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Andy Warhol

Ícones da cultura de massa: Marilyn Monroe, latas de sopa Campbell.

Uso de serigrafia e repetição em série.

Exploração da fama, consumo e superficialidade.

Roy Lichtenstein

Estilo inspirado em quadrinhos.

Uso de pontos Ben-Day para criar textura.

Temas irônicos e exagerados.

Claes Oldenburg

Esculturas gigantes de objetos comuns (ex.: hambúrgueres, telefones).

Mistura de humor e crítica à cultura de consumo.

David Hockney

Representações coloridas e estilizadas de cenas da vida cotidiana.

Foco em paisagens e retratos com influência do design gráfico.

https://www.behance.net/igoraquinodavii

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Surgiu nos anos 1950 (Reino Unido/EUA) como crítica à cultura de consumo.

Usava imagens populares: quadrinhos, celebridades e publicidade.

Técnicas: cores vibrantes, serigrafia, reprodução em série.

Impacto: redefiniu arte e influenciou a cultura pop.

https://www.behance.net/edendupouy

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White ink on Black Paper Serie by Sergio Delgado

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White ink on Black Paper Serie by Sergio Delgado

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Exemplos sobre como é muito usada a optical art entre designs graficos da atualidade

https://www.behance.net/gallery/133629835/White-ink-on-Black-Paper-Serie

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O Op Art, ou Arte Óptica, é um movimento artístico que surgiu na década de 1960 e explora ilusões visuais criadas através de padrões geométricos e contrastes de cores. Aqui estão alguns pontos-chave sobre o movimento:

1. Objetivo: Criar ilusões de movimento, profundidade e mudança visual usando apenas elementos estáticos.

2. Técnicas: Uso de padrões geométricos, linhas repetitivas, contraste de cores e efeitos de percepção.

3. Influências: Combina elementos da arte abstrata e do minimalismo com a psicologia da percepção.

4. - Artistas principais:

Bridget Riley (Reino Unido)

Victor Vasarely (Hungria/França)

5. Características:

Ilusões de movimento dinâmico (a arte parece se mover ou mudar dependendo do ponto de vista).

Uso de contrastes fortes, como preto e branco, ou cores saturadas.

6. Impacto: Teve grande influência na arte digital, design gráfico e na cultura visual em geral, especialmente em publicidade e moda.

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Detalhe do painel de azulejos Ventania, Athos Bulcão, 1971

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Uso de formas geométricas: utiliza linhas retas, formas geométricas e um senso de proporção que dialoga com a simplicidade do abstracionismo.

Integração com o ambiente: edifícios se fundem com a paisagem e exploram uma relação harmônica entre espaço interno e externo, como nas obras de Oscar Niemeyer.

Estética minimalista: A simplicidade e a abstração se traduzem em fachadas limpas, espaços amplos e uso de materiais locais.

Elementos decorativos abstratos: Painéis, murais e relevos nas fachadas e interiores trazem influências de artistas concretistas, incorporando cores e formas abstratas, como nos trabalhos de Athos Bulcão.

Exploração de luz e sombra: A geometria do abstracionismo é usada para criar efeitos de luz e sombra, trazendo dinamismo e movimento aos espaços arquitetônicos.

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Cercle and Square - Wassily Kandinsky, 1943 - Centre Pompidou, Paris, França.

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É uma vertente do abstracionismo que utiliza formas geométricas, linhas precisas e uma organização racional. Caracteriza-se pela busca de harmonia e ordem, com composições matemáticas e cores geralmente uniformes. Inspirado pelo cubismo e construtivismo, busca transmitir uma ideia de objetividade e equilíbrio visual.

Principais artistas:

Piet Mondrian: Linhas retas e cores primárias.

Kazimir Malevich: Formas simples e suprematismo.

Theo van Doesburg: Geometria pura e cores primárias.

Vasily Kandinsky: Obras geométricas e precisão de formas.

Josef Albers: Exploração de cores com quadrados.

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Композиция VII, por Wassily Kandinsky, 1913 - Moscou, Rússia

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O abstracionismo lírico é uma vertente do abstracionismo que valoriza a expressão espontânea e emocional, com foco em cores intensas e formas orgânicas e livres. Ele prioriza a subjetividade, permitindo diferentes interpretações das obras. Influenciado pelo expressionismo, busca transmitir sentimentos e atmosferas, explorando a liberdade criativa do artista.

Os artistas de destaque incluem Wassily Kandinsky, considerado o pioneiro do abstracionismo lírico, e Joan Miró, que trouxe uma leveza e organicidade únicas às suas obras.

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Movimento artístico do século XX que se afasta da representação direta da realidade, explorando formas, cores e linhas para transmitir emoções, ideias ou sensações, sem tentar replicar o mundo visível. Se divide em duas vertentes: o abstracionismo lírico e o geométrico, buscando evocar experiências internas ou interpretações subjetivas.

Essas características tornaram o abstracionismo um marco na ruptura com a arte tradicional:

Ausência de figuração

Exploração das emoções

Linguagem visual autônoma

Estrutura e racionalidade

Uso simbólico das cores

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O Empire State Building é um ícone cultural estadunidense. Ele foi projetado em estilo art déco e foi classificado como uma das Sete Maravilhas do Mundo Moderno pela Sociedade Americana de Engenheiros Civis. O edifício e o seu interior são designados marcos da cidade de Nova York.

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Modernidade: Uso de materiais e técnicas construtivas inovadoras.

Elegância: Linhas clean e detalhes sofisticados.

Ousadia: Experimentação com formas e materiais, como marmore e madeira.

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Tamara de Lempicka, Young Woman in Green (1927–30).

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Marcada pela geometria, cores vibrantes e temas modernos. As técnicas utilizadas permitiam a criação de obras com um aspecto sofisticado e elegante, refletindo o espírito da época.

Cores vibrantes: Paletas de cores vibrantes e contrastantes, com destaque para o preto, branco e dourado.

Influências diversas: Combinação de elementos de diferentes culturas, como a arte egípcia, africana e cubista.

Superfícies planas: As pinturas tendem a ser mais planas e bidimensionais, com pouca profundidade.

Tamara de Lempicka: Utilizava paletas vibrantes e contrastantes para criar retratos de mulheres elegantes e sofisticadas, com destaque para o vermelho e o preto.

Jean Cocteau: Empregava cores vibrantes e contrastantes para criar atmosferas oníricas e surrealistas em suas obras.

Amadeo Modigliani: Utilizava paletas mais restritas, com tons terrosos e pastéis, para criar retratos com uma atmosfera mais intimista.

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Cristo Redentor, Heitor da Silva - Rio deJaneiro, Brasil (1922-1931)

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Marcou o início do século XX, com suas formas geométricas, materiais modernos e estética luxuosa. Seu legado pode ser visto em diversas áreas do design e da arquitetura até os dias de hoje.

Geometria e linhas retas: Em contraste com as curvas do Art Nouveau, o Art Déco valorizava formas geométricas, linhas retas e ângulos retos.

Materiais modernos: Utilizava materiais industrializados como aço, vidro, alumínio e plásticos, além de materiais nobres como marfim, ébano e madrepérola.

Luxo e sofisticação: O Art Déco era um estilo associado ao luxo e à sofisticação, com a utilização de materiais nobres e acabamentos elaborados.

Influências diversas: O movimento incorporou elementos de diversas culturas, como a arte egípcia, a arte africana e o cubismo.

Contexto Histórico:

Pós-Primeira Guerra Mundial: O Art Déco surgiu em um período de reconstrução e otimismo, após a Primeira Guerra Mundial.

