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É denominada arte bizantina aquela realizada no Império Romano do Oriente, tendo seu apogeu durante o governo do Imperador Justiniano, entre 527 e 565 d.C.

Essa é uma arte profundamente relacionada ao cristianismo, que passou a ser considerado a religião oficial do Estado em 311 d.C.

O Imperador Constantino foi o responsável por essa transição, sendo também o fundador de Constantinopla, a capital desse Império.

Tal fato ocorreu em 330 d.C. em uma região onde se localizava uma antiga colônia grega chamada Bizâncio. Daí deriva a denominação "arte bizantina", que disseminou-se além das fronteiras do Império Bizantino.

Assim, aos poucos a Igreja passa a ter total controle sobre a produção cultural daquela sociedade e via na arte um maneira de "instruir" o povo e publicizar a fé cristã.

Mosaico bizantino

O mosaico foi a linguagem que mais se destacou na arte bizantina. Ele é feito através de um técnica em que as imagens são formadas a partir de pequenos pedaços de pedras com cores variadas, dispostos lado a lado.

Assim, os fragmentos são fixados em uma argamassa e posteriormente recebem uma mistura de cal, areia e óleo para preencher os espaços entre eles.

O milagre dos pães e dos peixes (520d.C.) é um exemplo de mosaico bizantino
O mosaico foi utilizado por diversos povos e culturas, mas foi no Império Bizantino que essa manifestação atingiu seu ápice.

Ele era aplicado nas paredes e abóbodas das igrejas a fim de representar personagens e passagens bíblicas, além dos próprios imperadores.

Tais obras, minuciosamente construídas, proporcionam um colorido intenso dentro das basílicas, transmitindo uma aura suntuosa de solene esplendor.

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A Arte Românica faz referência a um estilo que surgiu durante a Idade Média, mais precisamente na Alta Idade Média (entre os séculos XI e XIII).

O termo “Românico” está intimamente relacionado com às influências do Império Romano, que dominou durante séculos quase toda a Europa Ocidental.

Características da Arte Românica
O estilo românico destacou-se na arquitetura, pintura e escultura. Embora tenha tido maior relevância na arquitetura das construções religiosas.

Arquitetura Românica
Igreja Notre-Dame la Grande de Poitiers, França
Igreja Notre-Dame la Grande de Poitiers, França
Na arquitetura românica, podemos destacar alguns elementos característicos, como a horizontalidade, ou seja, as edificações não possuíam estruturas muito altas. Diversas igrejas, mosteiros, conventos e catedrais foram construídas nesse estilo.

Havia ainda a utilização das abóbodas, que podiam ser de dois estilos: as de berço e as de arestas.

As abóbodas de berço eram mais simplificadas, baseavam-se em uma estrutura em semicírculo chamada arco pleno. Por conta de algumas desvantagens nesse tipo de construção, como a pouca luminosidade e riscos de desabamento, foi criado um novo estilo, a abóboda de arestas.

Nela, duas abóbodas de berço eram apoiadas sobre pilares, em ângulos retos. Dessa forma, conseguiram criar ambientes melhor iluminados e mais seguros.

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O estilo gótico tem uma gênese no contexto religioso (cristão), não por acaso as primeiras construções góticas foram as catedrais urbanas, erguidas a partir das doações da crescente burguesia.

O termo gótico foi usado pela primeira vez pelo teórico Giorgio Vasari, na Itália, no século XVI. Até então aqueles que queriam se referir ao estilo diziam que se tratava de uma estética francesa, sem maiores adjetivações.

Esse termo (gótico) tinha originalmente uma conotação negativa, associada muito à noção pejorativa que se tinha deste gênero até então. A estética gótica só passou a ser vista com bons olhos apenas a partir do romantismo (no princípio do século XIX). Muitos dos artistas dessa geração se voltaram para o passado ressignificando esse tipo de estética. Goethe, por exemplo, colocou um olhar demorado sobre as catedrais góticas alemães.

