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El arte siempre ha tenido un papel muy importante en mi vida. Ha sido un método de expresión, de exploración y sobre todo un espacio para compartir con mi mamá. Fue por esa misma razón que decidí meterme a estas clases, con ella, para seguir teniendo esos momentos donde uno se olvida del mundo y deja que el corazón lata de pasión.
Cuando entré la verdad estaba un poco asustada por mi poco conocimiento sobre el arte, ya que mi experiencia con este había sido a través de la creación. Pero la verdad la sorpresa fue positiva, pues se me despertó el interés de conocer artistas, el impacto del método de expresión, la historia y la necesidad de aprender a ver.

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Las fotos que no tienen ninguna cita es porque son de autoría propia. La información que tampoco tiene es porque fue sacada de mis apuntes de clase.

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El Museo Metropolitano de Nueva York (MET) es uno de los museos mas famosos en el mundo. Ese fue construido debido a que en francia unos estadounidenses querían que hubiera un museo lleno de obras importantes y que estuviera abierto para la gente de su mismo origen. Se reunieron toda clase de abogados, politicos, empresarios, artistas y coleccionistas para poder abrir las puertas de este gran museo. Su inauguración fue el 13 de abril del año 1870.(Architectural Digest, agosto 24 de 2021)

El MET tiene mas de dos millones de obras de arte de todas partes del mundo y de distintas épocas. Hay obras hechas desde la antigüedad clásica, hasta pinturas y esculturas de la era actual. La gran variedad de obras siguien cautivando la atención de las personas, pues el arte egipcio, oriente medio, bizantino, islamico, africano y de otros sitios, ayuda a crear una imagen cultural de la sociedad y una nueva perspectiva del mundo. (NuevaYork, mayo 13 de 2024) (Traveler, 2020)

El MET me sorprendió mucho. El museo no me lo imaginaba de la dimension que es, por eso cuando lo vi quede impresionada con su belleza. La combinación arquitectónica que tiene, esas grandes escaleras y la fachada del exterior, me dieron una gran sensación de comodidad (igual a la que me hace sentir Nueva York). La  vez que fui al museo no esperaba ningún tipo de obra en especial (en parte porque era muy chiquita), pero recuerdo esa sorpresa al ver que había tanta variedad de obras que podían cubrir lo que le gusta a cada persona por separado. Me encantó poder viajar a través de las épocas y descubrir obras de gran importancia. Pude tener una sensación muy parecida a cuando fui a pesar de que esta visita fuera virtual. Lo único malo es la cantidad de gente que va porque es mas difícil pasear con tranquilidad por el museo, pero por el valor histórico y simbólico que tiene es entendible.

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Hay que admitir que yo siempre he sido una persona organizada, pero a la hora de hacer trabajos me complico pensando como hacer que entiendan todos esos nudos que tengo en la cabeza. Es por esa razón que preferí hacer este trabajo con un poco de simplicidad, pero sin olvidar detalles importantes que puedan ayudar a que entiendan mi forma de ver las cosas.
Este trabajo va a estar estructurado por: cuadros de cada una de las visitas a los museos, cosas que me parezca importante agregar (algo que me impactara) y un poco de contexto histórico.

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El museo del Louvre tiene tanta historia como muchos monumentos antiguos. Al principio era un palacio, donde habitaron distintos reyes de francia, ubicado cerca al de las Tullerías. Tras la Revolución Francesa, decidieron transformar esta obra arquitectónica en un museo. Este proyecto se logro años después, en 1793, con un gran aumento de tamaño. Con el paso del tiempo el Louvre fue expandiéndose y convirtiéndose en el museo más grande del mundo recolectando obras de todas partes. Este museo abarca todo el arte occidental desde la prehistoria hasta el siglo XIX, pero también hay exposiciones contemporáneas (temporales).