Industrialização: A industrialização e o desenvolvimento de novos materiais influenciaram o estilo.

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Villa Giuseppe Faccanoni, por Giuseppe Sommaruga - 1907 - Italia Liberty - Rimini, Itália.

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Os arquitetos do Art Nouveau criaram edifícios que eram verdadeiras obras de arte, com uma estética rica em detalhes e uma forte conexão com a natureza. A busca pela beleza e pela funcionalidade eram características marcantes desse movimento.

Victor Horta: Um dos pioneiros, seus edifícios são caracterizados por fachadas curvas e interiores ricamente decorados.

Antoni Gaudí: Conhecido por suas obras extravagantes e originais, como a Sagrada Família em Barcelona, Gaudí era um mestre da arquitetura orgânica.

Hector Guimard: Desenvolveu um estilo próprio, com o uso de ferro forjado e linhas curvas, que se tornou sinônimo do Art Nouveau em Paris.

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Beech Grove I, por Gustav Klimt - 1902 - New Masters Gallery, Dresden State Art Collections - Dresda, Alemanha

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Os pintores do Art Nouveau buscavam a beleza e a harmonia, utilizando formas e cores para criar um mundo de fantasia e sensualidade. A natureza era sua principal fonte de inspiração, e suas obras eram marcadas por uma estética rica em detalhes e ornamentos.

Caracterizado por cores vibrantes e contrastantes inspiradas na natureza, utilizava pinceladas fluidas, camadas finas de tinta, e texturas ricas para criar efeitos táteis. Técnicas como pastel, guache, tinta a óleo e técnica mista eram comuns, combinando diferentes métodos para obras detalhadas e luminosas.

Influências do japonismo, artesanato e fotografia.

Principais pintores:

Alphonse Mucha: Conhecido por suas ilustrações de mulheres jovens e elegantes, com longos cabelos e vestimentas fluidas.

Gustav Klimt: Seus trabalhos são caracterizados por um forte erotismo e pelo uso de ouro e prata.

Aubrey Beardsley: Suas ilustrações são marcadas por linhas finas e elegantes, com temas frequentemente ligados à mitologia e à literatura.

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Water Lily Vase, por Émile Gallé - 1900 - Museu de Finas Arte, Houston, EUA.

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Lutaram para abolir a hierarquia entre: Artes maiores (pintura, escultura) e Artes menores (artes decorativas)

Uso do ferro forjado pelos Alemães.

Artistas Destacados da Escola de Nancy

Émile Gallé: Um dos principais nomes da Escola de Nancy, Gallé era conhecido por seus trabalhos em vidro, que combinavam cores vibrantes e motivos florais.

Daum Frères: Essa empresa familiar produzia uma grande variedade de objetos de arte em vidro, cristal e cerâmica, com designs elegantes e sofisticados.

Victor Prouvé: Arquiteto e designer, Prouvé criou móveis e objetos decorativos com linhas simples e funcionais, combinando a tradição artesanal com a inovação industrial.

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Femme à la Marguerite, por Alfons Maria Mucha - 1900 - The Baltimore Museum of ArtBaltimore, Estados Unidos.

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Recebeu vários nomes: Art Nouveau, Liberty, Jugendstil, Secessionstil e Arte Joven

Inspirado nos estilos: Japonês, celta, islâmico, gótico, barroco e rococó.

Também conhecido como Arte Nova, floresceu entre o final do século XIX e início do século XX, abrangendo diversas áreas como arquitetura, design, artes decorativas e artes plásticas. Suas características únicas e influência duradoura o tornaram um marco importante na história.

Características Principais:

Inspiração na Natureza: Linhas curvas, formas orgânicas, flores, plantas e animais eram elementos frequentes, buscando imitar a beleza e a fluidez da natureza.

Unificação das Artes: Havia uma busca por integrar diferentes áreas artísticas, como a arquitetura, a pintura e a escultura, em um todo coeso.

Materiais e Técnicas: Utilização de materiais nobres como o ferro forjado, vidro colorido, marfim e madeiras exóticas, além de novas técnicas como o vidro soprado e a cerâmica artística.

Artesanato e Industrialização: O movimento valorizava o trabalho artesanal, mas ao mesmo tempo buscava adaptar os elementos decorativos às produções em série, como os móveis e os objetos de decoração.

Feminilidade e Erotismo: As formas sinuosas e as representações de figuras femininas com traços delicados e sensuais eram características marcantes do estilo.

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Pierre de Wiessant, por Auguste Rodin - 1880/1912 - Museu Metropolitano de Arte, Nova York - EUA.

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Os escultores realistas, buscavam representar a realidade de forma objetiva e sem idealizações, focando em temas contemporâneos com intenções políticas. Suas obras, como "O Pensador", "Balzac", "Os Burgueses de Calais" e "O Beijo", combinam elementos realistas e impressionistas.

Principais caracteristicas: representação fiel, temas cotidianos, ausência de idealização e função social.

Materiais: Os materiais utilizados eram diversos, mas a preferência era por materiais que permitissem um alto grau de detalhamento, como o mármore e o bronze.

Auguste Rodin, considerado o progenitor da escultura moderna, destacou-se por sua habilidade em modelar superfícies complexas e realistas, desafiando as convenções tradicionais com técnicas inovadoras, como deixar partes de suas esculturas inacabadas e capturar emoções humanas profundas. Apesar de ser rejeitado pela École des Beaux-Arts e enfrentar críticas, seu estilo único foi reconhecido e valorizado pela comunidade artística e pelo governo, consolidando seu legado na escultura moderna.

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A Torre Eiffel, construída por Gustave Eiffel para a Exposição Universal de 1889 em Parisn, na França, comemorou o centenário da Revolução Francesa, simbolizando a proeza tecnológica e a engenharia francesa no auge da era industrial.

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Com a industrialização, o ferro ganhou destaque na construção civil devido à facilidade de fabricação em série e montagem rápida, popularizado por obras icônicas como o Palácio de Cristal, a Galeria das Máquinas e a Torre Eiffel.

Arquitetos e engenheiros passaram a atender às novas demandas urbanas, focando em estruturas funcionais como fábricas, estações, armazéns, e edifícios públicos em vez de palácios e templos.

Principais características: Funcionalidade, honestidade dos materiais, simplicidade, inspiração na natureza, conforto, higiene e construção sólida.

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Nhá Chica, por Almeida Júnior - 1895 - Pinacoteca de São Paulo.

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A pintura realista buscava capturar a realidade de forma objetiva, com foco em temas do cotidiano e uma linguagem visual clara e precisa. Os artistas realistas utilizavam a pintura para denunciar as desigualdades sociais e criticar a realidade de sua época.

Técnicas:

Luz natural: Os artistas realistas buscavam a luz natural como fonte principal de iluminação em suas obras, buscando criar efeitos de profundidade e realismo.

Cores sóbrias: As cores utilizadas eram mais terrosas e naturais, buscando representar a realidade de forma mais fiel.

Pinceladas precisas: As pinceladas eram precisas e detalhadas, permitindo a representação fiel de objetos e pessoas.

Perspectiva: A perspectiva linear era utilizada para criar a ilusão de profundidade nas pinturas.

Principais artistas do marco: Gustave Courbet (França), Jean-François Millet (França), Almeida Júnior (Brasil) e Adolph Menzel (Alemanha).

