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L’étoffe de l’art.pdf - Arts Plastiques de l’Académie de Rouen

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L’étoffe de l’art.pdf - Arts Plastiques de l’Académie de Rouen

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Femmes/lutte/engagement/actualité/ société

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Un titre slogan. Des femmes affamées et en colère devant la flambée des prix. Antonia, elle, refuse même de passer à la caisse du supermarché. Elle rafle tout ce qui passe, du millet pour canaris à la pâtée pour chiens. Mais où cacher le butin ? La course poursuite s'engage alors avec les gendarmes. D'abord écrite en 1974, sur fond de luttes ouvrières à Milan, cette satire politique a été réécrite en 2008 au moment de la crise des subprimes. À travers cette farce sociale, Dario Fo et Franca Rame se font les porte-parole des plus modestes en véritables "jongleurs du peuple". Comment agir, individuellement ou collectivement ? Le débat est ouvert. Les femmes prennent le pouvoir. Les hommes doivent marcher droit. Bernard Lévy s'empare de cette comédie à la mécanique burlesque irrésistible, digne de Chaplin ou de Keaton, pour donner toute sa portée jubilatoire à la farce. Une partition comique d'une redoutable précision pour des acteurs champions de la parodie et des quiproquos. L'humour et la déraison pour rétablir une sorte d'ordre dans le chaos, pour en finir avec l'imposture. Une satire acerbe et truculente de notre société de consommation, dans une pièce d'une actualité déconcertante !

avec Flore Babled, Elie Chapus, Eddie Chignara, Grégoire Lagrange, Jean-Philippe Salério, Anne-Élodie Sorlin collaboration artistique Jean-Luc Vincent scénographie Damien Caille-Perret construction décor Atelier MC2: Grenoble lumières Christian Pinaud costumes Claudia Jenatsch avec le soutien de l'atelier costume MC2: Grenoble son Jean de Almeida maquillage Catherine Saint-Sever accessoires Roberta Chiarito régie générale Thierry Lacroix

production MC2:Grenoble-scène nationale en coproduction avec la Compagnie Lire aux éclats, le Théâtre Montansier-Versailles, le Théâtre Sénart-scène nationale, le Volcan-scène nationale du Havre avec le soutien de la Spedidam et du Fonpeps en coréalisation avec le Théâtre de la Tempête

Le texte est publié chez L'Arche Editeur
Ce spectacle fait l'objet d'un dossier Canopé

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Un titre slogan. Des femmes affamées et en colère devant la flambée des prix. Antonia, elle, refuse même de passer à la caisse du supermarché. Elle rafle tout ce qui passe, du millet pour canaris à la pâtée pour chiens. Mais où cacher le butin ? La course poursuite s'engage alors avec les gendarmes.

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Corps/apparence/évolution/genre

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Du 5 avril au 17 septembre 2023, le musée des Arts décoratifs présente une exposition consacrée aux cheveux et aux poils dans le monde occidental. Ce projet original dont le commissariat est assuré par Denis Bruna, conservateur en chef au département mode et textile, poursuit l'exploration de la mode et de la représentation du corps.

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transformation/ fresque/immersion/intégration dans le paysage/ rapport à l'extérieur/éphémère

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Alex Brewer, plus connu sous le pseudonyme de HENSE est un ' street artist' américain né à Atlanta en 1978. Son travail reconnu localement et internationalement lui a apporté un gros succès commercial et de nombreuses commandes et projets tant dans le secteur public que privé.

HENSE grandit dans une famille sensible à l'art et puise son inspiration, dès son plus jeune âge auprès de ses parents qui travaillent dans la décoration d'intérieur et l'architecture. C'est donc tout naturellement que le jeune Alex s'éprend de peinture, de dessin et visite de nombreux musées.

Il se met au graffiti à l'âge de 13 ans et embrasse rapidement la liberté qu'offre ce hobby. Avant d'adopter le pseudo de HENSE, dont il apprécie la combinaison des lettres, il Tag " Stoop " dans les immeubles désaffectés de la ville.

Il entreprend un semestre d'études à l'Université de Virginia Commonwealth de Richmond avant d'abandonner et de se tourner pleinement vers le 'street art', sa passion. Son style est un mix de lignes graphiques et de formes abstraites. Ses compositions sont vivantes et vertigineuses, intégrant des motifs et des couleurs vibrantes.

