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improvisation sur l'utilisation du regard directionnel. consigne: regarder rapidement un point dans le studio et se déplacer librement pour le rejoindre

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improvisation sur l'utilisation du regard directionnel. consigne: regarder rapidement un point dans le studio et se déplacer librement pour le rejoindre

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un exercice au sol et debout utilisation des bras

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un exercice au sol et debout utilisation des bras

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une diagonale avec des demis tours pivot et travail de la tête

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une diagonale avec des demis tours pivot et travail de la tête

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un exercice dans l'espace avec différentes dynamiques (petits repoussés des pieds, tête, ancrage...)

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un exercice dans l'espace avec différentes dynamiques (petits repoussés des pieds, tête, ancrage...)

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consigne: penser à pivoter sur l'avant du pied et non sur le talon

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Improvisation sur le cercle et les tours après visionnage d'un extrait de "fase" d'ATK et de "two elastic thème" de Doris Humphrey

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les différents modes de transmissions ...-2

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retours pour  Kamélia, Chloé, Louis, Isida, Julien et Audrey

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retours pour  Kamélia, Chloé, Louis, Isida, Julien et Audrey

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livre: Vu du geste, interpréter le mouvement dansé de Christine Roquet

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livre: Vu du geste, interpréter le mouvement dansé de Christine Roquet

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" Du cours à l'atelier, du bal à la scène, du point de vue du danseur à celui du spectateur, Christine Roquet nous révèle comment l'analyse du mouvement peut enrichir notre perception, interroger notre relation à l'autre et au monde. " Extrait de la quatrième de couverture

Les danseurs sont dépositaires de différents savoirs implicites dont on trouve la trace dans leur langue spécifique : que veulent-ils dire lorsqu'ils parlent de " s'appuyer sur l'espace ", de " donner son poids " ou de " danser à l'écoute " ? La danse est-elle une affaire de corps ? Pourquoi parler de geste plutôt que de mouvement ? Qu'en est-il de l'état de corps, de l'émotion, du partage de l'espace, lorsque nous dansons ou nous regardons danser ? Qu'est-ce que lire le geste dansé ? Comme s'y prend-on et avec quels outils ? Comment les savoirs de la pratique circulent-ils en danse, entre danse de scène et danse de bal par exemple ? Et quelle pensée de l'altérité ou quelle théorie de l'imaginaire peuvent nous aider à développer les " manières de faire " des danseurs ?

Si l'auteure inscrit sa démarche dans le prolongement des réflexions des théoriciens du mouvement Michel Bernard et Hubert Godard, elle se nourrit également de son expérience de terrain au contact des danseurs pour donner corps à son propos. Elle convoque enfin des exemples très divers - deux enfants sur une photo, la morphologie de champions d'athéltisme, les différences entre les styles de Gene Kelly et Fred Astaire - qui montrent combien l'analyse du mouvement peut enrichir notre perception du monde.

Christine Roquet est maître de conférences au département Danse de l'université Paris-8. Elle se consacre à l'enseignement et à la recherche en danse depuis le vaste domaine de " l'analyse du mouvement ". L'exploration du champ complexe de l'interaction constitue son domaine de recherche privilégié.

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A major figure on the hip-hop scene since the early 1990s, Merzouki works at the crossroads of many different disciplines: he adds circus, martial arts,…

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Deca dance

Imaginé pour la première fois en 2000, ce programme Deca Dance célébrait alors les dix ans de création d'Ohad Naharin au sein de la compagnie en offrant un saisissant collage d'extraits de son répertoire. Régulièrement recomposée et enrichie depuis, la pièce est aujourd'hui l'occasion, pour le chorégraphe israélien, de montrer la variété de son inspiration - du mouvement le plus démonstratif à l'expression très intime -, mais aussi de questionner les lignes de force de son travail. Plus qu'un ensemble de morceaux choisis, il s'agit donc d'une véritable re-création dont le répertoire fournit la matière sans cesse revisitée. Énergique et sensuelle, toujours sur le fil tendu des émotions qu'il s'agisse de celles du corps ou de celles de l'âme, la danse devient son propre théâtre. Pour le plus grand bonheur du spectateur, emporté dans un tourbillon de gestes, de sons et d'images inoubliables servi par une troupe à son meilleur.

Source : Isabelle Calabre, Théâtre national de Chaillot

Naharin, Ohad

Danseur prodige, aujourd'hui chorégraphe et directeur de la Batsheva Dance company, Ohad Naharin est un acteur essentiel de la danse en israël. Depuis 1980, et sa première chorégraphie " Haru No Umi ", Naharin s'est imposé comme l'un des auteurs majeurs d'une danse moderne. s'appuyant sur la technique infaillible des interprètes de la Batsheva, il développe un sens de la gestuelle à la puissance évocatrice et émotionnelle singulière. lorsque l'on demande à Ohad Naharin s'il existe un style Batsheva, ou mieux, un style naharin, il répond simplement : " le style, c'est un piège. Disons que l'on peut reconnaître notre pensée de la danse, notre philosophie. Avec également cette constance à apprendre, à changer. et donc à trouver de nouvelles réponses ". Artiste plus engagé qu'il n'y paraît, doté d'une forte culture musicale, Ohad Naharin voit son pays et ses contradictions comme une opportunité, pas une fatalité : " Je crois que notre environnement aide les gens à être créatif ". Mais il réfute cette idée d'une communauté de la création chorégraphique spécifiquement israélienne.

