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Hier geht es um Humor und Unsinn und den Sinn, den es hat, im Kunstunterricht Unsinn zu machen.

Besonders das Beispiel gegen Ende aus einem der Seminare von Nanna Lüth finde ich sehr spannend. Ihr dürft auch so etwas machen als Experiment, das die Vorstellungen davon, was und wie Kunstunterricht sein soll einfach mal völlig durcheinander wirft!

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Eine Orientierung für Kunstgeschichte bieten

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Oft fehlt Schüler*innen ein allgemeines Bewußtsein für verschiedene Epochen der Kunst. In Form einer spielerischen Stations-Arbeit sollen Schüler*innen zunächst Einblicke in die Kunstgeschichte erhalten und ihr neu gewonnenes Wissen im Anschluss spielerisch prüfen, anwenden und vertiefen.

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Renaissance
Barock und Rokoko
Klassizismus und Romantik
Realismus und Impressionismus
Jugendstil und Expressionismus
Surrealismus und Pop Art

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Die Schüler*innen werden in sog. Expert*innengruppen eingeteilt. Aufgabe der Schüler*innen ist es, zunächst das verlinkte Einführungsvideo zu sehen um ein erstes Gespür für die Kunstepochen zu erhalten. Im Anschluss sehen sie die ihnen speziell für ihre Expert*innengruppe zugeteilten Videos angesehen und sich mit diesen intensiv auseinandergesetzt: Schüler*innen machen sich Notizen, sodass sie in der nächsten Phase als Expert*innen für ihre Epochen fungieren können.

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Kunstepochen: Definition und Überblick ✅ wichtige Künstler ✅ Merkmale aller Kunstepochen erklärt ✅ mit kostenlosem Video

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Kunstepoche Romantik - Grundidee

Die Romantik gilt als Gegenbewegung zur Aufklärung und dem Klassizismus. Der Klassizismus ist der Romantik als Kunstepoche vorausgegangen. Die beiden Strömungen haben sich sogar zeitlich überschnitten. Allerdings vertraten die Anhänger beider Bewegungen sehr unterschiedliche Ansichten.

Das Menschenbild der Aufklärung ist geprägt von Vernunft und wissenschaftlichen Erkenntnissen. Mithilfe neuer wissenschaftlicher Methoden konnten neue Forschungen angestellt und die Natur erklärt werden.

Vertreter der Romantik allerdings sahen in der Aufklärung die Verdrängung der Leidenschaft und der Gefühle. Deshalb stellten romantische Künstler das Innenleben der Menschen und die Fantasie in den Vordergrund. Diesen Fokus auf das Individuum bezeichnest du auch als Subjektivismus.

Dieser Blick in das eigene Innere führte dazu, dass sich Romantiker auch oft mit Träumen oder der Psyche beschäftigten. Manchmal ergaben sich daraus auch übernatürliche oder gruselige Motive wie Wahnsinn, Krankheit oder Tod. Diese dunkle Variation der Romantik nennst du auch Schauerromantik .

Des Weiteren stand die Natur im Zentrum der Romantik Gemälde. Denn die Romantiker sahen in der Natur etwas Magisches, das nicht durch die rationalen Mittel der Aufklärung erklärt werden konnte. Die Natur war deshalb ein Zufluchtsort für die Romantiker. Die romantische Malerei zeichnet sich aus diesem Grund vor allem durch Landschaftsmalerei aus.

Oft erlebten die Künstler in der Natur auch das Gefühl der Melancholie. Denn die Industrialisierung veränderte das Stadtbild und die Natur immer mehr. Deshalb sehnten sich viele Vertreter der Romantik nach der Vergangenheit und dem Zauber der Natur ohne den Eingriff des Menschen.

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Romantik (Kunst): Definition ✅ Romantik Künstler und Gemälde ✅ Romantik Kunst Merkmale ✅ mit kostenlosem Video

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Renaissance (Kunst) * Renaissance Epoche Kunst

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Wichtige Inhalte in diesem Video

Was macht die Renaissance in der Kunst aus? Alles zu den wichtigsten Merkmalen, Künstlern und Werken der Renaissance erfährst du hier und im .

Renaissance Kunst - einfach erklärt

Die Renaissance ist eine europäische Kunstepoche . Sie entstand um 1400 und dauerte bis circa 1620. Die Epoche löste die Gotik ab. Auf die Renaissance folgte der Barock. In der Renaissance kam es zu einer Wiedergeburt der antiken Kunst. Die Künstler wollten die Welt möglichst naturgetreu abbilden und erfanden dafür neue Maltechniken. Wichtige Elemente der Kunst sind Symmetrie, also Gleichmaß, und Ordnung.

Die Renaissance kannst du in drei Perioden unterteilen:

1. Frührenaissance: 1420 - 1500

2. Hochrenaissance: 1500 - 1530

3. Spätrenaissance: 1520 - 1600

Wichtige Renaissance Künstler und Werke:

Michelangelo: „Die Erschaffung Adams" (1508-1512)

Leonardo da Vinci: „Mona Lisa" (1503)

Raffael: „Sixtinische Madonna" (1512/1513)

Du findest die Epoche der Renaissance nicht nur in der Kunst, sondern auch in der Musik und der Literatur .

Renaissance - Ursprung

„Renaissance" kommt aus dem Französischen und heißt „Wiedergeburt". Damit ist die Wiedergeburt der Antike gemeint. Diese Epoche wurde in der Renaissance neu entdeckt. Die Renaissance ist die erste Kunstepoche der Neuzeit. Das heißt, sie markiert das Ende des Mittelalters.

Verschiedene Faktoren spielten bei der Entstehung der Epoche eine wichtige Rolle. Mehr dazu erfährst du jetzt.

Finanzielle Unterstützung - Renaissance Kunst

Die Renaissance Kunstepoche konnte entstehen, weil die Bevölkerung in Europa immer wohlhabender wurde. Besonders in Venedig, Genua und Florenz in Italien weitete sich der Handel aus. Da mehr Geschäftsleute reich waren, konnten sie den Kunstmarkt finanziell unterstützen. Die Händler beauftragten Künstler, für sie Kunstwerke anzufertigen.

Ein Beispiel dafür ist die reiche Adelsfamilie Medici. Sie gewann an Einfluss in der Stadt Florenz und kaufte viele Kunstwerke. Deshalb verkörperte die Familie die Epoche in Florenz. Andere reiche Familien beteiligten sich ebenfalls immer mehr am Kunsthandel. Dadurch entstand der Kapitalismus. Bei diesem wirtschaftlichen System richtet sich der Markt nach Angebot und Nachfrage. Wenn ein Kunstwerk stark gefragt ist, kann es auch teurer verkauft werden. Von dieser Nachfrage konnten die Künstler profitieren. Durch die finanzielle Unterstützung konnten sie sich besser auf ihre Arbeit konzentrieren und vollständig von der Kunst leben.

Außerdem konnte sich die Kunst durch ausgebaute Handelsrouten in ganz Europa ausbreiten. Deshalb verbreiteten sich auch die Ideen der Renaissance in vielen verschiedenen Ländern. Dabei half die Erfindung des Buchdrucks durch Johannes Gutenberg.

Geringer Einfluss der Kirche - Renaissance Kunst

Zur Zeit der Renaissance hatte die Kirche immer weniger Einfluss auf die Bevölkerung. Die Menschen richteten ihr Leben nicht mehr ausschließlich nach der Kirche aus. Auch die Gesellschaftsordnung veränderte sich dadurch. Nun sahen sie die Ordnung nicht mehr als unveränderlich oder gottgegeben.

Dadurch konnte sich der Humanismus weiter verbreiten. Die Menschen begannen, selbst über ihr Leben nachzudenken. Jeder Mensch sollte seinen Verstand nutzen. Dabei orientierten sie sich an alten griechischen Philosophen . Im Humanismus wurde die Freiheit der Leute immer wichtiger. Das heißt, dass der Mensch immer mehr in den Mittelpunkt rückte. Das nennst du auch Anthropozentrismus.

Weil die Kirche an Bedeutung verlor, unterstützten einige Päpste in Rom vermehrt die Kunst. Das führte zu vielen neuen Gebäuden und Kunstwerken, die im Auftrag der Päpste entstanden. Einer von ihnen war Papst Julius II. Er ließ Michelangelo die Decke der Sixtinischen Kapelle und Raffael die Stanzen gestalten. Stanzen sind die Gemächer im Palast, in denen der Papst wohnte.

Renaissance Kunst - Merkmale

Die Kunst wurde stark von der Antike inspiriert. Deshalb malten viele Künstler antike Motive. Sie beschäftigten sich also mit der griechischen und römischen Mythologie. Im Folgenden erfährst du mehr über die Merkmale der Kunst.

Renaissance Malerei

In der Malerei beschäftigten sich die Künstler vor allem mit Fresken. Ein Fresko ist ein Wand- oder Deckengemälde bei dem die Farbe auf nassen Putz aufgetragen wird. Du findest Fresken vor allem in Kirchen.

Künstler erfanden neue Kunsttechniken, um ihre Renaissance Gemälde möglichst naturalistisch, also realitätsnah, aussehen zu lassen. Dabei veränderten sie vor allem die Darstellung des Lichts in ihren Bildern. Du siehst die neuen Techniken in Porträts und Stillleben . Künstler malten sie oft mit Ölfarben.

Durch die Ölmalerei konnte die Farbigkeit der Bilder noch intensiver werden. Zudem trocknet die Farbe sehr langsam. Dadurch konnten die Gemälde noch wochenlang bearbeitet und verändert werden. Das ermöglichte den Künstlern detailreiche und lasierende Malerei. Lasierend bedeutet, dass der Pinselstrich fast unsichtbar ist. In Italien waren Fresken besonders beliebt. In den Niederlanden bevorzugten die Künstler Tafelbilder, also Gemälde auf Holz.

Die perspektivische Verkürzung war ebenfalls eine neue Maltechnik. Das ist die Wahrnehmung der Länge von Gegenständen, die je nach Perspektive variiert. Dadurch wirken manche Sachen kürzer, als sie in Wirklichkeit sind.

Zu den neuen Techniken der Renaissance Gemälde gehörte außerdem die lineare Zentralperspektive . Vor den Malern beschäftigten sich vor allem Architekten mit Perspektiven. Durch die lineare Zentralperspektive wirkten Gemälden räumlicher und naturalistischer. Bei der Zentralperspektive schneiden sich alle im Bild laufenden Linien (Fluchtlinien) in einem Punkt auf der Horizontlinie, dem sogenannten Fluchtpunkt.

Das Licht ging in den Gemälden meist von einer bestimmbaren Lichtquelle aus, die das Motiv gleichmäßig beleuchtet. In der Spätrenaissance und dem Übergang zum Barock setzten die Maler öfter einen Hell-Dunkel-Kontrast in ihren Gemälden ein. Auch die Luft- und Farbperspektive gewannen an Bedeutung. Bei der Farbperspektive nahm die Farbkraft ab, wenn Objekte weiter entfernt lagen. Außerdem wurden sie bläulicher. Wenn Objekte mit größerer Entfernung vom Betrachter liegen, wurden sie in der Luftperspektive unscharf.