Uma série de estudiosos costumam dividir o gótico nas seguintes fases:

• Gótico primitivo (ou proto-gótico): são as primeiras ideias da estética, possíveis de serem identificadas num período inicial, nas construções como a Abadia de Saint-Denis

• Gótico pleno (ou clássico): já com o domínio da técnica e estilo mais consolidado, uma série de edifícios foram erguidos. Essa fase é marcada pelas enormes catedrais

• Gótico tardio: depois da peste negra (no século XIV), os países passaram por severam crises económicas e as construções ficaram subordinadas a condições mais modestas.

Vitral gótico

Inicialmente tido como um elemento importante da arquitetura das catedrais, o vitral gótico carrega forte peso simbólico.

Em termos técnicos, os vitrais são pedaços de vidro colorido unidos por uma estrutura de chumbo. Só foi possível a implementação dos vitrais graças à inovação tecnológica que permitiu libertar uma série de paredes de carregar o peso da construção.

Os vitrais começaram a se desenvolver em 1200 e alcançaram o ápice em 1250. Eles eram um elemento importante da construção porque permitiam a entrada de muita luz nos edifícios antes escuros.

Compostos a partir de uma arte geométrica, os vitrais quase sempre traziam imagens de representações bíblicas embora por vezes também apresentassem ilustrações abstratas.

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O movimento artístico que chamamos “Renascimento” nasceu na Itália, em Florença, nas primeiras décadas do século XV. Nos finais de 1400, tinha-se espalhado por toda a Itália. Na primeira metade do século seguinte, quando Roma se sobrepunha a Florença como principal centro artístico, tinha alcançado os resultados mais clássicos.

Nessa mesma época, começou a difundir-se pelo resto da Europa, iniciando uma completa revolução artística, cujos efeitos perdurariam, com constantes acontecimentos, durante séculos, até quase o limiar da nossa época.

Este movimento, embora bastante complexo e variado internamente, estabeleceu princípios, métodos e, sobretudo, formas originais e típicas, mas comuns.

Tais formas provem de duas principais fontes: a reutilização, após um intervalo de quase um milênio, das formas características da arte clássica – arte grega e arte romana. E a aplicação de uma nova descoberta técnica: a perspectiva, conjunto de regras matemáticas e de desenho que permitem reproduzir sobre uma folha de papel ou sobre qualquer superfície plana, o aspecto real dos objetos.

Além de reviver a antiga cultura greco-romana, ocorreram nesse período muitos progressos e incontáveis realizações no campo das artes, da literatura e das ciências, que superaram a herança clássica. O ideal do humanismo foi, sem dúvida, o motel desse progresso e tornou-se o próprio espírito do Renascimento. Trata-se de uma volta deliberada, que propunha a ressurreição consciente (do renascimento) do passado, considerado agora como fonte de inspiração e modelo de civilização. Num sentido amplo, esse ideal pode ser entendido como a valorização do homem (Humanismo) e da natureza, em oposição ao divino e ao sobrenatural, conceitos que haviam impregnado a cultura da Idade Média.

Características gerais:

• Racionalidade;

• Dignidade do Ser Humano;

• Rigor Científico;

• Ideal Humanista;

• Reutilização das artes greco-romana.

A expansão marítima com a exploração de novos continentes e a pesquisa científica proclamavam a confiança no homem e, ao mesmo tempo, a Reforma Protestante diminuía o domínio da Igreja. O resultado foi que o estudo de Deus como Ser Supremo foi substituído pelo estudo do ser humano, inclusive com o estudo da anatomia. Desde retratos detalhistas, como a intensidade emocional e a iluminação surreal, a arte foi o meio de explorar todas as facetas da vida na terra.

ARQUITETURA

Na renascença italiana formada nos mesmos princípios da geometria harmoniosa em que se baseavam a pintura e a escultura, a arquitetura recuperou o esplendor da Roma Antiga.

Os arquitetos renascentistas mais notáveis foram Leon Battista Alberti, Filippo Brunelleschi, Donato Bramante, Andrea Palladio e Michelangelo Buonarotti.