Interrogé par le site segd.org à propos de son style, il confie : " my work explores relashionships between shapes, forms and color aswell as spontaneous mark-marking and line quality ". HENSE prépare son travail en amont en créant une ébauche d'images qui laissent place à la spontanéité du geste une fois sur les lieux. Puis, il dessine sur des calques transparents à l'encre noir et fait des essais couleurs sur de multiples écrans avant de se décider et d'imprimer.

Dans cette vidéo (à Colombus) on observe le travail grandeur nature de HENSE qui répond à quelques questions sur sa vision et ses techniques :

Son panel d'inspirations est large et s'étend de l'art contemporain, au modernisme et au post-modernisme, en passant par l'expressionisme abstrait, l'architecture et bien évidemment la culture graffiti.

HENSE : DES PROJETS HORS NORME

Artiste prolifique, HENSE a produit de nombreuses œuvres dans le monde tant dans les rues, que sur les murs de lieux improbables telle qu'une église à Washington DC:

Ou bien encore de larges cuves contenant du grain à Northam en Australie, avec pour seuls outils de la peinture en bombe, de l'émail et une grue !

A Lima, le ISL Institute lui commande une gigantesque fresque murale de 40 mètres de hauteur sur 50 mètres de large.

De plus en plus sollicité, HENSE est commissionné par le High Museum of Art d'Atlanta pour peindre une installation durant l'exposition de l'été 2013 " Drawing Inside the Perimeter ".

Les propositions ne cessent d'affluer...

Tandis qu'Apple lui demande de peindre la barricade de son nouvel Apple store en Floride et de customiser certains produits en édition limité,

Facebook lui commande la réalisation d'une large fresque sur l'un des murs de son QG imaginé par Franck Gehry en Californie.

En plus de ses nombreux projets, HENSE a été l'objet de nombreuses expositions solo aux USA et dans le monde : A Atlanta: "New Works on Paper", puis "Soft Light" à la Sandler Hudson Gallery en 2005. "Surface Strength " au Rail Yard en 2009 et " SPRAY " à la Sandler Hudson Gallery en 2012.

A Chicago : "New Paintings" à la Maxwell Colette Gallery en 2013

et " Drawings Paintings and Shapes " à la Reynolds Gallery de Richmond. En 2015-2016, les projets ne manquent pas, est exposé à la Library Street Collective Galery de Détroit, à la Sandler Hudson Gallery d'Atlanta et en Allemagne Die Kunstagentin à Cologne.

Connu et reconnu ( il a participe à Art Basel, Miami en 2010), HENSE est sacré artiste de l'année par Atlanta Magazine en 2013. Il n'a jamais quitté sa Géorgie natale, et il vit et travaille toujours à Atlanta où il possède un studio d'artiste.

Par Audrey Poux.

Pour plus d'informations sur HENSE consultez :

Catégorie(s) : Street Art / Art Urbain

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Hense : Un street art entre abstraction et lignes vertigineuses

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Alex Brewer, plus connu sous le pseudonyme de HENSE est un ' street artist' américain né à Atlanta en 1978. Son travail reconnu localement et internationalement lui a apporté un gros succès commercial et de nombreuses commandes et projets tant dans le secteur public que privé.

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Marionnettes en glace/ nature comme matière, matériau, matérialité/ transformation/disparition

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Texte de Pierre Corneille

Mise en marionnettes d'Émilie Valantin, assistée de Jean Sclavis
Musique de Christian Chiron

Marionnettes de glace articulées
Coproduction : Festival d'Avignon (commande pour la cinquantième édition), Espace Malraux-Scène Nationale de Chambéry et de la Savoie
Avec l'aide de l'ADAMI
Présenté au Festival d'Avignon 1996, Festival d'automne de Rome 99, Liège, Château de Pierrefonds été 99, etc.

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Texte de Pierre Corneille Mise en marionnettes d'Émilie Valantin, assistée de Jean Sclavis Musique de Christian Chiron Marionnettes de glace articulées Coproduction : Festival d'Avignon (commande pour la cinquantième édition), Espace Malraux-Scène Nationale de Chambéry et de la Savoie Avec l'aide de l'ADAMI Présenté au Festival d'Avignon 1996, Festival d'automne de Rome 99, Liège, Château de Pierrefonds été 99, etc.

