# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Collage involves the combination of materials to form a piece. This art form has captivated audiences for countless years. Through the ingenuity and artistic prowess of individuals, this particular art form has continued to evolve and push the boundaries of creativity. In this article, we will explore the lives and contributions of collage artists who have left a mark on the world of art.

1. Hannah Höch

Hannah Höch emerged as a figure in the Dada movement. He played a role in introducing collage to the avant garde art scene during the early 20th century. Not only did her work challenge norms and establish gender roles but it also brought about innovative perspectives.

Notable Artwork

"Untitled (From an Ethnographic Museum)" (1930): This piece showcases Höch's exploration of colonialism and cultural appropriation by addressing issues related to race and identity.

2. Romare Bearden

Romare Bearden is a recognized artist who made significant contributions to the advancement of collage as a fine art form. His collages beautifully depict experiences while also addressing themes such as race, identity and social injustice.

Notable Artworks

"The Block" (1971): This captivating collection truly captures the essence of life by portraying scenes from a neighborhood block. Through his artwork, Bearden skillfully tells stories that resonate deeply.

"Prevalence of Ritual: Tidings" (1967): In this dynamic collage, Bearden explores spiritual and cultural rituals with great clarity. The piece reflects his dedication to preserving and honoring his heritage.

3. Kurt Schwitters

Kurt Schwitters was a figure in the Dada movement. He is widely celebrated for his innovative use of assemblage and collage particularly through the incorporation of found objects and materials. He used discarded objects like wallpaper, bus tickets, newspaper and magazine for making collages. His collages made of magazine cuttings, discarded items, candy wrappers, and other materials paved the way for pop art.

Notable Artwork

"Merzbau" (1923-1937): This one was an evolving artwork that transformed an entire room into a three dimensional collage. It blurred the boundaries between art and life.

4. Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg played a role in shaping the pop art and assemblage movements. His groundbreaking methods paved the way for artists to delve into the fusion of painting, sculpture and collage.

Notable Artwork

"Canyon" (1959): A masterpiece that pushed the boundaries of collage by incorporating a taxidermied bald eagle. Through this piece, Rauschenberg aimed to elicit viewers' engagement, with the implications embedded within his art.

5. Martha Rosler

Martha Rosler, an artist renowned for her focus on feminist themes has effectively employed collage as a potent tool for social critique. Her work often tackles subjects such as domesticity, war and gender roles.

Notable Artworks

"House Beautiful: Bringing the War Home" (c. 1967-72): Through a series of photomontages that juxtapose images from the Vietnam War with interiors, Rosler creates a commentary on the unsettling contrast between violence and suburban comfort.

"The Bowery in Two Inadequate Descriptive Systems" (1974-75): In this series of collages and photographs, Rosler documents and comments on the disparities and challenges faced by those residing in New York City's Bowery neighborhood.

6. John Stezaker

John Stezaker, a known artist is celebrated for his captivating and enigmatic collages that frequently involve the juxtaposition of vintage postcards and photographs. His artistic exploration delves into the connections between images, memories and personal identity.

Notable Artworks

"Mask VIII" (2006): Within this series of collages, Stezaker adeptly combines faces sourced from classic film stills with postcards to create ethereal portraits. These artworks challenge notions of identity and representation.

"Marriage (Film Portrait Collage)" (2007): Stezaker's examination of the face takes stage in this collection, where he seamlessly merges portraits of actors and actresses. Through this process, he blurs the boundaries between reality and fiction.

7. Ray Johnson

Ray Johnson often regarded as the visionary behind mail art. He played a role in New York's garde scene. His collages and correspondence art pushed the boundaries of artistic communication while embracing playfulness and personal expression.

Notable Artworks

"Untitled (Moticos #2)" (1965): Johnson's mail art often featured collages and drawings sent through the system. This created a network of exchange that blurred the lines between art and everyday life.

"Untitled (Beach Creatures)" (c 1970): Johnson's imaginative and dreamlike collages brimming with wordplay and puns showcased his perspective on art as a means of communication and connection.

8. Barbara Kruger

Barbara Kruger, an artist renowned for her confrontational creations merges text and imagery in her collages to delve into themes of power, consumerism and identity. Her distinct style has made an impact on art and popular culture.

Notable Artworks

"Untitled (Your body is a battleground)" (1989): Kruger encapsulates her statement in this impactful collage where text intertwines with visuals to challenge societal expectations and critique the commodification of women's bodies.

