conocido como Bob Marley, fue un cantante y compositor jamaicano. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas The Wailers y Bob Marley & The Wailers. 

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Robert Nesta Marley, más conocido como Bob Marley, fue un cantante y compositor jamaicano. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas The Wailers y Bob Marley & The Wailers. 

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https://www.youtube.com/watch?v=zGO8HN1QQdI

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Bob Marley & The Wailers - I Shot The Sheriff (Live At The Rainbow Theatre, London / 1977)

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Led Zeppelin fue un grupo británico de rock fundado en Londres en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds. La banda estuvo integrada por Jimmy Page en la guitarra, John Paul Jones como bajista y tecladista, el vocalista Robert Plant y John Bonham en la batería (que había coincidido con Plant en The Band of Joy). Es considerada una de las bandas más importantes e influyentes de la década de los 70 y de la historia del rock.

https://youtu.be/xbhCPt6PZIU

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Soda Stereo es una banda del Rock alternativo formada en Buenos Aires, Argentina en 1982 por Gustavo Cerati (voz y guitarra), Zeta Bosio (bajo) y Charly Alberti (batería),considerada ampliamente por la crítica especializada como la banda más importante, popular e influyente de rock en español de todos los tiempos y una leyenda de la música latinoamericana. [2] Fueron el primer grupo de habla hispana en conseguir un éxito masivo en Latinoamérica y tuvieron un papel muy importante en el desarrollo y la difusión del rock latinoamericano y el rock en español durante las décadas de 1980 y 1990. Durante su carrera, fueron vanguardistas y marcaron tendencia en Latinoamérica, en la que protagonizaron diversos géneros como la música divertida de sus inicios, la new wave, el dark wave, el hard rock, el rock alternativo y el rock electrónico de sus finales.

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Luis Alberto Spinetta (Buenos Aires, 23 de enero de 1950 - 8 de febrero de 2012) fue un cantante, guitarrista, poeta, escritor y compositor argentino, considerado uno de los más importantes y respetados músicos de Argentina, Latinoamérica y del habla hispana por la complejidad instrumental, lírica y poética de sus obras musicales, tanto en sus múltiples agrupaciones y como solista. El gobierno argentino estableció el 23 de enero como "Día Nacional del Músico" en honor a su nacimiento.​

En sus años iniciales, Spinetta formaría diversas bandas de rock en las décadas de los 60 y 70 que serían extremadamente influyentes e importantes en la evolución del rock nacional y latinoamericano, como lo serían Almendra, Pescado Rabioso e Invisible, que introducirían géneros como hard rock, blues, y rock progresivo en la escena musical argentina. Acreditado bajo el nombre del segundo grupo, El Flaco publicaría su segundo álbum como solista, Artaud (1973), considerado el mejor disco de la historia del rock nacional argentino y una obra maestra de la música latina.⁴​ En los 80 y 90, pasaría a formar las también influyentes bandas Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto, además de publicar álbumes antológicos como solista, como Téster de violencia (1988), Don Lucero (1989) y Pelusón of milk (1991), volcandóse más por sonidos de jazz, pop y música electrónica. Finalmente, durante la década de los 2000 editaría sus últimos trabajos como solista, y en 2008 lanzaría su último álbum, Un mañana, a la par del recital Spinetta y las Bandas Eternas en 2009, donde festejó sus cuarenta años de trayectoria durante cinco horas y media de concierto ante 40 mil personas en el Estadio José Amalfitani. Un año más tarde, fue considerado el recital de la década. Falleció en 2012 a los 62 años, a causa de un cáncer de pulmón provocado por su adicción al cigarrillo. Sus cenizas fueron esparcidas en Río de la Plata, siendo esta la última voluntad del músico.

https://www.youtube.com/watch?v=5tgKySvONHI

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SPINETTA - NO TE BUSQUES YA EN EL UMBRAL (OBRAS)

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Nacida en Malvas, Ancash, María Dictenia Alvarado Trujillo es un símbolo de la música andina y en vida  fue reconocida como Patrimonio Cultural de la Nación. Durante más de 57 años paseó su arte como Pastorita Huaracina por los escenarios, donde al entonar sus temas como Río Santa, Quisiera quererte, Malvasina, Zorro, zorro, Mujer Andina, Canteño de mis amores, Rosaspampa, Tu boda, El Borracho, etc., hicieron bailar varias generaciones.

