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Decoupage es el arte de decorar un objeto pegando recortes de papel de color en combinación con efectos especiales de pintura, pan de oro y otros elementos decorativos. Comúnmente, un objeto como una pequeña caja o un elemento de mobiliario está cubierto por recortes de revistas o de papeles fabricados a propósito. Cada capa está sellada con barnices (a menudo múltiples capas) hasta que desaparece la apariencia de "pegado" y el resultado parece una pintura o incrustación. La técnica tradicional usa de 30 a 40 capas de barniz que luego se lijan hasta obtener un acabado pulido.

Découpage Conocida en Italia como "pobre laca" o "pobre arte", fue introducida en el siglo XVIII por los fabricantes de muebles venecianos para acortar el tiempo de realización de muebles laqueados en chinoiserie o con escenas galante típicas del siglo XVIII encolado recortado y pintado moldes; Gran productor en la industria de las tarjetas fue la imprenta Remondini en Bassano del Grappa. La técnica simple que no requiere habilidades artísticas particulares está muy extendida hoy en día, con un gran florecimiento de revistas y ferias especializadas y materiales profesionales. La variedad de papeles, pegamentos, pinceles, objetos y scrap-art es tan amplia que incluso un principiante puede acercarse a esta técnica y producir decoraciones impresionantes.

Decoupage 3D (a veces también conocido simplemente como decoupage) es el arte de crear una imagen 3D cortando elementos de diferentes tamaños de una serie de imágenes idénticas y superponiéndolas una sobre otra, generalmente con separadores de espuma adhesiva entre cada capa para dale a la imagen más profundidad.

El decoupage de pirámide (también llamado pirámide) es un proceso similar al decoupage 3D. En decoupage piramidal, una serie de imágenes idénticas se cortan en formas idénticas progresivamente más pequeñas que se colocan en capas y se fijan con separadores de espuma adhesiva para crear un efecto de "pirámide" en 3D.

Orígenes
La palabra decoupage proviene del francés medio "decouper", que significa cortar o cortar algo. Se cree que el origen del decoupage es el arte de la tumba de Siberia oriental. Las tribus nómadas usaban fieltros recortados para decorar las tumbas de sus difuntos. Desde Siberia, la práctica llegó a China, y en el siglo XII, el papel recortado se usaba para decorar linternas, ventanas, cajas y otros objetos. En el siglo XVII, Italia, especialmente Venecia, estuvo a la vanguardia del comercio con el Lejano Oriente y, en general, se cree que es a través de estos vínculos comerciales que las decoraciones de papel recortadas se abren paso en Europa.

Las primeras huellas de esta técnica en Europa desde la Edad Media, cuando los monjes escribas enriquecieron sus manuscritos de esta manera. Sin embargo, la historia del découpage moderno comienza con la pasión que los tribunales europeos mostraron hacia una técnica particular, que llegó de China en el siglo XVI y que se estableció en Europa especialmente a fines del siglo XVII: el lacado. Este consistía en un procedimiento muy complicado que hacía que los muebles y objetos se embellecieran con decoraciones bajo decenas y decenas de capas de laca muy brillante. El costo de los objetos lacados chinos era tan alto y la producción era tan inadecuada en comparación con la solicitud de que los fabricantes venecianos de muebles pensaron en proponer un producto de imitación en el mercado, que consistía en cortar impresiones orientales, pegarlas y protegerlas en el acabado sandrace. capas (una resina de origen natural), para obtener un objeto muy similar al original: nació el llamado arte pobre veneciano (laca del pobre), que con el tiempo se enriquecería con objetos de gran gusto cromático y composicional . Pronto la técnica se extendió a Francia y luego a Inglaterra, y la culminación de la fama llegó en el siglo XVII cuando en las casas de los aristócratas ingleses febriles salas de impresión (grabados que representaban ciudades europeas, que estaban pegadas directamente a la pared y adornadas con decoraciones y marcos del bosquejo). El estilo del découpage cambió completamente en la época victoriana: de hecho, alrededor de una impresión central giraban las flores, escenas rurales, imágenes de niños superpuestos entre sí al azar. Después de casi un siglo, el découpage vuelve a la moda, ya que permite decorar muebles y objetos con gran facilidad, y el uso de nuevos productos también ha simplificado enormemente el trabajo, haciendo que la ejecución sea más fácil y más rápida.

