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En este articulo podemos encontrar información de las mujeres que eran identificadas como flappers y el impacto que tuvieron, como las veía la sociedad y que las diferenciaba. Esto nos sirve para nuestro trabajo final ya que gran parte de la mujeres de la bauhaus eran parte de este movimiento.

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Puede que la nueva adaptación de El gran Gatsby no sea recordada por su rigor histórico, pero sí por la espectacularidad y la creatividad estética a la que su director nos tiene acostumbrados. Los trajes creados por Catherine Martin y Miuccia Prada para ilustrar la obra de Fitzgerald sobre el derroche y la ostentación de los locos años '20 nos aseguran que dicha novela tendrá una réplica igual de lujosa en la pantalla. Pero además de deleitarnos con su dirección artística, el revuelo generado en torno a Gatsby hará que leamos o escuchemos muchas veces la palabra flapper, un modelo de mujer que cambió la historia y la moda para siempre.

Cuentan que flapper fue en su origen un término británico acuñado para referirse a las mujeres que parecían adolescentes. También que flapping era el vocablo utilizada para expresar el aleteo de los brazos. Ambas son, en cualquier caso, expresiones adecuadas para aquellas mujeres que desafiaron las convenciones sociales bebiendo, fumando, bailando, conduciendo y potenciando un tipo de belleza contraria a los cánones de la época.

La efímera incorporación de la mujer al trabajo durante la I Guerra Mundial y el sentimiento de carpe diem que sucedió a los horrores de dicha guerra propiciaron el surgimiento de mujeres que querían ser tenidas en cuenta no sólo en el ámbito de los derechos civiles, también en el de los quehaceres cotidianos. Así, su primer acto "reivindicativo" fue sustituir el corsé por fajas que reprimían cualquier forma femenina. Y sobre estos cuerpos artificialmente andróginos vestían trajes rectos de corte bajo que dejaban al descubierto sus rodillas cuando bailaban o corrían.

Desafiando el ideal de belleza del momento, las flappers se arreglaban usando enormes cantidades de maquillaje y joyas, prácticas que por entonces estaban reservadas a las prostitutas. Practicaban deporte, algo igualmente inconcebible, y lo hacían enjoyadas y llenas de adornos.

Actrices entonces famosas como Louise Brooks o Clara Bow popularizaron entre las jóvenes americanas el bob cut y el sombrero cloche, o lo que es lo mismo, el pelo corto y el sombrero ajustado en la cabeza, que contrastaban con los aparatosos sombreros y las largas melenas que proclamaba la moda de la época.

El estilo de las flappers no era el de la garçonne, las mujer travestidas con vestuario masculino al estilo de Marlene Dietrich, sino el de una nueva generación de jóvenes que basaban su estética en la transgresión. Siluetas y conductas masculinas adornadas con vestidos lujosos, accesorios pomposos y maquillaje provocador. Una nueva mujer que no quería ser un hombre, pero tampoco quedar relegada al papel que su década le concedía.

En lo relacionado con la moda y la estética, a ellas les debemos la retirada del corsé, la introducción del maquillaje o la libertad para elegir peinado. Pero, sobre todo, las flappers fueron las que desviaron la atención de la aristocracia y se la concedieron a las celebrities. Cantantes, bailarinas o actrices de cine mudo se convirtieron, por primera vez, en trendsetters y desde su posición mediática reivindicaron su peculiar estilo y actitud.

Hasta tal punto fue así que la expresión it girl se la debemos a ellas: a la actriz Clara Bow se le apodaba así por el atractivo que desprendía su conducta. Poco después protagonizaría, una película sobre una chica normal que ejerce un extraño magnetismo sobre su entorno.

Pero si hubo dos it girls flappers que pasaron a la historia fueron sin duda Coco Chanel y Zelda Fitzgerald: la primera, por reivindicar a la mujer activa y lograr con ello renovar de una vez por todas el vestuario femenino. La segunda, por ser el icono de estilo de la década y la inspiración de Fitzgerald para muchos de sus personajes femeninos. Ella es la Jordan Baker de la película, pero también es un poco Betty Boop, el dibujo animado que se creó aquel año emulando algunos de las claves de estilo de la flapper.

Es muy probable que la ambientación y el vestuario de 'El Gran Gatsby' creen tendencia en los próximos meses. Por eso es importante tener en cuenta que en cada vestido o cada editorial inspirado en ella se esconde la historia de muchas mujeres que contribuyeron un poco a ser lo que hoy somos.

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Las flappers, esas mujeres a las que la moda actual les debe todo | Actualidad, Moda | S Moda EL PAÍS

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Puede que la nueva adaptación de El gran Gatsby no sea recordada por su rigor histórico, pero sí por la espectacularidad y la creatividad estética a la que su director nos tiene acostumbrados.

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En este articulo podemos encontrar las razones por la cual esta escuela fue muy importante en la historia del diseño, debido a ser precursora de estilos de diseño que hoy en día se siguen implementando, ademas también de los diseñadores que salieron de esta, pero que curiosamente no hay muchos registros de mujeres diseñadores que se graduaron de aqui.

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Sólo hicieron falta unos años (de 1919 a 1933) para que la Bauhaus ( nombre derivado de la unión de las palabras en alemán "Bau": construcción y "Haus": casa) superara la función de cualquier centro de enseñanza y se convirtiera no sólo en la primera escuela de diseño del s. XX sino en todo un movimiento artístico que se convirtió en todo un referente internacional de la arquitectura, el arte y el diseño.

Fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura surgida de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios por medio del arquitecto Walter Gropiusen Weimar (Alemania) yconocida oficialmente como la Staatliches Bauhaus ("Casa de la Construcción Estatal").

Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, los procesos políticos y sociales tuvieron gran influencia. Con el final de la primera guerra Mundial comenzaron a surgir movimientos revolucionarios que aspiraban provocar una renovación radical de la cultura y la sociedad que con la necesidad de encontrar nuevos caminos en cuanto a diseño y composición.

El objetivo de la escuela, encabezado por Gropius, era reformar la enseñanza de las artes para lograr una transformación de la sociedad burguesa. Su contenido crítico y compromiso de izquierda causarían su cierre en 1933.

Para Gropius la base del arte estaba en la artesanía: los artistas tenían que volver al trabajo manual.

Con ella se trataba de unir todas las artes estableciendo así una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana, " desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo " (Heinrich von Eckardt).

Por primera vez, el diseño industrial y gráfico fueron considerados como profesiones ya que se establecieron las bases normativas y los fundamentos académicos tal y como los conocemos en la actualidad (antes de la Bauhaus estas dos profesiones no existían del modo en que fueron concebidas dentro de esta escuela).

Uno de los principios establecidos desde su fundación fue " la forma sigue a la función", por lo que en arquitectura los diferentes espacios eran diseñados con formas geométricas según la función para la que fueron concebidos.

La Bauhaus es sinónimo de modernidad, de colores primarios, nuevas concepciones del espacio y de la forma e integración de las artes.

La escuela tuvo su sede en tres ciudades: Weimar, Dessau y Berlín en las que se distinguen tres etapas:

La primera etapa en Weimar abarca desde la fundación de la escuela en 1919 hasta 1923.

Desde el momento de su apertura se establecieron los objetivos de la escuela recogidos en el manifiesto de la Bauhaus: " La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público".

Con la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad se pretendía eliminar las diferencias entre artistas y artesanos además de intentar vender sus propios productos realizados en la escuela para dejar de depender del Estado (que hasta ese momento era quien los subsidiaba).

En 1923 el gobierno exigió a la escuela muestras de lo que estaban trabajando por lo que se realizó la Primera Exposición de la Bauhaus.

Durante seis meses, los alumnos trabajaban en los distintos talleres. Así, bajo la metodología de "aprender trabajando", se formaban en las distintas áreas para descubrir sus preferencias y orientarse para su posterior formación: trabajaban con piedra, madera, metal, barro, tejidos, vidrio, colorantes y tejidos mientras se le enseñaba dibujo y modelado. Aprendían las pautas básicas de diferentes oficios y el trabajo con materiales nuevos para la elaboración de edificios y todo tipo de objetos.

En este tiempo realizaban también un curso obligatorio " vorkurs", conocido posteriormente como " Método Bauhaus ", creado por el arquitecto Johannes Itten, donde se investigaba los principales componentes visuales en textura, color, forma, contorno y materiales.

De esta forma, al salir de la escuela, salían con una formación completa: dibujo, modelado, fotografía, diseño de muebles, escenificación, danza, tipografía...

Los pintores Paul Klee y Kandinsky se unieron a la escuela en esta primera época: Paul Klee dando clases de composición en el taller de tejidos ( su enseñanza se basaba en las formas elementales y el arte debía hacerlas visibles) y Kandinsky, en el taller de pintura mural y dando clases en el curso de diseño básico junto con Klee.

Es la fase idealista , expresionista y de experimentación de formas, productos y diseños.

Se utilizan las formas geométricas básicas (el círculo, el cuadrado y el triángulo) junto con los tres colores primarios como base aunque los colores principales fueron negro, blanco y rojo.

La segunda etapa abarca de 1923 hasta 1925.

A partir de 1923, la Bauhaus llevó a cabo un cambio de dirección con la incorporación como profesor de László Moholy-Nagy, que supuso la introducción de las ideas del Constructivismo Ruso y el Neoplasticismo ( movimiento artístico iniciado en Holanda con el ideal de llegar a la esencia del arte eliminando lo superfluo).

Se abogaba por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. De esta época datan los escritos teóricos más influyentes de la Bauhaus como los realizados por Kandisky y Klee.

Aunque la metodología estaba basada en una "investigación de la esencia"y un "análisis de la función", la influencia de la estética creada por la Bauhaus fue minoritaria y hubo que esperar a los años sesenta para que estas ideas se popularizaran comercialmente.

En esta época Herbert Bayer, que estudió en la escuela durante 4 años, fue el publicista más destacado de la Bauhaus y Gropius lo nombró director de impresión y publicidad. En 1925, siguiendo el principio de eliminar lo superfluo y dejar lo esencial, diseñó un estilo tipográfico en donde eliminó las mayúsculas y las serifas, creando una fuente geométrica, universal, cuya versión digital recibe el nombre Architype Bayer. Con estos principios se estableció un nuevo estilo tipográfico y los fundamentos de la Nueva Tipografía.

La tercera etapa transcurre desde 1925 hasta el cierre de la escuela en 1933.

