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Introducción al violín

El violín surgió en Italia a comienzos del Siglo XVI. Parece haber evolucionado a partir de dos instrumentos de cuerda frotada: la fídula, también denominada viella y rebec, y la lira da braccio (instrumento como el violín con bordones separados del diapasón). También relacionado con el violín pero no un antecedente directo, es la viola da gamba, instrumento de seis cuerdas con trastes que apareció en Europa. Toma con nosotros un curso que te ayudara aprender las bases para que te vuelvas un experto en este instrumento. Chécalo aquí.

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El violín surgió en Italia a comienzos del Siglo XVI. Parece haber evolucionado a partir de dos instrumentos de cuerda frotada: la fídula, también denominada viella y rebec, y la lira da braccio (instrumento como el violín con bordones separados del diapasón).

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Por Javier Rodríguez . .

Hoy vamos a hablar de intervalos musicales.

Puede que hayas escuchado alguna vez frases del tipo: "Entre las notas de esta melodía de guitarra hay un intervalo de séptima disminuida". O "este acorde está formado por un intervalo de 3ª M y otro de 5ª J". En ambas frases estamos hablando de intervalos musicales.

Vamos a ver qué significa todo esto comenzando por la definición de intervalo.

Un intervalo es la diferencia de altura entre dos sonidos. Esta definición incluye tanto a los sonidos que suenan simultáneamente (​ej: acordes) como a los que lo hacen de forma sucesiva (melodías, etc...).

Bien. Ahora surge una pregunta.... ¿Cómo medimos ésta diferencia de altura? Es decir, ¿cómo se mide un intervalo?

Una respuesta podría ser: contando los tonos y semitonos que existen entre las dos notas que forman el intervalo. Posteriormente veremos que existe otra manera más común de nombrar a los intervalos, aunque para comprenderla, tenemos que pasar por aquí.

Esto nos lleva a la siguiente pregunta: ¿Qué es un tono? ¿ Y un semitono?

Las distancias normales entre dos notas, en escalas occidentales, son dos: tono y semitono.

El semitono es la distancia mínima entre dos notas. En un piano, es la distancia que existe entre una tecla blanca y la tecla negra inmediatamente superior (o inferior). En una guitarra, es la distancia entre un traste y el siguiente (o entre la cuerda al aire y el primer traste).

Existen dos tipos de semitonos:

· Semitono cromático: Las dos notas que forman el intervalo de semitono tienen el mismo nombre.

· Semitono diatónico: Las dos notas que forman el intervalo de semitono tienen nombres distintos

¿Has notado que suenan igual? Esto es porque la diferencia entre semitono diatónico y cromático no es sonora, sino de escritura. Si te fijas la distancia es la misma (1 semitono entre Do y Do#, 1 semitono entre Do y Reb).

Nota: Si aún no tienes claros los nombres de las notas, te recomiendo que te descargues el e-book gratuito (apuntándote a nuestra lista de correo) antes de continuar leyendo este artículo. Te aclaro 3 conceptos fundamentales para comenzar a leer música (nota, pentagrama y clave, relacionando todo entre sí). Te vendrá genial!

1 Tono = 2 Semitonos.

Si tomamos como base las notas naturales (que forman la escala de Do Mayor) las distancias entre las notas son las siguientes:

Observa el teclado. La distancia entre las notas Do y Re es de un tono, mientras que entre Mi y Fa tan solo hay un semitono de diferencia. Puesto que en el sistema temperado de la música occidental, las notas están separadas por semitonos, significa que entre las notas Do y Re se sitúa una nota intermedia.

En el piano se ve claramente, puesto que son las teclas negras que se sitúan en la parte superior del teclado, entre dos teclas adyacentes. Si te fijas bien, cada nota que está separada por un tono de la siguiente, tiene una tecla negra situada entre las dos.

Llegamos a la parte importante de la entrada de hoy.

Normalmente un intervalo no se nombra según los tonos y semitonos que tenga (aunque sea una forma válida), sino que se sigue un orden numérico, dependiendo de las notas de distancia que existen entre ambos sonidos (con notas me estoy refiriendo a las 7 notas naturales Do-Re-Mi-Fa-Sol-La-Si, en oposición a los 12 semitonos que existen entre dichas notas).

La numeración de un intervalo se realiza contando el número de notas que abarca (incluyendo las notas que forman dicho intervalo).

En el ejemplo anterior observamos cómo en el intervalo SOL-MI hay 6 notas de distancia, luego el intervalo será de 6ª. La cifra se emplea normalmente como ordinal femenino (por ejemplo: entre Do y Sol hay una quinta o 5ª, entre Re y Fa una tercera o 3ª, etc...).

Estas notas pueden estar o no alteradas (si aún no sabes lo que es una alteración, visita éste post donde te lo explico). Ahora bien, como las notas de las que partimos para numerar el intervalo pueden estar alteradas, realmente con el número no sabemos exactamente el número de tonos y semitonos que existe entre el intervalo.

Por ejemplo, entre Do y Mi existe una 3ª y la distancia es de 2 tonos, mientras que entre Do y Mi bemol también existiría una 3ª y sin embargo el intervalo real sería de 1 tono y 1 semitono.

Por lo tanto, aún no tenemos todo el trabajo hecho. Necesitamos calificar los intervalos de alguna forma que nos permita distinguir unívocamente un intervalo del resto.

Te presento la solución...

Para completar la numeración se añade un calificativo de dicho intervalo, que puede ser: Mayor, Menor, Justo, Aumentado o Disminuido.

Primera aclaración: Los calificativos "mayor" y "menor" tan sólo se emplean en segundas (2ª), terceras (3ª), sextas (6ª) y séptimas (7ª), mientras que el calificativo "justo" tan sólo puede ser empleado en cuartas (4ª), quintas (5ª) y octavas (8ª).

Intervalos Mayores -M-, Menores -m- y Justos -J-

Observa la escala de Do natural:

A partir de aquí, podemos deducir que:

· 2ª Mayor = 1 Tono

· 3ª Mayor = 2 Tonos

· 4ª Justa = 2 Tonos + 1 Semitono

· 5ª Justa = 3 Tonos + 1 Semitono

· 6ª Mayor = 4 Tonos + 1 Semitono

· 7ª Mayor = 5 Tonos + 1 Semitono

· 8ª Justa = 6 Tonos

Si tomamos las notas naturales desde MI obtenemos los intervalos menores y justos:

· 2ª menor = 1 Semitono

· 3ª menor = 1 Tono + 1 Semitono

· 4ª Justa = 2 Tonos + 1 Semitono (igual que desde Do)

· 5ª Justa = 3 Tonos + 1 Semitono (igual que desde Do)

· 6ª menor = 4 Tonos

· 7ª menor = 5 Tonos

· 8ª Justa = 6 Tonos (igual que desde Do)

Intervalos Aumentados y Disminuidos

Por último, para los calificativos "aumentado" y "disminuido", has de saber que se pueden emplear en cualquier intervalo, de la siguiente forma:

· Los intervalos aumentados tienen un semitono más que su respectivo intervalo Mayor (o Justo).