Iconografía
La opción de la técnica de decoupage se encuentra en la iconografía rusa: la técnica generalmente se llama apliques sobre una base de madera. Esta técnica decorativa consiste en la extirpación escrupulosa de imágenes de diversos materiales (madera, cuero, textiles, papel y similares), que luego se pegan o se adhieren a diferentes superficies para la decoración. En Rusia, tal técnica no se conocía hasta el siglo XVII, fue llevada a la Cámara Armería por artistas occidentales. En ella, en particular, se ejecutó el ícono "Salvador Emmanuel" de la colección del GIM.

Decoupage florentino
Los artesanos en Florencia, Italia, han producido objetos decorativos utilizando técnicas de decoupage desde el siglo XVIII. Combinaron el decoupage con otras técnicas decorativas ya populares en Florencia, como dorado con pan de oro y diseños de madera tallada. Estas técnicas más antiguas ya se usaban para producir artículos como muebles, marcos para pinturas e incluso tapas de libros de cuero repujados. Conocido como artesanía de estilo florentino, estos artículos son ahora antigüedades altamente coleccionables. Los artesanos florentinos utilizaron el decoupage agregándolo al espacio dentro de un marco dorado tallado, o agregando el decoupage a una placa de madera. Los artesanos usaban reproducciones pegadas de obras de arte famosas, casi siempre representaciones religiosas. Los trípticos florentinos que usan imágenes decoupage de escenas bíblicas como la Crucifixión son un motivo común. A medida que la sociedad se hizo más secular a principios del siglo XX, y los turistas no católicos comenzaron a comprar más artesanías de artesanos florentinos, las imágenes decoupage se volvieron menos religiosas en su orientación y más reflectantes de las famosas obras italianas en general.

Técnicas
La técnica de découpage es recortar ilustraciones o tiras de papel sin ningún acabado y usarlas como decoración. El découpage en los últimos años ha visto "agregar" varias técnicas. Estos se superpusieron a la técnica de découper e hicieron los logros de los numerosos artistas aún más complejos. Hay muchos libros en el mercado que explican varias técnicas. Découpage es una técnica ahora accesible para todos, jóvenes y mayores, y el único obstáculo parece ser el alto precio de los productos. Inicialmente, el découpage se aplicó a los muebles: hoy en día se utiliza para la decoración de diversos objetos, de diferentes materiales, como madera, tela, vidrio y metal.

Las técnicas más comunes son: pictórica, craquelé, trompe l'oeil, stencil, base de découpage con papel, découpage con pinceles o pasteles, découpage con y sobre tela, en todo tipo de superficies como madera, mármol, vidrio, plástico, flores prensado, cera, metal, 3D, mosaico, y luego también tenemos imitaciones de materiales como mármol y madera. La decoración de lienzos y azulejos también se ha vuelto muy popular últimamente.

Productos
Colle,
El papel, que puede tener diferentes tipos de grosor, puede ser un dibujo a mano, una fotocopia o un recorte de periódico. También puede ser papel normal, papel de arroz para fondos o fondos, papel de fumar, servilleta de papel, lo que simplifica la operación de pegado: eliminó las capas blancas inferiores, simplemente colóquelo en la superficie para decorar y cepíllelo con pegamento, que se absorbe por las fibras de la servilleta.
Pinceles, utilizados para el acabado, pero también para la simple aplicación de colores y pegamentos o pinturas: cola de ballena, goteo, pincel de acabado, retoque, fuente, ventilador,
hoja de oro, plata y bronce;
medio para grietas, también llamado craquelé, que puede ser de un solo componente o bicomponente,
colores acrílicos.
Hasta hace unos años, la decoupage se consideraba una de las técnicas de fabricación más lentas, ya que los únicos productos que se pueden utilizar para pintar, envejecer o para algunos efectos particulares se basaban en el aceite y requerían, además del uso de disolventes tóxicos, incluso horas o días de secado.