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The Iron Rolling Mill (Modern Cyclopes), por Adolph Menzel1872 - 1875 - Nationalgalerie, Staatliche Museen em Berlim - Alemanha

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A fumaça das fábricas soprou sobre a Europa, dissipando os sonhos românticos e dando origem a um novo olhar: o realismo, que espelhou a fria e dura realidade da industrialização.

O desenvolvimento mais coerente do Realismo foi na pintura francesa, onde se centrou na obra de Gustave Courbet, que usou a palavra réalisme como título de um manifesto que acompanhou uma exposição das suas obras em 1855.

Principais caracteristicas:

Objetividade: Representação fiel da realidade sem idealizações.

Cotidiano: Foco em temas do dia a dia, como trabalho, pobreza e vida urbana.

Crítica social: Denúncia de desigualdades e problemas da sociedade.

Individualismo: Personagens complexos e com características individuais.

Materialismo: Valorização do mundo material e dos sentidos.

Cientificismo: Influência das ideias científicas na representação da realidade.

Linguagem clara: Uso de uma linguagem simples e direta.

Oposição ao Romantismo: Rejeição ao idealismo e sentimentalismo românticos.

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Castelo de Neuschwanstein, localizado na Baviera, Alemanha, é um dos exemplos mais emblemáticos da arquitetura romântica. Construído no século XIX por Ludwig II da Baviera, o castelo foi inspirado em contos de fadas e lendas medievais.

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Revivalismo: A arquitetura romântica buscava reviver estilos do passado, como o gótico e o medieval, valorizando a tradição e a história.

Irregularidade e organicidade: As construções românticas tendiam a ter formas mais livres e orgânicas, em oposição à simetria e à ordem clássica.

Uso de materiais naturais: A pedra, a madeira e outros materiais naturais eram preferidos, buscando uma conexão com a natureza.

Detalhes ornamentais: As construções românticas eram ricamente decoradas com detalhes como arcos em ogiva, torres, pináculos e esculturas, criando atmosferas grandiosas e dramáticas.

Valorização do local: A arquitetura romântica buscava integrar-se à paisagem e aos materiais locais, criando construções únicas e com forte identidade regional.

Buscava evocar emoções e criar ambientes grandiosos e inspiradores, utilizando elementos do passado e da natureza.

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Witches' Sabbath, por Francisco de Goya - Museu Lázaro Galdiano, Madri, Espanha.

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Busca da expressão individual, pela valorização da emoção e da natureza, e pela representação de temas grandiosos e dramáticos.

Valorização da emoção e da subjetividade: O artista romântico expressa seus sentimentos de forma intensa, buscando conectar-se com o espectador de maneira mais pessoal.

Idealização da natureza: A natureza é vista como fonte de inspiração e refúgio, muitas vezes representada de forma grandiosa e sublime.

Exaltação do indivíduo e do heroísmo: O artista romântico celebra o indivíduo e seus feitos, muitas vezes retratando figuras históricas ou mitológicas como heróis.

Interesse pelo passado e pelo exótico: Há uma busca por temas históricos, lendários e exóticos, como ruínas, paisagens noturnas e cenas dramáticas.

Cores vibrantes e pinceladas expressivas: As cores são usadas de forma intensa e as pinceladas são mais soltas e expressivas, buscando transmitir a emoção do artista.

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The Death of Sardanapalus, Eugène Delacroix, 1844 - Museu de Arte da Filadélfia.

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Foi um movimento artístico que surgiu na Europa no final do século XVIII, valorizando a emoção, a individualidade e a natureza. Se caracteriza como uma reação ao Neoclassicismo.

Os artistas buscavam expressar seus sentimentos de forma intensa e subjetiva, muitas vezes idealizando o passado e a natureza.

O movimento se opôs ao racionalismo do Iluminismo, exaltando a imaginação e a intuição. Se manifestando em diversas áreas artísticas, como a pintura, a literatura e a música, influenciando profundamente a cultura ocidental.

Principais artistas: Delacroix, Goya, Turner, Fussli e Gericaulti

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Victor Meirelles foi um importante pintor brasileiro do século XIX, conhecido por suas obras históricas e românticas. Sua pintura mais famosa, "Moema", retrata um momento dramático do poema épico "Caramuru", de Santa Rita Durão.

Na pintura, a índia Moema, apaixonada por um náufrago português, se afoga ao tentar alcançá-lo no mar. A obra de Meirelles se tornou um símbolo da formação da identidade nacional brasileira, mesclando elementos históricos, românticos e idealizados.

"Moema" é um exemplo clássico do Romantismo, com uma composição dramática, cores vibrantes e uma forte carga emocional. A pintura também reflete a influência da arte acadêmica europeia, com sua técnica impecável e representação idealizada da figura humana.

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Palácio do Itamaraty - Rio de Janeiro. É um exemplo, reunindo em as principais características desse estilo: a busca pela perfeição formal, a valorização da tradição clássica e a expressão do poder e da grandeza.

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1. Neoclassicismo e Ecletismo: A arquitetura acadêmica brasileira se caracterizou pela busca da perfeição formal e pela imitação dos modelos clássicos. Com o tempo, o Ecletismo permitiu a mistura de diversos estilos históricos.

2. Formação Rigorosa: Os arquitetos eram formados em academias de belas artes, onde estudavam história da arquitetura, desenho e construção. A valorização da técnica e do conhecimento teórico era fundamental.

3. Obras Públicas e Religiosas: A arquitetura acadêmica se manifestou principalmente em obras públicas como palácios e igrejas, visando expressar o poder e a grandeza da nação e da Igreja.

4. Padronização e Hierarquização: A busca pela padronização das formas e a hierarquização dos elementos eram características marcantes, com o objetivo de criar uma ordem visual e social.

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Independência Ou Morte por Pedro Américo de Figueiredo e Mello - Museu Paulista Da Usp.

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1. Temas:

Histórico e religioso: Retratos de figuras importantes e cenas bíblicas, construindo uma narrativa visual da nação e da fé.

Mitologia e cotidiano: Representações de deuses e heróis, além de cenas da vida cotidiana, mostrando a influência europeia e a busca por uma identidade brasileira.

2. Técnicas:

Mestre na técnica: Óleo sobre tela, desenho preciso, perspectiva e composição equilibrada, buscando a perfeição formal.

Academicismo rigoroso: Seguimento dos padrões da Academia Imperial de Belas Artes, com ênfase na representação realista.

3. Cores:

Paleta sóbria: Predominância de tons terrosos e sóbrios, como marrom, verde, cinza e preto.

Harmonia cromática: Busca por um equilíbrio de cores, utilizando complementares e análogas.

4. Estilo:

Idealização e realismo: Combinação entre a busca pela perfeição formal e a representação precisa da realidade.

Clássico e nacionalista: Influência do neoclassicismo europeu com a busca por uma identidade artística brasileira.

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Amolação interrompida, Almeida Júnior, 1894 - Pinacoteca de São Paulo.

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O movimento de missões do academicismo brasileiro, marcado pela chegada da Missão Artística Francesa e pela fundação da Academia Imperial de Belas Artes, caracterizou-se pela combinação entre o idealismo neoclássico e o realismo na representação da realidade brasileira. A produção artística dessa época foi fundamental para o desenvolvimento das artes no país e para a formação de uma identidade artística nacional.

Neoclassicismo e idealização: A influência do neoclassicismo europeu era evidente nas obras produzidas, com a busca por uma estética idealizada, baseada nos padrões de beleza da antiguidade clássica. A representação de figuras mitológicas, históricas e alegóricas era comum, assim como a valorização da linha, da forma e da composição equilibrada.

