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Arturo González Campos, Javier Cansado, Rodrigo Cortés y Juan Gómez-Jurado son Todopoderosos. Cada mes, los cuatro se ponen delante de los micrófonos en el auditorio del Espacio Fundación Telefónica y graban en vivo y en directo un podcast que cuenta con decenas de miles de seguidores.

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Arturo González Campos, Javier Cansado, Rodrigo Cortés y Juan Gómez-Jurado son Todopoderosos. Cada mes, los cuatro se ponen delante de los micrófonos en el a...

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Cuando los cartógrafos del Renacimiento reflejaban en sus mapas una zona jamás pisada por el hombre y, por tanto, seguramente peligrosa, dibujaban una criatura mitológica y escribían debajo: "Hic Sunt Dracones"... AQUÍ HAY DRAGONES.

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Cuando los cartógrafos del Renacimiento reflejaban en sus mapas una zona jamás pisada por el hombre y, por tanto, seguramente peligrosa, dibujaban una criatura mitológica y escribían debajo: "Hic Sunt Dracones": AQUÍ HAY DRAGONES. Un podcast con Arturo González-Campos, Rodrigo Cortés, Juan Gómez-Jurado y Javier Cansado.

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Cowboys de medianoche es un programa dirigido por Luis Herrero en el que, junto a José Luis Garci y Eduardo Torres-Dulce, se habla de cine. Del cine recién estrenado, del que aún está en cartelera, del antiguo y del que puede verse en casa. Aunque este trío habla de lo que le da la real gana, porque su debate puede derivar en una tertulia futbolera, de viajes o de vaya usted a saber qué.

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Luis Herrero habla con José Luis Garci y Eduardo Torres-Dulce del cine de todas las épocas en Cowboys de medianoche.

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Carlos Alsina, Rubén Amón, Rosa Belmonte, Guillermo Altares, JF León y Sergio del Molino hablan sobre cine, música, libros, series y mucho más...

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El programa de la fantasía y la ciencia-ficción. Cine, libros, cómics, series de televisión, manga-anime y videojuegos.

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Escucha y descarga gratis los episodios de La Órbita De Endor - podcast-. El programa de la fantasía y la ciencia-ficción. Cine, libros, cómics, series de televisión, manga-anime y videojuegos. Escucha todos los podcast, conferencias, radios online gratis en tu iphone, android, windows phone y pc. | 13302

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Los 80s y 90s fueron unos años mágicos en los que la llegada y estandarización de los formatos de reproducción de vídeo casero, Vhs y Betamax, creó y cambió los habitos de vida y ocio de varias generaciones que vieron en un negocio creado paralelamente a él la ventana a un mundo de fantasía, aventuras y en ocasiones hasta terror al que solo se podía acceder a través de ese espacio físico al que le guardamos tributo, el Videoclub.

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Los 80s y 90s fueron unos años mágicos en los que la llegada y estandarización de los formatos de reproducción de vídeo casero, Vhs y Betamax, creó y cambió los habitos de vida y ocio de varias generaciones que vieron en un negocio creado paralelamente a él la ventana a un mundo de fantasía, aventuras y en ocasiones hasta terror al que solo se podía acceder a través de ese espacio físico al que le guardamos tributo, el Videoclub.

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Radio y cine... series... músicas... textos... imágenes... En Videodrome revisitamos una película, una serie, una música, un texto, "viendo" por la radio. Una película, una serie, una música, un texto... desde el punto de vista de su argumento, sus diálogos, su letra. Encuadrando la obra en "su tiempo" y en "su significado". Tiempo, espacio, movimiento... Videodrome juega a deconstruir...

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Presentado por: Dirigido por: Gregorio Parra y Sandra Urdín Gregorio Parra

Radio y cine... series... músicas... textos... imágenes... En Videodrome revisitamos una película, una serie, una música, un texto, "viendo" por la radio. Una película, una serie, una música, un texto... desde el punto de vista de su argumento, sus diálogos, su letra. Encuadrando la obra en "su tiempo" y en "su significado". Tiempo, espacio, movimiento... Videodrome juega a deconstruir... En un medio diferente, o no.

Gregorio Parra. Licenciado en Filosofía. Cursos de postgrado: Filosofía Política, Filosofía de la Religión, Estética del Siglo XX y Narrativa Contemporánea y Cinematográfica. Publicaciones: Luckács, político a la fuerza; La Revolución Rusa en la Literatura; Las brigadas internacionales en la Guerra Civil Española; La Gran Conspiración: el cine como imagen de nuestro tiempo. Servicios Informativos de TVE (1980/82). Desde 1983 trabaja en RNE.

Narración: Sandra Urdín
Guión y Realización: Gregorio Parra

Escriba al programa Videodrome: videodrome@rtve.es

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Presentado por: Dirigido por: Gregorio Parra y Sandra Urdín Gregorio Parra Radio y cine... series... músicas... textos... imágenes... En Videodrome revisitamos una película, una serie, una música, un texto, "viendo" por la radio. Una película, una serie, una música, un texto... desde el punto de vista de su argumento, sus diálogos, su letra.

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Un espacio con un protagonismo especial de la música popular contemporánea más innovadora.

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Presentado por: Dirigido por: Tomás Fernando Flores Tomás Fernando Flores

Un espacio con un protagonismo especial de la música popular contemporánea más innovadora. Y también para la tecnología, la creatividad artística, la cultura del entretenimiento, proyectos alternativos, videojuegos, literatura o ecología. Con atención diaria a las ideas de los oyentes y las de los artistas.

Siglo 21 es un programa de Radio 3 dedicado a las nuevas tendencias.

Algunas secciones del programa son El Buzón de Voz (puedes dejar tu mensaje en el 91 346 1021), Contenedores de arte, Computadoras e Internet, Consola, Contacto Interior o La Puerta de Atrás.

Siglo 21 es considerado un programa de referencia. Ha sido galardonado con varios premios tanto por su contenido como por su formato.

Director y presentador: Tomás Fernando Flores

Desde 1982 ha llevado en Radio 3 diversos programas como Zona Reservada, Alta Impedencia o Diario Pop. En TVE ha presentado conciertos, festivales de música y programas como Planeta Rock o Fuera de Serie.

En la prensa escrita colabora en el diario El Mundo y lo ha hecho en publicaciones especializadas de diverso ámbito.

Blog: http://blogs.rtve.es/siglo21/posts

Escriba al programa Siglo 21: siglo21@rtve.es

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Presentado por: Dirigido por: Tomás Fernando Flores Tomás Fernando Flores Un espacio con un protagonismo especial de la música popular contemporánea más innovadora. Y también para la tecnología, la creatividad artística, la cultura del entretenimiento, proyectos alternativos, videojuegos, literatura o ecología. Con atención diaria a las ideas de los oyentes y las de los artistas.

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Programa especializado en Jazz, uno de los principales géneros musicales del siglo XX mirando hacia el futuro.

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Presentado por: Dirigido por: José Miguel López José Miguel López

Discópolis se especializa los fines de semana en Jazz, el principal género musical del siglo XX mirando hacia el futuro. José Miguel López recogió el testigo de Juan Claudio Cifuentes, 'Cifu', el 28 de marzo de 2015. En esta nueva etapa se prima el jazz hecho en España, las novedades discográficas y el recuerdo de temas clásicos interpretados por las figuras mas carismáticas.

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Presentado por: Dirigido por: José Miguel López José Miguel López Discópolis se especializa los fines de semana en Jazz, el principal género musical del siglo XX mirando hacia el futuro. José Miguel López recogió el testigo de Juan Claudio Cifuentes, 'Cifu', el 28 de marzo de 2015.

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Sergio Pagán nos acerca las inmensa riqueza de los cerca de diez siglos de música (siglos VIII al XVIII) que no es frecuente escuchar.

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Presentado por: Dirigido por: Sergio Pagán Sergio Pagán

Con Música Antigua pretendemos mostrar la inmensa riqueza de los cerca de diez siglos de música (desde el siglo VIII al XVIII) que no es muy frecuente escuchar. La música de la Edad Media como la del Renacimiento y del primer Barroco es extraordinariamente variada y atractiva. Por ello los programas son muy diferentes uno del otro. Además cada día dedicamos el programa a un tema (La muerte, los pájaros, Venecia, el Amor, los madrigales..), así que es un reto encontrar músicas referente a esos temas y que cumplan los niveles de indiscutible calidad musical e interpretativa, condición indispensable para ser incluida.

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Presentado por: Dirigido por: Sergio Pagán Sergio Pagán Con Música Antigua pretendemos mostrar la inmensa riqueza de los cerca de diez siglos de música (desde el siglo VIII al XVIII) que no es muy frecuente escuchar. La música de la Edad Media como la del Renacimiento y del primer Barroco es extraordinariamente variada y atractiva.

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Programa especializado en los sonidos de garage, surf, frat rock y sus posteriores revivals, haciendo especial hincapié en la escena actual de estos estilos.

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Presentado por: Dirigido por: Diego RJ Diego RJ Programa especializado en los sonidos de garage, surf, frat rock y sus posteriores revivals, haciendo especial hincapié en la escena actual de estos estilos y los últimos lanzamientos a nivel nacional e internacional.

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Aunque no lo parezca, he venido aquí a hablaros de cine. O al menos, a intentarlo. Aunque en estos momentos tenga unas irreprimibles ganas de llorar. Como Keiko, la camarera protagonista de uno de los primeros largometrajes de Sion Sono, Keiko desu kedo (1997), y apoye las manos en el cristal de la ventana con la esperanza de sentirme un poquito más cerca del exterior. Aunque cuente, como ella, los segundos, los minutos, los días que faltan para que todo esto termine y lo recordemos tan solo como una inoportuna pesadilla.

La realidad se confunde con la ficción y lleva a Arantxa Acosta, que nos presta un nuevo texto compartido con Contrapicado, Culturaca y La Realidad no Existe, de Palahniuk y Gilliam a Adam Sandler, pasando por Star Trek y Neil Jordan

Cuando se anunció el argumento de la que sería la nueva película de Quentin Tarantino fue inevitable aventurar que volvería a modificar los sucesos reales por unos más esperanzadores y amables, con los que, como espectadores y cómplices de lo maravilloso, hemos fabulado de una manera u otra, consciente o inconscientemente.

Todo en Dolor y gloria confluye en ese primer deseo cuya evocación insufla de nuevo la pasión por filmar, de plasmar la pureza de esa mirada infantil con que se contempla, entre extasiado y febril, el cuerpo deseado.

Durante todo el primer tercio del film, Gray se esfuerza por crear un entorno creíble, y épico. Aventuras, cine de espías, acción... Roy es el protagonista perdido en un entorno que no le es afín. Es el hijo del héroe que se ha convertido, también, en admirado astronauta.

Un relato que navega entre la sátira, el suspense y lo social, donde cierto humor negro no desajusta su apocada mirada sobre el mundo actual.

Aunque en una primera instancia no me encajaba en la última parte de su carrera un film de estas características, rápidamente me di cuenta que Martin Scorsese no ha seguido nunca unos patrones muy claros en cuanto a los proyectos que iba poniendo en marcha, toda vez que en realidad, aun siendo un cineasta de mucho prestigio y notable trayectoria, es un auténtico superviviente.

Unas cuántas cosas buenas que podría decir de ella. Otras tantas que se me ocurrirían al hablar de él. ¿Exaltación almibarada de la pareja y su procelosa circunstancia? No, no, espera. Que ya no quieren seguir juntos. Que ya no queda más que el recuerdo desdibujado de lo que nos encandiló, de lo que quiera que nos sedujo del otro.

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Miradas de Cine / Macnulti - Escritos de cine para lectores espectaculares

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Aunque no lo parezca, he venido aquí a hablaros de cine. O al menos, a intentarlo. Aunque en estos momentos tenga unas irreprimibles ganas de llorar. Como Keiko, la camarera protagonista de uno de los primeros largometrajes de Sion Sono, Keiko desu kedo (1997), y apoye las manos en el cristal de la ventana con la esperanza de sentirme un poquito más cerca del exterior.

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Blog de cine

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Dirección: Sidney Lumet Guion: Reginald Rose Reparto: Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, E. G. Marshall, Martin Balsam, Ed Begley Fotografía: Boris Kaufman Duración: 93 Min. En el momento de escribir estas líneas, nos encontramos a las puertas de unos nuevos comicios. España lleva cuatro años sin gobierno estable, y acudimos, en cuestión de [...]

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Dirección: Sidney Lumet Guion: Reginald Rose Reparto: Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, E. G. Marshall, Martin Balsam, Ed Begley Fotografía: Boris Kaufman Duración: 93 Min. En el momento de escribir estas líneas, nos encontramos a las puertas de unos nuevos comicios. España lleva cuatro años sin gobierno estable, y acudimos, en cuestión de [...]

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Conciertos íntimos y personales de artistas de todos los estilos musicales.

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"tiny desk" npr music nprmusic concerts interviews news "tiny desk concert" "studio sessions"

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The official YouTube channel for NPR Music featuring Tiny Desk Concerts, live shows, documentaries and more. Find more at www.npr.org/music

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Revista de cine

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Diario de actualidad musical

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Hace solo unos días que lanzaba al mundo su nuevo disco, Lo que te falta, y ahora a Soleá Morente le faltan otras muchas cosas que no esperaba. Se refugia de la pandemia vírica entre libros y discos, al calor del hogar familiar. Por Arancha Moreno.

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Hace solo unos días que lanzaba al mundo su nuevo disco, Lo que te falta, y ahora a Soleá Morente le faltan otras muchas cosas que no esperaba. Se refugia de la pandemia vírica entre libros y discos, al calor del hogar familiar. Por Arancha Moreno.

