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Il Secondo Rinascimento è un periodo molto fertile che vede all'opera grandissimi artisti. Inoltre, si caratterizza per il sedimentarsi delle conquiste del secolo precedente a cui corrisponde una maggiore instabilità politica ed un maggiore tormento spirituale.

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Il Primo rinascimento, che si può datare con l'inizio del '400  e durerà due secoli, è inizialmente fiorentino, perché la misura, la definizione di spazi e volumi, la chiarezza della ragione sono patrimonio tradizionale della città, che in questo senso è classica. Un altro elemento importante è la presenza della famiglia Medici, una delle maggiori committenti di opere d'arte, promotrice di cultura e letteratura umanistica. Accanto a quella della Chiesa, nasce, così, la committenza privata con la quale rinascono generi profani e un linguaggio più laico.

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Il termine Rinascimento venne usato da Giorgio Vasari intorno alla metà del XVI secolo, per sottolineare il concetto di rinascimento dell'arte e della cultura classica a partire dal XV sec. in contrapposizione con il periodo artistico precedente denominato "età di mezzo" (poi Medioevo) poiché era visto come un'interruzione tra la classicità e il Rinascimento. Fu definito in modo sprezzante "gotico", un termine privo di fondamento storico, derivante dalla convinzione che i Goti  (intendendo con essi i barbari in generale) avessero distrutto la tradizione artistica rendendo l'arte mostruosa.

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Michelangelo Buonarroti;

Raffaello Sanzio;

Leonardo Da Vinci.

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Uno dei più noti artisti del Rinascimento è Leonardo da Vinci (1452-1519). Pittore, architetto, ingegnere, scienziato, inventore e scrittore, Leonardo vuole conoscere il mondo attraverso la ragione, utilizzando un metodo scientifico: solo l'esperienza diretta può dare certezze e verità. Egli utilizzò la linea nei suoi disegni in modo diverso dalla tradizione fiorentina: per Leonardo non è più contorno, limite esterno dell'oggetto, ma un nuovo modo di suggerire la presenza di elementi naturali con piccoli tratti di elementi naturali e dare l'idea dell'effetto di sfocatura dato dall'atmosfera. Il disegno, per lui, era anche il mezzo per progettare architetture e macchine.

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Michelangelo Buonarroti è stato un grande pittore, architetto, poeta, ma soprattutto un ottimo scultore. Quando aveva solo tredici anni cominciò a frequentare il “Giardino di San Marco”, una sorta di museo-laboratorio nel quale Lorenzo il Magnifico teneva un gran numero di opere classiche che gli apprendisti copiavano. Michelangelo, che fu presto preso sotto la protezione di Lorenzo, realizzò anch’egli copie di quegli antichi modelli ma anche schizzi da Giotto e Masaccio due maestri del volume delle forme. Tuttavia, lui si sentiva soprattutto uno scultore, anche quando dipingeva o realizzava architetture. La sua poetica nasceva proprio dal concetto di copia: quando disegna sulla carta, l’immagine che sta delineando esiste già nella realtà del dipinto o della scultura che lui sta copiando. Così quando scolpisce il marmo egli lavora come se la figura esistesse già dentro il blocco e lui dovesse solo rimuovere l’eccesso di materiale per liberare le forme.

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Il fiorentino Brunelleschi (1377-1446) aveva solo 24 anni quando partecipò al concorso del 1401 per la seconda porta bronzea del Battistero di Firenze. Eppure già lavorava in proprio come scultore. Tra il 1410 e il 1419 vive a Roma dove studia le architetture classiche ricercandone la lezione di equilibrio, chiarezza e misura umana.
Sono gli anni nei quali si occupa di ottica ed elabora la nuova teoria sulla prospettiva lineare come mezzo per dominare razionalmente l'ambiente circostante. L'arte diventa con lui un modo per conoscere e razionalizzare la realtà.

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Masaccio (1401-1428) è considerato il fondatore dell'Umanesimo in pittura insieme a Brunelleschi per l'architettura e Donatello per la scultura. La sua opera si svolge in un breve arco di tempo: i sei anni che corrono dal 1422 al 1428. Ciò nonostante ha lasciato una traccia fondamentale nell'arte: la sua pittura ha influenzato molti artisti non solo del Rinascimento, primo fra tutti Michelangelo, ma perfino quelli appartenenti ad epoche più lontane, fino al '900 come Carlo Carrà e Giorgio De Chirico.