Realismo e representação da realidade: Apesar da forte influência neoclássica, os artistas brasileiros também demonstraram um interesse crescente pela representação realista da natureza e da vida cotidiana. Paisagens, retratos e cenas do cotidiano ganharam destaque, revelando uma tentativa de retratar a realidade brasileira de forma mais fiel.

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Uma curiosidade rara sobre o Neoclassicismo é o uso da "Escultura Viva" em festas aristocráticas. Na segunda metade do século XVIII, especialmente em círculos aristocráticos italianos e franceses, tornou-se uma prática popular usar pessoas vivas para recriar famosas estátuas e pinturas clássicas em festas de elite. Essas performances eram conhecidas como “tableaux vivants”.

Detalhes:

O que eram: Modelos vivos, muitas vezes nobres ou atores, eram vestidos (ou até semidespidos) e posicionados para imitar estátuas ou pinturas clássicas, como cenas mitológicas ou heróicas.

Objetivo: Demonstrar conhecimento da arte clássica e destacar a beleza idealizada, inspirando discussões sobre estética e valores clássicos.

Ambiente: Ocorria em grandes salões de mansões e palácios, sob uma iluminação controlada para criar um efeito semelhante ao mármore e à pintura.

Impacto: Essa prática ajudou a popularizar ainda mais o gosto pela arte neoclássica entre as elites, reforçando o fascínio pela Antiguidade Clássica e os valores morais e estéticos que ela representava.

Essas encenações eram consideradas uma forma de "arte ao vivo" e um símbolo de refinamento cultural na época.

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Panorama do interior de Panteão de Paris. Originalmente planejado no século XVIII para ser uma igreja que abrigaria o santuário de Santa Genoveva, este monumento tem desde a Revolução Francesa vocação para homenagear grandes pessoas que marcaram a história da França.

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Tanto nas construções civis quanto nas religiosas, a arquitetura neoclássica seguiu os modelos dos templos greco-romanos ou das edificações do Renascimento Italiano. Buscava uma retomada dos princípios da Antiguidade, combinando elegância, funcionalidade e monumentalidade.

Elementos Clássicos:

Uso de colunas (dórica, jônica, coríntia), frontões triangulares, cúpulas e frisos inspirados na Grécia e Roma antigas.

Composição e Estilo:

Simetria rigorosa, proporções equilibradas e linhas retas.

Estilo austero, sem excessos decorativos, transmitindo um senso de ordem e racionalidade.

Materiais:

Predominância de pedra e mármore, buscando durabilidade e aparência monumental.

Função e Simbolismo:

Edifícios públicos (igrejas, tribunais, museus) expressando valores de grandiosidade, moralidade e civismo.

Arquitetura vista como um reflexo do Iluminismo e dos ideais democráticos e republicanos.

Exemplos Notáveis:

Panteão de Paris, Capitólio dos Estados Unidos, Museu Britânico.

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Vase Japon, Fábrica de porcelana de Sèvres, 1792 - 1793. Exposto em Royal Collection Trust, UK.

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Escultura:

Temática: Retratos de figuras históricas, mitológicas e heróicas; ênfase em virtudes cívicas e morais.

Estilo: Influência direta da escultura grega e romana; formas idealizadas, poses serenas e clássicas.

Técnica: Linhas limpas, superfícies polidas, proporções perfeitas; uso predominante de mármore branco.

Artistas Notáveis: Antonio Canova e Bertel Thorvaldsen, conhecidos por suas esculturas de deuses e figuras clássicas.

Cerâmica:

Temática: Decoração com motivos clássicos, como cenas mitológicas e figuras greco-romanas.

Estilo: Simplicidade e elegância; ornamentação em baixo-relevo e uso de frisos.

Técnica: Uso de jasperware (cerâmica de fundo fosco), popularizada pela Wedgwood na Inglaterra.

Cores: Predomínio de tons suaves como azul, verde e branco, com detalhes em dourado ou preto.

Ambas as artes refletiam o fascínio pelo passado clássico e a busca por ordem, simplicidade e perfeição estética.

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"O Juramento dos Horácios" (1784), de Jacques-Louis David. Exposto em Museu de Arte de Toledo, Toledo Ohio - EUA.  Esta obra é um excelente exemplo do movimento, reunindo os elementos-chave de técnica, tema e estética que o caracterizam.      

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Temas:

Mitologia grega e romana, cenas históricas e heroicas.

Exaltação de valores morais como virtude, honra e sacrifício.

Enfoque em narrativas didáticas e inspiradoras.

Técnicas:

Desenho preciso e contornos bem definidos.

Composições equilibradas e simétricas.

Uso de perspectiva para criar profundidade e realismo.

Paleta de Cores:

Predomínio de cores suaves e tonalidades neutras (branco, cinza, marrom).

Contrastes de luz e sombra para destacar figuras e criar drama.

Uso moderado de cores vibrantes para enfatizar elementos específicos.

Estilo e Influências:

Influência direta da escultura clássica e renascentista.

Estilo austero e controlado, evitando exageros emocionais.

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Cristo abençoador -Jean-Auguste Dominique Ingres, 1834 - No MASP.

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Surgiu na Europa no final do século XVIII e se estendeu até o início do século XIX. Inspirado pelos ideais da Antiguidade Clássica, especialmente da Grécia e Roma, ele buscou um retorno à simplicidade, em contraste com o exagero e ornamentação do Barroco e Rococó que o precederam.

Características Artísticas Principais:

Estética e Inspiração:

Retorno à simplicidade, equilíbrio e proporção da arte clássica grega e romana.

Rejeição ao excesso e ornamentação do Barroco e Rococó.

Pintura:

Composições simétricas, linhas claras e austeridade.

Temas históricos, mitológicos e morais que exaltam virtudes como coragem e racionalidade.

Artistas notáveis: Jacques-Louis David, Jean-Auguste-Dominique Ingres.

Arquitetura:

Elementos clássicos como colunas, frontões e cúpulas.

Exemplos importantes: Panteão de Paris, Capitólio dos Estados Unidos.

Contexto Histórico:

Alinhado com os ideais do Iluminismo, Revolução Francesa e Era Napoleônica.

Valorização da razão, ordem e progresso como resposta ao caos do período anterior.

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Artista Txana Bane do Acre na exposição Utopia, que aconteceu em Lille - França.

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Retrato do investimento da cultura colonial á periférica no Brasil.

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Retrato do investimento da cultura colonial á periférica no Brasil.

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"A cultura da periferia exerce um papel importante socialmente, principalmente com crianças e jovens. Música, dança, grafite, eventos e espaços de arte dentro da periferia cumprem um papel de recuperação da autoestima e reconhecimento de uma existência que é socialmente negada e excluída. O jovem periférico vê na arte uma possibilidade de se fazer ouvir, de contar sua própria história e ter sua realidade vinculada a uma manifestação onde ele se reconheça e faça outros se reconhecerem."

É inegável que a arte barroca foi essêncial para o início de uma cultura marcante no brasil. Mas tal fato também me trás a refletir sobre como essa cultura até os dias de hoje é totalmente direcionada a um passado colonial e de muita dominação e sofrimento diante de uma grande população que constitui o país de que vivemos hoje.

Falo da representatividade cultural com grande resistência que já se expandiu em várias vertentes e espaços durante esses anos mas mesmo assim é negada ou muitas vezes vetada por um apego a contracultura.