La gran depresión desencadenó la necesidad del cambio de sede de la escuela en Dessau en 1925, una ciudad industrial ansiosa por potenciar su oferta cultural.

En esta nueva sede, la escuela se instala en el edificio más emblemático de la Bauhaus diseñado por Walter Gropius: La Escuela Bauhaus (1925-1926), de planta asimétrica, con pabellones a diferentes alturas y predominio de ventanas horizontales (característico de la arquitectura racionalista).

En esta época se llevaron a cabo grandes fiestas (generalmente temáticas: fiesta blanca, fiesta del metal...) en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas con el objetivo de fomentar el trabajo en equipo y promover la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos, ya que la escuela estaba considerada como socialista y contaba con más de un enemigo.

En 1925, debido a las continuas presiones del gobierno, Moholy-Nagy abandona la escuela y dos años después, Walter Gropius deja la dirección a manos del suizo Hannes Meyer.
Junto con Gropius, varios profesores abandonaron la escuela y en 1930 la dirección pasó a cargo de Ludwing Miës Van Der Rohe.

Con la llegada de los nazis a Dessau en 1932 vino el cese de la ayuda financiera a la institución por parte del gobierno y la escuela se trasladó a Berlín hasta que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933 por las autoridades alemanas nazis para eliminar cualquier rastro de "cosmopolitismo judío" y de arte "decadente y bolchevique".

La obra de la Bauhaus en Weimar y en Dessau fue nombrada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996.

Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos que fueron perseguidos por el régimen huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos donde siguieron con sus ideales y donde László Moholy-Nagy estableció La Nueva Bauhaus: el Instituto de Diseño de Chicago.

Si os quedáis con curiosidad de lo que se llegó a producir os dejamos un link que es todo un lujo, por planteamiento y porque no falta detalle: desde biografías por orden alfabético hasta los trabajos clasificados por diferentes materiales. Todo ello organizado por años, ciudades... Una auténtica pasada!: http://bauhaus-online.de/en/atlas/das-bauhaus

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Bauhaus, la primera escuela de diseño del siglo XX | cultier

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Sólo hicieron falta unos años (de 1919 a 1933) para que la Bauhaus ( nombre derivado de la unión de las palabras en alemán "Bau": construcción y "Haus": casa) superara la función de cualquier centro de enseñanza y se convirtiera no sólo en la primera escuela de diseño del s.

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Podemos ver claramente como en este articulo, presenciar como no se tenia muy en cuenta el talento a la mujer diseñadora y no se le daba el papel protagonico que se merecían.

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Autoría:

Algunos de los más famosos iconos del mundo del arte en el siglo XX emergieron de la Escuela de la Bauhaus, una institución académica cuya creatividad nos sigue sorprendiendo en nuestros días y con razón: muchas de sus creaciones abrieron el sendero de la vanguardia en el arte moderno.

Mucho se ha escrito sobre de artistas y maestros de la Bauhaus como Josef Albers, László Moholy-Nagy, Mies van der Rohe, Paul Klee o Wassily Kandinsky, pero poco o casi nada sobre el trabajo de las mujeres que también enseñaron, estudiaron y crearon un innovador cuerpo de trabajo en la Bauhaus misma y que, si acaso son recordadas, solo es como esposas de éstos.

En la década de los 20, a las mujeres ya se les permitía estudiar en esta escuela -muchas otras instituciones académicas aún lo prohibirían durante años- pero el mismo Walter Gropius, fundador de la Bauhaus, alentaba la distinción entre las labores 'femeninas' y aquellas artes de naturaleza 'masculina', ofreciendo a las mujeres muchos más talleres de tejido en telar, mientras que los hombres se enfocaban en la pintura, la arquitectura o la escultura y talla en madera.

Gropius, de hecho, creía que las mujeres sólo podían pensar en dos dimensiones, mientras que los hombres siempre lo habían hecho en tres.

En reconocimiento al trabajo de estas vanguardistas, seleccionamos tan sólo unas cuantas:

Anni Albers

Albers llegó como estudiante a la Bauhaus en 1922 y muy pronto dominaría la técnica de los telares siendo capaz de crear en tejido lo que artistas como Paul Klee pintaban en lienzos. Su trabajo tuvo un considerable impacto en la abstracción geométrica que luego adoptarían otros docentes de la Bauhaus incluido su esposo, Josef Albers a quien conoció en la escuela.

Lilly Reich

La mujer detrás de Mies van der Rohe con quien desarrollaría el Pabellón de Barcelona y la Casa Tugendhat, dos edificios emblemáticos de la historia de la arquitectura moderna. En 1932, Reich se convertiría en la Directora del Departamento de Diseño Interior de la Bauhaus.

Otti Berger

Otti Berger fue la directora del departamento de Tejidos de la Bauhaus durante un tiempo, y después abriría una tienda en Berlín llamada Atelier for Textiles que gozó de gran fama, hasta que debido a su fe judía se le prohibiría trabajar. Fallecería en 1944 en Auschwitz.

Marianne Brandt

El trabajo de Brandt impresionó tanto a László Moholy-Nagy que en 1924 abrió un espacio para ella en el taller de trabajo en metal, una disciplina prohibida a mujeres. Marianne Brandt creó algunas de las más icónicas piezas de diseño que se asocian con la Bauhaus, incluyendo un cenicero de metal de forma esférica que pertenece a la colección de diseño del MoMA.

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Las mujeres de la Bauhaus: pioneras y vanguardistas | E-mujeres

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Algunos de los más famosos iconos del mundo del arte en el siglo XX emergieron de la Escuela de la Bauhaus, una institución académica cuya creatividad nos sigue sorprendiendo en nuestros días y con razón: muchas de sus creaciones abrieron el sendero de la vanguardia en el arte moderno. Mucho...

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En este articulo se habla de forma general de las mujeres que la escuela bauhaus dejo de lado al no darles los méritos que cada artista merecía o dárselos en nombre de sus esposos, entre otros casos.

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Este año se celebra el centenario de la Bauhaus, la escuela de arquitectura y artes aplicadas que promovió el funcionalismo, y de la que salieron figuras imprescindibles en la historia del diseño. Muchas de estas fueron mujeres emancipadas y con vocación artística, que se matricularon atraídas por las promesas de igualdad de los folletos del centro educativo más progresista de la época. Con el tiempo, en cambio, se enfrentaron a una actitud ambigua por parte del profesorado y, en la mayoría de los casos, a la invisibilidad y la falta de reconocimiento público de su trabajo.

Jugaban al tenis, llevaban el pelo corto, vestían pantalones, iban al cabaret, escuchaban jazz y eran dueñas de su propia sexualidad. Eran las 'flappers', el prototipo de mujer moderna que exportó el cine mudo americano en la gran pantalla y que las jóvenes alemanas asumieron sin pestañear. Con la Primera Guerra Mundial -el reclutamiento de hombres para el frente y las necesidades industriales derivadas del conflicto bélico- las mujeres salieron de casa y accedieron a esferas hasta entonces solo reservadas para los hombres. Por su parte, la Constitución de Weimar de 1919 había dado un paso de gigante en su emancipación, reconociendo sus derechos a voto y a estudiar en cualquier centro educativo.

En ese escenario nació la más revolucionaria escuela de arte y diseño que haya existido nunca: la Bauhaus, un volantazo educativo y pedagógico basado en la experimentación y la creatividad, que buscaba englobar toda la actividad artística en una nueva arquitectura reunificando todas las disciplinas artesanales -escultura, pintura, artes aplicadas y manuales- "como partes inseparables de la misma" y "sin fronteras entre arte monumental y decorativo".

Una utopía que apenas duró 14 años, ya que, reprimida por las fuerzas nazis, que la tacharon de "nido de comunistas", echó el cierre en 1933 dejando, eso sí, un bonito cadáver: tres sedes -Weimar, Dessau y Berlín-, otros tantos directores de altura -Gropius, Meyer y Mies van der Rohe- y un legado que la sitúa como un referente indiscutible de la arquitectura, la tipografía, el diseño industrial, al que siguieron (seguimos) mirando de reojo en busca de musas e inspiración un siglo después.

"La Bauhaus no fue la primera escuela de diseño", aclara Isabel Campi, diseñadora, historiadora de arte, presidenta de la Fundación Historia del Diseño, que no ha parado de estudiar la Bauhaus desde hace 40 años. "Había otras, pero esta fue tan importante porque fue muy dogmática, dejó muchos testimonios escritos, y tuvo grandes profesores, como Klee y Kandinsky. Además evolucionó rápidamente, empezando como escuela de artes aplicadas de vanguardia, mutando hacia una enseñanza metodológica y terminando como una escuela de arquitectura".

Tampoco fue la primera escuela superior mixta de Alemania, pero sus requisitos de admisión dejaban meridianamente claro que abrazaban con igual fraternidad a " todas las personas sin antecedentes, sin limitaciones de edad ni sexo, cuya preparación sea considerada suficiente por el consejo de maestros de la Bauhaus y mientras se disponga de plazas suficientes".

Folletos con sugerentes eslóganes como "¿Estás buscando la verdadera igualdad como mujer estudiante?" eran la horma del zapato de estas jóvenes recién emancipadas con inquietudes artísticas. Algo que se dejó notar ya desde el primer curso, en el que el número de matrículas femeninas fue bastante similar al de masculinas (51 mujeres frente a 61 hombres).

Pero, ¿fue real esa igualdad que prometían? La respuesta correcta es: con matices. Si bien a priori la escuela no hacía distinciones por cuestión de género, cuando Walter Gropius -el fundador- y sus camaradas se dieron cuenta de que aquello de admitir a las mujeres se le estaba yendo de las manos tomaron medidas. "Había entre el profesorado señores que venían del siglo XIX, con otra mentalidad", explica Campi, "y tenían miedo de dar una imagen de escuela femenina de artes aplicadas porque ellos querían destacar como una escuela superior de arquitectura". Su terror, según expresó el escultor Oskar Schlemmer, era que "dos talleres, el de cerámica y el de tapicería, se convirtieran en los más populares de la escuela".

"Aquí hay demasiadas mujeres"

El propio Gropius afirmó: "Es necesaria una estricta selección, sobre todo en cuanto al número demasiado elevado del sexo femenino [...]. No debemos hacer experimentos innecesarios". Así, las leyes darwinianas del "sexo fuerte y el sexo bello" debían encargarse de ir haciendo la criba natural (al fin y al cabo, según llegaron a defender algunos de sus integrantes, ellas no estaban capacitadas para la visión tridimensional). Esta selección consistía en empujar sutilmente a las mujeres después de terminar el curso común hacia los "talleres femeninos" -como el textil o el de cerámica-, mientras que los de metal o carpintería quedaban reservados mayoritariamente para los hombres.