Hace más o menos tres años tuve la oportunidad de ir a Paris por primera vez, donde me enganché con su cantidad de arte y arquitectura. Al entrar al Louvre, quedé realmente impresionada por su gran tamaño y la variedad de obras que tenía. Cuando tuvimos la clase con Patricia Zalamea pude revivir esos sentimientos y aprender sobre la historia de este magnifico lugar, quedando con infinitas ganas de volver. Nunca tuve una idea especifica de lo que iba a encontrar dentro del museo, pero esa variedad de historias, creaciones y artistas no hizo más que deleitarme. La combinación del palacio gigantesco, los jardines internos o la pirámide de la entrada principal, me hicieron sospechar que ese iba a tener toda una colección que cruza un monton de épocas y periodos de la humanidad. Me encantó poder conocer nuevas obras como las grandes esculturas romanas, las obras egipcias de la colección o el impacto que tuvo la construcción de una de las entradas del museo (la de la pirámide), pero sé qué hay mucho más por descubrir.

Si me preguntaran algo que no me gusta de la colección o del museo, me atrevería a decir que no hay nada (solo que no soy la mas fanática de quedar con intriga de todo lo que me falta por conocer jajaja). Estoy muy segura de que puede haber unas obras que no sean de mi estilo, pero eso no quiere decir que sea algo que me disguste. Es por eso, que sin duda alguna le recomendaría a la gente adentrarse en ese viaje increíble por las salas y que aprovechen si están a distancia a mirarlo a través del museo virtual de “google arts and culture”.

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En Japón hay 4 museos nacionales y el de Tokio es uno de ellos. Este empezó con el objetivo de mostrarle al mundo que eran un país desarrollado donde tenían una idea de lo que era el arte. En esos museos, se puede ver que quieren expresar el orgullo a la cultura japonesa y que sus obras son distintas a las del resto del mundo. Con el paso del tiempo el Museo Nacional de Tokio ha evolucionado mostrándose como un referente cultural a nivel internacional. Gracias a el distinguido surgimiento del arte en Japón, se han podido evidenciar los distintos eventos históricos y la otra cara que tiene el arte en el mundo. (Go Tokio, mayo 13 de 2024)

El Museo Nacional de Tokio tiene una gran colección de arte que atraviesa toda la cultura japonesa. Este museo es una gran prueba del orgullo que tiene un país sobre su cultura, a través de las 110,000 obras que hay en la exhibicion. La colección está repleta de riqueza artística y tradicional antigua hasta arte contemporáneo japonés. (Fadu, mayo 13 de 2024)

La verdad esta visita no hubiera sido nada sin la profesora Betsy Forero. En esta clase se me despertó el interés por conocer otras culturas y su forma de expresión artística. Me encantó poder entrar sin ninguna expectativa de la colección para dejarme sorprender por todo. Quedé amando la sensibilidad de los japoneses por la naturaleza, su amor por la cultura y la tradición en las creaciones. Me sorprendió como representaban la religión y el camino hacia la luz. Sin duda alguna, quiero seguir aprendiendo de Japón y de las maravillas que tiene.

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El Museo del Oro de Bogotá nació por la necesidad de proteger el patrimonio arqueológico del país. Este fue fundado en 1939 cuando el Banco de la República decidió guardar el poporo Quimbaya. Un poco después, en 1959, el museo empezó dejar que los espectadores aprovecharan de las bellezas que tenía el museo. (Escobar, 2020) (Del Oro Cumple 80 Años de Su Colección Arqueológica | Revista Arcadia, s. f.)
A través de los 77 años de historia, el museo ha podido guardar y clasificar todo tipo de piezas de cerámica, orfebrería y otros. Este patrimonio ha ayudado a fortalecer la identidad cultural de Colombia a través de las creaciones indígenas. («Museo del Oro «  Congreso Internacional de Historia de las Mujeres – JWH», s. f.)

La colección del Museo del Oro de Bogotá tiene más de 55.000 objetos arqueológico que cubren un gran lapso (desde el periodo prehispánico hasta la época de la colonia). De orfebrería hay por lo menos 36.000 objetos de oro, piezas de distintas culturas como los Tayrona o los Muisca, y tienen objetos de gran valor cultural como el poporo Quimbaya (que es un objeto que se usaba para el ritual de masticar coca). Además de eso, el museo tiene obras en cerámica, en líticos, de textiles que muchas fueron donadas o encontradas en distintas regiones del país. (Escobar 2020b) (Banco de la República de Colombia, 2024)