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Una de las más completas fuentes de información y documentación cinematográfica

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38 EDICIÓN FESTIVAL DE CINE DE TERROR DE MOLINS DE REI
Tengo que reconocer que desde hace muchos años he tenido una deuda con un certamen al que siempre he querido asistir, pero una u otra circunstancia ha relegado ese acceso pendiente. Unas veces por pereza ('la mandra' catalana), temas familiares o meteorológicas y, las más, por la proximidad con el poderoso Festival de Cinema de Sitges, el cual provoca un cansancio a todos los niveles, ha coartado de alguna manera ese deber como aficionado al cine y al 'fantástico', en particular, a visitarlo. Pues bien, las circunstancias y las cartas astrales se dieron para imbuirme ni que fuera por unos días en tan atípico y bien intencionado Festival. Digo lo de atípico puesto que está gestionado por un grupo de amigos, que se deben a un género (preferentemente, al terrorífico) con total entrega y empatía, con

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38 EDICIÓN FESTIVAL DE CINE DE TERROR DE MOLINS DE REI Tengo que reconocer que desde hace muchos años he tenido una deuda con un certamen al que siempre he querido asistir, pero una u otra circunstancia ha relegado ese acceso pendiente.

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Visita MondoSonoro y conoce todas las noticias sobre música independiente.

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Base de datos de fotogramas casi perfectos

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One Perfect Shot Database | Perfect Movie Frames from Film School Rejects.

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Perfect Movie Frames from Film School Rejects.

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La biblioteca de fotogramas más completa. Puedes acceder a su fondo por diversas categorías o navegando al azar.

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Divulgador de música y tecnología musical, Youtuber, creador de musihacks.com 🎛 🎶 🔊

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Crítica de cine informal pero esmerada

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Archive.org pone a disposición 7.000 juegos ms-dos para emular en tu navegador.

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Software for MS-DOS machines that represent entertainment and games. The collection includes action, strategy, adventure and other unique genres of game and entertainment software. Through the use of the EM-DOSBOX in-browser emulator, these programs are bootable and playable. Please be aware this...

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La historia contemporánea de Europa contada a través del cine

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the filmin times la história contemporánea de europa contada a través del cine

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The Filmin Times La história contemporánea de Europa contada a través del cine

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EAM. Revista independiente de actualidad y análisis cinematográfico. Crítica, festivales, cine clásico, series de televisión y premios Oscars.

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Crítica cinematográfica

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(Texto originalmente publicado en mi libro 'El cine esculpido en 200 películas' https://www.amazon.es/El-cine-esculpido-200-pel%C3%ADculas/dp/8494459678)

A estas alturas de la película, nadie duda ya de que el western, al menos en su vertiente estilística, se reformuló en manos de Sergio Leone cuando el cineasta italiano, que venía de realizar un par de péplums bastante mediocres, decidió llevar a cabo un remake del Yojimbo ( Yôjinbô, 1961) de Akira Kurosawa. A Por un puñado de dólares ( Per un pugno di dollari, 1964) le siguieron La muerte tenía un precio ( Per qualche dollaro in più, 1965) y El bueno, el feo y el malo ( Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), conformándose así la llamada "trilogía del dólar" o "trilogía del hombre sin nombre", que supuso su encumbramiento como director. Sin embargo, su obra maestra llegaría poco después con Hasta que llegó su hora, filme que pretendía ser una especie de summa de todos los grandes westerns de la historia, de ahí que su guión pasara por diversas manos (entre ellas las de los también realizadores Bernardo Bertolucci o Dario Argento) hasta adquirir su forma definitiva.

En C'era una volta il West, Leone extrema todas las constantes formales y narrativas de su cine, desde el estiramiento del tempo de algunas escenas (sirva de ejemplo la secuencia de apertura en la estación de tren, en la que tres forajidos esperan la llegada del personaje de Charles Bronson para acabar con su vida), hasta la coreografía entre sus imágenes y la música de Ennio Morricone, pasando por los movimientos de la cámara, el uso de primeros y primerísimos planos o la concepción operística de la puesta en escena. Henry Fonda, con quien el director quiso pero no pudo contar en su anterior trilogía, hasta entonces arquetipo fílmico del honorable ciudadano estadounidense, interpreta al villano de la función en uno de los mejores trabajos que se le recuerdan. Jason Robards completa el trío de personajes masculinos que tienen como contrapunto de género a una guapísima y voluptuosa Claudia Cardinale: una de esas prostitutas con el corazón de oro, casi siempre anónimas, sobre las que se cimentó el carácter ambicioso y superviviente de la nueva nación norteamericana.

Hasta que llegó su hora, con su mezcla de violencia, lirismo y venganza, es mucho más que un simple western. Es el western definitivo. Casi tres horas de fascinante y continuada lección cinematográfica.

4. Stalker (1979), de Andrei Tarkovsky. Unión Soviética. 163 min.

5. Barry Lyndon (1975), de Stanley Kubrick. Reino Unido/USA/Irlanda. 184 min.

10. Persona (1966), de Ingmar Bergman. Suecia. 85 min.

17. Mulholland Drive (2001), de David Lynch. Francia/USA. 147 min.

26. Gertrud (1964), de Carl Theodor Dreyer. Dinamarca. 116 min.

28. Eyes Wide Shut (1999), de Stanley Kubrick. Reino Unido/USA. 159 min.

31. Apocalypse Now (1979), de Francis Ford Coppola. USA. 153 min.

33. El sur (1983), de Víctor Erice. España/Francia. 95 min.

34. Sátántangó (1994), de Béla Tarr. Hungría/Alemania/Suiza. 450 min.

36. El espíritu de la colmena (1973), de Víctor Erice. España. 97 min.

39. Playtime (1967), de Jacques Tati. Francia/Italia. 124 min.

40. Yi yi (2000), de Edward Yang. Taiwán/Japón. 173 min.

43. Madame de... (1953), de Max Ophüls. Francia/Italia. 105 min.

48. Arrebato (1979), de Iván Zulueta. España. 105 min.

Etiquetado Akira Kurosawa, Albert Serra, Alfred Hitchcock, Andrei Tarkovsky, Ágnes Hranitzky, Béla Tarr, Carl Theodor Dreyer, David Lynch, Edward Yang, Federico Fellini, Francis Ford Coppola, Ingmar Bergman, Isao Takahata, Iván Zulueta, Jacques Becker, Jacques Tati, Jean-Luc Godard, Jean-Pierre Melville, John Ford, Jules Dassin, Kenji Mizoguchi, Luchino Visconti, Max Ophüls, Raúl Ruiz, Robert Bresson, Roman Polanski, Sergei M. Eisenstein, Sergio Leone, Stanley Kubrick, Theodoros Angelopoulos, Víctor Erice, Werner Herzog, Wim Wenders, Yasujiro Ozu

"Si la muerte pálida, con agudos temores, hiciera que el océano se derrumbara en nuestra cama, Dios, que escucha las marejadas, se dignará para salvar el alma suplicante".

Nueva Inglaterra, finales del siglo XIX. Thomas Wake (Willem Dafoe) y Ephraim Winslow (Robert Pattinson), son dos fareros que desembarcan en una remota isla para hacerse cargo del mantenimiento de su faro durante cuatro semanas.

The Lighthouse constituye el segundo largometraje de Robert Eggers: una atávica, sucia y telúrica fantasmagoría de febrilidad melvilliana, que consolida a su hacedor como uno de los directores más interesantes de la cinematografía estadounidense reciente. La película, galardonada con el Premio FIPRESCI de la Quincena de realizadores en el pasado Festival de Cannes, está rodada en un primoroso blanco y negro con una relación de aspecto 1:1 que acentúa el carácter claustrofóbico y desazonador del relato.

Hallamos en El faro influencias fílmicas diversas, desde el cine de Béla Tarr hasta el Ingmar Bergman de La hora del lobo ( Vargtimmen, 1968), pasando por El resplandor ( The Shining, 1980) de Stanley Kubrick (las consecuencias psicológicas que enturbian la relación entre personajes en medio de un marco aislado). Las declamaciones literarias del personaje de Dafoe, repletas de sentencias agoreras y alusiones a la superstición marina (el dios Neptuno, las gaviotas, tritones o las sirenas), recuerdan a la pluma de Herman Melville y a su célebre capitán Ahab ( Moby Dick), aunque aquí la obsesión nada tenga que ver con un leviatán blanco, sino con la luz (la de la linterna del faro), objeto de la fascinación/lascivia masculina. Y si bien es cierto que, desde muy pronto, prevemos que todo va a acabar como el rosario de la aurora, la titánica confrontación jerárquica entre Wake y Winslow compensa las posibles flaquezas del libreto. Eso y el poder de unos encuadres que remiten al expresionismo alemán, con picados y contrapicados, claroscuros, pesadillas y una demencia galopante.

Eggers, quien ya sorprendió a todos con su notable debut en La bruja ( The VVitch: A New-England Folktale, 2015), dota a la cinta, más cercana esta vez al thriller psicológico que al puro terror, de texturas materiales cuasi palpables (la madera, el barro o la roca), y de motivos sonoros reiterativos (la sirena del faro, el viento, la lluvia, el oleaje, los graznidos de las gaviotas o la propia banda sonora) para acrecentar una progresiva sensación turbadora que embarga tanto al dúo protagonista como a los espectadores.

Si el gran cine se nutre esencialmente de una particular conjunción de imágenes, sonidos, trama y personajes, El faro no puede llevarse otra calificación que no sea la de (mínimo) excelente.

Nota: 8/10

Etiquetado Expresionismo, Robert Eggers, Thriller

Finalista: La favorita ( The Favourite).

Mejor director: Yorgos Lanthimos por La favorita.

Finalista: Lars von Trier por La casa de Jack.

Mejor guión: Pedro Almodóvar por Dolor y gloria.

Finalista: Marco Bellocchio, Valia Santella, Ludovica Rampoldi, Francesco Piccolo y Francesco La Licata por El traidor ( Il traditore).

Mejor actor principal: Joaquin Phoenix por Joker y Los hermanos Sisters ( Les frères Sisters).

Finalista: Pierfrancesco Favino por El traidor.

Mejor actriz principal: Olivia Colman por La favorita.

Finalista: Noémie Merlant por Retrato de una mujer en llamas ( Portrait de la jeune fille en feu).

Finalista: Asier Etxeandia por Dolor y Gloria.

Finalista: Elena Sofia Ricci por Silvio (y los otros) ( Loro).

Mejor fotografía: Robbie Ryan por La favorita.

Mejor banda sonora: Hildur Guðnadóttir por Joker.

*Sólo se han tenido en cuenta los títulos estrenados en España durante 2019.

Etiquetado Albert Serra, Aleksey German, Ágnes Hranitzky, Béla Tarr, Edgar Reitz, Isao Takahata, Lars von Trier, László Nemes, Paolo Sorrentino, Paul Thomas Anderson, Raúl Ruiz

Etiquetado Albert Serra, Céline Sciamma, Hong Sang-soo, Hu Bo, Jacques Audiard, Lars von Trier, Marco Bellocchio, Oliver Laxe, Pedro Almodóvar, Yorgos Lanthimos

"La verdad siempre se recuerda fácilmente, son las mentiras las que son muy difíciles de recordar".
(Tommaso Buscetta)

En los años ochenta, el mafioso siciliano Tommaso Buscetta (Pierfrancesco Favino) se convierte en el primer miembro de la Cosa Nostra que rompe con la omertà: el código de honor que prohíbe a los criminales informar sobre las actividades delictivas de la mafia.

Resulta verdaderamente admirable que , en pleno 2019, aún se puedan hacer grandes películas relativas a un tema tan resobado en cine y televisión como el de la mafia italiana. Y eso es, ni más ni menos, lo que ha conseguido con su último trabajo el ya octogenario Marco Bellocchio (tal vez el mejor realizador italiano vivo). Porque Il traditore constituye, qué duda cabe, un filme soberbio a todos los niveles. Insólito en su condición de documento cinematográfico a la par que histórico, retratando a la mafia como lo que es: un cáncer que ha asolado la sociedad italiana durante décadas.

El ejemplar guión de la cinta, basado en hechos reales y coescrito por el propio Bellocchio, se centra en la figura de Tommaso Buscetta a lo largo de tres décadas, presentando los hechos en orden cronológico con la excepción hecha de algún flashback. Todo está medido al milímetro y ampliamente documentado, lo que otorga un sentido cuasi documental a un relato que rezuma autenticidad por cada uno de sus fotogramas. Aquí no hay rastro de condescendencia en el tratamiento del tema ni simpatía hacia los protagonistas (Bellocchio no es Scorsese). La película es cruda y los mafiosos carecen de glamur alguno. Al contrario, como deben ser los de verdad, dan auténtico pavor (el personaje del capo Salvatore Totò Riina causa escalofríos). Incluso el protagónico Buscetta (impresionante composición de Pierfrancesco Favino) nos es presentado con sus luces y sus sombras, aferrado a una concepción idealizada (y por tanto falsa) de la mafia primigenia. Por todo ello, la presente obra quizá represente mejor que ninguna otra la esencia misma del universo de la Cosa Nostra siciliana.

El traidor, rigurosa en su discurso, siempre libre de juicios morales, se muestra sobria en la forma y contenida en lo dramático. Bellocchio sienta cátedra en cuanto a pulso y tensión narrativas se refiere, haciendo que las intensas dos horas y media de su película se pasen en un santiamén. Su realización podría considerarse clásica, lo que no implica que el autor de Vincere renuncie a su escritura más moderna y radical en determinadas secuencias, como la de la guerra inicial entre familias (el efectivo recurso de la numeración de los asesinatos) o las pesadillas que padece Buscetta. Y luego están las largas escenas del macrojuicio celebrado contra la mafia: magistrales por su empleo del espacio y su verídico carácter circense.