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Quando, nel 1482, si trasferisce a Milano per lavorare da Ludovico Sforza, disegnò chiese a pianta centrale ma anche schizzi scientifici di anatomia, botanica, astronomia, cartografia e il famoso Uomo Vitruviano, una figura maschile inscritta in un cerchio e un quadrato, due figure perfette per la cultura rinascimentale. Disegnato nel 1490, questo fornisce l'esempio perfetto del suo interesse per le proporzioni classiche e  il suo tentativo di legare l'uomo con la natura: la perfezione del corpo umano rappresenta il microcosmo che ripete la perfezione dell'universo.

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Ghiberti inserisce armonicamente le figure nella formella sfruttandone l'andamento mosso. La scena è divisa in senso obliquo da una roccia che delimita la porzione dove si trovano i servi e l'asino. Abramo sta per vibrare il colpo mentre sopraggiunge l'angelo per fermargli la mano. Il modellato delle figure e l'equilibrio compositivo e concettuale sono elementi sicuramente classici.

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Quando nel 1418 Brunelleschi partecipa al primo concorso per la realizzazione della cupola del Duomo di Firenze e, nel 1420,  al secondo, ha ormai conquistato una sicura maturità artistica ed elaborato un chiaro sistema di rappresentazione prospettica. Il problema della cupola da realizzare sul tamburo ottagonale restava irrisolto da anni poiché le dimensioni erano tali che non si sapeva come costruire le cèntine di legno. Per ovviare a questo problema, Brunelleschi decise di innalzare la cupola senza armature creando una doppia calotta autoportante, irrigidita da uno scheletro di costoloni e nervature orizzontali e ricorrendo ad un rivestimento con mattoni disposti a spina di pesce.

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Tra il 1423 e il 1428 lavora agli affreschi della Cappella Brancacci, nella chiesa del Carmine di Firenze. Il ciclo narra Storie di San Pietro, precedute, negli stipiti d'ingresso, a destra dal Peccato originale e a sinistra dalla Cacciata dei progenitori. Notevole è l'impianto prospettico dei grandi affreschi. In particolare, nel Tributo, c'è una precisa costruzione della profondità spaziale definita sullo sfondo da una natura severa e plastica. Ogni personaggio occupa un posto ben preciso e definibile ed è individuato psicologicamente. Le aureole partecipano alla prospettiva spaziale. I tre momenti della narrazione sono compresenti come a voler cogliere il fatto nella sua totalità e sintesi. Ogni dettaglio descrittivo è stato eliminato pur di raggiungere l'unità concettuale voluta.

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Nel 1469 Michelangelo andò a Roma dove ebbe modo di conoscere meglio l'arte classica e nel 1471 realizzò la Pietà, un gruppo scultoreo che rappresenta la Vergine Maria mentre sostiene il corpo del figlio morto, in una perfetta composizione piramidale. I soggetti sono fortemente idealizzati: non si avverte violenza, dolore, tragedia ma solo una perfezione divina, poiché i loro corpi sono incorruttibili, privi di peccato. La scultura è conservata oggi all’interno della Basilica di San Pietro, subito a destra dell’ingresso principale.

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Contemporaneamente ai lavori della cupola Brunelleschi cura altre architetture. Nel 1419 inizia l'Ospedale degli Innocenti. La facciata a portico è un tema medievale ma lui la organizza in senso rinascimentale attraverso l'uso di un modulo basato sul quadrato che dà unità e proporzioni alle parti. L'intercolumnio è pari all'altezza delle colonne: ciò significa che ogni campata è un cubo coperto da una volta a vela. La medesima tecnica è stata poi utilizzata anche in un'altra grande opera: "Sagrestia vecchia".

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Sullo stipite d'ingresso si trova la Cacciata dei Progenitori dal Paradiso terrestre. Essi sono appena usciti dalla porta dell'Eden, investiti dalla luce. Adamo si copre il volto, cosciente della colpa, Eva si copre i genitali e grida di dolore. Un angelo esprime con il gesto della mano l'inesorabilità dell'ordine divino. L'intensa commozione dei personaggi è controllata dal chiaro riferimento ad esempi classici.