Alberti (1404-72) escritor, pintor, escultor e arquiteto, foi o maior teórico da Renascença e deixou tratados de pintura, escultura e arquitetura. Ele menosprezava o objetivo religioso da arte e propunha que os artistas buscassem no estudo das ciências, como a história, a poesia e a matemática, os fundamentos de seu trabalho. Alberti escreveu o primeiro manual sistematizado de perspectiva, oferecendo aos escultores as normas das proporções humanas ideais.

Outro renascentista de múltiplos talentos foi Brunelleschi (1377-1446). Excelente ourives, escultor, matemático, relojoeiro e arquiteto, ele é mais conhecido, porém, como o pai da engenharia moderna. Brunelleschi não só descobriu a perspectiva matemática como lançou o projeto da igreja em plano central, que veio substituir a basílica medieval. Somente ele foi capaz de construir o domo da Catedral de Florença, chamada então da oitava maravilha do mundo. Tal técnica constitui em construir duas células, uma apoiando a outra, encimadas por uma claraboia estabilizando o conjunto. No projeto da Capela Pazzi, em Florença, Brunelleschi utilizou motivos clássicos na fachada, ilustrando a retomada das formas romanas e a ênfase renascentista na simetria e na regularidade.

Em 1502, Bramante (1444-1514) construiu o Tempietto (Pequeno Templo) em Roma, no local onde São Pedro foi crucificado. Embora pequeno, é protótipo perfeito da igreja com plano central encimado por domo, expressando os ideias renascentistas de ordem, simplicidade e proporções harmoniosas.

Famoso por suas vilas e seus palácios, Palladio (1508-80) teve enorme influência sobre os séculos posteriores através do seu tratado Quatro Livros de Arquitetura. Pioneiros do neoclássico se basearam no manual de Palladio. A “Villa Rotonda” incorporou detalhes gregos e romanos, como pórticos, colunas jônicas, domo plano, como o do Panteon, e aposentos dispostos simetricamente em torno de uma rotonda central.

Destaca-se também, Michelangelo Buonarotti (1475-1564) que em seus últimos anos dedicou-se à arquitetura, supervisionando a reconstrução da Basílica de São Pedro, em Roma. Acreditava que “os membros da arquitetura são derivados dos membros humanos”. As unidades arquitetônicas deveriam cercar simetricamente um eixo central vertical, assim com braços e pernas flanqueiam o tronco humano. Outro exemplo desse estilo inovador é a Colina Capitolina em Roma, o primeiro grande centro cívico da Renascença. Quebrou as normas renascentistas ao desenhar essa praça com ovais interligados e variações do ângulo reto.Sendo um dos percursores do Maneirismo.

Na arquitetura renascentista, a ocupação do espaço pelo edifício baseia-se em relações matemáticas estabelecidas de tal forma que o observador possa compreender a lei que o organiza de qualquer ponto em que se coloque.

“Já não é o edifício que possui o homem, mas este que, aprendendo a lei simples do espaço, possui o segredo do edifício”. (Bruno Zevi, Saber Ver a Arquitetura)

As principais características da arquitetura renascentista são:

• Ordens Arquitetônicas;

• Arcos de Volta-Perfeita;

• Simplicidade na construção;

• A escultura e a pintura se desprendem da arquitetura e passam a ser autônomas;

• Construções: palácios, igrejas, vilas (casa de descanso fora da cidade), fortalezas (funções militares) e planejamento urbanístico.

ARQUITETURA RENASCENTISTA NA EUROPA, EXCETO A ITÁLIA

O Renascimento caracterizou-se como um movimento praticamente restrito ao universo cultural italiano durante seus dois primeiros séculos de evolução (entre os séculos XIV e XVI, aproximadamente), período durante o qual, no restante da Europa, sobreviviam estilos arquitetônicos, em geral, ligados ao gótico ou ao tardo-românico.

No seu auge, na Itália, a estética clássica começou a ser difundida em diversos países europeus devido a motivos diversos (como guerras, anexações de territórios, pelo fato de os artistas italianos viajarem pela Europa ou serem contratados por cortes diversas).