Esto no evitó que algunas se rebelaran, como Marianne Brandt, la primera mujer admitida en el programa de metalistería de la Bauhaus, cuyos diseños todavía comercializa hoy Alessi. El libro Bauhaus Gals, de Patrick Rössler, que edita este año Taschen, recoge su historia junto con la de cerca de 90 artistas y artesanas, a través de textos y retratos, descubiertos recientemente en los archivos de la escuela.

La de Lucia Moholy, por ejemplo, quien "tomó fotografías emblemáticas de los edificios de la Bauhaus pero pasó el resto de su vida intentando recuperar los negativos que le fueron ocultados", cuenta el trabajo de Rössler.

Aunque en la mayoría de los casos sus nombres quedaron a la sombra del de sus maridos, sus piezas fueron atribuidas a "la Bauhaus" y su reconocimiento les llegó muy tarde, "en general consiguieron salirse con la suya y labrarse su camino", considera Campi.

La universidad intentó disuadir a Gertrud Arndt de estudiar arquitectura, pero brilló como fotógrafa y diseñadora de alfombras. Algunas de las que habían llegado con la vocación de ser pintoras o arquitectas pasaron al plan B e hicieron de la rueca y de la aguja sus instrumentos de expresión... y brillaron, incluso convirtiendo el taller en "uno de los mejores gestionados y el que mejor hizo el tránsito de la arquitectura al diseño", según Campi.

El arte textil que conquistó el MoMA

Una de ellas fue Anni Albers, la primera artista textil en exponer individualmente en el MoMA (1949) y cuya exposición retrospectiva se pudo ver en Tate Modern (Londres) hasta el 27 de enero. Fue alumna de Paul Klee, y con él consiguió desarrollar su propia línea creativa hacia la abstracción. Apabulló con su diseño de un tejido insonoro, reflectante y lavable concebido especialmente para auditorios y desarrolló un estilo propio y personal que seguiría cultivando durante toda su vida, incluso en Estados Unidos, a donde tuvo que emigrar junto a su marido por la persecución nazi. Allí dio clases en la vanguardista Black Mountain College, la escuela que recogió el testigo de la Bauhaus en el exilio, que alternaba con viajes a Sudamérica para seguir aprendiendo técnicas de civilizaciones precolombinas. Hoy nadie pone en duda su obra.

Habitación para los niños de la casa Haus am Horn, con los muebles diseñados por Alma Buscher.

También comenzó en el taller textil Alma Buscher, quien sin embargo pronto se dio cuenta de que los hilos no eran lo suyo. Quería "más madera" (literalmente), y dio el salto al taller de carpintería, donde enseguida destacó con sus diseños sagaces y escandalosamente modernos de marionetas y juguetes para niños, que se siguen fabricando hoy.

Su principal obra fueron los muebles de la casa Haus am Horn para la Exposición de la Bauhaus en 1923, toda una declaración de intenciones de los principios de la Bauhaus: un diseño para una vida relativamente asequible desde el punto de vista económico. Se podía ver por ejemplo en la distribución, que mantenía la habitación de los niños en el campo visual de quien estuviera en la cocina, una solución para aquellas familias que no podían permitirse contratar personal de servicio (algo que a su vez definía el rol de la mujer en la familia).

El precio de intentarlo

Batallar en campo de hombres implicaba demostrar el doble para mantenerse a flote y crecer. Marianne Brandt aceptó el reto. No le valía estar en otro equipo que no fuera el de Vulcano, y se batió el cobre bien batido hasta que la admitieron en el taller de metal. Esto le costó no pocas novatadas, como que le mandaran hacer todas las tareas repetitivas y tediosas con la esperanza de que tirara la toalla. Al final, hasta su profesor, el escultor László Moholy-Nagy, tuvo que rendirse a la evidencia y reconocer que tenía ante sus ojos a una superestrella, que incluso acabaría sustituyéndolo en su cargo.

Su extraordinaria capacidad para unir funcionalidad y diseño hizo que sus icónicas piezas se siguieran produciendo incluso durante el periodo de entreguerras. Ella es la creadora, nada menos, que de la lámpara de mesa Kandem 702, además de la tetera M 49 y de juegos de café y ceniceros que se exponen entre terciopelos rojos en el MoMA y en el Metropolitan Museum of Art (Met) de Nueva York. Aunque todos sus objetos son reconocidos como algunos de los superventas de la escuela en las épocas de Weimar y Dessau, durante mucho tiempo no le fueron atribuidas y se firmaron con el nombre genérico de Bauhaus y no con el que merecían: Marianne Brandt.

Algo parecido sucedió con Lilly Reich, a la que se ha considerado como "esa gran mujer al lado de Mies van der Rohe". Fue su pareja y también su colega en algunos de sus proyectos más importantes en la década de los 30, como el Pabellón de Alemania en la exposición de Barcelona, la Casa Tugendhat, la Casa Lange o el Café de Terciopelo y Seda, y llego a ser directora del departamento de Diseño de Interiores de la Bauhaus, aunque su nombre ha tardado en trascender.

"Su obra desapareció y fue una investigadora del MoMA la que descubrió, cuando seguía la pista a la documentación de Mies van der Rohe, que había muchos bocetos firmados como L.R. En mi opinión los trabajos de ambos, como en cualquier estudio de arquitectos actual, se fusionan, y puede, por ejemplo, que Mies van der Rohe hiciera la estructura de los muebles y ella, los trenzados y tapizados", explica Campi. Otros historiadores, como Albert Pfeiffer, ven su sombra más alargada y sugieren que no fue él, sino ella, quien diseñó dos de las sillas más emblemáticas de la Bauhaus: la Barcelona y la Brno. ¿Quizás algún día haya quien se refiera a Mies van der Rohe como "ese gran hombre al lado de Lilly Reich"?

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Las mujeres de la Bauhaus que la propia Bauhaus olvidó

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Ocultas tras el apellido de sus maridos, relegadas al diseño textil o sencillamente ignoradas. Descubrimos la conflictiva relación de la Bauhaus con las mujeres en el centenario de la fundación de esta escuela, que revolucionó la arquitectura y el diseño del siglo XX

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Este articulo ya nos habla de ejemplos de artistas que fueron olvidadas por la escuela Bauhaus, que se destacaron en diferentes ámbitos del diseño y del arte.

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La primera escuela integral de diseño del siglo XX nació con la República de Weimar, en 1919, y murió con ella, 14 años después, cuando la bota nazi propinó un puntapié a ese "arte degenerado". Duró lo que el convulso compás de entreguerras. Pero lo cambió todo: la tipografía, el diseño industrial, las artes escénicas, la arquitectura. Hasta aquí el tráiler, en cuyos títulos de crédito siempre desfilan -y justamente- Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Marcel Breuer, Láslzó Moholy-Nagy, Paul Klee y Vasili Kandinski. Pero, ¿qué hay de las mujeres? ¿No merece mención ni una sola en Weimar, Dessau o Berlín, las tres sedes que tuvo la institución?

Veamos por qué 'grieta' se colaron las 'intrusas'. Durante la primera guerra mundial, las mujeres desempeñaron los trabajos de los hombres movilizados y, pese a volver al hogar, habían ganado conciencia de que podían hacer cosas más allá de cocinar y criar. La nueva Constitución de Weimar les garantizaba el voto y la no segregación en las aulas, y en el aire flotaba el vitalismo, que sostenía que el pueblo tenía derecho a participar en la sociedad y rechazaba la razón -atributo viril- como único vehículo de conocimiento.

"Experimentos innecesarios"

Gropius pensaba que las mujeres eran valiosas, pero que no tenían capacidad para pensar en tres dimensiones. "No hagamos experimentos innecesarios",dijo por lo bajini, mientras orientaba sutilmente a las jóvenes hacia el taller de Tejido ("la clase de las chicas", según él).

Mientras parloteaban los líderes de opinión, las 'chicas Bauhaus' estaban satisfechas por el simple hecho de estar dentro, relacionándose de igual a igual con los profesores en la cantina. "No hay constancia de que ninguna denunciara un trato discriminatorio", afirma Hervás, que bucea en archivos desde 1994.

Tampoco tenían la sensación de estar abriendo caminos a otras congéneres. ¿La prueba? En un cuestionario que pasaron en los años 80 a las que seguían vivas, les preguntaron: "¿Supo usted que su trabajo era revolucionario?". "Nein', contestó tajante Marianne Brandt, creadora de juegos de té y café de metal que aún comercializa Alessi. Simplemente construían futuro sin conciencia de estar haciéndolo.

Saltar las costuras

Pese a la poca fe del claustro y las invitaciones a contentarse con los hilos, las 'chicas Bauhaus' hicieron saltar las costuras del uniforme asignado. Para empezar, llegaron a Weimar con un look decimonónico y obraron la metamorfosis: se cortaron el pelo, trotaron en pantalón corto y se enrolaron en fiestas descacharrantes.

"Nunca fueron flappers", se apresura Hervás a contradecir algunos perfiles que está leyendo en este centenario. No tenían nada que ver con el arquetipo de mujer que exportó el cine mudo norteamericano y que las alemanas de ciudad copiaron como hoy copian el rollo chandalero de Cardi B. Un periodista de la época que asistió a uno de los saraos (que eran muchos) de la escuela escribió: "Es increíble, he visto a una chica semidesnuda tocando el acordeón y no había en ella ni una pizca de picardía, todo era inocencia". Nada que ver con el Berlín de 'Cabaret'. Jugaban al tenis, muchas eran vegetarianas, escuchaban jazz, la mayoría conducía. Eran libres.

Y afanosas. De modo que vencieron las reticencias de Gropius, que les permitió participar en el proyecto (intersecional) 'Haus am Horn', un prototipo de casa para "las necesidades del nuevo hombre" -germen de la vivienda social- concebida para la primera gran exposición de la Bauhaus. La esbozó el profesor de pintura Georg Muche, pero Alma Siedhoff-Buscher diseñó los muebles -logró que el cuarto de los niños entrara en el campo visual de quien estuviera en la cocina-; las alfombras fueron obra de Marta Erps y Benita Otte, de Tejidos, ideó una cocina modular que anticipó las de Ikea.