Tengo que admitir que yo fui a este museo sin ninguna expectativa, porque solo iba por la salida que íbamos a hacer con mi colegio. Aun así, sigo recordando el impacto que tuve desde que entré a la primera sala. Ese brillo dorado que iluminaba los cuartos, los detalles de las piezas y la magia de la cultura.
En la clase que tuvimos con Alexander no pudimos profundizar mucho en este museo, pero en el recorrido que alcanzamos a hacer volví a sentir gran ilusión. El orgullo por la cultura colombiana y las historias que todo eso tiene de fondo, me siguieron aumentando las ganas de volver. El Museo del Oro me sorprendió con sus piezas que, siendo tan antiguas, parecían hechas hace un mes. Me encantó poder conocer la colección y crear una imagen de lo que es. No pude encontrarle nada que me disgustara al museo, pero si se sé que no es arte que le guste a todo el mundo.

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Información:

Ochoa, Andrea. 2021. “Museo Metropolitano de Arte: la historia de un ícono en neoyorkino.” Architectural Digest. August 24, 2021. https://www.admagazine.com/arquitectura/met-museo-metropolitano-de-arte-la-historia-de-este-icono-nueva-york-20210824-8924-articulos.

Of, Eric. n.d. “Metropolitan Museum of Art en Nueva York.” NuevaYork.es. Accessed May 13, 2024. https://www.nuevayork.es/quever/visitas-esenciales/museo-metropolitan/.

Tió, Marc. 2020. “150 años de MET: 150 años de historia de Nueva York.” Condé Nast Traveler Spain. February 14, 2020. https://www.traveler.es/viajes-urbanos/articulos/museo-met-metropolitan-nueva-york-curiosidades-historia-150-aniversario/17304.

Wikipedia contributors. n.d. “Museo Metropolitano de Arte.” Wikipedia, The Free Encyclopedia. https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Museo_Metropolitano_de_Arte&oldid=157616362.

Imágenes:

Edgar Degas | The Little Fourteen-Year-Old Dancer | French, Paris | The Metropolitan Museum of Art. (s. f.). The Metropolitan Museum Of Art. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/196439

The Metropolitan Museum of New York, leadership, image: https://images.app.goo.gl/FDTStBiybdUwnAEY8

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Esa sala es uno de los recuerdos que tengo captados en cámara de la vez que fui. Las esculturas de distintos tamaños, algunas intimidates y otras mágicas.

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(“Figurine ; Sarcophage de Serpent.” 2016. Musée du Louvre)

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Ficha técnica:
Estatuilla; sarcófago de serpiente
-664 / -332 (Periodo tardío)
Lugar de descubrimiento: Serapeum = Serapeum de Memphis (Saqqara-Norte->Saqqara->necrópolis memphita)
N° 5200
Departamento de Antigüedades Egipcias

Análisis:
Esta es una pieza escultórica de tamaño chico hecha con cobre. Lo que llama principalmente la atención son los colores, pues hay una mezcla entre un verde, gris y tonos de mármol café. Esta obra llama mucho la atención del espectador porque parece hecha a partir de una línea recta que van aplanando hasta conseguir el torso de la serpiente. También es interesante darse cuenta que tiene muchos detalles y varias formas implícitas geométricas (como las líneas delgadas del cuerpo del ser, los rectángulos de las bases y la línea que atraviesa todo. Al mismo tiempo esta obra tiene distintas texturas creando un vinculo con la realidad, a pesar de que se sepa que es una criatura mítica. Esto va generando cierta clase de movimiento, ayudándose con su espacio real (tridimensional). Algo muy interesante de la obra es que apenas uno la ve los ojos se dirigen al medio entre el cuerpo y la cabeza, donde uno admira la imagen de un ser imaginario.

Se me hace interesante ver la mezcla de realidades que puede haber en una sola pieza, pues a uno a veces si lo deja muy confundido. Apenas yo vi esta obra por primera vez, quede impresionada porque logran mezclar varios animales disimulándolo como si solo fuera uno. En la parte baja o trasera parece tener una cola como de un animal de mar, después la mirada va subiendo y empieza a agarrar forma de serpiente, que esa es detenida con una cabeza de hombre (el que parece tener gran importancia) y al final, en lo que parece ser la corona, uno puede ver el cuerpo de un ave que tiene las alas hacia abajo.

