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Notes Répétées au Piano - Comment les Jouer

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Jouer du Piano avec la Pédale, c'est à votre portée !

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Piano et confinement, continuons à progresser !

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Échauffement et 4 Exercices de Base au piano

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Comment  Se Déplacer Sur Le Clavier  Du Piano

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Comment Bien Utiliser le Poignet au Piano

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Bellemare Martin

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Le maître des portes

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Coronavirus #4 (sous-titres) Phrasé, modulation et réspiration

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J.- P. Luminet

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La musique des pulsars, par Jean-Pierre Luminet

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Meilleurs Logiciels gratuits pour faire de la Musique à la maison

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Meilleurs Logiciels gratuits pour faire de la Musique à la maison

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L'ennui du confinement commence à se faire sentir et vous ne savez plus comment occuper vos journées ? Peut-être qu'une initiation à la production musicale pourrait être la solution.

Comme en témoignent les nombreuses vidéos virales, pour certains, confinement rime avec musique. Mais comment s'y mettre, si vous n'avez pas d'instrument à proximité (ou... de prédisposition pour l'art musical) ? C'est l'idée derrière notre sélection des 4 meilleurs logiciels gratuits pour commencer la musique assistée par ordinateur.

BandLab : (Windows, macOS, iOS et Android)

Sous ses airs de réseau social pour musiciennes et musiciens, BandLab est avant tout une station audionumérique gratuite dans le cloud. Disponible sur Windows, macOS, iOS et Android elle vous permet de concevoir et partager vos créations sans difficulté grâce son interface très visuelle et intuitive. Le logiciel met à disposition des milliers de beats et de boucles gratuitement pour éveiller l'inspiration ainsi que plus de 200 instruments virtuels allant de kits de batterie jusqu'aux synthétiseurs les plus improbables. Si vous souhaitez enregistrer votre voix, il est possible de passer directement par le recorder de votre smartphone. Attention cependant aux problèmes de latence qui ne semblent toujours pas résolus. Un autre avantage de BandLab, c'est sa vocation collaborative : de nombreux musiciens partout dans le monde partagent leurs créations et vous pourrez ainsi collaborer avec eux, simplement trouver de l'inspiration ou encore vous exercer.

Point fort : Une ressource inépuisable pour l'inspiration

Point faible : Quelques problèmes de latence

GarageBand (macOS et iOS)

GarageBand est un logiciel de création musicale développé par Apple en 2004. C'est devenu un incontournable pour les utilisateurs de macOS ou iOS vu qu'il est proposé gratuitement sur l'ensemble des machines. L'application permet d'enregistrer, mixer et partager facilement ses créations. Elle est encore plus accessible depuis son arrivée sur iOS car vous pourrez, par exemple, jouer du piano sur votre iPad ou iPhone et synchroniser l'audio sur votre mac. Même gratuit, le logiciel est extrêmement complet et vous propose de mixer jusqu'à 32 pistes audio grâce aux effets professionnels intégrés. Cependant, Apple a beau ajouter "smart" devant tous ses instruments virtuels, la qualité sonore peut en décevoir certains. Il reste possible, en téléchargeant d'autres packs d'instruments, sons et boucles mis à disposition gratuitement par Apple, de trouver son bonheur.

Point fort : Possibilité de mixer jusqu'à 32 pistes

Point faible : Des instruments virtuels parfois décevants au niveau sonore

Soundation (navigateur web)

Soundation est un logiciel complet de création musicale directement dans son navigateur web. Pour lancer la plateforme, rien de plus simple, il suffit de se rendre sur un navigateur équipé de Flash et y accéder depuis le site Soundation. Plusieurs offres sont disponibles et avec celle gratuite, vous aurez accès à plus de 700 boucles et effets, des instruments virtuels de haute qualité et jusqu'à 10 projets par mois. Le logiciel offre une simplicité de navigation très attirante pour les débutants et débutantes, tout en restant versatile. De nombreuses options telles que l'export en haute qualité, l'import d'audio ou les automations ne sont cependant accessibles qu'avec l'abonnement à 1,99 € par mois. La limitation à 10 projets mensuels peut être un frein pour les esprits les plus inspirés.

Point fort : Simplicité d'utilisation

Point faible : Pas mal de fonctionnalités de base non incluses

LMMS (Windows, macOS et Linux)

LMMS est un logiciel séquenceur open source qui correspond à tous les styles de musiques et est régulièrement la première option vers laquelle se tournent les apprentis producteurs. L'interface avec son système de fenêtres fait clairement penser au géant FL Studio, ne nous en déplaise. Chaque groupe d'instrument à son propre éditeur, ce qui apporte de la clarté au projet. Les commandes iconographiques sont très visuelles, mais il faut fouiller un peu pour trouver tous les effets et instruments virtuels. Une fois toutes les banques sonores à votre portée, un monde personnalisable à souhait s'ouvre à vous. LMMS prend en compte les applications tierces et supporte les plugins VST pour étayer vos créations. À la différence des autres recommandations de la liste, ce logiciel ressemble beaucoup plus à ce qui se fait dans le monde de la MAO professionnelle, notamment dans ses fonctionnalités, et est donc destiné à un public qui souhaite commencer à customiser des sons et apprendre le mixage.

Point fort : Offre un premier pas dans le monde de la MAO professionnelle

Point faible : Compliqué à prendre en main

Crédit photo de la une : Louise Audry/Numerama

Google annule ses blagues du 1er avril à cause du coronavirus

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MAO : les 4 meilleurs logiciels gratuits pour faire de la musique

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L'ennui du confinement commence à se faire sentir et vous ne savez plus comment occuper vos journées ? Peut-être qu'une initiation à la production musicale pourrait être la solution. Comme en témoignent les nombreuses vidéos virales, pour certains, confinement rime avec musique. Mais comment s'y mettre, si vous n'avez pas d'instrument à proximité (ou...

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GNU Solfège

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Utilitaire gratuit avec beaucoup d'exercices de solfège

GNU Solfege est une application bien remarquable et avec licence gratuite (GPL) pour Windows, qui se trouve dans la categorie Loisirs et la sous-catégorie Musique .

Plus d'informations sur GNU Solfege

En ce qui concerne le fichier, GNU Solfege est une application de taille compacte qui exige moins d' espace que la moyenne des logiciels de la catégorie Loisirs. Il s'agit d' un logiciel très populaire dans des pays comme France et La Réunion. GNU Solfege est compatible avec un système d'exploitation Windows 95 ou supérieur, et est seulement disponible en Anglais. La version du programme est 3.18.7 et sa dernière mise à jour a eu lieu le 20/06/2011. Depuis que le programme fait partie de notre collection de logiciels et d'applications (année 2011), il a obtenu 81,967 téléchargements. Pendant la semaine dernière il a été téléchargé 2 fois.

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GNU Solfege est une application bien remarquable et avec licence gratuite (GPL) pour Windows, qui se trouve dans la categorie Loisirs et la sous-catégorie Musique . En ce qui concerne le fichier, GNU Solfege est une application de taille compacte qui exige moins d' espace que la moyenne des logiciels de la catégorie Loisirs.

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Happy

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Lisez cette page pour apprendre à lire les notes de musique FACILEMENT, RAPIDEMENT et GRATUITEMENT, en Clé de Sol ou Clé de Fa, avec votre téléphone portable ou votre ordinateur.

10 secondes de théorie: portée, clé, note de musique

Vous ne savez pas ce que sont une clé et une portée musicale? Amusez vous quelques instants avec le mini tutoriel ludique et interactif, Portée et Clé de Sol.

Quelle clé devez-vous apprendre pour pouvoir lire une partition de musique écrite pour votre instrument?

La clé de sol est utilisé avec les partition de piano (main droite), guitare, violon, flute, hautbois, clarinette, saxophone, cor, trompette... Pour les chanteurs, la clé de sol est utilisée avec les voix suivantes: ténor, contralto, alto, mezzo-soprano, soprano.

La clé de Fa est utilisée avec les partitions de musique pour le piano (main gauche), violoncelle, contrebasse, guitare basse, basson, trombone, tuba, timbales... Les voix de baryton et de basse utilisent aussi la clé de fa.

Comment voulez vous nommer les notes de musique: DO RE MI FA SOL LA SI ou A B C D E F G?

Principalement utilisée dans les pays Anglo Saxon (et en jazz), la notation alphabétique utilise les lettres de l'alphabet: A B C D E F G.

En France, on utilise la notation musicale syllabique - DO RE MI FA SOL LA SI - également utilisée en Italie, au Portugal, en Grèce, en Russie, Roumanie, Espagne, Turquie.

Si vous êtes curieux d'en savoir d'avantage, vous pouvez visiter notre page de théorie musicale sur le nom des notes. Mais ce n'est pas du tout indispensable pour apprendre à lire les notes.

Comment apprendre à lire la musique d'une façon facile et progressive avec les notes de musique en couleur?

Dans l'immédiat, nous allons utiliser la notation syllabique DO RE MI FA SOL LA SI avec la clé de sol. Mais plus tard, en bas de cette page, vous trouverez quatre liens vous permettant de choisir entre la clé de sol et la clé de fa, DO RE MI ou A B C.

REMARQUE. Si vous préférez apprendre à lire les notes avec une application gratuite pour votre téléphone portable (notes couleur facultatives) SUIVEZ CE LIEN MAINTENANT.

Votre première lecture musicale: "2a" avec la note de musique DO en couleur

Votre première lecture musicale est la "2a" avec seulement DO et SOL. "2" signifie qu'il y a deux notes différentes, "a" que la nouvelle note, ici le DO, est en couleur pour vous aider à la reconnaitre.

https://happynote.com/music/wp-content/uploads/2018/12/read-music-notes-treble-clef-2a-adagio.mp3

Vous devez dire ou mieux chanter le nom de la note exactement en même temps que vous l'entendez. De cette façon, non seulement vous allez apprendre à lire les notes, mais aussi " tenir le tempo". C'est à dire, lire la musique sans ralentir ni accélérer. C'est quelque chose qui est absolument indispensable lorsqu'on joue d'un instrument de musique.

Pour la première ligne, à titre d'example, les notes sont DO SOL DO DO, SOL DO SOL SOL, DO SOL DO DO.

Votre seconde lecture: "2b" avec les mêmes notes, mais sans l'aide de la couleur pour lire la note DO

Lorsque vous pouvez lire facilement la lecture "2a", il est temps de passer à la lecture "2b":

https://happynote.com/music/wp-content/uploads/2018/12/read-music-notes-treble-clef-2b-adagio.mp3

Les lectures musicales "b" n'ajoutent jamais de nouvelle note à apprendre. Mais la note apprise dans la lecture précédente et qui s'affichait en couleur est maintenant en noir. Il faut donc la reconnaitre sans l'aide de la couleur.

A nouveau, vous devez dire ou mieux chanter - ainsi, vous entrainez aussi votre oreille! - le nom de la note de musique exactement en même temps que vous l'entendez, ni avant, ni après.

Lecture musicale "3a": la nouvelle note de musique MI est en couleur

Quand la lecture musicale "2b" est devenue facile, vous pouvez apprendre à lire une nouvelle note de musique. Après la lecture "2b", la lecture suivante est la "3a". Et donc, "3" signifie qu'il y a 3 notes différentes, "a" que la nouvelle note est en couleur pour vous aider à la reconnaitre.

La nouvelle note à apprendre dans la lecture "3a" est la note de musique MI:

https://happynote.com/music/wp-content/uploads/2018/12/read-music-notes-treble-clef-3a-adagio.mp3

Vous devez pouvoir lire les notes de chaque lecture musicale facilement et sans hésitation. Idéalement, lorsque vous dites le nom d'une note, vous devriez déjà être en train de voir et lire la note suivante.

Avec la lecture "3b", il n'y a pas de nouvelle note à apprendre, mais vous devez pouvoir lire la note MI facilement sans l'aide de la couleur:

https://happynote.com/music/wp-content/uploads/2018/12/read-music-notes-treble-clef-3b-adagio.mp3

Ne passez pas à la lecture "4a" tant que vous ne pouvez pas lire facilement et sans aucune hésitation la lecture "3b". N'hésitez pas à répéter la lecture "3b" plusieurs fois afin que les notes DO, MI et SOL vous deviennent familières.

N'essayez pas non plus d'apprendre à lire trop de nouvelles notes en une seule fois ou une seule journée. Excepté pour les premières lectures où il y a très peu de notes, apprendre une nouvelle note par jour et répéter plusieurs fois les lectures "b", éventuellement sans le son mais plus rapidement - mais à vitesse constante durant toute la lecture, sans ralentir ni accélérer le tempo - est la bonne manière de procéder.

Lorsque vous pouvez lire la lecture "3b" en clé de sol facilement et sans hésitation, vous pouvez passer à la lecture "4a" pour apprendre une nouvelle note de musique, le RE:

https://happynote.com/music/wp-content/uploads/2018/12/read-music-notes-treble-clef-4a-adagio.mp3

Vous avez maintenant compris combien il est facile d'apprendre à lire les notes avec les lectures musicales "a" et "b". Mais de plus, vous disposez d'options supplémentaires si vous le souhaitez.

Choisissez la façon qui vous convient la mieux pour apprendre à lire les notes en clé de sol et fa

- Je veux juste continuer d'apprendre de cette façon

Choisissez votre lien ci-dessous. Ou utilisez le menu principal en haut de cette page, option Lectures Musicales.

- Je veux plus de choix pour la vitesse de chaque lecture

Visitez Lecture Musicale Multimédia HN. Le programme offre un choix de 5 vitesses: Largo, Adagio, Andante, Moderato, Allegro. Disponible pour Windows 10, 8, 7, Vista, XP.

- Je veux quelque chose de plus amusant et pouvoir choisir d'un seul clic les notes à apprendre ou à réviser

Essayez le jeu vidéo Partition Clé de Sol et Clé de Fa HN avec une multitude d'options. Son menu Pédagogie utilise le même système de nouvelle note en couleur mais vous pouvez aussi choisir librement les notes et la note couleur (facultative). Fonctionne avec Windows 10, 8, 7, Vista, XP.

- Je veux une application pour apprendre à lire les notes avec mon mobile et ma tablette

Jouez gratuitement avec Lire les Notes de Musique HN. Vous pouvez jouer en ligne quelque soit votre appareil (iPhone ou iPad ou mobile Android, ordinateur Mac ou Windows ou Linux, etc.) ou télécharger la version Android sur Google Play. L'application utilise les mêmes notes en couleur (facultatives) et la même progression dans l'apprentissage de nouvelles notes. Et il y a des liens directes à la fin de chaque partie vers les lectures "2a" à "17b" correspondantes.

Plus de jeux pour apprendre à lire la musique d'une partition

Musique et Rythme dans l'Espace HN

Ronde, blanche, noire... Jouez avec Musique et Rythme dans l'Espace HN pour comprendre les différentes valeurs (durées) de notes qui forment le rythme:

Casse Brique Casse Note HN

Essayez Casse Brique Casse Note HN pour apprendre les silences musicaux:

Musique Ecoute HN

Chanter le nom des notes que vous lisez est déjà un entrainement pour reconnaitre les notes de musique à l'oreille. Perfectionnez vous avec Musique Ecoute HN:
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Clé de Sol et Fa: apprendre à lire les notes de musique d'une partition

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Lisez cette page pour apprendre à lire les notes de musique FACILEMENT, RAPIDEMENT et GRATUITEMENT, en Clé de Sol ou Clé de Fa, avec votre téléphone portable ou votre ordinateur. Vous ne savez pas ce que sont une clé et une portée musicale?

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Rythmes, notes, analyse...

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Bonjour à tous·tes,

J'ai mis ce site en place suite à la crise Covid que nous avons traversée. En tant que professeure d'académie j'ai été confrontée à une autre organisation et ai souhaité déposer ici de la matière pour mes élèves. Finalement, c'est un bel endroit où regrouper différentes choses que je fais dans mes cours et mes stages :)

​

Ce site est donc en constante évolution et comprends plein de choses différentes que je suis ravie de les partager avec vous!