Die Farben waren in der Epoche also von Bedeutung. Das Ziel war es, die Farben möglichst realitätsnah zu verwenden, sodass Gegenstände in Gemälden die gleiche Farbe wie auch in der Wirklichkeit hatten.

Die Künstler beschäftigten sich für die genaue Darstellung von Menschen und Gegenständen mit Naturstudien. Dazu gehört zum Beispiel auch die Untersuchung des menschlichen Körpers, den sie sezierten und dessen Knochen, Muskeln und Sehnen sie anschauten. Das ermöglichte den Malern, verdrehte und angespannte Figuren besonders naturgetreu abzubilden. Solche Figuren findest du vor allem in Abbildungen von Kämpfen, die typisch für die Epoche sind. Außerdem betonten die Künstler die Schönheit des menschlichen Körpers.

In der Renaissance wurden auch die Künstler selbst immer wichtiger. Das siehst du vor allem in der Entwicklung von Selbstbildnissen. Vor der Renaissancekunst hatten sich Künstler selten selbst dargestellt. Es entstand ein neuer Künstlertyp, der sich in den Gemälden präsentiert. Die Künstler zeigten sich nun also als Individuum.

Die Komposition, also der Aufbau der Gemälde war symmetrisch. Typisch für die Epoche findest du oft pyramidale Anordnungen der Figuren. Die Figuren waren in Form einer Pyramide positioniert und eine Figur stand an der Spitze.

Typische Motive der Malerei waren religiöse oder biblische Szenen. Im Gegensatz zum Mittelalter, in dem die Figuren vor einem goldenen Hintergrund standen, waren sie nun in einer Landschaft platziert. Es entstanden aber auch reine Landschaftsgemälde, in denen es keine oder wenige Figuren gab. Das Interesse an der die Mythologie zeigte sich in Darstellungen von antiken griechischen und römischen Göttern und Helden.

Renaissance Künstler

Durch die große Unterstützung der Medici und den Päpsten in Rom sind viele italienische Künstler heute noch bekannt. Im Folgenden findest du die wichtigsten Renaissance Künstler.

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci (1452-1519) war einer der bekanntesten Renaissance Künstler. Er war ebenfalls Wissenschaftler und Erfinder. Da Vinci untersuchte beispielsweise den Körperaufbau des Menschen. Außerdem entwarf er einige Fluggeräte, die er aber selten in der Realität baute. Wegen seiner vielen Begabungen nennst du ihn auch „Universalgenie". Damit war er das Sinnbild für einen Menschen der Epoche. Die Idee aus der griechischen Antike bezog sich auf das Ideal, dass ein Mensch besonders einfallsreich und gelehrt sein soll.

Michelangelo

Der italienische Künstler Michelangelo Buonarroti (1475-1564) beschäftigte sich ebenfalls mit verschiedenen Kunsttechniken. Er war Bildhauer, Architekt, Maler und Dichter. Michelangelo gilt als der Erfinder des Manierismus. Das ist ein Stil, der am Ende der Renaissance entstand. Im Manierismus wurden die Ideale der Renaissance weiter verstärkt. Das heißt, dass die Figuren noch übertriebener dargestellt wurden.

Sein größter Erfolg in der Renaissance Architektur gelang ihm mit einem Entwurf für die Kuppel des Petersdoms in Rom. Allerdings wurde die Kuppel erst nach seinem Tod gebaut.

Tizian

Tizian (1488/1490-1576) war ein Maler der Hochrenaissance. Er gehörte zur venezianischen Schule in Venedig. Das heißt, er betonte in seinen Gemälden die Farbe (Kolorit). Seine Werke sind besonders vielseitig. Tizian schuf sowohl Porträts auch auch Landschaften, mythologische und sakrale Themen. Seine Zeitgenossen sahen ihn aber hauptsächlich als Porträtist. Er fertigte Porträts für den Adel und reiche Kaufleute an.

Sein wichtigster Auftraggeber war der spanische König Philipp II. Für ihn schuf die sogenannte „Poesie". Das ist eine Bildreihe, in der griechische Sagen abgebildet sind. Diese Bilder unterscheiden sich in der Pinselführung von seinen bisherigen Werken. Statt präzisen Abbildungen der Figuren wurde sein Pinselstrich freier und lockerer.

Raffael

Raffael Santi (1483-1520) kennst du vielleicht eher als Raffael. Er war ein italienischer Maler und Architekt in der Hochrenaissance. Seine Gemälde sind harmonisch und ausgewogen. Damit entsprechen sie dem Ideal für Schönheit der Epoche.

Raffael baute sich oft selbst in seinen Gemälden ein. Ein bekanntes Beispiel dafür ist „Die Schule von Athen" (1510-1511). Das ist ein Fresko in der Stanza della Segnatura für Papst Julius II. in Rom. Das Bild zeigt viele Merkmale der Renaissance.

Der Aufbau ist symmetrisch und tiefenräumlich. Viele der abgebildeten Figuren sind wahrscheinlich bekannte Philosophen aus dem antiken Griechenland. Dazu zählen Platon, Aristoteles, Pythagoras. Allerdings sind die Zuordnungen der Personen nur Vermutungen und Interpretationen.

Weitere Renaissance Künstler und Werke

Neben den bisher genannten Künstlern gibt es noch einige weitere wichtige Künstler der Epoche:

Sandro Botticelli: „Die Geburt der Venus" (1485-1486)

Albrecht Dürer: „Adam und Eva " (1507)

Paolo Veronese: „Die Hochzeit zu Kana" (1562-1563)

Renaissance Architektur

Die Architektur orientierte sich an der Antike. Das heißt, die Gebäude bekamen Elemente, die typisch für die römische und griechische Antike waren. Dabei wurden sie klar strukturiert. Symmetrie spielte in der Architektur eine besonders große Rolle.

In der Renaissance Epoche entstanden vor allem Sakralbauten, also Kirchen. Du findest aber auch Schlösser oder Wohnhäuser in der Architektur. Ein wichtiges Beispiel ist der Dom von Florenz. Der Beginn des Baus 1296 kannst du auch als Anfang der Renaissance sehen. Der Dom sollte besonders durch Skulpturen und Ornamente verziert werden. Nachdem der Bildhauer Arnolfo di Cambio starb, setzte Giotto seine Arbeit fort. Giotto entwarf den berühmten Glockenturm (Campanile).

Auf dem Turm siehst du Alltagsgeschichten einiger Stadtbewohner. Außerdem ist der Turm mit Statuen von Heiligen geschmückt. Donatello, Andrea Pisano und Luca della Robbia zählten zu den berühmtesten Bildhauern der Stadt. Sie entwarfen die Statuen für den Glockenturm.

In Italien wurden oft luxuriöse Wohnhäuser für reiche Kaufleute und andere einflussreiche Bürger gebaut. Du nennst ein solches Haus auch Palazzo. Sie besaßen häufig einen Innenhof (Atrium) mit Arkaden. Das sind Bögen auf Pfeilern. Von außen wirkten die Gebäude aber eher streng und weniger verziert. Mit den großen Gebäuden wollten die Besitzer ihren wirtschaftlichen und finanziellen Erfolg zeigen.

Renaissance Plastik und Skulptur

Auch die Skulptur der Renaissance orientierte sich an den antiken Idealen. Künstler wie Michelangelo beschäftigten sich mit Skulpturen der griechischen und römischen Antike. Dabei baute er die perfekten Proportionen und die körperliche Schönheit ein, die bereits in der Antike angestrebt wurde.

Dazu gehört beispielsweise der Kontrapost. Das ist der Ausgleich eines stehenden Körpers durch die Unterscheidung zwischen Stand- und Spielbein. Das Standbein ist das Bein, auf dem der Mensch steht. Das Spielbein steht locker vor oder neben dem Standbein. Durch die Pose sind Becken und Schultern in einer Schieflage. Ein berühmtes Beispiel dafür ist die Statue „David" (1501-1504) von Michelangelo. Durch den Kontrapost wirkt die Statue gegensätzlich, da sie ruht, aber auch bewegt ist.

In der Renaissance waren vor allem Skulpturen aus Marmor beliebt. Sie waren in dieser Epoche oft alleinstehend. Das heißt, dass sie nicht mehr an die Architektur gebunden waren. Stattdessen sollten sie frei im Raum stehen und von allen Seiten betrachtet werden. Sie prägten in der Renaissance außerdem das Stadtbild. An Beliebtheit gewannen beispielsweise Reiterstandbilder, mit denen Herrscher auf ihren Pferden geehrt wurden.

Renaissance Kunst - Steckbrief

Merkmale: naturgetreue Darstellung des Menschen und der Natur, Symmetrie, Harmonie

Motive: Porträts, Landschaften, griechische und römische Mythologie

Wichtige Vertreter: Da Vinci, Michelangelo, Raffael, Dürer

Barock (Kunst)

Jetzt weißt du alles über die Renaissance Kunst. Wenn du mehr über die darauffolgende Epoche des Barock erfahren willst, ist das nächste Video bestimmt interessant für dich!

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Renaissance (Kunst) * Renaissance Epoche Kunst

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Renaissance Kunst einfach erklärt ✅ Merkmale Renaissance Kunst ✅ Künstler, Kunstwerke und Architektur Renaissance ✅ mit kostenlosem Video

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Barock (Kunst) * Barock Epoche in der Kunst

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Wichtige Inhalte in diesem Video

Was zeichnet den Barock in der Kunst aus? Alles über die Epoche und die Barock Künstler erfährst du hier und im Video .

Inhaltsübersicht

Barock Kunst - einfach erklärt

Der Barock ist eine Kunstepoche in Europa, die im 17. und 18. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichte. Künstler des Barock versuchten, ihre Werke illusionistisch und plastisch, also besonders echt aussehend, wirken zu lassen.

Zusätzlich bauten sie dynamische Rundungen, gesteigerte Proportionen und prunkvolle Architektur in ihre Werke ein. Sie orientierten sich an den Schönheitsidealen der Renaissance . Außerdem erzeugten sie einen starken Kontrast zwischen Licht und Schatten.

Wichtige Künstler und Werke des Barock:

Caravaggio: „Der heilige Matthäus und der Engel" (1602)

Peter Paul Rubens: „Medici-Zyklus" (1622-1625)

Diego Velázquez: „Las Meninas" (1656)

Die Epoche des Barock gab es nicht nur in der Kunst, sondern auch in der Literatur und der Musik.

Barock Kunst - Merkmale

Der Begriff „Barock" stammt aus dem Portugiesischen „Barocco" und bedeutet so viel wie „unvollkommene Perle" oder „schiefrunde Perle".

Zur Zeit des Barock entstand eine neue Bildpraxis. Sie bestand vor allem aus der besonderen Verbindung von Wort und Bild. Du findest sie beispielsweise in der Buchillustration oder der Druckgrafik. Auch Emblemliteratur gewann an Bedeutung. Das ist eine Kunstform, in der Bilder und Text miteinander verbunden wurden,um einen verborgenen Sinn zu erzeugen, der von Lesern entschlüsselt wird.

Herrscherporträts

Gemälde des Barock entstanden oft im Auftrag von Adeligen wie Königen. Sie beauftragten Herrscherporträts, in denen sie sich abbilden ließen. Die Barock Porträts sollten repräsentativ sein und die Macht des Adels veranschaulichen.