É totalmente necessário um avanço do estimulo ao investimento na cultura periférica brasileira assim como era feito nas artes renascentistas da europa. Precisamos mais dessa representatividade dentro dos bairros e locais menos favorecidos para instituir a reflexão da beleza sobre uma cultura historicamente negada aos jovens e crianças, em que também existe espaços e evolução além de igrejas, nas artes originárias brasileiras indiginas e pretas.

Enquanto se é muito desvalorizado a nossa própria cultura aqui, quem olha de fora se fascina e reconhece melhor a nossa essência pouco mostrada, como se fosse uma "novidade" algo que já tem ocorrido bem antes da invasão do europeu.

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Grande número de edifícios com esse estilo foi protegido pelo governo, sendo muitos deles considerados patrimônios históricos.

Nossa história é marcada por um grande reconhecimento do barroco. Isso demonstra como a arquitetura barroca brasileira está totalmente ligada à cultura de nosso país

Características:

forte caráter religioso;

uso de materiais mais simples, como a pedra-sabão e a madeira, mas também de elementos ricos, como o ouro;

originalidade;

riqueza de detalhes;

exagero;

formas em relevo e curvilíneas.

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O maior ícone da arte barroca no Brasil foi o escultor Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho (1730-1814). Sua produção varia de trabalhos em madeira entalhada, pedra-sabão, altares e igrejas e tem como características o uso das cores e a maneira simples e dinâmica de retratar as cenas.

Em Minas Gerais, além de Aleijadinho, o grande nome da arte barroca mineira, destacam-se as pinturas do Mestre Ataíde. Devido ao descobrimento do ouro no local, foram feito muitos investimentos na arte local

Os artistas barrocos empregavam realismo, cores ricas e temas religiosos ou mitológicos,

Imprimiram em suas obras elementos típicos de nossa cultura em formação (como a Nossa Senhora da Porciúncula, de Ataíde, com traços mulatos)

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"Estátua do profeta Daniel, de Aleijadinho, no Santuário do Bom Jesus de Matosinhos, em Congonhas (MG)"

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Colônia escravocrata e influência europeia no Brasil

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Colônia escravocrata e influência europeia no Brasil

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Brasil Colônia, século XVII, a estética barroca passou a influenciar artistas no território brasileiro. Salvador e Recife eram os principais centros urbanos, pois a economia do país era baseada na exploração de cana-de-açúcar, concentrada no Nordeste.

O barroco, no Brasil, durou oficialmente de 1601 a 1768

Características:

Fusionismo: combinação da visão medieval com a renascentista.

Culto ao contraste: oposição de ideias.

Antítese e paradoxo: figuras de oposição.

Pessimismo: postura negativa diante da materialidade.

Feísmo: obsessão por imagens desagradáveis.

Rebuscamento: ornamentação excessiva da linguagem.

Hipérbole: exagero.

Sinestesia: apelo sensorial.

Sentimento de culpa.

Carpe diem: aproveitar o momento.

Principais temáticas:

fragilidade humana;

fugacidade do tempo;

crítica à vaidade;

contradições do amor."

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Mudança do barroco que indica a transição de temas sacros para aqueles mais “frívolos”: cenas de gênero, festas galantes, pinturas mais suaves e sensuais.

Os quadros dessa época são voltados para a decoração dos ambientes e, portanto, atendem a essa necessidade. As cores se difundem pelo quadro de maneira exuberante e harmoniosa, para compor a dimensão de apreciação decorativa da obra conforme o ambiente.

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"O foco principal não é mais o drama e exagero ligados à salvação, os ornamentos ganham outro tratamento. Tanto o barroco como o rococó se valem de dinamismo nas formas, movimento e opulência, mas o último suaviza as cores e as figuras retratadas. Os gestos ficam mais suaves, e a ostentação em mobiliários e objetos decorativos ganham destaque. Como no barroco, existe a opulência extrema, mas desprovida do peso divino. É como se a beleza fosse reivindicada como mundana."

Estilo palaciano, com forte presença de detalhes em ouro, formas curvas e elementos decorativos (flores, laços e conchas). Exuberante, o rococó substituiu as cores vivas do barroco por tons pastel, tornando a decoração mais leve e delicada.

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As artes do movimento rococó são marcadas por muitas linhas curvas, exclusão dos elementos clássicos, cores claras e alegres, leveza, elementos mais intimistas, contornos mais fluidos e um caráter lúdico das peças artísticas.

Surgiram na França durante o século XVIII, quando o iluminismo estava em seu ápice. (Revolução Francesa, reação do barroco)

Os temas eram, principalmente, cenas eróticas da vida cortesã, festas galantes e mitologia.

Chegou ao Brasil somente no século XIX, principalmente na arquitetura e na escultura, porém de maneira diferente da ocorrida na Europa, com características muito semelhantes ao Barroco.

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Além de trazer enorme extravagância, as obras da arquitetura barroca também apresentavam a imponência, o uso do dinamismo plástico, o uso de elementos espirais com a intenção de trazer efeitos ilusórios e o uso da sinuosidade para trazer emoção.

Obras subjetivas, suntuosas e ornamentadas;

Manipulações visuais para alongar as perspectivas;

Proximidade com a vida real;

A fuga da normalidade;

Nave única nas Igrejas;

Uso de afrescos em tetos;

Mistura da pintura e escultura.

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Ela é marcada pelo estilo religioso, dramático, com a clara demonstração do estado emocional e apelo aos sentidos.

Religiosidade

Realismo

A busca da fé por meio dos sentidos

Grandeza

Sensualidade

Forte conteúdo emocional

Teatralidade

Representação do Infinito

Efeito unificado

Representação do espaço em movimento

Valorização das luzes e sombras

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Igreja e convento de São Francisco, Salvador - BA

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A arte barroca surgiu na Itália e se consolidou a partir do século XVII na Europa e América. Este movimento se inspirou nas obras artísticas da Antiguidade clássica e buscou restituir a força da Igreja Católica, abalada pela Reforma Protestante.

Dualidade entre os prazeres do corpo e a espiritualidade

Cultismo e Conceptismo

Sombras e luzes: a valorização do contraste

Obras rebuscadas e ricas em detalhes

Emoção sobre a razão

Valorização estética

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A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal, com espaços mais longos do que largos, com a cúpula principal sobre o transepto, deixando de lado as de plano centralizado.

Das igrejas são as naves escuras, iluminadas apenas de ângulos diferentes; coros com escadas em espiral, que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum, produzem uma atmosfera de rara singularidade. A decoração são as guirlandas de frutas e flores, balaustradas povoadas de figuras caprichosas; caracóis, conchas e volutas cobrem muros e altares, lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista.

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Umas das características principais da escultura Maneirista é a Figura Serpentinata. Além de sua eficiência plástica, ela estava carregada de simbologia.

Concepção de que a beleza é abstrata, enquanto o ornamento é material, estabelecendo uma ligação entre a beleza e as imperfeições da matéria.

Proporções estranhas

Contorções extremadas

Exagerados alongamento dos músculos

Posições impossíveis

Benvenuto Cellini (1500-1571) – Cellini foi um importante escultor italiano, é considerado o maior ourives de sua época.

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A Última Ceia, Tintoretto. 1594 – Óleo sobre tela (365 x 568 cm) – Localização: San Giorgio Maggiore, Veneza

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Características:

Figuras com proporções alongadas; em posições dinâmicas; contorcidas

Cenas com grupos cheios de movimento e tensão

Aversão ao vazio (cena principal cercada por vários elementos decorativos)

Intensidade do drama

Referências literárias e citações visuais a outros autores

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Surgiu na Itália no século XVI, no período entre a Renascença e o Barroco (1520 a 1600).