Película tremenda, en definitiva, tanto por su calidad cinematográfica como por lo que cuenta. Bellocchio firma aquí uno de sus mejores trabajos.

Nota: 8/10

"¿Sabes qué plan no falla nunca? No tener plan".

Toda la familia de Ki-woo (Choi Woo-shik) se encuentra en el paro, hasta que el joven comienza a trabajar en casa de la acomodada familia Park como profesor particular.

Según la Real Academia Española, un parásito es "un organismo animal o vegetal, que vive a costa de otro de distinta especie, alimentándose de él y depauperándolo sin llegar a matarlo". Esta definición se ajusta como anillo al dedo al argumento de la película homónima del director surcoreano Bong Joon-hoo, quien obtuvo la Palma de Oro gracias a esta ingeniosa (que no original) sátira social sobre la lucha de clases en la Corea del Sur actual.

Fue el ilustrado dieciochesco Jean-Jacques Rousseau, uno de los primeros en apuntar a la propiedad privada como fuente principal de toda discrepancia entre los seres humanos. Hasta entonces, según el pensador francés, los hombres habíamos convivido en un estado natural de plena armonía cercano al paraíso terrenal. La llegada de la propiedad privada marcaría el paso del status naturalis al status civilis, fomentando las diferencias entre unos y otros, y, a consecuencia de estas diferencias, la aparición de emociones y sentimientos como los de la envidia o el odio. Bong Joon-hoo retoma aquí el discurso rousseauniano, a través de una comedia con ribetes negros que va transitando hacia el drama social y familiar.

Sobresale en Parásitos el magnífico empleo del espacio como metáfora del escalafón social (atentos siempre a lo que se nos muestra arriba y lo que se nos muestra abajo). Independientemente de que las escenas sean de interior (la casa de diseño de los Park frente al semisótano de la familia protagonista) o exterior (la parte alta de la ciudad frente a la parte baja), la escalera se utiliza como elemento de tránsito entre las dos realidades.

Sin mácula en el plano visual, en el que también destaca la habilidad del director con el plano/contraplano y el enfoque/desenfoque, los defectos de la obra provienen de su guión: un tanto previsible para cualquiera que tenga un mínimo de bagaje cinéfilo, y hasta esquemático en su plasmación de invasión doméstica y revancha social. Además, los personajes carecen de dimensión psicológica más allá del rol familiar que desempeñan, los cambios de tono resultan en ocasiones abruptos, y algunas situaciones ponen a prueba la credulidad del espectador (¿cómo pueden ser los Park tan necios?).

Con todo, el filme entretiene, disfrutándose de principio a fin debido a su ágil narración, y consigue replantear de modo inteligente la incómoda problemática de una sociedad de ricos y pobres cada vez más polarizada.

Nota: 7/10

"La espiral de la violencia sólo la frena el milagro del perdón".
(Juan Pablo II)

Narra, a lo largo de más de tres décadas, la relación de Frank Sheeran (Robert De Niro), un matón de la mafia apodado el Irlandés, con el capo Russell Bufalino (Joe Pesci) y el sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino).

The Irishman es, con toda probabilidad y a tenor de su metraje (doscientos nueve minutos) y presupuesto (unos ciento sesenta millones de dólares), el filme más ambicioso de la ya larga trayectoria como realizador de Martin Scorsese. Aquel que debía compendiar y redefinir, como ningún otro, las constantes temáticas y estilísticas del autor neoyorquino: una suerte de quintaesencia scorsesiana en su más madura expresión. Y, pese a los esfuerzos invertidos, no deja de constituir un irrelevante (por insustancial) ejercicio autoparódico en el que el veterano cineasta, mostrando una alarmante falta de creatividad, se plagia a sí mismo ( Malas calles, Uno de los nuestros, Casino) y a otros (el Coppola de la segunda y tercera entrega de El padrino), para conformar un refrito tan brillante en su forma como huero en su fondo.

La película, adaptación del libro de Charles Brandt I Heard You Paint Houses por parte del prestigioso guionista Steven Zaillian ( La lista de Schindler), presenta una estructura narrativa fragmentada en flashbacks que sirven al personaje de De Niro, anciano, tullido y recluido en un geriátrico, para rememorar de cara al espectador su carrera delictiva durante más de tres décadas (excusa perfecta con el fin de contar por enésima vez en una "gran obra" de Hollywood la historia contemporánea de los Estados Unidos), centrándose, esencialmente, en su relación con dos de los hombres más poderosos de su época: el mafioso de origen siciliano Russell Bufalino (Pesci), y el presidente de la Hermandad internacional de camioneros Jimmy Hoffa (Pacino). Dos caras de una misma moneda, la del crimen organizado. Zaillian confunde densidad con farragosidad, enfangando una trama de recorrido sumamente esquemático y redundante, con un sinfín de nombres de personajes sin entidad, anecdóticos en su mayoría, que poco o nada aportan al desarrollo de una historia que el propio Scorsese ya había contado antes y mejor ( Uno de los nuestros).

El empleo de la voz en off resulta a todas luces excesivo y cargante, en un intento por disimular la incapacidad del director para exponer un relato simplón a base de imágenes (la esencia del verdadero arte cinematográfico). Scorsese se autocita sin sonrojo alguno en infinidad de secuencias, reiterándose en el uso de recursos ya muy manidos dentro de su caligrafía (la congelación de la imagen, el ralentí, las líneas de texto a pie de los personajes, los planos secuencia, los planos detalle...). Cita asimismo a colegas del medio como Coppola (las escenas judiciales que parecen sacadas directamente de El padrino II, o las de celebraciones que caracterizaban a toda la trilogía), como si quisiera llevar a un terreno que no es el suyo el carácter crepuscular, grave, en la vida de un gánster ( El padrino III), mezclándolo con su propia conciencia católica (el perdón).

Salvan los muebles el trabajo de dirección, por supuesto impecable, y un reparto que reúne a iconos legendarios del género, aunque De Niro no esté ya para este tipo de cosas (Pacino y Pesci se lo "comen" en todas las secuencias que comparten). Los efectos digitales para rejuvenecer a los intérpretes en las diferentes épocas en las que transcurre la acción son, por cierto, un auténtico desastre. A la altura de las lentillas que luce De Niro.

El irlandés, en definitiva, coquetea con el desastre en numerosas ocasiones, sin llegar nunca a caer en él pese a su interminable e intrascendente metraje. Al fin y al cabo, la dirige Scorsese, y dicen que quien tuvo retuvo.

Nota: 6/10

"Estamos en una sociedad que intenta escapar del dolor, de la muerte, cuando es algo irreversible a lo que estamos abocados. Intentamos ganar a la naturaleza y eso es un fracaso".
(Oliver Laxe)

Tras cumplir dos tercios de su condena, Amador (Amador Arias), pirómano de mediana edad, regresa a su aldea natal, en Lugo, donde volverá a convivir con su madre, Benedicta (Benedicta Sánchez).

La secuencia de apertura de O que arde, una de las más bellas que yo haya visto recientemente en el cine, muestra cómo en la oscuridad de la noche, un grupo de eucaliptos van cayendo uno tras otro sin que sepamos con exactitud qué los hace caer. Enseguida vemos que la causa de esa abrupta deforestación son unos tractores cuyos focos iluminan tenuemente la escena. De repente, una de esas máquinas detiene su avance ante la majestuosa figura de un árbol: un árbol centenario de rasgos casi sagrados. La metáfora no puede estar más conseguida. La película nos asoma a la extinción. No sólo a la de la naturaleza, sino también a la de determinadas formas de vida como la que representan sus dos protagonistas.

El director español nacido en París Oliver Laxe, se alzó con el Premio del Jurado de la Sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes, gracias a este hermosísimo ejercicio de contemplación visual y contención narrativa, en el que hallamos ecos de autores como Andrei Tarkovsky, Béla Tarr o Werner Herzog. Un verdadero regalo para los sentidos que trata desde la poesía cinematográfica el drama de los incendios forestales en el monte gallego.

Lo que arde prácticamente carece de trama. Cuenta de un modo hiperrealista cercano al documental, el día a día de Amador y Benedicta (actores no profesionales que casi se interpretan a sí mismos) en el campo. Nada más. Y nada menos. Laxe, amén del perro que acompaña a Amador en sus labores de pastoreo con las vacas, parece haber heredado de Tarkovsky su agudeza a la hora de captar las texturas y los sonidos de la naturaleza. Aquí, el viento, el agua, la tierra, y el fuego desempeñan un papel protagónico. La música religiosa de Vivaldi, aporta el matiz piadoso a un relato sobre la estigmatización social en el que el cineasta nunca juzga.

El filme posee unos espectaculares planos generales (la dirección de fotografía de Mauro Herce en 16 mm resulta prodigiosa en todo momento), que contrastan con las escenas costumbristas de interior. Y si bien en su conjunto no alcanza el nivel del anterior trabajo del realizador (en comparación con Mimosas, la que nos ocupa es una película mucho más accesible y con menos capas de lectura), sí que lo consolida como uno de los autores europeos con mayor presente y futuro del panorama actual.

Nota: 7,5/10

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(Texto originalmente publicado en mi libro 'El cine esculpido en 200 películas' https://www.amazon.es/El-cine-esculpido-200-pel%C3%ADculas/dp/8494459678) A estas alturas de la película, nadie duda ya de que el western, al menos en su vertiente estilística, se reformuló en manos de Sergio Leone cuando el cineasta italiano, que venía de realizar un par de péplums bastante mediocres, decidió llevar a cabo un remake del Yojimbo ( Yôjinbô, 1961) de Akira Kurosawa.

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Cine, Historia y Educación

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Tomás Valero Martínez es licenciado en Historia por la Universidad de Barcelona, autor de tres libros y de numerosos artículos. Ha impartido conferencias sobre cine y educación en varias Comunidades Autónomas.

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Noticias y actualidad sobre música independiente

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jenesaispop.com - Noticias y actualidad musical independiente

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Noticias en español sobre la actualidad musical independiente, críticas de discos, cine, conciertos y televisión.

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¿Qué comparten películas de distintas culturas, géneros y épocas?... la música. En VAMOS AL CINE podrás escuchar y disfrutar de música para cine, banda sonora, música cinematográfica o música de película: múltiples denominaciones para sus múltiples significados y capacidad de evocación.

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Presentado por: Dirigido por: Raúl Luis García Raúl Luis García

¿Qué comparten películas de distintas culturas, géneros y épocas?... la música. En VAMOS AL CINE podrás escuchar y disfrutar de música para cine, banda sonora, música cinematográfica o música de película: múltiples denominaciones para sus múltiples significados y capacidad de evocación.

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Presentado por: Dirigido por: Raúl Luis García Raúl Luis García ¿Qué comparten películas de distintas culturas, géneros y épocas?... la música. En VAMOS AL CINE podrás escuchar y disfrutar de música para cine, banda sonora, música cinematográfica o música de película: múltiples denominaciones para sus múltiples significados y capacidad de evocación.

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TVE emitió este programa con motivo del primer centenario de la historia del cine. Semanalmente se emitía un largometraje que, por sus características, resultaba de interés dentro del mundo cinematográfico. Dirigido y moderado por José Luis Garci, contaba con la asistencia de tres personas expertas, pertenecientes al mundo del cine y la literatura, que debatían a continuación de la proyección del film elegido.

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TVE emitió este programa con motivo del primer centenario de la historia del cine. Semanalmente se emitía un largometraje que, por sus características, resultaba de interés dentro del mundo cinematográfico. Dirigido y moderado por José Luis Garci, contaba con la asistencia de tres personas expertas, pertenecientes al mundo del cine y la literatura, que debatían a continuación de la proyección del film elegido

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programa completo ¡qué grande es el cine!

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TVE emitió este programa con motivo del primer centenario de la historia del cine. Semanalmente se emitía un largometraje que, por sus características, resultaba de interés dentro del mundo cinematográfico.

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Transcripción completa

¿Puede su última palabra explicar la vida de un hombre?

¿Y su último deseo?

¿Por qué Orson Wells quiso que sus cenizas reposaran

en un lugar del sur de España?

(OFF TV) Las cenizas de Orson Welles han llegado hoy a España

para ser enterradas en Ronda, tal y como era su deseo.

Las cenizas de Orson Welles acaban de llegar a España.

Se cumple así el último deseo del formidable director,

actor y autor cinematográfico,

que quería ser enterrado en nuestro país, concretamente en Ronda,

en la finca de uno de sus mejores amigos,

el torero Antonio Ordóñez.

¿Qué significa para usted el deseo de su padre

de venir a traer las cenizas a España?

Pues una maravilla, porque es el país que él quería más, yo también.

Tengo los recuerdos más bonitos de mi vida aquí.

(OFF NO-DO) Orson Welles, el famoso actor y director de cine,

ha sido figura popular en la feria de Sevilla este año.

Así disfruta de la clásica alegría en el luminoso ambiente del real

y en una pausa de sus actividades.

Actualmente está realizando en España películas cortas

con destino a la televisión.

Su firma es solicitada por un coleccionista de autógrafos.

Las cenizas de Orson Wells han sido depositadas hoy

por su hija Beatrice en una finca de su amigo, el torero Antonio Ordóñez,

en la localidad de Ronda.

(OFF TV) Beatrice Wells, hija del cineasta y de su tercera esposa,

Paola Mori, visiblemente emocionada,

ha depositado las cenizas de su padre

en un pozo situado frente a la casa,

que el Ayuntamiento de Ronda había dedicado al torero Antonio Ordóñez

y donde una placa dice "Maestro de maestros".

El calificativo tiene ya un significado doble,

porque desde hoy representa también a Orson Welles

y a su amor por España y su cultura, donde ha tenido finalmente reposar.