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MIX - PASTORITA HUARACINA - MEJORES EXITOS DE ORO ღ♫ ✓

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"Los Altamiranos", conjunto folclorico creado a los 15 años de edad por tres hermanos Daniel, Julio y Mario Altamirano.  nacieron en "La consulta", Mendoza.
El trío Los Altamirano comenzó su carrera en los '60 y se consagró en el Festival Mayor de Folclore de Cosquín. En el '73, el cantante decidió “andar su propio camino” y empezó a formar parte del grupo Los de Siempre, donde tocó desde el '73 al '78 con importantes exponentes de la música popular.

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David Eric Grohl (Warren, Ohio, 14 de enero de 1969) es un músico multiinstrumentista estadounidense de rock. Saltó a la fama a comienzos de los años 1990 como batería de la icónica banda de grunge Nirvana. En 1994, tras la muerte de Cobain y el fin de Nirvana, formó otra banda, Foo Fighters, siendo él en un principio el único miembro y más tarde el vocalista, guitarrista y compositor.
(886) Foo Fighters - Learn To Fly (Official Music Video) - YouTube

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Foo Fighters - Learn To Fly (Official HD Video)

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Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, también conocidos como Los Redondos, fue una banda de rock de La Plata, Argentina, que está considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la música popular argentina. La fecha exacta del origen de la banda es difícil de ubicar. Una de las leyendas urbanas que sobrevuela al grupo afirma que la banda se formó el 28 de diciembre de 1976. El dato nunca fue completamente confirmado ni tampoco desmentido.Aunque a lo largo de su historia contó en sus filas con varios integrantes, siempre tuvo como líderes centrales al Indio Solari (cantante), Skay Beilinson(guitarrista), la Negra Poli (mánager) 

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Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, también conocidos como Los Redondos, fue una banda de rock de La Plata, Argentina, que está considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la música popular argentina. La fecha exacta del origen de la banda es difícil de ubicar. Una de las leyendas urbanas que sobrevuela al grupo afirma que la banda se formó el 28 de diciembre de 1976. El dato nunca fue completamente confirmado ni tampoco desmentido.Aunque a lo largo de su historia contó en sus filas con varios integrantes, siempre tuvo como líderes centrales al Indio Solari (cantante), Skay Beilinson(guitarrista), la Negra Poli (mánager) 

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https://youtu.be/FzN4Ep5Jkgk

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Camila Gallardo o Cami, tal su nombre artístico- se jacta de no haber ganado el reality que la hizo conocida. Salió segunda en The Voice Chile y más allá de no haber resultado ganadora, su vida cambió radicalmente desde entonces. Firmó con Universal, tuvo un primer disco bastante celebrado y se convirtió en una de las voces de su generación. Hoy, con 25 años, está empezando a presentar su tercer disco, Anastasia, que sale a finales de julio, es una referente del feminismo y ha mostrado en más de una oportunidad sus posturas políticas.

Todo ese bagaje aparece en sus letras, en su discurso, a través del cual, lejos de repetir un parlamento preconfigurado, encuentra fundamentos para plantar su postura. Cami tiene una voz potente que para ella no alcanza porque, según dice, el cantor lleva un mensaje que saca desde sus entrañas y lo canta, en su caso, “desde sus ovarios”. Un poco desencantada con los artistas contemporáneos y del algoritmo, Cami apuesta a hacer canciones tradicionales y a denunciar las problemáticas de esta época. Y lo hace desde la balada, el folklore y el pop. Eso sí, sin autotune, sin modismos caribeños, sin trap.

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Saratoga es una banda de Heavy Metal española originaria de Madrid. Fue formada en 1992 por el bajista Niko del Hierro y el guitarrista Jero Ramiro.