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Il Rinascimento, tuttavia, non è semplice ripresa dell'antichità classica: si lega indissolubilmente all'arte medioevale ed è un'arte propria del suo tempo. Uno degli elementi nuovi è la collocazione dell'uomo come centro del mondo, capace di conoscere ciò che lo circonda attraverso la propria ragione, quindi attraverso regole certe, scientifiche, matematiche. Ed è questa visione matematica del mondo che porta alla codifica della prospettiva poiché la realtà viene sottoposta a leggi razionali e universali che hanno per riferimento l'occhio umano (dunque l'uomo è padrone dello spazio). Un'altra conseguenza della logica matematica con la quale l'uomo osserva il mondo è la rinnovata ricerca della proporzione e la riscoperta della "SEZIONE AUREA".

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Nel 1475 Leonardo dipinge "L'Annunciazione", un'opera molto innovativa: la scena è all'aperto, in un giardino fiorito aperto verso un vasto panorama. Il significato è chiaro: il concepimento di Cristo non è un fatto privato ma un evento che coinvolge tutto il mondo. Nel dipinto Leonardo utilizza due tecniche che rendono il quadro molto più realistico: la prospettiva lineare, un sistema di rappresentazione che crea l'illusione della terza dimensione e la prospettiva aerea (o atmosferica) per il paesaggio che imita l'effetto dell'addensarsi dell'atmosfera che rende gli oggetti più lontani sfocati, più chiari e con colorazioni più fredde.

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Dopo la vittoria Ghiberti ricevette sia l'incarico di concludere la Seconda Porta del Battistero, oggi detta Porta nord, sia quello di realizzare la Terza Porta, o Porta del Paradiso. Entrambi i portoni prendono spunto dalle vicende della bibbia e l'ispirazione ai modelli classici è sorprendentemente notevole nella Flagellazione e Crocifissione in cui Cristo assume la stessa posa rigida ma elegante del Policleto.
I temi dei pannelli sono tratti dall'Antico Testamento e questa volta la porta è molto diversa dalla precedente: i pannelli sono quadrati, ricoperti interamente d'oro e ridotti a 10 così che le scene sono più grandi e più articolate. C'è un vasto uso della prospettiva, del chiaroscuro, dei rapporti equilibrati e armonici.

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Michelangelo è stato anche un importante architetto. Tra i suoi capolavori vi è quello della "Sagrestia Nuova", ambiente della basilica di San Lorenzo di Firenze. Nata come pendant alla Sagrestia Vecchia di Brunelleschi e Donatello, oggi fa parte del complesso museale delle Cappelle Medicee. L'artista divise lo spazio in forme più complesse, trattando le pareti con piani a livelli diversi in piena libertà. Su di esse ritagliò elementi classici come archi, pilastri, balaustre e cornici, ora in marmo e ora in pietra serena, disposti però in figure e schemi  completamente nuovi. Realizzò all'interno della Sagrestia alcune fra le sue sculture più belle, come La Madonna col Bambino, opera autografa collocata sulla tomba di Giuliano.

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Leonardo ha sempre ricercato le proporzioni perfette, sia nel corpo umano che nella composizione dei suoi dipinti. Nell’Annunciazione è possibile trovare la sezione aurea, una proporzione (chiamata nel Rinascimento “divina proporzione”) nella quale un segmento è diviso in modo che la parte minore stia a quella maggiore come questa sta all’intero segmento. Il numero corrispondente è pari a 0,618033.

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Donatello (1386-1466) è una figura chiave del Rinascimento e il maggiore scultore del '400. Ha avuto una vita lunga e interamente dedicata all'arte, sempre impegnato in grandi commissioni. Legato alla tradizione fiorentina in cui si forma, è anche un artista molto indipendente. la sua formazione avviene nel cantiere di Ghiberti tra il 1404 e il 1407. A Firenze conobbe anche Brunelleschi, insieme i due elaborarono il nuovo stile rinascimentale e si recarono a Roma per studiare i monumenti antichi.

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Dopo essere tornato a Firenze, Michelangelo cominciò a scolpire una delle sue creazioni più famose, il David. L'eroe rappresenta la forza morale, piena di "virtus" e mostra calma e sicurezza di sé. David è nudo e come il David di Donatello e la composizione è molto classica: è possibile, infatti, osservare il chiasmo che consiste nell’equilibrio ottenuto dall’incrocio tra gamba destra e braccio sinistro portanti e gamba sinistra e braccio destro rilasciati, esattamente come nella scultura del Dorìforo di Policleto.