Dafür stellten die Herrscher oft Hofmaler ein, die dauerhaft im Auftrag des Adels arbeiteten und am Hof lebten. Die Künstler erstellten ebenfalls Kunstwerke, um die Schlösser der Herrscher zu schmücken.

Motive

Besonders in Italien gewannen ideale Landschaften an Bedeutung. Sie waren tiefläufig und symmetrisch. Zur Zeit des Barock spezialisierten sich immer mehr Künstler auf ein bestimmtes Genre oder eine bestimmte Gattung. Manche Künstler beschränkten sich damit zum Beispiel auf die Stilllebenmalerei oder Porträts.

Künstler des Barock griffen oft auf mythische und religiöse Motive zurück. Das heißt, sie malten nicht nur die Realität, sondern sie bauten ebenfalls fantastische Elemente aus der Mythologie oder der Bibel ein. Dabei konzentrierten sie sich auf theatralische, also übertriebene, Darstellungen der Figuren. Das erreichten sie durch schwungvolle Bewegungen und überspitzte Gesichtsausdrücke der abgebildeten Figuren.

Die Darstellungen wurden zusätzlich durch die Betonung des Lichts und durch große Kontraste zwischen Licht und Schatten (Chiaroscuro) verstärkt. Das ist beispielsweise typisch für den italienischen Künstler Michelangelo Merisi da Caravaggio. Dadurch wirkten die Figuren außerdem plastischer und naturalistischer. Das heißt, sie waren nicht flächenhaft, sondern naturgetreu.

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Oft hoben sich die Figuren von einem sehr dunklen oder schwarzen Hintergrund hervor. Die Künstler nutzten außerdem eine ähnliche Farbpalette. Sie verwendeten vor allem Schwarz-, Braun-, Grau- und Rottöne in ihren Gemälden.

Wenn du mehr über die Merkmale des Barock in der Kunst wissen willst, schau dir unser ausführliches Video dazu an!

Täuschungen

Viele Künstler bauten oft optische Täuschungen in ihre Bilder ein. Dazu gehören zum Beispiel gemalte Architektur im Bildhintergrund, die täuschend echt aussieht. Dabei nutzten die Maler auch die Trompe-l'œil-Technik (frz. „täusche das Auge").

Das sind Augentäuschungen, die durch die perspektivische Darstellung entsteht. Bei dieser illusionistischen Barock Malerei können Wand- und Deckenmalereien wie eine echte Raumerweiterung wirken. Die Technik kann aber auch in Gemälden verwendet werden, sodass diese besonders naturalistisch aussehen.

Akademien

Eine wichtige Entwicklung in der Kunst war die Gründung von Akademien. Vor allem in Frankreich und Italien wurden viele Kunstakademien gegründet. Ziel der Akademien war die Ausbildung der Künstler. Dabei wurden sie nicht nur praktisch unterrichtet, sondern sie besuchten auch Vorlesungen und Diskussionen über Kunsttheorien.

Ein Beispiel dafür ist die „Accademia degli Incamminati", die von den Brüdern Caracci in Bologna ins Leben gerufen wurde. Sie beschäftigten sich zunächst mit den ästhetischen Idealen der Renaissance. Dazu gehörten die Proportionen und naturalistische Darstellung der Figuren. Weitere berühmte Akademien sind die „Accademia di San Luca" und die „Accademia del Disegno" in Rom.

Barock Kunst

Beliebte Kunsttechniken des Barock waren die Fresko- und Tafelmalerei. Aber auch die Architektur erlebte in der Epoche einen Aufschwung. Alles über die Kunst des Barock erfährst du jetzt.

Freskomalerei - Barock Malerei

Eine beliebte Kunsttechnik des Barock ist die Freskomalerei. Sie ist eng verbunden mit der Architektur, die im Barock an Bedeutung gewann. Bei der Freskomalerei wird die Farbe auf frischen, feuchten Putz an einer Wand aufgetragen. Dabei orientierten sich die Künstler an der vorherigen Epoche der Renaissance. Du findest Freskomalerei vor allem an Kuppeln oder Tonnengewölben in Kirchen des Barock. Aber auch Paläste und Villen des Adels sind mit Fresken geschmückt.

Manche Fresken sollten die Illusion von Gemälden erschaffen. Dabei wurden Rahmen um die Bilder gemalt, sodass sie wie eine Reihe von gerahmten Gemälden aussehen. Diese Technik nennst du Quadro riportato. Sie ermöglicht die Vermischung zwischen Malerei, Skulptur und Architektur. Das war typisch für die Epoche.

Tafelmalerei - Barock Malerei

Die Tafelmalerei gewann im Barock an Bedeutung. Das lag daran, dass der Kunsthandel eine größere Rolle im Leben der Künstler spielte. Bei einem Tafelbild befindet sich das Gemälde auf Holztafeln. Dadurch ist es leichter zu transportieren und handlicher. Auf diesem Weg wurde das Tafelbild ein beliebtes Sammelobjekt des Adels und des gehobenen Bürgertums.

Barock Architektur

Die Ideen des Barock konnten am besten in der Architektur umgesetzt werden. Sie wirkte durch ihre Verzierungen wie bewegte Fassaden sehr dynamisch. Häufig haben Gebäude des Barock ovale und geschweifte Formen.

Sakrale Architektur gewann im Barock besonders an Bedeutung. Das sind vor allem Kirchen. Ein Vorbild für barocke Architektur ist die Kirche „Il Gesù" in Rom. Die Fassade der Kirche ist prunkvoll verziert. Dazu wurden beispielsweise Ringlinien (Voluten) an den Eckansätzen zwischen Unterbau und Giebel eingesetzt. Außerdem gibt es eine Vielzahl von verzierenden Stützelementen und Bögen, die in ihrer Gesamtwirkung dominieren.

Das ist ein bedeutender Unterschied zur Renaissance, in der die einzelnen Bauelemente hervorgehoben wurden. Dennoch sind die Renaissance und vor allem die Architektur des italienischen Künstlers Michelangelo eine Inspiration für viele Architekten des Barock. Die Kuppel des Petersdoms in Rom war ein Wegbereiter für die Barock Architektur.

Neben religiöser Architektur wurden im Barock vor allem Schlösser für den Adel gebaut. Dadurch wollten Herrscher ihre Macht demonstrieren. Ein berühmtes Beispiel dafür ist das barocke Schloss Versailles in Frankreich. Die Palastanlage diente im 17. und 18. Jahrhundert als Hauptwohnsitz der französischen Könige. Das Schloss wirkt besonders prunkvoll durch die vielfältigen goldenen Verzierungen an der Fassade sowie viele Deckengemälde, Skulpturen und Brunnenanlagen.

König Ludwig der XIV. , auch genannt Sonnenkönig, sah sich als Licht in der Finsternis. Das symbolisierte er ebenfalls durch die große Spiegelgalerie im Inneren des Schlosses. In dem Raum gibt es riesige Spiegelwände. Auch die Wasserflächen des Gartens und die Brunnenanlagen spiegeln und brechen das Licht.

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Zur Zeit des Barock entstanden nicht nur einzelne Schlösser oder Kirchen, sondern auch größere Vorhaben wie Städte. Ein Beispiel dafür ist die Stadtanlage in Karlsruhe. Die Straßen laufen strahlenförmig auf das Schloss zu.

Dadurch ist der Aufbau der Stadt ein Symbol für die Macht des absolutistischen Herrschers Karl Wilhelm von Baden-Durlach, dessen Schloss im Mittelpunkt liegt. Durch die Verbindung von Schloss, Gartenanlage und Stadt zeigt sich der Anspruch des Gesamtkunstwerks der Barock Kunstepoche.

Barock Künstler

Die Epoche breitete sich in vielen Ländern Europas aus. Im Folgenden siehst du eine Auswahl der wichtigsten Künstler des Barock.

Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), oft nur Caravaggio genannt, war ein italienischer Barock Künstler. Caravaggio wird als „Vater der Barockmalerei" bezeichnet. Er war Tizians Schüler in Mailand. Die Figuren in seinen Gemälden waren oft in starken und verdrehten Bewegungen dargestellt. Verstärkt wurde die Dramatik durch komplizierte, ungewöhnliche Perspektiven sowie das Spiel von Licht und Schatten, dem sogenannten Tenebrismus.

Caravaggio legte den Fokus in seinen Barock Bildern auf den Realismus. Das heißt, dass er das Abgebildete naturgetreu malte und mit einer Interpretation vereinte. Caravaggios Kunst beeinflusste einige Maler des Barock, die seinen Stil nachahmten. Diese Künstler nennst du Caravaggisti oder Tenebrosi.

Diego Velázquez

Ein wichtiger Vertreter des spanischen Barock war der Hofmaler Diego Velázquez (1599-1660). Sein Werk umfasste umfangreiche Themen, wie Historienmalerei und Genremalerei. In „Las Meninas" (1656) stellte er sich selbst bei der Arbeit zusammen mit einer Prinzessin dar. Das Besondere an dem Barock Gemälde ist ein Spiegel im Hintergrund, in dem ein Bildnis des Königspaares sichtbar ist. Velázquez spielt in seinem Barock Bild mit verschiedenen Realitätsebenen und thematisiert direkt die Hofmalerei.

Er gilt als Vertreter des Tenebrismus. Das ist die Helldunkelmalerei, die auch Caravaggio verwendete. Dabei entwickelte er seine eigene Maltechnik. Velázquez malte mit einer einfachen Farbpalette, schaffte aber trotzdem große Farbtonvariationen und nutzte eine abwechslungsreiche Pinselführung.

Agostino und Annibale Caracci

Die Brüder Agostino (1557-1602) und Annibale Caracci (1560-1609) sind berühmte italienische Vertreter des Barock. Annibale Caracci verwendete oft die Quadro riportato Technik, um Szenen in Deckengemälden einzurahmen. Er wird auch als Erfinder der Technik bezeichnet. Seine Kunst beeinflusste vor allem Landschafts- und Historienmaler wie Nicolas Poussin und Claude Lorrain. Die beiden Brüder malten hauptsächlich Altarbilder für Kirchen.

Nicolas Poussin

Der französische Barockmaler Nicolas Poussin (1594-1656) arbeitete in Rom. Er begann zunächst im Stil des Barock zu malen. Später malte er allerdings in seinem eigenen Stil, der eher ruhig und rational war. Poussin war in den Streit über Kontur und Kolorismus verwickelt.

Er war der Meinung, dass Kontur, also Linie, in einem Gemälde wichtiger war. Anhänger seines Standpunktes hießen Poussinisten. Andere Künstler wie Rubens fanden den Kolorismus, also die Farbe, wichtiger. Die Vertreter hießen Rubenisten.

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Mit „Tod des Germanicus" (1626-1628) gelang Poussin ein traditionelles Historienbild.

Rembrandt

Rembrandt van Rijn (1606-1669) war einer der wichtigsten Vertreter der flämischen Barock Kunst. Seine Bilder entstanden im Auftrag von Fürsten oder Geschäftsleuten. Dennoch brachte er viel Kreativität und Originalität in die Barock Bilder ein. Seine Kunst war realistisch, denn die Figuren in den Gemälden sind keine Helden, sondern oft einfache Menschen. Seine religiösen Barock Kunstwerke sind wenig prunkvoll, dafür aber dramatisch. Diesen Effekt erreichte er durch einen starken Kontrast zwischen Licht und Schatten.