Utilizou da arquitetura, escultura, artes plásticas, música e literatura, para apresentar uma arte mais perturbadora, exagerada e sofisticada.

Principais características do Maneirismo:

Estilização exagerada, oblíqua e assimétrica

Uso de Espirais, proporções, volumes e perspectivas intrigantes

Capricho nos detalhes (arte de labirintos)

Figuras alongadas, deformadas e/ou distorcidas

Fortes combinações de cores

Composições ambíguas, tensas, dramáticas, bizarras, perturbadoras

Aproximação com o Barroco e o Realismo

Ruptura com modelos clássicos (Estilo anti-renascentista)

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Artista neozelandês Owen Dippie produziu no Brooklyn, um mural estrelando os quatro pintores renascentistas Leonardo, Rafael, Michelangelo e Donatelo caracterizados como as Tartarugas Ninjas.

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Os Tartarugas Ninjas - A tríade de grandes mestres do renascimento  

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Os Tartarugas Ninjas - A tríade de grandes mestres do renascimento  

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No caso do seriado de TV das Tartarugas Ninja, o nome dos quatro protagonistas foram inspirados em grandes nomes do renascimento:

Leonardo da Vinci

Donatello

Michelangelo

Rafael

Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael são três dos principais nomes do movimento renascentista, mas essa não é a única coisa que os une. Todos também se destacaram em áreas além da pintura, além dos dois primeiros, serem referências e inspirações para as obras de Sanzio.

Inclusive muito das obras de Rafael em seu período florentino, são inspiradas nas de Da Vinci. Juntamente com isso, os três foram além da pintura, com Sanzio se destacando também em arquitetura (cuidou da construção da Basílica de São Pedro). Enquanto isso, Michelangelo foi arquiteto, escultor (admirador do já citado Donatello) e poeta.

Já Leonardo, tem uma vasta lista, que inclui: físico, químico, inventor, geógrafo, cartógrafo, escultor, anatomista, matemático, engenheiro, músico, poeta, escritor, etc. Anteriormente falamos de duas das mais famosas obras, respectivamente de Da Vinci e Michelangelo: Monalisa e Teto da Capela Sistina.

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A pintura renascentista, assim como outras áreas desenvolvidas nesse período, encontrou grande inspiração na Antiguidade Clássica, bem como apresentou novas técnicas e desenvolveu cientificamente os estudos da perspectiva através de princípios matemáticos. Nesse período, os artistas passaram a se interessar mais por cenários arquitetônicos, ilusionismo espacial e realismo anatômico, além da introdução de novos materiais e técnicas nas pinturas.

Uso da tela e da tinta à óleo.

Uso da técnica claro-escuro, a qual se define como pintar algumas áreas iluminadas e outras em sombras.

O realismo, pois os artistas não veem mais o homem como criação de Deus, mas como uma expressão maior que Deus.

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As principais características da arquitetura renascentista são:

Retomada dos modelos clássicos

Visão humanista e racionalista

Uso da matemática e da geometria

Busca da perfeição e da beleza

Preocupação com a proporção

Formas equilibradas e harmoniosas

Burca da simetria e da ordem

Estilo formal e individual

Temas religiosos, mitológicos e da natureza

Uso dos arcos, abóbodas, cúpulas e colunas

Predomínio das linhas horizontais

https://www.todamateria.com.br/arquitetura-renascentista/

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Seu desenvolvimento ocorreu na Itália, principalmente na região de Florença, além da Alemanha e região de Flandres.

Era baseada na filosofia da racionalidade, da dignidade do ser humano, no sistema feudalismo medieval e na igreja com muito rigor cientifico e ideal humanista.

A Europa neste periodo era movimentada pelos burgueses e sua civilização que se desenvolveu entre 1300 e 1650.

Contratavam os artistas que mais se destacavam para competir poder, criando seus palácios, edifícios, estátuas, igrejas, obras artísticas a domicílio e pinturas.

Houve muita reutilização das Artes Greco-Romanas.

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Hieronymus Bosch - Primeiros surrealismos.

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Hieronymus Bosch - Primeiros surrealismos.

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Jeroen van Aeken, conhecido pelo nome artístico de Hieronymus Bosch, foi um importante pintor holandês do Renascimento nascido em 1450, em Hertogenbosch.

Pintou aproximadamente quarenta obras com temáticas bem diferentes daquelas retratadas nas pinturas do Renascimento Cultural.

Bosch deu um grande destaque ao imaginário, retratando os medos, problemas psicológicos, criaturas imaginárias (humanos e animais) e cenas de horrores. As imagens simbólicas e surreais são frequentes em suas pinturas e é algo que mais me despertou o interesse.

Sendo católico mas negado pela igreja, suas pinturas tinham como objetivo esclarecer e orientar as pessoas sobre as tentações e caminhos errados apresentados pela vida mundana.

fonte: https://www.suapesquisa.com/pesquisa/bosch.htm#google_vignette

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Catedral de Notre Dame de Paris - Seus vitrais filtram a luminosidade para o interior da igreja

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Os vitrais estão para as catedrais góticas assim como os mosaicos estão para as basílicas bizantinas. Só que, enquanto os mosaicos criam um ambiente austero e solene, os vitrais, deixando passar a luz do sol pelos pequenos pedaços de vidro de cores diversas, criam um ambiente sereno e multicolorido.

A cor com a luz vazada pelas janelas dá-nos um efeito de renda e sugere uma sensação de fragilidade. Seus azuis intensos e vermelhos brilhantes projetam uma luz violeta sobre as pedras da construção, quebrando a sua aparência de dureza; porém, o seu ambiente frio e espaçoso, não nos deixam à vontade.

Presença da rosácea, uma grande janela redonda no portal central.

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O casal Arnolfini, Jan van Eyck, pintado em 1434

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A pintura gótica teve início na Itália. Só em fins do século XII o estilo gótico apareceu em pinturas e painéis de Florença e Siena.

Ele demonstrava mais realismo do que o encontrado na arte românica e na arte bizantina, caracterizando uma fuga da chamada maniera greca, que dominava a Itália, para um estilo mais real. Havia fascínio pela perspectiva e pela ilusão de criar espaços que pareciam reais, com figuras menos rígidas e estilizadas. Há também um interesse pela narrativa pictórica e uma espiritualidade intensificada.

A pintura pretendeu transmitir não apenas as cenas tradicionais que marcam a religião, mas a leveza e a pureza da religiosidade, com o objetivo de emocionar o expectador com maior naturalismo nos traços.

Nas novas iluminuras, como no Saltério de São Luís, verifica-se a preocupação com o enquadramento, muito parecido com o dos vitrais. Até o século XIII, a produção das iluminuras estava confinada aos mosteiros. Então, pouco a pouco, a produção é transferida para as oficinas urbanas, criando-se uma arte profana. Alguns membros dessa nova linhagem de iluminadores é conhecida, como o Mestre Honoré, que, em 1295, pintou as miniaturas do Livro das Horas, de Filipe, o Belo.

As drôleries são um traço característico da iluminura gótica setentrional. Seu repertório abrange uma vasta gama de motivos: a fantasia, a fábula, o humor grotesco, etc.

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Igreja de Duomo, Catedral em Milão, Itália

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As esculturas eram juntamente associadas a arquitetura das catedrais, com uma naturalidade um tanto diferente. Presentes em portais bem alongados, os baixos-relevos e as famosas Gárgulas e outros seres da mitologia.

Conhecida como a “arte das catedrais”, a arquitetura gótica foi criada na época marcada pelo teocentrismo, em que Deus era considerado o centro do mundo. Por causa disso, vem à mente igrejas, catedrais e mosteiros europeus.

