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El arte latinoamericano es la combinación de las expresiones artísticas propias de Suramérica, Centroamérica, El Caribe, y México, así como también de latinoamericanos viviendo en otras regiones. Comienza propiamente con la llegada a América de los pueblos latinos procedentes de Europa.

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En la pintura Europea, los artistas estudiaron el color y la atmósfera con profundidad y estos artistas forman parte en su mayoría del movimiento de los pintores impresionistas.

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La Pintura Europea, definición y desarrollo agosto 2021 (tiposdearte.com)

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Una de las características de los imperios premodernos del mundo era su tendencia a asimilar las culturas de las civilizaciones más avanzadas que conquistaron. Los imperios europeos de la edad moderna, por el contrario, han mostrado poco interés y apreciación por las culturas y artes de los pueblos sujetos y, también del resto del mundo. Este hecho con el tiempo cambió. A finales del siglo XIX y durante todo el siglo XX, muchos artistas en el mundo occidental fueron cautivados por el arte formal de las Américas, África, Oriente Medio y Asia, consecuentemente, este hecho, transformaría las artes visuales de Occidente.

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El Colonialismo y el imperialismo europeo influyeron en el arte occidental en tres formas fundamentales. En primer lugar, las potencias imperiales, reyes y mecenas fomentan la pinturas, escultura y arquitectura para glorificar su expansión, imperialista y objetivos idealistas. En segundo lugar, la expansión europea y su establecimiento en el mundo separó las tradiciones europeas de la pintura, la escultura y la arquitectura de las colonias en América, África y Asia. Finalmente, el contacto de Europa en el comercio y otros aspectos con el resto del mundo, permitió la importación de artículos de lujo no europeos, con los valores estéticos y artes del oeste, así como de artistas occidentales de las colonias, que gradualmente vino a influir, de diversas maneras, en el curso del arte europeo.

¿Cómo se desarrolló la Pintura Europea?

La pintura Europea, se fue desarrollando de manera simultánea con la expansión y el establecimiento del continente europeo en diferentes períodos. Teniendo como base la influencia de Grecia y Roma. A continuación se presenta una breve descripción de cada período.

La pintura más antigua que se conoce de Europa, se encuentra en las diversas cavernas y data de unos 40.800 años. También se realizó la pintura de la roca en los acantilados, pero muy pocas han sobrevivido debido a la erosión. Un ejemplo bien conocido es la pintura de la roca de Astuvansalmi en el área de Saimaa de Finlandia. Cuando Marcelino Sanz de Sautuola encontró por primera vez las pinturas magdalenienses de la cueva de Altamira, Cantabria, España en 1879, los académicos de la época las consideraban bulos. Sin embargo, las revalorizaciones recientes de estos numerosos descubrimientos ya han demostrado su autenticidad, mientras que al mismo tiempo estimulan el interés en el arte de los pueblos del Paleolítico superior. Igualmente, todas estas pinturas rupestres, fueron realizadas con las herramientas más rudimentarias, como también, han proporcionado información valiosa sobre la cultura y creencias de la época (ver la pintura prehistórica).

Los palacios minoicos son los más representativos de este período y eran ricamente decorados. Por lo tanto, la pintura minoica era única ya que utiliza técnicas de fresco húmedo; que se caracteriza por la pequeña cintura, fluidez y vitalidad de las figuras y porque fue enriquecido con la elasticidad, espontaneidad, y la vitalidad de los colores de alto contraste.

Casi todos los retratos pintados que sobrevivieron desde el mundo antiguo son una gran cantidad de retratos de bustos de ataúd, formas antiguas encontradas en la tardía antigüedad en el cementerio Al-Fayum. Estos retratos dan una idea de la calidad que debe haber tenido el trabajo antiguo más fino. Un número muy pequeño de miniaturas de antiguos libros ilustrados también sobreviven y un número algo mayor de copias de los mismos, datan de la época Medieval temprana. Igualmente se cree que el temprano arte cristiano surgió del arte romano popular y más tarde Imperial, adaptando su iconografía de estas fuentes.

La pintura que más sobrevivió de la época Medieval era religiosa, a menudo financiada por los iglesia, contratada por encargo de poderosos individuos eclesiásticos como obispos, grupos comunales como abadías, o ricos mecenas seculares. Mucha de esta pintura tenían una función litúrgica específica reflejada en las cruces y bases porta cruces retablos, por ejemplo.

Una de las cuestiones centrales sobre el Arte Medieval se refiere a su falta de realismo. Una gran cantidad de conocimiento de la perspectiva en el arte y la comprensión de la figura humana se perdió con la caída de Roma. Pero el realismo no era la principal preocupación de los artistas medievales. Simplemente estaban tratando de enviar un mensaje religioso, una tarea que demandaba imágenes icónicas claras. Igualmente, en este período resalta el arte anglosajón que es el arte de Inglaterra después del período Insular. Destacando la pintura de los manuscritos iluminados que contienen casi toda la pintura sobreviviente de la época.

El arte románico se refiere al período de cerca de 1000, al surgimiento del arte gótico en el siglo XII. Este fue un período de creciente prosperidad y el primero en ver un estilo coherente en toda Europa, de Escandinavia a Suiza. Este arte románico fue vigoroso y directo, originalmente las pinturas eran de colores llamativos y a menudo es muy sofisticadas.

El renacimiento se caracteriza por un enfoque en las artes de la antigua Grecia y Roma, que condujo a muchos cambios en los aspectos técnicos de la pintura y escultura, así como a sus materiales.

Comenzó en Italia, un país rico en patrimonio romano, así como prosperidad material para los artistas. Durante el renacimiento, los pintores comenzaron a realzar el realismo de su trabajo mediante el uso de nuevas técnicas en perspectiva, representas en tres dimensiones más auténtica y definidas. Igualmente, los artistas también comenzaron a utilizar nuevas técnicas en la manipulación de la luz y la oscuridad, como el contraste del tono evidente en muchos de los retratos de Tiziano y en el desarrollo de sfumato y claroscuro por Leonardo da Vinci.

A finales del siglo XIII y principios del siglo XIV, gran parte de la pintura en Italia era Bizantina, los pintores realizaron sus obras basados en la observación de la naturaleza. Igualmente, otros pintores del siglo XIV fomentaron el estilo gótico de gran elaboración y detalle. Entre estos pintores destacan Simone Martini y Gentile da Fabriano. No obstante, en los países bajos, la técnica de pintura en aceite en vez de témpera, condujo a una forma de elaboración que no era dependiente en la aplicación de la hoja de oro y en relieve, sino en la representación minuciosa de la naturaleza. Igualmente, floreció el arte de las texturas de la pintura con el gran realismo evolucionado en este tiempo.