Oft dokumentierte er in seinen Selbstbildnissen seine persönlichen Schicksalsschläge und die Realität. Dennoch zeigte er sich auch als lebenslustigen, glücklichen Menschen. Ein Beispiel dafür ist das „Selbstporträt mit Saskia" (1635-1636), auf dem er sich mit seiner Frau darstellte. Die Lichtverhältnisse und bewegte Pose in dem Gemälde sind typisch für die Malerei des Barock.

Peter Paul Rubens

Peter Paul Rubens (1577-1640) arbeitete hauptsächlich im Auftrag des Adels. Er ist der Gründer der flämischen Barockmalerei und arbeitete in Antwerpen. Rubens bildete Anthony van Dyck aus, der später höfische Porträts malte. Rubens' Werkstatt in Antwerpen war eine der größten im Barock.

Seine Werke sind vor allem für ihre reichen Farben und geschwungenen Bewegungen bekannt. Neben profanen, also nicht-religiösen Themen, malte er auch mythologische und biblische Szenen. Rubens ist vor allem für seine Ausstattung des „Palais Du Luxembourg" für Maria von Medici bekannt. Er malte in ihrem Auftrag einen 21-teiligen Gemäldezyklus über das Leben von Medici.

Barock Kunst - Steckbrief

Zeitraum: 1600-1750

Merkmale: schwungvolle Bewegungen, Hell-Dunkel-Malerei, naturgetreue Darstellungen, Verzierungen und Bögen in der Architektur

Motive: Mythologie, Landschaftsmalerei, Porträts, Stillleben

Wichtige Vertreter: Rembrandt, Rubens, Velázquez, Caravaggio

Surrealismus

Jetzt weißt du alles über die Epoche des Barock in der Kunst. Fantastische Elemente gewannen in der Zeit an Bedeutung. Künstler des Surrealismus bauten ebenfalls ähnliche Motive ein. Wenn du mehr über die Epoche erfahren willst, schau dir unser Video zum Surrealismus in der Kunst an!

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Barock (Kunst) * Barock Epoche in der Kunst

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Barock Kunst einfach erklärt ✅ Barock Epoche in der Kunst ✅ Barock Künstler und Kunstwerke Barock ✅ mit kostenlosem Video

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Rokoko Kunst einfach erklärt ✅ Merkmale Rokoko Epoche Kunst ✅ Künstler und Kunstwerke Rokoko Epoche ✅ mit kostenlosem Video

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Wichtige Inhalte in diesem Video

Wodurch zeichnet sich der Klassizismus in der Kunst aus? In diesem Beitrag und im Video zeigen wir dir die wichtigsten Merkmale und die bekanntesten Künstler dieser Kunstepoche.

Klassizismus einfach erklärt

Der Klassizismus ist eine Kunstepoche, die sich in Europa von 1770 bis 1840 erstreckte. Er löste die Epochen Barock und Rokoko ab und gilt als ihr künstlerisches Gegenstück.

Während im Barock nämlich noch großer Wert auf prachtvolle Formen und Verzierungen gelegt wurde, kehrten die Künstler im Klassizismus zu einfachen Linien und geometrischen Formen zurück. Dabei orientierten sich die Künstler vor allem in der Architektur am Vorbild der griechischen und römischen Antike. Ein bekanntes Beispiel dafür ist das Brandenburger Tor mit seinen beeindruckenden Säulen.

Wichtige Künstler und Werke des Klassizismus sind:

Jacques-Louis David: „Bonaparte beim Überschreiten der Alpen am Großen Sankt Bernhard" (1800)

Karl Friedrich Schinkel: „Altes Museum Berlin" (1823-1830)

Carl Gotthard Langhans, Johann Gottfried Schadow: „Brandenburger Tor" (1789-1793)

Klassizismus - Geschichtlicher Hintergrund

In Deutschland liegt der Ursprung des Klassizismus vor allem in Studien über das antike Griechenland und Rom. Funde archäologischer Ausgrabungen verstärkten das Interesse am schlichten und klaren Kunststil der Antike. Bis zu dieser Zeit herrschten vor allem die prunkvollen Werke des Barock und Rokoko vor.

Gleichzeitig mit den Anfängen des deutschen Klassizismus gab es auch in Frankreich eine ähnliche Bewegung in der Kunstwelt. Dort waren die Künstler genauso inspiriert von der Antike und strebten danach, ähnliche Werke zu erschaffen. Während der Herrschaft von König Ludwig XVI. ab 1774 entstand die sogenannte „ Louis-seize ". Das war eine Stilrichtung des Klassizismus, die vor allem von den Wünschen und Vorlieben seiner Königin geprägt war.

Durch Napoleons Eroberung Westeuropas zu Beginn des 19. Jahrhunderts verbreitete sich der Klassizismus weiter in ganz Europa und erreichte schließlich sogar Russland.

Johann Joachim Winckelmann (1717-1768)

Einer der größten Bewunderer der antiken Kunst war Johann Joachim Winckelmann. Er gilt als der Begründer des deutschen Klassizismus. In einem seiner Bücher heißt es: „Der einzige Weg für uns, groß, ja, wenn es möglich ist, unnachahmlich zu werden, ist die Nachahmung der Alten". Er verbreitete damit als erster den Gedanken, dass man nach dem Vorbild der Antike streben sollte.

Klassizismus - Merkmale

Im Klassizismus entfernten sich die Künstler von prächtigen und übermäßigen Verzierungen. Stattdessen orientierten sie sich an der antiken Kunst und strebten nach einfachen Grundformen, wie Kreisen, Quadraten und Dreiecken.

Der Grundgedanke des Klassizismus findet sich in Architektur, Malerei und Bildhauerei, beeinflusste die verschiedenen Kunstgebiete jedoch alle unterschiedlich.

Klassizismus Architektur Merkmale

Die klassizistische Architektur war das Aushängeschild des Klassizismus. Bauwerke sollten griechischen Tempeln ähneln und wurden mit Säulengängen und Kuppeln versehen.

Besonders beliebt waren dabei Repräsentationsbauten wie Paläste, Museen, Triumphbögen oder Rathäuser. Auch hier lagen geometrische Formen im Fokus, die meisten Gebäude folgten daher einer sehr quadratischen Form.

Selbst die genutzten Farbtöne waren einfach gehalten und rein, die meisten Bauten hatten sehr helle Farben. Viel wichtiger als bunte Farben waren den Architekten jedoch die Ausmaße ihrer Bauwerke. Klassizistische Architektur sollte allein mit ihrer prunkvollen Größe schon beeindrucken.

Klassizismus Malerei Merkmale

Die Malerei durchlebte zur Zeit des Klassizismus ebenfalls einen großen Wandel. Auch hier entfernten sich die Künstler zunehmend von dem prächtig verzierten Stil des Rokoko. Stattdessen sollten klar strukturierte, schlichte Werke ein Gefühl von Ruhe und Harmonie vermitteln. Viele Künstler fertigten Porträts und Darstellungen historischer Szenen an, die häufig aus der Antike stammten.

Die Bildmotive waren jedoch nicht das einzige von der Antike inspirierte Element. Den Malern war vor allem ein übersichtlicher Bildaufbau wichtig. Bildelemente wie Figuren oder Hintergründe wurden häufig vertikal positioniert und durch klare Konturen von einander getrennt dargestellt.

Im Gegensatz zu früheren Kunstepochen hatte die Farbgebung im Klassizismus nur einen geringen Stellenwert. Häufig wurden zurückhaltende, kühle Farben genutzt, ohne damit eine tiefere Bedeutung zu beabsichtigen. In Deutschland waren die klassizistischen Vorgaben jedoch weniger streng, da viele Werke gleichzeitig von der Romantik beeinflusst wurden.

Klassizismus Bildhauerei Merkmale

Bildhauer des Klassizismus orientierten sich stark an den Skulpturen der Antike. Das zeigte sich vor allem in der nackten Darstellung der Figuren und der Verwendung von weißem Marmor.

Durch das kühl wirkende Material sollten die Werke eine Kombination aus Distanz und Anmut ausstrahlen. So sollten die Figuren wie Götter wirken, ähnlich wie bei antiken Skulpturen.

Berühmte Künstler

Der Klassizismus fand in ganz Europa großen Anklang und weckte bei vielen Menschen die Begeisterung für antike Kunst. Im Folgenden findest du einige der bekanntesten Künstler dieser Epoche.

Karl Friedrich Schinkel (1781-1841)

Karl Friedrich Schinkel war einer der bedeutendsten Vertreter des deutschen Klassizismus. Als Architekt des preußischen Königs und Oberlandesbaudirektor hatte er großen Einfluss auf die Architektur seiner Zeit. Daher prägen seine Bauwerke noch heute das Stadtbild von Berlin und Potsdam.

Zu seinen bekanntesten Werken gehören unter anderem das alte Museum, das Schauspielhaus und die Bauakademie in Berlin sowie die Nikolaikirche in Potsdam.

In seinem Baustil ließ er sich von der preußischen Aufklärungsbewegung beeinflussen und wandte sich von den übertriebenen Verzierungen des Barock ab. Stattdessen ließ er in den klassizistischen Stil auch Elemente mittelalterlicher Architektur einfließen.

Leo von Klenze (1784-1864)

Während Karl Friedrich Schinkel in Norddeutschland agierte, war Leo von Klenze zur gleichen Zeit im Süden tätig. Als Hofarchitekt des bayrischen Königs war er maßgeblich daran beteiligt, München zu einem europäischen Kunstzentrum zu machen.

Zu seinen bekanntesten Gebäude zählen das Palais Leuchtenberg, die Ruhmeshalle und die Glyphtothek in München und die Walhalla in Donaustauf.

Seine klassizistische Umgestaltung Münchens war in der Bevölkerung teilweise sehr umstritten. Trotzdem brachte sie ihm großen Ruhm ein. Für seine Leistungen wurde er in den Adelsstand erhoben und wenige Jahre vor seinem Tod sogar zum Ehrenbürger Münchens ernannt.

Jacques-Louis David (1748-1825)

Der wohl bekannteste Maler der Epoche war Jacques-Louis David. Der Franzose begann als einfacher Historienmaler, mit einer großen Begeisterung für antike Motive. Während der Französischen Revolution befasste sich David allerdings vermehrt mit politischen Themen.

Als großer Anhänger und späterer Hofmaler Napoleons profitierte David stark von dessen Machtergreifung. In vielen seiner Werke verherrlichte David die Taten seines Kaisers und wurde so als Propagandamittel genutzt. Nachdem Napoleon schließlich gestürzt wurde, endete auch Davids Karriere.

Antonio Canova (1757-1822)

Auch in Italien verbreitete sich der Klassizismus. Besondere Bekanntheit erlangte vor allem der Bildhauer Antonio Canova. Viele seiner Marmorskulpturen tragen Motive antiker Sagen und kombinieren griechische und römische Techniken der Bildhauerei mit romantischen Elementen.