Un mundo nuevo

Laura Martínez de Guereñu, ganadora de la última Beca Lilly Reich y directora del congreso 'Bauhaus In and Out: perspectivas desde España' (10 y 11 de octubre), ha descubierto recientemente en archivos que en la Exposición Universal de Barcelona de 1929 "hubo productos diseñados por cuatro de los talleres de la Bauhaus en los pabellones de Artes Textiles, Artes Gráficas y dos secciones de Artes Industriales". Y Hervás, por pistas de algunas cartas, aventura que "quizá eran prototipos presentados por Gropius, ya fuera de la escuela". Como fuere, los objetos ideados por las artistas estuvieron presentes en la exposición, que el mundo recordará por el Pabellón Mies van der Rohe.

(Breve) igualdad

Para acabar, volvamo unos pasos atrás. Al momento, en Dessau, en que cogió las riendas el suizo Hannes Meyer, un marxista entestado en satisfacer "las necesidades del pueblo en vez del lujo". En un panfleto, azuzó: "¿Estás buscando la verdadera igualdad como mujer estudiante? Apúntate a la Bauhaus". La integración había ganado definitivamente terreno a los prejuicios. Con Meyer, una vez superadas las pruebas en Téxtil, se podía acceder sin filtros a la sección de construcción. "Edificar para el bienestar popular", era el imperativo.

La esposa de Meyer, Lena Bergner, diseñadora textil formada en la Bauhaus, colaboró tan estrechamente en sus proyectos durante su etapa en México que hoy se investiga en qué medida varios sueran suyos. Esa vía, la conyugal -hubo 70 matrimonios-, permitió a muchas seguir en la órbita del arte. Tres cuartos de lo mismo ocurre con la profesora Lilly Reich, pareja de Mies. De hacer caso al historiador Albert Pfeiffer, sería la autora de las famosas sillas 'Barcelona' y 'Brno' de la Bauhaus.

Precisamente Mies, el tercer timonel, oliéndose lo que venía, liberó la forma de la función -que era 'demasiado comunista'- y fusionó construcción ('bau') y acabados ('ausbau'), agrandando la puerta de acceso de las mujeres a la arquitectura. Ya estaban ahí. Por fin.

Pero Hitler había cogido carrerilla y la Gestapo metía sus narices. La escuela "había demostrado ser germen de bolcheviquismo", ladraron. Y comprobaron si había judíos entre el profesorado y al resto se les sugirió afiliarse en el partido. Algunos partieron. Muchas empresas cancelaron contratos. Y acabó el 'mundo nuevo'. Para nueve de ellas acabó el mundo. En una cámara de gas.

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La primera escuela integral de diseño del siglo XX nació con la República de Weimar, en 1919, y murió con ella, 14 años después, cuando la bota nazi propinó un puntapié a ese "arte degenerado". Duró lo que el convulso compás de entreguerras. Pero lo cambió todo: la tipografía, el diseño industrial, las artes...

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En este articulo nombran todo lo que vivieron las mujeres para hacer parte de la escuela bauhaus y como lograron lo que lograron casi que por sus cuentas.

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Este es otro link en el que nos cuentan la historia de otras muchas mujeres diseñadoras, arquitectas y artistas que jugaron un papel importante en la historia del arte femenino y que hicieron parte de la bauhaus.

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Jaime Martínez Sena

01

Friedl Dicker

Sería una de las primeras alumnas de la Bauhaus, y una de las más brillantes. Allí Friedl Dicker formaría parte junto a Franz Singer, Anny Wottitz y Margit Tery, del conocido grupo de "los vieneses" (una congregación de alumnos provenientes de la escuela de arte en Viena de Johannes Itten).

Participó en los talleres de encuadernación, tipografía y textil, fabricaría marionetas, realizaría litografías y, además de la de Itten, recibiría una notable influencia de Paul Klee, que en 1920 se incorporaba como profesor. Pero llegado el momento de dejar la Bauhaus, Dicker lo hacía sin haber terminado sus estudios y sin ningún tipo de diploma acreditativo. Algo que sin embargo no le impediría desarrollar una brillante y multidisciplinar carrera en campos tan diversos como la arquitectura, el diseño de mobiliario y la pedagogía. Junto a su compañero Franz Singer, fundaría en Viena un estudio de arquitectura con el dualismo como eje generador de la mayoría de sus proyectos. Un club de tenis (1928), la ampliación de la residencia de la familia Reisner (1929), el interiorismo del jardín de infancia Montessori (1930) y la construcción del brillantísimo Pabellón de la Condesa Heriot (1932-34) -con su moderno ascensor acristalado de paredes curvas incluido-, serían algunas de sus obras más importantes. Sin olvidar el significativo proyecto de la emblemática Villa Moller (1927-1928).

04

Marianne Brandt

Brandt descubrió la existencia de la Bauhaus precisamente a raíz de aquella exposición de 1923, y aquel mismo año ingresaría en la escuela. Donde permanecería hasta 1929, tras no dudar en acompañar al resto de alumnos y profesores en el traslado de Weimar a Desau -la escuela se trasladaría de Weimar a Dessau en 1925 y finalmente a Berlín en 1932-. Durante todos aquellos años demostraría ser más hábil que muchos de sus compañeros varones, llegando a colaborar en el estudio de arquitectura del mismísimo Walter Gropius y diseñando algunas de las mejores piezas de la historia de la escuela. Objetos útiles y prácticos, como lámparas, ceniceros o un completo juego de café y té, que debido a su exultante modernidad siguen comercializándose y han sido el germen e inspiración de muchas de las piezas que nos rodean en nuestro día a día.

05

Gunta Stölzl

El dirigir a la práctica totalidad de las estudiantes hacia el taller textil -territorio y refugio estrictamente femenino para muchas de las propias alumnas-, hizo de él uno de los más importantes y con mayor actividad de la Bauhaus. Y a su éxito contribuiría sin duda una de sus primeras alumnas, la brillantísima Gunta Stölzl. Formada en la escuela de artes aplicadas de Munich, Stölzl se inscribía en la escuela durante aquel primer invierno de 1919. Tras superar el curso preliminar y formarse junto a Johannes Itten y Paul Klee, ingresó en el taller de tejidos dirigido por el artista Georg Muche. Al que sustituirá como maestra de taller de 1925 a 1931, tras una "revuelta" de las propias alumnas. Stölzl fue por tanto no solamente una de las pocas maestras en la historia de la escuela, sino una de las mujeres que más tiempo pasaron vinculadas a la Bauhaus, primero como alumna, y después como profesora. Tiempo durante el que colaboraría en la fabricación de tapices y tejidos cada vez más experimentales. Auténticas obras de arte hechas con hilo, para cuya confección se combinaban tanto técnicas artesanales como los últimos avances en producción industrial. Apreciada y bien considerada por la mayor parte de la comunidad de alumnos y profesores, su trago más amargo llegaría en 1931 cuando un grupo de estudiantes de ideología nazi de la propia escuela, se dedicaron a acosarla por estar casada con un judío. Finalmente se vería obligada a dimitir de su puesto, refugiándose en Zurich donde fundaría una empresa de tejidos.

06

Anni Albers

Tras su salida, en su cargo como directora de taller la sustituirá brevemente otra de las grandes mujeres de la Bauhaus, Anni Albers. Annieliese Fleischmann, Anni, había llegado a la escuela en 1922 con la intención de convertirse en pintora, pero descubriría entre los hilos y retales de su taller textil, toda la magia necesaria para crear sus inimaginables obras de arte. Un campo al que sabría sacarle el mayor de los partidos, hasta el punto de convertirse, años más tarde, en la primera artista textil en exponer sus obras en una exposición individual en el MoMa de Nueva York. Además de originales patrones y tapices, durante sus años en la Bauhuas experimentaría con nuevos materiales como el celofán, con el que logró crear un novedoso tejido reflectante capaz de absorber el sonido. Antes de finalizar sus estudios contraería matrimonio con el joven profesor, y también antiguo alumno, Josef Albers. Con quien formaría una de las parejas artísticas más importantes del siglo XX. Después del triunfo del nacionalsocialismo y del cierre definitivo de la Bauhaus en 1933, juntos emigrarían a Estados Unidos, país en el que continuarían desempeñando una importantísima labor artística.

07

Ise Gropius

Conocida con el apelativo de Mrs. Bauhaus -por el que le llamaba cariñosamente su propio marido-, Ise Gropius llegó a la escuela poco antes de aquella exposición de 1923 como la prometida de Walter Gropius. Con quien contraía matrimonio pocos meses después, con Kandinsky y Paul Klee como testigos. Desde entonces Ise se volcaría en la vida de la escuela apoyando el trabajo de su marido y desempeñando labores de organización, edición y secretaría. Y una vez que este renunció a su puesto como director, se convertía en coautora de muchos de sus textos, artículos y conferencias. Un trabajo que él siempre le reconocería, y una labor literaria que llegaría a emprender en solitario vendiendo diferentes ensayos a distintas editoriales de Alemania y de Reino Unido. Una faceta con la que consiguió cierto reconocimiento, pero que decidió dejar totalmente de lado después de que la revista literaria norteamericana The Atlantic Monthly rechazara publicar su artículo "Grandma Was a Career Girl", por promocionar la "espantosa idea" de las mujeres trabajadoras.

Estilo de vida

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Un artículo sobre la representación femenina en la escuela de la Bauhaus. Arquitectas, diseñadoras y fotógrafas como Friedl Dicker, Alma Siedhoff-Buscher, Margarete Heymann-Marks Löbenstein, Marianne Brandt, Gunta Stölzl, Anni Albers, Ise Gropius, Lucia Moholy, Florence Henri, Grete Stern...

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Un siglo después del nacimiento de la escuela de Bauhaus, el nuevo libro de Taschen destaca a las extraordinarias mujeres detrás del influyente movimiento artístico

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Cuando la Staatliches Bauhaus, la escuela experimental de arte y diseño de Weimar, abrió sus puertas en 1919, más mujeres que hombres solicitaron plazas universitarias. El fundador de la institución, Walter Gropius prometió que habría "igualdad absoluta" entre los sexos, pero sus primeras alumnas fueron excluidas de algunos de los más prestigiosos talleres y alentadas a enfocarse en las artes caseras del tejido, la encuadernación y la cerámica, mientras que sus homólogos masculinos exploraban la pintura y arquitectura.

