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En El instrumento, la voz de Eduardo Darnauchans se quiebra en un arranque inconfundible: "Conocerse, claro está, que necesita su tiempo". Hoy, en el último día de agosto de 2021, mientras Fidel Sclavo (61) baja por Juan Benito Blanco, encara el termómetro de la rambla que marca 30 grados, se sienta en la última mesa del bar y se pide un café solo, con un vaso de soda, el verso del cantautor uruguayo no aplica. O, al menos, eso parece. Ese rostro coronado por una melena y barba plateada emana familiaridad y una cercanía difícil de rebatir. Para colmo, sus últimas dos obras literarias solo han conspirado para que Sclavo -que vive desde hace quince años en Buenos Aires, pero que se encuentra radicado temporalmente en Montevideo desde agosto de 2020-, se sienta ahí, a la mano, como un viejo amigo del que conocemos su vida, sus bemoles, sus tristezas, sus aventuras, sus derrotas.

Esto sucede porque en Yo soy el que no está, el reconocido pintor y diseñador uruguayo viró a la literatura y se abrió el pecho para autorretratarse en su primera novela, un libro atípico y fascinante que marcó el 2019. La pintura se completó hace pocas semanas, cuando Sclavo publicó una suerte de secuela espiritual de ese primer texto: Zurcidor, un libro que pertenece a la colección Discos de Estuario y que toma como punto de partida el álbum homónimo de Darnauchans. Él, de todas formas, no hace hincapié en el músico o su obra, sino que apunta a retratar principalmente a "Darno", su gran amigo, el hombre que lo acompañó en su Tacuarembó natal, y en las vidas que siguieron. Y del que durante mucho tiempo guardó recuerdos, memorias y muchos silencios. En ese sentido, Zurcidor funciona como un exorcismo, una escafandra a través de la cual la tristeza se convierte en belleza, y se revela una amistad pura. Es un libro personal y conmovedor.

Así, entre las caras del Darno, la propia obra de Sclavo, la fuerza de la palabra descubierta, el amor por el cine y las múltiples ciudades que lo hicieron quien es hoy -Nueva York, París, Barcelona, Montevideo, Buenos Aires-, la sombra de la tarde más calurosa del invierno empieza a crecer. El rostro de Sclavo se transforma, y aunque la familiaridad permanece, el verso de El instrumento se entiende mejor: los espacios vacíos de este artista siguen allí, él los impulsa, fomenta la incógnita y lo no dicho hace crecer su figura. Seguimos pensando que Sclavo está en su obra, en estos libros a corazón abierto, en esta charla que se extiende sin prisas, y es verdad, pero a medias. Porque él es el que está ahí, con el vaso de café vacío y la mirada llena, y también es el que no está. Él es, claro, ya lo dijo Darno, alguien a quien lleva tiempo conocer. Alguien a quien todavía quedan cosas por preguntarle.

¿Cómo fue el proceso de Yo soy el que no está, que tiene un marcado tono confesional, autobiográfico, y que luego continuó en Zurcidor?

La palabra siempre fue parte de mi universo creativo. Como antecedente tenía algunos libros álbum y un bestiario, pero decidí abordar la escritura desde este nuevo lugar. Quería tener el valor descarnado de la palabra. Dudé si hacerlo tan sincero, pero creo que no había otra manera. Coincidió que hubo un montón de muertes reales y simbólicas en mi vida, y el libro se convirtió en una especie de sublimación elegíaca. Quise plantearlo en tres niveles diferentes: los recuerdos, el dato enciclopédico aparentemente frío, y después el contexto supuestamente sin importancia. Tomé la idea de que somos una madeja de esas cosas. En ese sentido, Zurcidor es como un apéndice. Me lo pidieron hace unos cinco años, pero me negaba a hacerlo, porque no me interesaba ni podía hacer un análisis musicológico del disco de Darno. Gustavo Verdesio (Ndr: coordinador de la colección) me esperó y me dijo "yo quiero tu voz, sos el más cercano a él". Me seguí negando hasta que un verano en Buenos Aires logré entrar por la puerta correcta.

En un momento de Yo soy el que no está dice que piensa titularlo Datos para una enciclopedia que no importa. Sin embargo, este tipo de literatura del yo, que se detiene en esas pequeñas cosas, está particularmente en boga hoy, más allá de que tenga muchísimos años. ¿Por qué cree que sucede?