Nach Napoleons Sturz war es Canovas Auftrag, Kunstwerke nach Italien zurückzuholen, die während Napoleons Feldzug gestohlen worden waren.

Klassizismus - häufigste Fragen

Was war der Klassizismus?
Der Klassizismus war eine Kunstepoche, die sich vom Ende des 18. Jahrhunderts bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts erstreckte. Er war geprägt von sehr schlichten geometrischen Formen, ohne ausschweifende Verzierungen. Häufig orientierten sich die Künstler dabei an Vorbildern aus der griechischen und römischen Antike.

Wann war die Klassizismus Epoche?
Der Klassizismus war zwischen 1770 und 1840 in Europa verbreitet. Er war der direkte Nachfolger der Epochen Barock und Rokoko und wird daher oft als deren Gegenstück verstanden. Im Klassizismus orientierten sich Kunst und Architektur stark am Vorbild der griechischen und römischen Antike. Auf den Klassizismus folgte die Epoche der Romantik.

Was waren die Klassizismus Merkmale?
Die wichtigsten Merkmale des Klassizismus sind einfache, geometrische Formen und helle Farbtöne. Außerdem verzichteten Künstler auf aufwendige Verzierungen. Stattdessen waren in der Architektur strenge Geradlinigkeit, Größe und Symmetrie wichtig. Zu den wichtigsten Künstlern zählen Karl Friedrich Schinkel, Leo von Klenze, Jacques-Louis David und Antonio Canova.

Rokoko

Jetzt weißt du über die Kunstepoche des Klassizismus Bescheid. Was du über die vorherige Epoche des Rokoko wissen solltest, zeigen wir dir hier.

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Was ist Klassizismus? ✅ Klassizismus Merkmale in Architektur und Malerei✅ Die bekanntesten Künstler ✅ mit kostenlosem Video

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Realismus (Kunst) * Epoche einfach erklärt

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Wichtige Inhalte in diesem Video

Was macht den Realismus in der Kunst aus? Alles zu den wichtigsten Merkmalen, Künstlern und Gemälden des Realismus erfährst du hier !

Realismus (Kunst) - einfach erklärt

Der Realismus ist eine Epoche des 19. Jahrhunderts in der Kunst und auch in der Literatur. Die Kunstepoche des Realismus dauerte etwa von 1850 bis 1900. Sie verbreitete sich von Frankreich über ganz Europa aus. Nach der Epoche der Romantik versuchten Künstler im Realismus, die Wirklichkeit mit all ihren Facetten darzustellen und nicht mehr in eine ideale Welt abzutauchen.

Wichtige Realismus Künstler und Gemälde sind:

Gustave Courbet: „Die Steineklopfer" (1849)

Jean-François Millet: „Mann mit Hacke" (1862)

Adolph von Menzel: „Das Eisenwalzwerk" (1872-1875)

Der Ursprung des „Realismus" liegt im lateinischen Wort „realis", was auf Deutsch „wirklich" bedeutet. Der Begriff „realis" wird wiederum vom lateinischen Wort „res" abgeleitet, was „Sache" oder „Ding" bedeutet.

Den Realisten ging es also darum, ein Motiv wirklichkeitsgetreu und objektiv darzustellen. Der französische Maler Gustave Courbet gilt als Vorreiter für den Realismus in der Kunst. Er war einer der ersten, die sich von der Romantik und ihren idealistischen Abbildungen abwandte. Er bevorzugte eine ehrliche und ungeschminkte Darstellung des realen Lebens und der Natur.

Realismus (Kunst) - Historischer Hintergrund

Die Zeit, in der die Realismus Kunstepoche entstand, war eine Zeit des großen Wandels und Umbruchs. Durch die Industrialisierung veränderte sich die Gesellschaft stark. Die Lebensbedingungen der Arbeiterschaft verschlechterten sich, während die Oberschicht immer reicher wurde. Eine Reaktion auf diese Ungerechtigkeiten war die Französische Revolution (1789). Sie führte zum Sturz der Monarchie und zur Einführung einer Republik.

Der Wiener Kongress (1814/15) und die Einführung des Metternichen Systems, sollten schließlich die Monarchie wiederherstellen und die demokratischen Bewegungen unterdrücken. Als Reaktion folgten weitere Revolutionen in ganz Europa, wie zum Beispiel die Märzrevolution in Deutschland (1848). Sowohl diese als auch jene in Frankreich waren ausschlaggebend für die Entstehung der Realismus Kunstepoche.

In dieser Zeit der politischen Unruhen wollten Künstler die sozialen Ungerechtigkeiten in ihrer Kunst authentisch und ungeschönt darstellen. Der Realismus war somit nicht nur eine künstlerische Bewegung, sondern auch eine Reaktion auf die tiefgreifenden gesellschaftlichen Veränderungen.

Die deutsche Wirtschaft erlebte schließlich einen kurzen Aufschwung und die Industrialisierung breitete sich über ganz Europa aus. Besonders die Motive, die in den Werken von Adolph von Menzel zu sehen sind, wurden stark davon beeinflusst. Er widmete sich dem Bürgerlichen Realismus, eine Stilrichtung des Realismus, die sich speziell auf die Darstellung der bürgerlichen Mittelschicht fokussierte.

Realismus (Kunst) - Grundidee

In Realismus Gemälden stellten Künstler die Beziehung zwischen Mensch und Realität dar. Diese Abbildung der Wirklichkeit bildete einen starken Kontrast zur Romantik, der davorliegenden Kunstepoche. In der Romantik (ca. 1790-1850) betonten Künstler das Wunderbare, Geheimnisvolle und die Sehnsucht nach Flucht aus der Realität.

Die Motive des früheren Realismus und die der Romantik sind sich besonders ähnlich. Beide Kunstformen repräsentieren das Leben vor der Industrialisierung. Der Realismus hingegen widmet sich auch dem „Hässlichen". Es geht jedoch nicht darum, schockierende oder beängstigende Motive darzustellen. Künstler widmeten sich stattdessen Motiven, die sonst nicht gemalt wurden. Das einfache und manchmal elende Leben der Bevölkerung war eben Teil dieser Darstellungen. Der Realismus war auch die erste künstlerische Stilrichtung, die sich gegen die Oberschicht richtete.

Realismus vs. Naturalismus

Der Realismus strebt an, die Realität möglichst genau und objektiv darzustellen, ohne starke Verzerrungen oder Idealisierungen. Der Naturalismus (1870-1890) basiert auf dem Konzept des Realismus. Er betont aber im Gegensatz dazu die Einflüsse von Naturkräften, Vererbung und Umwelt auf das menschliche Verhalten. Der Naturalismus zeigt oft überspitzt die dunklen und brutalen Seiten des Lebens.

Einen Überblick über die wichtigsten Kunstepochen findest du hier!

Der erste Künstler, der die Realismus Kunst zu seinem Programm gemacht hat, war der französische Maler Gustave Courbet (1819-1877). Anlässlich der zeigt die Arbeiterklasse und die Weltausstellung von 1855 in Paris präsentierte er eine Auswahl seiner Werke in einem Pavillon, über dem ein Schild mit dem Titel „Le Réalisme" (Der Realismus) angebracht war. Sein Werk „Die Steineklopfer" harte Realität des Landlebens in Frankreich im 19. Jahrhundert.

Realismus (Kunst) - Merkmale

Die Realismus Künstler verwendeten Gestaltungstechniken, um die Wahrnehmung der Motive zur umliegenden Umgebung zu betonen. Zu diesem Zweck wurden gedämpfte und dunkle Farben wie Rot, Braun, Ocker oder Grau verwendet. Die Farben entsprachen denen, die in der Realität zu dieser Zeit vorkamen.

Weitere Realismus Merkmale in der Kunst sind Spielereien mit Licht und Schatten, um Gemälde noch realistischer wirken zu lassen. Künstler versuchten das Licht und den Schatten, wie sie wirklich in der Natur vorkamen, zu imitieren. Die Pinselführung war außerdem sehr grob, sodass du in vielen Realismus Gemälden deutlich die einzelnen Pinselstriche erkennen kannst.

Kunstschaffende dieser Zeit übten mit ihren Werken Kritik an den damaligen herrschenden sozialen Bedingungen. Ziel war es, das alltägliche Leben authentisch darzustellen. Szenen der realistischen Malerei waren unter körperliche Arbeiten und die Abbildung der Lebensumstände unterer sozialer Schichten. Personen wurden oft mit unschönen Gesichtszügen und schlechter Körperhaltung porträtiert. Außerdem widmeten sich Künstler der Darstellung der heimischen Natur, ohne dabei erfundene Ideallandschaften nachzubilden.

Realismus (Kunst) - Künstler

Der Realismus in der Kunst war vor allem in Frankreich und Deutschland verbreitet. Hier stellen wir dir einige wichtige Künstler der Realismus Malerei vor.

Gustave Courbet

Eines seiner bekanntesten Werke ist das Gemälde Jean Désiré Gustave Courbet (1819-1877) war ein bedeutender französischer Maler des 19. Jahrhunderts und einer der führenden Vertreter des Realismus in der Kunst. Er war bekannt für seine Vorliebe, das Leben und die Gesellschaft seiner Zeit ungeschönt und unverfälscht darzustellen. Von der Abbildung abstrakter und nicht vorhandener Dinge in der Kunst hielt er wenig. „Der Verzweifelte", das Emotionalität und Ehrlichkeit verkörpert.

In diesem Gemälde aus dem Jahr 1845 zeigt Courbet einen jungen Mann, der in einer verzweifelten und verletzlichen Pose dargestellt ist. Es handelt sich hierbei um eine Selbstdarstellung des Künstlers. Damit gibt er Einblick in seine eigene Lebensrealität und Psyche.

Théodore Rousseau

Der französische Maler Etienne Pierre Théodore Rousseau (1812-1867) war ein wichtiger Vertreter der Schule von Barbizon, die als Vorläufer der Realismus Malerei gilt.

Die Schule von Barbizon war eine Gruppe französischer Landschaftsmaler im 19. Jahrhundert, die sich in dem Dorf Barbizon in der Nähe von Paris versammelten. Diese Künstler, darunter Théodore Rousseau, Jean-Baptiste-Camille Corot und Charles-François Daubigny, waren bekannt für ihre realistischen Darstellungen der Natur. Sie malten oft im Freien und legten einen starken Fokus auf die präzise Wiedergabe der Landschaft und der Alltagsrealität.

Ein bekanntes Werk von Théodore Rousseau ist das Gemälde „Blick auf Barbizon", das 1850 entstanden ist. Das Bild zeigt eine ruhige und realistische Darstellung der ländlichen Umgebung. Die Farben sind gedämpft und naturgetreu. Rousseau verwendet Licht und Schatten, um die Atmosphäre der Szene einzufangen.

Adolph von Menzel

Jetzt hast du einen Einblick in den französischen Realismus bekommen. Der Realismus war aber auch in Deutschland vertreten. Der bedeutendste deutsche Realismus Künstler ist Adolph von Menzel.

Adolph Friedrich Erdmann Menzel (1815-1905) wurde besonders bekannt für seine Realismus Bilder mit historischen Szenen, in denen er den Alltag und die neue industrielle Welt wirklichkeitsgetreu darstellte. Er legte besonders Wert auf die genaue Wiedergabe von Licht und Schatten, was seinen Werken eine sichtbare Tiefe gab.