Dans sa méthode d'enseignement dénommée Gaga, on retrouve un véritable langage du mouvement développé par Naharin lui-même depuis une décennie. " Une autre façon de préparer son corps, déclare Ohad Naharin, une boîte à outils pour les danseurs. " l'exploration des sensations au service du mouvement. encore et toujours cet appétit de danse qu'il se doit de transmettre. au-delà de ces enjeux pédagogiques, il y a une physicalité, un engagement en scène qui est propre à cette troupe. et que l'on retrouve dans les nombreux ballets (une vingtaine) de Naharin pour la Batsheva ou sa branche junior Batsheva ensemble.

Source : Programme de salle Maison de la Danse

En savoir plus : batsheva.co

Birraux, Jean-Marc

Jean-Marc Birraux est réalisateur depuis 1995 pour M6, Mezzo, France3, Paris Première, France2, Arte Live Web ou même Arte tout court.

Batsheva Dance Company

Direction artistique: Ohad Naharin

Année de création: 1979

Fondée en 1964 à Tel-aviv, la Batsheva Dance company est dirigée depuis 1990 par Ohad Naharin. après avoir fait ses classes à new York auprès de Martha Graham, fondatrice de la Batsheva, il rejoint l'école de Maurice Béjart à Bruxelles durant un an. Il intègre ensuite l'ensemble israélien Bat-dor et commence ainsi à se produire à l'international. En 1980, il monte sa propre compagnie et fait ses débuts de chorégraphe. De formation musicale, passionné de mouvement, c'est à travers la technique " Gaga ", une écriture axée sur l'exploration des sensations et la disponibilité du corps, qu'il impose sa marque de fabrique et écrit les grandes heures de la Batsheva. Ohad naharin aura véritablement marqué l'histoire récente de la danse contemporaine. Ses pièces ont été présentées sur les plus grandes scènes du monde par le nederlands Dans Theater, le Ballet du Grand Théâtre de Genève, le Ballet de francfort ou l'Opéra de paris. La Batsheva est venue à Lyon dans le cadre de la Biennale de la Danse en 1998 avec " Anaphase ", à la Maison de la Danse en 2001 avec " Sabotage Baby " et aux Nuits de Fourvière en 2008 avec " Deca Dance ".

Source: Maison de la Danse - programme 2015

En savoir plus: batsheva.co.il/en/home

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Imaginé pour la première fois en 2000, ce programme Deca Dance célébrait alors les dix ans de création d'Ohad Naharin au sein de la compagnie en offrant un saisissant collage d'extraits de son répertoire.

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Patrick DUPOND (17 ans) Don Quichotte, variation de Basilio (1976) | A l'École de l'Opéra (15 ans)

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François Alu, danseur (pas si) classique

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Water Study

Il s'agit de l'une des premières œuvres écrites par Doris Humphrey en tant que chorégraphe indépendante. Interprétée dans le silence, Water Study évoque une variété d'ambiances marines allant du calme à la marée en passant par la turbulence provoquée par le vent. La danse démontre l'utilisation caractéristique de Humphrey de la chute, de la récupération et du rythme respiratoire. Le travail d'ensemble subtil et complexe nécessite un timing rythmique synchronisé entre les danseurs sans l'aide d'indices musicaux.

Source : Dance Horizons, Doris Humphrey Legacy: Water Study DVD
En savoir plus

Humphrey, Doris

Danseuse et chorégraphe américaine, née le 17 octobre 1895 à Oak Park (Illinois), morte le 29 décembre 1958 à New York, Doris Humphrey est l'une des pionnières de la danse moderne américaine et une innovatrice en matière de technique, de création et de théorie du mouvement chorégraphique.

Doris Humphrey étudie la danse dès son plus jeune âge. C'est une élève douée et passionnée. Après avoir obtenu son diplôme et enseigné pendant quatre ans à Chicago, elle rejoint en 1917 l'école de danse et la compagnie Denishawn (créées en 1915 par Ruth Saint Denis et Ted Shawn) à Los Angeles. Elle y devient rapidement l'une des principales danseuses solistes, et s'essaie à la chorégraphie dès 1920. Sa première création majeure, originellement dansée sur la Sonata tragica d'Edward MacDowell, est présentée en 1925. Cette œuvre possède une rythmique propre si puissante que Ruth Saint Denis la proposera ultérieurement comme la première pièce chorégraphique moderne américaine sans musique. Après une tournée de deux ans en Asie, Doris Humphrey et Charles Weidman, un autre danseur de la compagnie Denishawn, prennent la direction de l'école Denishawn de New York. Ils y resteront jusqu'en 1928, année où ils fondent l'école et la compagnie Humphrey-Weidman, qu'ils dirigeront jusqu'en 1944. Sybil Shearer, Katherine Litz et José Limón figurent parmi leurs disciples les plus célèbres.

Source: Encyclopedia Universalis

Reusch, Amy

Amy Reusch est une réalisatrice américaine. Elle capte l'entièreté des spectacles qui composeront la série de DVDs "The Doris Humphrey Legacy".

Water Study

Chorégraphie : Doris Humphrey

Interprétation : Doris Humphrey Workshop Dancers

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : Dance Horizons

Princeton Book Co. Publishers

Spécialistes de l'édition et de la distribution de livres de danse et de vidéos de danse depuis plus de 35 ans, avec une liste de plus de 500 titres liés à la danse. Nous publions sous la marque Dance Horizons et distribuons pour The Dance Notation Bureau et Dance Books Ltd. En mars 2000, nous avons lancé une nouvelle marque pour publier des livres d'intérêt général, Elysian Editions, avec The Magic Of Provence: Pleasures of Southern France by Yvone Lenard. Visitez nos pages Elysian Editions pour voir les livres de Mme Lenard ainsi que d'autres titres sous cette empreinte.