Hubo algunas que no aceptaron un no por respuesta : la artista multidisciplinaria Marianne Brandt se convirtió en la primera mujer en ser aceptada en el programa de metalistería de la escuela; la tejedora Otti Berger abrió su propio taller en Berlín y fue la única diseñadora de la Bauhaus que solicitó patentes para sus textiles; tanto Gertrud Arndt como Lucia Moholy hicieron olas en el campo de la fotografía dominado por hombres; y Anni Albers, recientemente distinguida con una gran retrospectiva en el Tate Modern de Londres, llevó el tejido a un nuevo nive l y justificó su posición como una forma de arte. Conocidas como "Bauhausmädels" o " Chicas Bauhaus ", ejemplificaron un nuevo tipo de mujer contemporánea -una que fue educada, independiente e infinitamente creativa

Este año, para celebrar un siglo desde el nacimiento de la Bauhaus, Taschen ha anunciado el lanzamiento de Bauhausmädels: A Tribute to Pioneering Women Artists, un nuevo libro que destaca a 87 de los miembros femeninos más subestimados de la escuela. Combinando retratos inéditos con descubrimientos de archivos recientes, presenta a arquitectas, diseñadoras gráficas y artesanas en el trabajo -experimentando con telas, tomando fotos y escuchando discos. En los cortos 14 años que la Bauhaus estuvo en funciones antes de ser cerrada por el partido Nazi, estas mujeres forjaron una estética que continuaría definiendo el siglo XX. Antes de la publicación del libro, obtenemos un exclusivo primer vistazo de las extraordinarias fotografías en su interior y descubre a las e xtraordinarias mujeres que finalmente están recibiendo el reconocimiento que merecen.

_Bauhausmädels: A Tribute to Pioneering Women Artists de Patrick Rössler s_erá publicado por Taschen en abril de 2019.
Cinco libros que cambiaron el curso de la historia feminista En 2019, el feminismo será interseccional (o no será) ¿Y tú te llamas feminista? La novela que cuenta el choque entre dos generaciones del movimiento Siete cuentas feministas de Instagram con las que aprender, reflexionar y reírse a carcajadas Deporte femenino y feminismo: La igualdad también se pelea en las canchas Libros para mentes despiertas (y espíritus inquietos) que leer esta primavera

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Las chicas de la Bauhaus: el 'coffee table book' más bonito de la temporada

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Cuando la Staatliches Bauhaus, la escuela experimental de arte y diseño de Weimar, abrió sus puertas en 1919, más mujeres que hombres solicitaron plazas universitarias.

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Es un recuento de la historia no contada de la escuela bauhaus, arte de esta las mujeres y la falta de equidad de genero.

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Haunted Bauhaus: Occult Spirituality, Gender Fluidity, Queer Identities, and Radical Politics, MIT Press

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An investigation of the irrational and the unconventional currents swirling behind the Bauhaus's signature sleek surfaces and austere structures. The Bauhaus (1919-1933) is one of the twentieth century's most influential art schools,

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Mujeres en la Bauhaus. Un espinoso recorrido para acceder a la formación en arquitectura

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Mujeres en la Bauhaus. Un espinoso recorrido para acceder a la formación en arquitectura

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Recuento de las mujeres que hicieron parte del trabajo duro para llegar al hacer parte de las clases de arquitectura de la escuela.

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Historia de las mujeres que hicieron parte del desarrollo de la igualdad de genero y las aulas de diseño de la escuela.

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Bauhaus Girls: a visual exploration of the groundbreaking school's most underrated members

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Bauhaus Girls: a visual exploration of the groundbreaking school's most underrated members

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T. Lux Feininger: The weavers on the Bauhaus stairs in Dessau, c. 1927. © Estate of T. Lux Feininger / Photo © Bauhaus-Archiv, Berlin

Meet trailblazers like Marianne Brandt, Gertrud Arndt, and Lucia Moholy in a new book, Bauhausmädels - or "Bauhaus girls", a term that expressed admiration for the young women who bravely eluded traditional gender roles to build a different future.

With never-before-seen portraits and biographies, this visual exploration is a unique celebration of the Bauhaus centennial and a long-overdue tribute to the school's most underrated members - women artists.

While the groundbreaking School of Art and Design provided women with new opportunities in education, along the way, they were faced with unreasonable family expectations, the ambiguous attitude of the faculty and administration, outdated social conventions, and, ultimately, the political repression of the Nazi regime.

Unprecedented in current literature, Bauhausmädels presents 87 artists and artisans through texts and photographic portraits, many published for the very first time.

Recent archival discoveries also revive the biographies of better-known talents. In the 1920s, the title 'Bauhaus Girl' expressed a silent admiration for the young women who courageously eluded traditional gender roles to build a different, creative future.

These include Marianne Brandt, the first woman to be admitted to the Bauhaus metalworking program whose designs are used by Alessi to this day; Gertrud Arndt who, dissuaded by the faculty from studying architecture, instead shone through her photography and rug design; and Lucia Moholy, who photographed the Bauhaus buildings in iconic shots, but spent the rest of her life trying to retrieve the negatives which were withheld from her.

Moreover, the volume reminds us of other women artists whose names, nearly forgotten, also stand for early pioneers of gender equality, refusing to follow the beaten tracks society and their families insisted on.

With almost 400 portrait photographs taken between 1919 and 1933, Bauhausmädels creates a visual impression of the women artists who attended the most progressive art school of the 20th century and, departing from there, often changed the world of art, architecture, design, and even politics.

Biographical data sheds light on each artist's individual struggle, persistence in the face of adversity, and incredible accomplishments. In this grand family album, we discover a group of unique trailblazers whose legacy paved the way for women artists after them.

Bauhausmädels: A Tribute to Pioneering Women Artists by Patrick Rössler is published this month by TASCHEN. Priced at £30.

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Bauhaus Girls: a visual exploration of the groundbreaking school's most underrated members

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Meet trailblazers like Marianne Brandt, Gertrud Arndt, and Lucia Moholy in a new book, Bauhausmädels - or "Bauhaus girls", a term that expressed admiration for the young women who bravely eluded traditional gender roles to build a different future.

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Jaime Martínez Sena

01

Friedl Dicker

Sería una de las primeras alumnas de la Bauhaus, y una de las más brillantes. Allí Friedl Dicker formaría parte junto a Franz Singer, Anny Wottitz y Margit Tery, del conocido grupo de "los vieneses" (una congregación de alumnos provenientes de la escuela de arte en Viena de Johannes Itten).

Participó en los talleres de encuadernación, tipografía y textil, fabricaría marionetas, realizaría litografías y, además de la de Itten, recibiría una notable influencia de Paul Klee, que en 1920 se incorporaba como profesor. Pero llegado el momento de dejar la Bauhaus, Dicker lo hacía sin haber terminado sus estudios y sin ningún tipo de diploma acreditativo. Algo que sin embargo no le impediría desarrollar una brillante y multidisciplinar carrera en campos tan diversos como la arquitectura, el diseño de mobiliario y la pedagogía. Junto a su compañero Franz Singer, fundaría en Viena un estudio de arquitectura con el dualismo como eje generador de la mayoría de sus proyectos. Un club de tenis (1928), la ampliación de la residencia de la familia Reisner (1929), el interiorismo del jardín de infancia Montessori (1930) y la construcción del brillantísimo Pabellón de la Condesa Heriot (1932-34) -con su moderno ascensor acristalado de paredes curvas incluido-, serían algunas de sus obras más importantes. Sin olvidar el significativo proyecto de la emblemática Villa Moller (1927-1928).

04

Marianne Brandt

Brandt descubrió la existencia de la Bauhaus precisamente a raíz de aquella exposición de 1923, y aquel mismo año ingresaría en la escuela. Donde permanecería hasta 1929, tras no dudar en acompañar al resto de alumnos y profesores en el traslado de Weimar a Desau -la escuela se trasladaría de Weimar a Dessau en 1925 y finalmente a Berlín en 1932-. Durante todos aquellos años demostraría ser más hábil que muchos de sus compañeros varones, llegando a colaborar en el estudio de arquitectura del mismísimo Walter Gropius y diseñando algunas de las mejores piezas de la historia de la escuela. Objetos útiles y prácticos, como lámparas, ceniceros o un completo juego de café y té, que debido a su exultante modernidad siguen comercializándose y han sido el germen e inspiración de muchas de las piezas que nos rodean en nuestro día a día.

05

Gunta Stölzl

El dirigir a la práctica totalidad de las estudiantes hacia el taller textil -territorio y refugio estrictamente femenino para muchas de las propias alumnas-, hizo de él uno de los más importantes y con mayor actividad de la Bauhaus. Y a su éxito contribuiría sin duda una de sus primeras alumnas, la brillantísima Gunta Stölzl. Formada en la escuela de artes aplicadas de Munich, Stölzl se inscribía en la escuela durante aquel primer invierno de 1919. Tras superar el curso preliminar y formarse junto a Johannes Itten y Paul Klee, ingresó en el taller de tejidos dirigido por el artista Georg Muche. Al que sustituirá como maestra de taller de 1925 a 1931, tras una "revuelta" de las propias alumnas. Stölzl fue por tanto no solamente una de las pocas maestras en la historia de la escuela, sino una de las mujeres que más tiempo pasaron vinculadas a la Bauhaus, primero como alumna, y después como profesora. Tiempo durante el que colaboraría en la fabricación de tapices y tejidos cada vez más experimentales. Auténticas obras de arte hechas con hilo, para cuya confección se combinaban tanto técnicas artesanales como los últimos avances en producción industrial. Apreciada y bien considerada por la mayor parte de la comunidad de alumnos y profesores, su trago más amargo llegaría en 1931 cuando un grupo de estudiantes de ideología nazi de la propia escuela, se dedicaron a acosarla por estar casada con un judío. Finalmente se vería obligada a dimitir de su puesto, refugiándose en Zurich donde fundaría una empresa de tejidos.

06

Anni Albers

Tras su salida, en su cargo como directora de taller la sustituirá brevemente otra de las grandes mujeres de la Bauhaus, Anni Albers. Annieliese Fleischmann, Anni, había llegado a la escuela en 1922 con la intención de convertirse en pintora, pero descubriría entre los hilos y retales de su taller textil, toda la magia necesaria para crear sus inimaginables obras de arte. Un campo al que sabría sacarle el mayor de los partidos, hasta el punto de convertirse, años más tarde, en la primera artista textil en exponer sus obras en una exposición individual en el MoMa de Nueva York. Además de originales patrones y tapices, durante sus años en la Bauhuas experimentaría con nuevos materiales como el celofán, con el que logró crear un novedoso tejido reflectante capaz de absorber el sonido. Antes de finalizar sus estudios contraería matrimonio con el joven profesor, y también antiguo alumno, Josef Albers. Con quien formaría una de las parejas artísticas más importantes del siglo XX. Después del triunfo del nacionalsocialismo y del cierre definitivo de la Bauhaus en 1933, juntos emigrarían a Estados Unidos, país en el que continuarían desempeñando una importantísima labor artística.

