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¿Qué es lo que te sorprende de este estilo?

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¿Qué es lo que te sorprende de este estilo?

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Las personas que Picasso pintó tienen dimensiones distintas, pero son abstractos. El sencillez de las pinturas me sorprende sobre este estilo. Sin embargo, las personajes de las pinturas pueden tener muchos emociones. Con sus obras cubismo, Picasso puede contar historias con perspectivas nuevas.

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1. VIDA DE PICASSO

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. fue bautizado como Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomu ceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad. Su padre era José Ruiz, pintor y profesor de Dibujo en la Escuela de Artes y Oficios, y su madre fue María Picasso.

Durante 1897-1898 estudió en Madrid, en la Academia de San Fernando. Y se deleitó con el Museo del Prado. Regresó a Barcelona. Allí concurría al Café "Els Quatre Gats", lugar de reunión de intelectuales y artistas, y en 1900, en una de sus salas realizó su primera Exposición individual. Luego viajó a París, pues uno de sus cuadros, "Últimos momentos" había sido seleccionado para representar a España en la Exposición. Fue subyugado allí por el Louvre y el Luxemburgo, así como por las pinturas de Toulouse-Lautrec, Renoir, Degas, Manet, Van Gogh.

Al año siguiente, en 1901, Picasso volvió a París y presentó la Primera Exposición personal allí, y comenzó a firmar sus cuadros con el apellido materno. Se va alejando de Barcelona después de ires y venires y en 1904 se radica en París. Dos años después, en Gósol, pueblo del Pirineo catalán, donde se nutre del arte ibérico y románico, y el artista comienza a realizar esculturas.
En 1906 conoció a Matisse y a Derain; en este año muere Paul Cézanne. Pablo Picasso va experimentando y definiendo su arte hacia el cubismo, y en 1907 pinta "Les demoiselles d'Avignon". Pero se presentó al público recién en 1916, pues su estilo causó mucho desconcierto.

Después de esta etapa del cubismo inspirado en Cézanne, sobrevino en 1909 el cubismo analítico, en que Picasso y Braque descomponían las imágenes en pequeños elementos hasta llegar a hacer irreconocibles los objetos; y a partir de 1912 comenzó el cubismo sintético. Picasso logró un desahogo económico que le fue permitiendo vivir más confortablemente.

En 1918, estando en Italia se casó con la bailarina rusa Olga Koklova. También en esta época Picasso abandonó el cubismo y se inspiró en la tradición clásica. Sus cuadros ya se cotizaban muy bien, y En 1921 nació su hijo mayor, Paul, al que pintó en "Paúl de arlequín".

Alrededor de 1925 comenzó a participar en el movimiento surrealista, pero se apartó para continuar su propia expresión artística.

En 1927 inició su relación con Marie-Térese Walter, aunque se separó de su primera esposa en 1935, cuando nació su hija Maya, de este amor. Algún tiempo después compartió su vida con una nueva compañera, Dora Maar.El estallido de la civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que r einterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia.

Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte, el 8 de abril de 1973.

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Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. fue bautizado como Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomu ceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad. Su padre era José Ruiz, pintor y profesor de Dibujo en la Escuela de Artes y Oficios, y su madre fue María Picasso.

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Te explicamos qué es el cubismo, las características y artistas de este movimiento. Además, el cubismo analítico, sintético y algunas obras.

¿Qué es el Cubismo?

Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo XX que irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un fuerte distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un precedente vital para el surgimiento de las vanguardias artísticas.

Su estilo característico explora una nueva perspectiva geométrica de la realidad, mirando los objetos desde todos los puntos de vista posibles, lo cual fue una ruptura con modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento.

El término "cubismo" no obstante no fue propuesto por los propios pintores, sino por el crítico Louis Vauxcelles, el mismo que en su momento puso nombre al fauvismo, quien luego de acudir a una exposición de Georges Braque (francés, 1882-1963) afirmó que sus obras "reducían el paisaje y el cuerpo humano a insípidos cubos", y procedió entonces a hablar del cubismo. Al respecto afirmaría luego el pintor español Pablo Picasso, considerado máximo exponente del movimiento, que "Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro".