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Vanessa Sannino Costumes du Bourgeois Gentilhomme

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Vanessa Sannino Costumes du Bourgeois Gentilhomme

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Classique/décalage/humour/transformation/inventivité/tout est possible

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★ LE BOURGEOIS GENTILHOMME. COMEDIE FRANÇAISE 2021. Valerie Lesort et Christian Hecq direction. — VANESSA SANNINO

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Vanessa Sannino nasce a Milano.

Studia e disegna ogni giorno. Il suo universo spazia tra colori fluo e visioni di personaggi e mondi immaginari. Ama la figura umana e tutte la creature che girano nascoste nell’aria. Grandi tele e tecniche miste. Colori a olio, penne a inchiostro, acrilici,…

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Création/Cheminement/ lumière/points du vue/pouvoir des images/magie

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Dans cette famille abritant un secret, l'apprentissage du fils futur cinéaste prend des allures romanesques. Le réalisateur raconte sa jeunesse. Magistral, et bouleversant.

Chez les Spielberg, à la fin de chaque repas, on ne débarrassait pas la table au sens habituel de l'expression. Couverts, gobelets, assiettes en plastique, tout était jetable et finissait empaqueté dans la nappe, elle-même en papier, avant d'être jeté... La folie de ce rituel quotidien, pendant de longues années, dit certainement l'aisance matérielle et, plus encore, l'insouciance d'une époque (les années 1950-1960), où les ressources naturelles semblaient inépuisables à jamais. Dans l'enceinte du foyer, l'explication était tout autre : il s'agissait d'épargner les mains de la mère pianiste, et donc de la dispenser définitivement de la corvée de vaisselle. Mais au fur et à mesure que le film avance, cette bizarrerie familiale paraît bien mince au regard d'une autre, tellement plus troublante...

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"The Fabelmans" : l'éclosion du jeune Spielberg, un coup de maître (Drame) : la critique Télérama

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Chez les Spielberg, à la fin de chaque repas, on ne débarrassait pas la table au sens habituel de l'expression. Couverts, gobelets, assiettes en plastique, tout était jetable et finissait empaqueté dans la nappe, elle-même en papier, avant d'être jeté...

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Monstres/fantastique/humour/imaginaire/sensible/ apparences/

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Blow Up, l'actualité du cinéma (ou presque) - ARTE

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Tim Burton en 10 minutes - Blow Up - ARTE

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Travail sur l'autoportrait et la nature. Série/organique/évolution/transformation/hybridation/se fondre dans le décor

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Levi Van Veluw est un photographe d'origine hollandaise. Il exerce l'art de l'autoportrait avec la nature comme fil conducteur. La série présente a été réalisée et photographiée dans un délai de 24 heures et sans aucune manipulation numérique. Le travail que vous voyez n'est donc pas un portrait, mais une image riche en informations de [...]

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Costume/uniforme/masque/ enveloppe/incarnation/se transformer/ changer de peau/ Ce que l'on montre ce qui est caché

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" Personne ne peut porter longtemps le masque ", tels étaient les mots de Sénèque. Les photographies de Charles Fréger quant à elles, le portent brillamment et s'exposent à Arles jusqu'au 28 août au sein de l'église des Trinitaires à l'occasion des Rencontres de la photographie 2016.

NAMAHAGE, Ashizawa, Oga, préfecture d'Akita - Charles Fréger

Ethnologue, photographe et bien évidemment portraitiste, Charles Fréger est parti à la rencontre des figures masquées rituelles du Japon. L'exposition s'intitule Yokainoshima qu'il faut traduire en japonais par l'île aux monstres. Ils font références aux nombreuses créatures présentes dans la culture et l'imaginaire japonais.

Charles Fréger - Yokainoshima

Cinq voyages à travers le pays et cinquante-huit endroits marquent le travail diversifié de l'artiste. Les créatures masquées prennent la pose dans un Japon rural. Et si ces "monstres" attirent notre curiosité de part leur différentes caractéristiques physiques, les paysages sont tout autant surprenant. On passe de la neige à la mer, des rizières à un intérieur tantôt rustiques, tantôt typiques en passant par la montagne.