07

Ise Gropius

Conocida con el apelativo de Mrs. Bauhaus -por el que le llamaba cariñosamente su propio marido-, Ise Gropius llegó a la escuela poco antes de aquella exposición de 1923 como la prometida de Walter Gropius. Con quien contraía matrimonio pocos meses después, con Kandinsky y Paul Klee como testigos. Desde entonces Ise se volcaría en la vida de la escuela apoyando el trabajo de su marido y desempeñando labores de organización, edición y secretaría. Y una vez que este renunció a su puesto como director, se convertía en coautora de muchos de sus textos, artículos y conferencias. Un trabajo que él siempre le reconocería, y una labor literaria que llegaría a emprender en solitario vendiendo diferentes ensayos a distintas editoriales de Alemania y de Reino Unido. Una faceta con la que consiguió cierto reconocimiento, pero que decidió dejar totalmente de lado después de que la revista literaria norteamericana The Atlantic Monthly rechazara publicar su artículo "Grandma Was a Career Girl", por promocionar la "espantosa idea" de las mujeres trabajadoras.

Estilo de vida

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Un artículo sobre la representación femenina en la escuela de la Bauhaus. Arquitectas, diseñadoras y fotógrafas como Friedl Dicker, Alma Siedhoff-Buscher, Margarete Heymann-Marks Löbenstein, Marianne Brandt, Gunta Stölzl, Anni Albers, Ise Gropius, Lucia Moholy, Florence Henri, Grete Stern...

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9 mujeres fueron asesinadas mujeres fueron asesinadas por los nazis en las cámaras de gas.

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9 mujeres fueron asesinadas mujeres fueron asesinadas por los nazis en las cámaras de gas.

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Los nazis quisieron acabar con esa idea de arte moderno y equidad de genero que estaba iniciando la bahuaus.

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Durante la primera guerra mundial, las mujeres desempeñaron los trabajos de los hombres movilizados y, pese a volver al hogar, habían ganado conciencia de que podían hacer cosas más allá de cocinar y criar. 

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Durante la primera guerra mundial, las mujeres desempeñaron los trabajos de los hombres movilizados y, pese a volver al hogar, habían ganado conciencia de que podían hacer cosas más allá de cocinar y criar. 

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Fue la primera mujer en ver clases aparte de costura y cerámica. Después de la bauhaus se volvió profesora en esta escuela, después se unió a un movimiento nazi de artistas. Después de la guerra se volvió profesora y volvió a la fotografía, siendo pionera en esta.

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Marianne Brandt nació en Chemnitz, Alemania, en el año 1893.

Realizó sus estudios en la Escuela de Arte de Weimar entre los años 1911 y 1917.

Pintora y escultora, Marianne Brandt fue una de las mujeres diseñadoras de la quien, inesperadamente para ese tiempo, estuvieron activas en el área del trabajo con metal.
En 1917 fundó su propio estudio y trabajó como artista autónoma hasta que ingresó en la Staatliches Bauhaus de Weimar en 1923.
Después del curso preliminar, realizó su aprendizaje en el taller de metalistería, cuya dirección estaba a cargo de Lazló Molí-Nagy.

En aquella época diseñó un servicio de café y té de simples formas geométricas, con una diminuta tetera semiesférica. Ya por entonces, Brandt mostraba más interés por la forma funcional que por la artesanía tradicional, por lo que no es de extrañar que sus diseños fueran de naturaleza cada vez más práctica.

Después de superar su examen oficial, Brandt asumió en el año 1928 la vicerrectoría del taller de metalurgia y organizo proyectos en colaboración con sus colegas de metalistería Cristian Dell y Hans Przyrembel, y en 1928 codiseñó la lámpara con Hin Briedendieck, como parte de un proyecto de curso.

Las lámparas Brandt, perfectamente ajustadas a la fabricación en serie, fueron uno de los diseños más importantes de la .
Aunque en la década de 1920 la escuela se dedico básicamente a la elaboración de prototipos adecuados para la fabricación en serie, en realidad muy pocos de sus diseños se ajustaban a la producción.

Las lámparas de Brandt fueron una notable excepción. La artista trabajó en el estudio de arquitectura de Walter Gropius en 1929, y entre los años 1930 y 1933 se dedicó a crear nuevos conceptos de diseño para la fabrica de Rupplelwerk en Gotha.

En 1933 regresó a Chemnitz, donde estudió pintura e intentó registrar la patente de algunos de sus productos para los almacenes de Wohnbedarf.

Brandt enseñó en la Staatlice Hochschule fïr Angewandte Kunst de Dresde entre 1949 y 1950 y en el Institut für Angewandte Kunst de Berlín de 1951 a 1954.

Pintora de talento renombrado por sus fotomontajes, su trabajo más significativo lo realizó como diseñadora industrial.

Brandt es además una mujer pionera del diseño para la producción industrial, un campo que ha estado dominado casi totalmente por los hombres.

Falleció en el año 1983, en Kirchberg, Alemania.

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Marianne Brandt nació en Chemnitz, Alemania, en el año 1893. Realizó sus estudios en la Escuela de Arte de Weimar entre los años 1911 y 1917. Pintora y escultora, Marianne Brandt fue una de las mujeres diseñadoras de la quien, inesperadamente para ese tiempo, estuvieron activas en el área del trabajo con metal.En 1917 fundó su propio estudio y trabajó como artista autónoma hasta que ingresó en la Staatliches Bauhaus de Weimar en 1923.

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"Donde hay lana, hay una mujer que la teje, así sea solo como pasatiempo", escribió el pintor Oskar Schlemmer, quien trabajo a partir de 1920 como instructor en la Bauhaus. Johannes Itten afirmó que las mujeres ven "solamente en dos dimensiones". Itten dirigía el curso preliminar en la Bauhaus, que debería ser completado por todos los aspirantes a ingresar.

Apenas hoy, a un siglo de la fundación de la famosa escuela de diseño en Weimar, por parte de Walter Gropius, surge la historia de las mujeres que ahí estudiaron. Varias publicaciones al respecto, todas escritas por mujeres, han aparecido con motivo del centenario de la institución. En su libro "Madre, musa y señora Bauhaus", Usrula Muschel se ocupa del papel que jugaron las mujeres que rodeaban a Walter Gropius. A su vez, Jana Reverdin y Theresa Enzensberger escribieron sendas novelas sobre mujeres en la Bauhaus.
Exposiciones femeninas
El programa académico de la Bauhaus prometía en 1919 una instrucción moderna para personas con talento, independientemente de la edad y género de estas. En el semestre de verano de ese mismo año, 84 mujeres y 79 hombres se inscribieron en la escuela de diseño. Varias exposiciones simultáneas muestran por primera vez las obras de alumnas de la Bauhaus. Una de las muestras, en Erfurt, lleva el título "4 muchachas de la Bauhaus". La Tate Gallery de Londres y la colección K20 de Düsseldorf exhiben obras de la pintora Anni Albers, en una muestra retrospectiva.

La exhibición "2 de 14", en el Museo de Artes aplicadas de Colonia, arroja luz sobre la trayectoria de dos alumnas de la Bauhaus originarias de esa ciudad. A una de ellas, Margarete Heymann, sus padres le debieron firmar una declaración de consentimiento, cuando ella se inscribió en la Bauhaus. Durante el curso preliminar a cargo de Johannes Itten, la coloniense pasó medio año en el taller de cerámica, a prueba.

Plato frutero de la casa Haël, 1930
El destino de Margarete Heymann
El profesor de dicho taller, Gerhard Marcks, así como su subalterno Max Krehan, le hicieron la vida imposible a la ambiciosa y talentosa alumna, tan solo por el hecho de ser mujer. El taller de cerámica, en Dornburg, era territorio exclusivo para hombres, y para que así permaneciera, a Margarete Heymann le certificaron "talento artístico, pero no adecuado para este taller." En nuestros días se hablaría de acoso, dice Romana Rebbelmund, curadora de la muestra de Colonia.

Margarete Heymann fue una de las muchas mujeres que no terminaron sus estudios en la Bauhaus de Weimar o Dessau. Solo 36 mujeres de los 186 inscritos en total completaron su título, dice Rebbelmund. La mayoría de ellas acabaron en el taller de tejeduría, despectivamente llamado "el salón de las mujeres".
Persistencia en cerámica
Heymann se casó en 1923 con el economista Gustav Loebenstein, con quien fundó los famosos talleres Haël, donde se fabrican piezas de cerámica en serie. Todos los prospectos que entonces se producían de manera semi-industrial, proceden de la mano de Heymann.

Ella se inspiró en el estilo y las formas de Vassily Kandinski: círculos, líneas de pincel muy fino, superficies en blanco.

Juego de té de los talleres Haël, 1929

También de Colonia era la prima de Margarete Heymann, Mariane. A ella se dedica la segunda parte de la exposición sobre la Bauhaus. Mariane dejó la escuela de diseño en 1925, luego de que fuera cerrado el taller de ebanistería. Luego regresó a Colonia, donde trabajó sobre todo en la ópera de la ciudad, en la escenografía. Junt con el titiritero Jupp Herzog, Mariane fabricó más de 100 títeres de mano. Tres ejemplares se conservan en el Museo Estatal de Múnich.

Con la llegada del nacionalsocialismo a Alemania, a las primas no les fue posible continuar trabajando. Marianne cae en desgracia por sus provocaciones con un fantoche que representaba a Hitler. Su prima Margarete fue obligada a vender a precio muy bajo su fábrica de cerámica, en 1933. En 1936 emigró a Gran Bretaña y fundó en Londres otra firma de cerámica: la "Greta Pottery". El centenario de la Bauhaus trae, aunque de manera tardía, el reconocimiento que merecen estas dos importantes artistas.

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Olvidadas e ignoradas: las mujeres de la Bauhaus | DW | 12.04.2019

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"Donde hay lana, hay una mujer que la teje, así sea solo como pasatiempo", escribió el pintor Oskar Schlemmer, quien trabajo a partir de 1920 como instructor en la Bauhaus. Johannes Itten afirmó que las mujeres ven "solamente en dos dimensiones". Itten dirigía el curso preliminar en la Bauhaus, que debería ser completado por todos los aspirantes a ingresar.