Ver además: Arte abstracto

Características del cubismo

A pesar de lo que su nombre pueda sugerir, el cubismo no consiste en pintar a través de cubos. Por el contrario, el cubismo reconoce y abraza la naturaleza bidimensional del lienzo y renuncia a la tridimensionalidad, tratando más bien de representar en sus pinturas todos los puntos de vista posibles de un objeto, de manera simultánea. Al hacerlo, revolucionaba los preceptos vigentes en la pintura desde la antigüedad, razón por la cual se considera al cubismo como la primera de las vanguardias artísticas.

Las pinturas cubistas, así, carecen de profundidad, ofrecen múltiples puntos de vista (en lugar de uno único), y suprimen la mayoría de los detalles de los objetos que representan, a menudo reduciéndolos a un mismo rasgo: los violines, por ejemplo, se reconocen únicamente por sus colas.

Al mismo tiempo, el género de pinturas del cubismo no podría ser más convencional: bodegones, paisajes, retratos. Pero a diferencia del impresionismo y del fauvismo, se los pinta con colores apagados: grises, verdes y marrones, sobre todo en su primera época.

La dificultad que suponía interpretar ciertos cuadros cubistas, dada su ruptura con toda forma de naturalidad, ocasionó que fuera necesario acompañar la obra con un texto explicativo o de naturaleza crítica, gesto que luego se haría común en las obras de arte de las vanguardias.

Artistas del cubismo

El máximo exponente del cubismo fue el español Pablo Picasso (1881-1973), a quien se le asume como fundador de la estética y primer cultor de su estilo. Sin embargo, otros artistas reconocidos por su obra cubista fueron los franceses Georges Braque (1882-1963), Jean Metzinger (1883-1956), Albert Gleizes (1881-1953) y Robert Delanay (1885-1945), y los españoles Juan Gris (1887-1927) y María Blanchard (1881-1932).

Cubismo analítico (1909-1912)

El cubismo analítico o cubismo hermético fue la etapa inicial del movimiento, cuyas pinturas eran casi todas monocromas y grises, enfocadas en el punto de vista y no en la cromaticidad. Este enfoque era tal, que en muchos casos las obras se volvían prácticamente abstractas, ya que los planos se hacían irreconocibles e independientes del volumen del objeto pintado. Esto ocasionó que el nuevo estilo recibiera mucho rechazo de los sectores tradicionalistas de la pintura, al mismo tiempo que el entusiasmo de los artistas de vanguardia y de personalidades de la cultura como Guillaume Apollinaire y Gertrude Stein, quienes escribieron piezas críticas sobre la importancia del cubismo naciente.

Hacia 1911, sin embargo, el pintor madrileño Juan Gris empezó a interesarse por la luz, incorporándola a sus obras cubistas de manera naturalista. Pero al año siguiente se había sumado a la tendencia hacia el collage de Picasso y Braque, incorporando a sus cuadros materiales diversos como madera y tapicería.

Cubismo sintético (1912-1914)

El segundo período del cubismo nace a raíz de la tendencia de Braque a incorporar, a partir de 1912, números y palabras en sus cuadros, así como la utilización de maderas, papeles decolorados y otros materiales.

Ese mismo año Picasso realiza su primer collage, y esta incorporación de otros elementos añade color a la tendencia cubista hasta entonces monocroma. Los cuadros cubistas se vuelven entonces más figurativos y por ende más sencillos de interpretar, más dóciles, y en ellos los objetos son reducidos a sus características elementales, en vez de a volúmenes y planos superpuestos.

Ésta es considerada la etapa más imaginativa del cubismo, especialmente en la obra de Juan Gris, quien se otorgó mayores cuotas de libertad y color. Sin embargo, la Primera Guerra Mundial puso fin al movimiento, ya que muchos pintores fueron llamados al frente, y en la posguerra solamente Juan Gris permaneció fiel al cubismo, aunque en un estilo mucho más simple y austero.

Obras del cubismo

Algunos de los cuadros más representativos del cubismo son:

Guernica (1937) de Pablo Picasso.

Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso.

Violín y paleta (1909) de Georges Braque.

La botella de anís (1914) de Juan Gris.

Mujer leyendo en la playa (1937) de Pablo Picasso.