Source : Princeton Book Co. Publishers

En savoir plus : https://www.dancehorizons.com

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Il s'agit de l'une des premières œuvres écrites par Doris Humphrey en tant que chorégraphe indépendante. Interprétée dans le silence, Water Study évoque une variété d'ambiances marines allant du calme à la marée en passant par la turbulence provoquée par le vent.

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Vade Mecum méthode JOOSS- LEEDER de Lucas Viallefond

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Vade Mecum méthode JOOSS- LEEDER de Lucas Viallefond

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VADE-MECUM sur la méthode JOOSS-LEEDER : VIALLEFOND, Lucas: Amazon.fr: Livres

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Epreuves de danse 2015. Danse contemporaine. Variation 8 garçon et fille

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Ministère de la Culture et de la CommunicationDirection générale de la création artistique Les épreuves de danse 2015, sont conçus comme un outil pédagogique qui devrait permettre à chaque professeur de transmettre les danses dans le contexte d'une culture chorégraphique.

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Epreuves de danse 2014. Danse contemporaine. Variation 8 garçon et fille

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Ministère de la Culture et de la Communication Direction générale de la création artistiqueLes épreuves de danse, sont conçus comme un outil pédagogique qui devrait permettre à chaque professeur de transmettre les danses dans le contexte d'une culture chorégraphique. L'inspection de la création artistique spécialité danse Les commentaires, remarques et suggestions des utilisateurs des Epreuves.

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Epreuves de danse 2004. Danse contemporaine. Variation 6 fille

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Ministère de la Culture et de la Communication Direction générale de la création artistique Les épreuves de danse, sont conçus comme un outil pédagogique qui devrait permettre à chaque professeur de transmettre les danses dans le contexte d'une culture chorégraphique.

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Epreuves de danse 1999. Danse contemporaine. Variation 14 garçon

Archives Epreuves de danse 1999

The variations proposed by the French Ministry of Culture are teaching aids. They are designed to form a didactic tool allowing each teacher to transmit dances in the context of a choreographic culture.

We strongly recommend that teachers consult the enclosed leaflet, which presents for each variation a biographical note of the choreographers and musicians as well as comments on each dance.

The end of cycle 1 and 2 variations can be technically adapted by teachers, who have excellent knowledge of their students and are seeking for them the most appropriate physical commitment. The variations for end of cycle 3, DNOP (national diploma of professional orientation) in dance, Bac TMD (Baccalauréat in music and dance techniques) with dance option, EAT (French technical capability examinations), are extracts from repertoires and, as such, must respect the artistic writing. Moreover, some variations can be danced both by boys and girls, according to the choice of the student, candidate or teacher.

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Epreuves de danse 1999. Danse contemporaine. Variation 14 garçon

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The variations proposed by the French Ministry of Culture are teaching aids. They are designed to form a didactic tool allowing each teacher to transmit dances in the context of a choreographic culture. We strongly recommend that teachers consult the enclosed leaflet, which presents for each variation a biographical note of the choreographers and musicians as well as comments on each dance.

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Contemporain - Epreuves de danse 2021. Variation N°8. Fin du 1er cycle, garçon et fille (reprise 2019)

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Commentaire pédagogique
Le titre de cette variation Portrait et paysage est un clin d’œil aux formats utilisés en informatique et en photographie désignant la verticalité et l’horizontalité mais il parle aussi de la relation entre le danseur et l’espace.

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Epreuves de danse 1996. Danse contemporaine. Variation 12 garçon

Archives Epreuves de danse 1996

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Epreuves de danse 1996. Danse contemporaine. Variation 12 garçon

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sujets d'improvisations,mots clés Pina Bausch

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sujets d'improvisations,mots clés Pina Bausch

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Charmatz, Boris (France) Chamblas, Dimitri (France)

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Charmatz, Boris (France) Chamblas, Dimitri (France)

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Les Disparates

Deuxième pièce cosignée de Boris Charmatz et Dimitri Chamblas, "Les Disparates" propose une cohabitation scénique entre un corps, celui de Boris Charmatz, et une sculpture, celle de Toni Grand. Corps en mouvement d'un côté, corps inerte de l'autre, deux présences simultanées qui juxtaposent les champs chorégraphique et plastique. Comme l'expliquent les deux chorégraphes au sujet de cette présence plastique : " Nous cherchions un contrepoint immobile à nos agitations : cette sculpture représente pour nous un objet esthétique non-spectaculaire, fermé sur lui-même, non articulé, non manipulable, non déplaçable a priori, lourd sans que ses 700 kilos soient même perceptibles ! ". D'un côté de la scène, une œuvre finie, stable, aboutie, de l'autre, une danse en train de se réaliser dans l'instabilité du moment, dans la complexité du vivant. Le spectateur se retrouve alors face à la présence d'une œuvre (plastique) dans l'œuvre (chorégraphique), ce qui n'est pas sans interroger ses attentes et ses conceptions du spectaculaire. La composition de la pièce se déplie en trois parties offrant différents paramètres à l'état de danse. L'extrait présenté ici convoque la troisième partie, dans l'espace très singulier de L'Usine à Dijon, éloigné de la traditionnelle boîte noire. Dans un premier temps, la captation nous permet de nous concentrer sur la danse de Boris Charmatz, puis, lorsque l'angle s'élargit, apparaît alors la co-habitation avec la sculpture de Toni Grand.

Source : site de Boris Charmatz

En savoir plus :
http://www.borischarmatz.org/

Charmatz, Boris

Né à Chambéry (France), le 3 janvier 1973.