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La musique est faite pour être partagée, n'hésitez pas à utiliser ce qui vous parle. N'oubliez simplement pas de citer vos sources ;)

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Si vous souhaitez suivre mon actualité musicale et les stages, ateliers, cours que je donne, par ici !

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Bonjour à tous·tes, J'ai mis ce site en place suite à la crise Covid que nous avons traversée. En tant que professeure d'académie j'ai été confrontée à une autre organisation et ai souhaité déposer ici de la matière pour mes élèves.

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Notation angl-saxonne des notes de musique

Appeler les notes "Do Ré Mi Fa Sol La Si" n'est valable que pour la france et l'Italie en gros. Cette notation est due à un moine du XIeme siècle dont vous pourrez lire l'histoire ici : origine de Do Ré Mi La Sol La Si

Le schéma ci dessous vous permettra de vous y retrouver dans les correspondances. Un moyen mnémotechnique de les remettre dans l'ordre est de considérer que la note Fa correspond à la lettre F.

Voir aussi

La durée des notes Les gammes majeures

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Nom des notes en solfège et leurs positions sur la portée

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Appeler les notes "Do Ré Mi Fa Sol La Si" n'est valable que pour la france et l'Italie en gros. Cette notation est due à un moine du XIeme siècle dont vous pourrez lire l'histoire ici : origine de Do Ré Mi La Sol La Si Le schéma ci dessous vous permettra de vous y retrouver dans les correspondances.

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Activité du cerveau pendant la pratique du Piano

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Activité du cerveau pendant la pratique du Piano

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Avoir une bonne assise au piano vous permet de partir sur de bonnes bases. Il existe plusieurs types de sièges, qui ne se valent pas tous (cf. choisir son siège de piano). Une fois votre siège choisi, encore faut-il bien le positionner et bien s'asseoir dessus !

Privilégiez une banquette ou une chaise de piano à un tabouret. Les tabourets ne fournissent pas assez de stabilité et de place pour pouvoir bien s'y installer et être à l'aise sur son clavier. De plus, les banquettes et chaises de piano sont souvent réglables et s'adaptent donc à votre taille. Sans compter qu'elles sont matelassées, ce qui est bien plus confortable lors de vos longues séances de travail.

Le siège se place de manière à être centré face au clavier. Si vous possédez un piano avec des pédales fixes, elles sont un bon moyen de repère. Une fois le siège bien positionné, assurez-vous qu'il ne soit ni trop loin, ni trop près du clavier. De manière à avoir un bon angle entre vos bras et vos avant-bras (sans atteindre l'angle droit). Cette position doit vous sembler naturelle et confortable.

Essayez de ne pas vous avachir sur votre siège, car mal se tenir, c'est le mal de dos assuré ! Pour cela, essayez de vous asseoir au bord de votre siège. De cette façon, vos jambes seront solidement ancrées dans le sol ! Ce qui permet de garder une bonne position lorsque vous jouez.

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Avoir une bonne assise au piano vous permet de partir sur de bonnes bases. Il existe plusieurs types de sièges, qui ne se valent pas tous (cf. choisir son siège de piano). Une fois votre siège choisi, encore faut-il bien le positionner et bien s'asseoir dessus !

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Métronome - métronome en ligne gratuit - imusic-school

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Métronome en ligne simple d’utilisation pour travailler en rythme. Tempo, nombre de temps par mesure, binaire ou ternaire, temps forts.

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Éloge de la lenteur

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Il y a des moments dans la vie d'un instrumentiste où rien n'y fait, ça résiste, on ne trouve pas la solution pour progresser et parvenir à un résultat convenable.

Parfois même, la motivation en fait les frais.

Alors comment faire et quelle méthode de travail adopter?

Il existe une méthode à laquelle on ne pense pas immédiatement, mais qui est d'une efficacité redoutable : travailler très lentement et suffisamment afin de donner au cerveau le temps de l'apprentissage, sans le stresser, par exemple en exigeant des prouesses irréalisables telles que restituer une page ou une grille d'improvisation sans même avoir pris le temps de l'étudier à fond, sous tous ses angles et tous ses aspects.

Plus ça résiste et plus il faut commencer très très lentement, et très très longtemps!

Après quoi, le cerveau restituera n'importe quelle oeuvre à la vitesse souhaitée, avec le sourire et dans la détente.

Et puis la lenteur est le clé du plaisir. Alors hâtons-nous lentement.

Méthodologie et effets ressentis :

Je mets mon métronome sur quarante cinq et je travaille une partition écrite ou une improvisation sur une grille. Puis je recommence en incrémentant le métronome de cinq points, à cinquante bpm. (Beat Per Minute). Difficile de sentir l'accélération à ce tempo, et pourtant...

Je recommence le processus plusieurs fois. Entretemps, mon rythme cardiaque a ralenti, le fréquence de mes ondes alpha également, ma concentration est stable, je suis plus calme.

Le temps a passé, mais je ne lui accorde plus la même importance, il devient pure illusion, son emprise sur moi s'estompe. La voix angoissante qui susurre " tu perds ton temps " s'est enfin tue. Plusieurs heures sont encore passées mais je ne ressens aucune fatigue et mes muscles sont de plus en plus détendus, j'y veille constamment. Le placement de mes mains, poignets, coudes et doigts est devenu naturel, optimisé, afin de rendre ces derniers les plus disponibles possibles à l'instant " T ", là où ils doivent se placer au mieux pour jouer sans effort. Je suis rentré dans un rythme régulier et répétitif. Mon esprit est vif et clair, disponible et éveillé. Un horizon apaisé et plein de possibles s'ouvre alors à moi.

Contrairement à la sensation du début, je ne perd pas mon temps, j'investi du temps au démarrage pour le récupérer plus tard avec en prime l'acquisition d'une base technique et musicale solide.

Car les déplacements et les doigtés sont progressivement enregistrés avec pour conséquence une relaxation et une confiance qui résout petit à petit toutes les tensions dues à l'incertitude, aux déséquilibres, à l'urgence de trouver une solution même bancale pour jouer les notes sans savoir exactement où elles se situent, ni avec quel doigté les attaquer. Idem pour les nuances, les dynamiques et les phrasés.

Economie de mouvements

Mes mouvements sont réduits au strict nécessaire, mes mains ne bougent pratiquement plus, aucun geste parasite ne vient perturber le minimum requis pour jouer ce que j'improvise ou la musique écrite que j'interprète.

Je me souviens de mon professeur d'aïkido lors des randoris (combats en fin de cours) ou on l'attaquait à plusieurs à la queue leu-leu, il ne bougeait pratiquement pas, était très ancré au sol (le " Ki "), mais personne ne parvenait à le toucher car sa défense était réglée au millimètre près, un simple geste du bras très bien placé suffisait. Nous étions projetés à gauche et à droite avec la même énergie que celle qu'on utilisait pour l'attaque, énergie qui se retournait contre nous, principe de base de cet art martial sublime.

Une économie absolue de la dépense musculaire est fondamentale dans toute pratique sportive ou instrumentale.

Observez un débutant sur des skis, sur des patins à roulettes ou à glace, on a mal pour lui tellement il fait de gestes contre-productifs et dangereux!

Comment espérer programmer les bons gestes en jouant autrement que très lentement au début?

Même un tempo médium lent est encore trop élevé pour " programmer " tout ce qui est nécessaire à l'exécution parfaite d'une oeuvre.

Combien de temps et de motivation faudra-t-il ensuite perdre pour déprogrammer les mauvais gestes appris dans la précipitation d'un mauvais début?

L'imagination au service de l'apprentissage

Lors de ce genre de pratique, le corps évolue lentement. Je m'imagine et reproduit au piano un film montrant au ralenti la course d'un guépard. Je peux alors décomposer et reproduire la surextension de ses membres tendus à l'extrême qui reviennent à l'inverse se croiser au maximum, encore et encore. Je ne joue pas lentement, je simule un jeu rapide au ralenti, ce qui est très différent.

Mais ce qui est important, c'est que le cerveau fonctionne, lui, à plein régime. Une quantité très importante de paramètres peuvent être pris en comptes pendant ce travail lent. Je peux me concentrer sur la vitesse de descente des touches pour maîtriser les nuances et le toucher, fixer les doigtés, programmer les gestes et les déplacements des coudes et des poignets, les écarts latéraux des doigts (les empreintes) pour jouer les accords , le fait de bien prendre la touche au milieu à chaque attaque.

A ce propos, j'imagine par exemple, lors de cette méditation en action, que je tire à l'arc. Peu importe que je regarde ou pas la cible, en l'occurrence le milieu de la touche visée. Je la mentalise. Lorsque je décoche la flèche, je sais qu'elle va parvenir au but car c'est au moment où j'en ai eu la vision interne.

Idem pour le placement rythmique. Là aussi le concept de " milieu " du temps, ou légèrement " en avance ", ou légèrement " derrière " le temps est à l'oeuvre. Le métronome servant de repère-étalon pour tester différentes solutions de placement rythmique alternatives, mais toujours maîtrisées.

Le métronome impose également de respecter les divers stades d'augmentation de la vitesse sans céder à la tentation de jouer trop tôt trop vite et de perdre le contrôle, d'être " joué " par ses doigts.

Ce qui est remarquable, c'est que tout ceci constitue un apprentissage extrêmement précis car, au même moment, le corps et l'esprit fusionnent et apprennent en mémorisant tout, comme si nous étions devenus un magnétophone. Tout ceci sera restitué dans la vitesse, on a peine à y croire au début. C'est comme reculer pour mieux sauter.

L'anticipation

Lors de l'exécution finale, l'anticipation sera la clé indispensable pour pouvoir " voir venir " et résoudre d'éventuels problèmes dûs à quelques millisecondes de déconcentration, d'hésitation, de mini trou de mémoire. C'est un peu comme la mémoire tampon d'un lecteur video en ligne. La barre de chargement est en avance par rapport à celle de la lecture. De temps en temps l'intervalle entre les deux se rétrécit quand le chargement stoppe momentanément alors que la lecture se poursuit à une vitesse stable. Mais lorsque la barre de lecture rejoint celle du téléchargement qui s'est complètement arrêtée, il n'y a plus d'espace pour la mémoire tampon, et la lecture video stop net.

Lorsque l'on joue " au tempo ", que ce soit improvisé ou non, un manque d'anticipation nous met " en danger " permanent et créé de la tension invalidante. Impossible de corriger à l'avance quoique ce soit, on évolue à tâton, le nez sur l'obstacle, sans le recul indispensable pour résoudre les problèmes que l'on voit pourtant venir.

Cette anticipation peut être de l''ordre de quelques millisecondes jusqu'à quelques mesures, voire plus encore. Il peut même y avoir plusieurs plans d'anticipation différents et superposés en simultané afin de prévoir également la forme à venir, les plans de nuances, les modifications de couleur ou tout événement qui va rendre l'exécution intéressante.

L'anticipation est également la base de l'art du déchiffrage...et de la gestion en général.

Cette anticipation se travaille, s'apprend, se programme. On habitue notre cerveau à anticiper en même temps qu'on apprend les notes, les accords et les doigtés. L'anticipation doit devenir un réflexe au même titre que tout le reste. C'est notre assurance. Anticiper doit être une tâche de fond présente lors de tout processus d'apprentissage et ce, dès le début.

Or, dans la lenteur, cet apprentissage de l'anticipation nécessite parallèlement d'accélérer le processus de la pensée, de la mentalisation.

Plusieurs vitesses superposées

Si bien que l'on se retrouve à gérer plusieurs plans de vitesses différents et simultanés : ceux de la lenteur d'exécution des muscles, des doigts, coudes, poignets et mains d'une part, ceux de la pensée en action a contrario rapide et ceux de tous les éléments que l'on veut inclure dans le dossier " anticipation " d'autre part.

Ces derniers peuvent se situer dans une réalisation à courts ou moyens termes et réclamer un traitement plus ou moins rapide par la pensée, voire ultra rapide lorsqu'il s'agit de haute virtuosité ou de superposition de contrepoints lors d'une improvisation.

Petit voyage métaphysique

Cette superposition de plusieurs vitesses est un phénomène que l'on peut retrouver dans beaucoup d'autres domaines de la vie quasiment à l'identique. Nous évoluons probablement dans une onde sinusoïdale lente, dans laquelle s'incrustent d'autres sinusoïdales à multiples fréquences. Prenez par exemple les mouvements qu'effectue la terre dans sa rotation autour du soleil. Elle oscille de tous côtés, tourne sur elle-même, tourne autour du soleil, le tout forcément à des fréquences différentes et simultanées.

Ou bien visualisez les rythmes de nos vies et leur différentes fréquences, représentez-vous sur un schéma imaginaire leurs cycles en terme de secondes, minutes, heures, journées, semaines, mois, années, décennies, siècles, vie, etc...Maintenant, superposez tout ceci sur un instant " T ". Le concept de temps horizontal n'existe plus. Dans cette méditation, le temps se conçoit de manière verticale. Tout existe ici et maintenant, et, si l'on va au bout de ce concept, l'instant est parfait.

Et, pourquoi pas, l'espoir peut enfin renaître! Puisque " avant " on y peut plus rien, et " après ", on ne sait rien encore.

Dans ce cas, pourquoi se presser? Pourquoi ne pas apprécier pleinement et faire durer le plus longtemps possible cet instant parfait?

En psychologie cognitive, on sait bien que derrière le message " dépêche-toi " se cache un autre message : " n'aies pas de plaisir "!

Dans ces conditions, inutile de se demander pourquoi on perd la motivation.

Petite expérience à faire :

Essayez de vous promener pour une fois lentement, très très lentement dans la rue, flannez sans but et observez tout autour. Observez également ce qui se passe en vous une fois passée la sensation étrange du début.

Le monde vous sourira d'une manière inhabituelle, les choses s'offriront à votre attention, vous entrerez dans le mode de l'observation et non plus dans celui de l'action.

De cette manière, vous vous rendez disponible, et c'est justement là que réside la condition indispensable pour parvenir à se concentrer.

La concentration n'est pas un enfermement sur soi-même, mais au contraire une ouverture et une disponibilité paisible au monde qui nous entoure.

Laissez donc vos doigts exécuter les ordres de votre cerveau à qui vous avez laissé le temps d'apprendre, tandis que vous méditez dans une attitude contemplative, disponible, imaginative, libérée des peurs et des tensions, et ouverte au plaisir ressenti grâce à cette lenteur en réalité toute relative.

Dans ces conditions, pratiquer sera un plaisir, et y retourner, une urgence!

Ma propre expérience sur du Bach

Pour travailler comme ceci trois préludes et fugues de Bach, il m'a fallu environ deux heures par tranche de tempo. En partant de quarante cinq bpm et en incrémentant de cinq bpm à chaque reprise de l'ensemble, j'ai casé quatre passages de l'intégrale dans la journée, de quarante cinq à soixante cinq à la croche, soit environ huit heures de pratique sans fatigue!

Je recherchais la perfection, l'égalité absolue des attaques, et la possibilité de me concentrer ultérieurement sur l'interprétation uniquement, sans penser du tout aux notes du texte. Ces dernières devant être entièrement " automatisées ".

Le résultat au bout d'une dizaine de jours a été phénoménal! Je me suis mis à jouer à grande vitesse les trois préludes et fugues. Tout coulait de source, égal, sans aucune fausse note, avec une maîtrise intégrale de tous les paramètres. Je voyais mes doigts jouer à toute vitesse, mais cette fois-ci, ma pensée était totalement disponible et allait lentement, calmement, et ça m'a fait éclater de rire tout en jouant...la dernière fugue du clavecin bien tempéré avec ses trilles redoutables!