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SARATOGA "Morir En El Bien, Vivir En El Mal" (Vídeo Lyric)

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Fabiana Cantilo (Buenos Aires; 3 de marzo de 1959) es una intérprete, cantante, compositora de rock y pop y actriz argentina. Considerada una de las voces femeninas más importantes del rock argentino, en toda su carrera ha vendido aproximadamente 6 millones de discos.
Comenzó su carrera a principios de los 1980 como miembro de Las Bay Biscuits, un grupo de rock teatral íntegramente formado por mujeres, el cual participaba en shows de bandas de primer nivel como, por ejemplo, Serú Girán, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (los cuales la convocaron para su demo de 1981, en el tema "Superlogico"). En 1982, Daniel Melingo la invitó a integrar Los Twist junto con Pipo Cipolatti, Polo Corbella, Eduardo Cano y Gonzalo Palacios. [15] Ese mismo año grabó voces para "Transatlántico art-decó" en Pubis angelical, el primer disco publicado por Charly García como solista.

En 1983, Charly García la convocó para ser corista en las presentaciones de su segundo disco solista Clics modernos. En 1985 grabó su primer disco solista, Detectives, producido por Charly García, con temas escritos por él, Fito, Spinetta y dos en los que Fabiana compartió autoría.

https://youtu.be/DEIzpndbhbo

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Silvio Rodríguez Domínguez (San Antonio de los Baños, Cuba, 29 de noviembre de 1946) es un cantautor, guitarrista y poeta cubano, exponente característico de la música de su país surgida con la Revolución cubana, conocida como la Nueva Trova, que comparte con otros reconocidos cantautores tales como Pablo Milanés, Noel Nicola y Vicente Feliú.
Nueva Trova, movimiento musical perteneciente a uno más general en América Latina y España que se llamó Nueva canción, y que tuvo sus manifestaciones locales también en otros países, como la Nueva Canción Chilena en Chile o el Nuevo Cancionero en Argentina. En los países de habla inglesa, su análogo más cercano se encuentra en la figura de Bob Dylan.
​(886) Silvio Rodríguez - Oleo De Una Mujer Con Sombrero [HD] - YouTube

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Silvio Rodríguez - Oleo De Una Mujer Con Sombrero [HD]

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The Beach Boys es una banda de rock formada en la ciudad estadounidense de Hawthorne, Los Ángeles en el año 1961. Distinguidos por sus armonías vocales, son uno de los grupos más influyentes de la era del rock and roll.

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The Beach Boys es una banda de rock formada en la ciudad estadounidense de Hawthorne, Los Ángeles en el año 1961. Distinguidos por sus armonías vocales, son uno de los grupos más influyentes de la era del rock and roll.

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https://www.youtube.com/watch?v=SoXjyqq7oyk&list=PL2L2BDLggO-C4iG0AAHdHDmhMgq8P3O7I&index=12

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Valentín Oliva (Buenos Aires, 23 de enero de 1998), conocido artísticamente como Wos, es un freestyler, rapero, cantante, músico y actor argentino. En 2018 lanzó su primer sencillo, «Púrpura», un trap agresivo. En 2019 lanzó su primer álbum de estudio, Caravana, cuyo sencillo de presentación, «Canguro», se colocó entre los 10 primeros puestos de las listas argentinas por varias semanas, y gracias al cual logró ganar tres Premios Gardel por mejor nuevo artista, mejor álbum/canción urbana y canción del año.[5] También logró ser nominado para los premios Latin Grammy, por mejor nuevo artista.[6] En 2020, sacó el EP Tres puntos suspensivos. En 2021, lanzó su segundo álbum de estudio, Oscuro éxtasis.

https://youtu.be/SANNBTVLZNY

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Fue un cantor popular de tango, destacó por su particular forma de interpretar las letras, obtuvo reconocimiento nacional e internacional y logró conectar con las nuevas generaciones
Roberto Goyeneche, “El polaco”, nació el 29 de enero de 1926 en el barrio de Saavedra. Descendiente de vascos, encontró su vocación por la música popular a muy corta edad. Si bien era "cantor" sin formación académica, se presentó en un certamen de voces en el Club Federal Argentino en 1944. Debutó en Radio Belgrano y grabó su primer tema, “Celedonio”, en 1948.
Al presentarlo a la orquesta de Horacio Salgán, Ángel Díaz lo bautizó como el Polaco, por sus rasgos rubios, poco habituales en ese ambiente.