Fíjate en el ejemplo anterior. Se puede conseguir un intervalo aumentado a partir de uno justo (o mayor) de dos formas: aumentando en un semitono la nota superior (como en el primer ejemplo) o disminuyendo la nota inferior en un semitono (como en el segundo ejemplo, convirtiendo el Mi en Mi bemol). Con las dos opciones conseguimos que el intervalo se amplíe un semitono.

· Los intervalos disminuidos tienen un semitono menos que su respectivo intervalo Menor (o Justo).

Este caso es justamente contrario al intervalo aumentado. Para crear un intervalo disminuido a partir de uno menor (o justo) debemos reducir el intervalo en un semitono. Como hemos visto, se podría hacer reduciendo en un semitono la nota superior (Sol -> Sol bemol) o aumentando en un semitono la nota inferior (Fa -> Fa #).

Tabla de intervalos

Ya hemos visto cómo podemos nombrar cualquier intervalo (que esté dentro de una octava). Aunque puede que te parezca complicado tener que recurrir a las escalas naturales de Do y/o Mi para poder nombrar correctamente cualquier intervalo.

Es normal.

Por eso existe una mejor opción para poder recordar los intervalos de una forma más eficaz (y relacionarlos todos de paso).

Ésta es, sin duda, la parte más importante del artículo de hoy.

Si te fijas, puedes ver que todos los intervalos menores tienen un semitono menos que sus respectivos mayores (por ejemplo, una 3ª Mayor tiene 2 Tonos mientras que una 3ª menor tiene 1 tono y 1 semitono).

Por tanto, el esquema que se sigue para calificar un intervalo es el siguiente:

Si calculamos las distancias que existen (en tonos y semitonos) para cada tipo de intervalo (ya numerado y calificado) obtendremos una tabla como ésta (que resume todo lo explicado anteriormente):

En esta tabla se resumen las distancias que existen desde la nota DO hasta cualquier otra (dentro del ámbito de una 8ª).

Algunos de estos intervalos tienen nombres muy comunes, como el caso del "tritono", que se correspondería con un intervalo de 4ª aumentada, o 5ª disminuida (3 tonos de distancia, tri-tono, ok? :D). También es muy común hablar de "una 8ª" en lugar de "una 8ª Justa", ya que suele ser la más empleada (en lugar de una 8ª aumentada o disminuida). Lo mismo ocurre con los intervalos de 4ª y 5ª, o algunos de los que vamos a ver a continuación.

Casos especiales

Se denomina unísono a dos notas de igual nombre y sonido.

Por ejemplo, en el comienzo de la 5ª sinfonía de Beethoven, se dan varios unísonos al comienzo de la obra:

El unísono en sí no constituye un intervalo, ya que no existe distancia entre las notas.

Una enarmonía se produce entre dos notas que tienen el mismo sonido y escritura diferente. Puesto que no existe distancia entre dos notas enarmónicas, no se considera un intervalo.

Por ejemplo, Sol sostenido y La bemol son enarmónicas (se refieren a la misma altura de sonido).

Observemos la tabla de intervalos que te he presentado justo arriba detenidamente. Tomemos una distancia cualquiera, por ejemplo, 5 tonos. Como puedes ver, existen dos posibles intervalos que tienen esta amplitud: una 6ª aumentada y una 7ª menor.

¿Cómo podemos saber de qué intervalo se trata?

· Si el intervalo es Do - La #, estaríamos hablando de una 6ª aumentada (ya que desde Do hasta La existen 6 notas de distancia)

· Si el intervalo es Do - Si b, estaríamos hablando de una 7ª menor (ya que desde Do hasta Si existen 7 notas de distancia)

Aunque ahora mismo nos quede un poco lejos, me gustaría explicarte algo más sobre las enarmonías. Cuando yo empecé a estudiarlas no comprendía exactamente por qué la misma altura podía llamarse de dos formas distintas. ¿Por qué no solo una?

Comprenderás la respuesta a esta pregunta cuando veamos el concepto de tonalidad, ya que una enarmonía nos puede servir para enlazar dos secciones en tonalidades aparentemente muy distintas, simplemente sustituyendo una nota por su enarmónica.

El intervalo de 1ª se da entre notas del mismo nombre. Empieza a existir en forma de 1ª aumentada y es equivalente a un semitono cromático.

Una segunda disminuida no constituye un intervalo, ya que no existe distancia entre las notas. Se corresponde, por tanto, con una enarmonía.

Los intervalos ascendentes se producen entre dos sonidos sucesivos, cuando el segundo es más agudo que el primero.

Cuando el segundo sonido es más grave, el intervalo es descendente.

Un intervalo es conjunto si sus sonidos (con o sin alteraciones) ocupan grados inmediatos (Sol-La, Si-Do, Fa-Mi, ,etc..). Es decir, cuando son intervalos de segunda.

Son disjuntos cuando no se sigue el orden sucesivo (existe un "salto"). Aquí se encuentran los intervalos de 3ª, 4ª, 5ª, etc...

Los intervalos melódicos se dan entre dos sonidos sucesivos (uno después de otro, como en una melodía).

Son armónicos cuando los sonidos suenan a la vez (simultáneamente). Además, si son armónicos, se cuentan desde la nota inferior a la superior (de abajo a arriba en la partitura).

Los intervalos simples son aquellos que se sitúan dentro del ámbito de una octava justa (8ª J).

Los intervalos compuestos tienen una amplitud superior a una 8ª justa.

Se califican igual que su intervalo simple asociado.

Ok pero... ¿Qué intervalo simple es el asociado de uno compuesto?

Para saberlo, debemos reducir la distancia (eliminando octavas) hasta que la extensión del intervalo quede dentro del ámbito de una 8ª. Esto puede realizarse bien subiendo la nota inferior de octava en octava, bien descendiendo la nota superior.

Por ejemplo, el intervalo simple que se corresponde con un intervalo de 10ª m sería una 3ª m:

Escucha los siguientes intervalos:

Suenan bien, ¿no? Estos tres intervalos tienen una consonancia perfecta.

Ahora escucha estos otros:

Lo normal es que también te suenen agradables, aunque algo menos "claros" que los anteriores, ¿cierto?

Bien, entre estos intervalos se produce una consonancia imperfecta.

Estos intervalos que te presento ahora puede que te resulten más chocantes:

Entre estos intervalos se produce una disonancia perfecta.