"I shop therefore I am" (1987): Addressing consumer culture head on Krugers use of text layered over found images forces viewers to confront the influence of advertising and the commodification of personal identity.

9. Wangechi Mutu

Wangechi Mutu, an artist with Kenyan American roots is celebrated for her multimedia collages that explore themes of race, gender and identity. Her works often feature combinations of painting, sculpture and found materials.

Notable Artworks

"You Can Call Me Folly" (2006): This artwork is a captivating artwork that skillfully combines elements with imagery. It creates a language that challenges stereotypes and celebrates the complexities of identity.

"The End of Eating Everything" (2013): In this piece, the artist Mutu addresses issues of degradation and the exploitation of resources. Through her art, she offers commentary on these pressing concerns.

10. Joe Webb

Among these famous collage artists, stands out for his thought provoking colleges that manipulate images to evoke reflection. Webb explores themes such as environmentalism, nostalgia and the intricate nature of experiences.

Notable Artworks

"Lost Paradise" (2013): One notable work by Webb is "Lost Paradise" (2013) where he effectively juxtaposes landscapes with elements to shed light on the impact of activities on our environment.

"Small World" (2016): Another noteworthy artwork by Webb is "Small World" (2016). Through use of imagery, Webb offers a commentary on the interconnectedness of our world. He encourages contemplation and introspection through his vision.

Frequently Asked Questions

What is collage in art?

Collage is a form of art in which artist form their artwork by arranging materials, including photographs, fabric, colored and textured paper and other mixed media in overlapping layers.

Who is a famous artist that makes collages?

Pablo Picasso and Georges Braque are considered as pioneers of collages. These two artists were among the first to integrate media elements into their Cubist collages.

What is the significance of collage art in contemporary art?

Collages play an important role in the contemporary art and design. As the time goes on, they have been gaining significance.

Conclusion

In conclusion, these famous collage artists have left a mark on the art form. They have redefined collage through their perspectives, techniques and exploration of various themes. Their contributions have had an impact on motivating the other artist to push their limits to creativity.

# data[].attributes.attachment_link.description
Collage involves the combination of materials to form a piece. This art form has captivated audiences for countless years. Through the ingenuity and artistic prowess of individuals, this particular art form has continued to evolve and push the boundaries of creativity.

# data[].attributes.body
Mange kunstnere har gennem tiden forholdt sig til temaet krop og køn. Kropsidealer har ændret sig gennem tiden og kønnenes status er under stadig forandring og udvikling. Se, hvordan kvinder er skildret gennem maleriet gennem tiden (fx Picasso eller Hammershøi) eller kropsidealer gennem den klassiske, græske eller romerske statue. Krop og identitet undersøges gennem Pippilotti Rists videoværker, ligesom Cindy Sherman undersøger kønsroller gennem det iscenesatte fotografi. Lou- ise Bourgeois’ skulpturer og installationer kan også inspirere.

# data[].attributes.body
Vejledning til billedkunstprøven i 8. Klasse

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The use of mixed media began around 1912 with the cubist collages and constructions of Pablo Picasso and Georges Braque, and has become widespread as artists developed increasingly open attitudes to the media of art. Essentially art can be made of anything or any combination of things.

Mixed media vs. multi-media

What is the difference between mixed media and multi-media artworks? While both terms describe artworks that are made using a range of materials, multi-media is generally used to define an artwork that uses or includes a combination of electronic media, such as video, film, audio and computers.

# data[].attributes.attachment_link.description
Tate glossary definition for mixed media: A term used to describe artworks composed from a combination of different media or materials

# data[].attributes.body
Bland og fremstil farveprøver ud fra de udsnit af Emily Gernilds billeder som i tog som foto.

Skriv en familie relation og et minde som omhandler familie relationen som i gerne vil bruge som inspiration til jeres mixed media værk

fremstil et mixedmedia værk hvor i bruger jeres farveskala samt fotos, papir, stof, grafik, akryl, vandfarve, kridt, tusch og andre materialer

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Far har dukker med er billedkunstner Emily Gernilds (f. 1985) hidtil største soloudstilling. Her er Emily Gernild optaget af, hvordan vi forholder os til de familiefortællinger, som går i arv, og de som går tabt mellem generationer. Gernild bruger maleriets mange lag til at gå i dybden med det, som ligger under overfladen. I udstillingen tematiserer hun generationsfortælling, sorg og søsterskab med udgangspunkt i tanterne Inger og Evas historie.