La Pintura renacentista temprana de los flamencos fue desarrollada (pero no estrictamente inventada), con la técnica de la pintura al óleo para permitir un mayor control en el detalle en el realismo. Los mejores trabajos se reportan en los manuscritos iluminados y en las pinturas de panel. Igualmente, existe otro grupo de pintores que utilizan los temas religiosos en sus pinturas, combinándolos con fantasías grotescas, coloridas imágenes y leyendas populares campesinas. Sus pinturas reflejan a menudo la confusión y la angustia asociada a los finales de la edad media.

En el arte europeo, el clasicismo renacentista generó dos movimientos diferentes: el manierismo y el barroco. El manierismo, es una reacción contra la perfección idealista del clasicismo, que se evidencia en las obras por el empleo de la distorsión de marcos espaciales y luz para acentuar el contenido emocional de la pintura y las emociones del pintor. De la misma manera, el arte barroco tomó la representación del renacimiento y la llevó a nuevas alturas, destacando el detalle, el movimiento, la luz y el drama en su búsqueda de la belleza.

El arte barroco se ve a menudo como parte de la contrarreforma, el elemento artístico del renacimiento de la vida espiritual en la iglesia católica romana. Además, el énfasis del arte barroco es visto como absolutista en la naturaleza. Los temas religiosos y políticos fueron ampliamente explorados en el contexto artístico barroco y las pinturas y esculturas se caracterizaron por un fuerte elemento de drama, emoción y teatralidad.

En este sentido, un arte algo diferente fue desarrollado fuera de las tradiciones realistas del norte en la pintura de la época de oro holandesa del siglo XVII, que tenía muy poco de arte religioso y poca pintura de historia, en cambio jugó un papel crucial en el desarrollo de géneros seculares de naturaleza muerta, el género de las pinturas de escenas cotidianas y la pintura del paisaje.

Durante la edad de oro, en el siglo XVII, los pintores holandeses crearon un cuerpo substancial de arte marino, pinturas del mar, que representa las batallas navales, flotas grandes, buques específicos de envío diario y comercio. De igual manera, se hacen representaciones heroicas de la flota holandesa con su buque insignia, el Eendracht. Estas pinturas históricas de las batallas del mar con el español y el inglés, volviendo a las flotas de las Indias orientales y grandes naves de batalla eran extremadamente populares entre los clientes y las instituciones públicas en los países bajos, que reflejaron y promovieron el orgullo holandés naval y la preeminencia comercial.

De manera similar, los británicos glorificaban su imperio en murales, con pinturas de historia, con artesanos incluso reales. En la casa del Comisario de la Real Armada en el astillero de Chatham existe una gran pintura en el techo de la escalera principal, que se completó alrededor del 1705. Esta pintura muestra a Marte recibiendo una corona de conchas de Neptuno, mientras que en el primer plano se visualizan figuras de pie que simbolizan paz, abundancia, la justicia y la caridad. La figura de un majestuoso Neptuno fue significativa para los espectadores de la época porque era un símbolo de la maestría de la Armada Real del mar. Más de un siglo más tarde, en la residencia de la Reina Victoria (1819-1901) en la isla de Wight, en la casa de Osborne, también se tenía un fresco alegórico sobre la escalera principal. Igualmente, el Neptuno de William Dyce, el imperio de los mares de Britania (1847) revela la figura de la Britania, recibiendo la corona del mar de Neptuno. Britania y el imperio marítimo de Gran Bretaña, también es acompañada por tres figuras que se produjeron y fueron beneficio del imperio global: la industria, el comercio y la navegación.

A partir de mediados del siglo XVIII, los británicos crean la pintura de la historia imperial, una tradición que retrató y glorificó los eventos grandes y simbólicos de la creación del imperio británico. Existen además otras obras tales como, la muerte del General Benjamin West (1770), de Arthur William Devis, la muerte de Nelson (1805), y la muerte del General Gordon (1844-1925), Jartum, 1885 por G. W. Joy, que recrearon el culto al heroísmo y glorificaron el imperio británico. Igualmente, el Rey Jorge III (1738-1820) por ejemplo, tenía los mejores artesanos de Inglaterra haciéndose de los más notables entrenadores reales en la edad de los vehículos tirados por caballos. Así, su coche de cuatro toneladas colosal rematado por tres querubines dorados simboliza los reinos británicos Ingleses, de Escocia e Irlanda.

En el siglo XVIII, sin embargo, la pintura barroca estaba cayendo en una manera que muchos consideran demasiado melodramática y triste. Por lo que, fue convertida por un grupo de artistas en el rococó, el cual surgió en Francia. Este arte rococó era más elaborado que el barroco, por lo que, las pinturas eran más lúdicas y menos serias. Así, mientras el barroco utilizó colores ricos, fuertes, el rococó cambió a tonos pálidos y cremosos. El movimiento artístico ya no coloca el énfasis en la política y la religión, sino que se centra en cambio, en temas más ligeros como el romance, la celebración y el reconocimiento de la naturaleza. Igualmente, el arte rococó también contrasta con el barroco porque se negó a la simetría en favor de diseños asimétricos. Además, buscó la inspiración en las formas artísticas y la ornamentación del extremo Oriente, y Asia, dando por resultado el realce de las figuras de porcelana y las series chinas en general.

A lo largo del siglo XVIII, se creó un movimiento contra el rococó que surgió en diferentes partes de Europa, conocido como el neoclasicismo. Este movimiento buscaba cambiar la percibida superficialidad y frivolidad del arte rococó y deseaba un retorno a la simplicidad, orden y puritanismo de la antigüedad clásica, especialmente de la antigua Grecia y Roma. El movimiento fue influenciado en parte también por el renacimiento, que a su vez, fue influenciado fuertemente por el arte clásico. De igual manera, el Neoclasicismo fue el componente artístico del movimiento intelectual conocido como la ilustración. Así esta tendencia de la ilustración era idealista y pone su énfasis en la objetividad, la razón y la verdad empírica. Por lo que, el Neoclasicismo llegó a extenderse en toda Europa durante el siglo XVIII. Por lo tanto, lo que caracteriza a la pintura neoclásica es el énfasis en el orden, la simetría y la sencillez clásica. Los temas comunes en el arte neoclásico incluyen el valor y la guerra, tomado igualmente del arte griego y romano antiguo.

El Romanticismo surgió como un movimiento de artistas en rechazo a las ideas de la ilustración y la estética de los neoclásicos. Por lo tanto, el romanticismo rechazó el carácter altamente objetivo y ordenado del neoclasicismo y optó por un enfoque más individual y emocional a las artes. En la pintura del romanticismo se coloca énfasis en la naturaleza, especialmente cuando se pretende retratar el poder y la belleza de la naturaleza y las emociones. Por lo que buscaba un acercamiento muy personal al arte. De allí que el arte romántico tomó como tema de las pinturas, el sentimiento individual, con temas poco comunes. De tal manera, que la pintura romántica utiliza los colores para expresar sentimientos y emociones.