Formé à l'Ecole de Danse de l'Opéra de Paris puis au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon, Boris Charmatz est engagé par Régine Chopinot pour Ana (1990) et Saint-Georges (1991). En 1992, il est sollicité par Odile Duboc et rejoint la compagnie pour 7 jours/7 villes (1992), Projet de la matière (1993), Trois boléros (1996). Il participe en outre à la création de K de E d'Olivia Grandville et Xavier Marchand (1993).

En 1992, il fonde l'association edna avec Dimitri Chamblas. Ensemble, ils écrivent et interprètent le duo À bras-le-corps (1993), puis signent Les Disparates (1994), solo bicéphale pour un danseur et une sculpture de Toni Grand. Boris Charmatz présente ensuite Aatt enen tionon (1996), pièce verticale pour trois danseurs, puis herses (une lente introduction) (1997), quatuor pour cinq danseurs et un violoncelliste sur des musiques d'Helmut Lachenmann. En 1999, il chorégraphie Con forts fleuve, sur des textes de John Giorno et des musiques d'Otomo Yoshihide. En 2002, il conçoit une pièce chorégraphique en forme de poupées russes, héâtre-élévision, spectacle réduit à un film, lui-même contenu dans un téléviseur présenté au sein d'une installation à l'attention d'un seul spectateur à la fois. Quatre ans plus tard, il propose avec Quintette Cercle (2006), une tranche de ce spectacle en version live. En 2006, il signe le trio régi qui réunit sur scène Julia Cima et lui-même autour de la figure de Raimund Hoghe. En 2008, La danseuse malade, en duo avec Jeanne Balibar, met en scène les textes de Tatsumi Hijikata, père fondateur de la danse butô. En 2009, un dispositif chorégraphique voit le jour à partir du livre Merce Cunningham, un demi-siècle de danse de David Vaughan. Conçu à la manière d'un flip-book chorégraphique, le livre en est sa partition. Elaborée en quelques jours, la performance adopte un titre différent suivant les équipes concernées : Roman Photo (étudiants, amateurs ou non danseurs), Flip Book (danseurs professionnels), 50 ans de danse (anciens interprètes de la Merce Cunningham Dance Company). En 2010, il crée Levée des conflits, pièce pour 24 danseurs et 25 mouvements. Artiste associé de l'édition 2011 du Festival d'Avignon, Boris Charmatz crée à la Cour d'honneur du Palais des papes enfant, pièce pour 9 danseurs et 26 enfants.

A partir de 1997, aux côtés d'Angèle Le Grand, il développe des projets très variés au sein de l'association edna. Ces propositions ont pour vocation de dessiner un espace ouvert à des essais multiples : sessions thématiques, réalisation de films ( Les Disparates de César Vayssié, Horace Benedict de Dimitri Chamblas et Aldo Lee, Une lente introduction de Boris Charmatz), programmes Hors-série proposés par l'équipe d'edna ( La chaise et Visitations de Julia Cima, Jachères de Vincent Dupont), production d'installations ( Programme court avec essorage), organisation d'expositions ( Complexe, Statuts), et de projets transdisciplinaires ( Ouvrée - artistes en alpages, Entraînements-série d'actions artistiques, Facultés, Education).

Si Boris Charmatz signe une série de spectacles qui feront date, l'ensemble des projets produits au sein de l'association edna rencontre également un large public au niveau national, européen et international.

De 2002 à 2004, dans le cadre d'une résidence au Centre national de la danse à Pantin, il développe le projet Bocal, école nomade et éphémère. Professeur invité à l'Universität der Künste (Berlin), il collabore à l'élaboration d'un nouveau cursus en danse qui voit le jour en 2007.

Boris Charmatz participe régulièrement à des soirées d'improvisation (avec Médéric Collignon, Saul Williams, Archie Shepp) et poursuit son activité d'interprète notamment dans boléro 2 d'Odile Duboc.

En 2003 Boris Charmatz cosigne avec Isabelle Launay : Entretenir/à propos d'une danse contemporaine (coédition Centre national de la danse/ Les Presses du Réel), dont la traduction anglaise a été publiée en mai 2011 sous le titre undertraining / On A Contemporary Dance (éd. Les Presses du Réel). En avril 2009 Boris Charmatz signe Je suis une école aux Editions Les Prairies Ordinaires, ouvrage en forme de journal de bord qui relate l'aventure que fut Bocal.

Directeur du Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne depuis janvier 2009, Boris Charmatz propose de le transformer en un Musée de la danse d'un genre nouveau. Un manifeste est à l'origine de ce musée qui a déjà accueilli les projets "préfiguration", "expo zéro", "héliogravures", "rebutoh", "Grimace du réel", "service commandé", "brouillon", "Jérôme Bel en 3 sec, 30 sec, 3 min, 30 min, 3 h", "Petit Musée de la danse", "Rétrospective" par Xavier Le Roy et s'est déplacé à Avignon, Saint Nazaire, Singapour, Utrecht, et New York.

Il crée la pièce manger à la Ruhrtriennale en Allemagne le 23 septembre 2014, danse de nuit dans le cadre de La Bâtie-Festival de Genève en 2016, puis 10 000 gestes en 2017 à la Volksbühne de Berlin.