La luz en esta imagen, claramente dependería de la posición de como esta ubicada en el museo por lo que es una escultura sin pintar. Igualmente se puede sentir que toda la parte frontal de este personaje está iluminada ligeramente creando un brillo peculiar.

Otro elemento que considero importante de la pieza son las letras que están talladas sobre el rectángulo donde esta apoyada la criatura. A pesar de no saber que es lo que está escrito, por lo que son símbolos como los que hacían en el antiguo egipto, se puede detectar que tienen alguna importancia. Ese podría ser algún mensaje que se quiera guardar para otras generaciones, podría ser un título para dar contexto a la obra o simplemente podría ser el nombre del personaje.

Las serpientes en algunas culturas han sido vistas como un animal que busca hacer daño, por ejemplo en la religión católica cuando se habla de Adan y Eva. La serpiente es la que hace que Eva pruebe la manzana y que arruine la oportunidad de ir al paraíso. En esta escultura se me hace interesante como mezclan una persona que da la sensación de que tiene cierta importancia en la sociedad (tiene un estatus muy alto) con una serpiente que es la que muchas veces simboliza lo malo.

¿Por qué la elegí?
Yo decidí hacer el análisis de esta obra porque cuando estaba chismoseando la parte egipcia del museo, esta específicamente llamó mi atención. Me gusto mucho el reto de descubrir que clase de criatura era y ponerme a pensar si existe algún mito donde se hable de un personaje así.

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Siento que no puedo hablar del Louvre sin mencionar la pirámide. Después de la clase con Patricia, me llamó mucho la atención su contraste con el resto del museo y la cantidad de problemas que generó tras su construcción.

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Información:

“Colecciones.” n.d. Le Louvre. Accessed May 10, 2024. https://www.louvre.fr/es/explora/colecciones.

Imágenes:

“Figurine ; Sarcophage de Serpent.” 2016. Musée du Louvre. https://collections.louvre.fr/en/ark:/53355/cl010006179.

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Información:

Convention, Tokyo, and Visitors Bureau. n.d. “Qué ver en Tokio: lugares imprescindibles para conocer la capital japonesa.” Portal Oficial de Turismo de Tokyo GO TOKYO. Accessed May 13, 2024. https://www.gotokyo.org/es/best-attractions/index.html.

N.d. Edu.Uy. Accessed May 13, 2024. http://www.fadu.edu.uy/viaje2013/files/2013/03/guia2-Oriente.pdf.

Imágenes:

Booking, Museo Nacional de Tokio: https://images.app.goo.gl/B5Nb46X2Zcku18XZ9

e-Museum - Merrymaking Under the Cherry Blossoms. (s. f.). https://emuseum.nich.go.jp/detail?langId=en&webView=&content_base_id=100159&content_part_id=0&content_pict_id=0

Revista Ecos de Asia, la ceremonia de té japonesa: https://images.app.goo.gl/PbBgZ7fsYTs77jw78

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Desde que tengo memoria mis papás me han hablado de esta gran pieza de arte, porque tienen la tradición de tomarse una foto frente a ella cada vez que van al Louvre. Cuando fui, recordé cuando me mostraron la primera foto que se tomaron ahí. Simplemente me fascinó.

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Información:

“Banco de la República de Colombia.” n.d. Banrepcultural.org. Accessed May 23, 2024. https://colecciones.banrepcultural.org/page/coleccin-arqueolgica-de-los-museos-del-oro/6357a765e27d753f221c6160

Del Oro Cumple 80 Años de Su Colección Arqueológica | Revista Arcadia, Museo. s. f. «Museo del Oro Cumple 80 Años de Su Colección Arqueológica | Revista Arcadia». Museo Del Oro Cumple 80 Años de Su Colección Arqueológica | Revista Arcadia. https://especiales.revistaarcadia.com/museo-del-oro-cumple-80-anos-de-su-coleccion-arqueologica/index.html.