La mayoría de los artistas intentaron tomar un enfoque que adoptó diferentes características de los estilos neoclásico y romántico, con el fin de sintetizarlos. Los diferentes intentos tuvieron lugar dentro de la Academia francesa y colectivamente se llama arte académico. Tanto la pintura como los otros tipos de arte, eran ahora enseñados en las Escuelas de Arte en Europa. Una de estas primeras escuelas de Arte fue la de Italia, que se estableció en 1583. Luego, se creó otra Escuela de Arte, en Haarlem Holanda, bajo Karel Van Manda (1548-1606). En Francia, la primera escuela de arte la "Académie Royale de Peinture et de Sculpture", fundada en París en 1648 gracias a los esfuerzos de un grupo de pintores y escultores.

En el siglo XIX Europa, se vio radicalmente alterada por la industrialización. La pobreza, la miseria y la desesperación fueron el destino de la nueva clase obrera creada por la "revolución". En respuesta a estos cambios en la sociedad, surgió el movimiento del realismo. El Realismo intentó retratar exactamente las condiciones y dificultades de los pobres con la esperanza de cambiar la sociedad. En contraste con el romanticismo, que era esencialmente optimista sobre la humanidad, el realismo ofrece una visión cruda de la pobreza y la desesperación. Del mismo modo, mientras que el romanticismo glorifica la naturaleza, el realismo retrató la vida en las profundidades de un terreno baldío urbano.

En este sentido la pintura objetiva, porque no intenta embellecer la realidad. Representa la vida cotidiana en el campo, en la ciudad, la intimidad, el paisaje o el trabajo, con minuciosidad. Se le da una connotación de "feísmo", por no buscar la belleza en las pinturas sino representar la vida diaria de los trabajadores y campesinos. Por lo tanto, se despoja al cuadro de los convencionalismos o de cualquier tipo de idealización. En la contemporaneidad, el único tema digno de ser representado es el mundo coetáneo del artista.

De la ética naturalista del realismo surgió un importante movimiento artístico, el Impresionismo . Los impresionistas fue pioneros en el uso de la luz en la pintura cuando intentaban capturar la luz vista desde el ojo humano.

Después de los impresionistas, vino el fauvismo, considerado el primer género "moderno" de pintura y arte. Tal como los impresionistas revolucionaron la luz, así que los fauvistas repensaron el color, al pintar sus lienzos en tonos brillantes, salvajes. Después de los fauvistas, el arte moderno se comenzó a desarrollar en todas sus formas, que van desde el expresionismo, preocupado con la emoción evocadora a través de obras de arte objetivas, el cubismo, el arte de la transposición de una realidad tridimensional sobre un lienzo plano, al arte abstracto. Estas nuevas formas de pintura y arte, llevaron a los límites las nociones tradicionales de la pintura y el arte en general, que se correspondió con los rápidos cambios similares que se estaban produciendo en la sociedad humana, la tecnología y el pensamiento.

¿Cuál es la importancia de la Pintura Europea?

En el marco del arte moderno, en la pintura se anuncian varias características de lo que posteriormente sería definido como pintura postmoderna, dentro de la corriente del arte posmoderno. De hecho, en la pintura se produce una especie de fusión entre los movimientos del arte moderno y postmoderno, tal es el caso del arte pop. Así, la pintura desde el arte posmoderno, por ejemplo, pone un fuerte énfasis en la ironía, la parodia y el humor en general. Se evidencia mucho más en las pinturas lo abstracto y se experimenta con diferentes texturas y tendencias. Así, en el arte postmodernista se nota una especie de confusión entre las altas y Bellas Artes, derivada del arte de gama baja y comercial. En consecuencia, se produce una especie de desenfoque del arte moderno que comienza a experimentar con novedades, caracterizadas por una significativa expansión de lo que puede ahora ser considerado como arte, en términos de materiales, medios, actividad y concepto. De allí que el arte conceptual en particular haya tenido una amplia influencia.

¿Cuál es el legado de la Pintura Europea?

En la pintura Europea, los artistas estudiaron el color y la atmósfera con profundidad y estos artistas forman parte en su mayoría del movimiento de los pintores impresionistas. Este hecho fue propiciado por distintos factores circunstanciales a los que los artistas de épocas previas no tuvieron acceso. Este hecho permitió a los impresionistas un profundo estudio del color y la atmósfera, que se encuentra en el libro de la teoría del color de Johan Von Goethe, lo que dejó a distintos físicos y filósofos de la época fascinados, y provocó que dicha información se extendiera, permitiendo que surgieran otras teorías paralelas y comentarios. Tales temas serían una importante influencia para la pintura impresionista, cuyos pintores entablaron largas conversaciones sobre la naturaleza del color y su utilidad para el abordaje de sus pinturas.

Los impresionistas se apropiaron de la teoría del color debido a que ello les permitió analizar con precisión la naturaleza del color en el paisaje. De esta forma fueron liberados de la necesidad de la imitación fiel.

En la pintura Europea, existen artistas que marcaron el rumbo y lideraron lo que sería este arte en los tiempos por venir. Uno de esos pintores clave fue Gauguin. Los logros artísticos de Gauguin, en sus armonías de color vibrante, cálido y las radicalmente decorativas superficies aplanadas tuvieron un enorme impacto (en el canon occidental), influyendo en todo el mundo, en pintores desde Bonnard a Picasso y Matisse. Por lo tanto, su movimiento del impresionismo hacia un estilo más narrativo, personal, expresionista abrió la puerta a más materias y campos en otros pintores.

¿Cuáles son los principales Pintores Europeos?

El máximo representante del renacimiento fue Leonardo Da Vinci. También otros pintores de importancia en la pintura Europea fueron Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que Pietro Cavallini en Roma era más gótico en estilo. En 1290 Giotto empezó a pintar de una manera menos tradicional y más basado en la observación de la naturaleza. Así, su famoso ciclo en la capilla de los Scrovegni, Padua, es visto como el comienzo del estilo renacentista.

Los Pintores holandeses como Jan van Eyck o Hugo van der Goes llegaron a tener gran influencia en la pintura del gótico tardío y renacimiento temprano. Por su parte, Jan van Eyck, (1366-1441) fue una figura en el movimiento de los manuscritos iluminados y la pintura a panel. Igualmente, Hieronymus Bosch (1450? -1516), fue un pintor holandés, figura importante en el renacimiento del norte. De igual manera, Albrecht Dürer había introducido el estilo del renacimiento italiano a Alemania a finales del siglo XV y habría dominado el arte del renacimiento alemán.

La obra de El Greco es un ejemplo particularmente claro del manierismo en la pintura de finales del siglo XVI e inicios del siglo XVII.

En el ámbito del arte barroco, tal vez los pintores barrocos más conocidos son Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens y Diego Velázquez.