Source : Site personnel de Boris Charmatz

En savoir plus :
http://www.borischarmatz.org/

Chamblas, Dimitri

Diplômé du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon, Dimitri Chamblas participe à la création de Sentiers de Bernard Glandier avant d'être engagé comme danseur permanent par Régine Chopinot en 1993. À partir de 1997, il s'engage aux côtés de Mathilde Monnier au CCN de Montpellier et interprète le duo Tout Contre d'Emmanuelle Huynh. Au début des années 2000, il développe un travail dans le domaine de l'audiovisuel et réalise successivement "Horace-Benedict" (en collaboration avec Aldo Lee), "La Clé des Lieux" et "À nos endroits". En 2002, il commence à travailler comme 1er assistant réalisateur dans le milieu de la publicité. Il collabore entre autres avec Tranh anh Hung, Jacques Audiard, César Vayssié et les Zoo. Depuis 2005, il est producteur associé de Same Production et accompagne le développement de jeunes réalisateurs.

Source: Site de Boris Charmartz

En savoir plus :
borischarmatz.org

Musée de la danse

Né d'un croisement entre le musée, lieu de conservation, la danse, art du mouvement, et le centre chorégraphique, lieu de production et de résidence, le Musée de la danse est un espace pour penser, pratiquer et élargir les frontières de la danse. S'il est inscrit à Rennes, il est aussi une idée nomade. Dirigée par le chorégraphe Boris Charmatz, cette institution-laboratoire explore les possibilités de croisement entre exposition, geste performatif et articulation d'un discours. Ateliers, débats, spectacles, résidences d'artistes et de chercheurs ; propositions décalées et collections fantasmées naissent directement d'une réflexion sur ce que pourrait être ce musée ludique et hybride.

Le CCN de Rennes et de Bretagne, rebaptisé Musée de la danse par Boris Charmatz, a été dirigé par Gigi Caciuleanu jusqu'en 1993, par Catherine Diverrès et Bernardo Montet jusqu'en 1996, puis par Catherine Diverrès seule jusqu'en 2008. Depuis 2009, Boris Charmatz assure sa direction. A compter de janvier 2019, c'est le collectif FAIR[E] qui prendra le relais. Le collectif est composé de Bouside Aït-Atmane, Iffra Dia, Johanna Faye, Céline Gallet, Linda Hayford, Saïdo Lehlouh, Marion Poupinet et Ousmane Sy.

Le Musée de la danse / Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne est une association subventionnée par le ministère de la Culture et de la Communication (DRAC Bretagne), la Ville de Rennes, le Conseil régional de Bretagne et le Conseil départemental d'Ille-et-Vilaine.

Le Musée de la danse fait partie de l'Association des Centres chorégraphiques nationaux.

En savoir plus : www.museedeladanse.org

Les Disparates

Chorégraphie : Boris Charmatz, Dimitri Chamblas

Interprétation : Boris Charmatz

Musique originale : Jean-Jacques Benally

Costumes : Dominique Fabrègue

Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Association edna, Nouvelles Scènes / Dijon

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : César Vayssié, L'Usine - Dijon

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Deuxième pièce cosignée de Boris Charmatz et Dimitri Chamblas, "Les Disparates" propose une cohabitation scénique entre un corps, celui de Boris Charmatz, et une sculpture, celle de Toni Grand. Corps en mouvement d'un côté, corps inerte de l'autre, deux présences simultanées qui juxtaposent les champs chorégraphique et plastique.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
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Night:Light

Night : Light est une création pour l'espace de projection de l'IRCAM, une installation-performance qui croise plusieurs partitions : la partition musicale de Raphaël Cendo, la partition chorégraphique d'Alban Richard et la partition lumineuse de Valérie Sigward.
Trois médiums qui travaillent en porosité pour sculpter le temps et l'espace de ce lieu, et immerger les spectateurs dans un bain de sensations.

L'interprète active un protocole d'actions à effectuer, il est toujours en recherche autour de la notion de mouvements-pivots et doit sans cesse continuer à avancer dans une écriture labyrinthique. Le processus, une fois lancé, ne trouve de résolutions que dans une activité incessante.

Source : Centre chorégraphique national de Caen en Normandie

Richard, Alban

Alban Richard découvre la danse contemporaine en parallèle de ses études littéraires et musicales. Dès la fin des années 1990, il travaille pour différents chorégraphes tels qu'Odile Duboc, Olga de Soto ou Rosalind Crisp...

En 2000, Alban Richard fonde l'ensemble l'Abrupt pour lequel il crée une trentaine de pièces très différentes, toujours en rapport étroit avec une œuvre musicale dont il questionne l'écriture et la structure formelle. Ainsi, chaque création ouvre une nouvelle recherche, une nouvelle gestuelle, se démarquant de la précédente. La façon dont il élabore ses spectacles, dans une écriture au plateau nourrie d'improvisations contraintes, incite les interprètes à devenir créateurs de leur propre danse.

Alban Richard a collaboré avec l'ensemble Alla francesca, Les Talens Lyriques, les Percussions de Strasbourg, l'Ensemble intercontemporain, l'IRCAM et les ensembles Cairn, Instant Donné et Alternance, ainsi que les compositeurs Arnaud Rebotini, Sebastian Rivas, Erwan Keravec, Jérôme Combier, Laurent Perrier, Raphaël Cendo, Robin Leduc, Paul Clift, Wen Liu, Matthew Barnson...

Chorégraphe prolixe, Alban Richard est régulièrement invité par des ballets et des compagnies, tant à l'international (Canada, Lituanie, Norvège) qu'en France, à créer des œuvres de commande.

Depuis 2015 il dirige le centre chorégraphique national de Caen en Normandie, avec un projet fondé à la fois sur une démarche d'auteur et un travail en lien avec le territoire et ses habitants.