# Teatro, lo tuyo es puro teatro... #

# Oh, lu, li, oh, la, la...

# Peligro de contagio, marcianitis total.

# Oh, lu, li, oh, la, la... Oh, lu, li, oh, la, la...

# No puedo resistir la marcianitis total...#

# Cine, cine, cine, cine... Más cine, por favor.

# Cine, cine, cine, cine... Más cine, por favor. #

-Yo era una montadora, digamos, clásica,

tenía las ideas bastante claras de lo que quería.

Cambió mi forma de ver el montaje.

Con él descubrí que se podía montar de otra manera,

que podías sacarle mucho provecho a muchos planos

que a lo mejor no les hubieras dado más importancia,

y podías jugar más con las imágenes.

-El montaje de Orson Welles es genial en todas sus películas.

Hay que ver lo que es "Ciudadano Kane", "El cuarto mandamiento",

es que es una cosa, es una maravilla.

Me enseñó mucho entonces con aquellas películas.

¿Cómo puede una película de Orson Welles estar mal montada

si es el mejor montador del mundo? Porque lo es, es valiente, además.

-Es un gran montador, siempre que entiendas el montaje

no solo como la parte que se hace en la moviola

sino como lo que tienes en la mente

cuando estás diseñando la planificación de rodaje.

-Yo creo que el elemento creativo fundamental del cine de Welles

pasa siempre por el montaje.

Es verdad que durante mucho tiempo la crítica ha insistido

en que Welles era el cineasta

del plano secuencia en profundidad de campo.

De hecho Welles utilizó el plano secuencia en muchas ocasiones,

de manera extraordinariamente inventiva,

pero en otras circunstancias en las que tuvo que,

si se me permite la expresión, buscarse la vida como cineasta,

nunca le hizo ascos a un montaje corto.

-Welles el problema que tenía

era que para poder hacer una película en esas condiciones

y con poco dinero tenía que inventarse muchas cosas

en las cuales el montaje era esencial,

pero tenía que ser un montaje que tuviese en la cabeza

cuando estaba rodando,

entre otras cosas porque las condiciones del rodaje le obligaban,

los actores se le escapaban porque solo podían estar unos días

y de pronto se iban a Nueva York, tenía que poner un doble,

tenían que hacer contraplanos

en un sitio a cientos de kilómetros de donde había rodado el plano,

y entonces lógicamente tenía que hacer una especie de premontaje

para luego llenar esos huecos.

-Era muy creativo y rodaba mucho material, mucho.

Claro, esto te daba posibilidades grandísimas,

porque podías hacer cosas fantásticas con aquel material.

Él disfrutaba, él era feliz ahí.

Era feliz, porque piensa que venía del rodaje

y se metía en la sala, nos daban las 0:00, la 1:00,

era la hora a la que normalmente nos llevaban para casa,

y luego a las 8:00 volvíamos a estar.

¿Qué es lo más importante cuando usted hace una película,

la fotografía, el sonido?

El sonido, porque es la arquitectura del filme...

Cada plano es una impresión, pero sin una forma exacta de sonido no...

Entonces no funciona la película.

-Hay cineastas que hacen películas con sonido

y cineastas que hacen películas sonoras.

No todos merecen ser llamados cineastas sonoros

en el sentido de gente para los cuales la banda sonora

sea un elemento de creatividad tan importante como la propia imagen.

(CANTA LÍRICO) ¡No, no, no, no!

-No era este el caso de Welles que, recordémoslo,

viene del mundo del teatro y sobre todo del mundo de la radio,

se había formado en la extraordinaria inventiva

de tener que hacer creíble algo

que tenía que pasar a través del sonido y la palabra radiada,

y eso se reflejaba luego en sus películas,

las bandas sonoras de Welles son siempre prodigiosas.

(CANTO LÍRICO QUE SE APAGA)

-Yo creo que, claro, la magia del cine está muy cercana,

la magia es la madre del cine,

lo que a través de todas las linternas mágicas de Melies,

el arte de la edición de Melies para hacer trucos de magia,

y creo que Orson Welles bebe mucho de esas fuentes.

Todos sabemos que el montaje en su caso, en su cine,

era esencialísimo, continuado, y jugaba con él para, efectivamente,

llevarnos, como hacemos en la magia los magos,

para llevar la atención, para llevar el foco

de lo que queremos que se fijen ahí.

Era como un escapismo, un efecto de escapismo.

Es verdad que creo que todo el tiempo Welles tenía en mente

esa idea de la magia en tanto de ficción

dentro de la realidad y jugar con los niveles de...

"Fraude" lo que pasa es que creo que es una película

que tiene muchos niveles, como todos sabemos.

Y trata de eso precisamente, del fraude, del engaño.

A mí me encanta, porque es un estudio de ficción

dentro de la ficción como es la magia.

Y los magos lo que intentamos es poner los sueños,

lo imposible y deseado, volar, conocer el futuro, volver atrás,

resucitar, en la realidad.

Entonces en "Fraude" intenta, de por sí Orson Wells obviamente,

el ir pasando todas esas capas.

Está hecha en cine, que ya no es la realidad, es un arte,

habla del arte de la pintura, que es otra ficción,

hay un pintor que es falsificador entre comillas de ese arte,

que es otra ficción más,

y luego Orson Welles hace una ficción dentro.

Me parece que es un enorme juego de magia maravilloso y fantástico.

Juegan con los sueños, a mi entender,

pero en un caso es los sueños, un espejo ante los sueños,

que es el cine, y la magia,

que es tratar de introducir los sueños en la realidad

para que la gente... ¿pero la realidad cómo es?

Que se lo pregunten y se cuestione

esa cáscara aparencial de la realidad.

Cuando lo de los platillos famosos volantes de la radio hizo eso,

poner en la realidad de la gente en sus casas una ficción,

que era que habían atacado los del otro Wells, que se llaman igual.

Él tiene siempre o ha tenido siempre dentro de sí ese amor por la magia,

ese interés por la magia espectáculo,

y a la vez por el cine y el teatro.

Cuando veo sus películas digo, mira,

las películas hasta ese momento como todos sabemos los planos eran,

como decía Howard Hawks, la cámara a la altura de los ojos,

y él de repente la ponía a la altura de los pies,

esos contrapicados con los techos,

y digo, mira, nos ha hecho personas con ojos de los pies.

Una especie de magia al espectador allí presente.

Houdin efectivamente es el padre de la magia moderna,

y de ahí tomó el nombre Houdini.

Robert Houdin lo que hizo fue coger toda la psicología,

era un gran psicólogo, las normas de la psicología, de la diversión,

del control de la atención, el control de la memoria,

y traducirlo y ponerlo en la magia, y la magia dio un salto enorme,

y desde ese momento está muy basada

en el control psicológico de los espectadores,

el control en el buen sentido.

Yo creo que Orson Wells no podía olvidar que era un actor,

Orson Welles era superactor y no podía olvidarlo,

o no quería olvidarlo, y entonces cuando hace magia,

más que ser él mismo, está siendo,

y pone sus voces, casi shakesperiano en ciertos momentos...

Como mago, ya digo, es de la tendencia de ser más actor

y de no olvidarse nunca de que está actuando

y por eso elegía las ramas de la magia

que tienen más que ver con el actor,

grandes ilusiones donde él podía moverse, era así,

hace que una mujer se achicase, que un hombre apareciese, y luego,

el mentalismo, le interesaba mucho el mentalismo,

tiene una entrevista sobre la forma de llevar el pensamiento,

y lo hacía también muy bien, muy actoral, concéntrese, mire, tal...

Y luego hay otro lado, es curioso,

porque yo siempre he creído que la magia es solo para niños,

no para niños de la edad infantil

sino para el niño y niña interior que llevamos todos dentro

y que a veces siempre digo que las capas duras,

queratinosas de adulto, no deja salir,

y Orson Welles creo que era muy niño,

a mí siempre me da, la cara que tenía era muy juvenil,

la forma, y se nota eso.

Cuando actúa y hace un truco al final se le ve feliz,

lo he conseguido.

Es curioso, porque hay una cosa poco conocida de él,

Orson Welles como mago hizo un juego después de muerto,

presentó en televisión un juego después de muerto

utilizando el cine.

A un amigo suyo que se llamaba Richard Himber,

un mago amigo suyo, le filmó un trozo donde él decía,

bueno, ahora, por favor, que elijan a una persona del público,

acércate, mira, coge una carta, nómbrala, lánzame la baraja,

y todo eso lo hizo para este mago,

pero este mago no lo presentó porque no era un mago profesional.

Entonces pasan los años, muere Orson Welles y David Copperfield,

eso me lo contó él mismo, me dice, compré los derechos de eso,

cambié cuando Orson Wells se refería a su amigo,

que se llamaba Dick, Richard, y lo cambié por Dave,

y lo puso en un especial de Copperfield que es precioso,

porque está en pantalla Orson Welles muy joven...

... y le dice, elige a una persona, la persona viene, piensa una carta,

lánzame la baraja, él la atrapa.

Hay una carta, que por cierto dramatiza maravillosamente,

falla, no es, ¿cómo que no es? Otra, tampoco, y dice, bueno,

tengo aquí una muy grande, saca la grande y es,

y entonces ya había fallecido Orson Wells

y presentó el juego en televisión,

que también es algo que nos gustaría a casi todos,

después de muerto seguir haciendo magia y seguir viviendo.

-La historia es una de las más hermosas historias

de todas las películas de Wells desde mi punto de vista.

Lo conocí aquí, en Madrid, me citó el productor,

fuimos al hotel Palace, donde se hospedaba.

Empezaron a pasar minutos, minutos, y no venía, y de repente me dice,

viene corriendo, mira, como en las películas de Orson Welles,

igual que en sus películas, viene el productor y me dice,

ya, ya te va a recibir, y entonces se abre la puerta..

Si hubiera podido habría salido corriendo, corriendo,

porque era terrible ver a aquel hombre así,

y además con aquella voz tan bonita, porque eso sí,

la voz de Orson Wells, esa es indiscutible.

(OFF) Mi nombre es Orson Welles...

Y me dice "Hello...". Bueno, pues así nos conocimos.

El problema es que, con todos aquellos mimbres

aquello no funcionó para nada.

¿Quién puede decir que Orson Welles es un mal actor?

No es un mal actor, sí en "Mr. Arkadin",

y no me lo creo, me lo creo más por lo que sé de él

que por el personaje en pantalla,

yo lo que quiero es que el personaje en pantalla

me haga a mí creer quién es.

Hay una más negativa todavía,

que esa sí que parece imposible que sea una película de Orson Welles,

parece imposible, "El montaje".

Llega un momento en que uno está perdido,

¿y esto qué es, dónde están ahora, dónde van ahora?

Es que no se entiende, y es terrible,

es una especie de borrachera de montaje, una cosa rara.

Salvo a Akim Tamiroff de la película,

porque cuando está en pantalla te crees todo.

Todo es verdad, él es verdad, porque Akim es una maravilla.

Mischa Auer, el domador de pulgas, ese también era una maravilla.

Es solo verlo, porque era verdad, con su ojo, ese también estaba bien,

claro, y el otro, el Michael Redgrave, maravilloso actor.

Orson Welles le daba importancia a cada plano que hacía,

ese es el sentido, o sea,

hacer todo como si fuera una obra maestra, cada plano.

La cuadrícula es una cosa muy importante,

tener la cuadrícula hecha,

pero también es muy bonito no tener ninguna cuadrícula.

Entonces llega uno y se encuentra nada, y dice,

no, no te preocupes, yo pongo la cámara aquí,

tú me pones no sé aquí, tal, y ahora pasan los actores por aquí

y ya está, y eso es también un placer, un placer hermoso,

a mí me gustaba mucho.

Eso lo ha hecho muchas veces en la película.

El Alcázar de Segovia era su palacio en España,

y luego, cuando entraba dentro era San Gregorio, en Valladolid,

y ahí es donde puso las máscaras y todo.

Aquello fue muy bonito, lo de las máscaras, era puro Orson Welles,

porque verdaderamente esa escena, al menos lo que recuerdo,

es que era una escena verdaderamente Orson Welles,

todo lo que es el baile y todo eso, con ese toque especial que tenía,

es una cosa muy hermosa.

Me gustaría estar diciendo cosas bonitas de "Arkadin",

pero la verdad es que no puedo mucho, pero,

por encima de todo está el gran orgullo

y el honor grande que fue para mí

haber podido colaborar con un genio de tanta categoría.

(Sintonía NO-DO)

Comienza a funcionar

en presencia del ministro de información y turismo

la emisora de televisión de las dos Castillas.

Ha sido instalada en la cima de Navacerrada, a 2400 m de altura.

-Yo creo es que Welles es uno de los primeros artistas

en entender lo que la televisión ofrecía a la gente,

que trabajaba con la imagen,

ofrecía unas posibilidades nuevas que eran diferentes,

distintas y complementarias de las que el cinematógrafo ofrecía.

Lo que él valoraba fundamentalmente de la televisión

era la posibilidad de dirigirse directamente a un espectador

en la intimidad de su hogar,

y de comportarse como algo que a él le gustaba sobremanera,

ser un cuentacuentos, y digo esto de cuentacuentos

en el sentido más elogioso de la expresión,

alguien que cuenta y comparte historias,

anécdotas y situaciones con los demás.

Sus proyectos televisivos hasta donde los podemos conocer

iban muy por delante de su tiempo.

Uno de los problemas de Welles

es que siempre ha ido por delante de su tiempo,

y en la televisión más que nunca.

Realmente estamos ante obras de auténtico prestidigitador,

de alguien que con mínimos elementos

saca de la chistera unas obras de un nivel creativo excepcional.