Ein berühmtes Werk von Adolph von Menzel, das den Realismus in seiner Kunst zeigt, ist „Das Eisenwalzwerk". In diesem Gemälde aus dem Jahr 1875 stellt Menzel Arbeiter in einer Eisengießerei dar. Das Bild zeigt die harte körperliche Arbeit der unteren Gesellschaftsschicht sowie die fortschreitende Industrialisierung, ohne romantische oder idealistische Elemente hinzuzufügen.

Weitere Künstler des Realismus

Honoré Daumier: „Wagon dritter Klasse" (1864)

Franz Defregger: „Das letzte Aufgebot" (1872)

Wilhelm Leibl: „Drei Frauen in der Kirche" (1881)

Realismus (Kunst) - Steckbrief

Merkmale: gedämpfte Farben, Licht und Schatten

Motive: Natur, Realität des bürgerlichen Lebens, Arbeiterklasse

Wichtige Vertreter: Gustave Courbet, Jean-François Millet, Adolph von Menzel, Théodore Rousseau, Wilhelm Leibl

Expressionismus (Kunst)

Hast du gewusst, dass der Spätrealismus Vorreiter der Kunstrichtungen des Impressionismus und des Expressionismus war? Mehr zur Kunstepoche des Expressionismus erfährst du hier!

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Realismus (Kunst) * Epoche einfach erklärt

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Realismus in der Kunst: Definition & Merkmale ✅ Realismus Künstler & Gemälde ✅ Ursprung & Entstehung ✅mit kostenlosem Video

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Impressionismus (Kunst) • Epoche einfach erklärt

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Wichtige Inhalte in diesem Video

Was macht den Impressionismus in der Kunst aus? Hier und im Video erfährst du alles über die Entstehung, Merkmale und wichtigsten Künstler der Epoche!

Impressionismus (Kunst) - einfach erklärt

Der Impressionismus ist eine Kunstepoche, die in etwa von 1860 bis 1880 andauerte. Die Epoche zeichnet sich durch die Darstellung von Momentaufnahmen und flüchtigen Eindrücken aus. Dazu verwendeten Künstler sichtbare Pinselstriche, um lebendige Bilder zu malen. Die Betonung liegt auf Licht und Schatten, Konturen treten dabei in den Hintergrund. Typische Motive sind Alltagsszenen und Landschaftsgemälde.

Wichtige Impressionismus Vertreter und ihre Werke:

Claude Monet: „Impression, Sonnenaufgang" (1872)

Pierre-Auguste Renoir: „Tanz im Garten der Moulin de la Galette" (1876)

Édouard Manet: „Das Frühstück im Grünen" (1863)

Impressionismus - Bedeutung

Der Begriff „ Impressionismus" stammt vom lateinischen impressio (dt. Eindruck). Der Impressionismus kommt auch als Gattung in der Literatur vor. Autoren stellten in ihren Werken persönliche und detaillierte Momentaufnahmen dar. In der Kunst ist es ähnlich: Künstler hielten spontane Eindrücke und Momente in ihren Bildern fest.

Impressionismus - Historischer Hintergrund

Die Industrielle Revolution Mitte des 19. Jahrhunderts prägte die Entstehung der impressionistischen Malerei. Technische und kulturelle Neuerungen veränderten das Leben stark und leiteten das moderne Zeitalter ein. Die Erfindung der Eisenbahn ermöglichte den schnellen Transport, was auch die Städte veränderte: Es gab mehr Menschen und das Leben wurde schneller.

Aufgrund der steigenden Bevölkerung kam es auch zu einer Revolution in Frankreich. Der damalige Kaiser Napoleon III. wollte Paris deshalb schnell modernisieren. Die moderne Stadt hatte geordnete Straßen, mit Eisenbahnen und neuen Bahnhöfen. Es entstanden breite Boulevards, Parks und hohe Häuser, um genug Platz für alle zu haben.

In den modernen Städten wurden nicht nur technische Neuerungen wie Straßenlaternen, Bänke und große Uhren integriert, sondern auch kleine Stände und Kioske. Das veränderte Leben der Menschen bot neben der Arbeit nun auch vielfältige Freizeitmöglichkeiten. In den Städten konnte man sich verabreden und in großen Gruppen auf Plätzen treffen. Es gab Restaurants und viele neue Möglichkeiten, den Abend oder das Wochenende zu verbringen.

Impressionismus (Kunst) - Grundidee

Der Impressionismus entstand als eine kreative Antwort auf die damals vorherrschenden konservativen Kunstformen - wie zum Beispiel den Realismus. Im Realismus wurde die Wirklichkeit genau und objektiv dargestellt. Im Impressionismus hingegen versuchten Künstler nicht nur die äußere Realität, sondern auch die persönlichen Eindrücke und Empfindungen in ihren Werken abzubilden.

Ein wesentliches Merkmal des Impressionismus war die Veränderung der Maltechnik und der Perspektive der Künstler. Anstatt in Ateliers zu arbeiten, begaben sich die Impressionisten ins Freie. Sie verwendeten leuchtende Farbpaletten und kurze und spontane Pinselstriche, um das Licht und die Atmosphäre vor Ort festzuhalten.

Der Name „ Impressionismus" leitet sich von einem spöttischen Kommentar zu Claude Monets Gemälde „Impression, soleil levant" (Impression, Sonnenaufgang) ab. Bei einer selbstfinanzierten Gruppenausstellung zeigten er und andere Künstler ihre neuartigen Gemälde. Die Zuschauerschaft machte sich jedoch eher lustig über die farbenfrohe Malerei. Ein Kritiker nannte es „ Ausstellung der Impressionisten ".

Der Begriff „Impressionismus" setzte sich durch und wurde fortan für Werke dieser Zeit verwendet, die hauptsächlich Motive aus der Natur oder dem Leben in Großstädten zeigten.

Tipp: Einen Überblick über die wichtigsten Kunstepochen findest du hier!

Impressionismus Kunst Merkmale

Der Impressionismus in der Malerei ist durch eine Vielzahl von charakteristischen Merkmalen geprägt. Zu den wichtigsten Aspekten zählen:

Momentaufnahmen: Einfangen flüchtiger Augenblicke

Bildthemen: Landschaften, Großstadtszenen mit lichtdurchfluteten Boulevards und Alltagsmotive, sowie industrielle Neuerungen

Perspektive: ungewöhnliche Blickwinkel wie z. B. die Vogelperspektive (von oben) oder die Froschperspektive (von unten)

Licht und Atmosphäre: Lichtveränderungen werden durch den Einsatz verschiedener Farben dargestellt

Freilichtmalerei: Abkehr von Ateliermalerei, Malen im Freien

Farbpalette: Verwendung von hellen, freundlichen Farben und grundierten Leinwänden, die diese besser zur Geltung bringen

Komposition: nahezu verschwimmende Konturen, keine strikte Anordnung der Bildelemente

Pinselführung: Relativ kleine, dünne, sichtbare Pinselstriche mit viel Farbauftrag

Technologie: Verwendung von industriell hergestellten Farbtuben, die das Malen im Freien ermöglichten

Impressionismus vs. Pointillismus

Der Pointillismus ist eine Weiterentwicklung des Impressionismus. Im Pointillismus werden Farben nicht auf der Palette oder Leinwand gemischt. Sondern es werden kleine, diskrete Farbpunkte statt langen Pinselstrichen nebeneinander platziert. Aus der Ferne hat der Betrachter den Eindruck von gemischten Farben. Der Pointillismus verfolgte eine strikte Bildkomposition, die auf optischen Prinzipien und Farbtheorien basiert.

Impressionismus Maler

Der Impressionismus breitete sich ausgehend von Frankreich über ganz Europa aus. Hier stellen wir dir einige wichtige impressionistische Künstler und ihre bekanntesten Werke vor.

Pierre-Auguste Renoir

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) war ein bedeutender französischer Maler, der bereits früh mit impressionistischen Techniken experimentierte. Seine Werke zeichnen sich durch lebhafte Pinselstriche, eine helle Farbpalette und die Vorliebe für Szenen des gesellschaftlichen Lebens aus. Er malte gerne Menschen, insbesondere Porträts.

Eines seiner berühmtesten impressionistischen Gemälde ist „ Tanz im Moulin de la Galette" aus dem Jahr 1876. Das Bild zeigt die Pariser Gesellschaft beim Tanz und geselligen Beisammensein im Garten des Moulin de la Galette, einem beliebten Unterhaltungsort in Montmartre. Du erkennst typische impressionistische Merkmale wie lose Pinselstriche und die Betonung von Licht und Schatten.

Alfred Sisley

Alfred Sisley (1839-1899) war ein englischer Maler des Impressionismus, der sein ganzes Leben lang in Frankreich wohnte. Dort war er auch mit Kollegen wie Claude Monet und Pierre-Auguste Renoir gut befreundet. Sie tauschten sich regelmäßig aus und beeinflussten somit ihre Kunst gegenseitig.

Sisley hatte eine ausgeprägte Liebe zur Natur und bevorzugte das Malen im Freien, was charakteristisch für den impressionistischen Ansatz war. Er reiste viel und malte dabei vor allem Landschaftsbilder von Flussufern, Seen und Brücken. Während seines Aufenthalts in London 1874 entstanden einige impressionistische Gemälde, darunter „ Die Brücke von Hampton Court ".

Édouard Manet

Édouard Manet (1832-1883) war ein französischer Maler, der sich gegen den Wunsch seiner Familie der Malerei widmete. Er war besonders wegen seines individuellen Stils bekannt, denn er verweigerte die traditionellen Kunsttechniken der damaligen Künstlerakademien in Frankreich.

Sein Salon-Gemälde „ Frühstück im Grünen" aus dem Jahr 1863 löste bei seiner Präsentation einen Skandal aus, da es als provokant empfunden wurde. Es zeigt eine Gruppe von Menschen, die ein Picknick im Freien genießen, wobei eine nackte Frau zwischen bekleideten Männern sitzt.

Übrigens: Ein Salon-Gemälde ist ein Kunstwerk, das für die Teilnahme an einer offiziellen Kunstausstellung eingereicht wurde. Vor allem im 19. Jahrhundert in Europa organisierten die großen Kunstakademien regelmäßig Ausstellungen, die als „ Salons " bekannt waren.

Weitere Vertreter des Impressionismus

Edgar Degas: „Der Tanzunterricht" (1874)

Berthe Morisot: „Der Hafen von Lorient" (1869)

Camille Pissarro: „Die Eisenbahnbrücke von Pontoise" (1873)

Impressionismus Kunst - Steckbrief

Merkmale: leuchtende Farben, lockere Pinselstriche, Betonung von Lichtverhältnissen, fehlende Konturen

Motive: Landschaften, Porträts, städtische Motive und Alltagsszenen

Wichtige Vertreter: Claude Monet, Édouard Manet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro

Impressionismus Kunst - häufigste Fragen

Was ist Impressionismus?
Der Impressionismus ist eine Stilrichtung der Kunst aus dem 19. Jahrhundert. Künstler versuchten dabei, flüchtige Augenblicke auf stimmungsvolle Weise darzustellen. Dabei achteten sie erstmals auch auf ihre eigene Wahrnehmung.