A partir de ce stade, j'ai pu me consacrer totalement à l'interprétation, et là, je me suis bien régalé!

Tout ceci vous paraît incroyable? alors testez sur une dizaine de jours ce remède de cheval sur quelques pages difficiles qui résistent, ou bien sur une grille d'impro particulièrement rébarbative, ou toute autre pratique sportive, artistique ou autre.

Après tout, qu'est-ce que dix jours à l'échelle d'une vie de pratique laborieuse?

Mode d'emploi, posologie :

* Mettre le métronome à quarante cinq sur les demi-temps ou sur les temps faibles (les deuxièmes croches ou les temps deux et quatre) ou bien sur tous les temps au choix.

* Jouer ces pages ou improviser sur cette grille (ou sur quatre ou huit mesures en boucle uniquement, au choix) en se concentrant sur la perfection des notes, du son et des mises en place, les placements, la décontraction, la fluidité etc... travailler l'anticipation! Entrer gentiment dans cet univers d'extrême lenteur, dans cette méditation inhabituelle.

* Repérer immédiatement les passages qui ne fonctionnent pas et les refaire plusieurs fois à ce tempo très lent jusqu'à ce que la fluidité soit ressentie et qu'une lecture intégrale soit faite sans aucune faute à ce tempo.

* Une fois que le tout est joué sans faute à ce tempo, valider et augmenter la vitesse de cinq points sur le métronome

* Recommencer encore et encore jusqu'à parvenir à un tempo médium lent (env. soixante dix bpm peut-être?). Surtout, ne pas aller au-delà.

* Refaire pareil en repartant à quarante cinq bpm le lendemain et le sur lendemain pendant une semaine à dix jours tous les jours sans jamais jouer au tempo rapide pour ne pas détruire ce qui se fabrique en " enregistrant " des défauts à notre insu.

Au bout de dix jours, après une pause d'une journée ou deux, jouer pour la première fois dans un tempo rapide, voire ultra rapide, le résultat sera étonnant!

Stages à venir :

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Eloge de la lenteur ou comment travailler l'instrument

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Il y a des moments dans la vie d'un instrumentiste où rien n'y fait, ça résiste, on ne trouve pas la solution pour progresser et parvenir à un résultat convenable. Parfois même, la motivation en fait les frais. Alors comment faire et quelle méthode de travail adopter?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Curieux comme question. Comment pourrait-on régresser au piano alors qu'on continue à travailler ? Et pourtant... D'où vient ce phénomène et comment y réagir pour ne plus tomber dans ce piège ? C'est ce que je vais tenter d'éclaircir ici.

La sensation de régresser avec un ancien morceau

Ça nous est tous déjà arrivé. Un jour, on reprend un vieux morceau qu'on avait bossé pendant des heures, des semaines... Et on n'arrive plus à le jouer comme avant. Des fautes qu'on ne faisait pas, des gestes qui ont disparus de notre mémoire...

On a alors la cruelle sensation d'avoir régressé, l'impression d'avoir bossé pour rien puisque les résultats ne tiennent pas. Cette perte peut être plus ou moins grande et provoquer un découragement proportionnel.

Mais que peut-on y faire, à part recommencer ? Ou repartir sur un autre morceau, en espérant cette fois que quelque chose de différent se produira, comme par magie ?

La sensation de régresser avec un morceau actuel

Cette sensation de régression est vécue encore plus douloureusement lorsqu'il s'agit du morceau que l'on travaille sans relâche depuis des semaines.

Au départ très motivé, partant de 0 avec un nouveau morceau, notre progression est souvent rapide. Quand les choses deviennent plus difficiles, on fourni plus d'efforts. Mais la courbe d'évolution se fait de plus en plus lente, jusqu'à stagner et atteindre une sorte de limite. Et pire, à un moment, alors que nous ne tarissons pas d'effort, elle semble s'inverser !
Ô misère, désespoir ! Comment est-ce possible ?
Du calme ! On va en parler 😉 Ayant moi-même vécu ces étapes, j'en ai tiré ma propre analyse et mes propres conclusions. C'est ce que je vais partager avec vous dans cet article. Cela fait partie maintenant de mes outils de travail en tant que pianiste mais aussi en tant que professeur.

Le jugement sur notre performance

Jugement subjectif

Tout d'abord, gardons en mémoire que notre jugement sur notre résultat ou performance est toujours subjectif.

En tant que grand auto-critique, et je sais que je ne suis pas le seul ;), je peux vous garantir que la différence entre mon jugement sur ma performance et celui des autres peut être vraiment grande. Je ne parle pas d'auto-complaisance. Loin de là.

Pour vous donner un exemple, à ma sortie de conservatoire, à l'examen de piano pour obtenir mon prix, j'étais totalement persuadé d'avoir échoué. Je jugeais ma performance plus que médiocre. J'étais honteux. Pourtant, j'ai non seulement obtenu mon prix, mais également reçu des retours plus que positifs de certains membres du jury...

Cela ne veut pas dire que ma performance était parfaite, loin de là. Ni que ce que je ressentais comme des erreurs et maladresses n'existaient pas. Mais l'importance que j'y accordais était disproportionnée.

Il est très important de se rappeler que notre jugement nous appartient et qu'un jugement objectif sur soi est souvent difficile. Cela nous permet de mieux évaluer les résultats de notre travail et de rester rationnel dans notre avancée.

Si vous voulez en savoir plus, je vous invite à lire ce billet sur cette compétence particulière qu'est l'auto-évaluation.

jugement évolutif

Il me semble important de parler aussi du côté évolutif de notre jugement, de nos critères. C'est un aspect qui passe souvent inaperçu.

Plus vous devenez "expert" en un domaine, plus vous devenez exigeant. Non ? Ça paraît logique. Dites-vous bien alors que plus vous progressez sur un morceau, plus votre niveau d'exigence s'affine, sans forcément que vous vous en rendiez compte.

En devenant de plus en plus exigeant envers vous-mêmes, et qu'en même temps votre progression ralentit, vous pouvez avoir l'impression logique de régresser.

Ben oui, si au début votre niveau d'exigence est relativement bas et votre marge de progression énorme, il est facile d'imaginer qu'avec quelques efforts vous soyez rapidement satisfait du résultat ! Mais plus ces deux tendances s'inversent, plus le résultat semble insuffisant !

Régression des connaissances ou des performances ?

Bon ok. Mais même en relativisant son jugement, il est possible de constater un ralentissement, une limite dans la progression, et même une régression dans une performance par rapport à une autre. Oui, mais il s'agit d'une régression de votre performance, pas de vos connaissances.

En réalité, on progresse toujours. Notre cerveau enregistre sans cesse de nouvelles informations. Ce n'est que la performance qui peut être moins bonne.

Je vais vous expliquer ce qui peut créer le plus souvent une régression dans la performance. Et plus important, ce qui la plupart du temps crée une limite et un ralentissement dans notre progression des informations.

La répétition sans conscience

Je ne rentrerai pas dans cet article dans les détails du sujet sur la mémoire. J'y consacre un autre article à part entière. Mais la grande grande majorité du temps, le ralentissement de la progression est due à un travail devenu inconscient, basé sur la répétition.

Comme je l'ai dit, il n'y a jamais selon moi, régression des informations. Mais son évolution peut être de plus en plus lente, pendant que la courbe d'exigence peut se faire plus élevée, elle. Ce qui donne l'impression de régression.

La répétition non consciente se met de plus en plus en place naturellement, dès que l'on acquiert certains repères dans notre morceau. Certes, elle permet une progression des informations, mais de manière beaucoup plus lente. Voilà pourquoi on a l'impression qu'il faut parfois beaucoup répéter.

En réalité, c'est une mauvaise démarche. Elle est peu productive, demande beaucoup d'efforts pour peu de résultats, et ne tient pas dans le temps. C'est la mémorisation consciente qui tiendra et donnera plus d'assurance.
Mais pour moi ça marche très bien la répétition.
La répétition permet l'acquisition d'information, mais de manière plus lente. Son efficacité dépendra du niveau de difficulté auquel vous vous confrontez. Plus l'obstacle est grand, moins la répétition inconsciente sera efficace.

Attention je parle bien de répétition inconsciente, pas de répétition tout court. La répétition est nécessaire et très profitable tant qu'elle est dirigée par notre esprit dans un but précis. Cette vigilance, cette attention, c'est ce que j'appelle un travail conscient.

Le travail conscient

La routine est ce qui favorise le glissement vers un travail basé sur l'inconscient et la répétition. Toute la difficulté est de conserver cette attention au fil du temps.

Cette attention, ce travail conscient c'est créer du sens, du lien entre les différents éléments musicaux. Cela peut être visuel, sonore, kinesthésique, etc.

Pensez à un peintre qui étudie le même sujet pendant des années parfois ! Un arbre, un oiseau, un paysage... Imaginez la dose d'amour et de désir pour pénétrer les secrets de ces formes qu'il admire. Il va chaque fois chercher plus loin, un détail, une idée...

Le but est de ne pénétrer chaque fois plus en profondeur, dans le sujet, mais aussi en soi à travers celui-ci. C'est une recherche.

La compréhension et l'utilisation des accords et harmonies est un outil fantastique pour s'approprier les notes et leur donner du sens. En les rangeant dans des concepts qui communiquent entre eux et s'entre croisent, vous créez également des liens dans votre esprit et donc travaillez en conscience. Si cela vous intéresse, j'ai créé une initiation à la compréhension et l'utilisation de cet outil dans mon guide à télécharger.
En savoir plus sur le guide "Comprendre et improviser au piano grâce aux accords !"
Le manque d'écoute

Vous l'aurez compris, les facteurs sont multiples et à différents niveaux. Avant de conclure et de vous en rappeler la liste, il reste un facteur important dont je n'ai pas encore parlé.

A force de travail, de répétition, on perd parfois le contact sonore avec le morceau. On ne l'écoute plus. Notre cerveau a été habitué à enclencher toute sorte d'autres récepteurs qu'on a estimé favorable à notre progression. L'habitude de la répétition et le confort de la solitude ont pu contribuer à nous éloigner de cette écoute.

Ce manque d'écoute lors de notre performance peut créer à elle seule, en plus d'un manque de musicalité, des erreurs ou imprécisions de toute sorte, et même techniques.

Alors n'oubliez pas de toujours écouter ce que vous jouez 🙂

Conclusions

liste des facteurs de l'impression de régression

le jugement subjectif

le jugement évolutif

la répétition inconsciente

l'ennui

le manque d'écoute

La routine, l'habitude, si elle est confortable, en plus de ralentir les résultats, ennuie. C'est aussi une des causes du découragement.

A force de vouloir y arriver, et sans savoir comment travailler en conscience, on répète on répète... On glisse de plus en plus vers un travail inconscient, avec de moins en moins de résultat, et de plus en plus d'ennui et de frustration !

C'est cela, en parallèle de nos jugements subjectifs et évolutifs, qui créent la grande majorité du temps l'impression de régression.

Garder l'envie de comprendre le morceau, de ressentir nos gestes, nos doigts, de faire du lien entre chaque chose... Non seulement permet de maintenir en éveil notre curiosité et notre soif naturelle d'apprendre, mais aussi de continuer à progresser de manière pérenne.

Si vous avez déjà lu certains de mes articles, vous savez déjà que ce blog dédié à la libération de votre potentiel au piano se base sur la compréhension ! Une démarche consciente, qu'elle soit conceptuelle ou non, amène toujours des résultats positifs. Dans la vie comme au piano !

Augmenter son niveau de conscience, j'en parle déjà dans mon premier article qui traite de ma démarche pédagogique et des ambitions de ce blog. Je vous invite à aller y jeter un œil si ce n'est pas encore fait 🙂

Bon travail amis pianistes !

Et vous, avez-vous aussi vécu cette situation ? Qu'en pensez-vous ? Partager votre expérience ou votre avis sur la question en commentaire 🙂

Coaching Individuel

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Comment ne plus régresser au piano - Libérer son Piano

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Curieux comme question. Comment pourrait-on régresser au piano alors qu'on continue à travailler ? Et pourtant... D'où vient ce phénomène et comment y réagir pour ne plus tomber dans ce piège ? C'est ce que je vais tenter d'éclaircir ici. Ça nous est tous déjà arrivé.

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Escape game

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LearningApps

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Gaspard de la nuit de M. RAVEL

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Lucas Debargue plays Ravel: Gaspard de la nuit

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Paraphrase de Rigoletto de F. LISZT

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Maciej Pikulski plays Franz Liszt: Paraphrase of Rigoletto S 434

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Dialogues en blanc et noir  Pièce pour quatre mains de Bernard MAGNY

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Dialogues en blanc et noir  Pièce pour quatre mains de Bernard MAGNY

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Clé de Sol

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Concerto n°1 de F. LISZT

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Martha Argerich (2019) – Liszt: Piano Concerto No. 1

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Petrouchka au piano...

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Comment travailler une difficulté ?

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#1 Les bons conseils pour progresser au piano - Comment travailler une difficulté

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Quand travailler mains séparées ?

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#2 Les bons conseils pour progresser au piano - Quand travailler mains séparées ?

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Quand utiliser le métronome ?

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#4 Les bons conseils pour progresser  - Echauffement au piano

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Échauffement au piano

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#4 Les bons conseils pour progresser  - Echauffement au piano

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Comment progresser en déchiffrage ?

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#5 Les bons conseils pour progresser au piano - Comment progresser en déchiffrage

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Comment arriver à jouer dans un tempo rapide ?

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#6 Les bons conseils pour progresser au piano - Comment jouer dans un tempo rapide

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L'articulation du pouce - Cours de piano de Marie-Josèphe Jude

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Leçon de piano : passage du pouce, par Philippe Cassard

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Cours de piano - La position de la main par Marie-Josèphe Jude

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Cours de piano technique #2 - les arpèges

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Cours de piano technique #1 - les gammes

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Avec Grigory Sokolov, Yuja Wang, Arthur Rubinstein, Van Cliburn, Daniil Trifonov, Garrick Ohlsson...

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Partitions pour piano gratuites de musique classique

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Partitions pour piano gratuites de musique classique au format pdf + fichier midi: bach, beethoven, chopin, haendel, mozart, sanz, schubert, schumann.

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Partitions " Muse Baroque, musique et arts baroques

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David & Jonathas, tragédie biblique sur un livret du Père Bretonneau (1688) (2,29 Mo) Trio en rondeau pour 2 dessus et basse continue (258 Ko) Trio en rondeau Magnificat H 76 pour 8 Voix (SATB), flute, violon, et basson et basse continue (637 Ko) Regina Caeli H 46 pour 4 voix, cordes et basse continue (115 Ko) Marin Marais, Sémélé, tragédie lyrique en un prologue et cinq actes, sur un [...]

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John Adams: Naive and Sentimental Music

Featuring two orchestral works by John Adams, Naive and Sentimental Music & Absolute Jest, this is an excellent recording by the RSNO conducted by Peter Oundjian with the Doric String Quartet. The recording's clarity beings out every jesture of Adams' suberb music. More...

Polaris Duo: Illuminate

The Polaris Duo have been performing since 2011, playing the unusual combination of Saxophone and Harp. Now they have released their first album Illuminate to showcase their talents with a wide repertoire covering CPE Bach to contemporary composers such as Andy Scott. A unique sound and highly recommended. More...