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A Milano, sulla parete di fondo del refettorio di Santa Maria delle Grazie, Leonardo dipinse L'ultima cena. Quest'opera, dichiarata patrimonio mondiale dall’Unesco nel 1980, è una delle più note del mondo. La sua iconografia continua ad ispirare decine di reinterpretazioni anche nel mondo della cinematografia. Viene rappresentato il momento raccontato nei Vangeli quando Cristo disse "uno di voi mi tradirà" . I 12 apostoli sono divisi in gruppi di tre persone che creano quattro piramidi. Gesù, solo al centro poiché solo di fronte al suo destino, è anch’egli all’interno di una piramide. La sua espressione serena, che mostra che ha accettato il suo destino, contrasta con l’agitazione degli altri. Giuda è il quarto da sinistra, l’uomo con il gomito sul tavolo e il viso in ombra, quasi invisibile. La stanza è rappresentata attraverso la prospettiva lineare degli arazzi sulle pareti, del tavolo e della struttura a cassettoni del soffitto che hanno il punto di fuga nella testa di Cristo. Dietro le finestre sullo sfondo è visibile un vasto paesaggio reso con la prospettiva atmosferica.

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Intorno al 1452 Donatello scolpisce una tra le opere più celebri del Rinascimento, il David. Si tratta di un'opera in bronzo, alta 1,58 m., conservata a Firenze al Museo del Bargello; probabilmente la prima statua di nudo del Rinascimento. L'eros è nudo perché difeso soltanto dalla propria virtù morale. E come la nudità, sono classici anche il recupero della ponderazione policletea e la levigata luminosità delle superfici. Il corpo dell'esile figura è sbilanciato e snodato a serpentina, con una gamba piegata e l'altra tesa a reggere il peso. La spada esagerata forma una diagonale esterna che sbilancia la composizione: è troppo grande e pesante per la sottile e sciolta figura adolescenziale. Questo voluto squilibrio compositivo suscita il senso di oscillazione e instabilità che percorre tutto il corpo, accentuato dai giochi di luce e ombra riflessi sulla superficie metallica e molto levigata e sui muscoli appena indicati. Alcune anomalie come il copricapo inghirlandato e i calzari, l'assenza della fionda e della ferita mortale sulla fronte del nemico hanno portato alcuni studiosi all'ipotesi che non si tratti di David ma di Mercurio, uccisore di Argo, secondo il mito divulgato da Ovidio nelle Metamorfosi.

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Il Rinascimento è un processo lungo circa 200 anni e viene suddiviso in:

Primo Rinascimento o Fiorentino (1420-1490);

Secondo Rinascimento, chiamato anche Rinascimento maturo  (1490-1520);

Manierismo o Tardo Rinascimento (1520-1580).

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Quella di Leon Battista Alberti è stata una delle più importanti figure di architetto intellettuale del Rinascimento.
Nel 1448 viene incaricato da Sigismondo Pandolfo Malatesta di progettare il rifacimento esterno della chiesa gotica di San Francesco a Rimini che viene rinominata Tempio Malatestiano. Alberti decide di rivestire ed inglobare la fabbrica preesistente con un nuovo vestito rinascimentale. L'opera resta incompiuta; tuttavia da una medaglia celebrativa è possibile immaginare l'idea complessiva.
C'è un richiamo evidente all'architettura romana classica e in particolare all'Arco di Augusto edificato proprio a Rimini nel 27 a.C. sebbene quello dell'Alberti sia evidentemente più slanciato. I lati della chiesa mostrano, invece, una sequenza di archi che ricordano il ritmo di un acquedotto romano. Le proporzioni dell'insieme, però, sono rinascimentali, così come il grande zoccolo che circonda l'edificio e le sottili decorazioni.

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L’opera più nota di Leonardo e forse il dipinto più conosciuto al mondo è la Gioconda, esposto oggi al Louvre di Parigi. Iniziò a dipingere il ritratto di Monna Lisa Gherardini, moglie di Francesco del Giocondo, tra il 1503 e il 1506, durante un soggiorno a Firenze. Esistono molte leggende sulla reale identità della donna, sui misteri nascosti nel dipinto e sul famoso sorriso di Monna Lisa. L'opera è realizzata ad olio su un pannello di legno di pioppo. La donna, vista di tre quarti, è seduta su una poltroncina davanti ad un parapetto oltre il quale si apre un panorama immaginario e probabilmente non finito, reso attraverso la tecnica della prospettiva atmosferica. L'espressione della donna mostra la quieta serenità di chi controlla con la sua razionalità il mondo circostante. La tecnica dello sfumato non consente di definire i contorni. Il velo trasparente posato sul capo rende ancora più imprecisi i contorni. Le sopracciglia depilate rafforzano questa sensazione così come gli angoli della bocca che danno un'impressione incerta: la Gioconda sorride o no?