Una vez que se cortan las decoraciones seleccionadas y se establece la composición final, se pegan al objeto elegido con pegamento de vinilo. La pintura y el lijado subsiguientes harán que la superficie sea uniforme. Como acabados puedes utilizar acabados satinados, opacos o satinados o el craquelé, compuesto por dos barnices que, superpuestos, crean grietas más o menos grandes, para resaltar con betún o polvo de oro.

Los efectos particulares de trompe-l'oeil se obtienen con la técnica pictórica, que recuerda colores y sombras.

Materiales para manualidades de decoupage
Los materiales domésticos comunes se pueden usar para crear efectos. Aquí hay una breve lista de suministros:

Algo para decoupage en. Los ejemplos incluyen: muebles, álbumes de fotos, platos, cerámicas, estanterías, marcos, espejos.
Fotos para decoupage con. Estos pueden provenir de innumerables fuentes: periódicos, revistas, catálogos, libros, imágenes prediseñadas impresas, papel de regalo, tarjetas de felicitación, tela, papel de seda, encajes, servilletas de papel
Utensilio de corte Se pueden usar tijeras, cuchillos artesanales o cuchillas de afeitar.
Pegamento. El pegamento blanco estándar funciona mejor si se diluye con un poco de agua. Los pegamentos especiales se pueden encontrar en la mayoría de las tiendas de artesanía.
Suave. Palos de paleta funcionan bien. Un brayer es una herramienta especializada, como un rodillo en miniatura diseñado para ayudar a eliminar las arrugas, eliminar el exceso de pegamento y suavizar las imágenes.
Esparcidor de pegamento Muchas cosas en la casa pueden ser útiles para esto: hisopos de algodón, pinceles, esponjas.
Trapos, esponjas, papel de seda para ayudar a limpiar el pegamento y otra limpieza.
Cazador de focas. Se puede usar cola u otro medio de decoupage como sellador. Alternativamente, se usan generalmente poliuretano, aerosol acrílico, resina epoxi u otras lacas.

Decoupeurs notables
Alguien que hace decoupage es conocido como un decoupeur o "cortador". A la edad de 71 años, Mary Delany alcanzó fama en la corte de George III y la Reina Carlota de Inglaterra gracias a la locura del decoupage del siglo XVIII. En 1771, comenzó a crear obras de arte recortadas (decoupage) como era la moda para las damas de la corte. Sus trabajos fueron excepcionalmente detallados y representaciones botánicamente precisas de las plantas. Ella usó papel de seda y coloración de las manos para producir estas piezas. Creó 1,700 de estos trabajos, llamándolos "Paper Mosaiks [sic]", desde los 71 hasta los 88 años cuando le falló la vista. Todavía se pueden ver en la Galería de la Ilustración en el Museo Británico de Arte. Jay (Terry) Jones, un decoupeur notable de Waynesburg, PA posee múltiples récords mundiales de Guinness por su extensa colección de decoupage.

Modernidad
Ahora esta vieja técnica se ha vuelto a poner de moda y está muy extendida en varios países al decorar bolsos, sombreros, bandejas, adornos navideños, relojes de sol, ataúdes, platos, paquetes, etc., así como al crear artículos de interior exclusivos, al decorar la ropa y fabricar de accesorios de moda.

Ahora, a la técnica tradicional de las servilletas agregadas de decoupage, de las telas y las telas, se introdujeron innovaciones en la computadora, lo que permite usar decoupage tridimensional e imprimir en una impresora o fotocopiadora imágenes de diferentes contenidos.

Además, los mapas de arroz y decoupage se utilizan activamente. Esta es una imagen especialmente preparada, impresa en un papel especial en un papel especial.