Bach: Some shorter works

Here are some shorter, less well-known works by Bach. From his Lute Suite in E minor BWV996, the Bourrée is very adaptable and can be played on Piano, Guitar or as a Duet. His Little Prelude in C minor BWV999 is not one of his 48 Preludes & Fugues but similar in concept, and well suited to either Piano or Guitar. Each of these versions has sheet music, midi & mp3 files available:

Beethoven: Sonatas and Arrangements

In total Beethoven composed 32 Piano Sonatas and 10 Violin Sonatas. However his most famous works are often converted into music for other instruments. Here are some famous piano sonatas, some arranged for different instruments, and also a sample from his first violin sonata. You can see the sheet music score and download the parts:

Mozart's Horn Concerto No.4

Mozart's 4th Horn Concerto is his most famous, particularly the 3rd movement "Rondo" which will remind listeners that today's orchestral french horn was developed from hunting horns. The main theme uses intervals similar to hunting horns while the tempo and rhythm are reminiscent of a gallop. These links provide the sheet music (with all parts) plus mp3 and midi files for this 3rd movement in two different versions:

Camille Saint-Saens - The Swan

"The Carnival of the Animals" is one of the most famous pieces by the composer Camille Saint-Saens. It is a fun suite mostly depicting various members of the animal kingdom, and here we present 2 contrasting movements: the graceful Swan and the lumbering Elephant (midi, mp3 and all parts included). More...

Tchaikovsky Piano music and Arrangements

In addition to symphonies and ballets, Tchaikovsky composed many pieces for solo piano. Mostly this was at the request of his publisher seeking sales. Here are 3 of his piano pieces, in their original form and also in woodwind arrangements - all with sheet music parts, videos, midi & mp3 files:

Liszt's Liebestraum No.3 for Piano

Franz Liszt is best known as a pianist and composer of piano music, but he was very influential as a composer and musician. Among his solo piano works is a set of 3 Liebestraum of which No.3 is the best known and available here in 2 versions (each including sheet music, midi, mp3 & video):

New Sheet Music for Guitar

Here's some new sheet music for Guitar including 2 pieces by Francisco Tárrega (1852-1909), often considered to be the "Father of Classical Guitar". The other 2 pieces are by Luis Narváez and "Anonymous" and all the works include midi & mp3 files in addition to PDF Sheet Music:

A History of Music Notation

In our latest article we look at some key milestones in the development of music notation, with many examples showing different systems of notation, how music evolved in the hands of the Church, how it is adapted for different instruments, and how everything has changed using computers. More...

Mozart's Elvira Madigan

Of all the wonderful music in Mozart's Piano Concertos, the slow movement from Concerto No.21 in C is so well-known, from its use in films (Elvira Madigan) and on TV. Download sheet music score & parts for the original music, and our new arrangement for solo piano with midi & mp3 files:

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classical music articles and reference material

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popular classical works and arrangements

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Classical Music - composers, sheet music, midi, mp3, reviews and articles

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Featuring two orchestral works by John Adams, Naive and Sentimental Music & Absolute Jest, this is an excellent recording by the RSNO conducted by Peter Oundjian with the Doric String Quartet. The recording's clarity beings out every jesture of Adams' suberb music. More...

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Piano: Partitions gratuites à télécharger sur lespartitions.info

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Piano : Téléchargement de partitions gratuites et libres de droits au format pdf, midi et lylipond.

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BIBLIOTHÈQUE

Compositeurs membres Chauve, Thierry (631)
diakanua wayawa, honore (265)
Miladin, Mario (219)
Smit, Maarten (207)
Orsa, Lena (207)
Serge, Duchêne (198)
marcoux, jean-françois (186)
Dewagtere, Bernard (185)
Beneking, Stephan (170)
Carrière, Jean Paul (144)

"Depuis 20 ans nous vous fournissons un service gratuit et légal de téléchargement de partitions gratuites.

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A propos / Témoignages de membres

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Partitions gratuites ou libres de droits pour PIANO - Télécharger PDF, MP3 & MIDI

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BIBLIOTHÈQUE Compositeurs membres Chauve, Thierry (631) diakanua wayawa, honore (265) Miladin, Mario (219) Smit, Maarten (207) Orsa, Lena (207) Serge, Duchêne (198) marcoux, jean-françois (186) Dewagtere, Bernard (185) Beneking, Stephan (170) Carrière, Jean Paul (144) "Depuis 20 ans nous vous fournissons un service gratuit et légal de téléchargement de partitions gratuites.

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Boutique Métronimo

La boutique Métronimo permet d'acheter des stickers, des posters, des mugs, des tapis de souris, des vêtements (bavoirs, tongs), des sous-verres, des horloges, des jeux de cartes, des puzzles, des trousses à crayons, des boites à bijoux, du papier à musique, des logiciels, des aimants pour tenir des partitions sur un pupitre métallique, des dictées musicales. Cliquez ici pour visiter la boutique.

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La boutique Métronimo permet d'acheter des stickers, des posters, des mugs, des tapis de souris, des vêtements (bavoirs, tongs), des sous-verres, des horloges, des jeux de cartes, des puzzles, des trousses à crayons, des boites à bijoux, du papier à musique, des logiciels, des aimants pour tenir des partitions sur un pupitre métallique, des dictées musicales.

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Partitions Gratuites ( Free Sheet Music) à imprimer - Fou De Musique

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Partitions Gratuites (Free Scores, Partituras Gratis) à imprimer, Musique Pop-Rock, Jazz, Blues, Films, Dessins Animes, Musique Classique

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Fiches thématiques

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Les outils éducatifs : les fiches thématiques

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Dans le cadre des outils éducatifs, découvrez les pages contextes abordant la musique en lien avec de grandes thématiques : histoire, art...

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Vocabulaire, analyses...

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A : Désigne la note la dans les solfèges anglo-saxons ; a désigne aussi la tonalité ou l'accord de la mineur ; A, la tonalité ou l'accord de la majeur

a battuta (italien) : en mesure, revenir à la battue

a cappella (italien), chanter sans accopagnement instrumental (relatif au chant religieux chanté à la chapelle).

a capriccio (italien) : librement

à deux : lorsqu'un pupitre de l'orchestre est divisé en deux, indique que les deux groupes (ou les deux instruments) doivent jouer la même partie

a due (italien) : à deux

a due corde (italien) : au piano, sur deux cordes (avec la "pédale douce")

a due cori (italien) : à double choeur

a mezza voce (italien) : à demi voix.

a piacere [ a volontà] ( italien ) : librement ; anglais : at one's pleasure ; allemand : nach Belieben

a prima vista (italien) : littéralement à première vue. A première lecture, en déchiffrant

a tempo [in tempo ; a battuta ; a misura ; in misura] ( italien ) : en mesure ; au mouvement ; bien en mesure ; anglais : in time ; allemand : im Takt ; im Zeitmaß

a tempo primo (italien) : revenir au mouvement

a tempo giusto (italien) : mouvement modéré.

à vide (locution adverbiale) : jouer un instruement sans mettre de touche en oeuvre

a vista : jouer à vue, au déchiffrage

a voce piena (italien) : à pleine voix

AACM : Association for Advancement et Creative Musicians, créée en 1965 par des musiciens de Jazz de Chicago.

abgemessen (allemand) : mesuré

abgestossen (allemand) : détaché, staccato

abglichend (allemand) : en glissant

abnehmend (allemand) : en diminuant

Abréviations : nom générique des signes conventionnels employés dans la notation et les indications agogiques de la musique

Absorbtion : En acoustique, diminution de l'intensité sonore quand le faisceau des vibrations traverse une matière absorbante

abstossen (allemand) : détacher

Abstrich (allemand) : tiré
Academy of Saint Martin in the Field
Accelerando (italien) : en accélérant

Accent : renforcement du rythme ou de l'expression, d'une note ou d'une phrase musicale. 2/ Nom du signe typographique qui indique certains accents. [en allemand : Akzent ; Betonung ; Ton ; Tonzeichen] [en italien : accento]

Acceso (italien) : enflammé, ardent

Acciacature : de l'italien Acciacatura. Ornement mélodique utilisé dans la musique de clavecin

Accident : signe d'altération passager (non structurel) (bémol, bécarre, dièse, double bémol, double dièse)

Accompagnato (italien) : avec accompagnement (abréviaiton : accomp)

Accompagnement : soutien instrumental ou vocal, d'une partie solis te ; Encyclopédie de Diderot et d'Alembert

Accordéon : instrument inventé au XIX e siècle (premiers brevets en 1821-1822) à anches métalliques libres, alimenté en air par un soufflet. Les notes peuvent être actionnées par l'intermédiaire de boutons ou d'un clavier classique. L'accordéon est dit uni-sonore quand les anches sont accordées à l'unisson deux à deux pour donner la même note quand on aspire ou qu'on souflle l'air. Il est dit bi-sonore quand le même bouton ou la même touche produisent deux notes différentes selon qu'on souffle ou qu'on aspire l'air. Il peut être équipé de registres pour modifier le timbre. Il y a un clavier pour la main droite comprenant toutes les notes de l'ambitus, et un clavier pour la mains gauche avec les basses et les accords préparés.

Accordine ( s. f.) : horloge musicienne qui sonne un accord parfait à l'aide de timbres ou de tuyaux accordés.

(s. m.; italien) : Lirone perfetto ou lira da gamba, arce-viola de lira. Intrument à cordes et archet de la famille des violes.

Accouplement : mécanisme des instruments à plusieurs registres permettant de faire jouer un registre un groupe de registres simultanément sur plusieurs claviers, ou de réunir tous les registres seul clavier

ad una corda : au piano, sur une corde (avec la "pédale douce")

Adagio (italien) : adage ; indication de mouvement lent (plus rapide que le largo, plus lent que l' andante) ; anglais : slow ; allemand : langsam

Adagissimo ; lentissimo ( italien ) : très lent, extrêmement lent - anglais : extremely slow ; allemand : sehr langsam

Adufe (tambour ou tambourin adufe) : tambourin à cadre en bois rectangulaire, à une ou deux peaux, joué au Brésil, au Portugal et en Espagne, mais aussi au Nigériza. Il a une parenté avec le daff (deff) arabe, qui étaitt réservé aux femmes. Il se joue debour, porté par une main, qui le tient en position de losange.

Au fond, un joueur d'adufe (Viollet le Duc, Dictionnaire raisonné de l'Architecture française, du XIe au XVIe siècle.)

Tambour sur cadre carré du portugal

Tambour sur cadre carré di Nigéria

Affabile (italien) : Aimable

Affannato ; affanoso (italien) : oppressé, angoissé

Affettuoso (italien) : tendrement, avec âme

Affretando ; affretato (italien) : presser le mouvement, hâté ; anglais : hurried ; allemand : eilig, übereilt

Agogique : néologisme créé par H. Riemann ( Agogik). Désigne l'ensemble des modifications d'expression ou de mouvement rajoutées à la typographie stricte des notes. Désigne toute modification rythmique à des fins expressives et comportant une accentuation, une augmentation ou une accélération.

Agrégation : Désigne l'émission simultanée de notes qui ne forment pas un accord classé

Agrément : désigne génériquement les courtes formules qu'on ajoute aux notes de la musique ancienne et qu'on notait rarement. Les agréments ou ornements étaient laissés au bon goût de l'interprète ou étaient indiqués en abrégé (trilles, mordants, broderies, gruppeto...)

Agus Dei : La plus récente section de la messe. Son texte est puisé dans saint Jean (1, 29). L' Agus Dei est ettesté au VIIe siècle. Il est chanté avant la Communion avec le Credo.

Aigu.: désigne les fréquences élevées de l'échelle musicale.

Air : mélodie

Air de cour :Art de la chanson développé en France entre 1570 et 1650, et prisé à la cour d'Henri IV et de Louis XIII.

Aksak : Terme employé par Alain Daniélou pour désigner les rythmes irréguliers de la musique des balkans ; en turc, aksak signifie " boîteux ".

Akzent (allemand) : accent

al : jusqu'à

al fine : jusq'à la fin

al riverso, al rovescio : à l'inverse, par mouvement contraire

al segno : segno, da capo (aller au signe segno, aller au signe da capo)

Albanie (brève histoire de la musique classique albanaise)

Alboka : instrument à anches et à double chalumeau, utilisant deux cornes comme embouchure et pavillon (pays basque).

Algheita [alghaita] instrument du Niger avec double anche de métal et corps d'instrument en bois recouvert de cuir.

alla breve (italien) : s'applique à la mesure " C barré " dans laquelle l'unité de temps est la blanche (en général mesure à 2 / 2)

alla marcia (italien) : dans un mouvement de marche alla mente : de tête, improvisé

alla misura (italien) : rigoureusement en mesure alla pollaca : à la polonaise, comme une polonaise

alla siciliana (italien) : à la sicilienne, comme une sicilienne (6/8)

alla tedesca (italien) : à l'allemande

alla turca (italien) : à la turque

alla zingara, alla zingarese (italien) : à la tzigane

alla, all' : à la façon de, dans le style de

allargando, allarg. (italien) : en élargissant le tempo.

alle (allemand) : tous, tutti

Allegrissimo ; allegro assai ( italien ) : très rapide, très vif - anglais : very fast, very lively - allemand : sehr lebhaft, sehr schnell

allein (allemand) : seul, solo

(Hébreu : Louez le Seigneur) : Acclamation. Troisième Propre de la messe de la liturgie latine. Il se place avant la lecture de l'Évangile sans action liturgique. Pendant le Carême, on le remplace par le Trait.

Allemande : danse peut-être d'origine allemande, de rythme binaire et à caractère processionnel. On en a des témoignages du XVIe siècle, aux XVII-XVIIIe siècles elle est une des pièces des suites baroques. Au XIXe siècle, on appelle deutscher Tanz (danse allemande), une dance en cercle de rythme ternaire;

all'ongarese : à la hongroise

all'ottava, 8°, ottava, à l'octave

all'unisono : à l'unison

Altération : élévation ou abaissement d'un son sans en changer le nom. Le dièse hausse la note d'un demi-ton ; le bémol abaisse la note d'un demi-ton ; le bécarre annule l'effet des autres altérations ; le double dièse hausse la note de deux demis-ton, le double bémol abaisse la note de deux demis-ton. Ces altérations peuvent être structurelles, c'est à dire appartenir aux gammes ou modes employés, on les place alors en début de la portée, où ils forment ce qu'on appelle l'armure ou l'armature. Elle peuvent être accidentelles, c'est à dire affecter un note précise sur une courte durée, on place alors les signes d'altération devant les notes concernées. Dans les musiques récentes, ne suivant pas des structures modales ou tonales régulières, on peut affecter chaque note d'un bécarre ou d'une altération.

Alto : 1/ dans la musique polyphonique, désigne la tessiture de voix placée entre le ténor et le soprano ; 2/ s'applique aussi eux tessitures dans les familles instrumentales ; 3/ violon à tessiture grave (accordé un quinte en-dessous) qui se place entre le violon proprement dit et le violoncelle dans la famille des cordes.

altra volta : encore une fois

Altus : 1/ pour contreténor ; 2/ au XVe siècle, désigne dans la musique polyphonique une voix intermédiaire entre le le ténor et le superius

alzamento, alzato, alz. : indique un croisement de mains (instruments à clavier)

am Frosch (allemand) : au talon de l'archet

am Steg (allemand) : au chevalet

Ambitus (latin), étendue de l'échelle des fréquences sonores (des notes les plus graves aux plus aiguës) pour une mélodie, un instrument, une voix. [italien : ambito] [allemand : Bereich ; Umfang]

Ambroisien (chant) : Chant liturgique de l'église milanaise. Son répertoire a peut être été constitué dans le milieu du VIIe siècle, il est resté actif en parallèle au chant dit grégorien.

Âme (s, f,), petite pièce cylindrique en pin insérée verticalement entre la table d'harmonie et le fond des instruments à cordes, à la hauteur du pied droit du chevalet. Elle sert à soutenir la pression exercée par les cordes sur le chevalet et a la fonction de coupleur acoustique.