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Raffaello Sanzio (1483-1520), insieme a Leonardo e Michelangelo, è al vertice della stagione artistica pittorica rinascimentale. Sebbene fu molto attivo anche come architetto, Raffaello rappresenta il pittore rinascimentale per eccellenza, quello che più di ogni altro ha portato la pittura ai suoi livelli massimi di bellezza e armonia. Artista di solare personalità, visse la sua vita  d’artista con grande impegno e continuità rivelando sempre felicità di intuizione e facilità di esecuzione.

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La principale differenza fra il primo e secondo rinascimento è il rapporto con il dato classico.

Nella prima fase vediamo i progressivi successi di artisti che sono stati dei grandi sperimentatori dello stile e della forma, dei rivoluzionari che hanno dovuto creare quasi dal nulla un nuovo linguaggio artistico: Brunelleschi, Masaccio, Donatello.

Nella seconda fase si assiste al raggiungimento della "perfezione", cioè al pieno controllo del nuovo linguaggio artistico creato nel corso del Quattrocento. Di questa fase i protagonisti assoluti sono tre artisti, da sempre considerati tra i più grandi di tutti i tempi: Leonardo, Michelangelo e Raffaello.

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Anche per la chiesa di Santa Maria Novella a Firenze (1470) Alberti si confronta con una preesistenza gotica. Divide nettamente le due parti di età diversa con una doppia cornice contenente un motivo geometrico a quadrati ripetuto per tutta la larghezza. Il modulo utilizzato è sempre il quadrato. La navata centrale emerge con 4 lesene sporgenti e un forte frontone triangolare. Il disegno geometrico delineato con tarsìe di marmo bianco e verde legano le due parti e richiamano la basilica romanica di San Miniato al Monte, chiesa particolarmente amata dall'architetto.

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Una tra le sue più celebri opere è sicuramente la Madonna Sistina, nella quale si può notare come tutte le ricerche e innovazioni precedentemente sviluppate, portino alla creazione di un dipinto di così estenuante bellezza.

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Il Quattrocento si apre a Firenze con un importante evento artistico: il concorso bandito del 1401 dall'Arte dei Mercanti per realizzare la seconda porta del Battistero.
Il tema era una formella raffigurante il sacrificio di Isacco da inserire in una cornice quadriloba mistilinea, coerente con quelle realizzate da Andrea Pisano per la prima porta. Tra gli altri parteciparono anche Filippo Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti, quest'ultimo vincitore del concorso.

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Filippo Brunelleschi;

Lorenzo Ghiberti;

Donatello;

Masaccio;

Leon Battista Alberti;

Sandro Botticelli.

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Il pittore Sandro Botticelli (1445-1510), è sicuramente uno degli artisti rinascimentali più famosi. Tutti nel mondo conoscono i suoi capolavori, soprattutto la Primavera e la Nascita di Venere, di fronte ai quali, al Museo degli Uffizi di Firenze, folle di visitatori restano affascinati ormai da secoli. Il motivo del suo successo è sicuramente da attribuire alla delicata ma sublime bellezza delle sue opere, specialmente alla grazia delle sue figure, le quali incuranti del male, della sofferenza, del freddo o di altri accidenti, vivono in un mondo di equilibrio e perfezione, in grado di dare conforto. L'artista, infatti, riteneva che l'arte avesse il solo compito di creare una bellezza consolatoria.
Nel 1470 apre la sua bottega e ben presto ottiene incarichi di prestigio, lavora soprattutto per la potente famiglia dei Medici a Firenze. Dopo un soggiorno a Roma, tra 1481 e ‘82, per dipingere gli affreschi sulle pareti della Cappella Sistina, torna a Firenze e vi rimane stabilmente fino alla sua morte.