Une exposition variée et des clichés aux couleurs vivaces qui captivent l'attention des curieux avides de voyages et de découvertes.

La passion de Charles Fréger ? Vouloir parcourir le monde à la recherche de certains peuples et groupes. En 2011, avec Wilder Mann, il présentait un tour d'Europe des costumes d'ethnies perdues. Deux ans plus tard, il enfilait le ciret breton pour réaliser un inventaire des coiffes bretonnes. Aujourd'hui, il enrichi son travail en explorant un recoin de l'Asie. Mais ou va-t-il nous mener par la suite ?

Ne manque aucune découverte !

recoit un condensé de nos découvertes par mail

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Les figures masquées de Charles Fréger envahissent Arles

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" Personne ne peut porter longtemps le masque ", tels étaient les mots de Sénèque. Les photographies de Charles Fréger quant à elles, le portent brillamment et s'exposent à Arles jusqu'au 28 août au sein de l'église des Trinitaires à l'occasion des Rencontres de la photographie 2016.

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Ancienne élève ENSAD laboratoire de recherche textile/design mode art sciences/ invente un procédé robotique pour créer des vêtements sur mesure et sans chute/ réaction à la fast fashion/ invente le tricotissage inspiré des muscles humains

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Les Magasins généraux sont un centre de création créé par BETC.

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Sculpture-vêtement/ cérémonie pour mettre le vêtement performance/ enveloppe/habiter le vêtement/ mystère

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Exposé pour la première fois à la galerie Breteau en 1962, Le Manteau ou Demeure V est considéré comme l'une des premières sculpture-vêtements du XXè siècle et selon le critique d'art comme "un des hauts faits de la saison picturale" cette année-là. En effet, plus qu'une sculpture, ce manteau est une réelle oeuvre graphique, notamment par le jeu des cordes tressées, les différences de tissus et de métal.

Le sculpteur Etienne-Martin (1913-1995) commence à partir de 1958 le cycle des Demeures, représentant à l'infini la maison de son enfance à Loriol-sur-Drôme, dont il dit : "Cette maison, c'est moi." A l'exception du Manteau, ses Demeures sont réalisées en matériaux dures, le bois, le bronze ou la pierre.

Etienne-Martin entretient tout au long de sa carrière un lien privilégié avec l'architecture. Il crée des Demeures, dans lesquels on peut s'asseoir, déambuler où intérieur et extérieur sont entremêlés, en dialogues. Il donne une vision de la sculpture comme un creux habité. Le manteau entre dans cette notion. C'est un vêtement imposant qui enveloppe totalement le corps, comme une sorte d'armure, il pèse environ 80 kg et nécessite tout une cérémonie pour l'enfiler. Cérémonie que l'auteur s'amuse à montrer et à effectuer, préfigurant les performances d'artistes nombreuses dans l'art contemporain.

De plus, ce manteau possède une allure tribale, par cette accumulation de motif. Il semble que chacun possède une signification précise et mystérieuse, seule connue de celui qui porte le manteau, comme un chaman.

Etienne-Martin explique dans une interview : "Le Manteau, c'est la même chose que la Demeure 10 ou que l'Abécédaire : il résume tout le reste." L'abécédaire est un système complexe créé par l'artiste. Chaque lettre de l'alphabet correspond à une pièce de sa maison d'anfance, à une période de sa vie et enfin à une ou plusieurs sculptures. Une quantité de schémas, dessins, cahiers, un livre-objet représente ce système qui varie légèrement au cours de sa vie. Ainsi, il lie toute son oeuvre et toute sa vie à cette maison d'enfance.

Il s'agit en réalité de deux maisons collées, il devait passait de l'une à l'autre par le grenier ou la cave, une maison sans doute fascinante pour un enfant. Etienne-Martin se voit obligé de la vendre en 1945 après la mort de ses parents, c'est pour lui une déchirure qui transforme radicalement et définitivement son art, auparavant plus traditionnel.

Avec ce Manteau, Etienne-Martin se détache des limites traditionnelles de l'art, il sort de l'enseignement qu'il a eu aux Beaux-Arts et à l'Académie Ranson. Il concentre alors son art sur son moi dans une démarche autobiographique, voire exorciste. Il est souvent comparé à Louise Bourgeois pour cela. Cette nouvelle approche de l'art va perdurer jusqu'à aujourd'hui chez de nombreux artistes, utilisant leur vécu le plus intime pour créer.