Por último, existen 2 intervalos que tienen una sensación auditiva algo imprecisa (ni consonancia ni disonancia). Son la 4ª aumentada y su inversión, la 5ª disminuida. Ambos intervalos tienen la misma extensión (3 tonos, Do-Fa# y Do-Solb, por ejemplo). Entre estos intervalos se produce lo que se denomina una semiconsonancia.

Invertir un intervalo es convertir la nota inferior en la superior, y viceversa (la nota superior pasa a ser la nota inferior).

¿Cómo se realiza la inversión?

Elevando una 8ª la nota inferior del intervalo, o disminuyendo una 8ª la nota superior. De esta forma, un intervalo como Do-Mi pasaría a ser Mi-Do, por ejemplo.

Para recordar la inversión de un intervalo, te dejo estos dos trucos que te servirán muy mucho:

Truco 1: Un intervalo y su inversión siempre suman numéricamente una 9ª. Quiere decir que una 2ª se convertirá en una 7ª, una 3ª en una 6ª, una 4ª en una 5ª, una 5ª en una 4ª, etc... La inversión de una 8ª sería el unísono.

Truco 2: La calificación de un intervalo y su inversión son: m -> M (si un intervalo es menor, su inversión es mayor), M->m, J->J, aum-> dism, dism-> aum.

Aquí van algunos ejemplos:

· 3ª M -> 6ª m (3+6=9, M->m)

· 4ª J -> 5ª J (4+5=9, J->J)

· 2ª aum -> 7ª dism (2+7=9, aum->dism)

Bien, ¿no? Simplemente con los dos trucos anteriores ya ​sabrías cómo invertir cualquier intervalo.

Aunque ​hablo de los acordes más detenidamente en otros artículos (como este), he querido incluir el apartado ya que he visto muchas dudas (en distintos blogs y foros de la red, alumnos, etc...) acerca de la relación entre intervalos y acordes.

Voy a explicar la relación ejemplificándolo con dos de los acordes tríada (3 notas) más comunes: el acorde perfecto mayor y perfecto menor.

Acorde Perfecto Mayor

A continuación vas a escuchar el acorde de Do Perfecto Mayor (Do PM = Do-Mi-Sol). Cuando se escucha un acorde de 3 notas, podemos establecer hasta 3 intervalos armónicos distintos que se producen simultáneamente. En este caso los intervalos serían:

· Nota inferior - nota intermedia: En Do PM, este intervalo se formaría entre la fundamental y la 3ª (3ªM)

· Nota inferior - nota superior: En Do PM, este intervalo se formaría entre la fundamental y la 5ª (5ª J)

· Nota intermedia - nota superior: En Do PM, este intervalo se forma entre la 3ª y la 5ª (3ª m)

Acorde Perfecto menor

· ​Nota inferior - nota intermedia: En Do Pm, este intervalo se formaría entre la fundamental y la 3ª (3ªm)

· Nota inferior - nota superior: En Do Pm, este intervalo se formaría entre la fundamental y la 5ª (5ª J)
​
· Nota intermedia - nota superior: En Do Pm, este intervalo se forma entre la 3ª y la 5ª (3ª M)

Normalmente cuando hablamos de los intervalos que se producen dentro de un acorde, se hace referencia a los que se producen con la nota inferior (los dos primeros que te he presentado en cada caso), de forma que podrás ver escrito cosas como:

· Acorde PM: 3ª M + 5ª J

· Acorde Pm: 3ªm + 5ª J

Es una buena forma de recordar los intervalos que se forman en un acorde, ya que el último intervalo que hemos visto puede deducirse a partir del primero. Por ejemplo, en los dos acordes que te he presentado, si la primera 3ª es mayor, la segunda 3ª (la que está por encima) es menor (ya que tiene que "ocupar" el espacio que resta hasta una 5ª Justa). Y viceversa: si la primera 3ª es menor, la segunda es mayor.

Por lo tanto, un buen truco para distinguir un acorde perfecto mayor de uno perfecto menor es, simplemente, mirar la primera 3ª (bajo - nota intermedia): si es menor, el acorde es perfecto menor; si es mayor, el acorde será perfecto mayor.

Por último, los casos que te he presentado se corresponden con acordes de 3 notas. En este tipo de acordes, sean cuales sean las notas que estemos empleando, siempre se formarán 3 intervalos. Ahora bien:

¿Y si el acorde tiene 4 notas?

En este punto la cosa se complica bastante, ya que pasaríamos de tres intervalos (en acordes de 3 notas) a seis. Por ejemplo:

Nuevamente, no es necesario que te aprendas todos los intervalos de memoria ni nada parecido. Normalmente los intervalos que suelen nombrarse son los 3 primeros (de nuevo, los que se forman con la nota inferior).

¿Y si el acorde tiene más de 4 notas?

Te podrás hacer una idea de que el número de intervalos que se forman pasa a ser un rompecabezas (¿10? ¡¿15 intervalos?!)

De hecho, poniéndonos un poco en plan científico, los intervalos que se forman en un acorde serían las posibles combinaciones dos a dos entre N elementos (siendo N el número de notas que hay en el acorde), con lo que podríamos hallar el nº de intervalos de un acorde con cualquier nº de notas mediante la siguiente fórmula:

Por ejemplo, para el caso de acordes de 5 y 6 notas, respectivamente, el número de intervalos que se formarían serían:
​Las distancias entre las notas de una escala son fijas.
Pero bueno, quiero decirte que este asunto es más bien anecdótico de momento, ya que cuando te hable de las tonalidades, acordes, etc... comprobarás que con los acordes de 3 y 4 notas tendrás mucho ganado. Quería mostrarte esta parte solamente para que observes la complejidad que puede haber encerrada en 1 acorde como el siguiente:

Da igual la nota por la que empecemos a construirla, que siempre tendremos que seguir el mismo orden de intervalos.

Por ejemplo, en una escala mayor, las distancias entre una nota y la siguiente son: T - T - ST- T - T - T - ST.

Escribiendo las distancias como intervalo: 2ªM - 2ªM - 2ªm - 2ªM - 2ªM - 2ªM - 2ªm.

Además de estos intervalos, l​os que se dan entre la fundamental (primera nota) y el resto, tampoco varían.

Continuando con el ejemplo de una escala mayor, serían: 2ªM - 3ªM - 4ªJ - 5ªJ - 6ªM - 7ªM - 8ªJ.

​Te lo ejemplifico con la escala de Do Mayor en el siguiente apartado.

Escala Mayor

A continuación te presento la escala de Do Mayor, señalando las distancias que existen entre cada nota.

A partir de aquí, contando los tonos y semitonos, podemos hallar los intervalos que existen con la primera nota (DO):

Escala Menor

En las escalas menores, las distancias entre cada nota son las siguientes:

A partir de aquí, contando los tonos y semitonos (igual que antes):

Si has observado bien, las únicas diferencias entre las escalas de Do Mayor y Do menor son los intervalos de 3ª, 6ª y 7ª:

Vamos a ver un intervalo cualquiera, por ejemplo:

¿Qué podemos decir?