Wann war der Impressionismus Zeitraum?
Im Zeitraum von 1860 bis 1880 erlebte der Impressionismus seine Hochphase. Die Stilrichtung wurde nach einem Landschaftsgemälde von Claude Monet aus dem Jahr 1872 namens„Impression, soleil levant" benannt.

Was sind Impressionismus Kunst Merkmale?
Der Impressionismus zeichnet sich durch leuchtende Farben, schimmerndes Licht und flüchtige Augenblicke aus. Sein Name stammt vom Gemälde„Impression, soleil levant", was auf Deutsch „Impression, Sonnenaufgang" heißt. Gemalt wurde es von Claude Monet, einem der bekanntesten Vertreter des Impressionismus.

Expressionismus

Jetzt kennst du die wichtigsten Merkmale und Vertreter des Impressionismus. Mit Beginn des 20. Jahrhunderts kam der Expressionismus in der Kunst auf. Alle relevanten Fakten zur Epoche findest du hier!

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Impressionismus (Kunst) * Epoche einfach erklärt

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Was ist Impressionismus? ✅ Zeitraum, Merkmale und Vertreter ✅ impressionistische Malerei ✅ mit kostenlosem Video

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Jugendstil (Kunst) • Epoche einfach erklärt

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Jugendstil (Kunst) • Epoche einfach erklärt

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Jugendstil: Merkmale, Definition & Vertreter ✅ Ursprung & Entstehung ✅ Jugendstil Kunst & Architektur ✅ mit kostenlosem Video

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Expressionismus (Kunst) * Epoche einfach erklärt

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Wichtige Inhalte in diesem Video

Was macht den und im Expressionismus in der Kunst aus? In diesem Beitrag Video erfährst du alles rund um die Entstehung, Merkmale und wichtigsten Künstler dieser Epoche.

Expressionismus - einfach erklärt

Der Expressionismus ist eine Kunstepoche aus dem 20. Jahrhundert. Sie umfasst offiziell die Jahre von 1905 bis 1925. Im Expressionismus standen Emotionen und neue Darstellungsformen im Vordergrund. Künstler wollten ihre eigene subjektive Wahrnehmung ausdrücken und verwendeten dazu starke Farben, Kontraste und Formen.

Wichtige Expressionismus Vertreter und Gemälde:

Franz Marc: „Die großen blauen Pferde" (1911)

Wassily Kandinsky: „Murnau mit Kirche I" (1910)

Ernst Ludwig Kirchner: „Marzella" (1909)

Expressionismus - Bedeutung

Der Begriff „Expressionismus" kommt vom Lateinischen „exprimere", was „ ausdrücken " bedeutet. Denn den Expressionisten ging es darum, ihre Gefühle und eigene Wahrnehmung auszudrücken.

Tipp: Einen Überblick über die wichtigsten Kunstepochen findest du hier.

Expressionismus - Historischer Hintergrund

Der Expressionismus entstand im Deutschen Kaiserreich vor dem Ersten Weltkrieg. Diese Zeit war geprägt von gesellschaftlichen Umbrüchen, denn die Industrialisierung war in vollem Gange. Viele Menschen zogen in die Großstädte, um Arbeit zu finden.

Doch das Leben in der Stadt war geprägt von Lärm, Schmutz und Chaos. Es gab neue technologische Entwicklungen, wie Automobile, Untergrundbahnen und Straßenbahnen. Auch neue Medien wie Film, Fotografie und Schallplatte breiteten sich schnell aus. Die Menschen wurden also permanent mit neuen Eindrücken und Veränderungen konfrontiert.

Einen großen Einschnitt in diese Zeit des Fortschritts und der Entwicklung bildetet der Erste Weltkrieg (1914-1918). Viele Künstler des Expressionismus sahen dem Krieg zunächst hoffnungsvoll entgegen. Denn sie hofften, so aus den starren Gesellschaftsformen ausbrechen zu können. Doch der Krieg entpuppte sich als brutal und langwierig und ließ viele Menschen traumatisiert zurück.

Expressionismus - Grundidee

Der Expressionismus war vor allem in Deutschland und Frankreich verbreitet und hat sich aus dem Impressionismus entwickelt. Das wichtigste Merkmal des expressionistischen Schaffens ist der unmittelbare Ausdruck von Gefühlen. Das siehst du bereits in Edvard Munchs berühmtem Bild „ Der Schrei" von 1893. Obwohl das Bild rund 10 Jahre vor dem offiziellen Beginn der Epoche des Expressionismus entstanden ist, gilt es als erstes expressionistisches Bild.

In Deutschland entwickelten sich zwei expressionistische Kunstgruppen: Die „ Brücke" und „ Der Blaue Reiter„. Die „Brücke" wurde 1905 in Dresden gegründet und zählte Künstler wie Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein und Emil Nolde zu ihren Mitgliedern. In den Werken der Künstler der „Brücke" geht es häufig um den Menschen im technologischen Fortschritt und um die Auswirkungen der Modernisierung auf das Individuum.

„ Der Blaue Reiter" hingegen war ein Münchner Künstlerbund, der 1911 von Franz Marc und Wassily Kandinsky gegründet wurde. Zu ihm gehörten unter anderem Alfred Kubin, Gabriele Münter, August Macke, Heinrich Campendonk und Alexej von Jawlensky.

Die Künstler von „Der Blaue Reiter" waren weniger gesellschaftskritisch als die „Brücke" und bildeten in ihrem Werken auch oft die Natur ab. Aber auch hier stand eine innere Sicht auf die Realität und der unmittelbare Ausdruck von Gefühlen im Vordergrund.

Expressionismus Kunst - Merkmale

Der Ausdruck von Subjektivität und der inneren Sicht auf die Welt stand im Expressionismus im Vordergrund. Die Vertreter des Expressionismus wollten den Betrachter ihrer Werke emotional bewegen. Gefühle wie Freude, Schmerz oder Angst sollten unmittelbar auf die Leinwand übertragen werden und so Menschen innerlich ansprechen.

Starke Farben

Um die Betrachter emotional anzusprechen, nutzen Expressionisten starke Farben und spielten mit Farbkontrasten. Oft verwendeten sie dafür Komplementärfarben, also Farben, die sich im Farbkreis gegenüberstehen. Farben drücken bestimmte Gefühle aus. Deshalb kann die unterschiedliche Kombination verschiedener Farben verschiedene emotionale Zustände widerspiegeln. Die starken Kontraste und das Spiel mit Farben siehst du auch in Marianne von Werefkins „ Rote Stadt" (1909). Das kühle Blau der umliegenden Natur steht hier im Kontrast zum feurigen und lebendigen Rot der Stadt.

Formen

Ein weiteres Merkmal der Expressionismus Malereisind abstrakte oder geometrische Formen. Diese entstanden häufig durch eine starke Pinselführung. Die Pinselstriche wurden instinktiv auf die Leinwand aufgetragen. Das bedeutet, der Künstler legte sich keinen genauen Plan zurecht, sondern arbeitete frei nach Gefühl.

Außerdem wandten sich Künstler häufig von klassischen Kompositionsrichtlinien und Perspektiven wie z. B. der Zentralperspektive ab. Es gab somit keinen Fluchtpunkt und die Räumlichkeit ging verloren. Dadurch entstanden Verzerrungen, und die Bilder wirkten vereinfacht.

Häufige Motive

Viele Werke des Expressionismus kannst du der Landschaftsmalerei, der Stilllebenmalerei oder der Porträtmalerei zuordnen. Häufig bilden Künstler auch die Großstadt oder andere Räumlichkeiten ab. Auch Tiere oder Menschen stehen oft im Mittelpunkt der Bilder. Besonders zentral sind zudem emotionale Themen wie Leben, Tod und Vergänglichkeit.

Expressionismus - Vertreter

Der Expressionismus war vor allem in Frankreich und Deutschland verbreitet. Hier stellen wir dir einige wichtige Künstler der Expressionismus Malerei vor.

Franz Marc - Expressionismus Vertreter

Franz Marc (1880-1916) war ein Künstler des Expressionismus und Mitgründer des Künstlerbunds „ Der Blaue Reiter„. Seine Werke haben einen starken Bezug zur Natur und beinhalten oft Tiere. Jedoch stellt Marc die Natur subjektiv dar und seine Farben sind selbstständig. Das bedeutet, die im Bild verwendeten Farben entsprechen nicht zwingenderweise den Farben in der Natur. Die Tiere in den Bildern von Franz Marc sind oft bunt, es gibt beispielsweise rote Stiere oder gelbe Kühe. Ein bekanntes Werk des Künstlers ist „Blaues Pferd I".

Franz Marc hatte außerdem viele Kontakte zu Künstlern des Kubismus. Seine Tiere haben deshalb oft kubische Formen. Das bedeutet, dass besonders viele geometrische Formen verwendet werden. So erhalten die Tiere markante Züge und die Gegenständlichkeit geht verloren.

Wassily Kandinsky - Expressionismus Vertreter

Neben Franz Marc war auch Wassily Kandinsky (1866-1944) Mitgründer des Blauen Reiters. Anfangs war Kandinsky durch den Impressionismus inspiriert, doch bald wendete er sich vom gegenständlichen Malen ab. Kandinsky war fasziniert von selbstständigen Farben und freien Formen. Deswegen wurden seine Werke im Laufe der Zeit immer abstrakter. Für Kandinsky war die Kunst nicht nur über die Augen wahrnehmbar. Vielmehr ging es ihm darum, ein Kunstwerk mit allen Sinnen zu erfassen.

Dabei zeichnete seine Bilder ein besonders dynamischer Stil aus. Farben, Formen und Linien spielen zusammen und erzeugen so Harmonie. Besonders Kandinskys spätere Werke ließen jegliche Gegenständlichkeit hinter sich. So wurde er zum Vorbild für die Künstler des abstrakten Expressionismus, zu denen zum Beispiel Jackson Pollock gehörte.

August Macke - Expressionismus Vertreter

Auch August Macke (1887-1914) zählte zu den Künstlern im Verbund „Der Blaue Reiter". Obwohl er nur 27 Jahre alt wurde, gilt er noch heute als wichtiger Künstler des Expressionismus. Außerdem gelten seine Werke als zugänglich für Betrachter. Auch hier findest du kräftige Farben und grobe Pinselstriche. Das siehst du zum Beispiel im Bild „Seiltänzer" von 1914.

Weitere Vertreter des Expressionismus

Gabriele Münter: „Jawlensky und Werefkin" (1909)

Paula Modersohn-Becker: „Selbstporträt" (1906)

Ernst Ludwig Kirchner: „Die Straße" (1913)

Expressionismus Kunst - Steckbrief

Merkmale: kräftige Farben, Kontraste, Formen

Motive: Natur, Räumlichkeiten, Stadtszenen, Tiere

Wichtige Vertreter: Franz Marc, Wassily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, August Macke, Gabriele Münter, Paula Modersohn-Becker

Surrealismus

Jetzt weißt du, was den Expressionismus in der Kunst ausmacht. Ab dem Jahr 1920 entwickelte sich außerdem die Kunstrichtung des Surrealismus. Was du rund um diese Bewegung wissen musst, erfährst du hier.