Escobar, Esteban. 2020. «Museo del Oro Bogotá: Descubre Su Historia y Principales Tesoros». Viajar Por Colombia. 11 de junio de 2020. https://blog.redbus.co/lugares-turisticos/museo-del-oro-bogota-descubre-historia-principales-tesoros/.

Museo Frida Kahlo. (2023, 1 febrero). Museo | Museo Frida Kahlo. https: www.museofridakahlo.org.mx/museo/

«Museo del Oro «  Congreso Internacional de Historia de las Mujeres – JWH». s. f. https://jwh.uniandes.edu.co/museo-del-oro/.

———. 2020b. «Museo del Oro Bogotá: Descubre Su Historia y Principales Tesoros». Viajar Por Colombia. 11 de junio de 2020. https://blog.redbus.co/lugares-turisticos/museo-del-oro-bogota-descubre-historia-principales-tesoros/.

Imágenes:

“CUBIERTA DE CARACOL.” n.d. Banrepcultural.org. Accessed May 25, 2024. https://colecciones.banrepcultural.org/document/cubierta-de-caracol/63a069055d96b8790f295723?pageId=6357a765e27d753f221c6160&materiales%5B0%5D=Oro&s=artista&so=asc&v=mosaic&pos=32&pgn=1.

(Fridakahlo, unknown)https://www.fridakahlo.org/assets/img/paintings/viva-la-vida-watermelons.jpg

Museofridakahlo,2022: https://www.museofridakahlo.org.mx/wp/wp-content/uploads/2022/05/musseum__casaazul.jpg.

TripAdvisor, Gold Museum (Museo del Oro): https://images.app.goo.gl/iLqJRZM5mRS6o47q9

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(The Metropolitan Museum of New York, leadership)

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Sentí que tenía que recodar esta imagen como lo recuerdo de cuando fui. No hay palabras para describir el tamaño, la belleza arquitectónica y la combinación del color.

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(Edgar Degas | The Little Fourteen-Year-Old Dancer | French, Paris | The Metropolitan Museum Of Art, s. f.)

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Ficha técnica:
The Little Fourteen-Year-Old Dance, Edgar Degas (French, Paris 1834–1917 Paris), partially tinted bronze, cotton tarlatan, silk satin, and wood, H. 38 1/2 x W. 17 1/4 x D. 14 3/8 in. (97.8 x 43.8 x 36.5 cm) [n.b.: fluffiness of skirt skews measurement]

Análisis de la obra:
Esta es una escultura de cobre que trata de una bailarina que parece ser joven. La niña tiene una pose especifica que hacen en el ballet, donde se resalta su delgado cuerpo y muchas de sus facciones físicas (a parte del buen equilibrio que parece tener). Esta escultura busca ser realista, pues la piel logra tener una textura muy parecida a la que tiene la humana. Al mismo tiempo se puede ver que el tutú, las zapatillas y la trusa o el corset tienen detalles muy específicos que normalmente traen esas prendas de ropa. Es por esa razón que las texturas ayudan a lograr un gran apego a la realidad.

Esta pieza tiene colores cálidos que dan naturalidad a la figura y ayudan a complementarla mostrando delicadeza y sensibilidad (eso ayuda a descubrir de una mejor manera a la bailarina). Al mismo tiempo, la pieza tiene una iluminación sutil y natural. El bronce ayuda a crear un efecto brillante sin llegar a chocar con las texturas o las formas que tiene la figura. Esa luz que llega se puede ver como cae directamente a la cara de la bailarina y que baja por las zonas donde el cuerpo no deja ninguna sombra como al tutú.

Otro elemento importante es el movimiento, pues a pesar de que la escultura sea algo estático, la niña parece estar en medio de algún baile o de algo por el estilo. Ella parece estar tensionada y preparada para el siguiente paso que debe dar, como si fuese a dar una vuelta o algún salto.

Esta niña, siendo el centro de atención por su belleza, no esta para nada idealizada. La bailarina no tiene un cuerpo muy curveado o con volumen, al contrario, tiene un cuerpo delgado y que encajaría con el de una niña de corta edad. Su expresión es seria y es a donde se dirigen los ojos del espectador en primer lugar. Ella parece estar concentrada o preocupada, lo cual genera en uno cierta identificación pues todos conocemos esa emoción.