Independente das razões, é certo que esta difusão fatalmente se dará já pela assimilação de certos ideais anticlássicos trazidos pelo Maneirismo, estilo em voga naquele momento (início do século XVI). É um momento em que a tratadística clássica está plenamente desenvolvida, de forma que os arquitetos, de uma forma geral, possuem um bom domínio das regras compositivas clássicas e de sua canonização, o que lhes permite certa liberdade criativa.

Esta leve liberdade de que gozam os artistas do período será naturalmente absorvida pela produção renascentista dos países fora do espectro cultural italiano. Há que se notar, porém, que existem estudiosos que não consideram o Maneirismo como um movimento ligado ao Renascimento, mas um estilo novo e radicalmente contrário a este.

Desta forma, a produção dita maneirista dos demais países europeus pode vir, eventualmente, a não ser considerada como uma arquitetura genuinamente renascentista. Em certo sentido é possível dizer, segundo tal ponto de vista, que tais países “pularam” diretamente de uma produção tipicamente medieval para uma arquitetura pós-renascentista (como na França).

Como as formas de difusão diferem de país para país, ainda que a arquitetura produzida por aqueles países neste momento seja efetivamente renascentista, existe um Renascimento diferente para cada região da Europa (pelo menos do ponto de vista arquitetônico). Será possível falar em um Renascimento francês, um Renascimento espanhol e um Renascimento flamenco, por exemplo.

PINTURA

Talvez nenhuma época artística tenha sido igualmente rica e tão talentosa com grandes pintores como o Renascimento.

Piero dela Francesca, Fra Angelico, Botticelli, Mantegna, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Antononello da Messina, isto para citar só alguns. E depois, Masaccio, Perugino, o supremo Rafael, os Bellini, Giorgione, Ticiano, Paolo Uccello, Lucas Signorelli, os dois Lippi, Ghirlandaio, Carpaccio, Cosmè Tura. Qualquer um deles bastaria para nobilizar um período e uma nação. Mas, todos eles viveram no mesmo país e na mesma época, ou quase.

As principais características da pintura são:

• Perspectiva: arte de figura, no desenho ou pintura, as diversas distâncias e proporções que têm entre si os objetos vistos à distância, segundo os princípios da matemática e da geometria;

• Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e outras na sombra, esse jogo de contrastes reforça a sugestão de volume dos corpos;

• Realismo: o artista do Renascimento não vê mais o homem como simples observador do mundo que expressa a grandeza de Deus, mas como a expressão mais grandiosa do próprio Deus. E o mundo é pensado como uma realidade a ser compreendida cientificamente, e não apenas admirada;

• Inicia-se o uso da tela e da tinta à óleo;

• Tanto a pintura como a escultura que antes apareciam quase que exclusivamente como detalhes de obras arquitetônicas, tornam-se manifestações independentes;

• Surgimento de artistas com um estilo pessoal, diferente dos demais, já que o período é marcado pelo ideal de liberdade e, consequentemente, pelo individualismo.

Vamos comentar brevemente os mais conhecidos pintores desse período:

Giotto di Bondone (c.1267-1337), mais conhecido simplesmente por Giotto, pintor e arquiteto italiano. Nasceu perto de Florença, foi aluno do mestre Cimabue. É conhecido como fundador da arte renascentista. O impressionante realismo e o poder dramático de suas obras constituíram-se numa revelação para seus contemporâneos, anunciando uma nova era no desenvolvimento da pintura. Considerado o elo entre as pinturas renascentista, medieval e bizantina. A característica principal do seu trabalho é a identificação da figura dos santos como seres humanos de aparência comum. Esses santos com ar humanizado eram os mais importantes das cenas que pintava, ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo, muito própria do Renascimento.