Puesto que las notas son Do y Sol, estamos hablando de un intervalo de 5ª (Do-Re-Mi-Fa-Sol, 5 notas de distancia). Ahora bien, como hemos visto, en escalas naturales, la 5ª que se forma es Justa, pero aquí el Sol aparece con un sostenido, luego realmente el intervalo tendría un semitono más. Por tanto se trata de un intervalo de 5ª aumentada.

Ésta es la forma de pensar que me gustaría que se te quedase de aquí al futuro: comparar cualquier intervalo con lo que sería lo normal en una escala natural (ya sea Mayor o menor, como veremos más adelante), y ver si tiene la misma amplitud o no. Si es así, el intervalo será mayor, menor o justo; si no, aumentado o disminuido.
¡Y esto es todo por hoy!
También puedes ver que se trata de un intervalo ascendente (la 2ª nota es más aguda), simple (está dentro de una octava), melódico (primero suena una nota, después otra) y disjunto (es un salto, no es una 2ª ). Por último, el intervalo se corresponde con una semiconsonancia.

Espero que después de leer esta guía sientas que has aprendido bastante. ¡Es mi intención!

Si te ha gustado esta guía, te la regalamos en formato e-book (como pdf) junto con otros 3 documentos que seguro te ayudarán en tu camino:

Te va a venir genial para comenzar a aprender acordes, por ejemplo.

También para las escalas y tonalidades. Por último, todos los ejemplos de este artículo están escritos con redondas. Si aún no tienes clara la diferencia entre una blanca y una negra, o entre una negra y una corchea, te recomiendo que te pases por éste artículo.

Si te ha surgido cualquier duda escribe en los comentarios e intentaré ayudarte. Por otra parte, si te ha gustado el artículo y crees que puede ser de interés, ¡compártelo con quién quieras!

¡Muchas gracias por tu atención!

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Intervalos musicales: Guía paso a paso con todo lo que necesitas saber

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Por Javier Rodríguez . . Hoy vamos a hablar de intervalos musicales. Puede que hayas escuchado alguna vez frases del tipo: "Entre las notas de esta melodía de guitarra hay un intervalo de séptima disminuida". O "este acorde está formado por un intervalo de 3ª M y otro de 5ª J".

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Este aviso fue puesto el 27 de mayo de 2017.

El violín (del italiano violino, diminutivo de viola) es un instrumento de cuerda. Quien lo toca recibe el nombre de violinista.

De la familia de las cuerdas frotadas, es el más pequeño y agudo entre los de su clase, que se compone de una caja de resonancia en forma de 8, un mástil sin trastes y cuatro cuerdas que se hacen sonar con un arco.​

También puede haber violines de metal que son como uno de madera pero el de metal no tiene un fondo.

En los violines antiguos, las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser también de metal o de tripa entorchada con aluminio, plata o acero; la cuerda en mi, la más aguda ―llamada cantino― es directamente un hilo de acero, y, ocasionalmente, de oro. En la actualidad se están fabricando cuerdas de materiales sintéticos que tienden a reunir la sonoridad lograda por la flexibilidad de la tripa y la resistencia de los metales.​ Además del efecto logrado por el arco sobre las cuerdas, se pueden conseguir otros: pizzicato (pellizcando las cuerdas como en el arpa o la guitarra, pero con otra posición), trémolo (moviendo el arco arriba y abajo muy rápido), vibrato (oscilando ligeramente los dedos sobre las cuerdas), glissando (deslizando los dedos de una posición a otra), col legno (tocando con la parte de madera del arco), sul ponticello (tocando cerca del puente), sul tasto (tocando sobre el diapasón), etcétera.​

Las partituras de música para violín usan siempre la clave de sol, llamada antiguamente "clave de violín".

La palabra "violín" proviene de violino, una palabra italiana que empezó a usarse en 1537 y que significa "viola pequeña".​​ La palabra italiana se inspira en el término francés vyollon, que fue usado por primera vez en 1529 para designarle un nombre a la familia de cuerdas.​​ El término empezó a expandirse como "violín" a finales del siglo XVI.​ La palabra "violín" se utilizó por primera vez en inglés en 1570.​

Las cuerdas se afinan por intervalos de quintas:

El número está indicado de acuerdo con el índice acústico internacional, según el cual el do central es un do₄. Este índice se utiliza en todo el mundo occidental excepto México ( la 440→la ₅) y los países regidos por el índice acústico franco-belga (la 440→la ₃).

La cuerda de sonoridad más grave es la de , y luego le siguen, en orden creciente, el , y ​.En el violín la primera cuerda en ser afinada es la del la; esta se afina comúnmente a una frecuencia de 440 Hz, utilizando como referencia un diapasón clásico de metal ahorquillado o, desde finales del siglo XX, un diapasón electrónico.​ El diapasón ha tendido a subir en los últimos años y se sitúa más comúnmente en los 442 Hz en la actualidad.​

El cuerpo del violín posee una forma abombada, con silueta estilizada determinada por una curvatura superior e inferior con un estrechamiento a la cintura en forma de C. Las tapas del violín se modelan con suaves curvas que proporcionan la característica de abovedado. Los aros, que van alrededor del violín dando la silueta, son de poca altura, el mástil posee cierto ángulo de inclinación hacia atrás respecto al eje vertical, longitudinal y se remata por un caracol llamado colocho o voluta. La estructura interna del violín la constituyen dos elementos fundamentales en la producción sonora del instrumento dados por la barra armónica y el alma. La barra armónica corre a lo largo de la tapa justo debajo de las cuerdas graves y el alma está ubicada justo debajo del pie derecho del puente donde se ubican las cuerdas agudas.

El arco es una vara estrecha, de curva suave y construida idóneamente en la dura madera del palo brasil o "de Pernambuco" (Paubrasilia echinata), de unos 77 cm de largo, con una cinta de 70 cm constituida por entre 100 y 120 (con un peso de unos 60 gramos según longitud y calibre) crines de cola de caballo, siendo las de mejor calidad las llamadas "Mongolia", que provienen de climas fríos donde el pelo es más fino y resistente. Tal cinta va desde una punta a la otra del arco. Para que las cuerdas vibren y suenen de un modo eficiente, la cinta de cola de caballo del arco debe ser frotada adecuada y regularmente con una resina llamada colofonia (en España se llama " perrubia", de pez rubia). También, actualmente ―muchas veces para abaratar costos―, la crin blanqueada de caballo es sustituida por fibras vinílicas. El arco del violín tiene en la parte por la que es tomado un sistema de tornillo que al hacer desplazar la pieza por la cual se aferra un extremo de la cinta de crin hace que se tense o se distienda.