Por otra parte, entre los más grandes artistas románticos conocidos fueron Eugène Delacroix, Francisco Goya, J.M.W. Turner, John Constable, Caspar David Friedrich, Thomas Cole y William Blake. Igualmente, Adolphe William Bouguereau es considerado un ejemplo principal de la pintura académica.

Por su parte, Edgar Degas, Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro y Pierre-Auguste Renoir, fueron todos involucrados en el movimiento impresionista. Por lo que, como consecuencia directa del impresionismo vino el desarrollo del post impresionismo. Así, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat son los postimpresionistas más conocidos.

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La Pintura Europea, definición y desarrollo agosto 2021

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Una de las características de los imperios premodernos del mundo era su tendencia a asimilar las culturas de las civilizaciones más avanzadas que conquistaron. Los imperios europeos de la edad moderna, por el contrario, han mostrado poco interés y apreciación por las culturas y artes de los pueblos sujetos y, también del resto del mundo.

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Museo Europeo de Arte Moderno -  Barcelona

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El arte norteamericano se caracteriza por el contraste, la fusión y la hibridación.

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Los 10 cuadros más importantes de la historia

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La historia del arte asiático o del arte oriental incluye una amplia gama de influencias de diversas culturas y religiones. El arte chino, el arte indio, el arte coreano y el arte japonés tuvieron influencia significativa en el arte occidental y, viceversa.

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Arte asiático – HiSoUR Arte Cultura Historia

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La historia del arte asiático o del arte oriental incluye una amplia gama de influencias de diversas culturas y religiones. Los desarrollos en el arte asiático históricamente son similares a los del arte occidental, en general unos siglos antes. El arte chino, el arte indio, el arte coreano y el arte japonés tuvieron influencia significativa en el arte occidental y, viceversa. El arte del Cercano Oriente también tuvo una influencia significativa en el arte occidental. Excluyendo el arte prehistórico, el arte de Mesopotamia representa las formas más antiguas de arte asiático.

Arte budista
El arte budista se originó en el subcontinente indio en los siglos posteriores a la vida del Buda Gautama en los siglos VI al V aC, antes de evolucionar a través de su contacto con otras culturas y su difusión por el resto de Asia y el mundo. El arte budista viajó con creyentes a medida que el dharma se difundía, se adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país anfitrión. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia Central y hacia el este de Asia para formar la rama norte del arte budista, y hacia el este hasta el sudeste asiático para formar la rama sur del arte budista. En la India, el arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú, hasta que el budismo casi desapareció en la India alrededor del siglo X EC debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo.

Un dispositivo visual común en el arte budista es el mandala. Desde la perspectiva de un espectador, representa esquemáticamente el universo ideal. En varias tradiciones espirituales, los mandalas se pueden emplear para enfocar la atención de los aspirantes y adeptos, una herramienta de enseñanza espiritual, para establecer un espacio sagrado y como una ayuda para la meditación y la inducción del trance. Su naturaleza simbólica puede ayudar a "acceder a niveles progresivamente más profundos del inconsciente, ayudando finalmente al meditador a experimentar un sentido místico de unidad con la unidad última de la cual surge el cosmos en todas sus múltiples formas". El psicoanalista Carl Jung vio el mandala como "una representación del centro del ser inconsciente", y creyó que sus pinturas de mandalas le permitieron identificar los trastornos emocionales y trabajar hacia la integridad en la personalidad.

Arte de Bhután
El arte de Bhután es similar al arte de Tíbet. Ambos se basan en el Budismo Vajrayana, con su panteón de seres divinos.

Las principales órdenes del budismo en Bhután son Drukpa Kagyu y Nyingma. La primera es una rama de la Escuela Kagyu y es conocida por pinturas que documentan el linaje de maestros budistas y los 70 Je Khenpo (líderes del establecimiento monástico bhutanes). La orden Nyingma es conocida por las imágenes de Padmasambhava, a quien se le atribuye la introducción del budismo en Bhután en el siglo VII. Según la leyenda, Padmasambhava escondió tesoros sagrados para futuros maestros budistas, especialmente Pema Lingpa, para encontrarlos. Los buscadores de tesoros (tertön) también son sujetos frecuentes del arte Nyingma.

Arte camboyano
El arte camboyano y la cultura de Camboya han tenido una historia rica y variada que data de muchos siglos y ha sido muy influenciada por la India. A su vez, Camboya influyó mucho en Tailandia, Laos y viceversa. A lo largo de la larga historia de Camboya, una gran fuente de inspiración fue la religión. Durante casi dos milenios, los camboyanos desarrollaron una creencia Khmer única a partir del sincretismo de las creencias animistas indígenas y las religiones indias del budismo y el hinduismo. La cultura y la civilización de la India, incluido su lenguaje y sus artes, llegó al sudeste de Asia continental alrededor del siglo I d. En general, se cree que los comerciantes marinos trajeron las costumbres y la cultura india a los puertos a lo largo del golfo de Tailandia y el Pacífico mientras comerciaban con China. El primer estado en beneficiarse de esto fue Funan. En varias ocasiones, la cultura de Camboya también absorbió elementos de las culturas javanesas, chinas, laosianas y tailandesas.

arte chino
El arte chino (chino: 中國 藝術 / 中国 艺术) ha variado a lo largo de su historia antigua, dividido en períodos por las dinastías reinantes de China y la tecnología cambiante. Diferentes formas de arte han sido influenciadas por grandes filósofos, maestros, figuras religiosas e incluso líderes políticos. El arte chino abarca bellas artes, artes populares y artes escénicas. El arte chino es arte, ya sea moderno o antiguo, que se originó o se practica en China o por artistas o ejecutantes chinos.
En la dinastía Song, la poesía estaba marcada por una poesía lírica conocida como Ci (詞) que expresaba sentimientos de deseo, a menudo en una persona adoptada. También en la dinastía Song, aparecieron pinturas de expresión más sutil de paisajes, con contornos borrosos y contornos de montañas que transmitían distancias a través de un tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. Fue durante este período que, en la pintura, se hizo hincapié en los elementos espirituales más que en los emocionales, como en el período anterior. Kunqu, la forma más antigua existente de ópera china desarrollada durante la dinastía Song en Kunshan, cerca de lo que hoy es Shanghai. En la dinastía Yuan, la pintura del pintor chino Zhao Mengfu (趙孟頫) influyó mucho en la pintura paisajística china posterior, y la ópera de la dinastía Yuan se convirtió en una variante de la ópera china que continúa hoy en día como la ópera cantonesa.

Arte indio
El arte indio se puede clasificar en períodos específicos, cada uno reflejando ciertos desarrollos religiosos, políticos y culturales. Los ejemplos más antiguos son los petroglifos como los encontrados en Bhimbetka, algunos de ellos datan de antes del 5500 aC La producción de tales obras continuó durante varios milenios. Ejemplos posteriores incluyen los pilares tallados de Ellora, estado de Maharashtra. Otros ejemplos son los frescos de Ajanta y Ellora Caves.