No sabría decirlo. Hay algo en la información aparentemente superflua, que interesa. Antes uno leía o se interesaba más por las definiciones sobre cambiar el mundo, y sobre las grandes verdades de la vida, y parecía que había que encontrar cierta revelación. Eso no parece habernos llevado a nada. Ahora hay algo en el detalle, en lo que aparentemente es intrascendente, que sí parece llevarnos a algo. Se trata de creer en lo pequeño y en la historia de cada uno. Hay gente a la que eso no le interesa nada, por supuesto, y hay otros que disfrutan con que Karl Ove Knausgård les cuente cómo lava los platos. Yo leí los seis tomos de su obra. O, en la otra punta, el Borges de Bioy, o lo que hace Emmanuel Carrère, que es tramposo porque aparentemente habla de otras personas, pero siempre habla de sí mismo.

¿Qué puertas le abrió la literatura como escritor?

La pintura es algo muy solitario, más abstracto de lo que parece. El diseño, que es la vereda opuesta, es mucho más amigable, pero tiene un tiempo de vencimiento. Hacés las cosas aplicadas a algo que se vuelve viejo. En la literatura, sin embargo, encontré una profundidad que me hizo bien. Cuando las otras cosas me fallan, es un remedio más fuerte. Me espeja de otra manera. Pero es un lugar que tampoco me creo demasiado. Si tengo que llenar una tarjeta de embarque nunca pondría escritor. Pondría pintor. Pero es un arma más, un nunchaku que me ha salvado de los peores peligros. Yo soy el que no está llegó en una época de gran tristeza y dolor, y en él encontré un bálsamo, una puerta a otro jardín que también tenía aire y flores, y que eran diferentes a las que ya conocía.
Yendo a Zurcidor, ¿cómo fue volver a esos recuerdos junto a Darnauchans?
Esa vuelta era una de las razones por las que no quería meterme en él. La excusa era que yo no era el indicado, pero la razón de fondo es que no quería recordar cosas que son luminosas para mí, pero que todavía estaban teñidas por el dolor de la muerte de Eduardo, y de sus últimos años, que fueron bastante tristes. Pero, como suele pasar, lo que uno se imagina siempre es peor de lo que finalmente sucede. Todo lo que pensé que iba a ser doloroso no lo fue, o sí pero en su justa medida. Lo sublimé y exorcicé, y eso me llevó al costado luminoso de aquellos años.
En ese sentido, este libro muestra a Darno como un ser mucho más luminoso de lo que se recuerda. ¿Es una especie de justicia?
Era la única idea que quería dejar clara. En algún momento se encapsuló a Darno con esa imagen de la tristeza, del nihilismo, del suicidio. No sé por qué, o sí sé, pero me parece injusto. Él se encargo de que pasara, claro, pero no era solamente eso. En todo caso, él era el lirismo de la tristeza, el encontrar la belleza en otras partes. Era una de las personas más alegres que he conocido. A mí me la generaba solo con estar junto a él, con imaginarlo o verlo. En todas nuestras conversaciones jamás caímos en el bajón, más allá de contarnos algún desengaño amoroso o algo así. He tenido infinitas conversaciones con otros amigos supuestamente más alegres que solo se quejan del tiempo, de la guita, de todo, y con Darno era lo contrario. Solo con vernos nos empezábamos a reír. Tenía un humor que pocas veces volví a ver.

¿En qué momento se sintió más vulnerable: en una exposición de su obra plástica o cuando alguien tuvo uno de sus libros en las manos y lo leyó?

Un tipo de vulnerabilidad la sentí una de las primeras veces que expuse en Buenos Aires. Allí, un pintor amigo de la galería vio mi obra y me dijo "che, no me gusta mucho lo que hiciste". En el momento lo odié, me pareció mala onda. Pero al poco tiempo me di cuenta de que nunca nadie me había dicho algo así en todos los años que expuse en Montevideo, lo cual es horrible, porque seguramente alguien lo tiene que haber pensado. Creo que los argentinos son más sinceros, nosotros somos más jodidos, falsamente buenos (risas). Este hombre estaba siendo honesto, y me hizo ver que, en ciertas cosas, tenía razón. Hasta ese momento me las creía todas, y me ayudó a bajar a tierra. Otro tipo de vulnerabilidad, más favorable, la experimenté cuando hace años me llegó un mail de una maestra de una escuela en la mitad de la selva colombiana, que me contaba que allí había un libro mío, La mujer que hablaba con los peces, que era el preferido de los alumnos y que lo leían todos los días antes de irse a sus casas. Ignoro cómo llegó ese libro hasta ahí, pero ese mail me hizo vulnerable a la felicidad.