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Expressionismus (Kunst) * Epoche einfach erklärt

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Expressionismus: Definition und Merkmale ✅ Expressionismus Künstler ✅ Ursprung und Entstehung ✅ mit kostenlosem Video

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Surrealismus * Surrealismus Kunst Strömung

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Wichtige Inhalte in diesem Video

Was ist Surrealismus in der Kunst? Alles über die Surrealismus Merkmale und wichtigsten Künstler der Epoche erfährst du hier und im Video .

Inhaltsübersicht

Was ist Surrealismus?

Der Surrealismus ist eine Kunstbewegung, die sich ab 1920 entwickelt hat. Sie entstand aus dem Dadaismus. Das ist eine Kunstrichtung zur Zeit des Ersten Weltkriegs , in der Künstler gegen damalige gesellschaftliche Werte protestierten. Künstler des Surrealismus hatten das Ziel, Traumerfahrungen mit der Wirklichkeit zu verbinden. Dabei wollten sie Unbewusstes und Absurdes abbilden. Neben der Malerei befassten sich die Künstler ebenfalls mit der Bildhauerei, der Fotografie und dem Film.

Wichtige Surrealismus Künstler und Werke sind:

Salvador Dalí: „Die brennende Giraffe" (1936)

Max Ernst: „Der Elefant von Celebes" (1921)

René Magritte: „Die Liebenden" (1928)

Du findest die Epoche Surrealismus nicht nur in der Kunst, sondern beispielsweise auch in der Literatur und Musik.

Der Surrealismus ist eine Kunstrichtung der 1920er Jahre, in der Träume und Unterbewusstes künstlerisch dargestellt werden.

Surrealismus Epoche - Entstehung

Die Epoche entstand in den 1920er Jahren in Paris. Den Begriff „Surrealismus" prägte der Schriftsteller Guillaume Apollinaire am Anfang des 20. Jahrhunderts mit dem französischen Wort „surréalisme". Du kannst das Wort als „über dem Realen" übersetzen.

Die Künstler orientierten sich an fantasievollen Bildern des niederländischen Künstlers Hieronymus Bosch und der Malerei des Manierismus aus dem 16. Jahrhundert. Als weiterer Vorläufer der surrealistischen Kunst zählt außerdem die italienische „Pittura Metafisica" (metaphysische Malerei) von Giorgio de Chirico und Carlo Carra ab 1917. In der Kunstform sollten die menschliche Psyche und Gedanken malerisch festgehalten werden. Sie versuchten, eine unsichtbare Welt, die sich hinter der sichtbaren Welt verbirgt, zu zeigen. Ihre Vorbilder waren die Kunst der Antike und der Renaissance .

Zudem beschäftigten sich die Surrealismus Künstler mit den Theorien des Psychologen Sigmund Freud . Er untersuchte die menschliche Psyche und die Traumdeutung. André Breton veröffentlichte 1924 das surrealistische Manifest „Manifeste du Surréalisme". Ein Manifest ist eine Erklärung von Absichten und Ideen. Breton stellte in seinem Manifest die Grundzüge der neuen Kunstbewegung vor und begründete sie mit Freuds Analysen.

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Surrealismus Merkmale

Was ist Surrealismus? Die Künstler der Strömung bemerkten einen Dualismuszwischen Traum und Wirklichkeit und wollten ihn überwinden. Das heißt, dass sie die Gegensätze zwischen beiden Welten miteinander verbinden wollten. Die Realität wurde mit traumhaften, surrealen Elementen erweitert. Dadurch schafften die Künstler eine Art Überwirklichkeit und steigerten das Bewusstsein. Typische Motive der Werke waren deshalb Träume, Visionen, Rauschzustände und Wünsche der Künstler. Es gibt zwei Stilrichtungen in Malerei der Strömung: den hyperrealistischen Stil und den Automatismus.

Im hyperrealistischen Stil wollten die Künstler Objekte möglichst detailgetreu darstellen. Dafür erhielten sie die Illusion der Dreidimensionalität aufrecht und stellten die Umgebung und Objekte naturalistisch dar. Künstler des Stils waren beispielsweise Salvador Dalí und René Magritte.

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Im Automatismusmalten die Künstler ihre Surrealismus Bilder spontan, um das Unbewusste und Unterbewusste hervorzuheben. Dafür schalteten sie ihr Bewusstsein durch Träume oder Rauschzustände ab und steuerten den Schaffensprozess nicht. Diese Methode nutzten Joan Miró und Max Ernst.

Die Surrealismus Künstler beschränkten sich aber nicht nur auf die Malerei. Sie entwickelten neue Kunsttechniken wie die Frottage, Grattage und Collage.

Surrealismus Kunst - Techniken

Frottage: Bei der Frottage reiben Künstler Strukturen eines Gegenstands auf einen Bildträger ab. Das geht zum Beispiel, indem sie ein Blatt Papier über eine Münze legen und die Münze abmalen.

Grattage: Eine Grattage entsteht, wenn Künstler angetrocknete Farbe herunterkratzen, um untere Farbschichten freizulegen.

Surrealismus Collage: Eine Collage ist ein Kunstwerk, das aus verschiedenen Elementen besteht, die miteinander vereint werden.

Fotogramm: Bei einem Fotogramm wird das Fotopapier ohne eine Kamera sondern zum Beispiel durch die Sonne belichtet.

Surrealismus Künstler

Viele Künstler des Surrealismus schlossen sich in Paris in einer Surrealisten Gruppe zusammen. Dazu gehörten zum Beispiel Marcel Duchamp, Max Ernst, Man Ray, Pablo Picasso, Paul Klee, Joan Miró und Hans Arp. Einige der Künstler und ihre Werke siehst du hier:

Max Ernst - Surrealismus Kunst

Der Deutsche Max Ernst (1891-1976) wird als erster Künstler der Epoche bezeichnet. Ernst ist der einzige Künstler, der im surrealistischen Manifest namentlich erwähnt wird. Er beschäftigte sich zunächst mit dem Dadaismus. Nach seinem Umzug nach Paris 1922 begann er, Gemälde zu malen, die von seinen Träumen inspiriert sind.

Danach spezialisierte er sich darauf, neue Maltechniken zu erfinden. Dazu gehören zum Beispiel die Frottage und die Grattage, die später ebenfalls von anderen Künstlern verwendet wurden. Neben der Malerei beschäftigte sich Ernst auch mit der Bildhauerei.

Ein bekanntes Bild von Max Ernst ist „Das Rendezvous der Freunde" von 1922. In dem Gemälde sind verschiedene berühmte Personen abgebildet, die über dem Boden schweben und dadurch traumhaft wirken.

Salvador Dalí - Surrealismus Kunst

Salvador Dalí (1904-1989) beschäftigte sich vor allem mit psychischen Prozessen und Träumen. Er entwickelte seine „paranoisch-kritische Methode" aus seinen Traumvorstellungen und inneren Bedürfnissen. Dalí orientierte sich an Paranoia. Das ist eine psychische Störung, in der man Wahnvorstellungen erlebt. Diese Wahnvorstellungen wollte er in seinen Werken abbilden und festhalten. Außerdem beschäftigte er sich mit dem menschlichen Geist und Trieben.

Dafür findest du bei Dalí viele Gegenstände, mit denen du eigentlich vertraut bist, in ungewöhnlicher Weise miteinander kombiniert. Die realen Dinge wirken durch die Kombination wie eine Traumwelt. Ein Beispiel dafür ist das Porträt seiner Frau Gala („Bildnis Galas mit zwei Lammkoteletts im Gleichgewicht auf der Schulter", 1933), bei dem er seine Frau zusammen mit Koteletts gemalt hat.

Gemeinsam mit dem Filmemacher Luis Buñuel drehte Dalí auch surrealistische Filme. Ein Klassiker ist zum Beispiel „Ein andalusischer Hund" aus dem Jahr 1929. Er besteht aus absurden Szenen und verfolgt keine klar erkennbare Handlung. Typisch für Dalí tauchen in dem Film Ameisen auf, die aus einem Loch in einer Hand kriechen. Ameisen baute er oft auch in seinen Gemälden ein. Du findest sie ebenfalls in seinem bekannten Surrealismus Gemälde „Die Beständigkeit der Erinnerung" aus dem Jahr 1931. Darauf sind zerlaufene Uhren in einer Landschaft abgebildet. Damit verweist er auf die Vergänglichkeit der Zeit.

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Seine Kunstwerke basieren jedoch nicht ausschließlich auf der Fantasie. Er beschäftige sich darüber hinaus mit optischen Täuschungen und Vexierbildern, bei denen es eine verborgene Bedeutung gibt. Dadurch zeigt er, dass in jedem Wahrnehmungsprozess Fantasiebilder enthalten sind. Erst nach längerer Betrachtung wird die Mehrdeutigkeit der Bilder offensichtlich.

René Magritte - Surrealismus Kunst

René Magritte (1898-1967) war ein Maler aus Belgien und Zentrum der belgischen Surrealistengruppe. Seine Surrealismus Kunstwerke sind sehr detailgetreu und präzise. Damit wollte er die Denkprozesse der Menschen in seinen Bildern nicht nur zeigen, sondern auch nachvollziehbar machen. Er trennte dafür Gegenstände von ihrer gewohnten Darstellung und ihrem Begriff, sodass Betrachter sie neu interpretieren und reflektieren müssen.

Ein Beispiel ist das Surrealismus Gemälde „Der Verrat der Bilder" von 1929. Auf dem Gemälde sind eine Pfeife sowie die Unterschrift „Ceci n'est pas une pipe" (Dies ist keine Pfeife) abgebildet, sodass ein Gegensatz entsteht.

Joan Miró - Surrealismus Kunst

Joan Miró (1883-1983) verwandelte in seinen Werken Formen zu Symbolen um. Dadurch wirkten sie nicht mehr logisch erklärbar und verwirrend. Später malte er ebenfalls Traumbilder, wie die anderen Surrealismus Künstler. Bekannte Werke Mirós sind zum Beispiel „Karnevals des Harlekins" von 1924/25 und „Tänzerin II" von 1925.

Weitere Surrealismus Künstler und Werke - Surrealismus Epoche

Hier findest du weitere Surrealismus Bilder der Surrealismus Vertreter:

Man Ray: „Die Tränen" (1932)

Yves Tanguy: „Unendliche Teilbarkeit" (1942)

Frida Kahlo: „Die gebrochene Säule" (1944)

André Breton: „Ei in der Kirche oder Die Schlange" (1932)

Surrealismus Kunst - Steckbrief

Zeitraum: 1920-1940

Merkmale: Verbindung von Traumwelt und realer Welt, naturgetreue Darstellungen, Verzerrungen

Motive: Träume, Visionen, Rauschzustände, Traumwelten

Wichtige Vertreter: Dalí, Ernst, Magritte, Kahlo

Bildanalyse

Jetzt weißt du alles über die Epoche und wichtige Surrealismus Bilder. Wenn du wissen willst, wie du eine ausführliche Bildanalyse zu einem Kunstwerk schreibst, wird dir unser Video bestimmt weiterhelfen.

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