Cubismo literario

El cubismo literario es una adaptación fruto del ingenio del francés Guillaume Apollinaire (1880-1918), reconocido poeta y ensayista. En esta tendencia procuraba mezclar imágenes y conceptos de manera más o menos azarosa, incursionando así en los caligramas: poemas que formaban sobre la página una imagen determinada, debido a su distribución sobre el papel en blanco.

Esta tendencia es llevada al máximo por Apollinaire en sus Caligramas. Poemas de paz y de la guerra (1918), en donde rompía la estructura sintáctica y lógica del poema, prefigurando lo que posteriormente harían los surrealistas.

Pablo Picasso

Picasso no sólo fue la figura central del cubismo, sino un pintor y escultor de renombre internacional, considerado uno de los artistas más influyentes de numerosos movimientos artísticos, además de un cultor de otras formas de arte como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, el diseño de escenografías y de vestuario para montajes teatrales, e incluso tuvo una brevísima obra literaria.

Picasso fue además un pacifista y militante comunista, miembro de tanto el Partido Comunista de España como del francés, hasta el día su muerte en 1973. Lo indiscutible de su obra contrasta, además, con su vida personal y amorosa, de una notoria promiscuidad y misoginia, a punto tal de llegar a considerar las mujeres como "máquinas de sufrir".

Referencias

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Cubismo - Concepto, tipos, características, artistas y obras

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Cubismo ✓ Te explicamos qué es el cubismo, las características y artistas de este movimiento. Además, el cubismo analítico, sintético y algunas obras...

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¿Qué es La mujer que llora?

La mujer que llora es una pintura que el artista español Pablo Picasso realizó en París, donde vivía, a finales de octubre de 1937.

El cuadro forma parte de los postscripts del Guernica, una serie de obras en las que Picasso continuó explorando los temas con los que había trabajado en esa obra. Al mismo tiempo, es un retrato de la fotógrafa surrealista Dora Maar, que era su amante en ese período.

Como parte del proceso de creación del mural que formó parte del Pabellón español en la Exposición internacional de París de 1937, Pablo Picasso desarrolló una intensa investigación sobre temas en los que ya había trabajado en obras previas como el toro, el caballo y las mujeres sufrientes.

Durante los meses previos y posteriores a la producción del Guernica, elaboró decenas de dibujos y pinturas en los que analizaba esos temas con distintos recursos plásticos. L a mujer que llora, derivado de la madre que sostiene a su hijo muerto en el Guernica, fue un tema que obsesionó a Picasso durante todo el año 1937. Es el motivo del que realizó más versiones incluso en años posteriores.

Características de La mujer que llora

Entre las características de La mujer que llora se pueden mencionar las siguientes:

Es una pintura realizada con óleo sobre tela que representa a Dora Maar en un llanto desconsolado mientras cubre su boca con un pañuelo blanco.

Se han rastreado 36 imágenes realizadas por Picasso sobre este tema, incluyendo dibujos, grabados y pinturas. La versión de la Tate Gallery es la más compleja de toda la serie desde el punto de vista compositivo, constructivo y del color.

La mujer que llora reúne y sintetiza la evolución de los rasgos constructivos del personaje que el artista había trabajado durante todos los meses anteriores.

Además de ser un retrato, la imagen ha sido analizada como un símbolo de la España sufriente del período de la Guerra civil española. Probablemente Picasso se inspiró en las numerosas fotografías del sufrimiento de las mujeres españolas heridas, migrantes con sus hogares destruidos, etcétera, que llegaban a París a través de la prensa.

Algunas interpretaciones asocian la figura de la mujer en llanto con la advocación de la Virgen de los Dolores o Mater Dolorosa, cuya devoción es muy popular en España.

Durante los primeros años, el cuadro fue clasificado como surrealista por los críticos a causa de que algunos de los elementos, como las cuencas de los ojos (representadas como botes o cucharas desde los que se derraman las lágrimas) fueron entendidos como imágenes provenientes del mundo de los sueños. Sin embargo, esas formas provienen de análisis personales del artista y no de una adhesión al movimiento.

La mayor parte de las versiones del tema de la mujer en llanto se encuentran en el museo Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, España.

Análisis de La mujer que llora

El cuadro representa a una mujer llorando desconsoladamente mientras se cubre parte de la cara con un pañuelo. Lleva un abrigo pesado y un sombrero rojo con una flor azul a la moda de la época. La modelo está ubicada sobre un fondo que muestra una pared con un empapelado o entelada ficticio.