Pocos cineastas pueden parangonarse a Welles

en la comprensión de lo que la televisión podía haber sido.

(OFF TV) En cuanto a Davidoff

no se trata para él de democratizar el cigarro,

¿pero han pensado hacerlo los que le han otorgado su título de nobleza?

Los Fidel Castro, Winston Churchill, los David Zanuck,

y sobre todo, los Orson Welles.

(OFF TRÁILER) Escenarios maravillosos

poblados por personajes de enorme fuerza.

"Campanadas a medianoche" es la mayor aventura cinematográfica

de Orson Welles, la obra cumbre

de una carrera única en la historia del cine

por su independencia, por el poder explosivo de sus imágenes,

por una fidelidad única a la calidad,

por un amor sin límites por el cine.

Jesús, las cosas que hemos visto. ¿Eh, sir John, digo bien?

-Welles lo que tiene

es que de pronto está haciendo películas en España,

donde no se hacen ese tipo de, digamos, superproducciones.

Entonces tiene que hacer superproducciones muy baratas.

Ese metabolismo de halcón que tiene Orson,

que lo quema todo a grandes velocidades, sus ideas, etcétera.

Es absolutamente anárquico, no hay plan de trabajo,

trabaja siempre improvisando las escenas,

tiene que tener a todos los actores a disposición.

-Quiso alquilar un local que había en Madrid, grande,

para hacer el decorado del prostíbulo.

Hizo hacer un decorado fantástico, hizo quemar las maderas

para que pareciera madera vieja, claro, era un prostíbulo viejo.

-Welles desde el principio de su carrera ha descubierto,

en "Ciudadano Kane" por ejemplo,

que existe un mundo que es la posproducción.

Hoy en día en todas las películas se hace posproducción digital,

y eso es normal.

En los años 60 en España hablar de posproducción era como decir,

han realizado los marcianos en Valdepeñas. Vale...

Efectivamente estaba rodando una película de época

en la que podía tener problemas.

Entonces lo que hacía luego

era pedir al laboratorio que reencuadrase.

En otras ocasiones cambia izquierda y derecha,

no porque se salte los ejes,

sino muchas veces para disimular que es el mismo decorado

que se ha visto un poco antes.

Se valía también de esa especie de posproducción, de cambiar los ejes,

de ralentizar, para crear un universo

que el espectador se perdía en él,

que no podía reconocer bien los espacios, y eso le ayudaba.

-Era un hombre que no hablaba.

Te decía justo lo que necesitaba decir,

o con un gesto te expresaba lo que quería, pero no sé,

nos comunicábamos muy bien.

Ya te digo, el material era muy bueno y era muy fácil trabajar bien.

Era imposible hacerlo mal ahí.

Él quería ver todo.

Entonces en una moviola yo le ponía un rollo,

con unas secuencias montadas, y en otra le ponía otro,

y él veía una cosa y la otra.

No, no te explicaba lo que quería, pero no sé, yo lo notaba.

Te hacía trabajar muchas obras, muchas,

pero realmente, no sé, yo no lo notaba mucho,

lo noté al cabo de los años.

De pronto me di cuenta que para Orson no existen los gráficos,

existe lo que tiene en su mente sobre la película,

todo lo que tiene que hacer,

y entonces se salta a la torera todas las cosas que se puedan hacer

antes de comenzar la producción.

-Para Welles, aparte de la posproducción,

era muy importante el ritmo.

Tenía una especie de sentido, digamos, musical de la película.

El montaje por un lado está unido a esa posproducción necesaria,

y luego a ritmos llevados a rajatabla,

por ejemplo la batalla,

que es una de las mejores secuencias de la película.

Los tiempos están casi cortados a ojo, da igual el contenido,

necesito aquí exactamente siete fotogramas.

-Me dijo que quería montarla él.

Me dijo, está la quiero montar yo,

vas a estar conmigo pero quiero hacerla yo. Muy bien.

Entonces yo le hice un primer montaje

y a partir de ahí él ya fue haciendo,

poniendo los cambios que consideró.

Tenía muy claro lo que quería y lo expresaba con las imágenes, claro.

Es algo especial.

Piensa que para esa secuencia había tres bandas de sonido,

dos músicas totalmente diferentes en distinta banda

y una tercera banda que eso ya es algo muy Welles,

marcha atrás, la música marcha atrás.

Eso fue cosa suya, naturalmente, yo no lo hubiera hecho,

pero él sí lo hizo.

Welles era... Era Welles, ya está, con esto ya, era otra cosa.

Y ahí conocí yo muy bien a este Orson que quema ideas,

un personaje muy tierno, porque yo lo he conocido en la intimidad,

en zapatillas, con su mujer, su hija,

nos hicimos grandes amigos las familias.

Mi hijo iba a pasar fines de semana a casa de Orson.

Las películas de Orson que están en la historia del cine

no son nada al lado de las que no pudo hacer nunca.

¿Cuantos proyectos le gustaría realizar?

(HABLA EN INGLÉS)

-¿Qué os ha dicho?

-El rey no muestra ninguna misericordia.

Nos llama rebeldes, traidores, y quiere castigarnos terriblemente.

-Empezamos a escribir un guión juntos

de una novela de Peter Viertel que se llamaba "Los supervivientes",

y el quería que yo le dirigiera. Sí, fue una gran amistad.

(TRADUCIDO)He estado haciendo el Quijote como un trabajo personal,

una obra personal, hasta 14 años.

Dicen que el título más importante será uno más largo.

¿Cuándo terminará Welles la película del Quijote?

No es que sea difícil seguir un plan establecido,

porque con Orson en definitiva no se establece ningún plan.

-Realmente él era casi absorbente,

porque era 24 horas al día viviendo para la película.

(VOZ NO-DO) Dirigida por Orson Welles

se rueda en los estudios italianos una película de tema bíblico.

A Orson solo le preocupa que el rodaje salga lo mejor posible.

Para ser al mismo tiempo protagonista y director

hace falta poseer un extraordinario dinamismo.

Ahora se quita la peluca y la nariz.

Arroja esta última al suelo

y el gato, que no entiende de trucos cinematográficos,

no la encuentra bocado de su gusto.

-Y en el cine, ¿siente pasión por la técnica?

Me gusta mucho la técnica, es nuestra materia.

-La última época de Welles podría describirse

con el refrán castellano que dice "A la fuerza ahorcan".

Los productores cada vez más desconfían, digamos,

de sus capacidades para poner en pie de manera razonable una película.

¿Para un productor es arriesgado producir una película con usted?

¿Es una cuestión serio? (RISAS)

-A partir de ese momento estará obligado a trabajar

con los elementos que encuentra a su paso.

Una película como "Fake", él mismo lo ha dicho,

es una película hecha con elementos

tomados literalmente de la basura,

con los descartes de una película de Reichenbach,

unas pocas imágenes rodadas en el jardín de Luxemburgo

y en algunos otros lugares.

Y luego mucho juego de manos, mucha prestidigitación

y mucho genio para ensamblar historias

extrayendo al máximo la rentabilidad de elementos

que cualquier otro cineasta

no habría salido muy bien qué hacer con ellos.

"Una historia inmortal" es una película rodada, realmente,

en su casa de Aravaca en Madrid, en la plaza de Chinchón,

que Welles explicaba a unos entrevistadores franceses,

cuando rodé en Cantón o en Macao,

quería haber rodado en Macao pero tuve que acabar rodando en Cantón,

y realmente no es Cantón ni Macao,

es Chinchón muy inteligentemente utilizado.

Los diálogos entre los personajes iniciales en la plaza

recuperan una escena de los Amberson.

Colaboro con él porque yo hago un pequeñísimo papel

en la canción esta inmortal, pero yo ayudo en el rodaje,

llevo la claqueta, la pantalla,

claro, porque Orson y yo nos hicimos muy amigos.

(OFF TV) Él mismo coloca las luces, dibuja sus decorados,

elige los objetivos de la cámara.

-Y "Fake" es su propia historia,

convertida, digamos, en algo más grande que la vida tal vez.

Y esa idea también apasionante que está también

en "Una historia inmortal", que en el fondo todo es ficción.

Se murió, yo no pude verlo en Los Angeles,

y en un viaje que hice de Nueva York a Madrid,

al llegar a Madrid había muchos fotógrafos

a la salida del aeropuerto, yo sabía que no me esperaban a mí.

Pregunté a quién esperaban y me dijeron que a la hija de Orson,

que traía las cenizas de su padre,

o sea, que yo hice un viaje de Nueva York a Madrid

con las cenizas de mi amigo sin saberlo.

Las cenizas de Orson Welles acaban de llegar a España.

Se cumple así el último deseo del formidable director,

actor y autor cinematográfico,

que quería ser enterrado en nuestro país, concretamente en Ronda.

Y ahora una noticia curiosa e interesante,

se trata de un teletipo fechado en Los Angeles que dice así:

"El actor y director de cine Orson Welles

dejó dicho que a su muerte quería ser enterrado

en el pueblo español de Chinchón, cercano a Madrid.

Alessandro Tasca, productor ejecutivo

de una de las películas de Welles, dijo hoy a la agencia EFE

que el cineasta norteamericano le expresó este deseo

en varias ocasiones y que se está pendiente

de una decisión final de la familia para cumplirlo".

(AL REVÉS) Rosebud...

¿Puede explicarse la vida de un hombre por su última palabra?

¿O por su último deseo?

¿Por qué las cenizas de Orson Welles reposan en Ronda?

¿Fue ese el último de sus proyectos frustrados?

¿Fue Orson Welles, una vez más, Orson Welles?

Lo que acaban de ver no es la adaptación de un libro famoso.

Los cámaras fueron Pascual Barraca, Joseba Andoni Campos, Miguel Noval,

Óscar Guillén y Roberto Monseco. El montaje lo hizo Ricardo Lago.

Marta Garabatos realizó la posproducción.

Luis López Polinio y José Antonio Gurriarán buscaron la documentación.

Isabel García Leal llevó a cabo las mezclas de sonido.

Ángela Costilla se encargó de la producción.

Yo no la escribí, pero la he dirigido.

Me llamo Javier Sales.

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programa completo cine en el archivo de rtve

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Transcripción completa ¿Puede su última palabra explicar la vida de un hombre? ¿Y su último deseo? ¿Por qué Orson Wells quiso que sus cenizas reposaran en un lugar del sur de España? (OFF TV) Las cenizas de Orson Welles han llegado hoy a España para ser enterradas en Ronda, tal y como era su deseo.

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programa completo música en el archivo de rtve

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Música en el Archivo de RTVE online, en RTVE.es A la Carta. Todos los programas online de Música en el Archivo de RTVE completos y gratis

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Filmoteca Española y EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) se unen para ofrecer de forma gratuita y online títulos recuperados o restaurados recientemente por Filmoteca Española, además de otros clásicos de cine español.

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101 películas mudas

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Watch over 100 free silent films. Including some of the most important films ever made. Watch films by Luis Buñuel and Salvador Dali, Charlie Chaplin, Dziga Vertov, D.W. Griffith, Alfred Hitchcock, Sergei Eisenstein, Fritz Lang, F.W. Murnau and many more. For more great films, please visit our complete collection of Free Movies Online.

Abraham Lincoln - Free - D.W. Griffith's biography of the beloved United States president.

A Burlesque On Carmen - Free - Original two-reel parody of Bizet's Carmen by Charlie Chaplin. Also stars Leo White & Edna Purviance. (1915)

A Christmas Carol - Free - Marc McDermott stars as Ebenezer Scrooge in this 1910 version of Dickens' classic ghost story.

A Dog's Life - Free - This endearing short film tells the story of underdogs, hunan and canine, succeeding despite the odds. (1918)

Aelita - Free - A silent film directed by Soviet filmmaker Yakov Protazanov. One of the earliest full-length films about space travel, the most notable part of the film remains its remarkable constructivist Martian sets and costumes designed by Aleksandra Ekster. (1924)

After the Ball - Free - One of the first "adult" films in cinema history. By the pioneering director Georges Méliès.

Alice in Wonderland - Free - The first-ever film version of Lewis Carroll's tale. Based on Sir John Tenniel's original illustrations. (1903)

Behind the Screen - Free - A short film written and directed by Charlie Chaplin, the film is long on slapstick, but it also gets into themes dealing with gender bending and homosexuality. (1916)

Between Showers - Free - A short Keystone film from 1914 starring Charlie Chaplin, Ford Sterling, and Emma Bell Clifton.

Broken Blossoms - Free - Silent film directed by D.W. Griffith and starring Lillian Gish. (1919)

Champagne - Free - A silent comedy film based on an original story by English writer and critic Walter C. Mycroft. (1928)

Charlie Shanghaied - Free - Charlie Chaplin and his Tramp character gets shanghaied by crooks. (1915)

Charlie's Recreation - Free - Out of costume, Charlie is a clean-shaven dandy who, somewhat drunk, visits a dance hall. There the wardrobe girl has three rival admirers: the band leader, one of the musicians, and now Charlie. (1914)

Cinderella - Free - This film by George Méliès is the oldest known film adaptation of the 1697 fairy tale. It was also apparently the first movie to use a "dissolve transition" between scenes. (1899)

Das Wandernde Bild - Free - A silent, black and white film directed by Fritz Lang released in 1920.

Der Golum - Free - Paul Wegener's German expressionist classic, says Roger Ebert, "is a vivid piece of darkly toned fantasy that exerted a powerful influence over both European cinema and Hollywood." (1920)

Die Nibelungen - Free - A series of two silent fantasy films created by Fritz Lang in 1924. Runs 5 hours.