En general la obra esta compuesta con una línea recta que pasa por todo el cuerpo de la bailarina. Hay varias figuras que se pueden deducir (como triángulos o círculos), a pesar de que no estén pintadas o hechas explícitamente. El pedestal de madera es delicado y no deja que se pierda la atención del espectador hacia la joven bailarina, mientras que la ropa de la niña o su expresión facial son llamativas y cautivadoras.

En pocas palabras, me arriesgaría a decir que la bailarina es una mezcla entre una niña chiquita del común que hace lo que le gusta y el simbolismo de sentimientos durante un momento de estrés o de esfuerzo.

¿Por qué la elegí?
Esta bailarina me acuerda a una obra de la que mi papá me hablaba cuando yo era chiquita. Cuando la vi me cautivó y me dejo las ganas de trabajar en su análisis. También me pareció lindo que fuera una niña chiquita, porque cuando yo era de esa edad soñaba con parecerme a Angelina Bailarina. Es por eso, y por los sentimientos que encontré en la pieza, que quise hacer el análisis con ella.

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(Tripadvisor, Gold Museum (Museo del Oro))

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Sigo impresionada con que muchas de las piezas que tenía este museo hayan sido fundidas. Que tristeza.

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Las casitas de té y los alrededores de las obras arquitectónicas, son parte de la belleza del arte de los museos en Japón (y de las cosas que más me gustaron).

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(Revista Ecos de Asia, la ceremonia de té japonesa)

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Así no sea algo del museo, en la clase si quedé fascinada con esa costumbre de la tomada de té en Japón.

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(e-Museum - Merrymaking Under The Cherry Blossoms, s. f.)

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Ficha técnica:
紙本著色花下遊楽図, Kano Naganobu, a pair of six-fold screens, color on paper, 148.6x355.8each, Azuchi-Momoyama -Edo period/17th century, Tokyo National Museum

Análisis:
En esta obra se puede ver una de las celebraciones más importantes de Japón que es durante el nacimiento de las flores de los cerezos. Eso es durante el verano, la época donde se puede ver mucha alegria y emoción de la gente que disfrutan de la naturaleza. En esta obra se puede ver que hay una técnica muy detallada de pintura donde se resaltan los pétalos de las flores y las telas de los trajes de las personas. Todas esas texturas que componen el dibujo crean una sensación más realista y táctil que guía al espectador a una nueva experiencia visual. También son muy importantes los colores que predominan la pintura y la mezcla de los colores. Los blancos y rosados, ayudan a crear la luz en la imagen y el brillo natural de la escena. Mientras tanto los otros colores más oscuros, como los tonos marrones, ayudan a mantener ese espacio mágico y especial para la cultura. Lo que si es bien interesante, es que la pieza tiene un uno de la luz muy distinto a como se ha usado en el resto del mundo. No hay unas sombras fuertes y es muy complejo encontrar de donde entra esa iluminación.

A pesar de que la escena sea estática, se puede inferir un movimiento dinámico que da la sensación de movimiento en las figuras. Se puede ver que muchos están en la acción de compartir y celebrar con gente, razón por lo que no estarían quietos. Además las expresiones faciales ayudan a ver esa emoción que probablemente tienen durante la época. Es importante resaltar, que a pesar de que la cultura japonesa no busca copiar exactamente igual la realidad, las caras muestran expresiones del común que siguen comunicando esos sentimientos que tienen.

La obra está dividida en seis partes que se conectan y que tienen una parte importante del paisaje. Claramente la primera (de izquierda a derecha) es la de mayor importancia porque tiene el dibujo del árbol en el frente y la construcción o la casa detrás. Al ver la obra, normalmente los ojos del espectador van directamente a la obra arquitectónica y al arbol, pero mientras van siguiendo la escena se pueden ir descubriendo más y más detalles. Los bailes, las personas en sus rituales de celebración, la naturaleza tranquila y el suave paisaje, siguen ganando el interés de las personas en descubrir lo que la pintura contiene.