Source : CCN de Caen

En savoir plus : https://ccncn.eu/

Night:Light

Direction artistique / Conception : Alban Richard

Assistance à la chorégraphie : Martha Moore

Interprétation : Alban Richard

Musique originale : Raphaël Cendo

Lumières : Valérie Sigward

Costumes : Corinne Petitpierre

Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Production ensemble l'Abrupt Coproduction Ircam/Les Spectacles vivants-Centre Pompidou

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : Coproduction Ircam/Les Spectacles vivants-Centre Pompidou

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Night : Light est une création pour l'espace de projection de l'IRCAM, une installation-performance qui croise plusieurs partitions : la partition musicale de Raphaël Cendo, la partition chorégraphique d'Alban Richard et la partition lumineuse de Valérie Sigward. Trois médiums qui travaillent en porosité pour sculpter le temps et l'espace de ce lieu, et immerger les spectateurs dans un bain de sensations.

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La Chambre

Une femme dans un fauteuil. La caméra danse autour d'elle et dévoile dans son dos l'image comme diffractée de huit danseuses, piquées telles des insectes sur un mur oblique. Dans un espace clos au sol terreux, tandis que des mots de Marguerite Duras sont murmurés en voix off, les neuf danseuses résistent par des gestes d'évitement et de fermeture du corps aux intempéries qui les visitent.

Joëlle Bouvier et Régis Obadia signent là un film d'une beauté plastique évidente et se révèlent en tant que metteurs en scène de leur propre univers chorégraphique. Utilisant pleinement les ressources du cinéma, ils traduisent par l'image l'urgence de leur écriture gestuelle qu'ils proposent ici comme un contrepoint au style littéraire étiré de Marguerite Duras. Ce film a obtenu de nombreux prix dont le Toucan d'or aux rencontres de programmes audiovisuels de Rio de Janeiro, le FIPA d'argent 1989 (courts métrages) à Cannes et une mention spéciale du jury au FIFA en 1990.

Source : Patrick Bossatti

Obadia, Régis

Régis Obadia est né en 1958 à Oran (Algérie), il étudie la danse de 1976 à 1979 à l'institut des Arts et du mouvement (Françoise et Dominique Dupuy) et s'initie au théâtre avec Jacques Lecoq. En 1980, il crée avec Joëlle Bouvier la compagnie l'Esquisse. Leurs premières pièces les propulsent au premier plan de la scène nationale et internationale.

Directeurs du centre national de danse contemporaine du Havre de 1986 à 1992, ils sont nommés directeurs artistique du centre national de danse contemporaine d'Angers en 1993, rebaptisé CNDC l'Esquisse qu'ils dirigent jusqu'en 2003.

En 1998, Régis Obadia s'engage dans une démarche individuelle de création.
Figure importante de la danse contemporaine depuis le début des années 80, Régis Obadia, a tatoué les mémoires des spectateurs par des pièces à la sensualité fiévreuse et au geste puissant. Avec la création de sa propre compagnie depuis 2003, il impose sa patte singulière et son ouverture d'esprit en œuvrant aussi bien du côté de la danse pure que du théâtre. Collaborant régulièrement à des projets avec la Russie, en tandem avec Lisa Wiergasova, il a obtenu différents prix prestigieux dont "Le Masque d'Or" en 2004 pour sa chorégraphie "Le Sacre du Printemps" et L"a Mouette "en 2004 pour sa mise en scène de "L'Idiot" au festival Tchaïka de Moscou. Après "Le Sacre du Printemps" (2003) sur la musique de Stravinski, il a signé "Réversibilité" (2005), inspiré des Fleurs du mal de Baudelaire et Trois (2006), sur la musique de La jeune fille et la mort de Schubert, présenté au Théâtre Sylvia Montfort à Paris. Parallèlement, il a réalisé un documentaire Dominique Mercy "Danse Pina Bausch" (2003), hommage à l'interprète iconique de la chorégraphe allemande.

Source : site de la compagnie Régis Obadia

En savoir plus : regisobadia.com

Bouvier, Joëlle

En 1980 Joëlle Bouvier crée la compagnie l'Esquisse avec Régis Obadia. Ensemble, ils signent 15 oeuvres chorégraphiques diffusées dans le monde entier et co-réalisent 4 court-métrages, primés dans de nombreux festivals et réalisent plusieurs clips vidéo dont Casser la Voix, de Patrick Bruel . Elle a été co-directrice du CCN du Havre de 1986 à 1992, et du CNDC d'Angers de 1993 à 2003.

2004, elle crée la Cie Joëlle Bouvier et s'installe en résidence de création à la Scène Nationale des Gémeaux, à Sceaux de 2004 à 2008.

2015 elle retrouve le ballet du Grand Théâtre de Genève pour la création de Tristan & Isolde - Salue pour moi le monde, sur la musique de Richard Wagner.
Parallèlement à son activité de création, Joëlle Bouvier est invitée à réaliser des projets événementiels comme l'animation des vitrines du Grand Magasin Le Printemps à Paris en mars 2002, et en juin 2007. En août 2006, elle réalise une performance pour le lancement d'un nouveau produit cosmétique chinois, qui s'est déroulée au Palais des Congrès à Paris, puis en Chine. Depuis 2012, elle collabore avec la maison Hermès autour d'un spectacle sur les chaussures, présenté dans les filiales Hermès, à travers le monde.