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Considerada como una de las pioneras del interiorismo, Alma es una de las grandes exponentes del diseño de interior y su legado aun perdura hoy en día.

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Es una diseñadora conocida por enfocarse en la industria mobiliaria, y de juguetes, en el que realizo obras con artistas hombres muy reconocidos en ese entonces, dándole así una buena reputación. Es tanto el legado que dejo que se produjo una película en el año 2019 inspirada en la vida y obra de esta gran artista .

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Se conmemora en estos primeros días de abril el centenario de la fundación de la escuela de arte y diseño alemana de la . Cien años de una escuela que ayudó a introducir el diseño moderno en el mundo occidental. Uno de los aspectos en el que más se ésta incidiendo en la conmemoración es en el importante papel que tuvieron diseñadoras y alumnas en la escuela.

La situación de la mujer en la Alemania de la de , momento histórico en que se desarrolló la escuela, mejoró con hechos como el derecho al voto y la posibilidad de estudiar en cualquier centro educativo. La escuela de la Bauhaus fue una de las primeras escuelas mixtas de Alemania. Se partía de una teórica igualdad entre alumnos y alumnas del centro, pero fue una igualdad con matices. Se procuraba que las alumnas fueran a talleres-departamentos que se consideraban femeninos como el textil o el de cerámica. A pesar de ello diseñadoras como entre otras Marianne Brandt, Lilly Reich, Anni Alberso Alma Siedhoff-Buscher brillaron con fuerza.

Estudiantes de la Bauhaus (Foto: Arquitectura y diseño)

Vamos a hablar de Alma Siedhoff-Buscher, aprovechando el estreno de la película Bauhaus (Gregor Schnitzler, 2019) basada libremente en su vida. Siedhoff-Buscher, sin ser una diseñadora tan conocida como Brandt o Albers, es un buen ejemplo del papel de las mujeres en la escuela. Sus diseños se centraron en el mundo infantil, en el campo del mobiliario y juguetes.

Alma Buscher (Siedhoff era el apellido de su marido) nació en Kreuztal (Renania Norte-Westfalia, Alemania) en 1899, en el seno de una familia de clase media alta. En 1922 ingresó en la Bauhaus después de haber realizado estudios artísticos en diferentes escuelas. Es asignada, después del curso preparatorio, al taller textil. Solicitó el traslado al taller de metal o al de mobiliario. En 1925, ya la escuela en Dessau, se aceptó su traslado al taller de diseño de mobiliario, siendo la única mujer que pertenecía a él. En este periodo contrajo matrimonio con el actor Werner Siedhoff, que trabajó como bailarín y mimo en la escuela y con el que tuvo dos hijos. Murió en el bombardeo aliado a Buchschlag, ciudad cercana a Frankfurt, en 1944.

Escuela Bauhaus Dessau (Foto: Bauhaus Movement)

Su importancia como diseñadora se centra en la innovación que aportó al diseño de mobiliario infantil y de juguetes. Innovación que partió de su investigación en pedagogía infantil, partiendo sobre todo de la obra de

En el caso del mobiliario su obra más significativa la encontramos en la Casa Modelo ( Haus am Horn) que realizó la Bauhaus el año 1923. En este proyecto, junto a Enrich Brender, diseñó el cuarto de niños. En él se tuvo muy en cuenta la estimulación de la imaginación infantil. Buscando una creatividad funcional. Las paredes eran lavables y se podían convertir en pizarras. Buscher diseñó para esta habitación muebles simples, prácticos y multifuncionales. Muebles que se transformaban en elementos de juego: un armario que abriendo la puerta podía convertirse en un teatro de guiñol y cajones-cubo que servían de mesas o sillas.

La Bauhaus daba una notable importancia al concepto del juego como raíz de la actividad creadora y disponía de un taller de juguetería. Alma Buscher realizó los juguetes más significativos de la escuela. Juguetes de construcción como el Kleine Shiffbauspiel (1923) juego de construcción de barcos, muñecas de cuerda flexible (1924), recortables...Juguetes que se basaban en figuras geométricas, que buscaban estimular la creatividad infantil, claros, no desconcertantes. Juguetes que son la base de muchos de los juegos educativos actuale s.

Alma Siedhoff-Buscher una de esas diseñadoras casi olvidadas que hay que recuperar, junto a otras mujeres que son parte de la historia del diseño como bien reivindicamos aquí.

Texto: Fausto Sánchez-Cascado "Historiólogo creativo"
Fuentes
_ TORRENT, Rosalia; MARÍN, Joan. Historia del Diseño Industrial. Editorial Catedra, Madrid, 2009

_ https://en.wikipedia.org/wiki/Alma_Siedhoff-Buscher

_ https://www.bauhaus100.com/the-bauhaus/people/students/alma-siedhoff-buscher/

_ https://www.makma.net/tag/alma-siedhoff-buscher/

_ https://www.lavozdelsur.es/juguetes-con-alma/

_ https://www.connox.de/designer/alma-siedhoff-buscher.html

_ http://ocw.upm.es/sociologia/juguete-sostenible/juguete-genero-y-vanguardia

_ https://www.ofiprix.com/blog/las-mujeres-de-la-bauhaus/

_ https://molamicasa.com/wp-content/uploads/2017/05/haus-am-horn-interior.jpg

_ https://graffica.info/pelicula-lotte-am-bauhaus/

_ https://www.facebook.com/bauhaus.movement/photos/a.

_ http://www.design-is-fine.org

_ https://www.elperiodico.com/es/mas-periodico/20190330/alma-siedhoff-busher-1899-1944-

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Alma Siedhoff-Buscher, mujeres de la Bauhaus | tiovivo creativo

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Alma Siedhoff-Buscher es un ejemplo de las mujeres de la Bauhaus. Diseñadoras a la sombra en la historia pero cuya aportación fue clave. Descúbrela ???????????? ➡

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mapa de ideas mujeres en el arte_Mesa de trabajo 1

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En 1932, el estudiante japonés Iwao Yamaki inmortalizó con un collage fotográfico el cierre de la Bauhaus en Dessau (al este de Alemania), la escuela fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius. El ataque contra la Bauhaus, como se titula la imagen, representa a un grupo de nazis que caminan sobre la fachada del edificio obligado a clausurar. Sin embargo, no era la primera vez que la academia se veía forzada a cerrar sus puertas.

Gropius fundó esta escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte hace cien años en Weimar, a unos cien kilómetros al sur de Dessau. Y, precisamente con motivo de su centenario, a partir del miércoles y hasta la última semana de este mes, Alemania se vuelca con un festival artístico multidisciplinar en su honor.

Celebrada en la actualidad, la Bauhaus fue en su día muy malquerida. De Weimar, la ciudad en la que nació, tuvo que marcharse en 1924. La escuela fue víctima de la persecución a la que la sometieron las autoridades locales. Y entonces los nazis no sumaban en las elecciones generales el millón de votos, pero el nacionalismo conservador ya perseguía en aquella época la literatura comunista, algo que los más reaccionarios en la entonces República de Weimar temían se cultivara en las aulas de Gropius y compañía.

No en vano el propio Gropius, que dejó la dirección de la escuela en 1928, diría que pasó el "90%" de su tiempo defendiendo a la Bauhaus de sus enemigos. La escuela no pudo permanecer abierta ante la hostilidad que generaba entre los más conservadores de su época. En Dassau, los nazis, al poco de hacerse con el poder local, cerraron la escuela, inspirando el mencionado collage de Yamawaki.

La institución recaló entonces en Berlín. Pero en abril de 1933, apenas tres meses después de que Adolf Hitler se hiciera canciller, la Gestapo entró en las instalaciones berlinesas de la Bauhaus para cerrarla definitivamente. El diario Anhalter Tageszeitung celebró la "desaparición del suelo alemán de uno de los lugares más prominentes entre las manifestaciones artísticas del arte judío y marxista".

La Bauhaus estaba comprometida con la reforma social y la transformación de la vida moderna. Gropius, aunque nunca lo tuvo fácil para persuadir ni en su propia escuela, priorizaba el trabajo colectivo y en comunidad entre los creadores.

Su sucesor al frente de la Bauhaus fue un "marxista científico" confeso, como era el urbanista y arquitecto suizo Hannes Meyer, quien también impartió cursos de arquitectura en la Bauhaus. A Meyer le sucedió, en 1930, el también arquitecto y diseñador industrial Ludwig Mies van der Rohe, alguien más elitista y dispuesto a ceder en algunos aspectos a las crecientemente populares ideas de orden y mano dura con los aprendices de la escuela.

Sin embargo, la Bauhaus se había forjado una merecida reputación de adversaria entre nacionalsocialistas. Era "bolchevismo cultural", decían los nazis. Así, Mies van der Rohe no evitó el cierre de la Bauhaus. Fueron más relevantes las ideas promovidas por Gropius y compañía que la impronta que él quiso dar a la escuela.

En el equipo docente de la Bauhaus hubo grandes figuras de lo que el III Reich consideró "arte degenerado". A saber, genios como Paul Klee, Wassily Kandinsky o László Moholy-Nagy. Estos artistas se encuentran entre los creadores de vanguardia a los que Hitler persiguió. Muchos de los prominentes nombres de la Bauhaus acabaron en el exilio.

En Estados Unidos concretamente, Gropius recalaría en la Escuela de Diseño de Harvard, una posición de prestigio desde la que siguió defendiendo su idea de lo que debía ser el arte. En su opinión, las artes debían estar al servicio de la modernidad e implicadas con su tiempo. Las suyas eran ideas racionalistas, enemigas del romanticismo cultivado por Hitler y el nacionalsocialismo. Que él y otros maestros de la Bauhaus siguieran dedicados a la promoción de sus enseñanzas fuera de Alemania explica también que su movimiento artístico sobreviviera al III Reich.

Artistas represaliados por Hitler

A diferencia de los más afortunados, como Gropius, Moholy-Nagy, quien también se haría docente en Estados Unidos - en el Instituto Tecnológico de Chicago -, o Mies van der Rohe - que hizo lo propio en el Instituto Tecnológico de Illinois -, muchos maestros de la Bauhaus terminaron siendo víctimas del nazismo. En el campo de exterminio de Auschwitz, perdieron la vida creadores asociados a la filosofía de Gropius como la húngara Otti Berger, la austriaca Friedl Dikcer-Brandeis o la alemana Lotte Mentzel, todas de confesión judía.