Períodos específicos:

Hinduismo y budismo de la época antigua (3500 aC - presente)
Ascendencia islámica (712-1757 CE)
El período colonial (1757-1947)
Independencia y el período poscolonial (Post-1947)
Arte moderno y posmoderno en India
Una de las formas de arte más populares en India se llama Rangoli. Es una forma de decoración con pintura de arena que utiliza polvo y colores blancos finamente triturados, y se usa comúnmente fuera de las casas en la India.

Las artes visuales (escultura, pintura y arquitectura) están estrechamente interrelacionadas con las artes no visuales. Según Kapila Vatsyayan, "la arquitectura india clásica, la escultura, la pintura, la literatura (kaavya), la música y la danza desarrollaron sus propias reglas condicionadas por sus respectivos medios, pero compartieron entre sí no solo las creencias espirituales subyacentes de la religión filosófica india. mente, sino también los procedimientos mediante los cuales las relaciones del símbolo y los estados espirituales se elaboraron en detalle ".

La comprensión de las cualidades únicas del arte indio se logra mejor mediante la comprensión del pensamiento filosófico, la amplia historia cultural, los antecedentes sociales, religiosos y políticos de las obras de arte.

Arte indonesio
El arte y la cultura de Indonesia han sido moldeados por la larga interacción entre las costumbres indígenas originales y las múltiples influencias extranjeras. Indonesia es central a lo largo de antiguas rutas comerciales entre el Lejano Oriente y Medio Oriente, lo que resulta en muchas prácticas culturales fuertemente influenciadas por una multitud de religiones, incluyendo el hinduismo, el budismo, el confucianismo y el Islam, todas fuertes en las principales ciudades comerciales. El resultado es una mezcla cultural compleja muy diferente de las culturas indígenas originales. Indonesia no es conocida por sus pinturas, aparte de las intrincadas y expresivas pinturas de Bali, que a menudo expresan escenas naturales y temas de las danzas tradicionales.

Arte balinés
El arte balinés es arte de origen hindú-javanés que surgió del trabajo de los artesanos del Reino Majapahit, con su expansión a Bali a fines del siglo XIII. Desde el siglo XVI hasta el siglo XX, el pueblo de Kamasan, Klungkung (este de Bali), fue el centro del arte balinés clásico. Durante la primera parte del siglo XX, se desarrollaron nuevas variedades de arte balinés. Desde finales del siglo XX, Ubud y sus pueblos vecinos establecieron una reputación como el centro del arte balinés. Ubud y Batuan son conocidos por sus pinturas, Mas por sus tallados en madera, Celuk por oro y orfebres, y Batubulan por sus tallas en piedra. Covarrubias describe el arte balinés como "... un arte popular barroco muy desarrollado, aunque informal, que combina la vivacidad campesina con el refinamiento del clasicismo de Java hindú, pero libre del prejuicio conservador y con una nueva vitalidad disparada por la exuberancia del espíritu demoníaco del primitivo tropical ". Eiseman señaló correctamente que el arte balinés en realidad está tallado, pintado, tejido y preparado en objetos destinados para el uso diario en lugar de objetos de arte.

arte japonés
El arte y la arquitectura de Japón son obras de arte producidas en Japón desde los comienzos de la habitación humana allí, en algún momento del siglo X aC hasta el presente. El arte japonés abarca una amplia gama de estilos de arte y medios, incluida la alfarería antigua, la escultura en madera y bronce, la pintura en tinta sobre seda y papel, y una miríada de otros tipos de obras de arte; desde la antigüedad hasta el siglo XXI contemporáneo.

La forma de arte adquirió gran popularidad en la cultura metropolitana de Edo (Tokio) durante la segunda mitad del siglo XVII, originada con las obras de un solo color de Hishikawa Moronobu en la década de 1670. Al principio, solo se usaba tinta de la India, luego algunas impresiones se coloreaban manualmente con un pincel, pero en el siglo XVIII, Suzuki Harunobu desarrolló la técnica de impresión policroma para producir nishiki-e.

La pintura japonesa (画 画 Kaiga) es una de las más antiguas y más refinadas de las artes japonesas, y abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Al igual que con la historia de las artes japonesas en general, la historia de la pintura japonesa es una larga historia de síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas.

Los orígenes de la pintura en Japón datan del período prehistórico de Japón. Se pueden encontrar figuras simples de palitos y diseños geométricos en la cerámica del período de Jōmon y campanas de bronce dōtaku del período Yayoi (300 a. C. - 300 d. C.). Se han encontrado pinturas murales con diseños geométricos y figurativos en numerosos túmulos del período Kofun (300-700 dC).

La escultura japonesa antigua se derivaba principalmente de la adoración de ídolos en el budismo o los ritos animistas de la deidad sintoísta. En particular, la escultura entre todas las artes se centró más firmemente alrededor del budismo. Los materiales utilizados tradicionalmente son el metal, especialmente el bronce, y, más comúnmente, la madera, a menudo laqueada, dorada o pintada de vivos colores. Hacia el final del período Tokugawa, tal escultura tradicional, a excepción de las obras miniaturizadas, había desaparecido en gran parte debido a la pérdida del mecenazgo de los templos budistas y la nobleza.

Ukiyo, que significa "mundo flotante", se refiere a la impetuosa cultura joven que floreció en los centros urbanos de Edo (la actual Tokio), Osaka y Kyoto, que eran un mundo en sí mismos. Es una alusión irónica al término homófono "Mundo Doloroso" (憂 き,), el plano terrenal de la muerte y el renacimiento del cual los budistas buscaban la liberación.

Arte coreano
El arte coreano se caracteriza por sus tradiciones en cerámica, música, caligrafía, pintura, escultura y otros géneros, a menudo marcados por el uso de colores vivos, formas naturales, formas y escalas precisas y decoración de superficies.

Si bien existen diferencias claras y distintivas entre tres culturas independientes, existen similitudes e interacciones significativas e históricas entre las artes de Corea, China y Japón.

Arte contemporáneo en Corea: el primer ejemplo de pintura al óleo de estilo occidental en el arte coreano fue en los autorretratos del artista coreano Ko Hu i-dong (1886-1965). Solo tres de estas obras aún permanecen hoy. estos autorretratos imparten una comprensión del medio que se extiende mucho más allá de la afirmación de la diferencia estilística y cultural. a principios del siglo XX, la decisión de pintar con óleo y lienzo en Corea tenía dos interpretaciones diferentes. Uno de ellos es un sentido de la iluminación debido a las ideas occidentales y los estilos artísticos. Esta iluminación deriva de un movimiento intelectual de los siglos XVII y XVIII. Ko había estado pintando con este método durante un período de la anexión de Japón a Corea. Durante este tiempo, muchos afirmaron que su arte podría haber sido político, sin embargo, él mismo afirmó que era un artista y no un político. Ko afirmó: "Mientras estaba en Tokio, sucedió algo muy curioso. En ese momento había menos de cien estudiantes coreanos en Tokio. Todos estábamos bebiendo el aire nuevo y emprendiendo nuevos estudios, pero hubo algunos que se burlaron de mí. opción de estudiar arte. Un amigo cercano dijo que no era correcto que estudiara pintura en un momento como este ".