Principais características:

Planta arquitetônica em formato de cruz latina

Catedrais muito altas

Torres pontiagudas e esguias

Grande iluminação interior

Uso de vitrais

Uso de paredes mais finas e leves

Grande ornamentação (rosacea)

Abóbodas de mervuras em cruzaria

Uso do arco ogival

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"A arte gótica, ou o estilo gótico, surgiu no norte de onde hoje se localiza a França, no século XII, e difundiu-se inicialmente como um estilo arquitetônico para diversas localidades da Europa até o século XV."

Os chamados Burgos eram cidades medievais fora da estrutura do feudalismo. Estas cidades eram algo entre um espaço urbano e um rural onde havia muita movimentação, produção de bens e recursos.

Crescimento no comércio feudal

Novos centros de poder

Igreja começa a financiar a arte mais oficialmente

Pode ser vista em pinturas, em objetos da arte sacra, em estatuas e vitrais, uma das principais características do movimento, que visava dar mais luz para as igrejas.

Curiosidade: O nome gótico dado inicialmente na verdade como ofensa, considerada como um estilo artístico monstruoso e bárbaro. Gótico possivelmente deriva de godos, povo bárbaro que invadiu o Império Romano no período de sua decadência.

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Chamamos iluminuras os ornamentos presentes nos livros e manuscritos efetuados com recurso a desenho, pintura e aplicação de folha metálica.

Esses ornamentos eram as letras iniciais do texto (letra capitular ou inicial) decoradas com símbolos religiosos e eram, na época medieval, executados essencialmente por monges.

Estavam tão bem desenhadas e cheias de detalhes que eram verdadeiras obras de arte, e elas próprias contavam histórias.

Os temas favoritos abordavam cenas bíblicas, os passos da paixão de Cristo, episódios da vida dos Santos e cenas mitológicas.

Originárias do Egito e do mundo muçulmano e hindu. Esta forma artística teve desenvolvimento nos mosteiros isolados irlandeses e ingleses que, a transmitiram ao resto da Europa.

Para além das imagens de sentido narrativo, era frequente o uso de elementos ornamentais, em forma de molduras ou de frisos, de caráter abstrato-geométrico ou vegetalista.

Profissão autonôma, executado por encomenda de famílias ricas, da nobreza ou dos próprios reis.

fonte: https://citaliarestauro.com/o-que-sao-iluminuras/

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Principais características presentes:

Afrescos estilizados em murais

Muito presente hierarquia de santos e imperadores

Manuscritos e ilustrações em livros

Deformações e colorismo com contraste

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Principais características:

Igrejas mais robustas

Plantas cruciforme

Abobra

Pilastras maçiças

Paredes expessas

Arcos

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Se passa entre a queda romana e a renascensa.

Periodo da Europa feudal.

Após a chegada de outros povos, se plantaram muitas incertezas nas religiões e nas culturas com a mistura de crenças pagãs com o cristianismo das igrejas, criando assim, um vácuo artístico.

Com o ínicio do Império Carolingio de Carlos Magna, houve esse retorno do interesse e estudo da arte, surgindo as primeiras universidades.

Se destacam principalmente a cerâmica românica, iluminoras românicas, manuscritos, fundição de sinos das igrejas, arquiteturas e artes menores.

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A antiga religião egípcia apresentava extrema relevância na vida cotidiana no Egito. Uma de suas características mais fortes era a crença na vida após a morte.

• Duas características muito importantes da religiosidade dos egípcios eram os conceitos maat e heka. O primeiro conceito definia a importância de viver uma vida correta, de forma a manter a existência harmônica no universo. O conceito de Heka estava relacionado à mágica e afirmava a importância dela tanto na criação do universo quanto na manifestação do poder dos deuses.

• Os deuses do panteão eram representados de três diferentes maneiras: antropomorfica (forma humana), zoomorfica (forma animal), antropozoomorfica (forma humana e animal ao mesmo tempo).

• Entre os principais deuses egípcios, podem ser destacados Hórus (céu), Rá (deus sol), Ísis (deusa da fertilidade), Anúbis (mumificação), Osíris (morte e ressureição), Maat (deusa da justiça), Bastet (deusa dos gatos e da fertilidade) e Seth (caos). Cada deus exercia uma função diferente, bem como possuía sacerdotes específicos responsáveis por sua adoração.

• Os egípcios acreditavam que a vida terrena era apenas uma etapa de uma jornada que continuaria e que, por isso, seria necessário levá-la da maneira mais justa possível. Os atos realizados em vida, inclusive, eram extremamente importantes, pois definiriam o destino de cada pessoa. Cada pessoa que morria teria suas ações julgadas em um tribunal presidido por Osíris. A crença egípcia afirmava que o coração seria pesado em uma balança com uma pena, e o resultado definiria o acesso ao paraíso.
Esse era um ato simbólico, uma vez que o coração representava as ações em vida de cada pessoa,, e a pena representava a justiça e era o símbolo da deusa Maat.

• Uma vez que a continuidade da vida estava condicionada a sua preservação na terra. Desse ponto de vista, era necessário que os corpos fossem cuidados, por isso os egípcios mumificavam seus mortos. Processo que demorava 70 dias e o melhor tratamento era restrito a nobreza.

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Mosaico na selagem da entrada do monastério de Kac, serbia

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• Os mosaicos eram feitos com pedras e vidros, muitas vezes com artes que cobriam paredes inteiras.
• Os Ícones eram peças privilegiadas dadas de presente, feitos sobre madeiras com detalhes dourados (foto do Arcanjo São Miguel na primeira publicação).
• Tinham frontalidade rígida para impressão de veneração ao personagem.
• Emitiam expressões de riqueza e poder.

Paleta de cores bizantina: azul ultramar, amarelo napoles, vermelho chinês, carmim, amarelo ocre, preto, branco e terra verde.

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• Muitas construções de igrejas, com colunas originadas dos gregos, cúpulas e arcos.
• Ouve uma evolução na estrutura dos arcos triunfos para os arcos cruzados, na intenção de sustentar melhor a estrutura alta da igreja.
• As igrejas passavam muito a sensação de grandiosidade pelo seu tamanho e como você se sentia pequeno diante a dimensão.

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Ícone Arcanjo Miguel (ouro e esmalte) de uma igreja da Constantinopla século X, Veneza, Tesouro de São Marco.

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• Foi mudada a capital do império romano de Roma para a Constantinopla devido as grandes exportações com o extremo oriente e comércios pela rota fácil entre o Mar Negro e o Mediterrâneo.
• Imperador Justiniano foi o mais importante.
• Arte era totalmente voltada ao cristianismo.
• Também foi a época da queda do oriente, igreja se solidando e se tornando potência principal, cruzadas, pragas, inquisiçoes e perseguições.

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Modesty
- Escultura de Antonio Corradini

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As esculturas gregas alcançaram uma perfeição nunca antes obtida, de modo que deixaram um legado e inspiram artistas até hoje. Elas se inspiraram nas esculturas egípcias e foram copiadas pelos romanos.

Conseguiram exibir o movimento, a beleza idealizada ou perfeita, bem como proporções equilibradas. Aos poucos, os braços pelo corpo ganharam algum movimento, enquanto os músculos sobressaíam das esculturas e outros detalhes se somavam, como os cabelos.

Muitas das peças que vemos hoje são cópias ou reformadas em gesso, a maioria foi saqueada e se perderam com o tempo de explorações.