Don Quixote - Free - Classic adaptation of the Miguel de Cervantes' novel (find in our collection of Free eBooks), directed by Georg Wilhelm Pabst, and starring the famous operatic bass Feodor Chaliapin. (1933)

Dr. Jekyll And Mr. Hyde - Free - John Barrymore stars in the renowned silent adaptation of the Robert Louis Stevenson classic. (1920)

Easy Street - Free - Charlie Chaplin steps forward and keeps the peace. (1917)

Easy Virtue - Free - Early silent film directed by Alfred Hitchcock. Loosely based on a play by Noël Coward. (1928)

Emak-Bakia - Free - Features filming techniques used by Man Ray, including rayographs, double exposures, soft focus and ambiguous features. (1926)

Entr'Acte - Free - René Clair's Dadaist masterpiece. Great early avant-garde film. Features scenes with Marcel Duchamp and Man Ray. (1924)

Faust - Free - German expressionist filmmaker F.W. Murnau directs film version of Goethe's classic tale. This was Murnau's last German movie. (1926)

Frankenstein - Free - The first time Mary Shelley's literary was brought to the big screen. (1910)

Ghosts Before Breakfast (Vormittagsspuk) - Free - Silent avant-garde film by Hans Richter. The nazis destroyed the sound version of the film, deeming it "degenerate art." (1928)

Greed - Free - Erich von Stroheim's silent drama originally ran 10 hours, but was eventually hacked down to two. It follows a dentist whose wife wins a lottery ticket, only to become obsessed with money. (1924)

Harakiri - Free - Early silent film by Fritz Lang. (1919)

Häxan - Free - Swedish/Danish silent horror film written and directed by Benjamin Christensen. (1922)

Hell W10 - Free - The Clash stars in 1980s gangster parody. Written and directed by Joe Strummer. (1983)

Intolerance - Free - D.W. Griffith's most ambitious silent film is one of the landmarks in cinematic history. (1916)

La Souriante Madame Beudet - Free - Early feminist film by Germaine Dulac. Features a woman trapped in a loveless marriage. (1922)

Joyless Street - Free - Greta Garbo stars in her second major role. One of the first films of the "New Objectivity" movement. (1925)

L'Arrivée D'un Train En Gare De La Ciotat - Free - One of the most famous early silent films shot by Auguste and Louis Lumière. (1895)

La Passion de Jeanne d'Arc - Free - Directed by Carl Theodor Dreyer and starring Renée Jeanne Falconetti, this film is considered a masterpiece from the silent era. (1928)

Laughing Gas - Free - Film starring Chaplin is sometimes known as "Busy Little Dentist", "Down and Out", "Laffing Gas", "The Dentist", and "Tuning His Ivories".

Le Ballet Mécanique - Free - Historic cinematic collaboration between Fernand Legér and George Antheil. (1924)

Le Retour à la Raison - Free - A film from the avant-garde Cinéma Pur movement shot by Man Ray in 1923.

Mabel's Strange Predicament - Free - Watch lots of lots of high jinks go down in a hotel. (1914)

Menilmontant - Free - When Pauline Kael, longtime New Yorker film critic, was asked to name her favorite film, this was it. French silent film. (1925)

Nosferatu - Free - German Expressionist horror film directed by F. W. Murnau. An unauthorized adaptation of Bram Stoker's Dracula. (1922)

One A.M. - Free - The first silent film Charlie Chaplin starred in alone. (1916)

Pandora's Box - Free - G.W. Pabst's tragic melodrama about the fate of a carefree seductress, memorably played by Louise Brooks. (1929)

Sherlock Jr. - Free - A comic masterpiece from the silent era. Stars Buster Keaton (1924)

Sherlock Holmes and the Secret Weapon - Free - Sherlock Holmes rescues an inventor of an new bomb site before the Nazis can get him. (1943)

Sunrise: A Song of Two Humans - Free - Made by the German expressionist director F.W. Murnau. Voted in 2012, the 5th greatest film of all time. (1927)

The Adventurer - Free - Charlie Chaplin plays an escaped convict who falls into favor with a wealthy family after he saves a young lady. (1917)

The Birth of a Nation - Free - Directed by DW Griffith. A landmark work in film history (1915) with racist undertones. (1915)

The Bond - Free - A propaganda film created and funded by Charlie Chaplin for theatrical release to help sell U.S. Liberty Bonds during World War I. (1918)

The Cabinet of Dr. Caligari - Free - This silent film directed by Robert Wiene is considered one of the most influential German Expressionist films and perhaps one of the greatest horror movies of all time. Watch the restored version. (1920)

The Count - Free - The Count was Charlie Chaplin's 5th film for Mutual Films. Co-starring Eric Campbell and Edna Purviance, it is a story about Charlie and his boss finding an invitation to a party from a real Count. (1916)

The Cure - Free - Chaplin plays a drunk who checks into a health spa to dry out and comedy ensues. (1917)

The Devilish Tenant - Free - In this Georges Méliès, a new tenant moves in and fills the room with furniture taken from his suitcase. (1909)

The Dreyfus Affair - Free - Georges Méliès' created a short docudrama on The Dreyfus Affair, as it unfolded in France. The film was banned and not seen until the 1970s. (1899)

The Fireman - Free - Charlie Chaplin's second short for Mutual continued his focus on gags and situations-as the title suggests, Chaplin plays the role of an inept firefighter. (1916)

The Floorwalker - Free - Filmed for the Mutual Film Corporation, the film featured the first "running staircase" in cinema history. (1916)

The Four Horsemen of the Apocalypse - Free - Hugely popular silent film that made Rudolph Valentino a star. (1921)

The General - Free - Orson Welles said that Buster Keaton's The General is "the greatest comedy ever made, the greatest Civil War film ever made, and perhaps the greatest film ever made. Alternate version here (1926)

The Goddess - Free - A classic from the Golden Age of Chinese Cinema, starring the silent film icon Ruan Lingyu. (1934)

The Golem: How He Came Into the World - Free - A follow-up to Paul Wegener's earlier film, "The Golem," about a monstrous creature brought to life by a learned rabbi to protect the Jews from persecution in medieval Prague. Based on the classic folk tale, and co-directed by Carl Boese. (1920)

The Golem: How He Came Into the World - Free - The same film as the one listed immediately above, but this one has a score created by Pixies frontman Black Francis. (2008)

The Good for Nothing - Free - Made at the Keystone Studios, the film involves Chaplin taking care of a man in a wheelchair. (1914)

The Great Train Robbery - Free - Early western film by Edwin S. Porter. A landmark in narrative filmmaking. (1903)

The Hearts of Age - Free - The first film/short film shot by Orson Welles. It's a play on Jean Cocteau's movie, The Blood of a Poet. (1934)

The Hunchback of Notre Dame - Free - With Lon Chaney. (1923)

The Immigrant - Free - Charlie Chaplin plays an immigrant coming to the United States who gets accused of theft along the way. (1917)

The Impossible Voyage - Free -Directed by Georges Méliès, this 1904 film, based on a Jules Verne's play, is a satire of scientific exploration in which a group of geographers attempt a journey into the interior of the sun. (1904)

The Kid - Free - This was Charlie Chaplin's first full-length film as a director, and it is still considered one of his best. (1921)

The Lady and the Hooligan - Free - Russian silent film directed by Vladimir Mayakovsky and Yevgeni Slavinsky. (1918)

The Last Laugh - Free - F.W. Murnau's classic chamber drama about a hotel doorman who falls on hard times. A masterpiece of the silent era, the story is told almost entirely in pictures. (1924)

The Little Match Girl - Free - a 40-minute silent film by Jean Renoir based on a story by Hans Christian Andersen. (1928)

The Lodger: A Story of the London Fog - Free - One of Hitchcock's silent classics. A landlady suspects her lodger is a murderer killing women around London. (1927)

The Lost World - Free - The "grandaddy of monster movies," the film adaptation of Sir Arthur Conan Doyle's classic novel about a land where prehistoric creatures still roam. (1925)

The Manxman - Free - This was Hitchcock's last silent film.

The Phantom Carriage - Free - One of the central works in the history of Swedish cinema. Notable for its influence on Ingmar Bergman. Directed by Victor Sjöström, (1921)

The Phantom of the Opera - Free - A classic silent film featuring Lon Chaney as the Phantom. (1925)

The Pleasure Garden - Free - After several collaborative efforts, Hitchcock made his solo directorial debut in the German-British co-production based on a novel by Oliver Sandys.

The Ring - Free - This silent film focuses on a love triangle between two men and a woman. One of Hitchcock's minor works. (1927)

The Sealed Room - Free - Directed by DW Griffith, the film is based on based upon Edgar Allan Poe's "A Cask of Amontillado", with appearances by Mary Pickford and Mack Sennett.

The Seashell and the Clergyman - Free - The first surrealist film ever. Directed by Germaine Dulac. (1928)

The Sheik - Free - Silent film with Rudolph Valentino. (1921)

The Toll of the Sea - Free - The first general release film in technicolor. 1922.

The Tramp - Free - The film made Chaplin's great Tramp character famous. (1915)

The Vagabond - Free - A silent film by Charlie Chaplin that co-starred Edna Purviance, Eric Campbell, Leo White and Lloyd Bacon. Chaplin appears as The Tramp. (1916)

The Wizard of Oz - Free - The earliest surviving film version of L. Frank Baum's 1900 novel. (1910)

The Wizard of Oz - Free - The first major film adaptation of the classic novel. Features Oliver Hardy as the Tin Woodsmen. (1925)

Tillie's Punctured Romance - Free - Among other things, the film is notable for being the last Chaplin film didn't write or direct by himself. (1914)

Trip to the Moon / Le Voyage dans la lune - Free - French black & white silent sci-fi film loosely based on two novels: From the Earth to the Moon by Jules Verne and The First Men in the Moon by H. G. Wells. (1902)

Un Chien Andalou - Free - Salvador Dali and Luis Buñuel's short, silent surrealist film. (1929)

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101 Free Silent Films: The Great Classics

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Watch over 100 free silent films. Including some of the most important films ever made. Watch films by Luis Buñuel and Salvador Dali, Charlie Chaplin, Dziga Vertov, D.W. Griffith, Alfred Hitchcock, Sergei Eisenstein, Fritz Lang, F.W. Murnau and many more. For more great films, please visit our complete collection of Free Movies Online.

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Vídeos sobre cine desde México

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Este es el canal de la página Zoom F.7: http://zoomf7.net/ Espacio dedicado al séptimo arte y a la fotografía.

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Melómano Digital - La revista online de música clásica

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Revista Ritmo - Noticias e información sobre música clásica

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La revista de música clásica RITMO ofrece, tanto al aficionado como al profesional, información completa sobre la vida musical española e internacional, con secciones de opinión, actualidad y crítica, en una publicación mensual a color.

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Revista de música clásica y ópera

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Codalario | La revista de música clásica.

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Codalario, la revista de música clásica.

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Revista musical independiente

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Información sobre músicas del mundo

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Detalles

Global Music Network está ahora representado con varias listas de reproducción temáticas en Spotifiy. Descubre música nueva y emocionante en las diferentes listas de reproducción de música del mundo en Spotify. Compilado exclusivamente por Global Music Network. Obtenga más información aquí:

Detalles

"Crecí en una casa con cuatro gramófonos y llena de instrumentos de cuerda!"

Después de una pausa de siete años, el grupo griego Loxandra Ensemble ha vuelto con nueva música. "In Transition" es el nombre de su nuevo álbum. Loukas Metaxas es uno de los miembros fundadores del Loxandra Ensemble. Global Music Network le habló de los inicios de la banda y su camino hacia "In Transition".

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En abierto

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For many years, Netflix has allowed teachers to screen documentaries in their classrooms: https://help.netflix.com/en/node/57695 However, this isn't possible...

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Blog sobre ficciones del cine, la literatura y el cómic

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William Shakespeare ha fascinado a muchos cineastas, que no han dudado en volver una y otra vez a este autor que, según Harold Bloom (expresando, más que un juicio exagerado, una admiración sin límites), es el inventor de la "personalidad humana". Lo ha hecho en todos los rincones del globo, lejos del teórico ámbito cultural de origen, lo que demuestra la universalidad de su arte: el japonés Akira Kurosawa o el ruso Grigori Kozintsev así lo prueban. Ahora bien, de todos quienes han vuelto una y otra vez al dramaturgo inglés, tal vez sean los más conocidos aquellos que han podido apoyar su aproximación en su propia imagen puesto que, al unir la doble condición de director y actor, pudieron adjudicarse el protagonismo de sus proyectos. Son tres sobre todo, a cuál más distinto. En el ánimo de sus incondicionales, Orson Welles es el único que ha podido tratar a Shakespeare de genio a genio. Para los suyos, Laurence Olivier aporta el toque de prestigio de la escuela británica y de quien, en vida, fue considerado recurrentemente uno de los mejores actores de su tiempo. Llevamos ya dos genios, por tanto, cada uno de los cuales, para que no se crea que estoy siendo sarcástico, firmó alguno de los mejores Shakespeares del cine. El tercero es también británico, por lo que en su día fue saludado como el nuevo Laurence Olivier, y debutó como autor "total" a muy joven edad, como Welles. En sus primeros años, vio brillar con fuerza su luz, si bien con el tiempo, si no apagándose, sí se fue mitigando. Se trata de Kenneth Branagh, quien, eso sí, supera a los otros dos en el número de películas que adaptan la obra de su autor predilecto.