La cerámica coreana fue reconocida ya en 6000 aC Esta cerámica también se conoce como alfarería con diseño de peine debido a las líneas decorativas talladas en el exterior. las primeras sociedades coreanas dependían principalmente de la pesca. Por lo tanto, usaron la cerámica para almacenar pescado y otras cosas recolectadas del océano, como los mariscos. La cerámica tenía dos principales distinciones regionales. Los de la costa este tienden a tener una base plana, mientras que la cerámica en la costa sur tenía una base redonda.

Arte laosiano
El arte laosiano incluye cerámica, escultura budista lao y música laosiana.

Las esculturas budistas de Laos se crearon en una gran variedad de materiales, incluidos oro, plata y, con mayor frecuencia, bronce. El ladrillo y mortero también era un medio utilizado para imágenes colosales, una famosa de estas es la imagen de Phya Vat (siglo 16) en Vientiane, aunque una renovación alteró por completo la apariencia de la escultura, y ya no se parece a un Buda Lao . La madera es popular para imágenes budistas pequeñas y votivas que a menudo se dejan en cuevas. La madera también es muy común para imágenes de pie grandes y de tamaño natural del Buda. Las dos esculturas más famosas talladas en piedra semipreciosa son el Phra Keo (El Buda de Esmeralda) y el Phra Phuttha Butsavarat. El Phra Keo, que es probablemente del origen de Xieng Sen (Chiang Saen), está tallado en un sólido bloque de jade. Descansó en Vientiane durante doscientos años antes de que los siameses lo llevaran como botín a fines del siglo XVIII. Hoy sirve como el paladio del Reino de Tailandia, y reside en el Gran Palacio de Bangkok. El Phra Phuttha Butsavarat, como el Phra Keo, también está consagrado en su propia capilla en el Gran Palacio de Bangkok. Antes de que los siameses lo tomaran a principios del siglo XIX, esta imagen de cristal era el paladio del reino de Champassack en Laos.

Muchas bellas esculturas budistas Lao están talladas en las cuevas de Pak Ou. Cerca de Pak Ou (desembocadura del río Ou), el Tham Ting (cueva inferior) y el Tham Theung (cueva superior) están cerca de Luang Prabang, Laos. Son un magnífico grupo de cuevas a las que solo se puede acceder en barco, unas dos horas río arriba del centro de Luang Prabang, y que recientemente se han hecho más conocidas y frecuentadas por turistas. Las cuevas destacan por sus impresionantes esculturas de estilo budista y lao talladas en las paredes de la cueva, y cientos de figuras budistas descartadas dispuestas sobre los pisos y los estantes de las paredes. Los pusieron allí porque sus dueños no deseaban destruirlos, por lo que se hace un viaje difícil a las cuevas para colocar allí su estatua no deseada.

Arte nepalí
La antigua y refinada cultura tradicional de Katmandú, para el caso en todo Nepal, es una reunión ininterrumpida y excepcional del ethos hindú y budista practicado por su gente altamente religiosa. También ha acogido en su seno la diversidad cultural provista por otras religiones como el jainismo, el islam y el cristianismo.

Arte tailandés
El arte y el arte visual tailandeses eran tradicional y principalmente arte budista y real. La escultura era casi exclusivamente de imágenes de Buda, mientras que la pintura se limitaba a la ilustración de libros y decoración de edificios, principalmente palacios y templos. Las imágenes de Buda tailandés de diferentes períodos tienen una serie de estilos distintivos. El arte tailandés contemporáneo a menudo combina elementos tailandeses tradicionales con técnicas modernas.

Las pinturas tailandesas tradicionales mostraban sujetos en dos dimensiones sin perspectiva. El tamaño de cada elemento en la imagen refleja su grado de importancia. La técnica principal de composición es la de distribuir áreas: los elementos principales están aislados unos de otros por transformadores espaciales. Esto eliminó el terreno intermedio, que de otro modo implicaría perspectiva. La perspectiva se introdujo solo como resultado de la influencia occidental a mediados del siglo XIX.

Los temas narrativos más frecuentes para las pinturas fueron o son: las historias de Jataka, los episodios de la vida de Buda, los cielos e infiernos budistas y las escenas de la vida cotidiana.

El período de Sukhothai comenzó en el siglo XIV en el reino de Sukhothai. Las imágenes de Buda del período Sukhothai son elegantes, con cuerpos sinuosos y caras esbeltas y ovales. Este estilo enfatiza el aspecto espiritual del Buda al omitir muchos pequeños detalles anatómicos. El efecto fue mejorado por la práctica común de fundir imágenes en metal en lugar de tallarlas. Este período presenció la introducción de la pose del "Buda que camina".

Los artistas de Sukhothai intentaron seguir las marcas definitorias canónicas de un Buda, tal como se exponen en los textos antiguos de Pali:

La piel es tan lisa que el polvo no puede adherirse a ella;
Piernas como un ciervo;
Muslos como un árbol banyan;
Hombros tan masivos como la cabeza de un elefante;
Brazos redondos como el tronco de un elefante, y lo suficientemente largos como para tocar las rodillas;
Manos como lotos a punto de florecer;
Las puntas de los dedos se volvieron como pétalos;
cabeza como un huevo;
Pelo como aguijones de escorpión;
Chin como una piedra de mango;
Nariz como el pico de un papagayo;
Earlobes alargados por los pendientes de la realeza;
Pestañas como las de una vaca;
Cejas como lazos dibujados.
Sukhothai también produjo una gran cantidad de cerámica vidriada en el estilo Sawankhalok, que se comercializaba en todo el sudeste de Asia.

Arte tibetano
El arte tibetano se refiere al arte del Tíbet y otros reinos actuales y anteriores del Himalaya (Bhután, Ladakh, Nepal y Sikkim). El arte tibetano es, ante todo, una forma de arte sacro, que refleja la influencia primordial del budismo tibetano en estas culturas. El Mandala de arena (Tib: kilkhor) es una tradición budista tibetana que simboliza la naturaleza transitoria de las cosas. Como parte del canon budista, todo lo material se considera transitorio. Un mandala de arena es un ejemplo de esto, ya que una vez que se ha construido y las ceremonias y la observación que lo acompañan están terminadas, se destruye sistemáticamente.