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La Primavera, oltre ad essere un’opera in cui lo stile dell’artista raggiunge un altissimo livello qualitativo, è uno dei capolavori più celebri del Rinascimento italiano, ed è conservata a Firenze, alla Galleria degli Uffizi. Realizzata verso il 1478 per l’amico e protettore dell’artista, Lorenzo di Pier Francesco de’ Medici, questa Tavola sembra che fosse destinata alla sua villa di Castello. Il pittore presenta una grande allegoria, ispirata a diverse fonti letterarie, sia classiche, come ad esempio il De rerum Natura di Lucrezio e le Metamorfosi di Ovidio, sia contemporanee, come il poema delle Stanze per la giostra, scritto da Angelo Poliziano, in occasione di un torneo avvenuto nel 1475, vinto da Giuliano de’ Medici. La figura centrale che domina la composizione è Venere. Sopra di lei svolazza Cupido, un putto alato e bendato, mentre sta tirando una freccia verso le tre Grazie danzanti, simboli di bellezza ed eleganza. All’estrema sinistra il ragazzo con il mantello rosso è Mercurio, il messaggero divino. È a guardia del bosco sacro e impegnato a scacciare via le nuvole che non devono turbare l’eterna primavera del giardino di Venere. In mano ha il caduceo, simbolo di pace. A destra il personaggio azzurro è Zefiro, il vento di ponente che annuncia la primavera. Entra in scena volando, con le guance gonfie per soffiare. Raggiunge la ninfa Clori che sta fuggendo. L’incontro dei due personaggi provoca il germogliare dei fiori dalla bocca di Clori. La loro unione porta alla trasformazione della fanciulla in Flora, dea della giovinezza e della fioritura, patrona dei lavori agricoli e della fertilità femminile. Flora è la donna rappresentata poco più a destra, con il vestito bianco a fiori e piena di ghirlande mentre spande rose nel giardino. La vegetazione è molto rigogliosa e dipinta con diverse tonalità di verdi molto intensi. Al centro del boschetto di aranci si apre con una perfetta forma di arco, uno spazio, in cui si riconosce la pianta del mirto, sacra a Venere. Questo luogo perfetto rappresenterebbe Cipro, la mitica isola in cui, secondo gli antichi si trovava il giardino di Venere.

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Nella Nascita di Venere, tela di grandi dimensioni realizzata fra il 1484 e il 1485 dopo un soggiorno a Roma, prendono forma i sofisticati ideali di bellezza del neoplatonismo, per il quale la perfezione esteriore era manifestazione di quella interiore. Venere, nata dal mare, raggiunge l’isola di Cipro su una conchiglia sospinta dal vento Zefiro e dalla brezza Aura ed è accolta da una delle Ore, le ninfe che presiedono le stagioni, che le offre un mantello fiorito per coprirsi. L’inconfondibile espressione malinconica sul volto della dea è quella che caratterizza tutte le figure femminili di Botticelli: rappresentata come la Venere pudìca classica, è l’incarnazione dell’humanitas, cioè degli aspetti spirituali e razionali dell’animo, e dell’amore sublime, nonché simbolo della purezza dell’anima. La fama di quest’opera è paragonabile a quella di dipinti come il Cenacolo e la Gioconda di Leonardo tanto che è stata più volte reinterpretata dagli artisti del ‘900.

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Nell'ultima fase, nota con il nome di Manierismo, troviamo invece molti artisti che non vanno oltre la perfezione di grandi maestri, come Leonardo, Michelangelo e Raffaello, ma ne ripetono le formule stilistiche senza ulteriori innovazioni. I manieristi furono i primi a comprendere che era in atto un cambiamento nella coscienza collettiva, con una pronunciata incertezza dell’esistenza stessa. Per questa ragione i manieristi inventarono un nuovo linguaggio figurativo.
L’Italia del 1500 fu caratterizzata da una profonda crisi politica, economica e religiosa. In questo contesto anche l’attività artistica fu notevolmente influenzata. L’uomo rinascimentale, che credeva fermamente di essere l’unico padrone del proprio destino, si trovò in una profonda crisi spirituale. Anche l’arte, che vive del sentimento stesso degli artisti, ne fu influenzata a sua volta. Da qui il nascere da parte degli artisti più freschi di un coro di “rimproveri” ai grandi maestri, che avrebbero avuto la colpa di fermarsi nella ricerca statica dell’equilibrio e delle proporzioni, anzichè dare sfogo in modo libero e naturale alle proprie idee e ai propri modi di sentire e manifestare i sentimenti. Vi fu pertanto uno svincolo dai dettami precedenti e i nuovi artisti proseguirono l’arte sull’onda della fantasia, rinnegando le regole che avevano ricevuto in eredità dal Rinascimanto.