Amen (hébreux), signifie ainsi soit-il, adopté par les chrétiens en conclusion de leurs prières. Dans le répertoire d'église, l' Amen a donné donné lieu à de riches mélismes (particulièrement en conclusion du Gloria du Credo

Amérique latine : Asociaciòn musical de Indias (musique baroque latino-américaine) Site multilingue dont le français

Amplificateur (s, m) : appareil électrique ou électronique formé de circuits, permettant d'augmenter la puissance des signaux électriques et de les transmettre à des haute-parleurs

Anacrouse (s, f) : formule d'une ou de plusieurs notes placées avant l'attaque réelle d'une phrase musicale, comme par exemple les trois premières notes de La Marseillaise. [en allemand : Anakrusis ; Auftakt] [en italien : anacrusi]

Anacrusi (italien) : anacrouse

Anakrusis (allemand) : anacrouse

Analyse des harmoniques : étude acoustique d'une onde sonore visant à discerner les harmoniques, leur amplituse, leur fréquence.

Analyse musicale : étude des formes, des processeus et des techniques pouvant carctériser une œuvre musicale.

Anapeste (grec) : unité rythmique de la poésie antique formée de deux brèves et d'une longue. Au XIIIe siècle on en a conçu un mode rythmique dit rythme de l'anapeste .

Anche : Lamelle de roseau, de métal ou de matière plastique placée à l'embouchure de tuyaux sonores et dont les vibrations produisent un son. Il y a les anches libres qui vibrent sans obstacle (harmonica, accordéon, harmonium, des jeux d'orgue) et les anches battantes qui frappent un corps solide. Les anche battantes peuvent être simples (clarinette, saxophone, anches ordinaires d'orgue) ou doubles (chalumeau, musette, cornemuse, hautbois, cor anglais, basson).
[en allemand : Rohrblatt ; pour les orgues Kehl]. !! Le mot italien anche se traduit par encore.

Andante (italien) : indication de mouvement de vitesse modérée (au XVIIe siècle il désignait un mouvement allant = andante) ; anglais : walking pace - allemand : gehend, mäßig bewegt

Angelica : luth en forme de théorbe.

Angelica

angemessen (allemand) : modéré, régulier

Anglaise : Au XVIIe siècle désignait les danses anglaises de rythme binaire comme les contradanza, ou ternaire comme le Hornpipe. Au XVIIIe siècle, l'anglaise était une danse vive à 6/8 appartenant au quadrille.

Anglican (chant) : Usages particuliers dans le chant de l'église anglicane, particulièrement au XVIIe siècle. Le chant est à quatre voix, la métrique est souple sur des formules simples. Modèle métrique invariable est appliquée à chaque verset divisé en deux hémistiches.

anima, con anima : âme, avec âme

Animato ( italien) : animé - anglais : animated - allemand : belebt

Annaze-kebir (aussi : arghoul) : Clarinette double en roseau, de syrie

Annaze-kebir

anmutig (allemand) : avec grâce

Anonyme codex Mediolanensis voir : " Nota quod tredecim "

Anonymes du 9e siècle(écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anonymes du 10e siècle (écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anonymes du 11e siècle (écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anonymes du 12e siècle (écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anonymes du 13e siècle (écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anonymes du 14e siècle (écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anonymes du 15 e siècle (écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie) : 1. de "Musica manualis cum tonale" à "Dictis super addenda diligenter" ; 2. de "Dicunt multi " à "M.J.C. de modo" ; 3. de "Modus cantandi versiculum " à " Pri re la. Se re fa " ; 4. de " Primo dividatur " à " Ze lernen dy figurlichen musica "

Anonymes du 16e siècle (écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anonymes du 17e siècle (écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anonymes du 18e siècle(écrits anonymes sur la musique : sources, bibliographie)

Anthem (anglais, du latin antiphona): musique d'église, en Angleterre, chantée à l'office, mais dont les paroles n'appartiennent pas à la liturgie. On ditingue le full anthem, chant choral intégral, a cappella ou accompagné à l'orgue, et le verse anthem, où le chœur est entrecoupé de passages solistes, vocaux ou instrumentaux.

Anticipation : Terme de l'harmonie tonale qui désigne le fait de placer dans un accord, une note étrangère à l'accord (dissonance) mais qui appartient à l'accord suivant.

Antienne (grec : antiphona : en résonance avec) : chant liturgique de style psalmodique et responsorial. Dans la liturgie latine, elle est une courte pièce en prose chantée, suivie d'un psaume psalmodié

Antiphonaire : livre liturgique des antiennes et des chants des offices, voire de la messe. La légende attribuant la paternité de l' Antiphonaire à saint Grégoire est fausse. Il y a deux genres d' Antiphonaires, les séculiers et les monastiques (le nombre de morceaux de Matines, Vêpres et Petites-Heures varie)

Antiphonie : manière de chanter un psaume altrenativement à deux choeurs, deux parties de chœur ou à deux interprètes.

Aphonie (s. f.) : affection du larynx entraînant l'extinction de la voix, et le défaut d'articulation du son.

appassionato : passionné

appoggiando : lié

appoggiato : appuyé, soutenu, tenu (voix)

appoggiature : ornement consistant en une note étrangère (un degré au-dessous au-dessus de la note réelle) placée sur un temps fort et d'une durée assez longue. Se place en général sur le premier temps d'une mesure. On l'exécute de manière appuyée.

Arabesque : Pièce en générale pour le piano, composée de fragments.

arcato (italien) : voir arco

ARCHET (s. m.) : accessoire servant dans le jeu des instruments à cordes frottées à mettre celles-ci en vibration. L'archet comprend deux parties : une baguette de bois dure et une mèche de crins de cheval, de tension réglable, fixée à la a pointe " et au " talon " de celle-ci.*

Archet de violon XVIII e siècle

Archicembalo ( italien ) : instrument théorique du milieu du XVIe siècle, décrit par le théoricien Vincentino : il aurait comporté 6 claviers, et 31 notes par octave.

( s. m. ) : Luth conçu au XVI e siècle, pour jouer des notes basses. Le manche du luth traditionnele est allongé, et des cordes basses sont tendus en dehors du manche (elles ne peuvent sonner qu'à vide : bourdon). L'archiluth existe sous plusieurs formes : le théorbe, le chitarone, le théorbe-luth ou Angelica, luth en forme de théorbe. ( italien ) : arciliuto (s. m. ) - anglais : archlute - allemand : Erzlaute ( s. f. )

arco, col'arco, c.a. (italien) : avec l'archet

ardente (italien) : enflammé, ardent

ardore, con ardore (italien) : ardeur, avec ardeur

Arghoul : voir : Annaze-kebir

Aria (italien) : air, mélodie, solo vocal dans l'opéra italien qui est divisé en deux parties et reprise de la première.

Ariette (s. f.) : air de petites dimensions, de caractère léger, aimable

Arioso (italien) : motif ou phrase mélodique lyrique et s'apparentant à l'air, mais aussi de forme plus libre et athématique, qui en fait un intermédiaire entre le récitatif accompagné et l'aria.

Armature (s. f.) ou armure : ensemble des indications placées qu début de la portée.

Arpège (s. m.) : émission successive du grave à l'aigu ou vice versa des notes d'un accord.

arpeggiando, arpeggiato, arp. (italien) : en arpégeant

arpeggio (italien) : arpège

Articulation (s. f.), technique dans la liaison entre les notes et la menée des mouvements musicaux.

Arts libéraux : Désigne les matières de l'enseignement antique et médiéval. Il y a sept arts libéraux (matières) qui sont traditionnellement répartis entre le trivium (artes triviales), arts du langage et le quadrivium (artes reales), arts des nombres. Le trivium comprend la grammaire, la rhétorique, la dialectique. Le quadrivium comprend l'arithmétique, la géométrie, la musique, l' astronomie. On oppose les arts libres aux arts serviles, exécutés, dans l'antiquité par des esclaves, par extension par des exécutants : architecture, sculpture, peinture, musique instrumentale

assai (italien) : très

Atonalité (s. f.) : système d'écriture musicale ou esthétique rejetant le système tonal (gammes majeures, mineuree etc.) et ses hiérarchies dites attracives (tonique, sensible etc.).

attaca (italien) : à la fin d'un mouvement, indique qu'il faut enchaîner sans interruption

attaca subito (italien) : enchaîner immédiatement le plus près possible du chevalet (instruments à archet)

Attaque (s. f.) : manière don't on touche en premier la note.

Aubade (s. f.) : chant du matin

Aufstrich (allemand) : poussé

Augmentation (s. f.) : reprise d'un motif musical avec des valeurs de durée plus longues

Ausdrucksvoll (allemand) : expressif

ISNN 2269-9910

Dimanche 10 Février, 2019

© Musicologie.org 2018.

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A : Désigne la note la dans les solfèges anglo-saxons ; a désigne aussi la tonalité ou l'accord de la mineur ; A, la tonalité ou l'accord de la majeur a battuta (italien) : en mesure, revenir à la battue a cappella (italien), chanter sans accopagnement instrumental (relatif au chant religieux chanté à la chapelle).

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Education et ressources

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La Philharmonie de Paris propose pour Éduthèque un ensemble de ressources pour les enseignants du premier et du second degré.

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Bienvenue sur le site Internet de Métronimo

Métronimo est un site comportant de nombreuses ressources gratuites pour les musiciens ou futurs musiciens : des logiciels éducatifs à télécharger et à installer sur des systèmes Windows, des documents appartenant au domaine public (livres, partitions, musiques au format MIDI), et des activités à faire en ligne : des dictées musicales, des jeux à imprimer (jeux de cartes, de loto, de dominos, de mémoire), des jeux en ligne (mots mêlés, puzzles, quiz, jeux de lecture ou de reconnaissance de notes). Un annuaire de sites sur la musique est également disponible.

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Métronimo, site sur la musique : logiciels pour apprendre le solfège, la musique, le rythme, jeux, dictées musicales, dictionnaires, partitions gratuites, musiques MIDI, annuaires, images, boutique en ligne...

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Institut de Recherche et de Coordination Acoustique et Musique

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Contact :

LA MUSIQUE CLASSIQUE OCCIDENTALE

Date création : 17 Mars 2000

Date mise à jour : 07 Juillet 2000
Auteur : P.CHAUVEINC

Introduction

Comme toujours dans ce genre de vulgarisation, les périodes sont schématiques et tranchées, que les puristes n'en prennent pas ombrage ...

Vous ne trouverez pas tout (notamment la biographie des musiciens, que l'on trouve dans de nombreux livres) dans cette page, mais les éléments qui m'ont le plus marqué, les auteurs que je connais le mieux (désolé pour les autres). J'essaie de rapprocher les périodes historiques des styles et genres de musique qui leur sont associés.

Quand on s'attaque à l'Histoire de la Musique, notamment pour identifier différentes "périodes" dont les oeuvres "appliquent" certains principes communs, on travaille en général sur des caractéristiques du type :

le genre : instrumental ou vocal, religieux ou profane,

l'écriture musicale, la ligne mélodique, lescellules la composant : hauteur, rythme, la manière d'assembler plusieurs cellules ou lignes ensemble (musique homophone versus polyphonie) (on parle aussi detexture); on inclut l'étude de laprévisibilité, où les éléments qui suivent la ligne mélodique "dépendent" étroitement de ceux qui précèdent (connaît son apogée au Classique),

la forme, manière dont l'oeuvre est constituée : avec ou sans reprise, la succession des différents mouvements,

le rôle des voix, des instruments, de l'orchestre, ce qu'on nomme letimbre

la thématique : perçoit-on les motifs, a-t-on plutôt une impression d'ensemble ...

La définition de ces caractéristiques permet, en général, d'identifier une oeuvre et de la positionner dans son contexte historique.
Préhistoire et Antiquité : jusqu'à 500 ap. JC
Tous les livres "d'Histoire de la Musique" vous le diront, le manque de documents écrits ou d'instruments conservés rend difficile l'identification précise des styles et goûts musicaux de ces périodes anciennes. Concernant l'Art en général, les premières traces qui nous restent remontent à -30 000 ans (pour la musique, -4 000 ans).

On sait malgré tout que la Musique existait, principalement pour les occasions suivantes :

Dans l'Antiquité, la musique est un lien vers les Dieux. Si on veut garder certaines images :

Au tout début, c'est la Nature qui se chargeait de faire du "bruit" et ainsi "éduquait" l'oreille des pré-humains : orage, tonnerre, cascades, oiseaux etc ... Ensuite, les premiers outils (corde d'un arc, roseau, taper sur une pierre pour casser un os ...) ont sans doute entrainé l'homme à reproduire tel ou tel son.

Faire du bruit donnait du pouvoir (et du courage) pour éloigner les animaux ou les autres tribus : battement des mains, choc de pierres ou de bois, cris répétitifs. On fêtait aussi le retour de la chasse ou de la victoire sur l'ennemi par des cris et des danses.

Rapidement on en est venu à associer les bruits vocaux et instrumentaux aux actes de la vie (et de la mort) : fêtes, mariages, enterrements ... le tout facile à retenir.

La civilisation faisant des progrès, ces fonctions et acteurs musicaux se sont spécialisés et structurés. Les instruments de musique aussi.

les Egyptiens en font un instrument de la vie politique (religieuse et militaire)

les Grecs en font un problème mathématique (Pythagore, Aristoxène) et lui donne des vertus éducatrices (les modes antiques, cf image suivante)

les Romains l'associent plus volontiers aux jeux et autres divertissements

Le savez-vous ? Le mode dorien ("mi") est viril, l'hypophrigien ("si") féminin, l'hypolydien ("do") triste ...

Rapidement se constituent une musique "populaire" (danses, jeux, fêtes) dont nous n'avons réellement aucune trace, et une musique plus "officielle", pilotée par les classes dirigeantes : musique militaire d'une part et religieuse d'autre part. C'est à partir de cette dernière qu'est réellement née la musique classique occidentale : psaumes religieux juifs par exemple.

On peut "approcher" la musique populaire ancienne, les musiciens et les instruments, par une étude "ethno-musicale" de nombreuses tribus actuelles, mais c'est un autre sujet ...

Le Moyen-Âge : 500-1400 ap. JC

Ce qu'il faut retenir (et ainsi éviter de lire la suite) : après une forte tradition orale, explosion créatrice durant toute cette période. L'effort porte d'abord sur la musique vocale, notamment religieuse (les instruments ont été longtemps interdits car issus du profane), qui part de mélodies simples à une voix (ou n voix identiques ou parallèles), pour évoluer vers des voix de plus en plus indépendantes. C'est, au début, la période du "plain-chant". Puis la polyphonie explose et les instruments remplacent les voix. Un courant profane, poétique ... apparaît aussi puis disparaît (les troubadours).

La Musique religieuse

De multiples églises (Grèce, Rome, Espagne ...) dans lesquelles alternent déjà chants et textes psalmodiés(*) (on retrouvera cette structuration dans les messes de Bach).

Structuration de l'Eglise chrétienne et de son pouvoir sur la vie sociale. Les messes se divisent en "commun" ou "ordinaire" (cérémonies usuelles) et "propre" (liées à des évènements particuliers de la vie : Requiem, Introit ...).

Le commun : le texte et la chronologie sont fixes (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei).

Le 1er fédérateur de la musique occidentale a été le pape Grégoire 1er (vers 600), qui a souhaité unifier et codifier (tout au moins commencer - Charlemagne a continué) le rituel liturgique en occident (à des fins plus politiques qu'artistiques ...). Cela a donné le Chant Grégorien ou Plain-chant, dont les principales caractéristiques sont :

La forme n'est pas figée en fonction du type d'oeuvre, mais l'oeuvre donne une forme : les couplets/refrains des troubadours, les messes ...

le chant aux hommes; c'est une prière

reprise des 8 modes ecclésiastiques grecs, dans lesquels il faut piocher

musique monodique ou à l'unisson; une syllabe = une note; toutes les notes ont la même durée

la musique est très liée au texte chanté (en latin) : on doit pouvoir comprendre la parole de Dieu ...