A medida que el budismo Mahayana surgió como una escuela separada en el siglo IV aC, enfatizó el rol de los bodhisattvas, seres compasivos que renuncian a su escape personal al Nirvana para ayudar a otros. Desde un principio, varios bodhisattvas también fueron sujetos de arte estatuario. El budismo tibetano, como descendiente del budismo Mahayana, heredó esta tradición. Pero la presencia dominante adicional del Vajrayana (o tantra budista) puede haber tenido una importancia primordial en la cultura artística. Un bodhisattva común representado en el arte tibetano es la deidad Chenrezig (Avalokitesvara), a menudo retratado como un santo de mil brazos con un ojo en el medio de cada mano, que representa al compasivo que todo lo ve y escucha nuestras peticiones. Esta deidad también puede ser entendida como un Yidam, o "Buda de meditación" para la práctica de Vajrayana.

El budismo tibetano contiene el budismo tántrico, también conocido como Budismo Vajrayana por su simbolismo común del vajra, el rayo de diamantes (conocido en tibetano como el dorje). La mayoría del arte típico budista tibetano se puede ver como parte de la práctica del tantra. Las técnicas de Vajrayana incorporan muchas visualizaciones / imaginaciones durante la meditación, y la mayoría del elaborado arte tántrico se puede ver como ayuda para estas visualizaciones; desde representaciones de deidades meditacionales (yidams) hasta mandalas y todo tipo de implementos rituales.

Un aspecto visual del budismo tántrico es la representación común de deidades iracundas, a menudo representadas con caras enojadas, círculos de fuego o con los cráneos de los muertos. Estas imágenes representan los Protectores (Skt. Dharmapala) y su porte temible oculta su verdadera naturaleza compasiva. En realidad, su ira representa su dedicación a la protección de la enseñanza del dharma, así como a la protección de las prácticas tántricas específicas para evitar la corrupción o la interrupción de la práctica. Son los más importantes utilizados como aspectos psicológicos iracundos que pueden utilizarse para vencer las actitudes negativas del practicante.

Los historiadores notan que la pintura china tuvo una profunda influencia en la pintura tibetana en general. A partir del siglo XIV y XV, la pintura tibetana incorporó muchos elementos de los chinos, y durante el siglo XVIII, la pintura china tuvo un profundo impacto en el arte visual tibetano. Según Giuseppe Tucci, en la época de la dinastía Qing, "se desarrolló entonces un nuevo arte tibetano, que en cierto sentido era un eco provincial del adinerado preciosismo adornado del siglo XVIII chino".

Arte vietnamita
El arte vietnamita proviene de una de las culturas más antiguas de este tipo en la región del sudeste asiático. Una rica herencia artística que data de tiempos prehistóricos e incluye: pintura de seda, escultura, cerámica, cerámica, grabados en madera, arquitectura, música, danza y teatro.

El arte vietnamita tradicional es arte practicado en Vietnam o por artistas vietnamitas, desde la antigüedad (incluidos los elaborados tambores Sơn S )n) hasta el arte de la dominación post-china fuertemente influenciado por el arte budista chino, entre otras filosofías como el taoísmo y el confucianismo. El arte de Champa y el arte francés también jugaron un papel más pequeño más adelante.

La influencia china en el arte vietnamita se extiende a la cerámica vietnamita, la cerámica, la caligrafía y la arquitectura tradicional. Actualmente, las pinturas de laca vietnamita han demostrado ser bastante populares.

La dinastía Nguyễn, la última dinastía gobernante de Vietnam (hacia 1802-1945), vio un renovado interés en la cerámica y el arte en porcelana. Los tribunales imperiales de Asia importaron cerámicas vietnamitas.

A pesar de lo altamente desarrolladas que se desarrollaron las artes escénicas (como la música y la danza de la corte imperial) durante la dinastía Nguyễn, algunos consideran que otros campos de las artes comienzan a declinar durante la última parte de la dinastía Nguyễn.

A partir del siglo XIX, el arte moderno y las influencias artísticas francesas se extendieron a Vietnam. A principios del siglo XX, la Escuela Superior de Bellas Artes de Indochina (Colegio de las Artes de Indochina) se fundó para enseñar métodos europeos y ejerció su influencia principalmente en las ciudades más grandes, como Hanoi y la ciudad de Ho Chi Minh.

Las restricciones de viaje impuestas a los vietnamitas durante el gobierno de 80 años de Vietnam en Francia y el largo período de guerra por la independencia nacional significaron que muy pocos artistas vietnamitas pudieron entrenar o trabajar fuera de Vietnam. Un pequeño número de artistas de orígenes acomodados tuvieron la oportunidad de ir a Francia y hacer sus carreras allí en su mayor parte. Los ejemplos incluyen Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang y Pham Tang.

Los artistas vietnamitas modernos comenzaron a utilizar las técnicas francesas con muchos medios tradicionales como la seda, la laca, etc., creando así una mezcla única de elementos orientales y occidentales.

Caligrafía vietnamita
La caligrafía ha tenido una larga historia en Vietnam, antes usaba caracteres chinos junto con chữ nôm. Sin embargo, la caligrafía vietnamita más moderna usa en su lugar el Qu Romanc Ngữ basado en caracteres romanos, que ha demostrado ser muy popular.

En el pasado, dado que la alfabetización en los antiguos sistemas de escritura basados ​​en el carácter de Vietnam se limitaba a los académicos y las élites, la caligrafía aún desempeñaba un papel importante en la vida vietnamita. En ocasiones especiales como el Año Nuevo Lunar, las personas acudían al maestro o al erudito del pueblo para que hicieran caligrafía colgante (a menudo poesía, refranes populares o incluso palabras sueltas). Las personas que no sabían leer ni escribir a menudo también encargaban a los eruditos que escribieran oraciones para quemar en los templos del templo.

Arte filipino
La identidad filipina nació al mismo tiempo que su creación, principalmente de sus culturas precoloniales / pre-filipinas que se fusionaron con la influencia de los colonizadores y los comerciantes chinos que se funden y evolucionan a su propia identidad clásica filipina. Antes de que Filipinas naciera, era un conjunto dividido de naciones, islas y tribus gobernadas por sus propios reyes sociales, caciques, lacanos, datus, rajás y sultanes. Cada nación tiene su propia identidad y algunas incluso son parte de un Imperio más grande fuera del mapa moderno de lo que hoy es Filipinas, por ejemplo; Manila fue una vez parte del Imperio Bruneano. Otro ejemplo es que muchas partes del día moderno Mindanao se teoriza para ser parte del imperio Majapahit con su capital se encuentra en Java Oriental en la actual Indonesia. El advenimiento de la llegada colonial a las islas comenzó. Las Filipinas de hoy en día, como lo fue durante ese tiempo, se creó lo que ahora es una isla unida de hoy conocida como Filipinas. La influencia china se ha sentido en todo el sudeste asiático a través del comercio, incluso antes de la colonización de la región, específicamente la dinastía Ming y otras dinastías anteriores ya en el siglo IX. Pero fue durante la colonización española cuando se desarrolló la marca de filipino chino moderno en lo que hoy es Filipinas. Estas culturas, fundidas a partir de influencias internas y externas precoloniales, son muy evidentes en las artes y la tradición premoderna de Filipinas. Las pinturas de José Honorato Lozano tienen una clara indicación de influencia oriental y occidental.