Los violines se clasifican de acuerdo con su tamaño: el 4/4 ―cuya longitud suele ser de 14 pulgadas o 35,5 cm y su ancho máximo de 20 cm, y un alto de 4,5 cm― es el más grande y es el utilizado por los adultos; le siguen violines de tamaño menor, destinados a jóvenes y niños, denominados 3/4, 2/4 y 1/4. Existe también un violín de tamaño 7/8, llamado también "Lady", que es utilizado por algunas mujeres o por varones adultos de manos pequeñas. El tamaño del violín va de acuerdo al tamaño (longitud) de la mano.

La genealogía que lleva al violín actual es más compleja. Se encuentra en el frotamiento de las cuerdas del laúd y el ―y su versión europea, el rabel―, instrumentos difundidos en la Europa mediterránea durante la expansión medieval de la cultura árabe. En Italia, a partir de la lira bizantina o el rebab, surgen los antecedentes más evidentes, tanto del violín como de la llamada viola da gamba; son tales precedentes la viola de arco (nombre que se utilizaba para todo instrumento de cuerda frotada con arco, como el rebeco rabel, y que también recibe las denominaciones de viela, vihuela, vihuela de arco, fídula y giga) y la lira o viola da braccio, está ya muy semejante a un violín o viola primitivos, aunque con el diapasón separando los bordones. Es en el siglo XVI que aparece el violín propiamente dicho, aunque con algunas diferencias respecto a la mayoría de los violines que se vienen fabricando desde el siglo XIX. La tapa superior y las tablas laterales se hacen de madera blanda, mientras que la tapa inferior se hace de madera dura. En el norte de Italia la ciudad de Cremona se hallaba entre un bosque de abetos (madera blanda) y uno de arce (madera dura), por lo que estas maderas eran las usadas por los grandes maestros violeros. El arco ha sufrido muchas modificaciones. El modelo actual data del siglo XIX, cuando François Tourte le dio una curvatura cóncava, que en los modelos más primitivos era convexa, como la del arco de cacería.​

Genealogía del violín según la Enciclopedia Británica (vol. 7, pág. 514, 11.ª ed., 1911).

Aunque en el siglo XVII el violín ( violino) se encontraba bastante difundido en Italia, carecía de todo prestigio (el laúd, la vihuela, la viela, la viola da gamba, la guitarra, la mandolina eran mucho más considerados). Sin embargo, Claudio Monteverdi es uno de los que descubren la posibilidad de las calidades sonoras del violín, y es por ello que lo usa para complementar las voces corales en su ópera ( 1607). Desde entonces el prestigio del violín comienza a crecer. Hacia esa época comienzan a hacerse conocidos ciertos fabricantes de violines (llamados aún luteros o lauderos, o -más frecuentemente que violeros- ya que inicialmente se dedicaron a la fabricación de laúdes). Así se hacen conocidos Gasparo Bertolotti de Saló, o Giovanni Maggini de Brescia, o Jakob Steiner de Viena; sin embargo, una ciudad se hará celebérrima por sus lauderos especializados en la confección de violines: Cremona. En efecto, de Cremona son los justamente afamados Andrea Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari (sus apellidos suelen ser más conocidos en su forma latinizada: , Guarnerius, Stradivarius) y el mismísimo Claudio Monteverdi. Durante el siglo XIX se destacaron François Lupot y Nicolas Lupot. Es a partir de entonces, y sobre todo con el barroco, que se inicia la Edad de Oro (al parecer de allí en más perpetua) del violín.

Desde entonces el violín se ha difundido por todo el mundo, encontrándose incluso como "instrumento tradicional" en muchos países no europeos, desde América hasta Asia. El violín es un instrumento protagonista en las orquestas, grupos de cámara etc. Especial atención ha recibido en la música árabe, en la que el ejecutante lo toca apoyado en la rodilla cual si fuera un chelo, y en la música celta irlandesa, donde el instrumento recibe el nombre de fiddle (derivado del italiano fidula), y sus músicas derivadas como, en cierto grado, el .

En cuanto al secreto de la sonoridad típica de los violines realizados por las familias Stradivarius y Guarneri, existen hoy diversas hipótesis que, más bien que excluirse, parecen sumarse; en primer lugar se considera que la época fue particularmente fría, motivo por el cual los árboles desarrollaron una madera más dura y homogénea.​ A esto se suma el uso de barnices especiales que reforzaban la estructura de los violines. También se supone que los troncos de los árboles eran trasladados por ríos cuyas aguas tenían un pH que reforzaba la dureza de las maderas; también influye un comprobado tratamiento químico (acaso más que con el objetivo de la sonoridad, el de la conservación) de los instrumentos, que reforzó la dureza de las tablas.[cita requerida] Por último, ciertos violines Stradivarius tienen en sus partes internas un acabado biselado de los contornos en donde contactan las maderas, el cual parece beneficiar la acústica de estos violines. (Hay un cuento de "El violín de la alegría ")

Hay que mencionar el violín de Savart, introducidos a comienzo del siglo XIX con su característica forma trapezoidal.

Enrollado y ajuste de las clavijas en el clavijero, correctamente estructurados.

El violín consta principalmente de una caja de resonancia que posee formas ergonómicas (de sección oval con dos estrechamientos cerca del centro). Tal caja de resonancia está constituida por dos tablas: la tabla armónica y la tabla del fondo (tradicionalmente hecha con madera de arce), las cubiertas laterales o aros y la tabla superior o tapa armónica (tradicionalmente de madera de abeto blanco o rojo); la tapa se encuentra horadada simétricamente y casi en el centro por dos aberturas de resonancia llamadas "oídos" o "eses", ya que en el tiempo de su diseño se usaba aún en la escritura o imprenta la S larga, semejante a una " efe " cursiva pero sin el travesaño horizontal, y en desuso a partir del siglo XVIII. Por la misma razón, actualmente se tienden a llamar "efes".​

En el interior de la caja se encuentra el poste sonoro o alma del violín, que es una pequeña barra cilíndrica de madera dispuesta perpendicularmente entre la tapa y la tabla armónica del lado derecho del eje de simetría de la caja (esto es: prácticamente abajo, hacia la derecha, de la zona en donde se apoya el puente), del lado contrario al alma, a lo largo de la cara interna de la tapa, se encuentra adherido con cola un listón llamado barra armónica. Tanto el alma como la barra armónica cumplen dos funciones: ser soportes estructurales (el violín sufre mucha tensión estructural) y transmitir mejor los sonidos dentro de la caja de resonancia.​

La caja de resonancia tiene, en el violín de orquesta, 35,7 cm de longitud, y se encuentra orlada por rebordes en ambas tablas; tales rebordes cumplen, además de una función decorativa, la función de reforzar el instrumento.​

Diagrama de las partes de un violín.