La musique est d'abord monodique, c'est-à-dire à une seule ligne mélodique : simple (toutes les voix ensemble) ou multiple (les voix sont parallèles mais à des hauteurs différentes). La notation est sommaire et ne fixe pas précisément la hauteur de la mélodie. Début de la notation : les neumes, fixant de plus en plus certains éléments comme la durée, l'accent etc ...

Source de l'image : WiKipédia

Vers le 10ème siècle, apparition, dans l'écriture, de une puis plusieurs lignes de repère, notamment avec la théorie de Guy d'Arezzo. Cela permet l'apparition de la polyphonie, superposition de plusieurs monodies. De strictement parallèle, ces mélodies en viennent à se rencontrer sur quelques syllabes, puis à acquérir leur indépendance : par exemple avec les tropes (un texte différent, parfois sans aucun rapport, est placé entre les vocalises longues d'un Alléluia ...).

Tout cela culmine avec L'Ecole de Notre-Dame, et ses maîtres de Chapelle : Léonin, Pérotin ... La polyphonie va se complexifier (on arrive à des "35" voix" ...), certaines voix seront désormais confiées aux instruments. On appelle cette période Ars Antiqua.

Le sens des paroles va se perdre, d'où une réaction, à la fois de rejet et d'indépendance vis à vis de la liturgie; ce sera l'Ars Nova (1320), avec Philippe de Vitry et Guillaume de Machaut : la notation va progresser (barres de mesure, clés), le rythme va se diversifier.

- Exemple de polyphonie à 3 voix -

triplum (encore plus de mélismes)

duplum (mélismes)

--> teneur (longue, issue du plain-chant grégorien)
parfois contreteneur

La Musique profane

Parallèlement à ce courant religieux, qui connaît une longévité étonnante (1600 : Hildegard von Bingen, 1900 : concile du Vatican et catalogage de 3000 mélodies), un art poétique et musical s'est développé dans la société civile féodale (vers 1100) : poèmes épiques, chants d'amour, colportés par des chanteurs ambulants :

Les styles s'opposent aux recommandations de l'église, avec une musique plus mesurée, parfois strophique (=refrains), avec des altérations, et surtout l'usage des instruments.

les troubadours (Sud), Trouvères (Nord), Minnesänger (Allemagne) ... : de nombreux seigneurs étaient musiciens eux-mêmes (Richard Coeur de Lion)

Quelques styles de musique courtoise :

Canso : chant d'amour lent, non mesuré, souvent strophique (strophes + refrain)

Chant d'Aube : chante la séparation

Chant de Toiles: la belle tisse et raconte sa mélancolie

Pastourelle

Chant de croisades

Danses à refrain

Styles de musique issus de cette époque

Organum et faux-bourdon : superposition des voix à égales distances (quarte, quinte ou sixte)

Mélisme : variation vocale sur une même syllabe du texte (opposé : musique syllabique)

Psalmodie : récitation sur une note, la "corde de récitation"

Antiphonie : 2 choeurs se répondent - Responsoriale : soliste / choeur

Antienne : encadre les psaumes, très mélismatique

Déchant : mouvement contraire des voix conjointes (se déplaçant de degrés égaux)

Motet : polyphonie à n voix (souvent 4), qui entre dans le domaine profane vers le 14ème siècle; plus le texte sera "perdu", plus le motet deviendra instrumental

Rondeau : couplet/refrain, souvent homo rythmiques

Lai, Virelai : chansons profanes polyphoniques

Exemple musical (fin Moyen-Âge) : Près du soloil (Matteo da Parugia - XIVème) - Issu du site
http://perso.wanadoo.fr/gbconsult/musique-ancienne/partitions/index.htm a) Chargement du fichier MID- b) La partition
On remarque bien la polyphonie ou superposition de voix relativement indépendante

La Renaissance (15ème - 16ème siècles)

Complexification de l'écriture polyphonique. Le métier de musicien devient mieux reconnu. Plutôt une phase de transition/consolidation entre le plain-chant ou la polyphonie simple ... et le Baroque où les structures musicales sont bien en place.

Cette période n'a pas été "innovante" au même titre que le passage du plain-chant à la polyphonie quelques siècles plus tôt, mais elle a vu la consolidation de cette polyphonie, poussée à son extrême.

Trois événements majeurs vont influer la musique :

Le genre polyphonique continue : on parle maintenant de contrepoint, c'est-à-dire "point contre point", où les différentes lignes mélodiques de la polyphonie acquièrent leur indépendance. Les voix du dessus s'échappent, se rencontrent parfois sur des accords, un instrument grave (le Luth) garde la teneur qui deviendra la Basse Continue du Baroque (pour se détendre : K.Weill (1928) dans son "Opéra de quat'sous", va reprendre les idées du contrepoint pour s'en moquer).

le retour des arts vers les modèles de l'Antiquité, avec au centre l'Homme : la musique va largement déborder des sphères religieuses

un essor économique sans précédent, notamment en Belgique et Hollande. La musique y est constamment présente (fêtes, cérémonies religieuses ...) et encore une fois cela va favoriser les styles profanes

la Réforme protestante, avec participation active des fidèles aux chants, aboutissant au choral et l'anthem

Les modes majeur et mineur subsistent.

Les principaux styles polyphoniques religieux sont le canon et le motet.

Dans le domaine profane, beaucoup de chansons, notamment le madrigal italien.

On publie de plus en plus, grâce à l'imprimerie (1501, 1er recueil musical imprimé, de PETRUCCI).

Vers la fin de la période, les instruments aussi ont acquis une indépendance et un pouvoir nouveau : famille de la viole, épinette/virginal ... Des écoles de Luth deviennent trés populaires.

Quelques musiciens (on parle d'école franco-flamande) :

Gilles BINCHOIS (15ème siècle)

Guillaume DUFAY (allège la mélodie, la rend moins austère)

Jean OCKEGHEM

DUNSTABLE

OBRECHT (16ème siècle)

William BYRD

Josquins DES PRES

Clément JANNEQUIN (introduit la chanson française, expressive et parfois libertine)

PALESTRINA

Rolland de LASSUS

Le Baroque (1600-1750)

Des éléments sont en place (écriture polyphonique, instruments) mais se structurent et s'enrichissent : émergence de la basse-continue d'un côté, des voix solistes de l'autre (ariosos, arias ou airs, castrats), les rôles de chaque "voix" (vocale ou instrumentale) s'affirment, les formes se figent (sonate italienne à 3 mouvements, fugue, suite). Naissance de l'Opéra. Des abus (cocasserie, mise en scène exagérée) seront rejetés par la suite. Même si la période est unifiée, on distingue la "mise en place" (entre 1600 et 1650) de la "maturité" (fin 17ème). On associe le Baroque à la conquête puis la maîtrise du système TONAL.

Associé à la contre-réforme (besoin d'expressivité, de beauté pure). Très tôt au début du siècle, l'Italie voit apparaître des compositeurs qui privilégient une des voix, qui adoptent des mélodies plus simples. On raconte volontiers la vie de héros : c'est ainsi que naît la monodie accompagnée.

De manière plus générale, les différents "mouvements" (ce terme n'est employé qu'en milieu-fin de période) d'une pièce sont mieux identifiés. Quelques exemples :

Les formes anciennes tendent à disparaître (motet (sauf musique religieuse), madrigal) au profit de nouvelles formes qui donnent la couleur de l'oeuvre :

on attribue un rôle au choeur

on introduit le récitatif (entre le parlé et le chanté),l'arioso (pas tout à fait l'air lyrique) puis l'air

on donne du pouvoir à la fois aux paroles et aux instruments (selon leurs timbres par exemple)

on isole une (des) voix soliste(s), et un accompagnement dans les basses (la fameuse basse-continue)

on ajoute à la mélodie principale de nombreuses ornementations et "notes de passage"

on fixe une structure "binaire à reprise" : chaque épisode ou mouvement sera répété, mais on ne parle que d'UN thème (une idée musicale)

On parlait avant de musique modale, avec sa construction essentiellement horizontale (superposition de lignes avec quelques rencontres possible). Avec le Baroque, ce caractère typiquement polyphonique s'estompe au profit d'une plus grande verticalité : c'est le début réel de la tonalité (on identifie le ton principal d'une oeuvre, à l'aide d'accords dont les notes sont répartis sur toutes les voix), on introduit la notion de cadence permettant de terminer un morceau sur l'harmonie de départ, et ainsi détendre les tensions intermédiaires). L'harmonie prend le pas sur le contrepoint.

dans le domaine vocal : les opéras, airs de cours, messes avec récitatif ...

dans le domaine instrumental : la suite (de danses, au début), la sonate

Exemple : on commence un morceau sur la Tonique (notée I), on s'éloigne modérément (sur la quinte, appelée Dominante V), pour conclure sur la Tonique I. Apparaît la notion de tension/détente, LE principal élément d'écriture musicale du Classique.

Les musiciens sont très liés à la cour et obéissent à des commandes (c'est du personnel au même titre que les cuisiniers ...).

Tout cela fait qu'en général l'identification d'un morceau de cette période est relativement facile (basse continue, binaire à reprise).

La musique d'église conserve la messe et le motet, mais s'enrichit de la cantate (1 voix + instruments, texte issu de la bible), l' oratorio (cantate allongée, texte libre mais inspiré, sorte d'opéra religieux), la passion (oratorio évènementiel, Pâques ...).

Dans une Passion par exemple, les récits (ténor) racontent l'action, les ariosos (moins virtuoses mais qui annoncent les airs qui suivent) méditent, le choeur représente la foule qui commente.

La sonate Baroque (différente de la sonate Classique), de type "binaire à reprise", s'articule sur 3 mouvements : lent/vif/lent en Italie, vif/lent/vif en France ... On parle de sonate de chambre (da camera) et de sonate d'église (da la chiesa). Si en début de période le thème I démarre dès le début de l'oeuvre, on le fera petit à petit précéder d'une introduction ou prélude (par exemple pour permettre d'obtenir le calme dans la salle ou d'accorder un luth), souvent lente, qui deviendra l'ouverture.

Le concerto s'affirme en fin de période : un (concerto soliste) ou des (concerto grosso) instruments concertent avec l'orchestre. Souvent composé de 4 mouvements (lent/vif/lent/vif).

La passacaille (ou chaconne, variante anglaise ground) : une basse (dite obstinée) répète quasi à l'identique un thème. Facilement identifiable. Les passacailles célèbres : Purcell (Didon et Enée), Bach, Berlioz (Symphonie fantastique, annonce la mort), plus récemment Ligeti et Bartok.

La suite : de danses (allemande, courante, sarabande, gigue), on évolue vers une description en mouvements (allegro, andante, scherzo/menuet, finale).

Le menuet (danse) : strictement binaire à reprise, de type (thème A :| thème B :|). Parfois un deuxième menuet suit le premier, puis retour au premier sans reprise (AA BB DD CC A B). Ce deuxième menuet donnera le trio classique. D'autres danses adoptent cette logique de répétition : gavotte (1 et 2), bourrée ...

Le savez-vous ? La BC (Basse continue) est en général chiffrée : l'auteur indique au musicien les accords qu'il doit respecter (1=tonique, 6=accord de sixte sur la tonique ...) pour être en harmonie avec les parties supérieures, mais laisse celui-ci libre de la forme de l'accord (direct, inversé ...), de la transition entre accords, et même de rajouter des fioritures (arpège ...). L'interprète a donc un rôle non négligeable dans la réussite de l'oeuvre; de plus chaque interprétation d'une même oeuvre peut donner des résultats différents.

On distingue 2 types de BC : la BC harmonique, à base d'accords (orgue, clavecin ...), et la BC mélodique (viole, basson ...).

L'opéra : issu d'un rejet des polyphonies où le texte était devenu incompréhensible. En Italie, les "cameratta", assemblées de gens éclairés, discutent sur des sujets mythologiques et la déclamation antique : le "chant" doit exprimer les sentiments, paradoxalement la musique a "moins" d'importance.

Claudio MONTERVERDI (1567-1643) : après avoir sévi dans les madrigaux polyphoniques, il compose Orféo, considéré comme le 1er opéra de l'histoire.

Henry PURCELL (1659-1695) : ses pièces alternent danses, chants, dialogues. Parmi les plus belles pages de la Musique : King Arthur, Didon et Enée.

PERGOLESE : en 1733, avec sa "Servante maîtresse", initie le genre opéra bouffe, repris ensuite par Mozart.

Jean-Baptiste LULLY (1632-1687) : sous Louis XIX, a immortalisé le genre "opéra français", avec le ballet de cours, l'opéra comique, la tragédie lyrique, la comédie ballet ... (cf Molière). A popularisé l'ouverture à la française (grave, lent, rythme noire pointée).

COUPERIN : nombreux musiciens de la même famille. Transforme l'art du clavecin (avec Scarlatti). S'appuie beaucoup sur les morceaux écrits pour Luth.

Campra (successeur de Lully), Charpentier (musique solennelle, messes), Delalande (Pour les soupers du Roy).

Jean-Philippe RAMEAU (1683-1764) : un des théoriciens de l'époque, ses innovations annoncent la période classique suivante (harmonie soignée, déclamation plus claire). Moins pompeux que Lully.

Scarlatti (la famille) : beaucoup de sonates pour clavecin.

Vivaldi : les concertos et leur harmonie. S'approche du style "classique".

Haendel, BACH ... (vous trouverez tout sur d'autres sites, dont le fameux http://www.jsbach.org/).

GLUCK (1714 - 1787) : à cheval sur les 2 périodes, mais avec ses opéras Orfeo et Alceste, reprend des thèmes typiquement baroques (mythologie).

Exemple musical (1626) : Semper Dolens (J.Dowland) - Issu du site http://perso.wanadoo.fr/gbconsult/musique-ancienne/partitions/index.htm a) Chargement du fichier MID- b) La partition
La ligne mélodique, encore attirée par la polyphonie, s'accompagne des accords de la BC

Epoque Classique (1750-1800 - Fin Bach à début Beethoven)

En réaction par rapport au Baroque, la musique de cette période doit émouvoir en profondeur (appellation "strum und drang") mais n'est plus réservée à l'élite (introduction de la bourgeoisie et des concerts payants). On épure les styles d'écriture, on enlève les "folies" baroques. Par contre, les formes prennent de l'ampleur : concertos, sonates, mais surtout symphonies, dont le développement (le mouvement du milieu) s'allonge.

L'évolution des formes binaires est intéressante à suivre : introduction d'un 2ème thème, élargissement d'un mouvement (du milieu) ... Les genres de l'époque précédente (sonate, menuet ...) deviennent des formes, inclues dans des oeuvres composites. L'écriture musicale va beaucoup jouer avec la tonalité, les oppositions entre mouvements, les tensions, les détentes.

L'écriture est moins dense, mieux différenciée entre lignes mélodiques. Tout devient codifié : de la phrase musicale à l'oeuvre, en passant par la forme des mouvements. A la dualité tension/détente poussée à son apogée s'ajoute une forte dimension symétrique dans les oeuvres (période, antécédent/conséquent).

La sonate Classique introduit et élargit un 2ème thème et passe à 4 mouvements : allegro (forme sonate), adagio (lent, forme sonate ou lied ABA'), menuet, allegro (rondo, refrain).

La forme lied : autre juxtaposition ternaire d'éléments binaires à reprise. A (I) B (V) A (retour à I). A la rigidité (caractère baroque), l'époque classique introduit du travail : A (et B) se décomposent en sous-thèmes (a b a), introduction d'éléments extérieurs (codetta au milieu, coda à la fin).

La forme sonate, tout en récupérant l'héritage du Baroque, s'élargit : exposition A (thème ET tonalité I), pont modulant vers exposition B (tonalité V), plus ou moins développement de B, ré-exposition de A (parfois B) - on termine sur I - coda. Le 1er mouvement des symphonies appliquera ce schéma de manière stricte (notamment Haydn).