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El nombre de la rosa El péndulo de Foucault La leyenda del Preste Juan
El nombre de Umberto Eco siempre será asociado a una de las mejores novelas que se han escrito sobre la Edad Media, El nombre de la rosa (1980), una de esas ocasiones afortunadas en que la erudición histórica (centrada en las querellas dentro de la Iglesia católica de la época) y la narración pura (adoptando la forma de un "policiaco medieval") han sabido enriquecer la una a la otra para crear un libro deslumbrante. En su segunda novela, El péndulo de Foucault, aun situada en ambiente contemporáneo, Eco asimismo echó mano de su profundo conocimiento de esa época histórica para sazonar con una gran cantidad de elementos sugestivos (el mito del ocultismo templario, la Cábala judía, la alquimia) ese supuesto plan secreto dispuesto desde antiguo que los protagonistas creen inventar y que otros toman por muy real. Finalmente, el novelista regresó plenamente al Medievo con otra obra que asimismo consiguió un gran éxito, Baudolino, que puede considerarse una combinación de las dos previas. De la primera, recoge el mismo propósito (incluso más ambicioso) de ejercicio de reconstrucción histórica a partir de una narración que no concede respiro al lector. De la segunda, el hecho de que su tema central es la creación, por parte del protagonista, de una elaborada fabulación acerca de un reino supuestamente imaginario que, sin embargo, acaba cobrando realidad. Este planteamiento tiene para mí un interés adicional por cuanto esa invención es nada menos que la de una leyenda que lleva fascinándome desde la infancia (¡la descubrí en un tebeo de superhéroes!) y que en esta novela encuentra la mejor plasmación literaria que yo mismo podía esperar: la leyenda del Preste Juan.

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La trilogía con Bette Davis La heredera Horizontes de grandeza
Debo confesar que yo también me he dejado llevar en algún momento por las modas críticas que han azotado la figura de William Wyler. Cuando era pequeño y comencé a fijarme en los nombres de los directores, el de Wyler lo asocié pronto a la garantía de ver películas de calidad. Ahora bien, tan pronto empezaron a caer en mis manos textos críticos -y ya se sabe que este hombre, en los años 50, pasó de tener un gran prestigio a ser considerado el modelo de director impersonal y académico (!)-, yo mismo me convencí de que sus películas eran tan "sólidas" como "limitadas" (!!). El tiempo se encarga de abrirnos los ojos y cualquier revisión seria de su cine deja bien claro que Wyler fue un extraordinario director al que ha perjudicado la diversidad de una carrera larga y estable (confortablemente recompensada con el éxito y, oh cielos, con los Oscars: en este sentido, no hay ningún otro que acumule más premios, en las categorías más importantes, con el conjunto de su filmografía, entre ellos tres propios al mejor director). La crítica de auteur lo contempló con displicencia, pues no parecía propio de tal categoría un director del que se echaba en falta algún tipo de concepto o planteamiento recurrente (de esos que se resumen con una etiqueta, al estilo de John Huston y el "tema del perdedor" o Alfred Hitchcock y el "mago del suspense") ni contaba con ninguna vinculación con intérpretes a los que hubiera convocado secularmente para un mismo tipo de personaje (como John Wayne respecto a Hawks o Ford, o Cary Grant con el mismo Hawks o con Hitchcock). Qué impersonal, cierto.

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Inglaterra puede presumir de haber tenido a los dos reyes que mejor asociamos con el concepto de perfecto caballero medieval. Uno pertenece a la Leyenda, pues es el rey Arturo; el otro pertenece a la Historia, pero él se soñó siempre legendario, y tal vez murió con la amarga sensación de no haber respondido siempre al alto concepto por el que se tuvo. Se trata de Ricardo I, conocido como Ricardo Corazón de León, una figura sobradamente conocida pero no ya por los amantes de la Historia sino por los del cine y la literatura. De hecho, el concepto que tenemos de este soberano dista mucho de corresponderse con el real, puesto que ha engrosado con toda justicia la galería de seres conocidos mejor por su avatar en la ficción que por el que le cupo en suerte en su paso por el siglo. Los niños, al menos en una época de sesiones de cine clásico los sábados por la tarde, aprendimos a reverenciar su nombre porque así lo hacía el gran Robin Hood. En los libros, quienes leímos a Walter Scott (cuando se lo leía) también aprendimos a respetarlo, porque en dos de sus mejores novelas, Ivanhoe y El talismán, dejaba de ser un mero ideal y asumía un papel activo al lado de sus héroes centrales. Pero fue el cine el que definitivamente nos dio otro rey Ricardo, y no me refiero ya a aquellas películas que perpetuaron su imagen gloriosa (incluidas sus siempre salvadoras intervenciones en el ciclo de Robin Hood), sino esas otras en las que, no siendo ya la figura central de sus respectivas tramas (tal vez porque no fue tan importante como se nos ha hecho creer), se nos mostró al Ricardo imperfecto, egoísta, incluso antipático: humano. Sobre todos estos Ricardos quiero hablar en el siguiente artículo.

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Este artículo apareció inicialmente en la revista digital Homonosapiens

Una de esas fascinantes vinculaciones entre distintas expresiones del arte y la ficción que tanto me gusta rastrear la encuentro entre dos obras de dos artistas que no pueden parecer más diferentes: el escritor argentino Jorge Luis Borges y el cineasta chino Zhang Yimou. En el ensayo inicial de su libro Otras inquisiciones(1952) -y sabido es que, en Borges, los límites entre el ensayo y la ficción son muy tenues-, titulado La muralla y los libros, el escritor aborda la figura del hombre que en la historiografía china aparece como el unificador del país. Se trata de Shih Huang Ti (tal como figura en el relato borgiano, que hace uso del anterior método de trasvase de las palabras chinas al alfabeto latino, el llamado sistema Wade-Giles), o Qin Shihuang (según el que ahora es aceptado como el más correcto, tanto por la historiografía como por el sistema llamado Pinyin, el mismo que nos ha arrebatado nuestro entrañable y tradicional Pekín, sustituyéndolo por el más impersonal Beijing). La historia registra que Zheng, soberano de Qin, uno de los siete Reinos Combatientes, fue conquistando todos los demás, a finales del siglo III a. C., unificando el territorio de tal modo que, a partir de ese momento la idea de unidad imperial nunca se perdió, aun cuando el país pasara por épocas de división. De su importancia da fe el hecho de que el término China, por el que se ha conocido siempre a todo el país, procede de esa primera dinastía fundada por Shihuang: es la latinización del término tal como fue transcrita por los romanos, el primer pueblo europeo que supo de su existencia. Como es sabido, el nombre clásico del país siempre fue el de Zhongguo o Reino del Medio (en el sentido de ocupar justo el centro del mundo, apología de la propia identidad que figura en más de un nombre étnico o territorial, comenzando por Alemania).
Los personajes de Star Wars La guerra de las galaxias
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Cierto, yo también creo que no era especialmente necesario que Disney decidiera asomarnos a la juventud y primeros pasos del emblemático Han Solo -como tampoco lo había sido saber cómo fueron conseguidos los planos de la Estrella de la Muerte, en el previo Rogue One (2016). Una de las gracias de todo carismático aventurero de pasado ambiguo es justo eso, la ambigüedad de su pasado, que hace tan atractiva la especulación acerca de su vida anterior al momento en que nos lo presentan, y que permite que cada uno dote de contenido particular a las referencias sugeridas por los diálogos o por los encuentros con antiguos conocidos del personaje en cuestión. Ahora bien, en su voracidad, la Disney había encontrado un modo de no agostar con excesiva rapidez el nuevo filón que había supuesto la compra a George Lucas de su franquicia Star Wars: proponer una nueva trilogía, estrenar sus títulos con menor intervalo que las dos anteriores (de dos en dos años y no de tres en tres) y, jugada maestra, rellenar el año de descanso con eso que los americanos llaman spin off (y nosotros, tan sugestionados por la fácil sonoridad del inglés, hemos dejado sin traducir), esto es, aventuras integradas justo en el pasado anterior al film con el que se inició la saga, la mítica La guerra de las galaxias (1977). La jugada salió muy bien con la antedicha Rogue One, pero pinchó inesperadamente con Han Solo, hasta ahora el único fracaso comercial de la franquicia(¿realmente estas películas pueden perder dinero?). La ironía es que, si Rogue One es un título mediocre y sin interés, Han Solo acaba erigiéndose como un muy estimable film de aventuras espaciales, digno precisamente del film de partida.
La intención de este artículo es referir con algún detalle la trama de esta genial novela de Juan Benet, a modo de pequeña guía que ya me hubiera gustado a mí tener cuando la descubrí por vez primera. Después de varias relecturas (cada una más fascinada que en la anterior) y un artículo previo, me parece haber desbrozado, en la medida de lo posible, la tupida red de indeterminaciones que tanto me desconcertaron entonces (también me ha ayudado, claro, la consulta de análisis y fuentes de información que ahora son más abundantes, o por lo menos más fáciles de encontrar). Por supuesto, no estoy seguro de haber "acertado" en todos sus detalles, de modo que agradeceré la matización (o corrección, claro) de quien la haya comprendido mejor que yo. Con Juan Benet nunca se puede cantar victoria... Volverás a Región: primera aproximación
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Leí por primera vez Volverás a Región (1968) con 17 o 18 años, en ese mágico año en que entonces la secundaria concluía con el llamado COU (Curso de Orientación Universitaria), que contaba con una asignatura de Literatura -en exclusiva: Lengua Española tenía sus propias horas, algo que hoy no existe... y luego nos quejamos de que los estudiantes leen poco-, dedicada además a las letras españolas del siglo XX. Lector hasta ese momento casi en exclusiva de los grandes narradores encasillados para la juventud (Verne, Stevenson, Salgari, Tolkien: mi hito de modernidad era, seguramente, Cien años de soledad, de García Márquez, leído en las madrugadas de cierta semana de exámenes, con las consecuencias de prever para mis notas), a lo largo de ese año me zambullí con ingenua valentía en la literatura "adulta", cuanto más complicada mejor: cayeron libros que no he dejado de amar desde entonces, como Pedro Páramo o La saga/fuga de J. B., más otros venerados un día y devaluados por la relectura ( La colmena) y algunos que si terminé a duras penas fue por esa terquedad propia del final de la adolescencia. Volverás a Región fue uno de estos. Confieso no haber sentido jamás el desaliento como durante su ardua lectura: la mitad de la novela creo que no me enteré de qué rayos me estaba contando Juan Benet. Por entonces no teníamos Internet, claro, y las fuentes posibles que me hubieran aportado información o no estaban a mi disposición o no supe encontrarlas. De ahí que sepulté el libro en mis estanterías (literalmente: no tardó en quedar encerrado en un segundo término) y lo dejé dormir durante más de un cuarto de siglo. Y desde el día en que despertó no ha dejado de contarme cosas.

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Por mucho que yo sea un apasionado de la relectura, nunca creí que volviera a sacar El camino del fondo del estante en que lo dejé después de los lejanos días del bachillerato; es más, ni siquiera había leído ningún otro libro de Miguel Delibes. El recuerdo que guardaba era grato pero superficial, como propio de la historia que se deja leer en su momento pero sin especial estímulo. En principio, tan polvoriento rescate no se debía más que al escrúpulo que tengo por conocer, en lo posible, o recordar, en este caso, los libros cuyas adaptaciones al cine veo, con objeto de situar bien los méritos artísticos (no soporto las críticas que se los adjudican invariablemente al adaptador -por supuesto si lo consideran un "autor" excelso-, como por ejemplo, sucedió en su día con muchos comentarios acerca de la sobrevalorada versión que Martin Scorsese hizo de la excelente novela de Edith Wharton La edad de la inocencia, de tal modo que parecía que el cineasta también había escrito también el libro), y hace poco he repasado la bonita película que sobre el libro de Delibes hizo Ana Mariscal en 1963. Contaba con hacer una lectura más bien ligera, casi un picoteo, y sin embargo me he sorprendido deteniéndome cada vez más placer en los diversos episodios que lo componen, hasta el punto de ir sintiendo una progresiva admiración, sobre todo en su excelente segunda mitad. No en vano, en sus mejores momentos (sobre todo, en su excelente segunda mitad), he encontrado en ella una inesperada, y entrañable, evocación de dos obras por las que siento particular devoción: una película amada hasta la pasión, ¡Qué verde era mi valle! (1941), del genial John Ford, y un universo literario que, desde la infancia, me ha acompañado toda la vida, el del niño inglés Guillermo Brown, creación de la maravillosa Richmal Crompton.
En Café Montaigne: El nombre de la rosa o el otoño de la Edad Media
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Acabo de publicar en la revista digital Café Montaigne una reseña sobre la novela El nombre de la rosa, que en el ya lejano 1980 supuso uno de los mayores éxitos de ventas de la literatura mundial. Su autor, Umberto Eco, era un ensayista sobradamente conocido, e influyente, pero este libro supuso su primera tentativa en el campo de la ficción, que luego seguiría frecuentando con otros títulos por lo común bien acogidos, pero ya sin superar nunca su opera prima. Ahora que tan de moda está la novela histórica, hasta el punto de que los autores nacionales ya deben estar teniendo problemas para encontrar algún reinado, episodio o contexto sobre el que nadie haya arrojado todavía su mirada, conviene recordar que Eco no se limitó a situar una historia en tiempos pretéritos con personajes hablando y comportándose como si hubieran nacido anteayer, sino que efectuó un notable ejercicio de reconstrucción moral y filosófica, cuya gran virtud es saber dar vida al pasado pero sin olvidar que lo que hace perdurable cualquier obra (esté ambientada en la época, género o cultura que sea) es su capacidad para resultar universal. Eco creó además un personaje inolvidable, ese monje investigador que es mucho más que un homenaje a Sherlock Holmes, pues su intensa humanidad lo distingue del mero ejercicio bibliófilo. El artículo que publico en Café Montaigne está extraído de la entrada propia que ya publiqué en este mismo blog, solo que concentrado exclusivamente en el libro. Para quien sienta interés, además, por leer un comentario sobre la excelente versión cinematográfica en la que Sean Connery encarnó a Guillermo de Baskerville, incluyo ese enlace:
I II
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Lucy (2014, Luc Besson). Quién iba a decirme que me rendiría sin paliativos ante una película de Luc Besson, ese cineasta francés empeñado en clonar del modo más adocenado los éxitos del mainstream de Hollywood. Esa admirable sorpresa se llama Lucy, una película que, a priori, no parecía otra cosa que un híbrido de action movie y ciencia-ficción con ecos del cine de superhéroes (esto último lo subraya la presencia de Scarlett Johansson en el papel titular). Y desde luego, en principio no es sino eso, si bien contado con una fluidez avasalladora y, afortunadamente, sintética (su escueto metraje está tan bien ajustado que alargar más la historia la hubiera estropeado). El motor argumental es de estos que tanto gusta al mainstream, precisamente, pues se basa en una idea fácil de asimilar y más o menos contundente: una chica corriente comienza a sufrir una increíble mutación en su cuerpo bajo el efecto de una droga experimental que tiene la capacidad de estimular el completo aprovechamiento de la capacidad cerebral (cuando, nos explican, el ser humano habitualmente utiliza solamente el 10% de la misma). Esa mutación amenaza o bien destruirla o bien convertirla en alguien que, al final, no será ella misma, por lo que emprende una carrera contra el reloj de 24 horas para encontrar una cura antes de la completa absorción de la droga, mientras la mafia taiwanesa que creo esta a su vez la persigue sin descanso. Pues bien, bajo esta premisa, tan válida o tan inverosímil como cualquier otra, Lucy propone uno de los ejercicios narrativos más absolutos que ha visto el cine mundial en los últimos tiempos, tanto que diríase que esa droga es capaz de estimular al espectador tanto o más que a la protagonista, puesto que llega un momento en que lo que se cuenta deja de importar para absorbernos por completo el increíble aluvión de imágenes sugestivas. Además, la trepidante película de acción va evolucionando poco a poco hasta la ciencia-ficción más adulta, para acabar en los terrenos de la pura abstracción, a medida que la protagonista deja de ser Lucy y se convierte en la encarnación de la idea de humanidad, con ese inolvidable recorrido final, sin moverse de la silla donde está sentada, por todas las etapas de la evolución hasta el reencuentro con el primer homínido conocido, precisamente su homónimo, con una fortuna que, mido bien mis palabras, el mismo Kubrick de 2001, una odisea del espacio creo que habría envidiado. Seguir leyendo
I II
Etiquetado Aniquilación, Blade Runner 2049, Lucy, Mad Max Furia en la carretera, mejores películas década de los 10, Mi casa en París, Paterson, Predestination, Star Wars El despertar de la Fuerza, Toy Story 4, Wonder Wheel