Leonardo da Vinci (1452-1519) foi o artista que mais perto chegou do ideal “homem da Renascença”, que significa um indivíduo de talentos múltiplos, que irradiava saber. Tinha múltiplos talentos, deixou cadernos e mais cadernos com suas pesquisas e estudos. Possuía grande curiosidade e vontade de voar como os pássaros. Essa busca constante por entender todo o “mecanismo” que o cercava, não deixou grande quantidade de obras na pintura, mas é incontestável a sua genialidade. Dominou com sabedoria o jogo expressivo de luz e sombra, gerador de uma atmosfera que parte da realidade, estimulando a imaginação do observador. Foi possuidor de um espírito versátil que o tornou capaz de pesquisar e realizar trabalhos em diversos campos do conhecimento humano.

Michelangelo Buonarotti (1475-1564) foi o maior contribuinte para elevar o status da atividade do artista. Acreditando que a criatividade era uma inspiração divina, quebrou todas as normas. Os admiradores se referiam a ele como o “Divino Michelangelo”, mas o preço da glória foi a solidão. Entre 1508 e 1512 trabalhou na pintura do teto da Capela Sistina, no Vaticano. Para essa capela, concebeu e realizou grande número de cenas do Antigo Testamento. Dentre tantas que expressam a genialidade do artista, uma particularmente representativa é a “Criação do Homem” e o afresco “O Juízo Final”, que foi concluído 29 anos depois da pintura do teto, e essa pintura impressiona pela atmosfera sinistra.

Rafael Sanzio (1483-1520) foi, dentre as maiores figuras da escola da Alta Renascença (Leonardo, Michelangelo e Rafael) eleito o mais popular. Enquanto os outros dois eram reverenciados, Rafael era adorado. Um contemporâneo dos três, chamado Vasari, que escreveu a primeira história da arte, afirmou que Rafael era “tão amável e bondoso que até os animais o amavam”. O pai de Rafael, um pintor menor, ensinou ao precoce filho os rudimentos da pintura. Aos 17 anos de idade, Rafael era considerado um mestre independente. Aos 26 anos, chamado a Roma pelo Papa para decorar os aposentos do Vaticano, ele pintou os afrescos, com ajuda de 50 discípulos, no mesmo ano que Michelangelo terminou o teto da Capela Sistina. “Tudo que ele sabe, aprendeu comigo” disse Michelangelo. De Leonardo, ele assimilou a composição piramidal e aprendeu a modelar rostos em luz e sombra (chiaroscuro). De Michelangelo, Rafael adotou as figuras dinâmicas, de corpo inteiro e a pose de “contraposto”. Foi o grande pintor das Madonas. Morreu com 37 anos e toda a corte “mergulhou em luto” segundo Vasari.

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Na trajetória da arte barroca, devemos considerar o papel exercido pela Igreja, preocupada naquele momento em frear os avanços do protestantismo e da renascença.
A valorização das luzes, movimentos e santos: pontos fundamentais da arte barroca.
O caráter transitório que marcou os primeiros tempos do período moderno é alvo de um amplo estudo que se esforça em considerar as permanências e transformações experimentadas nesse período. A expansão marítima, o Renascimento, a descoberta do Novo Mundo, as novas religiões protestantes, a consolidação do poder monárquico integraram uma gama de acontecimentos complexos que reverberaram nas diversas instâncias de ordem social, política e econômica.

Mudanças na esfera artística após o Renascimento

Na esfera artística, houve a ascensão de novos padrões estéticos que procuravam superar todo aquele rigor proveniente dos princípios de simetria e equilíbrio valorizados pelo Renascimento. Entre outras mudanças, houve o surgimento de pinturas e esculturas marcadas por formas retorcidas e tensas. A preocupação em reforçar o racionalismo e equilibrá-lo com as emoções perdeu campo para uma arte mais emotiva e cotidiana.

Características da arte barroca

Foi nessa tendência que a arte barroca ganhou espaço e passou a inaugurar um novo período na arte europeia, que já havia experimentado os valores estabelecidos pela renascença. Na chamada arte barroca, notamos uma preocupação menor com as formas e as linhas utilizadas na criação de uma pintura ou escultura. A valorização das cores e a contraposição de luzes e sombras tinham grande importância na demonstração dos gestos e estados de espírito do homem.