Le menuet à 3 temps : souvent par deux (un en majeur, thèmes A et B, un en mineur moins structuré, thèmes C et D) de la forme A :| B A :| C :| D C :| A B A |. Le 2ème menuet est appelé trio, et vient en opposition de style avec le menuet 1.

Mieux qu'un long discours ... Ce début de sonate (Mozart Son 11) inclut : la prévisibilité,
la tonalité de départ et d'arrivée en passant par la dominante, la symétrie ... tout ce qui fait le "classique"

MOZART (1756 - 1791) : on ne présente plus. Je retiens son sens de la thématique et de leur assemblage pour constituer une oeuvre qui "sonne" bien et plaît. Dans de nombreuses phrases musicales, il reprend jusqu'à satiété une structure figée de 2 périodes (en général 4 mesures antécédent I vers V / 4 mesures conséquent V vers I).

HAYDN (1732 - 1809) : moins facile à l'oreille, c'est un théoricien hors pair, très reconnu des professionnels (il faut étudier sa musique par écrit pour en appréhender toutes les richesses).

Plus on avance dans la période, plus le retour de la détente (la tonique) se fera attendre.

Le Romantisme (19ème siècle)

A l'aube de la révolution française. L'Homme et la société sont au coeur de cette période, ainsi que l'Orchestre. L'appellation "romantisme" touche tous les domaines artistiques : peinture (Delacroix, Monet), littérature (Goethe, Lamartine, Chateaubriand), et bien sûr musique (Beethoven, Berlioz, Mendelsohn, Schuman, Chopin, Liszt, Schubert ...).

Rejet des carcans et de l'ordre classiques, mais pas forcément du système tonal : l'auteur veut être libre. Extension des développements par rapport aux thèmes de base. On pousse l'orchestre à la fois dans les aigus et les graves, chaque instrument (et son timbre) représente une émotion. On joue sur l'ajoût et la soustraction de timbres (d'instruments) pour créer des atmosphères. La ligne mélodique n'est plus réservée aux instruments du haut, mais peut se ballader au sein de l'orchestre (d'où difficulté à la reconnaître).

Le retour à la Tonique I sera moins systématique, on introduit plus de notes ou d'accords étrangers (à la tonalité). L'opposition entre récitatifs, arias s'estompent pour une plus grande continuité des expressions vocales.

On suscite l'imaginaire, le monde irréel, la musique doit et peut "tout" exprimer (les sentiments ...).

Malgré tout cela, gardons à l'esprit la continuité entre le Classique et le Romantisme, notamment dans les codes régissant l'écriture.

Nouvelles formes (nocturnes, impromptus, études ...) plus libres, mettant en avant soit l'interprète et sa virtuosité, soit la mélodie pour elle-même.

Notion de leit-motiv : chez Berlioz, Wagner, puis Debussy ... C'est une petite phrase musicale associée à un élément dramatique dans l'oeuvre (un héros, une situation). Etant donné que les éléments de polarité de l'époque Classique se perdent (cadences, tension/détente), le leit-motiv permet de retrouver un peu de prévisibilité.

Carl Maria WEBER (1786 - 1826) : un des premiers opéra romantique, le Freischütz, écrit à partir d'une légende folklorique. Nombreuses mélodies populaires allemandes.

Richard WAGNER (1813 - 1883) : veut réformer l'art lyrique, faire une synthèse entre musique, poèsie, théatre ... Par l'importance des leit-motiv, la musique raconte l'histoire et représente le héros. L'art vocal perd aussi ses cloisonements (air, récitatif ...) et devient une expression vocale continue. On sent un élargissement progressif de la tonalité, pont vers les étapes suivantes (l'atonalité en Allemagne début 20ème).

Johannes BRAHMS (1833 - 1897) : alors que BEETHOVEN trouve tout son génie dans les développements de thèmes, Brahms va perfectionner les variations, en isolant des éléments thématiques très réduits (parfois une cellule de quelques notes) qu'il va varier, replacer, modifier à l'extrème. Les formes qu'il utilise sont très classiques (4ème symphonie : sonate, rondo, fugue, chaconne). Ses premières compositions sont d'ailleurs tout à fait dans le style "Mozart".

Hector BERLIOZ (1803 - 1869) : un peu comme Brahms, il va transformer les formes classiques (dans la Symphonie fantastique, le Dies Irae est issu de la Messe des Morts du chant Grégorien ...), et faire de sa musique un programme ("Episode de la vie d'artiste", tel que HB définit lui-même sa S.F). Bien sûr, les éléments comme les cadences, thèmes, périodes, seront variés, assouplis, au risque de disparaître à l'écoute. Mais l'analyse écrite des partitions permet facilement de les identifier. Le leit-motiv se nomme chez lui l'idée fixe.

Georges BIZET (1838 - 1875) : fait partie d'un courant atypique (voisin tout de même des opéras bouffes (Pergolèse, Mozart), comiques (Offenbach)) en créant Carmen, opéra "proche du peuple", reprenant des modes anciens (mode andalou/phrygien dans la Habanera), et créant ainsi une oeuvre de dépaysement mais très populaire.

Les 5 (Cui, Rimski-Korsakof, Balakirev, Moussorgsky, Borodine) : en Russie, longtemps cloisonnée, on en est resté à une musique officielle essentiellement religieuse, assorti d'un folklore populaire important. Ces 5 compositeurs (précédés par Glinka) vont faire sortir la Russie de l'âge Classique.

Les permiers écarts viendront d'abord de la polytonalité (plusieurs tonalités superposées), du retour de modes anciens et de la découvertes des musiques exotiques (cf Gamelan de Bali, exposition universelle).

3 oeuvres (complètement différentes) vont stopper le courant romantique ;

Les Jeux (1913 - Debussy) : poème symphonique

Le sacre du printemps (1911 - Stravinsky) : polytonalité et bouleversement des rythmes

Pierrot Lunaire (1912 - Schönberg) : parlé-chanté, atonal

Après

Les post-romantiques récupèrent l'héritage précédent et allonge (trop ?) les développements (Malher).

Allemagne : post-romantisme (poussé à l'extrème) : Malher, Strauss, puis cassure, expressionisme, atonalité (Ecole de Vienne : Berg, Schönberg, Webern vers 1910)

Dans l'atonalité, le musicien ne considère pas une note (la tonique) comme étant un pôle d'attraction particulier, sur laquelle l'oeuvre se construit. Il n'y a pas de hiérarchie entre notes, pas de repères, et une absence de cycles tension/détente. On perd aussi en prévisibilité et en stabilité.

Une fois les éléments de base des époques Baroque et Classiques (formes menuet, suite ...) bien maîtrisés, il est intéressant de tenter de les reconnaître dans ces compositeurs, qui vont surtout travailler l'orchestration et leur agencement. Bien sûr, les thèmes aussi seront "modernisés", ce qui rend cette identification plus difficile. On perd aussi cette "gravitation" autour de la note tonique (retour, cadence, prévisibilité).

France : impressionisme (Debussy, Stravinski, Ravel) puis Satie, Poulenc, Milhaud (le système tonal n'est pas remis en cause - on les appelle aussi les néo-classiques)

L'évolution ultime va conduire à des systèmes tels que le dodécaphonisme, la musique sérielle, qui contient des règles aussi strictes que celles de l'époque Classique.

Remarques

Bibliographie

Histoire de la Musique (P.Druilhe-JF.Favre - Hachette Education) : pour les scolaires, mais sympa avec des images

Histoire de la Musique (G.Pernon - Ed. Gisserot) : petit mais dense, sans images. Décrit bien les styles de musique

Histoire de la Musique, la Musique dans l'Histoire (T.Benardeau - M.Pineau - Hatier) : grand format, des images, mélange équilibré entre les compositeurs et l'ambiance historique

Dictionnaire encyclopédique (Bouquins - Laffont) : pour tout connaître, notamment les formes et styles

La musique (T.Benardeau - M.Pineau - Nathan) : très synthétique, pour un démarrage en douceur

J'ai récupéré pour vous des timesheets de musiciens issus du site , au format pdf :1100-1700 1500-1900

Liens

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Contact : LA MUSIQUE CLASSIQUE OCCIDENTALE Date création : 17 Mars 2000 Date mise à jour : 07 Juillet 2000 Auteur : P.CHAUVEINC Introduction Comme toujours dans ce genre de vulgarisation, les périodes sont schématiques et tranchées, que les puristes n'en prennent pas ombrage ...

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Player Piano - Script out songs in this piano and have the piano play the songs back to you! Its sounds great and works well.

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High C est un logiciel de synthèse sonore graphique libre dérivé de l'UPIC de Xenakis (années 80). Il utilise un modèle de synthèse addictive structurée. On peut composer des objets sonores simples ou composés et les manipuler pour créer une musique. Il peut permettre l'exploration des paramètres musicaux pour de jeunes élèves, la création de paysages sonores. Il permet également l'exploration de nouveaux univers musicaux proches de la musique contemporaine.

Comment ? En dessinant littéralement pour créer sa propre musique avec un pinceau, en modifiant l'enveloppe, avec un bouton édition qui permet de copier, coller, changer la forme d'onde, l'enveloppe, etc. Des utilisateurs plus expérimentés peuvent importer des fichiers Midi pour retravailler le son d'un instrument et créer un arrangement.

Des boucles toutes prêtes sont mises à disposition de l'utilisateur :
elles peuvent être utilisées telles quelles, ou transformées à leur tour à votre convenance.
Voici quelques exemples :

(séries d'accords empruntés à Schubert)
: motif emprunté au groupe allemand Einstürzende Neubauten
: boucle rythmique et glissandos
(utilisation de lettres qui représentent chacune un rythme. Constitution de mots, de phrases)

Exploration d'effets qui peuvent illustrer une musique de film de science-fiction,
ou un documentaire sur les planètes, par exemple :
;

(glissando et crescendo, mouvement perpétuel) ;
Un jeu avec les intervalles ;
Exemples des sonorités proposées dans le logiciel ;

Tutoriel (traduction en français)
HighCtutorial_profs_1 ;
HighCtutorial_profs_2 ;
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USAGES DANS UN COURS D'EDUCATION MUSICALE Au niveau 5et l'œuvre (
ème, séquence autour de Notre dame de Paris
" Viderunt Omnes " de Perotin
utilisation du logiciel pour la création d'un canon à 3 voix)
La fiche tutorielle à destination des élèves :
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Exemples de travaux réalisés
avec des élèves

HighC First Improvisation n°1
par George Hatzimichelakis
Video intéressante parce qu'elle
vous permet de suivre
les différents gestes :

Lien de téléchargement vers le logiciel High C
(valable pour Windows, Mac, Linux)

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HIGH C : dessiner sa musique - MADAME MUSIQUE

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Lumni

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Lumni est une offre de contenus multimédias gratuits pour les élèves, parents, enseignants et médiateurs, qui permet un accès à la culture, au savoir et à la connaissance.

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High C : Dessiner sa musique

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Exploration d'effets qui peuvent illustrer une musique de film de science-fiction,
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HIGH C : dessiner sa musique - MADAME MUSIQUE

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Ableton

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Dans ces leçons, vous apprendrez les bases de la création musicale. Vous n'avez besoin d'aucun matériel ni expérience préalable, vous ferez tout ici, dans votre navigateur.

Pour commencer, écoutez les éléments ci-dessous. Chacun contient un extrait musical. Cliquez sur un élément pour l'activer ou le désactiver.

Jouez avec ces éléments pendant un moment et vous découvrirez que certaines combinaisons vous plaisent. De nombreuses musiques sont créées ainsi, en mélangeant et associant des éléments musicaux pour élaborer des combinaisons intéressantes, puis en les changeant par la suite.

Vous avez pour le moment combiné des motifs musicaux ou " patterns " existants. Vous allez maintenant créer vos propres patterns.

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BEETHOVEN

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Even when you're the preeminent musical genius of your generation, sometimes you just step in it. So begins Beethoven's trip to the symphony hall in today's musical puzzle, which Leon Hong created in collaboration with artist Nate Swinehart and engineers Jonathan Shneier and Jordan Thompson. It happens that our story isn't much of a stretch in the broader context of Ludwig van Beethoven's life, which saw more than its share of rotten luck.

Ludwig's father, a middling singer in the Elector's court and a man too often in his cups, pulled the precocious child out of school at the age of ten in hopes of earning some money on the shoulders of his talent (as a result, his handwriting was so bad that musicologists still struggle to authenticate his signature). He lost two siblings prematurely, had to assume full responsibility for his family as a teenager, fell madly for unrequiting lovers twice, and, most famously, began losing his hearing at the peak of his career.

Despite all of this, Beethoven's music prevailed. As Mozart reputedly said, "one day, [that boy] will give the world something to talk about." That he certainly did. Sure, he may have raised his voice a few times, but he could overwhelm his friends with excessive kindness and generosity just the same. And while his romances brought him more anguish than happiness, would we have Für Elise or Moonlight Sonata if they hadn't?

It's unclear when Beethoven was actually born, but December 17th marks the 245th anniversary of his baptism. Today provided us a rare opportunity to construct a game in step with beautiful music, whose evocative moods, drama, lightness, and depth made conjuring visuals to match it rollickingly fun. Here's to one of history's greatest artists, and to hoping that, wherever you happen to be traveling this holiday, your life's work isn't eaten by a horse.

Engineers: Jordan Thompson, Jonathan Shneier, Kris Hom, Charlie Gordon

Design Lead: Leon Hong

Animatics/Additional Art: Nate Swinehart

Piano Recordings: Tim Shneier

Production: Gregory Capuano

Mulling over ideas for puzzle structure

The evening's first misstep

Moonlight Sonata before a dip in the Rhine

At last, the crescendo

# data[].attributes.attachment_link.title
Celebrating Ludwig van Beethoven's 245th Year

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Help Beethoven arrange his masterpieces in today's #GoogleDoodle

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BACH

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Even when you're the preeminent musical genius of your generation, sometimes you just step in it. So begins Beethoven's trip to the symphony hall in today's musical puzzle, which Leon Hong created in collaboration with artist Nate Swinehart and engineers Jonathan Shneier and Jordan Thompson. It happens that our story isn't much of a stretch in the broader context of Ludwig van Beethoven's life, which saw more than its share of rotten luck.

Ludwig's father, a middling singer in the Elector's court and a man too often in his cups, pulled the precocious child out of school at the age of ten in hopes of earning some money on the shoulders of his talent (as a result, his handwriting was so bad that musicologists still struggle to authenticate his signature). He lost two siblings prematurely, had to assume full responsibility for his family as a teenager, fell madly for unrequiting lovers twice, and, most famously, began losing his hearing at the peak of his career.

Despite all of this, Beethoven's music prevailed. As Mozart reputedly said, "one day, [that boy] will give the world something to talk about." That he certainly did. Sure, he may have raised his voice a few times, but he could overwhelm his friends with excessive kindness and generosity just the same. And while his romances brought him more anguish than happiness, would we have Für Elise or Moonlight Sonata if they hadn't?

It's unclear when Beethoven was actually born, but December 17th marks the 245th anniversary of his baptism. Today provided us a rare opportunity to construct a game in step with beautiful music, whose evocative moods, drama, lightness, and depth made conjuring visuals to match it rollickingly fun. Here's to one of history's greatest artists, and to hoping that, wherever you happen to be traveling this holiday, your life's work isn't eaten by a horse.

Engineers: Jordan Thompson, Jonathan Shneier, Kris Hom, Charlie Gordon

Design Lead: Leon Hong

Animatics/Additional Art: Nate Swinehart

Piano Recordings: Tim Shneier

Production: Gregory Capuano

Mulling over ideas for puzzle structure

The evening's first misstep

Moonlight Sonata before a dip in the Rhine

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Celebrating Ludwig van Beethoven's 245th Year

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Help Beethoven arrange his masterpieces in today's #GoogleDoodle

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Bonjour à tous,

Nous vous avons préparé un quiz pour tester vos connaissances sur cet objet sonore si populaire qu'est le piano.