https://youtu.be/9aVRy-uAWEY

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Buena Vista Social Club es una agrupación musical creada en la década de 1990, casi 50 años después de que el club cerrase, que inspiró una grabación hecha por el músico cubano Juan de Marcos González y por el guitarrista y folclorista estadounidense Ry Cooder con músicos cubanos tradicionales, muchos de ellos antiguos miembros del club en el que se presentaron cuando su popularidad estaba en la cumbre. 

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Buena Vista Social Club es una agrupación musical creada en la década de 1990, casi 50 años después de que el club cerrase, que inspiró una grabación hecha por el músico cubano Juan de Marcos González y por el guitarrista y folclorista estadounidense Ry Cooder con músicos cubanos tradicionales, muchos de ellos antiguos miembros del club en el que se presentaron cuando su popularidad estaba en la cumbre. 

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Orquesta Buena Vista Social Club® - Chan Chan - Encuentro en el Estudio - Temporada 7

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Pappo's Blues fue un grupo musical de Argentina liderado por el vocalista y guitarrista del grupo Pappo, que tuvo diferentes formaciones y reencuentros entre 1970 y 1999, y que grabó nueve álbumes de estudio.

Pappo's Blues nació en 1970 tras el paso de Norberto Napolitano por Los Abuelos de la Nada y Los Gatos. Inicialmente estuvo integrado como power trio por Pappo en guitarra y voz, David Lebón en bajo y el baterista Black Amaya.

La banda sufrió constantes cambios en su alineación a lo largo de los años. Con Lebón y Amaya registraron el primer disco homónimo en 1971. Al terminar de grabar el disco Pappo viaja a Europa, dejando libres a Black, que partiría a La Pesada, y más tarde a Pescado Rabioso, y Lebon a Color Humano, como baterista.

En el segundo ("Vol. 2"), tomado menos como un proyecto grupal, de 1972 tocaron Black Amaya y Luis Gambolini en batería, y Carlos Pignatta, músico entrerriano, en el bajo. Para el tercer álbum ("Vol. 3"), la alineación fue más estable, y contó con Héctor "Pomo" Lorenzo, un ex Abuelos de la Nada, en batería y "Machi" Rufino en bajo y coros. Este disco sería grabado en vivo, sin overdubs, en los estudios ION por Carlos Piriz, y producido ejecutivamente por Jorge Álvarez, como los anteriores lanzamientos.

Pomo y Machi se desvincularían luego de ocho meses, y en 1974 serían parte junto a "El Flaco" Spinetta el grupo Invisible.

Para grabar la cuarta placa ("Vol. 4"), a fines de 1973, ayudan músicos de La Pesada. David Lebón toca guitarra rítmica en un par de temas y Black Amaya (batería) en todos los temas menos en "Con Elvira es otra cosa" donde todavía tocan Pomo y Machi. en los demás temas toca Alejandro Medina el bajo e Isa Portugheis ejecuta percusión en un tema.

Para el quinto LP ("Triángulo"), editado en 1974, la formación es más estable, tocando el bajista Eduardo Beaudoux ("fanta") y el baterista Eduardo Garbagnatti, creando uno de los discos más experimentales y obscuros de su carrera, con sonoridades que se acercan a la atonalidad, a lo progresivo y al heavy metal. En este mismo álbum, llamado indistintamente Triángulo como Vol. 5, participan también "Nacho" Smilari (ex-Vox Dei), y León Gieco en voces, en el tema "El buzo".

Tras la edición de este disco Pappo viaja a Europa, desentendiéndose de la banda y el sello indefinidamente, es en este espacio de tiempo cuando la compañía grabadora (Music Hall), decide lanzar un disco compuesto de cintas destinadas a un álbum futuro, es así como ve la luz el Vol. 6, en 1975, otro álbum extraño que no llegaba a los 30 minutos de duración, presentando canciones de un blues rock ácido y pesado. Pappo no fue consultado acerca de la aparición de este álbum, fue una iniciativa exclusiva de la compañía discográfica.