Una variedad de materiales que aparecen en las tiendas, le permite decorar cualquier superficie: velas, cerámica, tela, madera, metal, etc. Y el uso de varias técnicas, como el chapado, el arte de decoupage sostarivanie (cepillado, craquelado, Shabby), el decoupage volumétrico (con compuesto de modelado y otros materiales) para dar espacio ilimitado a la imaginación.

El renacimiento de la larga tradición de decoupage influyó notablemente en el aumento del número de maestros empleados en esta antigua técnica.

Tipos de decoupage
Hay cinco tipos principales de decoupage: directo (clásico), reverso, volumétrico, ahumado (artístico), parche deco.

Estilos de decoupage
Actualmente en los estilos populares de decoupage: Provenza, estilo victoriano, country, cheby-chic, simplicidad, militar, ethno. Esto se debe principalmente a las tendencias actuales en la estilística de los interiores.

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Decoupage es el arte de decorar un objeto pegando recortes de papel de color en combinación con efectos especiales de pintura, pan de oro y otros elementos decorativos. Comúnmente, un objeto como una pequeña caja o un elemento de mobiliario está cubierto por recortes de revistas o de papeles fabricados a propósito.

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Decoupage es el arte de decorar un objeto pegando recortes de papel de color en combinación con efectos especiales de pintura, pan de oro y otros elementos decorativos. Cada capa está sellada con barnices (a menudo múltiples capas) hasta que desaparece la apariencia de «pegado» y el resultado parece una pintura o incrustación. La técnica tradicional usa de 30 a 40 capas de barniz que luego se lijan hasta obtener un acabado pulido.

La palabra decoupage proviene del francés medio «decouper», que significa cortar o cortar algo. Se cree que el origen del decoupage es el arte de la tumba de Siberia oriental. Las tribus nómadas usaban fieltros recortados para decorar las tumbas de sus difuntos. Desde Siberia, la práctica llegó a China, y en el siglo XII, el papel recortado se usaba para decorar linternas, ventanas, cajas y otros objetos. En el siglo XVII, Italia, especialmente Venecia, estuvo a la vanguardia del comercio con el Lejano Oriente y, en general, se cree que es a través de estos vínculos comerciales que las decoraciones de papel recortadas se abren paso en Europa.

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El decoupage se sitúa en el área de las manualidades y la artesanía, no se encontraron referentes que trasladen la técnica a un proceso creativo de "obra".

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Centro Cultural de Osorno

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OPERACIONES Y METODOLOGÍA DEL FOTOTRASPASO

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OPERACIONES Y METODOLOGÍA DEL FOTOTRASPASO

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Operaciones y metodología de trabajo fototraspaso al agua

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RESISTENCIA A LA IMPERMANENCIA

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Ejercicio de obra, desplazamiento proveniente de haiku / taller de proyecto

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El ejercicio de obra consiste en dos piezas de cristal , una quebrada (el todo) y otra no (el nada), ambas rellenadas con perlas comestibles por medio de la cocina molecular, esferas de hidrolatos (sabores varios de hierbas sutiles). La propuesta invita a consumir estas perlas que exigen una detención en el tiempo para sentir los sabores, así mismo se recurre a la reflexión sobre el "todo" y el "nada"

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"Por si un día no me encuentro quiero que sepas que te quiero"

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POr si un día no me encuentro quiero que sepas que te quiero

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Definición general:

"Un testimonio es un relato o una declaración realizada por un testigo, un superviviente o una persona en cuyo criterio se confía. La palabra testimonio proviene del latín testimonium y deriva de la palabra latina testis (“testigo”), por lo que puede entenderse como el relato de un testigo."

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LA PALABRA CONTRA EL OLVIDO: LA POESÍA TESTIMONIAL

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LA PALABRA CONTRA EL OLVIDO: LA POESÍA TESTIMONIAL

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CLAUDIA MEYER

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La palabra contra el olvido: la poesía testimonial - El Escarabajo

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Explora el poder de la poesía testimonial como herramienta de denuncia y memoria en contextos de conflicto y represión.