Por fuera, la caja de resonancia se continúa por el mango o astil; el mástil o "mango" concluye en un clavijero, oquedad rectangular en la que se insertan las cuerdas anudadas y tensionadas allí mediante sendas clavijas para cada cuerda, las clavijas son como llaves simples de sección ligeramente conoidal; luego del clavijero, un remate llamado ―por su forma― voluta (aunque en ciertos casos la voluta se encuentra sustituida por otras formas, como por ejemplo, una cara humana o la figuración de una cabeza de león).

En cierto ángulo, las líneas de la voluta, en perspectiva, hacen una línea recta y continua con las cuerdas, especialmente mi y sol, y se juntan en el horizonte. Esto permite saber, cuando el violín está puesto en el hombro, cuándo se encuentra correctamente recto.

Sobre el mango se ubica el diapasón del violín o tastiera, este suele ser de ébano ya que esta madera produce ese sonido "maderil" que los instrumentos de cuerda frotada requieren además el ébano es sumamente duro y denso por lo que la fricción de las cuerdas no daña el diapasón. En violines antiguos pueden encontrarse tastieras de marfil.

Sobre la tapa de la caja se encuentra el ponticello o puente el cual mantiene elevadas las cuatro cuerdas, en la parte posterior de la caja de resonancia, unida a ella por un nervio flexible que se engancha a un botón, se encuentra otra pieza (tradicionalmente de madera de ébano) de forma triangular llamada el cordal, como su nombre lo indica, el cordal sirve para retener las cuatro cuerdas, estas se apoyan en los siguientes puntos: los orificios del cordal, el ponticello, la cejilla ubicada sobre el astil y las clavijas.

Cuando se quiere atenuar el sonido, se aplica sobre el puente una especie de tabique llamado sordina.

Desde fines de siglo XIX es común añadir a la parte trasera de la caja de los violines una mentonera o "berbiquí" desmontable, aunque tal aditamento no es indispensable (la invención de este añadido se atribuye a Louis Spohr); en cambio sí es de bastante importancia el barniz (Tradicionalmente "gomalaca" diluida en alcohol) con el cual se recubre, en su parte externa, a la mayor parte del violín.

La singular acústica del violín ha sido muy estudiada durante todo el siglo XX, destacándose las investigaciones del alemán Ernst Chladni, del cual deriva toda una formulación llamada esquema de Chladni.

La manera de sostener tanto el violín como el arco es una parte importante en la enseñanza del instrumento para lograr una buena técnica de ejecución, por lo tanto debe tener una primordial consideración al empezar el estudio del instrumento. Lo primero a tomar en cuenta en la posición del violín, es que este debe sostenerse de tal manera que los ojos se puedan fijar en la cabeza del violín; y a su vez el brazo izquierdo debe acomodarse ligeramente hacia adelante para que los dedos se coloquen de manera natural y perpendicular al diapasón. De mismo modo es importante la correcta y relajada colocación del instrumento entre el cuello y el hombro, tanto para el logro de un buen sonido y ejecución como para proteger al instrumentista de lesiones por tensiones innecesarias. Debe ser colocado lo más alto posible para que el brazo izquierdo, la mano y los dedos tengan libertad de movimiento para poder cambiar de posición con facilidad.

Violines en el Museo de la Música de Barcelona.

Instrumento de singular resistencia, el violín suele requerir de pocos cuidados especiales. Cuando no se usa debe estar guardado en un estuche lo más hermético y acolchado posible, con la caja, la vara del arco y las cuerdas limpias, y las crines del arco levemente distendidas. El violín ha de estar al resguardo en todo lo posible para que no le afecte la humedad ni cambios bruscos de temperatura; por lo demás, solo requiere una habitual limpieza con un paño seco, o bien con productos especialmente diseñados para ello. Las cuerdas suelen romperse por la tensión y la fricción, y por este motivo es conveniente que el violinista tenga un juego de cuerdas de repuesto. También suelen romperse los pelos de cola de caballo (crines) que constituyen la cinta del arco; por este motivo la ejecución frecuente puede obligar a su recambio cuando fuese necesario. Si se ejecuta el violín sin la barbada o mentonera, conviene usar un pañuelo en la parte del cuello y mentón en la cual se apoya el violín para evitar que el instrumento se vea afectado por la transpiración. Suele ocurrir que un violín "viejo" que haya sido bien ejecutado, suene mejor que un violín nuevo o con poco uso.

Es importante en el cuidado del violín que al guardarse durante un período largo de tiempo las cuerdas sean aflojadas para no quedar en tensión. Con esto la estructura del violín quedará protegida de posibles rajaduras por una tensión innecesaria.

Desde la segunda mitad del siglo XX las cuerdas y la cinta del arco, en muchos casos, empezaron a ser fabricados con materiales sintéticos;​ y el uso de estos materiales también se ha extendido a otras partes en el caso de los violines fabricados en serie: por ejemplo cordales, mentoneras, tastieras, que están siendo fabricados con material plástico lo cual afecta la sonoridad característica del instrumento, y por ello con cierta detracción de los violinistas profesionales. En el caso de los violines eléctricos, casi todos sus componentes son sintéticos, pero en ellos el sonido (diverso del de los acústicos) es elaborado electrónicamente; tales violines suelen usarse en conjuntos de pop, , y afines.

La introducción hacia fines del siglo XVI e inicios del siglo XVII del violín en el ámbito del Cono Sur se debe principalmente a los religiosos jesuitas y franciscanos, muchos de ellos nacidos italianos como Domenico Zipoli, cuyo nombre lleva una famosa escuela de música cordobesa.​

Los jesuitas introdujeron la enseñanza musical en las reducciones creadas en territorios que hoy pertenecen a la Argentina, Paraguay, Bolivia y el sur de Brasil, en una región poblada en los citados siglos por indígenas entre los cuales preponderaba la cultura guaraní.​ La mayor parte de esas pequeñas ciudades fue destruida con la expulsión de los jesuitas, en 1767 en la colonia española, precedida por una decisión del reino de Portugal.​ Las misiones jesuíticas de Bolivia son las únicas que se salvaron de la destrucción que sobrevino a la expulsión de los religiosos. Se trata de siete ciudades en la región conocida como Chiquitania donde anualmente se realiza un festival de música barroca.

En Brasil, el violín artesanal conocido por el nombre de rabeca fue introducido también por los religiosos, especialmente en la zona de las misiones jesuíticas, pero su utilización en la música se desarrolló más intensamente durante la breve presencia colonizadora del neerlandés Mauricio de Nasáu, en Recife, entre 1637 y 1643. Otro importante estímulo representó la instalación de la Corte portuguesa en Río de Janeiro en 1807.​

Actualmente, la utilización de la rabeca como instrumento melódico es común en la música de la región nordeste y también en el norte amazónico. En la ciudad amazónica de Bragança, en el estado de Pará, la tradición de la rabeca recibió un notable impulso por parte del poder público que ayudó a instalar una escuela para la enseñanza del instrumento, basada en el conocimiento y la técnica de los maestros locales.