En 1977 Pappo edita el único disco de la banda Aeroblus, junto a Alejandro Medina y el baterista brasilero Rolando Castello Junior en un estilo más pesado y elaborado, fuera de la línea de Pappo's Blues. Debido a su poca trascendencia, Pappo sigue con Medina bajo el nombre Pappo's Blues, junto a varias formaciones que incluirían entre otros a "Conejo" Jolivet, en guitarra, Julio Candia, el mencionado Medina y Botafogo en bajo y Marcelo Pucci y Gonzalo Farrugia en batería.

Finalmente, al año siguiente, en 1978, Pappo graba y edita el séptimo disco oficial de Pappo's Blues ("Vol. 7"), junto a Alejandro Medina en bajo y Darío Fernández en batería, álbum mayormente compuesto de viejos temas regrabados con un sonido más pesado y acorde a la época, más un par de temas instrumentales, que no fueron concebidos como tales. Tras esta edición, Pappo se radica en Europa (Londres) una vez más: volvería en 1980.

En 1980 Pappo organizó un recital bajo el título "Adiós Pappo's Blues, bienvenido Riff", que marcó el fin oficial de la banda: durante el resto de los 80, el "Carpo" se dedicaría al heavy metal, a Riff, y a algún que otro proyecto efímero, viaje a Los Ángeles (y estadía) incluido.

En 1991 reorganiza Pappo's Blues alternando desde ese momento sus actuaciones con Riff e incluso editando discos con las dos diferentes bandas el mismo año. En 1995, graba "Pappos Blues Vol.8 Caso Cerrado", junto al bajista Machy Madco y Black Amaya en batería, entre otros músicos. El último disco de estudio de Pappo's Blues fue El auto rojo, CD editado en 1999.

En 1994 el sello Music Hall presentó su quiebre, y comenzó un largo litigio con respecto a los derechos de la música de Pappo Blues, que recién concluyó cuando el Instituto Nacional de la Música logró recuperar ese material, entre otras bandas de rock, tango y folklore en 2016. En 2017 se reeditó la discografía de Pappo's Blues en CD y vinilo.​

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Pappo's Blues - Insoluble (Pseudo Video)

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Sumo fue una banda argentina de post-punk formada en el año 1981 por Luca Prodan (voz), Germán Daffunchio (guitarra), Ricardo Mollo (guitarra), Diego Arnedo (bajo), Alberto Troglio (batería) y Roberto Pettinato (saxofón).
Originaria de la localidad de Nono, en las sierras de Córdoba, el grupo musical tendría varios cambios en su formación durante sus años iniciales, y luego sería trasladada a Hurlingham, donde publicarían su primer álbum de estudio, Divididos por la felicidad (1985), considerado el quinto mejor álbum de la historia del rock nacional argentino por la revista Rolling Stone.
Sumo, a pesar de mantenerse en el underground en su corto período de actividad, se volvería uno de los grupos más influyentes en moldear el rock argentino contemporáneo.
https://youtu.be/kLMwDxxZHQk

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Soul es un término adoptado para describir la música afroamericana en los Estados Unidos a medida que evolucionó entre las décadas de 1950 y 197012.También se considera simplemente un nuevo término para el género musical conocido como Rhythm and blues (R&B).En este sentido, una generación de artistas reinterpretó los sonidos de los pioneros del R&B de la década de 1950: Bo Diddley, Chuck Berry, Little Richard, Ray Charles y Sam Cooke, cuya música ganó el favor de la población blanca estadounidense y se transformó en la género rock and roll. Al igual que otros géneros de la música afroamericana, el alma no se ha definido con precisión; varios de sus principales representantes también fueron considerados figuras del blues, el gospel o el rock. Finalmente, en la década de 1960, el soul se estableció como la base de la música. estallido; sin embargo, en las siguientes dos décadas, su supremacía fue reemplazada por el funk, el disco, el electro o el dance-rock. Un elemento importante del soul son los ritmos pegadizos y las palmas. Un sonido vocal particularmente tenso y una llamada y respuesta entre solista y coro son algunas de las características. El género utiliza ocasionalmente adiciones improvisadas, giros y sonidos auxiliares.
Un ejemplo claro de soul es Aretha Franklin, con canciones como:
https://youtu.be/MB1FPOuSVeM
https://youtu.be/8cF0tf35Mbo