Es un gran cinéfilo, ¿qué grado de incidencia tiene el cine en su vida hoy?

Más del 50% sin duda. Siempre he visto muchas películas y mi mayor diversión continúa siendo esa. Disfruto mucho de la soledad, pero en épocas donde estaba más acompañado, sufría esta época que se viene porque te obliga a salir, y para mí no hay mejor plan que encerrarme el fin de semana a ver todas las películas de Katharine Hepburn. Soy un eterno buscador, y así me fumo bodrios colosales como Annette, de Léos Carax, que me dieron ganas de decir ¿de verdad? La miré hasta el final, pero me pareció una cosa espantosa. Capaz me agarró en un mal día.

Instagram se ha convertido en los últimos tiempos en otra "sala de exhibición" para sus trabajos. ¿Qué le da esta herramienta como artista?

Lo utilizo por diversión, sobre todo. He sido muy criticado por mi galerista, mis amigos, porque confundo a la gente. No cuelgo mis pinturas, ni hago cosas de difusión, no lo utilizo comercialmente. Es un lenguaje más, hago cosas que muchas veces no tienen un soporte físico, que no existen más que allí. Me obligo a hacer uno cada día. Con eso pienso que tengo el día ganado. Me siento libre, no pienso nada, lo considero un lenguaje aparte, no especulo y me divierto. De hecho, tengo amigos que se acostumbraron a ver una publicación por día, y si no subo nada me preguntan si está todo bien. Aunque suene raro, a veces lo hago para mantener esas amistades lejanas en calma. Digamos que es mi diario del náufrago.

En su obra pictórica y literaria el espacio vacío es una constante, ¿por qué?

Porque es la única manera de que la obra respire, de que no sea un mármol impenetrable. Disfruto de crear esos espacios vacíos, el hueco permite que el otro complete, que se sienta identificado o indiferente, el vacío posibilita ser llenado. Si no existe, no hay lugar para nada. Y el vacío, lo que todavía no se hizo, es lo más importante, es la ilusión, el beso que todavía no diste, eso que espera, lo que genera deseo. Sin vacío, estás muerto. No hay después.

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Fidel Sclavo: "Se necesita alegría para ver la belleza donde los demás se tapan los ojos"

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Fidel Sclavo: "Se necesita alegría para ver la belleza donde los demás se tapan los ojos"; el artista y escritor uruguayo recorre su carrera, su amistad con Eduardo Darnauchans y habla de Zurcidor, el libro en el que lo retrató

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Siempre que algo se aleja de lo predominante o hegemónico llama la atención. Ese es el caso de un tipo de narrativa en el que el narrador está más presente, la primera persona impera y, por lo general, los materiales de los que se vale para construir la historia pertenecen a la vida o al entorno del autor, a la que la crítica, la academia y las editoriales nombran como autoficción, escritura del yo o literatura intimista, con leves diferencias entre unas y otras. Y si en poco tiempo aparecen tres casos similares de esa creación tan excepcional en Uruguay, la tentación de creer que se está ante un fenómeno es irresistible. ¿Estamos ante el surgimiento de una nueva forma narrativa, o ante el resurgimiento de un estilo en desuso? Ni una ni la otra. Lo interesante es lo que la aparición de este tipo de narrativa viene a probar, con obras que ignoran, atacan o contradicen la racionalidad narrativa, la tradición de la tercera persona, del narrador inteligente, ingenioso, distante, impoluto. De a poco, nos estamos animando (hablo en primera del plural porque el periodismo también ha comenzado a intentarlo) a mostrarnos, a dar la cara respecto de lo que escribimos, a problematizar los conceptos de ficción y realidad, a creerle un poco menos al ingenio y al raciocinio lógico, y a darnos cuenta de que ser sensibles y estar vivos no le quita fuerza ni calidad a la creación, sino que, por el contrario, le da algo que la narrativa uruguaya casi había perdido.

No es novedoso ni intenta serlo. Este tipo de búsquedas se puede encontrar, con acercamientos variables, en la narrativa de Alicia Migdal -una de las pioneras- en Muchachas de verano en días de marzo (1999); en la obra de Gustavo Escanlar; en algunas novelas de Roberto Appratto, como Íntima (1993), Se hizo de noche (2007) y 18 y Yaguarón (2008); en el último Mario Levrero; en Pronto, listos, ya (2006), de Inés Bortagaray; y en Limonada (2004), de Sofi Richero. El hecho llamativo que se produjo en los últimos meses fue que se publicaron tres libros con propuestas similares: El mar desde la orilla, de Alicia Migdal; Habla el huérfano, de Hugo Achugar; y Yo soy el que no está, de Fidel Sclavo.