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LA VOZ DE ALIENTO: REFLEXIONES SOBRE ESCRITURA Y TESTIMONIO

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LA VOZ DE ALIENTO: REFLEXIONES SOBRE ESCRITURA Y TESTIMONIO

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JORGE POLANCO SALINAS

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La voz como registro propone oponerse a la impermanencia. La frase "Por si un día no me encuentro quiero que sepas que te quiero" puede leerse de forma interpelativa o en introspectiva, propone la futura desaparición del cuerpo en un tiempo indeterminado, una incertidumbre.

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Bas Jan Ader es un artista holandés, conocido por su trabajo en el arte conceptual a través de distintos medios: fotografía, video y performance.

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USO DE SANGRE COMO TINTA

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El campo de exploración artística de Ted Lawson abarca desde la pintura a la escultura, trabajando con cualquier método o técnica que le permita desarrollar ideas y conceptos. Cada nuevo proyecto es algo diferente, inesperado, algo que en lugar de ofrecer respuestas, despierta preguntas.

Ted se ha hecho popular en la red gracias a su autorretrato con sangre, pero aún siendo muy llamativo, no es lo único interesante de este versátil artista.

Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

Ted Lawson's field of artistic exploration ranges from painting to sculpture, working with any method or technique that allows him to develop ideas and concepts. Every new project is something different, unexpected, something that instead of providing answers, awakens questions.

Ted has become popular in the Net thanks to his selfie with blood, but even being very striking, is not the only interesting thing by this versatile artist.

English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.

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Ted Lawson es un artista contemporáneo residente en Brooklyn, nacido en 1970 en Boston, Massachusetts.

Su obra combina la tecnología digital con métodos tradicionales de escultura, para producir objetos conceptuales que expresen la realidad análoga subyacente en su temática. Su proceso de trabajo es una exploración en la experiencia existencial humana, a través de modelos imaginados del universo como forma física.

Acompaño la selección de imágenes de su obra, con algunos pasajes de una interesantísima entrevista realizada por Michael Corbin, publicada en ArtBookGuy, que puede leerse completa (en inglés) aquí. [1]

"Crudo / Crude", resina fundida, objetos encontrados, acero / cast resin, found objects, steel, 2013

"Crudo / Crude" (detalle / detail)

"Cuando le digo a la gente que soy escultor, casi siempre me preguntan lo mismo: "¿Con qué medio trabajas?". La verdad es que nunca sé qué contestar. Creo que la expectativa es que un escultor debe tener un medio preferido con el cual trabajar, pero yo no. Algo que me caracteriza es ser capaz de trabajar con cualquier material (o utilizar cualquier tecnología) necesario para llevar a cabo la pieza e impulsar el concepto. Como idea general, creo que la mayoría de la gente piensa que ser un escultor está bien, porque la experiencia de hacer cosas a partir de materia prima se ha vuelto más y más rara para la vida cotidiana de la mayoría de la gente. Casi todo lo que hacemos es comprar cosas prefabricadas o sucesos online, así que hacer escultura se ha vuelto algo casi exótico." [2]

"El fantasma en la máquina / Ghost in the Machine", sangre sobre papel / blood on paper, 48″ x 96″, 2014

Para la pieza a tamaño natural "El fantasma en la máquina", Lawson escribió miles de líneas de códico directamente en una máquina CNC para dibujar su retrato, fusionando así la manufactura con el proceso artístico. Se conectó luego por vía intravenosa a un brazo robótico, y pasó horas literalmente virtiendo su sangre en la obra. Esta pieza visceral, esfuerzo de colaboración entre el hombre y la máquina, desafía a quienes consideran que el arte digital o mecánico debe ser eliminado de la esfera de las bellas artes, como la pintura y el dibujo. [3]

Ted trabajando en "El fantasma en la máquina" / Ted at work in "Ghost in the Machine"

[ver el video al final del post / check out the video at the end of this post]

"Entropía / Entropy", madera (maple azucarero) / wood (hard maple), 66,5″ x 15″ x 10″, 2012