Fra sin barndom husker Emily Gernild tanterne i svage glimt. Resten af deres historie har Gernild fået fortalt af sin mor. Gernild husker blandt andet, hvordan Inger i perioder var sengeliggende og hvordan Eva var den eneste som havde adgang til det værelse, hvor hun lå.

Søstrene Inger og Eva voksede op i et fint borgerhjem på Bellisvej i Vanløse. Deres far var konditor, og når han kom hjem fra forretningsrejse havde han dukker med hjem til sine døtre, også efter de var blevet voksne. Far har dukker med sagde tanterne i kor, når han kom hjem efter at have været bortrejst. En sætning som er blevet titel på udstillingen, der også rejser spørgsmål til samfundet og familiens rollefordelinger, forventninger, glæder og stilstand.

I udstillingen Far har dukker med præsenterer Gernild både ældre arbejder, fotografi og en ny serie malerier, der med udgangspunkt i kunstnerens egen familiehistorie, viser glimt fra borgerhjemmet og tanternes liv, som var fuld af flødekager, sygesenge og inerti.

I et sanseligt, melankolsk univers af marcipanbeige, hindbærrøde, cremehvide og blommefarvede nuancer gendigter Emily Gernild sin egen families historie gennem de erindringer, hun selv har, og de fortællinger hun gennem sin barndom har lyttet til.

Udstillingen er generøst støttet af:
Beckett-Fonden og Grosserer L.F. Foghts Fond

Gl. Holtegaards udstillingsprogram 2023 er støttet af:
Augustinus Fonden, Det Obelske Familiefond og Statens Kunstfond

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Margrethe Odgaard
Colour Diary of New York

Colour Diary of New York

Becoming more aware of your surroundings can "open a new dimension inside as well as outside yourself." Meet award-winning Danish designer Margrethe Odgaard who has trained herself to register the world through colours. Read more ...

Margrethe Odgaard began her colour diaries more than 10 years ago in order to record her surroundings and to "see more specifically." During an artist residency in New York City Odgaard noted the colours of the city, among others the iconic Brooklyn Bridge. "I don't see the bridge, I don't see the colours and the shape," Odgaard says of the way we habitually look at the objects around us: "I just see the idea of the bridge." Looking closely, "with naked eyes," allows the designer to experience the intricacies and subtle nuances of the world we live in.

Margrethe Odgaard (b. 1978) is a Danish designer. She has collaborated with brands such as Muuto, HAY and Georg Jensen and now runs her own design studio in Copenhagen, Denmark. Odgaard is part of the duo Included Middle together with furniture designer Chris L. Halstrøm. In 2016 she received the Torsten och Wanja Söderbergs Prize, one of the most prestigious design awards in the world.

Margrethe Odgaard was interviewed by Kasper Bech Dyg at her studio in Copenhagen, Denmark in February 2016.

Camera: Jakob Solbakken
Produced and edited by: Kasper Bech Dyg
Copyright: Louisiana Channel, Louisiana Museum for Modern Art

Supported by Nordea-fonden

# data[].attributes.attachment_link.title
Margrethe Odgaard: Colour Diary of New York

# data[].attributes.attachment_link.description
Award-winning designer Margrethe Odgaard has kept a very specific diary for more than 10 years, recording the colours she sees all around her. Watching the world "with naked eyes" allows her to experience her surroundings for the first time.

# data[].attributes.attachment_link.title
Mono-printing techniques- How to Create a Trace Mono Type Print

# data[].attributes.attachment_link.title
Barok - Ud af mørket | SMK - Statens Museum for Kunst

# data[].attributes.attachment_link.description
Sanselighed og stærke følelser - få den sprudlende historie om europæisk barok!

# data[].attributes.attachment_link.title
DRTV - Ufortyndet: Frederik Næblerød laver kunst med 120 i timen

# data[].attributes.attachment_link.description
Frederik Næblerød laver kunst med 120 i timen Frederik Næblerød drømmer om at blive en af de største kunstnere herhjemme. Vi er med på sidelinjen når Frederik kæmper sig vej op i kunstverdenen. Han er speedmalende -og talende, hans kunst går som varmt brød, men soloudstillingen må vente på sig.

# data[].attributes.body
I skal i dette projekt udvikle en skulptur, som er inspireret af Frederik Næblerød.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Oplev soloudstillingen Masquerade af den danske billedkunstner Frederik Næblerød på Gl. Holtegaard, hvor et scenografisk forløb gennem de barokke stuer flette fortidens enevældige kultur og drømme sammen med nutiden og Næblerøds ekspressive univers.