Arte de Asia Central
El arte de Asia Central es arte visual creado en Asia Central por la mayoría de los pueblos turcos de la actual Kirguistán, Kazajstán, Uzbekistán, Turkmenistán, Azerbaiyán, Tayikistán, Mongolia, Tíbet, Afganistán, Pakistán y partes de China y Rusia. Las artes de los últimos siglos están influenciadas principalmente por el arte islámico, pero las variadas culturas anteriores fueron influenciadas por el arte de China, Persia y Grecia, así como por el estilo Animal que se desarrolló entre los pueblos nómadas de las estepas. La transmisión del arte de la Ruta de la Seda, el arte escita, el arte greco-budista, el arte serindio y, más recientemente, la cultura Persianate, son parte de esta complicada historia.

Arte de Mesopotamia
El arte de Mesopotamia ha sobrevivido en el registro arqueológico de las primeras sociedades de cazadores-recolectores (siglo X aC) en las culturas de la Edad del Bronce de los imperios sumerio, acadio, babilónico y asirio. Estos imperios fueron reemplazados más tarde en la Edad de Hierro por los imperios Neo-Asirios y Neo-Babilónicos. Ampliamente considerada como la cuna de la civilización, Mesopotamia trajo importantes desarrollos culturales, incluidos los ejemplos más antiguos de la escritura. El arte de Mesopotamia rivalizó con el del Antiguo Egipto como el más grande, sofisticado y elaborado en el oeste de Eurasia desde el cuarto milenio antes de Cristo hasta que el Imperio Aqueménide persa conquistó la región en el siglo VI a. El énfasis principal estaba puesto en varias formas de escultura, muy duraderas, en piedra y arcilla; la pequeña pintura ha sobrevivido, pero lo que sugiere que, con algunas excepciones, la pintura se usó principalmente para esquemas decorativos geométricos y basados ​​en plantas, aunque también se pintaron la mayoría de las esculturas. Los sellos cilíndricos han sobrevivido en grandes cantidades, muchos incluyendo escenas complejas y detalladas a pesar de su pequeño tamaño.

Arte judío
Comparado con la música o el teatro, hay menos de una tradición específicamente judía en las artes visuales. La razón más probable y aceptada es que, como se ha demostrado anteriormente con la música y la literatura judías, antes de la Emancipación, la cultura judía estaba dominada por la tradición religiosa del aniconismo. Como la mayoría de las autoridades rabínicas creían que el Segundo Mandamiento prohibía mucho arte visual que calificaría como "imágenes talladas", los artistas judíos eran relativamente raros hasta que vivieron en comunidades europeas asimiladas a partir de finales del siglo XVIII. Sin embargo, debe tenerse en cuenta que, a pesar de los temores de las primeras comunidades religiosas de que el arte se utilice con fines idólatras, el arte sacro judío se registra en el Tanakh y se extiende a lo largo de la Antigüedad judía y la Edad Media. El Tabernáculo y los dos templos en Jerusalén forman los primeros ejemplos conocidos de "arte judío". Durante los primeros siglos de la Era Común, el arte religioso judío también se creó en regiones cercanas al Mediterráneo como Siria y Grecia, incluyendo frescos en las paredes de las sinagogas, de los cuales la única Sinagoga Dura Europas es la única sobreviviente y las catacumbas judías. en Roma.

arte islámico
El arte islámico abarca las artes visuales producidas desde el siglo VII en adelante por personas que vivían dentro del territorio que estaba habitado o gobernado por poblaciones culturalmente islámicas. Por lo tanto, es un arte muy difícil de definir porque abarca muchas tierras y diversos pueblos durante más de 1.400 años; no es arte específicamente de una religión, o de un tiempo, o de un lugar, o de un solo medio como la pintura. El enorme campo de la arquitectura islámica es el tema de un artículo separado, dejando campos tan variados como caligrafía, pintura, vidrio, cerámica y artes textiles, como alfombras y bordados.

Arte iraní
El arte persa o el arte iraní tiene uno de los patrimonios artísticos más ricos de la historia mundial y ha sido fuerte en muchos medios, entre ellos la arquitectura, la pintura, el tejido, la cerámica, la caligrafía, la metalurgia y la escultura. En diferentes momentos, las influencias del arte de las civilizaciones vecinas han sido muy importantes, y últimamente el arte persa dio y recibió influencias importantes como parte de los estilos más amplios del arte islámico. Este artículo cubre el arte de Persia hasta 1925, y el final de la dinastía Qajar; para el arte posterior, vea el arte moderno y contemporáneo iraní, y para las artesanías tradicionales vea las artes de Irán. El arte rupestre en Irán es su arte más antiguo que ha sobrevivido. La arquitectura iraní está cubierta en ese artículo.

Arte nabateo
El arte nabateo es el arte de los nabateos del norte de Arabia. Son conocidos por la cerámica pintada finamente en macetas, que se dispersó entre el mundo greco-romano, así como las contribuciones a la escultura y la arquitectura nabatea. El arte Nabataean es más conocido por los sitios arqueológicos en Petra, específicamente por monumentos como Al Khazneh y Ad Deir.

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La historia del arte asiático o del arte oriental incluye una amplia gama de influencias de diversas culturas y religiones. Los desarrollos en el arte asiático históricamente son similares a los del arte occidental, en general unos siglos antes. El arte chino, el arte indio, el arte coreano y el arte japonés tuvieron influencia significativa...

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La Expo de arte visual más importante de China concluye en Beijing

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El origen del arte moderno norteamericano - Información (informacion.es)

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Obras de artistas del siglo XVIII al XX como Hopper, Avery, Rothko o Ellsworth Kelly "Yellow with Red Triangle" (en la foto), se exponen desde hoy en la Fundación Miró de Barcelona en una exposición que analiza el movimiento del arte moderno en EEUU a partir de los fondos de la Corcoran Gallery of Art de Washington. EFE

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El origen del arte moderno norteamericano

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La exposición es una invitación a explorar el surgimiento, particular y complejo del arte moderno en EEUU a través de un recorrido por más de un centenar de obras de artistas americanos de entre finales del siglo XIX y finales del XX.

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Historia del arte latinoamericano (slideshare.net)

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Breve relato de la historia del arte conociendo sus orígenes y sus vanguardias artísticas ademas de los tipos de artes que existen en latinoamerica.