Para elaborar este retrato de Dora Maar, Pablo Picasso utilizó libremente el lenguaje del cubismo que había desarrollado unas décadas antes. Mediante formas angulares y planos de color que se intersectan, combinó distintos puntos de vista en una sola imagen: mientras la cara está de perfil, la boca tiene un perfil de tres cuartos y los ojos están de frente.

A diferencia de las figuras del Guernica, que tienen un tratamiento plano, la forma de La mujer que llora está trabajada con una tridimensionalidad más acentuada. Empleó, además, colores brillantes (rojo, verde, amarillo, azul, verde y malva) que entran en contradicción con la angustia que manifiesta el personaje.

El sentimiento de dolor del personaje está acentuado por el gesto de la mujer, que se lleva a la cara un pañuelo, y las manos que lo sostienen se transforman en lágrimas. En el centro del rostro, los rasgos se confunden con la mano y las formas del pañuelo, generando una confusión angustiosa de elementos.

Historia de La mujer que llora

Picasso vendió la pintura a su amigo el escritor y coleccionista inglés Roland Penrose en noviembre de 1937. La pieza fue robada junto con numerosas piezas de su colección en 1969 pero fue recuperada algunos meses después. Para asegurar su seguridad, el propietario la cedió en préstamo a la Tate Gallery, que la compró unos años después.

Actualmente se exhibe en la colección permanente del museo.

Guernica-Legado Picasso. Museo del Prado, Casón del Buen Retiro, Madrid, 1981.

Tate Gallery: Illustrated Catalogue of Acquisitions 1986-88, London, 1996.

Tate Gallery Website.

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La mujer que llora (Pablo Picasso) - Análisis, características, historia y más

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La mujer que llora es una pintura que el artista español Pablo Picasso realizó en París, donde vivía, a finales de octubre de 1937. El cuadro forma parte de los postscripts del Guernica, una serie de obras en las que Picasso continuó explorando los temas con los que había trabajado en esa obra.

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Revisado por Andrea Imaginario

Especialista en artes, literatura e historia cultural

Guernica es una pintura mural al óleo elaborada en el año 1937 por el pintor, escultor y poeta español Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España 1881-Mougins, Francia 1973). Se encuentra actualmente en el Museo de Arte Reina Sofía en Madrid, España.

Pablo Picasso: Guernica. 1937. Óleo sobre lienzo. 349,3 x 776,6 cm. Museo Reina Sofía, Madrid.

El cuadro fue un encargo del gobierno de la Segunda República en España para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937, en pleno contexto de la Guerra Civil española. Picasso no recibió ninguna petición acerca del tema, de modo que demoró algún tiempo en hallar un concepto apropiado. A partir de esta situación, surgen una serie de dudas respecto a la génesis y tema real del lienzo.

Análisis

Guernica se considera uno de los cuadros más importantes de la carrera del pintor Pablo Picasso y del siglo XX, tanto por su carácter político como por su estilo, una mezcla de elementos cubistas y expresionistas que lo tornan único. Cabe preguntarse qué representa, de dónde deriva su carácter político y cuál es el significado que el pintor le atribuye.

¿Qué representa el cuadro Guernica?

En la actualidad, existen dos tesis en debate sobre qué representa el Guernica de Pablo Picaso: la más extendida defiende que se inspira en el contexto histórico de la Guerra Civil española. Otra, más reciente y escandalosa, insiste en que se trata de una autobriografía.

Contexto histórico

La mayoría de las fuentes señalan que el cuadro Guernica representa un episodio enmarcado en el contexto histórico de la Guerra Civil española. Para entonces, Guernica -ubicada en Vizcaya, País Vasco-, estaba bajo el control de la Segunda República y tenía tres fábricas de armamento.

En consecuencia, el 26 de abril de 1937, la población de Villa Vasca de Guernica fue bombardeada por la Legión Cóndor de las fuerzas de aviación alemanas, apoyadas por la aviación italiana. El bombardeo dejó un saldo de 127 fallecidos, despertó la reacción popular y repercutió en la opinión pública internacional.