Por un lado, se da el mencionado abandono de la tradición hegemónica de la narrativa uruguaya y se plantea la idea de que quizá los discursos narrativos totales, de tesis, extensos, cerrados, omniscientes, ya no sean tan efectivos a la hora de entender el presente o de interactuar con él. No es casual que en muchas de las obras narrativas publicadas este año en Uruguay se imponga una narrativa del fragmento, tan emparentada con el posteo o el tuiteo como con la necesidad de que la narrativa ya no abreve en una sola fuente y que integre -como un collage interminable- las distintas fuentes de sentido.

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Yo soy el que no está es quizá el que lleva más lejos esta apuesta. Articulado como una sucesión de fragmentos de todo tipo en términos narrativos, más que ser considerado una lista de apuntes, debería ser visto como una clara muestra de hasta dónde se puede llevar la noción de novela, qué tanto se puede expandir.

El libro de Sclavo es una novela de respaldo. Como si fuera necesario inventariar todo lo alojado en la memoria y lo que el contexto genera a fin de no perderlo, como un acto de conservación histórica, como un archivo personal en el que no se hacen distinciones a la hora de elegir qué guardar y qué desechar. Es esa urgencia, ese sentimiento de que el tiempo apremia, de que hay que evitar que lo que fuimos (o no fuimos) se pierda, lo que le aporta a la novela una tensión constante, generando una sensación dual entre calma, placer, disfrute, y nerviosismo e inquietud. Y esto es, en definitiva, lo que la vuelve tremendamente viva.

Se podría citar una frase de Stefan Zweig que el autor incluye en el libro y que resume la impronta de la novela: "Precisamente yo, que debería saber que los libros sólo se escriben para, por encima del propio aliento, unir a los seres humanos, y así defendernos frente al inexorable reverso de toda la existencia: la fugacidad y el olvido". A pesar de este afán, queda la sensación de que la vida sigue siendo inasible, lo que hace que la experiencia oscile entre la melancolía y la aceptación.

La articulación en los distintos tiempos genera otro tiempo: el de la narración, en el que el narrador une lo diverso, aglutina los tiempos, el pasado, la memoria, el presente, los sentimientos, el futuro, y relaciona lo que, en apariencia, es inconexo. En ese tiempo, la narración fluye de forma asombrosa considerando que no dejan de ser fragmentos. Sclavo no renuncia a la noción de apuntes sueltos o de listado caprichoso, y logra cierta armonía y fluir que hace que lo relativamente inconexo lo vuelva poético, y, a su vez, que la suma de las partes construya una narración tan experimental como tradicional. Con el correr de las páginas comienzan a delimitarse líneas del relato, leitmotivs y personajes que incluso permiten apreciar una progresión del relato, un cambio en los personajes (principalmente en el narrador), haciendo que el libro termine de una forma distinta a como lo empezó, al menos a los ojos del lector, aunque la estructura que lo alberga no es un mecanismo de relojería, sino un aire imperceptible, un aroma, un roce que, por sutil, es potente.

Es de las mejores novelas del año y va de la mano con las de Migdal y Achugar como la avanzada de un cambio saludable en las letras locales. Se suma, además, a intentos diversos de sacar a la narrativa uruguaya de cierto letargo formal y de contenido, y sobre todo, de ampliar el género, no para derribar una hegemonía y poner otra en su lugar, sino para buscar una diversidad narrativa que durante años no tuvimos. Esa ausencia fue la causa, entre otras cosas, de que el público lector local se alejara en busca de otras propuestas y de que durante mucho tiempo estuviéramos aislados y sin posibilidad de diálogo en la región.

Yo soy el que no está. De Fidel Sclavo. Montevideo, Banda Oriental, 2019. 151 páginas.

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El inexorable reverso: Yo soy el que no está, de Fidel Sclavo

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Siempre que algo se aleja de lo predominante o hegemónico llama la atención. Ese es el caso de un tipo de narrativa en el que ...

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Bailando nace el amor - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Bailando nace el amor (título original: You Were Never Lovelier ) es una película estadounidense musical y romántica de 1942 dirigida por William A. Seiter y protagonizada por Fred Astaire y Rita Hayworth, quienes comparten cartel por segunda y última vez en el cine. Fue filmada en la ciudad de Buenos Aires.