Na trajetória do barroco, também devemos contabilizar o papel exercido pela Igreja, preocupada naquele momento em frear os avanços do protestantismo e da renascença. O enfraquecimento do poder católico promoveu a disseminação dessa arte sinuosa e dramática utilizada como meio de reafirmação dos valores cristãos por meio de imagens que pretendiam causar impacto semelhante ao das esculturas. Não por acaso, o barroco nasceu na Itália, centro do poder católico, e ganhou igual força entre os países ibéricos.

A história e atributos de santos e mártires católicos foram representados com bastante frequência na pintura, nas esculturas e construções do período. Os elementos eram dispostos de uma maneira pouco assimétrica, assumindo na maioria das vezes uma organização diagonal. Paralelamente, podemos também destacar um tipo de realismo que tentava captar situações cotidianas vividas por pessoas simples, propondo um contraste à reprodução das autoridades monárquicas que se firmavam na época.

Obras importantes do Barroco

Na pintura barroca, podemos destacar algumas importantes obras, como “Cristo em Casa de Marta e Maria” (1578), do pintor italiano Tintoretto; “Deposição de Cristo” (1602), de Michelangelo Merisi da Caravaggio; “Espólio” (1579), do pintor espanhol El Greco; “A Lição de Anatomia do Doutor Tulp” (1632), do artista holandês Rembrandt Harmenszoon van Rijn; e “Moça com brinco de pérola” (1665), do pintor Johannes Vermeer.

Na escultura e na arquitetura, também possuímos um grande acervo de obras barrocas. Damos especial destaque a obras como “Êxtase de Santa Teresa” (1645 – 1652), do escultor italiano Gian Lorenzo Bernini; a “Igreja de Santa Maria della Pace” (1656 – 1657), projetada por Pietro de Cortona; e “San Carlo alle Quattro Fontane”, do construtor italiano Francesco Borromini.

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Ao longo dos séculos XVII e XVIII, artistas europeus adotaram um estilo cada vez mais elaborado. Conhecido como barroco, esta abordagem é caracterizada por uma estética ornamentada e exagerada que evoca a eterealidade e tem como objetivo inspirar admiração.

A arte barroca no Brasil surgiu inspirada nessas influências vindas com os colonizadores portugueses e incorporou muitos elementos as produções nacionais. Hoje, o período barroco continua sendo um dos movimentos culturais mais celebrados na história da arte ocidental.

Neste post, vamos mostrar mais deste estilo extravagante, explorando suas características, artistas e conhecendo mais sobre Aleijadinho, o artista que marcou a arte barroca no Brasil.

Características da arte do barroco do Brasil

Com o nome de barroco, termo português para uma pérola de formato irregular, este período é definido pela grandeza e opulência de sua arte e arquitetura.

Com raízes em Roma, o movimento se espalhou pela Itália e outros países europeus entre 1600 e 1750, tornando-se particularmente popular na França, na Espanha e na Áustria.

A arte barroca no Brasil ganhou relevância com a chegada dos colonizadores portugueses, tendo seu apogeu no século XVIII, estendendo sua influência até as primeiras décadas do século XIX.

Os artistas barrocos empregavam realismo, cores ricas e temas religiosos ou mitológicos, enquanto os arquitetos favoreciam o equilíbrio e a simetria.
Mas a extravagância é uma característica evidente na arte e arquitetura barroca no Brasil, assim como nas obras irmãs europeias.

O nordeste e o sudeste do Brasil reúnem grande parte do legado de obras barrocas brasileiras.
O estado de Minas Gerais e sua região região histórica – Ouro Preto, Tiradentes, Mariana, entre outras cidades – guardam muitas igrejas, fachadas e praças que são joias da arte nacional desse estilo.

Na Bahia, as igrejas barrocas também são registros da exuberância das formas e das cores suntuosas que destacavam a religiosidade como guia e modelo da época.