"Para hacer el tipo de trabajo que me interesa se requiere un completo conocimiento de química, materiales, herramientas y mecanismos, y comprender como todo eso encaja. Para mí, todo esto es la parte más fácil, porque es simplemente una cuestión de resolver problemas, y puedo meterme en la lógica de todo eso (con mis excelentes asistentes artísticos), mientras intento encontrar la solución más elegante. El mayor desafío es que es algo muy personal. Los conceptos son una montaña rusa emocional, porque requieren asumir grandes riesgos, exponer algo sobre cómo soy realmente o cómo veo las cosas. Cuando hago trabajo figurativo, a menudo involucro gente que me es muy cercana, como modelos o las musas para el sujeto. En muchas fases de la obra, no estoy seguro si voy a llegar a lo que tenía previsto, y los riesgos siguen aumentando, porque no importa cuánto tiempo y esfuerzo (y dinero) se haya invertido, fácilmente puede estarse sumando a absolutamente nada." [4]

"Nebulosa 1 / Nebulous 1", esmalte a la nitrocelulosa sobre lienzo / nitrocellulose lacquer on canvas, 44″ x 44″, 2012

"Ninfa / Nymph", madera (álamo) / wood (poplar), 2000

"Personalmente, amo el mundo del arte. He pasado toda mi vida adulta profundamente inmerso en él. Aunque, llamarlo "mundo del arte" aún me suena divertido, porque de alguna manera implica que es como un lugar; yo tiendo a verlo más como una vasta conversación serpenteante que ha sucedido desde hace mucho tiempo, probablemente tanto como la gente lleva comunicándose. De hecho, las referencias más antiguas que sobreviven de nuestra humanidad, son unas pocas pequeñas esculturas y algunas pinturas rupestres de hace alrededor de 40.000 años (la conservación de esos objetos siempre me ha impresionado). Creo que tan sólo el esfuerzo de añadir algo relevante a esa conversación, a cualquier nivel, me hace sentir conectado con el mundo y ser un humano. Por eso estoy profundamente agradecido de ser parte de ello." [5]

Orbis Descriptio (Colaboración con / Collaboration with Shelter Serra)

MDF molido y tintado / milled, dyed MDF, 84″ x 55,5″, 2014

"Espiral de sal / Salt Spiral", sal fundida / cast salt, 44″ x 44″ x 4″, 2012

"Cualquier artista al que no le guste que la gente se forme opiniones sobre su obra, ha escogido un estilo de vida muy poco conveniente. Las opiniones son una cosa divertida, porque cada uno piensa que la suya es super importante, aunque puede no serlo. La mayoría de la gente son criaturas extrañas para mí, y aún así, cada uno esconde el mismo tipo de locura bajo la superficie. Llevar a alguien a revelarse a sí mismo a través de sus puntos de vista sobre tu arte, es una de las cosas más interesantes de hacer una muestra. Esos comentarios horriblemente fuera de lugar suelen ser mis favoritos, porque son tan extraños (y generlamente oscuros) que a veces resultan reveladores. Un punto en el cual internet ha claramente democratizado el mundo del arte es en que, online, las opiniones de cada uno tienen el potencial de llegar a ser tan válidas como las de cualquier otro." [6]

"Ataque/Decadencia - Attack/Decay 1"

Molido, latón pintado / milled, painted brass, 96″ x 36″, 2014

"Eva / Eve", resina fundida / cast resin, 36″ x 32″ x 16″, sin base / w/o base, 2011