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Los martes, orquídeas - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Happy End (película de 2017) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Amor (título original francés Amour)​ es una película de 2012, escrita y dirigida por Michael Haneke.​ Está protagonizada por Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva e Isabelle Huppert.​ La trama gira en torno a una pareja de ancianos, Anne y Georges, que viven juntos en un apartamento en París. Anne es sometida a una operación que le provoca una hemiplejia derecha, debiendo ser cuidada por su marido.​

La cinta obtuvo 108 nominaciones y 84 galardones​​ entre los que destaca la Palma de Oro en el Festival de Cannes,​ siendo la segunda película de Haneke en obtenerla tras La cinta blanca (2009). También ganó además un premio Óscar en la categoría de mejor película extranjera,​ siendo nominada a otras cuatro categorías: mejor película, mejor director, mejor guion original y mejor actriz (Emmanuelle Riva); de esta manera, fue la cuarta película en lograr una nominación simultánea al Óscar en las categorías de Mejor película y Mejor película extranjera, siendo la anterior El Tigre y el Dragón dirigida por Ang Lee en 2000.

Un grupo de bomberos fuerza la puerta de un apartamento e inspeccionan el lugar. En una habitación cuyas puertas están selladas con cinta adhesiva encuentran el cadáver de una anciana llamada Anne ( Emmanuelle Riva), tumbado sobre la cama. El cuerpo está adornado con flores y lleva puesto un vestido negro.

En las siguientes escenas, ambientadas algunos meses antes de que el grupo de bomberos entrase al apartamento, se muestra que Anne vivía en el piso junto con su marido Georges ( Jean-Louis Trintignant). Los dos son una pareja de profesores de música retirados y tienen una hija llamada Eva ( Isabelle Huppert). Una mañana, mientras el matrimonio de ancianos toma el desayuno, Anne se queda sentada mirando al vacío, sin responder a las palabras de su marido. Ante esta situación, Georges va a vestirse para ir en busca de ayuda, pero en ese momento su esposa recobra el conocimiento, sin recordar nada de lo que ocurrió mientras estaba en su estado catatónico. Cuando su marido le sugiere ir al médico, Anne se niega y dice que no es necesario.

Anne es sometida a una cirugía para poder solucionar su problema, pero la operación tiene complicaciones y la anciana queda con hemiplejia derecha, debiendo trasladarse en una silla de ruedas. Ante su situación, Anne le hace prometer a su marido que no la llevará de nuevo a un hospital. La salud de la anciana empeora, pero su marido se dedica a cuidarla. Una noche, cuando regresa del funeral de un amigo, Georges encuentra a Anne en el suelo del apartamento, junto a una ventana abierta. Anne se enoja con su marido por llegar tan temprano y le confiesa que no quiere seguir viviendo en ese estado. Georges contrata a una enfermera para que le ayude a cuidar de Anne durante tres días a la semana. Eva quiere que su madre sea trasladada a algún lugar donde la puedan cuidar, pero su padre le dice que debido a su promesa no puede hacerlo.

Georges contrata a una segunda enfermera para que cuide a su esposa, pero la despide luego de descubrir que no hacía bien su trabajo. Anne pierde la capacidad para hablar de forma coherente, pero su marido se sigue esforzando por ayudarla. Un día, Anne se niega a beber agua, lo que enfurece a su marido y la abofetea. Días después, Georges intenta calmar a su esposa, quien se encontraba gritando de dolor. Georges le cuenta una historia de su infancia, sobre su experiencia en un internado de verano. Mientras llega a la conclusión de la historia, el hombre toma una almohada y ahoga a su esposa hasta asfixiarla.

El hombre sale del apartamento y al regresar trae consigo varios ramos de flores, los cuales lava y corta. Georges toma un vestido del armario de Anne y comienza a escribir una carta. Tras sellar la puerta del dormitorio con cinta adhesiva, Georges ve cómo una paloma entra al apartamento por la ventana. El hombre atrapa al ave con la ayuda de una toalla y se sienta abrazando a la paloma. En su carta explica que posteriormente dejó libre a la paloma. Mientras reposa en una habitación del apartamento, Georges escucha ruidos en la cocina. El hombre se levanta y ve a Anne lavando platos. Georges se pone zapatos, ayuda a Anne a ponerse un abrigo y ambos salen del apartamento. En la última escena se muestra a Eva recorriendo el apartamento vacío, sentándose sola en un sillón.