Le répertoire pour cet instrument est si vaste qu'il faudrait plusieurs vies pour tout étudier. Ce questionnaire à choix multiples (QCM) s'intéresse à différents aspects du piano grâce à 30 questions de difficulté variable.

La correction est didactique, toutes les réponses sont documentées. Lancez-vous !
Réussirez-vous à obtenir un bon score ?
Si oui, un grand bravo, vous êtes très fort !

Allez, c'est parti, puis envoyez-nous vos impressions...
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Bonjour à tous, Nous vous avons préparé un quiz pour tester vos connaissances sur cet objet sonore si populaire qu'est le piano. Le répertoire pour cet instrument est si vaste qu'il faudrait plusieurs vies pour tout étudier. Ce questionnaire à choix multiples (QCM) s'intéresse à différents aspects du piano grâce à 30 questions de difficulté variable.

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Un son est en définitive une variation de la pression atmosphérique que je peux percevoir avec mon ouïe. Les variations de pression atmosphérique sont assez lentes. Ce n'est qu'en prenant l'avion ou en redescendant de la montagne que nous pouvons rapidement être soumis à des variations de pression. Ou en faisant du bruit.

Lorsque je frappe un objet il se met à vibrer. Il transmet ces vibrations à l'air qui se met à osciller autour d'une position d'équilibre.

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Un son est en définitive une variation de la pression atmosphérique que je peux percevoir avec mon ouïe. Les variations de pression atmosphérique sont assez lentes. Ce n'est qu'en prenant l'avion ou en redescendant de la montagne que nous pouvons rapidement être soumis à des variations de pression.

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Leçon de piano : le legato, par Philippe Cassard

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Improvisation

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Cycle II et cycle III

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Leçon de piano : le relachement, par Philippe Cassard

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Dossiers

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Apprendre la musique : toute l'actualité et les podcasts à écouter

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Où et comment apprendre la musique ? A quel âge commencer le piano ? Le solfège est-il obligatoire ? Comment jouer dans une orchestre ? Chanter dans une maîtrise ? Comment choisir son prof de musique ? Apprendre la musique en ligne ? Lisez ici actualité et conseils sur l'apprentissage de la musique.

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Mario Paint Music Composer - danielx.net

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This Mario Paint inspired composer tool is easy and fun. You can create simple and beautiful songs right in your browser and share them with the world!

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Activités scolaires à la maison

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Des films poétiques pour sensibiliser les enfants aux pratiques artistiques
Des films éducatifs pour accompagner les programmes scolaires

Comme les livres, la peinture ou la musique, les films et dessins animés pour enfants permettent de se construire des goûts.
Notre portail focalise sur la dimension poétique des films et sur l'originalité de leurs messages et univers visuels.

Sélection de films pour enfants

Il est parfois difficile de choisir un film pour enfants.
Peu de films ou dessins animés originaux à la télévision, au cinéma ou en DVD, mais sur internet, de plus en plus de films de qualité sont proposés en libre accès gratuit et légal par les réalisateurs, réalisatrices et les sociétés de production.

Eveil artistique et accompagnement pédagogique

Les courts-métrages permettent de maintenir l'attention des enfants et ils sont particulièrement appropriés à l'éducation des plus petits car leurs messages sont variés et leurs univers visuels sont originaux.

© Marjolaine Rouzeau. Cinéma et pédagogie

Il est cependant difficile pour les parents et les enseignants de les trouver.

En France, de merveilleuses initiatives en faveur du jeune public proposent aux enfants de découvrir des films de qualité.

L'associationLes enfants de cinéma ouvre les portes des salles de cinéma aux enfants de l'école maternelle et élémentaire ; plus de 10 000 écoles, presque 1 million d'élèves ont bénéficié de ce dispositif en 2015/2016.
D'autres associations commeRêve de Cinéma transforment les hôpitaux, les centres pour enfants malades ou handicapés en de véritables salles de projection et proposent des œuvres cinématographiques pour le bonheur des enfants.

Un dispositif inédit d'education à l'image,l'Atelier cinéma a été développé par le CNC ; il permet aux élèves d'appréhender les différentes étapes de création d'un film comme le scénario, le cadrage, l'équipe du film, le montage et tournage.
Un kit contenant des supports pédagogiques est disponible gratuitement auprès des inspecteurs de l'education nationale ou dans les Ateliers Canopé.

Une application est aussi disponible gratuitement.
Télécharger l'application sur App Store...
Télécharger l'application sur Google Play...

Un accès à la culture cinématographique

Au sein de l'établissement scolaire avec les enseignants et à la maison avec les parents, il n'existe encore que peu de dispositifs pour permettre aux enfants de regarder des films ou vidéos de qualité.

A la recherche d'une alternative pour offrir plus de choix aux enseignants, aux parents et aux enfants, nous sélectionnons, dans le respect des droits d'auteur, des courts-métrages gratuits qui ne sont pas proposés habituellement aux enfants mais, qui sont tous parfaitement adaptés aux plus petits.

Des messages variés et des univers originaux

Comme pour les livres, la peinture ou la musique, les films permettent de se construire des goûts et il est important pour les enfants d'avoir un avis sur les films, de savoir ce qu'ils aiment ou pas. Notre portail de courts-métrages pour enfants focalise sur la dimension poétique des films et sur l'originalité de leurs univers, avec pour objectif pédagogique de devenir un outil d'éveil artistique.

Se construire des goûts

Vous êtes enseignant, professeur des écoles en maternelle ?
Vous cherchez un film ou dessin animé pour les enfants ?
Un film court pour les enfants en maternelle ?
Un film à regarder en famille ou avec vos amis ?
Nous sélectionnons des films pour enfants en streaming gratuits.

Découvrez notre sélection de films adaptés aux jeunes enfants...

Choisir un film pour enfants

Film pédagogique ou film éducatif
Deux approches différentes de l'enseignement.
Pourquoi montrer des films ou vidéos, pour quelles fins éducatives ?

Choisir un film en fonction de son utilisation

Stimuler la sensibilité artistique des élèves ? Enrichir un sujet étudié à l'école ?
Initier les petits enfants au monde magique des images ? Créer un atelier ?
Outil de sensibilisation pour susciter une discussion en famille ?
Déterminer des critères de sélection
Méthodologie et outils pour choisir un film.
L'âge des enfants ? L'originalité des histoires et des univers visuels ?
Les thèmes d'apprentissage à l'école ? Les genres cinématographiques ?

Trouver un dessin animé gratuit

Avoir une grande variété de choix
Que propose-t-on aux enfants ?
Comment et où trouver des films de qualité, un film pour enfants gratuit ?

Les classements de films pour enfants
Connaître ce que les autres aiment peut-être utile pour choisir.

En savoir plus sur comment choisir un film pour le jeune public...

Interviews

Afin de mettre en avant une partie des coulisses de la création, un questionnaire pour dévoiler un peu les goûts et les aspirations des réalisateurs et réalisatrices.
50 créateurs et créatrices se prêtent au jeu.

© Les réalisateurs et réalisatrices

Le personnage qui vous a le plus touché ?
Le personnage qui vous a le plus effrayé ?
Le personnage que vous aimeriez le plus rencontrer ?
Le personnage dans lequel vous voudriez vous réincarner (^_^) ?
Le monde dans lequel vous aimeriez vivre ?
Le monde dans lequel vous n'aimeriez pas vivre ?
Le rôle que vous voudriez jouer dans une oeuvre de fiction ?
Votre plus ancien souvenir de fiction ?
Votre mot favori ?
La musique que vous aimeriez écouter maintenant ?

Découvrez l'univers onirique des réalisateurs et réalisatrices...

Association

"Films pour enfants" est une association d'intérêt général, à but non lucratif.
A vocation internationale, "Films pour enfants" veut offrir, dans un contexte éducatif, un accès au cinéma d'animation d'auteur aux enfants du monde entier.

Sous le patronage de la Commission nationale française pour l'UNESCO, l'association a pour objectif de proposer aux parents et aux professionels de l'enfance, une utilisation régulière de courts-métrages poétiques et éducatifs comme outil d'éveil artistique, d'accompagnement pédagogique, et comme outil de communication pour mieux préparer les enfants, spectateurs et producteurs d'images animées, aux flux vidéos grandissants auxquels ils sont soumis.

Un lieu de partage sur l'éducation, le cinéma et la créativité des enfants.
Venez partager votre passion, votre experience ou vos envies !
Découvrez les objectifs de l'association...

Toujours à la recherche de nouveaux adhérents, de bénévoles, mais aussi de mécènes qui souhaiteraient associer leur entreprise à la diffusion du cinéma d'auteur, l'éducation artistique des enfants et à la démocratisation culturelle.
Découvrez les partenaires de l'association...

Serge Tisseron, Elodie Fondacci et Delphine Maury soutiennent l'association.
Découvrez les les parrains et les marraines de l'association...

Plateforme professionnelle

Vous êtes une institution éducative, culturelle ou sociales ?
Vous voulez organiser des projections en public dans votre établissement ?

© Pierre Bouchilloux. Séance de projection de films

Vous cherchez des activités pédagogiques pour les films ?
Vous préférez visionner les films hors connexion Internet ?

À destination des institutions éducatives, culturelles et sociales, une plateforme d'éducation à et par l'image animée développée en partenariat avec le ministère de l'Éducation nationale, Réseau Canopé et le CNC est disponible sous la forme d'un abonnement annuel, la plateforme a pour objectif d'accompagner les programmes scolaires, de sensibiliser les enfants aux pratiques artistiques et de mieux préparer enfants au flux grandissant des images animées. La plateforme propose 100 courts-métrages d'animation utilisables légalement en classe et accompagnés d'activités pédagogiques.

Financement participatif

S'abonner au portail, c'est aussi encourager la création et la diffusion des films.

© Les auteurs des films

A l'image du financement participatif, l'association reverse une partie des recettes des abonnements annuels des institutions aux auteurs des films qui peuvent, tout en étant rémunérés, mettre en ligne leurs courts-métrages gratuitement sur Internet pour des visionnages dans le cadre de la famille.

Voir les films à l'école, revoir les films à la maison

Les enfants peuvent ainsi revoir les films qu'ils ont découverts à l'école avec les parents dans le cadre de la famille.

Découvrez la plateforme d'éducation à et par l'image animée...

Vous cherchez des informations sur les diffusions publiques non commerciales ?
Quelles sont les différentes offres en France et les tarifs ?
Qui peut organiser des diffusions publiques non commerciales ?
Quels contenus peut-on diffuser ? Quelles sont les déclarations nécessaires ?
Plus d'information sur les diffusions publiques non commerciales...

Programmes thématiques de films

Les arts visuels dont le cinéma contribuent aux pratiques artistiques à l'école mais ils peuvent aussi sensibiliser les enfants aux autres domaines d'apprentissage et être utilisés comme un outil d'accompagnement pédagogique.

À destination des enseignants et professeurs des écoles, notre catalogue de films, dessins animés, courts-métrages à thèmes a pour objectif d'accompagner les sujets étudiés en classe avec les élèves mais aussi d'inviter les parents à regarder en famille avec enfants des films de qualité.

Un outil d'accompagnement pédagogique

Pour les enfants du début de la maternelle jusqu'à la fin de l'école élémentaire, ces programmes thématiques, comme l'instruction morale, le monde vivant, la musique, sont en accord avecles programmes de l'école primaire.

Ils contiennent entre 3 et 6 films pour une durée totale de 20 à 30 minutes.

© Christophe Defaye. séance de projection de films

Vous êtes enseignant et vous cherchez de nouveaux supports pédagogiques ?
Vous cherchez des films sur l'écologie, l'amitié, la mémoire ?

Découvrez nos programmes de films à thèmes...

Qui sommes-nous ?

Enseignants de l'école primaire et producteurs de films d'animation, notre travail nous a conduits à nous intéresser à la dimension éducative des films pour le jeune public. Que propose-t-on aux enfants ? Quels choix ont-ils ?

© Olivier Defaye. Le temps d'apprendre

À quoi sert-il de voir des films ? A partir de quel âge voir les films du site ?
Combien de temps un enfant devrait regarder la télévision ou des films ?

Pourquoi une sélection de films courts ? Pourquoi des films muets ?
Pourquoi des films gratuits ?

En savoir plus sur notre ligne éditoriale...

Contactez-nous !

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Je fais un don ou J'adhère à l'association Des films poétiques pour sensibiliser les enfants aux pratiques artistiques Des films éducatifs pour accompagner les programmes scolaires Comme les livres, la peinture ou la musique, les films et dessins animés pour enfants permettent de se construire des goûts.

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Concerts classiques, émissions

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Concerts classiques : regarder les vidéos sur Auvio

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Regarder les vidéos, extraits et bonus. Concerts classiques en streaming gratuit sur Auvio. Voir et revoir toutes les émissions, programmes, directs, extraits et bonus de la RTBF

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Chers élèves,
pendant cette période un peu différente, en attendant de pouvoir nous revoir au conservatoire, je vous propose :
- de préparer un morceau et de vous enregistrer. Envoyez moi le fichier par mail, avec WeTransfer par exemple si le fichier est trop volumineux. Appelons-nous par téléphone ou WhatsApp pour un cours !
- d'écouter beaucoup de musique
- de découvrir des choses nouvelles
- de partager de beaux moments de musique avec votre famille.
Vous pourriez peut être apprendre à jouer du piano à un  de vos parents ou frères et sœurs ?
- de pratiquer le piano autant que vous pourrez, morceaux, exercices, gammes, quatre mains, duos piano-flûte, de composer, d'improviser...
Vous savez que nous préparons toujours et plus que jamais : notre deuxième audition piano-flûte, notre audition de classe, notre concert autour de la musique contemporaine, nos examens (date à déterminer)...

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Trust and transparency are two "offline" values that we bring to everything we do online. Because to change the world, we need creative ideas and a bit of advocacy. From day one, we've given away 30% of our advertising space to creatives we admire and causes we care about.

This has led to partnerships with artists including Björk, Solange, and FKA Twigs, as well as organizations like the Nelson Mandela Foundation, the UN Development Program, and the World Wildlife Foundation.

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Trust and transparency are two "offline" values that we bring to everything we do online. Because to change the world, we need creative ideas and a bit of advocacy. From day one, we've given away 30% of our advertising space to creatives we admire and causes we care about.

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Pour Alice

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Arnold Schönberg - 6 kleine Klavierstücke op-19 II

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Je pourrai poster sur cette chaîne les œuvres que vous souhaitez entendre, à votre demande.

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Chaîne Conservatoire Piano Classe Laurence

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Les compositeurs

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Le piano

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Les intervalles

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Le piano a été inventé par l'Italien Bartolomeo Cristofori (1655-1731).

Cristofori déplorait le manque de contrôle des musiciens sur le niveau sonore du clavecin. On lui attribue le mérite d'avoir remplacé le mécanisme de pincement par un marteau, créant le piano moderne en l'an 1709.

En réalité, l'instrument fut d'abord baptisé " clavicembalo col piano e forte " (littéralement, clavecin pouvant jouer piano et forte). Cette appellation fut abrégée au profit du nom, aujourd'hui commun, de " piano ".

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Le piano a été inventé par l'Italien Bartolomeo Cristofori (1655-1731). Cristofori déplorait le manque de contrôle des musiciens sur le niveau sonore du clavecin. On lui attribue le mérite d'avoir remplacé le mécanisme de pincement par un marteau, créant le piano moderne en l'an 1709.

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Comment l'utiliser ?

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WeTransfer gratuit : envoyer des fichiers via Internet

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Vous avez besoin d’expédier des fichiers volumineux de plusieurs centaines de méga-octets à l’un de vos contacts ? Le service en ligne WeTransfer s’en charge simplement, rapidement et gratuitement.

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Ex 2

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Ex 3

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Ex4