Sus nombres figuran entre el más de medio centenar de estudiantes y profesores de la Bauhaus que fueron represaliados, asesinados, encarcelados o enviados a campos de concentración por el III Reich. Se les acusó de ser comunistas o judíos.

La Bauhaus, sin embargo, sobrevivió a los nazis. Y tanto. La historiadora del arte estadounidense Ariella Budick, crítica del diario británico Financial Times, apunta que "el espíritu de Bauhaus merodea", sin ir más lejos, en los pasillos de IKEA, compañía sueca que ha democratizado hasta cierto punto esa idea de "diseño de lujo a precios populares" con la que se identifica a la centenaria escuela alemana.

Al margen del gigante sueco de los muebles, Alemania se vuelca ahora en su particular homenaje a la Bauhaus, que cumple 100 años reivindicando su vigencia. Lo hace, además, contando con el apoyo unánime del espectro político. La ministra alemana de cultura, la conservadora Monika Grütters, invita en el programa del festival con el que se celebra el siglo de la apertura de la Bauhaus a "recordar su historia, a enseñarla y a investigar lo que pueda tener que decirnos hoy día".

Hasta en el partido de ultraderecha Alternativa para Alemania (AfD) los hay dispuestos a defender el legado de la Bauhaus. "La Bauhaus es patrimonio cultural mundial. Alemania necesita la Bauhaus", se ha escuchado decir a los responsables de esta formación en Dessau. Un siglo después de su apertura, las ideas de Gropius y compañía han terminado conquistando a reaccionarios como los que en su día les hicieron la vida imposible en Alemania.

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La Bauhaus es centenaria pese al odio de los nazis a su "bolchevismo cultural"

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Un festival multidisciplinar en toda Alemania sirve para celebrar los cien años de la apertura de la célebre la escuela alemana de diseño, arquitectura y artes aplicadasPese a que el III Reich la cerró en 1933, hoy se considera una de las escuelas artísticas más influyentes del siglo XX

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Ella es una de las artistas de las que menos se conocen debido a que no se le dio el reconocimiento que merecía ya que siempre era su esposo quien se llevaba el crédito, pero aun así sus fotografías( el cual era su especialidad) hoy en día siguen siendo un gran exponente de lo que fue el estilo Bauhaus en aquel entonces

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masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas

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Luces, líneas y texturas. La Fundación Loewe se ha sumado este año a PHotoEspaña presentándonos la primera muestra en España de Lucía Moholy, que además de fotógrafa fue historiadora y escritora y que, por permanecer a la sombra de László Moholy-Nagy, con quien se casó en 1921, no ha sido reconocida hasta las últimas décadas.

Antes de su matrimonio, Moholy, nacida en 1894 en Praga y formada en Historia del Arte y en Filosofía, había trabajado como editora para diversas publicaciones, y tras él colaboró con Lászlo en la elaboración de sus experimentaciones fotográficas y sus trabajos teóricos. A raíz de la incorporación a la Bauhaus del húngaro, en 1923, Lucía documentó como fotógrafa las actividades del centro y el resultado de aquel trabajo fue excepcional. Gropius, entonces director de la escuela, valoró sus fotografías al punto de utilizarlas para documentar la actividad del centro, promover su filosofía y sus principios estéticos.

Lucía retrato a sus compañeros de la Bauhaus, fotografió el interior y el exterior de sus departamentos, primero en Weimar y luego en el edificio de Dessau (documentó su construcción), y también los productos que salieron de sus aulas, resaltando la funcionalidad de sus diseños.

Aquellas imágenes (una selección de las mismas, 48, son las que hasta el 30 de agosto pueden verse en la Fundación LOEWE bajo el comisariado de María Millán) aparecieron en su momento en las publicaciones oficiales de la Bauhaus y en prensa y muestran la audacia de Lucía Moholy a la hora de retratar tanto personas como objetos y espacios; también prestó atención a momentos cotidianos, fiestas y reuniones.

Abundan en su producción, ligada a la Nueva Objetividad, los primeros planos, que contrastan con fondos casi anodinos para captar con toda precisión las expresiones de sus modelos, los ángulos apenas vistos, el juego con los claroscuros y los contrastes, las distorsiones ópticas...en definitiva, la ruptura de los convencionalismos, una aproximación a la abstracción. El resultado genera tensión y un dinamismo que se adelantaría al desarrollo de la fotografía en los últimos años treinta y en los cuarenta.

Con el fin de potenciar el claroscuro y favorecer la riqueza y complejidad visual de sus imágenes, llegó a intervenir en ellas pintándolas tras el revelado, y para lograr que en sus obras se apreciase la riqueza cromática de blancos, negros y grises trabajaba con luz natural y prefería los días sin sol.

En 1933, tras el ascenso del nazismo, Lucía, checa de origen judío, escapó de Alemania hacia Gran Bretaña pasando por Praga, Viena y París; tras llegar a Inglaterra recaló en Estados Unidos y más tarde se afincó en Zürich donde colaboró con distintas publicaciones y, no solo eso, llegó a publicar, utilizando un pseudónimo, literatura de índole expresionista, y también trabajó en los ámbitos de la crítica y la educación. Durante aquellos años se dedicó además a recuperar sus negativos anteriores, que habían estado dispersos desde que dejó Berlín.

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Luces, líneas y texturas. La Fundación Loewe se ha sumado este año a PHotoEspaña presentándonos la primera muestra en España de Lucía Moholy, que además de fotógrafa fue historiadora y escritora y que, por permanecer a la sombra de László Moholy-Nagy, con quien se casó en 1921, no ha sido reconocida hasta las últimas décadas.

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"Cuatro historias de mujeres que cambiaron el mundo a través de la arquitectura y el diseño".

Charlotte Perriand nació en el año 1903. Tras estudiar diseño de mobiliario en la Union Centrale des Arts Décoratifs quedó fascinada por la estética de lo industrial, de las máquinas y de los automóviles que empezaban a ocupar las calles de su París natal. En 1927, fue al estudio de Pierre Jeanneret y Le Corbusier para pedir trabajo y recibió como respuesta un lacónico: "Lo siento, aquí no bordamos cojines". Unos meses más tarde, gracias al proyecto "Bar sous le Toit", del que Jeanneret y Le Corbusier quedarían fascinados, estos aceptaron su ingreso en el estudio.

Junto con Jeanneret y Le Corbusier, Perriand diseñaría algunos de los muebles más icónicos de la historia del mueble contemporáneo, entre los cuales destacan la chaise longue basculante LC4 B306 o las sillas B301 y B302, actualmente editadas por Cassina.

Chaise Longue LC4 (B306), Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret y Le Corbusier, 1928.

En el año 1919, se proclamó en Alemania la República de Weimar. Con ella, una nueva constitución reconocía el derecho de las mujeres a la educación y a la igualdad en el trabajo. Ese mismo año Walter Gropius recibió el encargo para impulsar una escuela que simbolizara la modernidad del nuevo Estado; un encargo que culminará con la fundación de la Bauhaus.

Gropius quería una escuela moderna, alejada de la formación historicista, pero sin que se convirtiera en un taller para que "las señoras de Weimar pasaran las tardes haciendo macramé". Una de sus primeras ideas fue establecer un precio más caro para las matrículas de las mujeres y así limitar su entrada. Aunque la idea no llegó a prosperar, las mujeres fueron marginadas de los talleres de arquitectura, carpintería o metal, y eran invitadas a participar en los talleres textiles o el de encuadernación, considerados más femeninos.

Algunas de ellas se rebelaron ante aquella situación y así, por ejemplo, Marianne Brandt se convirtió en la primera mujer en ser admitida al taller de metalistería de la escuela. Un taller que acabaría dirigiendo en 1928.

Alumnas de la escuela Bauhaus. © Bauhaus-Archiv Berlin.

En 1924, la arquitecta y diseñadora Lilly Reich conoció a Mies van der Rohe. Su relación iría más allá del ámbito profesional, hasta el punto que Mies decidió abandonar a su primera esposa. Juntos diseñaron algunos de los edificios más icónicos del Movimiento Moderno, entre los que el Café Terciopelo y Seda, de la Exposición de moda femenina de Berlín, los pabellones alemanes de la Exposición Internacional de Barcelona o la casa Tugendhat. La relación terminó a finales de los años treinta, cuando Mies vio la oportunidad de marchar a los Estados Unidos. En la Berlín de la segunda Guerra Mundial, pasando hambre y penurias, quedaron solas Ada Bruhn, su primera esposa y madre de sus tres hijas, y Lilly Reich. Mies nunca quiso saber nada de ellas.

En 1947, Reich murió de cáncer en Berlín. Su figura no sería reconocida hasta 1996, cuando el MoMA de Nueva York inauguró la primera exposición retrospectiva sobre su legado. Actualmente la Fundación Mies van der Rohe promueve la Beca Lilly Reich para la igualdad en la arquitectura, que en su primera convocatoria ha presentado la intervención artística "Re-enactment", a cargo de Laura Martínez de Guereñu.

Mies van der Rohe sentado en la silla MR20, fumando. © Werner Blaser.

En 1968, el estudio de Robert Venturi y Denise Scott Brown, junto con Steven Izenour y algunos alumnos del despacho, emprendieron un viaje a Las Vegas con el fin de aprender de la arquitectura popular que se proyectaba fuera de los márgenes academicistas del Movimiento Moderno. Fruto de aquél viaje editarían, unos años más tarde, "Learning from Las Vegas": Un libro fundamental para entender la Arquitectura Posmoderna.

En 1991, Robert Venturi recibía el Premio Pritzer, un reconocimiento que ninguneaba a la figura de Denise Scott Brown, en palabras del propio Venturi: "mi igual, mi socia y mi inspiración". En 2013, la organización estudiantil "Women in Design" inició una campaña para exigir la rectificación a la familia Pritzker por aquella exclusión, que aunque hasta la fecha no ha reparado el error, durante los últimos años sí ha premiado a varias mujeres arquitectas, entre las cuales, este 2020 a Yvonne Farrell y Shelley McNamara, del estudio irlandés Grafton Architects.

Denise Scott Brown en las vegas © Robert Venturi.

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"Cuatro historias de mujeres que cambiaron el mundo a través de la arquitectura y el diseño". Charlotte Perriand nació en el año 1903. Tras estudiar diseño de mobiliario en la Union Centrale des Arts Décoratifs quedó fascinada por la estética de lo industrial, de las máquinas y de los automóviles que empezaban a ocupar las calles de su París natal.