Source : Site de la compagnie Joëlle Bouvier

En savoir plus : joellebouvier.com

La Chambre

Chorégraphie : Joëlle Bouvier, Régis Obadia

Interprétation : Nathalie Million, Catherine Berbessou, Joëlle Bouvier, Bernadette Doneux, Florence Issembourg, Patricia Marie, Florence Perrin, Claire RIchard, Joëlle Rollet

Texte : "La vie tranquille", de Marguerite Duras

Musique live : Denis Levaillant

Son : Jean-Claude Brisson

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : Ina, La Sept, MC Le Havre, Cie l'Esquisse Participation : ministère de la culture (DMD)

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Mammame duo souffle à 12mn30

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Mammame

Origine
" En danse, dit le chorégraphe, certains d'entre nous aiment quand on leur raconte des histoires, d'autres pas du tout. "
Mammame semble permettre cette approche. A travers l'histoire de la tribu des Mammames, il est possible de (se) raconter une histoire. Jean-Claude Gallotta le fait. " Une garnison mammame, dans le désert d'Arkadine, le 20 juin d'une années bissextile. La danse s'ouvre sur la chute d'un homme... ". Il y a là le lutin Kröll, la sorcière Nizza. Sorte d'espèce en voie de disparition, les Mammames dansent le Cabascholle.
Mais ceux qui préfèrent les jeux du corps et de l'abstraction, de sons et de sens, verront d'abord dans le mot de Mammame une sorte de chenille phonétique à douze jambes. Ce mot rampant, interminable (Mammamemammamemammame...) rappelle que toute dans prend sa source au sol.
Comme toute les chenilles, on en cherche la tête et la queue, Mammame est une larve palindrome dont on mastique le nom plutôt qu'on le prononce.
Ainsi débarrassée de la charge de porter du sens, cette succession de lettres peut être comprise comme une simple onomatopée qui rappelle que la bouche, les lèvres, les cordes vocales, le larynx, jusqu'aux sons sont également chorégraphiés. Même empêché de donner accès à la moindre évocation, le titre Mammame dit la danse. Prononcez-le, et déjà quelque chose en vous se met à danser. Mâchez-le et vous esquissez avec vos lèvres quelque chose de l'ordre du mouvement chorégraphique. En donnant au spectateur ce titre à se mettre en bouche, le chorégraphe ne lui donne pas la clé, qui entend aider humblement à reconstituer en nous la part humaine que notre indifférence coupable au monde dévitalise chaque jour un peu plus.
Claude-Henri Buffard

Note d'intention pour la recréation de Mammame en 1998
Reprendre Mammame aujourd'hui correspond à ce désir permanent de faire revivre les pièces chorégraphiques de la compagnie.
Il semble qu'à chaque acte chorégraphique se révèle une écriture initiale, " fabriquée " de compositions instantanées, d'improvisations ou d'écritures plus précises.
Une fois cette écriture posée se développe une interprétation créatrice.
En reprenant une pièce chorégraphique, on peut s'apercevoir de la pérennité de cette écriture tout en découvrant les nouvelles interprétations liées aux nouveaux danseurs et à l'esprit du temps.
S'exprime aussi cette demande chaleureuse et permanente de différentes générations de spectateurs à voir ou revoir des pièces chorégraphiques qui témoignent d'une " couleur " artistique particulière.
Tout comme est né l'esprit cinéphile, peut naître aujourd'hui l'esprit choréphile.
De même mes autres chorégraphies, Mammame, demande à se frotter à la peau du temps en explorant la naissance de ces premières conditions " fabricales " pour s'aventurer amoureusement vers la scène et le public.
Résonances agiles et partagées de l'art et de la culture se dévoilant parfois frères et sœurs ennemis.
Mammame sera présentée dans sa vision la plus légère.
Puisse la " Cabascholle* " illuminer toujours nos influences et nous imprégner de poésies extractantes.
" *Comme je l'ai déjà écrit, la Cabascholle est sur le plan théorique une des façons de libérer la danse de la chorégraphie. C'est aussi en langage Mammame, La danse du courage, de l'espièglerie et de l'inter détermination absolutiste. "
Jean-Claude Gallotta

Point de vue
Gallotta a décidé, une fois pour toute, d'être là ou on ne l'attend pas.
Transfuge des Beaux-Arts, chef de tribu chorégraphique - le fameux Groupe Emile Dubois et dynamiteur de mythe comme Don Juan ou Nosferatu, le grenoblois ne cesse d'insuffler de nouvelles énergies à son talent. Pour la nouvelle création de sa compagnie, 99duos, cet artiste hors du temps a eu l'idée de revenir à ses premières amours en s'attachant à la figure du couple. Avec son compère, l'écrivain Claude-Henri Buffard, Gallotta espère "trouver un passage pour dire une autre forme et décliner ce chiffre magique, 2". Il imagine déjà ce rapport à l'autre induit dans le duo tout comme des traductions philosophiques du 1+1. Et s'en amuse:"j'ai envie de simplifier ce geste, loin des extrêmes"dit-il. Ainsi libérées des conventions chorégraphiques, les combinaisons du "mathématicien" Gallotta n'ont pas fini de s'exposer. De quoi vous réconcilier définitivement avec les chiffres.
Philippe Noisette

Gallotta, Jean-Claude

Après un séjour à New York à la fin des années 70 où il découvre l'univers de la post-modern Dance (Merce Cunningham, Yvonne Rainer, Lucinda Childs, Trisha Brown, Steve Paxton, Stuart Sherman...), Jean-Claude Gallotta fonde à Grenoble - avec Mathilde Altaraz - le Groupe Émile Dubois qui deviendra Centre chorégraphique national en 1984. Installé depuis ses débuts à la Maison de la culture (dont il sera le directeur de 1986 à 1989), il y crée plus de soixante chorégraphies présentées sur tous les continents, dont Ulysse, Mammame, Docteur Labus, Presque Don Quichotte, les Larmes de Marco Polo, 99 duos, Trois générations, Cher Ulysse...