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Uno degli affreschi più noti è la “Scuola di Atene”, nella Stanza della Segnatura, con il quale Raffaello celebra la conoscenza dell’uomo indicando nel confronto e nel dialogo le più alte valenze del sapere. Entro una grandiosa architettura rinascimentale realizzata in prospettiva, ispirata al progetto di Bramante per la nuova S.Pietro, si muovono i più celebri filosofi dell’antichità: al centro Platone con un dito verso l’alto, fiancheggiato da Aristotele; Pitagora è in primo piano intento a spiegare sul libro; sdraiato sulle scale è Diogene, mentre appoggiato ad un blocco di marmo, intento a scrivere su un foglio, è il filosofo pessimista Eraclito, che ha i tratti di Michelangelo, impegnato quest’ultimo in quegli anni a dipingere la vicina Cappella Sistina. Sulla destra sono visibili Euclide, che insegna geometria agli allievi, Zoroastro con il globo celeste, Tolomeo con quello terrestre, e infine, all’estrema destra, nel personaggio con il berretto nero è l’autoritratto di Raffaello.

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Oltre ad essere un grande scultore, Michelangelo è stato anche un importante pittore. Nello stesso periodo del David, dipinse il “Tondo Doni”, opera che rappresenta la Sacra Famiglia. In secondo piano il Battista fanciullo e alcuni battezzandi. La forma dell’opera è piuttosto inconsueta, così come la posizione dei personaggi: le tre figure sono unite insieme da un movimento a spirale, la cosiddetta linea serpentinata. Le figure sono particolarmente tridimensionali e plastiche. Il colore, vivace e brillante, è usato per dare volume. Il contorno ben definito con l’uso della linea stacca le figure dallo sfondo e ne enfatizza la solidità. Dietro i tre personaggi sacri c’è il piccolo Giovanni il Battista e alcuni “ignudi” che attendono di essere battezzati appoggiandosi ad un parapetto curvo oltre il quale si apre una porzione di paesaggio la cui profondità è resa attraverso la prospettiva cromatica.

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Nel 1508 papa Giulio II chiese a Michelangelo di dipingere la volta della Cappella Sistina a Roma. Il lavoro era enorme: una superficie di 800 mq da affrescare con le storie dell’Antico Testamento, Sibille e Profeti. Lavorò completamente da solo e ininterrottamente per quattro anni, creando uno dei più grandiosi patrimoni dell’umanità di tutti i tempi. Le scene della Genesi iniziano con la separazione del buio e della luce e terminano con l’ubriachezza di Noè, sebbene Michelangelo le dipinse in ordine inverso. Le prime scene che affrescò erano molto drammatiche e affollate di personaggi, mentre le raffigurazioni successive mostrano una sintesi ed un equilibrio perfetti. Nella creazione di Adamo Dio con i suoi angeli arriva dalla destra e dà vita all’uomo toccandogli la punta del dito in uno dei gesti più intensi e carichi di significato di tutta la storia dell’arte.

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http://www.didatticarte.it/storiadellarte/11c%20rinascimento.pdf

https://www.laterza.it/indici/9788842115502_capitolo.pdf

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Pallàdio (1508-1580) si formò a Vicenza e Roma, dove  ebbe modo di conoscere le architetture di Bramante, Raffaello e Michelangelo e di studiare i monumenti classici facendone il rilievo architettonico e la rappresentazione secondo la tecnica delle proiezioni ortogonali.

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L'opera forse più nota di Palladio è la Villa Almerico-Capra, detta La Rotonda. Commissionata dal canonico Paolo Almerico ed edificata su una collina nei dintorni di Vicenza, è stata dichiarata nel 1994 Patrimonio dell'Umanità dall'Unesco. Si tratta di un edificio a pianta quadrata con una ripartizione simmetrica degli ambienti che circondano un salone circolare coperto a cupola.

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Un altro capolavoro di diverso genere è il Teatro Olimpico a Vicenza, opera iniziata nel 1580 da Palladio e completata dall'allievo Vincenzo Scamozzi. Qui viene recuperata la tipologia dell'antico teatro romano attraverso la creazione di una càvea conclusa con un colonnato trabeato e una maestosa scaenae frons, la scena architettonica fissa che chiude l'area di recitazione.