O bronze era o material mais adequado para os gregos. Antes era utilizado o mármore, mas ele se rompia facilmente sobre seu próprio peso, dificultando a execução e comprometendo a durabilidade da peça.

• A Escultura de Zeus é considerada uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo.
• Escultura de Afrodite, em 340 a.C. - o primeiro nu feminino.

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• Afrescos e cerâmicas presentes fortemente.
• Na cerâmica tinha as pinturas negras, dando destaque as personas ou de fundo.
• Muitos padrões geométricos.
• Referência com a animação do filme Hércules. (foto destaque)

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• Baixos relevo dês do começo do período, com grande influência do Egito Antigo.
• Fizeram muitos templos, teatros, praças e edifícios públicos.
• Bastante estrutura com fronte, base, pilastras/ capteis e figas bem trabalhadas.
• Apenas sacerdotes podiam entrar nos templos.
•Os templos eram compostos em ordem por: estilobata, colunas, aquitrave, entabiamento, friso, cornija e frontão.

Ordens Arquitetônicas
• Dórica: passava bastante ar de severidade, presente em mais templos masculinos.
'Identificada pelo capitel de coluna mais básico dentre as três ordens, foi desenvolvida no período arcaico e chamada por Vitrúvio, principal arquiteto do período greco-romano, de “a ordem masculina”: A altura da coluna seria seis vezes o seu diâmetro, em referência ao pé masculino, que equivale a aproximadamente 1/6 da altura do homem.'
Ex: Partenon, templo mais conhecido da Grécia Antiga, erguido para a deusa Atena e localizado no topo da Acrópole, na cidade de Atenas.

• Jônica: é considerada uma ordem feminina, usada principalmente nos templos das deusas. Sua principal característica é o capitel com essas volutas características, que lembram as pontas enroladas de um pergaminho. Suas colunas se diferem das colunas dóricas pelo fuste mais esguio, efeito do diâmetro menor e uma base mais ornamental e decorada, colocada sobre a estilóbata.
Ex.: Erecteion, erguido em homenagem a Poseidon, Atena e Erecteu.

• Coríntia: A inspiração teria vindo de uma cesta oferecida ao tumulo de uma jovem. Dessa cesta cresciam folhas de acanto, que cobriam seu entorno e despendiam sobre a pedra que a fechava.  O elemento mais marcante da ordem coríntia são os capiteis com oito folhas de acanto, moldado na forma de um sino invertido. Sua coluna é a mais alta dentre as ordens, sendo a altura até dez vezes maior que o seu diâmetro e o fuste é formando por muitas estrias. Possui cornijas ricamente elaboradas, com relevos e elementos escultóricos.
Ex.: Templo de Zeus Olímpico ou Olimpeu é um dos maiores templos gregos já feitos.

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• Grande conexão entre Beleza e Virtude
• Eram politeístas, vários deuses da mitologia grega
• Também muito ligados ao filosofia e a arte no geral aperfeiçoada.
• Livros de Eliada e Odisseia por Homero
• Criadores das Olimpíadas

• Período Arcaico:  Presente várias esculturas masculinas em mármore nus, começaram a se inspirar nos egípcios nos baixos relevos também

• Período Clássico:  Conhecido como Idade de Ouro ou Século de Péricles, homem importante que reconstruiu a cidade de Atenas, foi o pai da arte que investiu muito em esculturas, teatro, pintura e esportes.

• Periodo Helenístico :   Nas esculturas começaram a surgir o nú feminino com a evolução nos movimentos e nos tecidos mais detalhados. Também faziam mais figuras de grupos com intuito de contar histórias e guerras, o maior desejo era que essas esculturas tinham que ficar perfeitas em todos os ângulos.
Onde começou o início da Guerra de Troia.

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• Lei de frontalidade
• Ausência de profundidade
• Mulheres eram pintadas em ocre e homens em vermelho
• Hierarquia no tamanho na hora das pinturas do mais importante ao mais inferior
• Já faziam os capiteis - flor de lótus nas lacunas

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• Seguiam regras da religião
• Passava sensação de imortalidade, força da majestade
• Bem coladas a arquitetura
• Bauxos relevos em pedras e ouro em paredes

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• Solidez e durabilidade
• Sentimento de eternidade
• Aspectos misteriosos e impenetrável
• Tumulo e pirâmides
• Pirâmides de Gizê (esfinge)

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• Marcadas pelos Templos de Luxor e Karnak que passavam a sensação na construção histórica de eternidade.

• Já no novo império, não construiam mais pirâmides, eram muito de alto custo e frequentemente saqueadas.
• Foi alterada a religião politeísta para monoteísta por Aquenaton, esposo de Nerfetti, também representante do deus sol

• Época Tardia - última vez que o Egito foi governada por um egípcio de sangue.
• Época Greco Romana - fase da Cleópatra viva - casou-se com Marco Aurélio como aliança de povos, após sua morte, após sua morte, romanos finalmente dominaram todo o Egito.

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O começo de tudo - Antigo e Médio Império 

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O começo de tudo - Antigo e Médio Império 

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• Dividida em Antigo Império, Médio Império e Novo Império

• Durou 3.000 anos no total

• Os primeiros túmulos começaram com pilhas de terra -> Amastaba -> Pirâmides.

• No antigo pro médio Império, tinham as Pirâmides escalonas e normais eram muito caras , também faziam vários templos solares.
• No fim da V dinastia começaram a realizar a construção de templos com escritas dentro

• Uma característica interessante sobre os períodos de transições entre os impérios é formado por outros povos que invadiam seu território e depois eram retomados novamente.

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Foto de arte buda que achei muito lindo, no texto falava sobre ter varias das características da época Mesopotâmia mesmo sendo de uma área do ocidente

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Terra entre Nós

• Características principais envolvem Rio Eufrates e Tigre.
• Assírios ( V a.c ) e Babilônicos
• Muito forte a estética das arquiteturas, esculturas e cerâmicas com foco nos rituais das religiões.
• Conseguiam muita materia prima (argila) próximo aos rios principais

• Zigurates foi uma construção Sacra para chamar os deus (Anunakis)
•Escritas Cuneiforme / Código de Hamurabi

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Algo que achei interessante sobre os períodos é a representação feminina em principal que era realizada por esculturas num período em que não tinha muitas figuras humanas na pintura rupestre.

Chamadas de esculturas de "Vênus" na verdade acredito que a corpulência representaria um elevado estatuto social numa sociedade caçadora- coletora e que, além da óbvia referência à fertilidade, a imagem poderia ser também um símbolo de segurança, de sucesso e de bem-estar, cultuada primordialmente como Mãe Terra (A Grande Mãe), muito utilizada nas crenças Wiccas de hoje.

"Acredita-se que presença da representação feminina se dá em razão da crença de que as pequenas estatuetas femininas seriam amuletos relacionados com o culto à fertilidade, fator decisivo para a sobrevivência do grupo"

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Do Paleolítico a Idade dos Metais (Resumo)

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Do Paleolítico a Idade dos Metais (Resumo)

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• No período Paleolítico  surgiram pinturas rupestres de animais como forma de ritual para as caças com intuito de serem bem sucedidas. Não haviam ainda representações de homens além de esculturas de mulheres (Vênus).

• Entrando no período Neolítico  começaram a aparecer representações humanas, conhecido como era da pedra polida, contavam mais histórias de suas civilizações.

• Na idade dos Metais  faziam mais moldagens com o ferro e cobre, na criação de ferramentas, armaduras e armas para caça. Foi onde começaram as guerras entre os povos.