¿Por qué la elegí?
Esta obra me recordó a una de las que analizamos en la clase de Betsy. Me gusto aprender sobre ese ritual que tienen durante la temporada de florecimiento de los cerezos. Decidí elegirla porque es una pieza que sigue detallando ese orgullo cultural y esas tradiciones que se van enseñando de generación en generación. Igual también tengo que admitir que fue de las obras que más lindas me parecieron y de las que son un poco distintas al resto.

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Ficha técnica:
Cubierta de caracol, Calima Valle - Periodo Yotoco, 200 a.C. - 1300 d.C., pieza en oro, 14,8 cm largo x 30,0 cm ancho .

Análisis:
Esta parece ser una obra de orfebrería en oro que cautiva la mirada del espectador a través de sus detalles y de su forma. Esta pieza parece representar un objeto de ceremonia como la trompeta, que servía para llamar a la gente y ganar su atención.

La pieza muestra tener una compleja elaboración, donde se necesitó tiempo y dedicación. También, seguramente utilizaron alguna técnica de cincelado para poder llegar a conseguir lo acabados que tiene y así lograr la contextura deseada. Es por eso que los detalles pueden llegar a ser muy pequeños y que solamente se ven cuando uno se acerca a la figura.

Este caracol está compuesto por varias formas del común como los espirales que rodean la cabeza, los círculos u óvalos de cada punta que sobresale y las puntas que parecen ser semi triangulares. El conjunto de todas estas figuras que se pueden deducir, logran unirse armoniosamente dandole equilibrio a la pieza y un movimiento suave a través de ella. Siento que en parte eso es lo que confunde la primera vista del espectador, pues no hay un punto fijo a donde miren los ojos porque no se logran quedar estáticos en ningún lugar.

Otro elemento importante son las texturas. En la imagen se alcanzan a percibir zonas lisas (como toda la zona de la izquierda) y las puntas salidas que parecieran una hoja arrugada. Esas logran hacer que el caracol adquiera una forma muy apegada a la de la realidad.

Esta pieza no tiene algunos puntos de luz especifico por lo que la escultura solo usa el color natural del material, en este caso: el oro. Igualmente se puede ver como la luz parece alumbrar toda la parte central del caracol, dejando un par de sombras en los orificios, en la parte superior y a los lados (sobre todo el izquierdo).

El caracol tiene muchos significados, entre esos se sabe que era una conexión entre lo espiritual y el mundo donde vivimos los humanos. A pesar de que pudiera ser usado simplemente como un llamado de alguien hacia el pueblo, este también podia ser visto como un elemento con significados profundos más allá de un simple llamado.

Por otro lado, el oro en Colombia ha sido de las cosas que tienen más valor de riqueza cultural. De lo que recuerdo, en la clase nos dijeron que esta obra la habían encontrado en Cali, pero que había llegado de un mar. Por eso creería que funciona como el ejemplo perfecto para hablar de ese patrimonio y de todo lo que hay de fondo. Seguramente en la época que fue encontrada la pieza tuvo un valor muy importante, que con el paso del tiempo ha aumentado su cuidado y que por eso esta expuesto en el Museo del Oro de Bogotá.

¿Por qué?
Yo elegí esta obra porque me parece importante recordar elementos que me impactaron de la clase. Me cautivó el hecho de que esta pieza apareciera de la nada, y fue por esa razón que decidí utilizarla para tener un pretexto para chismosear de que se trataba.

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El museo de Frida Kahlo, conocido como la casa azul, tiene toda una historia de fondo. A diferencia de otros museos este fue habitado por la artista y su familia durante una larga etapa de su vida y luego con su esposo Diego Rivera hasta el día de su muerte. Desde julio de 1958, y del fallecimiento no de Frida, la casa fue abierta como museo para todos los mexicanos y extranjeros que quisieran visitarla. (Museo Frida Kahlo, 2023)

Este museo, a parte de que lo diga su nombre, tiene una colección desde XVI hasta XIX de las obras de la artista Frida Kahlo. En ellas se pueden ver obras que fue haciendo durante el transcurso de su vida. A su vez, se puede identificar la importancia de las obras que ella puso en la cocina y de toda la magia que exploraba durante las largas horas pintando en su cuarto. Aunque la casa no tenga todas las obras de esta mujer, la colección si cubre muchas de las técnicas que uso. Entre esas están: los documentos, las fotografías, las revistas, las publicaciones, los libros y los dibujos. (Museo Frida Kahlo, 2023)