"Inicié este grupo de trabajos con Eva, que comenzó como una idea narrativa acerca del retrato como un abanico de posibilidades físicas, en lugar de un momento congelado en el tiempo. Terminó convirtiéndose para mí en algo más bien sobre los fetiches del cuerpo físico. Alguna gente piensa que estoy haciendo una declaración cultural o política sobre la gordura o la delgadez, y creo que está mucho más abierto a cualquier interpretación de la gente. Estoy más interesado en presentar la experiencia existencial compartida que una opinión política específica. Sabía que hombres y mujeres podrían interpretar la pieza de maneras diferentes, y eso podría forzar preguntas sobre deseos e inseguridades personales, pero también que cada uno tendría su propia visión. En general, me gusta comenzar con objetos o temas de fuerte carga, y luego retroceder lentamente a través del proceso, hasta llegar a un final completamente abierto, en tantas direcciones como sea posible. El sitio a donde siempre quiero llegar con la obra finalizada, es a una especie de cálida indiferencia, que es como imagino que el universo nos ve a nosotros mismos. Sin embargo, cuando esculpí cada una de las 8 figuras en sus diversos estados de gordura o delgadez, quería imaginar cada una como con un fuerte atractivo sexual, que es mucho más difícil. Aún así, sé que cualquiera de esas figuras es el ideal para alguien, y es lo que quería darles. "

"Muerte de la narrativa / Death of Narrative", resina fundida / cast resin, 144″ x 72″ x 24″, 2013

"Muerte de la narrativa / Death of Narrative" (detalle / detail)

"Luna de sangre / Blood Moon", sangre sobre papel / blood on paper, 57″ x 57″, 2014

"Mucho de mi obra tiene que ver sobre la exploración de mis absolutamente fantasiosos modelos del universo. No estoy intentando abordarlo desde la perspectiva de la ciencia, o de la ciencia ficción (aunque estoy interesado en ambas), sino mayormente como una forma de explorar mis propias desilusiones sobre cómo había asumido que era el universo (lo que probablemente fui cogiendo en el Discovery Channel, o en películas, sin duda en Internet). Recuerdo ver fotos tomadas por el Telescopio Espacial Hubble, de esas inmensas y coloridas nubes de gas, que se supone están a años luz en el espacio profundo, cuna de billones de estrellas, y pensar que eran las más increíbles imágenes que había visto... ¡hasta que alguien me dijo que los colores habían sido añadidos a posteriori con Photoshop! Aún pienso que son hermosas, pero eso me ha hecho comprender cómo mucho de lo que creo que sé, está enteramente basado en efectos especiales." [8]

"La mortalidad es un mito / Mortality is a Myth", 72″ x 36″ x 36″, 2012

Resina fundida, silicona y MDF / cast Resin, Silicone and MDF

"Nebulosa 3 / Nebulous 3" (obra y detalle / work and detail), 40″ x 60″, 2012

Esmalte a la nitrocelulosa sobre lienzo / nitrocellulose lacquer on canvas

"Escepticismo radical / Radical Skepticism"

Resina fundida, MDF molido / Cast resin, Milled MDF, 114″ x 48″ x 51″, 2014

Próxima muestra de Ted en Nueva York (11/9 - 4/10) / Next Ted's Show in New York (9/11 - 10/4)

Más imágenes e información sobre Ted y su obra en /
More images and information about Ted and his work in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Ted!)

Gracias también a la persistencia de Shirley Rebuffo, que da estos inesperados resultados...

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Teds!)

Thanks also to the persistence of Shirley Rebuffo, giving these unexpected results ...

Creación de "El fantasma en la máquina" / The making of "Ghost in the Machine"

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"The Great Nude", Entrevista a / Interview with Ted Lawson, Affordable Art Fair

Traducción al inglés / English translation

Ted Lawson is a Brooklyn based contemporary artist born in 1970 in Boston, Massachusetts.

His works combine digital technology with traditional sculpting methods to produce conceptual objects that express the underlying analog truth within his subject matter. His working process is an exploration into the human existential experience through imagined models of the universe as physical form.

With the selection of images of Ted's work, some excerpts from an interesting interview by Michael Corbin, published in ArtBookGuy, you can fully read here.

"When I tell people I'm a sculptor I almost always get the same question: "What medium do you work in?" I never really know how to answer. I think there's an expectation that as a sculptor, you will have some preferred material or craft to work within, which I actually do not. Part of my thing is to be able to work in any material (or use any technology) needed to finish the piece and push the concept. In general though, I think that most people think that being a sculptor sounds cool because the experience of actually making things from raw material is becoming more and more alien to most people's daily lives. Almost everything else that we do is either bought pre-fab or happens online, so sculpture-making seems almost exotic at this point."