Violín tocando un fragmento de la canción tradicional mexicana El fandanguito con décima.

Dentro de los folclores sudamericanos el violín es particularmente relevante en el folclore de Argentina y en zonas aledañas, donde fue utilizado en la música religiosa, aunque rápidamente las poblaciones criollas y autóctonas supieron utilizarlo para músicas profanas. Así es que en gran parte del norte argentino y el sur de Bolivia, el violín (e incluso una variante más rústica que ha mantenido el arcaico nombre de rebab) es uno de los instrumentos musicales principales, tras la guitarra y el bombo. Con el violín se suelen acompañar los gatos, chacareras, las cuecas bolivianas y en menor medida chamamés, zambas y polcas criollas.

Violín eléctrico de 5 cuerdas.

Música de origen folclórico, el tango cuenta con el violín como uno de sus principales instrumentos. El violín de tango suele ser el mismo que el violín de concierto para la llamada música clásica, en cambio los violines de las otras músicas mencionadas anteriormente suelen ser violines "criollos", de formas muy semejantes al violín clásico, aunque la gran diferencia se encuentra en las maderas con que están confeccionados ( algarrobo criollo y mistol o chañar por ejemplo); en gran parte de Argentina (especialmente en el NOA) a los músicos especializados en tocar el violín no se les dice violinistas sino violinistos o violistos, en el noreste es frecuente el término violinero (que sin embargo suele aplicarse más al " luthier"). Las etnias de ascendencia directamente aborigen también suelen confeccionar interesantes tipos de "violines", por ejemplo entre los qom'lek (o tobas) son característicos los "violines" fabricados a partir de una lata cuadrangular de aceite comestible a la cual se le aplica un mango de leño, las cuerdas suelen ser realizadas con tripa aunque más modernamente se realizan con los cables de metal que se obtienen de los sistemas de frenos de bicicletas; teniendo tales violines una entonación llamada m'biké, tal entonación, se considera, es similar a la que poseían los violines europeos en el siglo XVI.

En Venezuela se utiliza principalmente en la región de Los Andes para ejecutar bambucos y valses de la región. También se suele usar para la música típica de la sierra del estado Falcón.

En México, su uso se extiende al son huasteco, huapango, música calentana, música planeca y mariachi. En España, se utiliza en los verdiales. En los países anglosajones, al violín folclórico se le denomina fiddle.​

En Chile, la única región en la que el violín fue introducido de manera tradicional en la música folckórica es Chiloé, llegando a generarse una variante de este instrumento conocido como violín chilote, el cual, aparte de incorporar el uso de maderas nativas de la Patagonia chilena en la lutheria de violines, como alerce, coigüe y ciruelillo, presenta una caja acústica más plana y de mayor tamaño que el violín docto, dándole un sonido característico. Una variante del violín chilote que tiliza tripas de carnero como cuerdas es conocida como Barraquito, siendo común escuchar ambos instrumentos en danzas como la Pericona y en pasacalles en honor a santos y vírgenes. En Chiloé es común encontrar también al rabel como parte de los instrumentos musicales tradicionales.

Nicoló Paganini creó una mixtura muy interesante en la relación del humano y el violín, cuenta la historia que a su madre Teresa Bocciardo, para decirle que su hijo estaba destinado a ser el más importante violinista del mundo en los mentideros musicales de Italia, se hablaba del "diabólico talento" de Paganini, quien culminó esta etapa de la percepción de su pacto componiendo dos grandes obras, conocidas hoy día como los "24 Caprichos para violín" y "Concierto para violín n.º 1 (Paganini)".

Webster, Merriam (1991). Merriam-Webster, Inc, ed. The Merriam-Webster new book of word histories. (en inglés). . .

Wurlitzer, Rudolph (1931). Rudolph Wurlitzer Company, ed. Rare Bows for Violin, Viola, Violoncello (en inglés). .

Siminoff, Roger H. (2002). The luthier's handbook : a guide to building great tone in acoustic stringed instruments (en inglés). Hal Leonard Corporation. . .

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Violín - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Este aviso fue puesto el 27 de mayo de 2017. El violín (del italiano violino, diminutivo de viola) es un instrumento de cuerda. Quien lo toca recibe el nombre de violinista.

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Qué es una ESCALA MUSICAL. La Explicación Definitiva. | Jaime Altozano

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Como preparar las maderas antes de barnizar un Violín - Parte 1

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We Love Prof | El blog de Superprof España

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Beethoven, Schubert, Chopin, Berlioz, Mozart, Brahms, Haendel... Seguro que todos podemos nombrar alguno de los mayores compositores de la historia de la música.

Pero hablar de los grandes violinistas de la historia no es tan sencillo.

Encontramos virtuosos del violín en jefes de orquesta, solistas, compositores.

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Los inicios del violín con Monteverdi

Claudio Monteverdi (1567-1643) es el primer gran violinista de la historia de la música. Nacido en la villa italiana de Cremona, cuna del violín, el joven Claudio enseguida siguió su vocación por la música.

Aunque no hay ninguna fuente que lo confirme, lo más probable es que este músico se haya formado con Marc'Antonio Ingegneri, músico de la catedral de la ciudad.

Claudio Monteverdi también habría (aunque no haya confirmación histórica) seguido un curso de música en la Universidad de Cremona para ampliar su perspectiva filosófica. El instrumento debe gran parte de su éxito a las obras de Monteverdi. De hecho, con la ópera de Orfeo, este instrumento llegó a la alta nobleza.

Así, en esta época, el violín se convirtió en el instrumento preferido de la realeza.

Las principales obras de Monteverdi:

Otros compositors también dejaron su huella en el siglo XVI. Con el nacimiento de este instrumento, compositores cocmo Salomone Rossi no dudaron en utilizar esta "viola pequeña" en sus piezas musicales.

Profundiza en tus conocimientos sobre este instrumento de cuerda en unas clases de violin online.

Jean-Baptiste Lully y el siglo real

Si bien alejado del violín eléctrico que conocemos hoy en día, también debemos hablar de uno de los más grandes: Jean-Bapstiste Lully.

Jean-Baptiste Lully (1632-1687) es es uno de los mayores compositores franceses de la historia de la música.

Fue el músico por excelencia de Luis XIV desde 1653. Este francés de origen italiano era violinista y bailarín oficial. Debutó con Mademoiselle de Montpensier y el rey pronto se fijó en él y le nombró compositor de la corte.

Este músico creo el grupod e Pequeños Violines.