Una posible autobiografía

Tras el análisis de los bocetos para el lienzo y su datación, algunos investigadores se ha preguntado si realmente Picasso se propuso desde el inicio una representación deliberada de los bombardeos sobre Guernica.

En un artículo de Macarena García titulado ¿Y si el 'Guernica' contara otra historia?, en el que reseña el libro Guernica: la obra maestra desconocida de José María Juarranz de la Fuente (2019), se informa que la obra habría comenzado a realizarse antes de que se tuviera conocimiento de los bombardeos.

El tema inicial habría sido, según Juarranz, un relato autobiográfico familiar del pintor, que recorre su historia con su madre, sus amantes y su hija, la cual estuvo a punto de morir tras el alumbramiento. Esta hipótesis ya habría sido sugerida por Daniel-Henry Kanhweiler, marchante y biógrafo del pintor malagueño.

Cabe preguntarse, ¿puede un análisis iconográfico confirmar o invalidar esta interpretación? Veamos a continuación.

Te puede interesar: 13 obras esenciales para comprender a Pablo Picasso.

Descripción iconográfica

En Guernica, Picasso aplica la técnica de la pintura al óleo en un lienzo de gran formato. es un cuadro polícromo, cuya paleta incluye negro, gris, azul y blanco, de modo que el pintor aprovecha al máximo los fuertes contrastes de claroscuro que estos colores permiten.

El cuadro refleja la dualidad de dos escenas en una: la parte izquierda parece el interior de una casa y la parte derecha el exterior, unidos y separados a la vez por umbrales.

El umbral es un símbolo importante en el imaginario artístico. Este se permite el tránsito del interior al exterior y viceversa, y comunica diversos espacios y mundos. Por lo tanto, cuando se cruza cualquier umbral, se pasa a una zona peligrosa de batallas invisibles pero reales: el subconsciente.

Para la unificación de los diferentes aspectos del cuadro, Picasso usa la técnica del cubismo sintético, que consiste en trazar una línea recta a lo largo del cuadro, unificando con ello las formas inconexas.

La luz en el cuadro es crucial para mostrar el dramatismo y la conexión entre los diferentes personajes al estar todos iluminados y todos juntos en este sufrimiento.

Personajes y figuras en Guernica

La composición de Guernica presenta nueve personajes: cuatro mujeres, un caballo, un toro, un pájaro, una bombilla y un hombre.

Las mujeres

Para Picasso, las mujeres son efectivas para mostrar el sufrimiento y el dolor, ya que les atribuye esa cualidad emocional.

Las dos mujeres que claman al cielo por justicia están una en cada extremo del cuadro enmarcando el sufrimiento. La mujer de la izquierda clama por la vida de su hijo, quizá símbolo del dolor psíquico, y nos recuerda la iconografía de la Piedad.

La mujer de la derecha clama por el fuego que la consume. Representa probablemente el dolor físico. Picasso consigue aumentar la sensación de encierro al circunscribirla en un cuadrado.

Las otras dos mujeres crean movimiento desde la derecha hacia el centro de la obra. La mujer más pequeña parece absorta con la luz que emana la bombilla en el centro de la sala, por lo que su cuerpo (en diagonal) completa la composición triangular.

La otra mujer, semejante a un espectro, se asoma por una ventana portando una vela en dirección a la figura central del caballo. Ella es la única imagen etérea y la única que sale o entra por una ventana o umbral, transitando de un mundo a otro.

También te puede interesar: Significado de las Señoritas de Avignon de Pablo Picasso.

Detalle de animales: toro, paloma y caballo.

El caballo

Herido con una lanza, el caballo sufre contorsiones cubistas de cabeza y cuello. De su boca sale un cuchillo que tiene por lengua, el cual apunta en dirección al toro.

El toro

El toro al lado izquierdo del cuadro está sorprendentemente impasible. El toro es el único que mira al público y se comunica con él en una forma que los otros personajes no lo logran.

Pablo Picasso, en la década de los 30, hace del toro un animal recurrente en su iconografía hasta convertirlo en el símbolo del laberinto de su vida.

El pájaro (paloma)

El pájaro está muy sutil entre los dos animales fuertes del cuadro: el toro y el caballo. Pero eso no le impide graznar a los cielos de la misma manera que hacen las mujeres que se enmarcan a cada lado del cuadro.