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Aretha Franklin - Ain't No Way (Official Audio)

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Natalia Peluso (Provincia de Buenos Aires, 12 de enero de 1995), conocida artísticamente como Nathy Peluso, es una cantante y compositora argentina que fusiona los géneros hip hop, soul, trap, jazz, rap, salsa y swing dentro de su música. Su raíz es la música negra, no solo con estilos como el blues, el jazz, el funk o el soul, sino también músicas más tradicionales como los ritmos africanos o un simple bombo clap. Al estudiar teatro con profesores y estudiantes de Cuba, República Dominicana y Colombia, adquirió vocabulario y acentos propios de esos países que se ven reflejados en sus canciones.[ Su pasión por la música empezó a desarrollarse desde bastante pequeña. Esto le llevó a abrirse un canal en YouTube donde subía contenido de covers.

Pero no fue hasta que publicara su segundo EP ‘La Sandunguera’, compuesto por seis temas, que el público le reconociera y empezase a actuar en importantes festivales como el Bilbao BBK, Sonorama, Sónar o el FIB en 2018. Festivales que complementaban su gira de más de 100 conciertos por Europa, España y Latinoamérica. Después de esto, publica varias canciones como ‘Natikillah’ o ‘Copa Glasé’.

https://youtu.be/O8BLUzAxNmQ

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Vital para el éxito y sonoridad peculiar de Los Van Van fue la trayectoria de su director, Juan Formell. Antes de fundar Los Van Van, el 4 de diciembre de 1969, incursionó como contrabajista, desde la Orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión hasta varios grupos de son y jazz. Su paso por la Orquesta Revé marcó un momento decisivo en la búsqueda del estilo que quería alcanzar; puso a prueba su espíritu renovador brindando a la misma algunas soluciones sonoras y de formato.Formell incorporó el bajo, la organeta, la guitarra eléctrica, los violines y sustituyó la flauta de cinco por la de sistema. El trabajo vocal se sustituyó por el montaje de voces propio de los cuartetos. Esta experimentación sirvió de punto de partida para que, una vez creado Los Van Van, su contagioso ritmo sentara pautas en la música popular bailable.

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Vital para el éxito y sonoridad peculiar de Los Van Van fue la trayectoria de su director, Juan Formell. Antes de fundar Los Van Van, el 4 de diciembre de 1969, incursionó como contrabajista, desde la Orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión hasta varios grupos de son y jazz. Su paso por la Orquesta Revé marcó un momento decisivo en la búsqueda del estilo que quería alcanzar; puso a prueba su espíritu renovador brindando a la misma algunas soluciones sonoras y de formato.Formell incorporó el bajo, la organeta, la guitarra eléctrica, los violines y sustituyó la flauta de cinco por la de sistema. El trabajo vocal se sustituyó por el montaje de voces propio de los cuartetos. Esta experimentación sirvió de punto de partida para que, una vez creado Los Van Van, su contagioso ritmo sentara pautas en la música popular bailable.

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Rodolfo Páez (Rosario, 13 de marzo de 1963), más conocido como Fito Páez,es un músico, compositor, pianista, director de cine y cantante argentino. Integrante de la llamada trova rosarina, es apodado como El trovador del rock argentino y está considerado como uno de los más importantes exponentes del rock de su país y de toda Latinoamérica. Con más de 40 años de trayectoria solista, su obra musical está compuesta por 28 álbumes de estudio, 1 maxisencillo, 4 álbumes en directo, 3 DVD, 12 álbumes recopilatorios y numerosas colaboraciones junto a destacados artistas internacionales. Además de su carrera como músico, ha incursionado como cineasta, guionista y novelista

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Fito Paez -  El amor despues del amor (Official video)