Amor obtuvo una respuesta positiva por parte de la crítica cinematográfica. La película posee un 94% de comentarios positivos en el sitio web Rotten Tomatoes, basado en un total de 189 reseñas, y una puntuación de 94/100 en Metacritic.​​ Manohla Dargis del periódico The New York Times catalogó a la película como una "obra maestra", sosteniendo que es "una historia tierna, desgarradora, e impecablemente dirigida acerca del amor y la muerte".​ Según Deborah Young de The Hollywood Reporter, Amor es "magnífica en su simplicidad y en su implacable honestidad acerca de la vejez, la enfermedad y la muerte", agregando que en la cinta "no hay un paso en falso ni una sola escena superflua".​ Scott Tobias de escribió: "Un director conocido por su frío clasicismo y por practicar la subversión genérica en películas como Funny Games y Caché, Haneke tiene una crueldad que no puede ser más perfecta para una película como Amor, la cual podría haber colapsado si hubiera sido sentimental".​

Según el español Jordi Costa, la película "es puro Haneke, pero, al mismo tiempo, es algo que el austriaco no había hecho nunca: una película humanísima, sin autoengaños, ni infecciones sentimentales. Una obra mayor y... problemática".​ Salvador Llopart de La Vanguardia escribió: "Decididamente compasivo, con Amour Haneke realiza una aproximación rigurosa a la vejez sin caer en el tremendismo y evitando el inútil ternurismo. [...] Una película que, de alguna manera, humaniza a Haneke. Lo reconcilia con la vida".​

La cinta fue incluida dentro de las mejores películas del año por la revista Sight and Sound del British Film Institute.​

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Amor (película de 2012) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Amor (título original francés Amour )​ es una película de 2012, escrita y dirigida por Michael Haneke.​ Está protagonizada por Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva e Isabelle Huppert.​ La trama gira en torno a una pareja de ancianos, Anne y Georges, que viven juntos en un apartamento en París.

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De qué hablar en tu diario de lectura? Opiniones, críticas, reflexiones y emociones derivadas de la lectura.Frases favoritas del libro (anota también la página para localizarlas).Anécdotas personales y recuerdos asociados al libro.Lo que más te gusta y lo que menos.Análisis de personajes.Resúmenes.

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De qué hablar en tu diario de lectura? Opiniones, críticas, reflexiones y emociones derivadas de la lectura.Frases favoritas del libro (anota también la página para localizarlas).Anécdotas personales y recuerdos asociados al libro.Lo que más te gusta y lo que menos.Análisis de personajes.Resúmenes.

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Envió de Christian William Carlos Williams: “Sólo para decirle que

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Envió de Christian William Carlos Williams: “Sólo para decirle que

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A William Carlos Williams: "Sólo para decirle que..."

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En los siguientes párrafos, el poeta Arturo Dávila retoma la genealogía, las respuestas y parodias del poema-recado sobre las ciruelas, el más representativo del espíritu de Williams Carlos Williams (1883-1963). Un homenaje poético y un agradecimiento por los versos del médico de Rutherford que acompañan una sencilla dicha.

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Kurt Cobain - Opinion RareVersión #MontageOfHeck

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Video Art 21 de James Turrell..no vemos la luz sino lo que ella nos revela 

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Video Art 21 de James Turrell..no vemos la luz sino lo que ella nos revela 

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James Turrell's work involves explorations in light and space that speak to viewers without words, impacting the eye, body, and mind with the force of a spiritual awakening.

Situated near the Grand Canyon and Arizona's Painted Desert is Roden Crater, an extinct volcano the artist has been transforming into a celestial observatory for the past thirty years. Working with cosmological phenomena that have interested man since the dawn of civilization, Turrell's crater brings the heavens down to earth, linking the actions of people with the movements of planets and distant galaxies.

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James Turrell 's explorations in light and space impact the eye, body, and mind with the force of a spiritual awakening. Informed by his studies in perceptual psychology and optical illusions, Turrell's work allows us to see ourselves "seeing." Whether harnessing the light at sunset or transforming the glow of a television set into a fluctuating portal, Turrell's art places viewers in a realm of pure experience. His fascination with the phenomena of light is ultimately connected to a very personal, inward search for mankind's place in the universe. Influenced by his Quaker faith, Turrell's art prompts greater self-awareness through a similar discipline of silent contemplation, patience, and meditation.

Interview

James Turrell discusses his ongoing land art piece, Roden Crater, created within a pit formed by an extinct volcano in the Arizona desert.

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