Il a également chorégraphié plusieurs pièces pour le Ballet de l'Opéra de Lyon et pour le Ballet de l'Opéra de Paris. Invité par le metteur en scène Tadashi Suzuki à Shizuoka (Japon), il y a créé et fait travailler une compagnie japonaise de 1997 à 2000. Après l'Homme à tête de chou (à partir de l'album de Serge Gainsbourg dans une version d'Alain Bashung) en 2009, il crée en 2011 Daphnis é Chloé (Théâtre de la Ville) et le Sacre du printemps (Théâtre national de Chaillot) ; fin 2012, il présente Racheter la mort des gestes - Chroniques chorégraphiques 1 au Théâtre de la Ville, puis à la MC2 ; début 2013, la recréation d' Yvan Vaffan cherchant ainsi patiemment à partager avec le public un même récit, celui d'une histoire et d'un avenir artistique communs.

En octobre 2013, il co-signe le spectacle l'Histoire du soldat de Stravinsky et l'Amour sorcier de Manuel de Falla avec le chef d'orchestre Marc Minkowski et le metteur en scène Jacques Osinski. En 14-15, il présente le Sacre et ses révolutions à la Philharmonie de Parie et en juin, crée l'Étranger à partir du roman d'Albert Camus à la MC2 : Grenoble.

Il ouvre la saison 2015-2016 avec My Rock à la MC2 : Grenoble, puis au Théâtre du Rond-Point à Paris.

Groupe Émile Dubois

À la fin des années soixante-dix, une poignée de jeunes chorégraphes surgit sur la scène française. Jean-Claude Gallotta est de ceux-là. En 1981, Il crée sa compagnie, le Groupe Emile-Dubois avec Mathilde Altaraz, et huit danseurs (quatre garçons, quatre filles), inspiré par la révolution chorégraphique de Merce Cunningham et John Cage à New York. Ces danseurs ne sont pas recrutés sur les seuls critères techniques mais sur leur personnalité, leur différence, leur désir de s'intégrer dans un groupe ; l'un vient du théâtre, un autre de l'architecture, une troisième est médecin.

Le G.E.D. est invité à s'installer comme cellule de création dans les murs de la Maison de la Culture de Grenoble. Une de ses premières pièces, Ulysse (1981), est tout de suite reconnue comme fondatrice de la nouvelle danse française. Le chorégraphe surprend, avec un " ballet blanc " qui ne détruit pas le tissu classique, mais joue avec et l'intègre dans la gestuelle contemporaine.

Dans ces premières années, le G.E.D. contribue à faire naitre l'idée des Centres chorégraphiques nationaux. Celui de Grenoble est un des premiers, il lui est attribué en 1984.

Au début des années 90, le G.E.D. produit des spectacles appelés D.T.M (danse, texte, musique) selon cette idée que la notion de danse doit dépasser la simple question du mouvement des corps et doit intégrer le son, la voix, la parole, le sens.

Au fil du temps, l'équipe de danseurs se renouvelle mais l'importance que le chorégraphe accorde à la qualité des rapports humains entraine chaque interprète à suivre la compagnie sur plusieurs spectacles, à l'exemple de Thierry Verger depuis 1992, de Béatrice Warrand depuis 1995.

Le G.E.D. fait ainsi voyager dans le monde entier un style chorégraphique qui, à partir de la source Cunningham, s'est développé de façon très personnelle avec notamment l'introduction d'un humour gestuel et d'une réflexion permanente sur la singularité du corps de " ceux qui dansent, ceux qui ont dansé, ceux qui aimeraient bien, ceux qui ne danseront peut-être jamais".

Fin 2015, le G.E.D. quitte l'écrin du Centre chorégraphique national et reprend son identité première tout en continuant à travailler à l'intérieur de la MC2 Grenoble. Jean-Claude Gallotta devient également auteur associé du Théâtre du Rond-Point à Paris.

Le G.E.D. a présenté Volver en 2016, a repris My Rock, a créé My Ladies Rock en 2017 et prépare Comme un trio d'après Bonjour Tristesse de Françoise Sagan (automne 2018) ainsi que la recréation de l'Homme à tête de chou (printemps 2019).

Outre les créations de Jean-Claude Gallotta, le G.E.D. gère également la transmission de pièces de répertoire et des actions de sensibilisation auprès de publics scolaires et amateurs.

Le Groupe Émile Dubois / Cie Jean-Claude Gallotta est soutenu par le Ministère de la culture et de la communication en tant que Compagnie à rayonnement national et international. Il est également soutenu par la Région Auvergne-Rhône-Alpes et le Département de l'Isère.

Source : Groupe Émile Dubois

En savoir plus : www.gallotta-danse.com

Mammame

Chorégraphie : Jean-Claude Gallotta

Assistance à la chorégraphie : Mathilde Altaraz

Interprétation : Annabelle Bonnéry, Jean-Pierre Bonomo, Caroline Boureau, Ana Caetano, Darrell Davis, Lysiane Magnet, William Patinot, Yarmo Penttila, Thierry Verger, Béatrice Warrand

Musique originale : Henry Torgue et Serge Houppin

Lumières : Sylvain Fabry et Jean-Claude Gallotta

Costumes : Jean-Yves Langlais, Jacques Schiotto

Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Centre Chorégraphique National de Grenoble avec le soutien de l'Espace Malraux - Scène Nationale de Chambéry / Savoie

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Arrêté du 28 mars 2024 + annexes DE et EAT danse

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