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Le Manteau d'Etienne-Martin - Le blog de la guide du rout'art

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Exposé pour la première fois à la galerie Breteau en 1962, Le Manteau ou Demeure V est considéré comme l'une des premières sculpture-vêtements du XXè siècle et selon le critique d'art comme "un des hauts faits de la saison picturale" cette année-là. En...

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Réflexion autour du genre/ transition/ interroge le vêtement comme juste une apparence: cf réseaux sociaux etc

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Ephémère/dégradation/rapport à la pollution/la matière devient matériau

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Les visiteurs ont jusqu'à la fin de l'année pour contempler la robe faite de viande. Cette pièce unique a été portée par Lady Gaga à l'occasion des MTV Video Music Awards, en 2010. Jeudi, le Rock and Roll Hall of Fame, à Cleveland (Ohio), a annoncé qu'il souhaitait fêter le cinquième anniversaire de cette tenue excentrique en l'exposant au public. Conçue par le designer Franc Fernandez, la robe de Lady Gaga se compose de plusieurs pièces de bœuf argentin et a été conservée grâce à une série de traitements. " Elle a été placée dans une cuve de produits chimiques et, même s'il est toujours possible de la plier, elle a été placée sur un mannequin de forme humaine pour la faire sécher ", a ainsi expliqué le musée américain dans un communiqué. La robe a ensuite été enduite de peinture.

" De la viande sur un squelette "

En 2010, Lady Gaga avait fait scandale en portant cette tenue et la Peta, le groupe de défense des animaux, avait protesté contre la chanteuse. " Je n'ai voulu manqué de respect à personne, mais si nous ne nous battons pas pour nos droits, nous ne serons bientôt plus que de la viande sur nos squelettes. Et je ne suis pas un bout de viande ", avait répliqué Lady Gaga auprès d'Ellen DeGeneres. Aujourd'hui, la Peta espère que l'exposition de cette robe " encouragera les gens à devenir végétariens ".

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Lady Gaga : sa robe en viande exposée au musée - Elle

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Les visiteurs ont jusqu'à la fin de l'année pour contempler la robe faite de viande. Cette pièce unique a été portée par Lady Gaga à l'occasion des MTV Video Music Awards, en 2010. Jeudi, le Rock and Roll Hall of Fame, à Cleveland (Ohio), a annoncé qu'il souhaitait fêter le cinquième...

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Travail en extérieur: la nature comme atelier et matériau /relation artiste lieu/ habiter/ minéral végétal eau animal/ rapport au temps/ éphémère/ travail sur les formes naturelles/ processus/mouvement/empreintes

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Accès à la liste des oeuvres disponibles

Nils-Udo est à l'origine du courant " Art in Nature ", il crée ses premières grandes installations dès le début des années 1970.

Vidéo de présentation d'une oeuvre : éruption d'été
Ses images uniques de nature recomposée font aujourd'hui référence dans le domaine de la photographie contemporaine. Dans ses installations commanditées aux quatre coins du monde, Nils-Udo interagit sur le paysage sans jamais le violenter. Du Connemara à la Réunion, de l'île de Vassivière à Central Park, cet arpenteur infatigable du globe conçoit chaque intervention séparément, guidé par le " génie des lieux " et les matériaux collectés sur place. Le chantier peut alors commencer sous son regard vigilant et modeler la nature à sa vision. Ses compositions aux échelles troublantes, tantôt surdimensionnées tantôt lilliputiennes, recherchent obstinément l'équilibre parfait, cet instant de grâce infinie saisie juste avant son éparpillement. Une fois l'installation achevée, la photographie la fige pour l'éternité et devient l'œuvre à part entière.

Vidéo de présentation d'une oeuvre : radeau d'automne

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Accès à la liste des oeuvres disponibles Nils-Udo est à l'origine du courant " Art in Nature ", il crée ses premières grandes installations dès le début des années 1970. Vidéo de présentation d'une oeuvre : éruption d'été Ses images uniques de nature recomposée font aujourd'hui référence dans le domaine de la photographie contemporaine.