Udstillingen Masquerade fabulerer over den farverige fortælling om Gl. Holtegaard, som landsted for arkitekt og generalbygmester Lauritz de Thurah, der lod det bygge i 1756 med forbillede i Ludvig 14.s Versailles. Det er både stedets konkrete historie, men i høj grad også 1700-tallets hierarkier, adels- og hofkultur, der interesserer Frederik Næblerød; de ambitioner og drømme et sted som Gl. Holtegaard opstod af, og den stræben, der ligger i at etablere et barokanlæg inspireret af Versailles bare til sig selv.

Som titlen antyder, undersøger Næblerød blandt andet maskeraden som kulturfænomen; identitetslegen, hvor man for en stund kan iklæde sig en maske og vende op og ned på hierarkier. Kongen kunne for en stund være bonde, bonden konge, manden kvinde og kvinden mand. Næblerød er optaget af enevælden og hof- og adelskulturen med dens forstillelse, iscenesættelse og ikke mindst selviscenesættelse. Udstillingen byder på domesticerede scenarier i hvert rum med middagstaffel, spejlsal og jagtstue med fantasifulde blandinger af jagttrofæer og våbenskjold. Næblerøds udstilling omfatter også et særpræget persongalleri hvor både hofnarren, genfærd og andre mærkværdige personager spiller en rolle.

Frederik Næblerøds kunst bærer præg af et ekspressivt udtryk og en skabertrang, der kan mærkes langt ud over rammen. Udstillingen på Gl. Holtegaard byder på endnu usete sider af billedkunstneren, når han går til udstillingsrummene med et totalinstallatorisk greb og skaber et scenografisk forløb udfoldet i keramik, maleri, polyfilla-relieffer og rekvisitter, der giver publikum en vibrerende, levende og tankevækkende oplevelse.

Udstillingen er generøst støttet af:
Toyota-Fonden og Overretssagfører L. Zeuthens Mindelegat

Gl. Holtegaards udstillingsprogram 2023 er støttet af:Augustinus Fonden, Det Obelske Familiefond og Statens Kunstfond

# data[].attributes.attachment_link.title
Isaac Grünewalds malerier på Gl. Holtegaard stråler af entusiasme

# data[].attributes.attachment_link.description
Gl. Holtegaard viser den svenske kunstner Isaac Grünewalds dekorative og frigjorte ekspressionistiske malerier, hvor farverne hujer herligt

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Lex.dk er Danmarks nationalleksikon. Sitet er frit tilgængeligt for alle og indeholder opslagsværkerne Den Store Danske, Trap Danmark og en række specialværker som Dansk Biografisk Leksikon, Dansk Kvindebiografisk Leksikon, Danmarks Oldtid, Danmarkshistorien, Gyldendals Teaterleksikon, Symbolleksikon og Historien om Børnelitteratur. Lex.dk er med flere end 230.000 artikler og ca. 2 mio. månedlige besøg Danmarks største site for forskningsformidling.

Institutioner eller virksomheder må kun kopiere fra lex.dk, hvis de har indgået aftale med Copydan Tekst & Node, og kun inden for de rammer, der er nævnt i aftalen.

Leksikonets artikler er skrevet af danske forskere og andre fagpersoner, og selvom redaktionen og de fagansvarlige har gjort deres bedste for at sikre nøjagtigheden og pålideligheden af indholdet, kan der være fejl og mangler. Redaktionen opfordrer brugere, der opdager fejl eller mangler, til at komme med forslag i den enkelte artikel til udbedring af disse.

Det fremgår, hvem der er forfattere til de enkelte artikler, og der er i artiklernes versionshistorik adgang til at se, hvem der har skrevet hvad, hvornår.

Indholdet på lex.dk bør ikke betragtes som erstatning for specifik, professionel rådgivning af fx juridisk eller medicinsk karakter. Foreningen lex.dk påtager sig intet ansvar for eventuelle skader, tab eller ulemper, der opstår som følge af brugen af informationer på lex.dk.

# data[].attributes.attachment_link.title
installationskunst | lex.dk - Den Store Danske

# data[].attributes.attachment_link.description
Installationskunst, billedkunstnerisk genre, karakteriseret ved en direkte og bevidst inddragelse af det rum, værket er placeret i. Installationskunst, der i begyndelsen af 1970'erne afløste betegnelsen environment, har rødder i den tidligste, eksperimenterende avantgardekunst i 1900-tallets første årtier, især dadaisme og konstruktivisme.