"For the life-sized piece, titled 'Ghost in the Machine,' Lawson wrote thousands of lines of code directing a CNC machine to draft his portrait, thus merging manufacturing and artistic processes. He then hooked himself up to a robotic arm intravenously, and spent hours literally pouring his blood into the work. The visceral piece, a collaborative effort between man and machine, challenges those who consider digital or mechanical art to be more removed than traditional fine art fields like painting and drawing."

"To make the kind of work that I am interested in requires a full knowledge of chemicals, materials, tools and mechanics and understanding how it all fits together. For me, all this is actually the easy part, because it's really just pure problem solving and I can geek out on the logic of it all (with my excellent art assistants) while trying to find the most elegant solution. The greater challenge of the work is that it gets very personal. Concepts are an emotional rollercoaster because they require taking huge risks, exposing something about who I really am or how I see things. When I work figuratively, I often involve people who are very close to me as the models or the muses for the subject. At many stages of the work, I am not sure if it is going to come across at all the way I had intended and the stakes always keep going up, because no matter how much time and effort (and money) has been invested, it can easily add up to absolutely nothing."

"Personally I love the art world. I've spent my entire adult life deeply immersed in it. Though, calling it the "art world" still sounds funny to me because that somehow implies that it's an actual place, I tend to see it more as a vast meandering conversation that's been going on for quite a long time, probably as long as people have been communicating. In fact, the oldest surviving references we have to our humanity are a few small sculptures and some cave paintings from over 40,000 years ago (the archival-ness of those objects always impresses the hell out me). I think that just the effort to add something relevant to the conversation, on any level, actually makes me feel connected to the world and to being human. For that I am deeply grateful to be a part of it."

"Any artist who doesn't like having people form opinions about their work has chosen a very inconvenient lifestyle. Opinions are a funny thing though, because everyone thinks their own is super-important, which it may not be. Most people are already extremely strange creatures to me, and yet, almost everyone is hiding the exact same craziness right below the surface. Getting someone to reveal themselves through their views of your artwork is one of the most interesting parts of having a show. Those hideously off-base comments are often my favorite, because they are just so weird (and usually dark), yet sometimes quite illuminating. One place where the internet has clearly democratized the art world is that online, everyone's opinion has the potential to become as valid as anyone else's."

"I started this body of work with Eve, which began as a narrative idea about portraiture as a range of physical possibilities, rather than as a frozen moment in time. It ended up becoming more about physical body fetishes for me. Some people thought I was making a cultural or political statement about fat and skinny and though I'm pretty much open to any interpretations people have, I'm much more interested in presenting the shared existential experience over a specific political opinion. I knew that men and women would read the piece differently and that it would force the question of personal insecurities and desires, but also that everyone would have their own personal take on it. In general, I like starting with heavily loaded objects or subject matter, then dialing it back slowly through the process until it becomes almost completely open-ended in as many different directions as possible. The place I always want to land with the finished work is some kind of warm indifference, which is how I imagine the universe sees us. However, when sculpting each of the 8 figures in their various states of fat or skinny, I wanted to imagine each one as being completely sexually attractive, which is much more challenging at the extremes. Still, I know that any one of those figures is the ideal for someone and I wanted to give them that."

"A lot of my work has been about exploring my own completely fantasized models of the universe. I'm not trying to approach it from the perspective of actual science or science fiction (both of which I am interested in), but mostly as a way to explore my own delusions about what I assume the universe looks like (which I likely picked up from the Discovery Channel, or movies - certainly from the internet). I remember seeing photos taken from the Hubble Space Telescope of these huge colorful clouds of gas that were supposed to be light years across in deep space, birthing billions of stars and I thought they were the coolest images ever - until someone told me that the colors had been added later in Photoshop! I still think they are quite cool, but that made me realize how much I assume I know based entirely on special effects."

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VIDEO AUDIOS "TE QUIERO" SIN CAMBIO DE COLOR TEXTO

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