La bombilla

La bombilla circunscrita en una especie de ojo, con rayos como un sol, preside el conjunto de la escena y da la sensación de observar por fuera todos los acontecimientos.

La bombilla interior juega con la ambigüedad y dualidad de no saber si es noche o día, interior o exterior. Nos transporta a un mundo fuera de este mundo.

El hombre

El hombre es representado por una sola figura, en el suelo, con los brazos abiertos extendidos y fragmentados.

Ubicado a lo largo del suelo de la parte izquierda, vemos su brazo amputado, aún empuñando una espada rota junto a una única y minúscula flor ubicada en el centro inferior del cuadro, representando quizá la esperanza.

Las rayas en el brazo simbolizan la flagelación. Esto, junto con sus brazos abiertos nos recuerda la crucifixión como sufrimiento y sacrificio del hombre.

Vea también Cubismo

Significado del Guernica

Pablo Picasso alcanzó a decir lo siguiente sobre su obra:

Mi trabajo es un grito de denuncia de la guerra y de los ataques de los enemigos de la República establecida legalmente tras las elecciones del 31 (...). La pintura no está para decorar apartamentos, el arte es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo. La guerra de España es la batalla de la reacción contra el pueblo, contra la libertad. En la pintura mural en la que estoy trabajando, y que titularé Guernica, y en todas mis últimas obras, expreso claramente mi repulsión hacia la casta militar, que ha sumido a España en un océano de dolor y muerte.

Sin embargo, la beligerante declaración de Pablo Picasso hizo que la obra Guernica fuera considerada una pintura propagandística. ¿Fue realmente inspirada en los bombardeos de Guernica o respondió a los fines propagandísticos de la izquierda española? Parafraseando a José María Juarranz de la Fuente, Macarena García sostiene que:

Picasso nombró Guernica a su obra para elevarla de categoría y multiplicar su visibilidad en Europa, convirtiéndola en un símbolo contra la barbarie fascista de la guerra española.

Macarena García resume las conclusiones de Juarranz de la Fuente de la siguiente manera:

El toro representa el autorretrato de Picasso, la mujer con el niño desmayado representaría a su amante Marie Thèresse Walter y a su hija Maya en el momento del nacimiento y el caballo representaría a su ex mujer Olga Koklova y la lengua puntiaguda a sus duras discusiones con ella antes de su separación.

En cuanto a la figura femenina que sostiene una lámpara que sale de una ventana, José María lo asocia a la madre del artista en el momento del terremoto que vivieron en Málaga...

En otro artículo titulado ¿Es el 'Guernica' un retrato familiar de Picasso?, escrito por Angélica García y publicado en El País de España, también se hace referencia al libro de Juarranz de la Fuente. En este se dice que:

El guerrero tirado en el suelo es su interpretación más polémica, reconoce el autor. No alberga dudas de que se trata del pintor Carlos Casagemas, al que considera que Picasso traicionó durante un viaje a Málaga.

Más allá de determinar cuál interpretación es verdadera, surgen una serie de preguntas en nosotros. ¿Acaso este cuestionamiento invalida el significado simbólico que se le ha atribuido a la obra? ¿Podría ser que Picasso hubiera comenzado el proyecto como algo personal y, ante el evento, le hubiera dado un giro a sus bocetos preliminares antes de su ejecución final? ¿Puede ser que haya visto en su propia historia de vida la metáfora de una guerra?

Si bien puede ponerse en cuestión las motivaciones iniciales de Picasso, la polémica confirma la naturaleza polisémica del arte. En todo caso, es posible interpretar esta discusión como signo de la capacidad de los artistas, muchas veces inconsciente, para trascender el pequeño mundo de las intenciones declaradas y captar sentidos universales. Quizá en cada obra, como en el Aleph de Borges, se esconde el universo vivo.

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Significado del cuadro Guernica de Pablo Picasso

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Guernica es un cuadro pintado al óleo el año 1937 por el pintor, escultor y poeta español Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España 1881 - Mougins, Francia 1973). El cuadro fue un encargo para el pabellón Español de la exposición internacional en París...

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Qué es el cubismo, fácil, por #explainerstv

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Una pintura enorme que fue creado en respuesta al bombardeo alemán durante la guerra civil española. El Guernica describe los horrores de la guerra. En muchas opiniónes, es la pintura más importante de Picasso.