Compuso la música que acompaña obras de Molière como L e bourgeois Gentilhomme ou encore Georges Dandin. Algunos escritos confirman que el propio Lully también interpretaba algunos solos durante la representación de estas obras. Llevaba el violín a la espalda para facilitar sus pasos de baile.

Las principales obras de Lully son:

Por supuesto, el siglo XVII no acaba con Lully. Si bien este ocupa una gran parte de la historia del violín, también debemos tener en cuenta a otros grandes artistas de este instrumento como Arcangelo Corelli o el inglés Henry Purcell.

Siglo XVIII: la influencia de Vivaldi en la historia del violín

El siglo XVIII está marcado fundamentalmente por el famoso Antonio Vivaldi (1678-1741) y su música barroca. Sin embargo, durante su juventud Antonio Vivaldi tenía clara que su vocación era otra totalmente distinta: la de cura.

Tras ser ordenado en 1703, el joven Vivaldi tuvo que dejarlo todo por motivos de salud.

Se sumergió así en la música y, más en concreto, en el aprendizaje del violín gracias a un padre violinista. Vivaldi se convierte en unos años en maestro violinista y compositor en un orfanato y en un conservatorio italiano.

Las principales obras de Vivaldi que debes tener en tu playlist son:

Nacido en el seno de una familia de músicos, Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) aprendió música desde bien pequeño. Todo un artista superdotado, compuso sus primeras obras con tan solo 4 años.

Si bien se dio a conocer sobre todo por sus composiciones para piano, este músico no se aleja de los pasos de su padre, que era profesor de violín y también incluye este instrumento en la mayoría de sus obras.

Las principales obras de Mozart para violín son:

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Música romántica y violinistas del siglo XIX

A la edad de 5 años, Niccolo Paganini (1782-1840) se inicia en el mundo del violín, lo que podía acomplejar a cualquiera de cierta edad que se esté planteando aprender a tocar este precioso instrumento.

El italiano Paganini, toda una estrella del violín, revolucionó este instrumento por la forma en la que lo tocaba. Su técnica se convirtió en todo un éxito y espectadores de todas partes del mundo lo aclamaban en sus conciertos.

Según ciertas fuentes, Niccolo Paganini debería su técnica a un truquito particular: alargar los dedos más de lo normal. Con su éxito internacional, este músico fue de capital en capital para tocar ante públicos cada vez más exigentes. Su carisma y su dependencia a los juegos de apuestas hicieron que muchos rumoreasen si había hecho un pacto con el diablo.

Ainsi, l'Eglise refusa son inhumation lors de son décès.

Las principales obras de Paganini son:

El siglo XIX estuvo marcado fundamentalmente por la música romántica y la expresión de los sentimientos adquiere una gran importancia.

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El éxito de los violinistas del siglo XX

Eugène Ysaye (1858-1931), un belga de clase media, aprendió a tocar el violín gracias a su padre, que era músico. Para ayudar a su familia, este joven tocaba en la puerta de las iglesias.

Ysaye, alumno del conservatorio, fue haciendo sus pinitos hasta convertirse en todo un virtuoso del violín y fue uno de los violinistas más influyentes del siglo XX.

El ucraniano David Oïstrakh (1908-1974) forma parte de ese grupo de artistas que entraron en el mundo de la música por la influencia de sus padres, más en concreto de su madre, que era corista de ópera. Oïstrakh empezó a tocar el violín con tan solo cinco años. Tras una primera gira por Ucrania, su carrera despegó. Tuvo el privilegio de contar con la autorización del gobierno soviético para viajar a Occidente y dar unos conciertos allí.

Yehudi Menuhin (1916-1999) no es un violinista cualquiera. Este maravilloso artista que participó en la Segunda Guerra Mundial, dio más de 500 conciertos en apoyo a los aliados. Toda una estrella desde los 10 años, este joven se acostumbró enseguida a las giras internacionales. A lo largo de su carrera, Yehudi Menuhin apoyó a otros artistas de regímenes totalitarios. Lo nombraron presidente del Consejo Internacional de Música de la UNESCO.

Isaac Stern (1920-2001) empezó a tocar el violín con 8 años, unos años después de llegar a Estados Unidos. De origen ucraniano, Isaac Stern llegó a la Orquesta Sinfónica de San Francisco y luego a la Filarmónica de Nueva York. En el periódico Le Parisien se leía:
"Era un mago del violín, uno de esos artistas capaces de extraer de un instrumento el alma misma de la música, uno de los mayores músicos del siglo XX".
Iossif Robimovitch Heifetz, conocido como Jascha Heifetz (1901-1987), es un violonista ruso que llegó a Estados Unidos con la Revolución Rusa de 1917. Pero antes de ese momento, en Rusia aprendió a tocar el violín gracias a su padre. Siguió practicando en la Academia Real de Música de Vilna y luego en el Conservatorio de San Petersburgo. Una vez que ya se había establecido en Estados Unidos con su familia, el músico siguió una carrera excepcional en el nuevo continente.

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Los jóvenes prodigios del violín

Los grandes violinistas del pasado también han inspirado a toda una nueva generación de virtuosos. En los últimos años hemos conocido a auténticas promesas del violín.

Nacido en Armenia en 1966, Samvel Yervinyan mostró desde los 7 años de edad un gran talento con el violín. Hoy en día recorre el mundo entero para compartir su talento. La federación americana de músicos lo describe como un:
"violinista con una capacidad extraordinaria, tal y como demuestra su gran aclamación internacional".
¿Y qué pasó con la niña-prodigio llamada Camille? Si eres un apasionado de la música, seguramente hayas visto en televisión algún programa sobre "niños-prodigio", donde encontramos a pequeños virtuosos como Camille Berthollet. Con tan solo 16 años participó en un concurso que la catapultó al estrellato. Esta joven artista vendió más de 100 000 ejemplares de su álbum.

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Pero ese no es el único ejemplo que tenemos.

Nacido en 2001, el sueco Daniel Lozakovich enseguida se dio cuenta de que tenía un don musical. Pasó muy pronto a formar parte de la Orquesta de Cámara de los virtuosos de Moscú y mostró un dominio perfecto de algunas de las mayores piezas de la historia de la música. De Beethoven a Bach pasando por Vivaldi o Tchaïkovski, no había melodía que se le resistiese. Este joven sigue de gira por toda Europa.

Otra gran estrella del violín es la estadounidense de 31 años llamada Lindsey Stirling, que sigue encadenando giras mundiales con composiciones propias o versiones de otras melodías: la banda sonora de Zelda, canciones de Rihanna... no hay nada que la detenga.

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¿Quiénes Son los Maestros Violinistas de la Historia?

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Muchos violinistas han marcado el antes y el después de este magnífico instrumento a lo largo de la historia. Estos son solo unos pocos.

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