La verdad es que el museo me sorprendió para bien, pues yo siempre fui un poco ignorante con el arte de Frida Kahlo. Cuando yo veía las obras no les sentía profundidad ni las entendía muy bien, sentía que chocaban mucho con lo que yo consideraba estético. Pero la verdad, después de tener la clase sobre esta artista, descubrí que me había equivocado en cómo juzgué el arte de ella. Creo que a pesar de que ese arte no sea para todo el mundo, los mensajes que la artista quería dar son importantes y me dejaron pensando en cómo uno se comunica con el mundo. Por eso me arriesgaría a decir que aunque hayan varias obras que me disgusten o que no me convenzan, me gustó descubrir una nueva forma de ver a la artista y sus creaciones.

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Es interesante que un museo sea una casa, pero el color azul vivo es lo que me impacta.

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Ficha técnica:
Viva la vida, Frida Kahlo, 1954, óleo sobre masonite, Museo Frida Kahlo,  Coyoacán (Ciudad de México), 72×52 cm

Análisis:
Esta obra es un claro ejemplo de la mezcla de realidades y de mensajes simbólicos que caracterizan a la artista mexicana Frida Kahlo. Ella, a través de distintos elementos de naturaleza muerta, logra mandar mensajes que le parecen importantes en su vida y que quiere que le lleguen a la gente.

La composición de la pintura es simétrica y centrada. Tiene un orden específico que le da equilibrio a la imagen, mostrando como las frutas y flores crean un efecto de armonía visual relacionado al paso del tiempo. Frida Kahlo utiliza distintos colores vibrantes y llamativos, como rojos, naranjas, verdes y azules. Eso logra transmitir distintas sensaciones como de alegría y felicidad. Al mismo tiempo se puede identificar el mensaje de la vida, pues normalmente los elementos de la naturaleza sirven como símbolos para mostrar el paso del tiempo y la evolución.

La forma de las frutas está representada con precisión y detalle, haciendo que se perciba cierto realismo y profundidad de la composición.

Este cuadro también usa la textura de la pintura como una herramienta para mostrar de mejor manera el mensaje que la artista quiere dar. Esa es lisa y uniforme (y un poco distinta a la que tiene una patilla en la vida real), lo cual resalta la formalidad de la obra haciendo énfasis en la intensidad de los colores utilizados y en cómo se relacionan con las patillas. La luz en la pintura parece caer desde la parte superior del cuadro, haciendo que haya delicadas sombras. Todo eso ayuda a que en la obra se pueda percibir más volumen y profundidad.  La iluminación logra llevar la mirada del espectador al centro de la composición, donde se sigue recalcando el mensaje de la vida.

La naturaleza representada en la obra es un símbolo muy común en las obras de Frida Kahlo. Ella normalmente utilizaba la naturaleza como medio para hablar de su conexión con la cultura y la identidad. Al mismo tiempo ella, que se mostraba como una mujer fuerte, usaba esa clase de elementos comunes para hablar del dolor (como la infidelidad, la infertilidad o el dolor físico). Estos simbolismos, como las patillas, reflejan mucha importancia de la naturaleza mexicana, como la riqueza de su patrimonio cultural. Todo eso, ademas del mensaje que tiene marcado una de las frutas, siguen resaltadon un mensaje que puede verse como la celebración del vivir y las diferencias.

Algo muy curioso de la obra, es quie Frida escribió el mensaje días antes de morir. Es interesante ver el profundo mensaje que tiene, pues parece mostrar que toda la felicidad es mucho más importante que la oscuridad.

¿Por qué la elegí?

Siendo sincera, yo elegí esta obra porque en la clase me llamó mucho la atención. Me acuerdo que hicimos un análisis de ella y que la profesora Ana María nos explicó a través de esta varias cosas de la vida de Frida. Por esa razón quise escoger la pintura con la que caí en cuenta de que Frida es buena artista y que tiene su manera de mandarle mensajes al mundo.