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El cubismo usa muchas formas planas. Explora una nueva perspectiva geométrica de la realidad y mira los objetos desde todos los puntos de vista. Este arte es diferente de pictóricos desde el Renacimiento.

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Los Primeros Años de Vida

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- Nació en Málaga, España en 1881.

- Su familia se mudó a La Coruña en 1891, y Picasso fue admitido en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja.

- Creó un taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal (1896). En este taller, creó obras del arte, por ejemplo Ciencia y clardidad, por cual ganó un premio en Madrid.

- El primer muestra individual de Picasso fue en 1898. Él vendó tres obras a Petrus Mañach por ciento cincuenta francs.

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Creamos un hombre de muchas formas y él tiene un clarinete. También, hay notas musicales al lado de su cabeza. Nos gusta música y tocamos instrumentos. Es un parte importante de la vida diaria.

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El Periodo Azul

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- Picasso visitó la Francia y decidió a se moverse a Paris en 1904.

- Conocío a su amigo  Max Jacob (una poeta), quien vendó las primeras obras de El Periodo Azul.

- Creó un taller en la calle Ravignan.

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- Creó muchas obras por tres años, pro ejemplo Las señoritas de Aviñón (1907).

- Uso elementos del Paris en su obras, por ejemplo calles y terrazas.

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Picasso trabajó con George Braque para crear obras cubismos. La obra más temprano de este estilo es "Les Demoiselles d'Avignon" y incluyó aspectos de su periodo de arte Africana. El parte de cubismo más complejo y abstracto es "cubismo analitico." Durante el periodo de cubismo, el estilo cambió mucho.

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- Antes del sus obras cubismos fue creado, Picasso uso formas largas y solo colores negros para sus etapas, para desconectar de sus obras previos.

- Sus pinturas tienen influencia Africana.

- En su periodo Cubismo, Picasso pintó muchos pinturas con formas simples.

- Fue una pionero en el cubismo hérmetico (tenía muchos planos y cubismo sintetico (tenía muchos colores).

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El Periodo Rosado

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Neoclásicismo y Etapa Surrealista (1917 - 1935)

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Neoclásicismo y Etapa Surrealista (1917 - 1935)

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- Después de sus etapas colores y el Primera Guerra Mundial, Picasso fue inspirado a pintar las pinturas con temas positivas y lugares familiares, como Dos mujeres comiendo por la playa. El nobre de está etapa es "Neoclásicismo."

- Después Picasso fue inspirado de pintores surrealistas, por ejemplo Dalí, y implementó elementos surrealistas en sus pinturas, como La danza (1925). A pesar de eso, Picasso dijó que él no era una surrealista.

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Usamos colores para enfatizar el hombre y el instrumento. La variedad de colores implica la niñez y el aprendizaje.

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Periodo Negro y Cubismo. Las personas tienen influencia Africana y formas diferentes forman las figuras.

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Un critico que se llama Louis Vauxcelles creó el término "cubismo." Dijo que las obras "reducían el paisaje y el cuerpo humano a insípidos cubos." Después, para defender el estilo, Pablo Picasso dijo que "Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro."

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El Periodo de Neoclasicismo y Surrealista.

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El hombre es de formas. Usamos circulas, cuadrados, triangulos, y otras para demostrar el estilo cubismo. Aunque hay formas, el hombre tiene estructura. Tipicamente, hay un emoción de la pintura. El hombre en esta pintura está cansado.

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Expresionismo, Periodo Vallauris, y la Última Etapa

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Expresionismo, Periodo Vallauris, y la Última Etapa

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- Durante del Guerra Civilista Española, Picasso pintó las pinturas que fue inspirado de cubismo, pero tenía los temas de dolor, como La mujer llorando (1937).

- Durante de su Periodo Vallauris, Piccaso creó cerámica y platos.

- En el periodo final del su Vida, Picasso pintó pinturas que fue inspirado de otra artistas, por ejemplo Goya y Velázquez.

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El Periodo de expresionismo. También fue creado después del bombardeo del pueblo de Guernica durante la Guerra Civil Española. Picasso usó muchos aspectos del cubismo para retratar su mensaje.