# data[].attributes.body
Udvælg hver to værker, som i synes er bedst om. Analyser værkerne;
Hvem har lavet værket? Hvad er værket lavet af? Hvad gør /kan værket ifht beskuren, tilskueren, dem der bruger værket?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
We use cookies on our website to give you the most relevant experience by remembering your preferences and repeat visits. By clicking "Accept all", you consent to the use of ALL the cookies. However, you may visit "Manage preferences" to provide a controlled consent.

# data[].attributes.attachment_link.description
Der indlægges for øjeblikket fjernvarme på museet, hvorfor der pågår et omfattende gravearbejde i parken. Vi beklager dette midlertidige indgreb i parkens grønne oase. I parken inviterer højt profilerede samtidskunstnere til interaktion og leg med værkerne. Parken udgør dermed et forfriskende supplement til den mere traditionelle museumsoplevelse indendørs, hvor kunsten må ses men ikke røres.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Fra Wikipedia, den frie encyklopædi

Johannes Ittens farvecirkel er en model, der viser de rene farver og deres kontrastfarver.

I midten ses de tre primærfarver magenta, gul og cyan.

Uden om dem ses de tre sekundærfarver grøn, orange og violet. I den yderste cirkel ses primær-, sekundær- og tertiærfarver .

Farvecirklen bruges ved, at man finder en farve på den yderste cirkel. Den farve, der i den yderste cirkel står overfor, er kontrastfarven.

Eksempelvis har farven gul kontrastfarven violet. Dette kaldes også komplementærfarven. Komplementærfarver er de diametralt modsatte farver af hinanden, f.eks. gul og violet.

Isaac Newtons farvecirkel viser spektralfarverne, som han opdagede, da han spaltede hvidt lys ved hjælp af et prisme.

# data[].attributes.attachment_link.title
Farvecirkel - Wikipedia, den frie encyklopædi

# data[].attributes.attachment_link.description
Fra Wikipedia, den frie encyklopædi Johannes Ittens farvecirkel er en model, der viser de rene farver og deres kontrastfarver. I midten ses de tre primærfarver magenta, gul og cyan. Uden om dem ses de tre sekundærfarver grøn, orange og violet. I den yderste cirkel ses primær-, sekundær- og tertiærfarver .

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Den svenske maler Isaac Grünewald (1889-1946) forargede og fascinerede i begyndelsen af 1900'tallet den svenske og danske offentlighed med sit farvestærke, moderne maleri, sin flamboyante livsstil og sin stålfaste tro på et nyt dekorativt og ekspressivt udtryk.

Udstilling er en solopræsentation af den svenske avantgardekunstner, der dels demonstrerer Grünewalds påvirkning af læremesteren Matisses farvemættede ekspressionistiske kvaliteter, men også viser, hvordan Grünewald finder sine egne veje i en skandinavisk modernisme, der endnu ikke er set i hans tid. Grünewald var en ener, og hans virke peger mod en ny nordisk retning af dekorativ ekspressionisme, som fortjener at stå i egen ret.

Udstillingen Hoved i rosa lys sætter fokus på Grünewalds afgørende periode i 1910'erne og -20'erne, hvor han slår igennem internationalt. I disse år arbejder Grünewald eksperimenterende, frit og legende og undersøger samspillet mellem stærke og klare farver - ofte komplementærfarver. Naturalismens regler om naturtro farver, rum og perspektiver er ophævet til fordel for en ekspressionistisk dekorativ og fauvistisk farveleg, hvor en tro på originalitet i det kunstneriske udtryk og på farven som en egen udtryksfuld kraft er i højsædet. Udstillingen viser et stort udvalg af kunstnerens malerier med gennemgående temaer som storbyen, natur og landskaber, blomstermotiver samt selv- og venneportrætter.

KATALOG
Sammen med udstillingen har Gl. Holtegaard udgivet et mindre katalog i både tekst og billeder. Publikationen indeholder tekster af Gl. Holtegaards direktør, Maria Gadegaard og kurator Mai Dengsøe. Kataloget er designet af Spine Studio.

Udstillingen er generøst støttet af:
15. Juni Fonden, Spar Nord Fonden, Jørgen Kryger og Anne Ammitzbølls Fond, Dronning Margrethe og Prins Henriks Fond, Knud Højgaards Fond og Lizzie og Ejler Ruges Kunstfond.

Gl. Holtegaards udstillingsprogram 2023 er støttet af:
Augustinus Fonden, Det Obelske Familiefond og Statens Kunstfond

Tak til:
Prins Eugens Waldemarsudde, Stockholm