Acabo de seleccionar veinte títulos para la votación que sobre las mejores películas de la década de los diez efectúa el muy original y espléndido blog Diccineario, cuyo autor es un gran cinéfilo, Antonio Martín. (Cierto, la década finaliza realmente este 2020, del mismo modo que el siglo XXI comenzó el año 2001 y no el anterior, pero la magia de los cambios "redondos" es muy poderosa en términos de calendario, y de todos modos tan arbitraria, en términos artísticos, es una acotación u otra.) Más de una vez he participado, en la Red o entre amigos, en este tipo de eventos, por los que siento debilidad, y que, en mi caso y sé que en el del mismo Martín, tiene como propósito no pontificar una lista canónica sino señalar una serie de títulos significativos y, sobre todo, permitir a los cinéfilos que lo seguimos compartir gustos y debilidades. A la vista de las obras elegidas, creo que la lista recoge bien la que creo mi principal inquietud frente a la ficción: me encanta la diversidad de ópticas, de géneros, de formas de concebir el cine (o la literatura, o el tebeo, o el arte en general). Hay en ella obras de animación y de acción "real" (también esas otras que combinan ambas al estar realizadas en buena medida mediante efectos digitales); hay cine de autor y cine comercial (incluso cine que, claro, combina de modo estupendo ambas características); hay cine estadounidense (el más numeroso: 12 contra 8 títulos) y cine europeo, incluso asiático; hay obras sobre las ha habido consenso crítico y otras que no lo han tenido, ni mucho menos. En cualquier caso, espero que precisamente esta heterogeneidad haga interesante el pequeño comentario que, a modo tanto de justificación como de invitación a su visionado (es, siempre, el principal objetivo de este blog), acompaña a cada título.

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Etiquetado Caballo de batalla, El Havre, El Soldado de Invierno, El topo, El viento se levanta, En la casa, Fausto Sokurov, Interstellar, Las dos caras de enero, mejores películas década de los 10, No habrá paz para los malvados

Érase una vez un musical que tenía muy mala fama y respondía al nombre de Los paraguas de Cherburgo. Para este joven cinéfilo que amaba el género tal y como lo planteaba Hollywood, había motivo para desconfiar de un film que, para empezar, no era estadounidense sino francés, donde hasta la frase más trivial se cantaba, sin la menor pausa, y donde no se bailaba, toda una herejía para quienes crecimos con Gene Kelly, Cyd Charisse y Fred Astaire. Encima, las informaciones señalaban que lo que se contaba cantando y cantando sin parar era una vulgar historieta de amor entre dos jovencitos que se amaban y se separaban, sin mayor alternativa argumental. Y para colmo, las valoraciones críticas que podían encontrarse no se cansaban de insistir en un mismo calificativo: cursilería, al que hacían preceder del demoledor adjetivo desarmante. Pues bien, la mejor forma de comprobar la calidad de cualquier obra de arte siempre será asomarse a ella. Y Los paraguas de Cherburgo (1964), asumiendo con naturalidad esa evidente tentación por la cursilería que planea siempre sobre ella, supone una operación de verdadera radicalidad en torno al concepto clásico de musical, tanto por su completo contenido cantado como por plantearlo a partir de una atmósfera de sencilla melancolía que, increíblemente, justifica por completo la estructura. La sorpresa se saldó con un éxito monumental, por lo que tres años después el mismo equipo ejecutó un segundo musical, Las señoritas de Rochefort (1967), esta vez en términos más ortodoxos pero con resultados igualmente encantadores. Dos películas que, además, pueden esgrimir el singular valor de constituir los únicos musicales no estadounidenses que han podido competir con sus grandes títulos.

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Acabo de publicar en el blog literario Recuerda que has leído un breve artículo sobre Mujercitas, ese clásico de la literatura "para niñas" que últimamente se reivindica bastante, sobre todo desde un punto de vista feminista. En él, intento señalar tanto sus indiscutibles méritos como sus evidentes lastres, en realidad tan interprenetrados unos de otros que esto constituye uno de sus principales atributos. El artículo supone, por otro lado, una reelaboración de uno anterior publicado en este mismo blog, en el que hacía pareja con otro ejemplar de la novelística juvenil leído durante décadas, el Ben-Hur de Lewis Wallace, solo que el libro de Louisa May Alcott vive un esplendor editorial y el otro no consiguió revitalizarlo ni su reciente (y ya del todo olvidado) remake. Como complemento al artículo, quiero hacer una pequeña reseña, precisamente, sobre la nueva adaptación cinematográfica del libro de Alcott que acaba de estrenarse, si bien, por una vez, diríase que es el revival literario el que ha justificado la existencia del film y no al revés, como tantas veces ha sucedido. Conviene recordar que, en el caso de Mujercitas, los magnates del cine siempre se han empeñado en ofrecer a cada generación una nueva versión, como han hecho con otros libros de fervor popular. Descartando dos ignotas adaptaciones realizadas durante el cine mudo, en concreto llevamos cuatro. De la primera, Las cuatro hermanitas (1934), dirigida por George Cukor, poco puedo decir pues guardo un recuerdo lejanísimo de ella, salvo para señalar que el hoy absurdo título parece deberse a que así fue traducida en alguna de las primeras versiones españolas del libro. La segunda, ya titulada Mujercitas (1949), es la más popular y todavía suele visitar los hogares navideños a través de la televisión. La tercera, de 1994, me aburrió muchísimo en su día: es la clásica película que no se esfuerza en absoluto en aportar algo que induzca a pensar que su existencia tenga valor por sí misma y no por vampirizar un libro que podía haberse ahorrado semejante ilustración. La coetánea, en cambio, me ha parecido una película de lo más estimable, incluso con momentos excelentes, sobre todo porque, por una vez, es una adaptación que sí se esfuerza en ofrecer algo distinto, aun siendo muy fiel al original. Es cuestión de enfoque, de tono: de creatividad.
Episodio VII Episodio VIII
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El cierre de la coetánea saga Star Wars (al menos hasta que la voraz Disney decida que es hora de recargar la hucha) confirma definitivamente lo que ya habíamos constatado en los dos episodios anteriores: que esta tercera trilogía no es sino una reformulación de la primera, la que lo inició todo, la estrenada entre los años 1977 y 1983, de tal modo que cada nuevo título recoge los elementos de la película correspondiente, combinando, eso sí, a los personajes clásicos (lógicamente envejecidos, lo cual permite incluir un matiz crepuscular) con los nuevos (con los héroes igualmente agrupados en un triángulo formado por dos hombres y una mujer, y un tenebroso antagonista de enormes poderes). Así pues, Star Wars: El ascenso de Skywalker se remite a El retorno del Jedi (1983) del mismo modo que el capítulo anterior, Star Wars: Los últimos jedi (2017) lo había hecho con respecto a El Imperio contraataca (1980), esto es, con los rebeldes (ahora llamados la Resistencia) al borde casi de la aniquilación después del terrible cerco a que los ha sometido el nuevo imperio totalitario, conocido ahora como la Primera Orden. Pues bien, El ascenso de Skywalker calca casi literalmente las líneas maestras de El retorno del Jedi, de tal modo que brinda el triunfo de la Luz contra la Oscuridad en una sola batalla, en cuyo decurso perece el líder supremo de los villanos. Con una diferencia: el film de 1983 plasmaba esta idea sin credibilidad y mediante un conjunto de soluciones argumentales que conducían a la saga al terreno de su propia parodia, mientras que los responsables del presente título (liderados por J. J. Abrams en su regreso a la trilogía, después del "descanso" del film anterior, el peor del conjunto) consiguen llevar a buen puerto el mismo planteamiento, con una coherencia dramática, una fluidez narrativa y un conocimiento de los personajes que ya nos hubiera gustado a quienes, en su día, no soportamos El retorno del Jedi.

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Pocas películas construidas a partir de un personaje real (por mucho que su trayectoria esté adaptada y reformulada al servicio de un mensaje) consiguen presentarlo con la fuerza dramática que posee el arranque de ¡Viva Zapata! (1952). Se trata de la embajada que unos humildes campesinos del estado de Morelos realizan ante el ya muy veterano dictador Porfirio Díaz para pedirle justicia en el caso de las tierras que la oligarquía local les ha arrebatado, mas el presidente, exhibiendo un paternalismo condescendiente, los despacha con palabras vagas, pidiéndoles paciencia. El plano general muestra al grupo comenzando a marchar, desconcertados, hacia la salida, revelándose así que uno de ellos, hasta entonces tapado por el conjunto, se queda inmóvil en el mismo sitio y entonces exclama: "Hacemos el pan con trigo, no con paciencia". Elia Kazan se implicó a fondo, con la ayuda del escritor y aquí guionista John Steinbeck, en el dibujo de ese hombre que no tardaría en convertirse en uno de los líderes más respetados de la Revolución mexicana, Emiliano Zapata, construyendo una muy ambiciosa reflexión sobre el fenómeno revolucionario que pretende recoger todas sus múltiples y contradictorias facetas. Así, y a partir del dibujo del personaje central (por supuesto, esquemático para quien lo confronte con el original), la película tiene tiempo de mostrar el doppo della revoluzione, y con ello la inevitable degradación de los ideales y, en especial, de esos hombres que hicieron posible el triunfo pero que, terminada la lucha, no saben cómo reemprender la vida "civil" pues tantos años con las armas en la mano no los han preparado para la paz.

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William Shakespeare ha fascinado a muchos cineastas, que no han dudado en volver una y otra vez a este autor que, según Harold Bloom (expresando, más que un juicio exagerado, una admiración sin límites), es el inventor de la "personalidad humana".

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Soy Tambor 2015. Documental sobre el candombe y sobre la comunidad afro uruguaya en Buenos Aires. El candombe es más que música, es parte de la identidad de los afro uruguayos y un símbolo de resistencia cultural. ...

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Cine, series y TV. Estrenos, críticas y audiencias

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Aunque para muchos sea poco menos que un pecado capital y un claro motivo para la retirada del carnet de fan -si es que algo así existe-, no puedo negar que he disfrutado plenamente, casi como un crío, de la última trilogía de Star Wars;...

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Aunque para muchos sea poco menos que un pecado capital y un claro motivo para la retirada del carnet de fan -si es que algo así existe-, no puedo negar que he disfrutado plenamente, casi como un crío, de la última trilogía de Star Wars;...

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"Siempre llegarás a alguna parte si caminas lo suficiente"

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Blog sobre música norteamericana de Fernando Navarro en El País

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La heroína del 'indie' se encerró en el campo para componer un álbum que transformó su figura en algo más vulnerable

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El músico, que ofrece un panorama musical vibrante y ecléctico, ha sabido llevar a su público a otro territorio

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El grupo, que se distinguió en los noventa por su personalidad poderosa e inquebrantable, sonaba con la furia de los bares que no cierran a la hora prevista

El músico, devorado por su personaje de icono estadounidense, publica un nuevo disco en el que busca un ejercicio de estilo y falla otra vez en la producción

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Músicas de todo el mundo, para todo el mundo

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